Literatura científica selecionada sobre o tema "Obras para colorear"
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Artigos de revistas sobre o assunto "Obras para colorear"
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Bellido Márquez, María del Carmen, Luis Casablanca Migueles, César David Hernández Manzano, Antonio Martínez Villa e Balbino Montiano Benítez. "La formación artística desde el museo, conocimiento y conservación de las obras de arte contemporáneo". Revista Sonda: Investigación y Docencia en Artes y Letras 2 (31 de dezembro de 2013): 21–41. http://dx.doi.org/10.4995/sonda.2013.18446.
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Esta investigación surge de la hipótesis de querer implementar las metodologías de investigación en la docencia artística universitaria y la difusión en museos. Más específicamente, para dar a conocer las obras gráficas de José Guerrero a los niños de una manera creativa y práctica a partir de su formación cultural y artística, transmitiéndoles el poder de comunicación de ideas, sensaciones y emociones que tienen las obras gráficas contemporáneas, con el fin de transferirles el compromiso de su conservación. El material utilizado son las veinte obras gráficas que tiene la colección del Centro José Guerrero en Granada, las cuales son estudiadas y transformadas en dibujos para colorear, para que sean trabajadas en los programas de difusión que tiene el museo para los niños. El trabajo se realiza mediante metodología digital, con la que el niño colorea los dibujos de Guerrero en una pantalla, mediante un programa de dibujo, a modo de juego. Los resultados muestran el diseño de las actividades y los dibujos, donde la obra gráfica de Guerrero sufre trasformaciones y genera nuevos elementos de comunicación (Antúnez, 2008) que la hacen material de intercambio de conocimiento y creatividad. Las conclusiones se derivan de haber conseguido convertir la obra gráfica de José Guerrero en elemento de transmisión de ideas y sensaciones mediante nuevas experiencias creativas, gracias al lenguaje dinámico y actualizado de la expresión gráfica adaptado a las nuevas metodologías de enseñanza, haciendo que los niños visitantes conozcan las obras y valoren la necesidad de su difusión y conservación.
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Sagüés Silva, Alicia F. "Analizando una conversación con Jorge Ralph sobre sus obras y el lenguaje de los lápices de colores". Lenguas Radicales 1, n.º 01 (9 de julho de 2021): 74–76. http://dx.doi.org/10.56791/lr.v1i01.12.
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Cuando Elizabeth Torrico me pidió colaborar con esta revista, realizando un artículo sobre la obra de un artista de Copiapó ya elegido, le dije que dependería si era capaz de comprender la obra. Al verla, me fascinó, y entonces quise saber más, sencillamente quise saber más, y confieso que fue por eso que acepté este desafío. Devino entonces una reunión por internet, como manda la pandemia, y además porque yo vivo en la Región de Los Lagos.
Resultó que conversar con Jorge Ralph sobre el lenguaje de los lápices de colores, fue un auténtico agrado, tanto como escudriñar en los infinitos detalles de sus dibujos. Pero ¿son dibujos o son pinturas? Esta fue la primera reflexión en la que nos detuvimos. Si pintar es utilizar pinceles, son dibujos; si pintar es utilizar colores, son pinturas. Si dibujar es delinear, son pinturas; si dibujar se dibuja con lápiz grafito, son pinturas… ¿o no? Todo un debate interminable. Desde luego acordamos no llamarlo artista, ni obras de arte, esa clasificación no depende de nosotros, aunque quisiéramos. Para mí, como historiadora del arte, depende del tiempo. Por ahora, sólo queremos conocer más de su trabajo y disfrutarlo.
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Martínez, Patricia. "Diseño de excelencia como piezas de arte". i+Diseño. Revista Científico-Académica Internacional de Innovación, Investigación y Desarrollo en Diseño 5 (7 de abril de 2011): 48–61. http://dx.doi.org/10.24310/idiseno.2011.v5i.12646.
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Hasta qué punto un diseño y una producción de objetos mimados y hechos a mano, mediante antiguas técnicas artesanales que son revalorizadas, reinterpretadas y reinventadas le proporcionan el nivel de excelencia para ser expuestos como verdaderas obras de arte. La propia colección de novedades diseñadas por Arturo Álvarez componen por sí mismas un corpus digno de una maravillosa exposición de arte contemporáneo, como de hecho tuvo lugar el pasado mes de marzo en la Galería de arte Factoría Compostela.El título de esta muestra de diseño/arte “El volumen de la luz” invita a viajar a los conceptos más íntimos desde los que parte este diseñador a la hora de crear. Durante toda su trayectoria ha jugado con luz: a tamizarla, atraparla, difuminarla y colorearla. Las formas curvilíneas, generosas, amplias y en ocasiones estilizadas, nos remiten siempre a la mujer, a lo femenino y también a la naturaleza más exuberante, temas que impregnan su obra y son siempre recurrentes. La idea de revivir una experiencia mediante un objeto está presente con signos de femineidad y sofisticación.
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Lovo, Anastasio. "Damiana Corea: Creadora de texturas y colores". Cultura de Paz 23, n.º 71 (17 de maio de 2017): 43. http://dx.doi.org/10.5377/cultura.v23i71.3606.
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Para mí es una satisfacción descubrir la obra pictórica de Damiana Corea Arellano (Juigalpa, 1979) y entenderla a ésta como posibilidad real de un relevo solvente en la plástica nicaragüense. Con dominio magistral de la espátula, digna discípula de Vincent van Gogh o Raúl Marín, crea sus densas texturas de mares, cielos, cuerpos, frutas y fondos encrespados, para llamar la atención del espectador a esa dimensión de la pintura, que en experimentación y búsqueda, reflexiona sobre sí misma y su estética: la metapintura.
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Tavolaro, Sergio Barreira de Faria. "Interpretações do Brasil e a temporalidade moderna: do sentimento de descompasso à crítica epistemológica". Sociedade e Estado 36, n.º 3 (dezembro de 2021): 1059–82. http://dx.doi.org/10.1590/s0102-6992-202136030010.
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Resumo Ao revisitar algumas das mais prestigiadas obras de interpretação do Brasil, o artigo debruça-se sobre o sentimento de descompasso que permeia os retratos da vida social brasileira ali delineados. A conjectura que se quer examinar é que, admitida a pluralidade de perspectivas que colorem essa fatura, tais obras insinuam primar no país um ordenamento temporal intricado e sinuoso, apenas em parte sincronizado ao tempo homogêneo, progressivo e linear dos contextos modernos modelares. Importa-me, ademais, contemplar um conjunto de formulações críticas ao imaginário sociológico com o propósito de explorar uma segunda hipótese: tão logo apreciados em diálogo com essas proposições críticas, retratos da sociedade brasileira esboçados nessas obras parecem dispor de elementos sugestivos de um enquadramento teórico sensível às incongruências, assimetrias e tensões que atravessam a temporalidade moderna. Ao final do artigo, pretendo refletir sobre o alcance heurístico dessas ideias e suas eventuais contribuições para o debate sociológico contemporâneo.
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Liparotti, Renan Marques. "Alexandre e Aquiles: do herói ao humano". Boletim de Estudos Clássicos, n.º 61 (29 de dezembro de 2016): 53–65. http://dx.doi.org/10.14195/2183-7260_61_3.
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Os discursos A Fortuna ou a Virtude de Alexandre Magno, parte do conjunto das Obras Morais de Plutarco, constituem‑se de um retrato de Alexandre, do qual, destaca‑se, neste estudo, o aspecto do desenho de Alexandre como guerreiro. Para isso, teceu‑se uma análise em contraponto entre a Vida de Alexandre e as obras homéricas, buscando valorizar como nas imagens o Queronês delineia os traços de Alexandre como guerreiro e soma‑lhe as tintas com que Homero colorira Aquiles. Concluiu‑se que, literariamente, ao aproximarmos Alexandre ao Aquiles de Homero, um herói humano, dotado de virtudes e de vícios, aproveitamo‑nos da capacidade plástica do mito e unimos o Macedónio a uma tradição histórica que retrata o herói como falível, capaz de cometer o erro (hamartia), devido a sua fragilidade humana, o que afere responsabilidade por seu declínio.
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Chambel, Pedro Alexandre de Sacadura. "A simbologia da cores no Horto do Esposo / La simbología de los colores en el Horto do Esposo". Cuadernos del CEMyR, n.º 32 (2024): 309–36. http://dx.doi.org/10.25145/j.cemyr.2024.32.15.
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O Horto do Esposo é um tratado religioso e moral de tendência ascética do final do século xiii ou inícios do xiv. Nele, o autor, possivelmente um monge, fala dos benefícios da leitura das Sagradas escrituras e condena a vida mundana e os prazeres a ela ligados por meio de múltiplos exemplos. O texto comporta uma acentuada vertente simbólica que apela à sua decifração. As cores encontram-se nele citadas com conteúdos simbólicos-alegóricos, permitindo-nos a análise das suas funções e significados contribuir para o estudo das simbologias das cores na literatura medieval galego-portuguesa. A análise comparativa com as conotações das colorações referidas em outras duas obras medievais divulgadas mesmo espaço geográfico, assim como com os simbolismos apresentados para as cores por outros autores, permitirão sublinhar as singularidades do Horto do Esposo ou a sua veiculação com a tradição.
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Rónai, Laura. "Análise de uma análise: Tarasti e Liszt". Per Musi, n.º 25 (junho de 2012): 112–16. http://dx.doi.org/10.1590/s1517-75992012000100012.
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Em seu livro basilar, A Theory of Musical Semiotics, Eero Tarasti empreende a análise semiótica da obra para piano Vallée d'Obermann, do compositor Franz Liszt. Num processo de arguta arqueologia musical, o autor desvenda as várias camadas que colorem a escrita do compositor húngaro. O presente artigo pretende fazer observações à margem deste texto, procurando detalhar e comentar a análise de um dos mais importantes teóricos da semiologia.
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Franco Taboada, José Antonio. "De la teoría de los colores de Goethe a la interacción del color de Albers". EGA. Revista de expresión gráfica arquitectónica 20, n.º 25 (22 de junho de 2015): 48. http://dx.doi.org/10.4995/ega.2015.3703.
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En este artículo se plantea un hilo conductor básico entre la Teoría de los Colores, de Goethe y la Interacción del color, de Albers. Para Goethe, el color tenía un efecto sensible-moral y podía ser puesto al servicio de los más elevados fines estéticos, como más tarde ejemplificó magistralmente Albers en su serie Homenaje al cuadrado, de una forma que se ha definido como “medios mínimo, efecto máximo”, en su última y más completa exposición retrospectiva. La vertiente académica de Albers llega a su máxima expresión en la obra citada, cuya evolución de lo analógico a lo digital seguramente supondrá una nueva difusión, lastrada hasta ahora por lo limitado de las versiones de bolsillo y lo inalcanzable de las versiones completas impresas
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Bencastro, Mario. "El vuelo de la alondra de Mario Bencastro". Revista de Museología "Kóot", n.º 10 (31 de janeiro de 2019): 205–8. http://dx.doi.org/10.5377/koot.v0i10.6706.
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En esta intrigante novela el autor combina su experiencia de pintor con su inventiva literaria para ofrecernos una “ficción pictórica”, en que la realidad y el arte convergen formando un mundo alucinante.Un experto en arte, Marc Douanier, es enviado a San Salvador por una subastadora de París para adquirir la obra de un artista local, que la crítica internacional califica como “magistral expresión del realismo fantástico del nuevo mundo” y está siendo solicitada por importantes galerías, museos y colecciones privadas que incrementan rápidamente su valor monetario.Para llevar a cabo su misión el experto debe sortear situaciones extrañas como pinturas robadas y falsificadas, y sectas secretas que dificultan su tarea, encima de que el país del artista se encuentra en una convulsión política y social que le recuerda la histórica revolución francesa que conmocionó a su propia tierra hace siglos.Marc Douanier trae el especial encargo de comprar una pintura del artista salvadoreño para la colección del Museo de Louvre, pero antes debe resolver un misterio: ¿Por qué los cuadros quedan en blanco? ¿Qué sucede con los personajes de las pinturas? ¿Se escapan ellos de su prisión de colores siguiendo al pueblo que lucha por liberarse de un opresivo sistema?El lema de Benjamín Cañas “Pinto la realidad como yo la imagino” colorea estas páginas, y sus personajes pictóricos cobran vida en este mural novelesco. “Benjamín Cañas fue un virtuoso, un pintor inédito, reflexivo, que dejó una herencia al arte latinoamericano y al mundo.” –Bélgica Rodríguez, Directora del Museo de Arte de las Américas, Washington DC, EEUU, (1988-1994).
Teses / dissertações sobre o assunto "Obras para colorear"
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Enríquez, Vásquez Raúl Antonio. "Sistema Móvil de Recuperación de Información Visual Utilizando Formas y Colores para el Reconocimiento de Obras Arquitectónicas". Thesis, Universidad de las Américas Puebla, 2013. http://catarina.udlap.mx/u_dl_a/tales/documentos/lst/enriquez_v_ra/.
Texto completo da fonteResumo:
En la actualidad, el gran número de información que se encuentra disponible en el Internet ha hecho que el acceso a la misma se realice de manera sencilla gracias a los motores de búsqueda que existen. Debido a la gran cantidad de imágenes que se encuentran disponibles ha provocado que los algoritmo de recuperación de información que actualmente manejan los motores de búsqueda sean poco eficiente, debido a que solo se requiere que la palabra que conforma la consulta se encuentre en el nombre de la imagen o descripción de la misma, además de que se requiere de accesar a un sitio web para poder realizar las consultas.
El presente trabajo tiene como objetivo el desarrollo de una aplicación para dispositivos móviles enfocada al reconocimiento de obras arquitectónicas, en base al análisis de los métodos de recuperación de información visual que tomen en cuenta características de bajo nivel. Para la implementación del sistema se utilizó como dispositivo móvil un iPad, el cual trabaja con el lenguaje de programación XCode y utilizando las librerías de OpenCV para el procesamiento de imágenes.
Los resultados obtenidos en la fase de pruebas fueron satisfactorios ya que el sistema tiene la capacidad de hacer la comparación del contorno de las imágenes, así como los colores con los que cuenta dicha imagen y regresar las tres imágenes más similares. A partir del presente trabajo, se pueden realizar aplicaciones enfocadas al turismo, al área mercadológica y en sistemas de localización.
Livros sobre o assunto "Obras para colorear"
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PINTORES ESPAÑOLES. Obras Maestras para COLOREAR. Independently Published, 2020.
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Dobson, Lina. Soul Libro para Colorear : Soul 2021 Obras de Arte para Colorear: Colorear Imágenes Fantásticas. Independently Published, 2021.
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3
Arte urbano. Madrid: Susaeta, 2016.
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4
Arte Terapia para Colorear Obras Impresionistas: Libro Arteterapia Antiestrés, Colorear Adultos y niños, para Relajarse, para Regalar... Independently Published, 2021.
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5
Arte Terapia para Colorear Obras Impresionistas: Libro Arteterapia Antiestrés, Colorear Adultos y niños, para Relajarse, para Regalar... Independently Published, 2021.
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6
Avas, Ryan. OBRAS MAESTRAS de la PINTURA UNIVERSAL. LIBRO de COLOREAR para ADULTOS. 40 Obras de Arte para Colorear de Grandes Pintores Del Mundo: Dibujos de Cuadros Famosos para Colorear. Independently Published, 2021.
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Colorear el mundo salvaje: 60 obras de arte geométricas, para colorear por número. Art Blume, S.L., 2016.
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8
Querkles. Obras maestras: Un libro magnífico para colorear por números. Art Blume, S.L., 2016.
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OBRAS MAESTRAS de GRANDES PINTORES. Libro de Colorear para Adultos. Independently Published, 2020.
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10
Fireman Sam Libro para Colorear: Fireman Sam Grandes Obras de Arte con Imágenes No Oficiales. Independently Published, 2021.
Encontre o texto completo da fonteCapítulos de livros sobre o assunto "Obras para colorear"
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Alonso Mora, Alba. "La vida de la piedra. La cantera y el arte de la cantería histórica: Prefacio". In La vida de la piedra. La cantera y el arte de la cantería histórica, 8–15. Universidad Nacional de Educación a Distancia UNED, 2022. http://dx.doi.org/10.5944/canteria.historica.2022.01.
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La piedra es y ha sido el material constructivo por antonomasia en la mayoría de civilizaciones. Sus propiedades son especialmente aptas para el levantamiento de edificios y la pavimentación de suelos y carreteras, así como para la elaboración de muebles, elementos decorativos y un sinfín de objetos. La amplia gama de variedades pétreas, junto a las posibilidades que ofrecen sus innumerables características estéticas, nos permiten hablar no sólo de utilidad, sino también de ornamentación, de arte y de simbología. Buena parte de nuestro patrimonio histórico-artístico se erige en piedra, y sentimos una conexión cultural tangible y muy potente con las rocas presentes en catedrales, palacios, monasterios, museos, parques de recreo, edificios públicos… Estos conjuntos monumentales conforman nuestros «loci memoriae» y «encierran contenidos poderosos para la interpretación histórica, social, cultural y de género»2 generadores de un lenguaje inmarcesible y coherente de comunicación visual que proviene, esencialmente, de la roca convertida en obra de arte, es decir, del estadio final del ciclo productivo de la piedra. Historiográficamente, se ha mantendio esta admiración por el resultado, sobre todo desde la Historia del Arte, que ha inundado páginas y páginas de artículos y libros en los que se resaltan y alaban los colores, el brillo, la composición y la ubicación, anunciando así la importancia del material, su valor decorativo y lo delicado de su manipulación y trabajo. Nuestro seminario, sin embargo, se ha centrado en otra perspectiva: la recreación de todo el sistema de producción, una mirada amplia que engloba distintos procesos que toman como punto de partida una idea, nacida en la imaginación del comitente y del artista, quienes, conectados, ponen en marcha toda la «maquinaria» necesaria para la consecución de las obras, empezando por la selección concreta de la piedra y de la cantera, pasando por su extracción y transporte, y culminando en su perfeccionamiento y emplazamiento
Trabalhos de conferências sobre o assunto "Obras para colorear"
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Guillamon Martin, Alfredo. "Paisaje y cotidianidad. El color y el reflejo como estrategia visual en la naturaleza". In V Congreso Internacional de Investigacion en Artes Visuales ANIAV 2022. RE/DES Conectar. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2022. http://dx.doi.org/10.4995/aniav2022.2022.15512.
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El artículo analiza las obras Pantone en flor y Open air monochromes, resultado de investigaciones desarrolladas a partir de los nexos entre arte, naturaleza y espacio cotidiano. Estos trabajos se han centrado en explorar la relación entre paisajes concretos situados en el entorno vivencial del autor y su paleta cromática. Para ello se utilizó un artefacto compuesto con una lente de aumento, que permitía obtener versiones monocromáticas de los colores de las flores silvestres que poblaban el lugar. El trabajo se originó a partir de los registros fotográficos y videográficos de esta experiencia visual, lo cual dio lugar a que surgiera una serie que sirvió para indagar sobre los conceptos ampliación de la mirada y micropaisaje. Las obras se configuraron mediante métodos de descomposición y síntesis de la imagen, lo cual facilitó que surgiera un discurso en torno al reflejo y el color, y que se desarrollara un código con el que reformular y entender mejor el lugar. El lenguaje formal rotundo y sencillo de Pantone en flor ha permitido que la poesía de la propia obra se expresara sin añadido alguno, ofreciendo a su vez un catálogo de los colores autóctonos del lugar. El título de cada pieza de la serie está compuesto por el nombre común de la planta y el número de Pantone® que le corresponde a su color. Paralelamente, con la obra videográfica Open air monochromes se aprovechó el movimiento provocado por la acción del viento, para hacer una inmersión en el carácter dinámico de los colores monocromos y en sus propiedades sonoras, desvelando así un nuevo diálogo entre estos y su propio hábitat.
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Li, Liqun. "Exploración del color y la gráfica de la arquitectura en el arte visual contemporáneo". In VI Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales ANIAV 2024. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2024. http://dx.doi.org/10.4995/aniav2024.2024.18287.
Texto completo da fonteResumo:
Mi investigación doctoral se centra en el papel del color y la estética gráfica en la práctica artística, haciendo hincapié en cómo influyen estos elementos en la percepción estética y la interpretación del arte visual. En concreto, examino cómo los artistas utilizan los colores, los elementos gráficos y las técnicas para comunicar conceptos, evocar emociones y desafiar las convenciones estéticas establecidas. En el marco del VI Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales ANIAV, presentaré los resultados de mi investigación, basada en un enfoque interdisciplinar que combina teoría del color, gráfica, procesos y materiales, semiótica visual y análisis estético. A través de análisis detallados de obras de arte contemporáneo, exploraré cómo los artistas utilizan los colores, los elementos gráficos, las composiciones visuales y la manipulación de la forma para crear significados prácticos, múltiples y complejos en sus obras. Mi presentación también tratará sobre el impacto de la tecnología digital contemporánea y del color en la estética gráfica, especialmente en relación con la manipulación digital del color y la creación de efectos visuales innovadores. Además, discutiré la relación entre el color, el grafismo y la identidad cultural, y de cómo esto influye en la percepción y aplicación del color en las artes visuales contemporáneas en el contexto del desarrollo sociohistórico. En general, mi investigación contribuye a comprender cómo unos artistas contemporáneos utilizan el color y la estética gráfica para crear obras de arte que combinan significados visuales complejos con artísticas prácticas y para estimular la reflexión crítica sobre cuestiones sociales, culturales, económicas y políticas en el arte visual contemporáneo.
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Silva Fino, Michel, e Teresa Contell Villagrasa. "El fenómeno del metamerismo en la digitalización de las obras de arte". In Congreso CIMED - II Congreso Internacional de Museos y Estrategias Digitales. Valencia: Editorial Universitat Politècnica de València, 2022. http://dx.doi.org/10.4995/cimed22.2022.15205.
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El metamerismo es un problema que sufren especialistas en el ámbito de la fotografía y las artes gráficas. Este fenómeno provoca que dos colores que son distintos no se puedan distinguir correctamente, pudiendo ser por varias causas, entre ellas el ángulo de observación, el entorno de la pieza y la iluminación. Sobre esta última existen normativas y estándares internacionales, como la ISO3664, que trazan pautas para reducir las probabilidades de que el fenómeno se produzca, pero estas normas solo se aplican a equipos cuya finalidad es el análisis y comparación de fotografías, reproducciones y trabajos de artes gráficas, ya sean impresas o vistas en pantallas. Los citados estándares están algo desactualizados respecto a los adelantos en el campo que ha hecho la iluminación LED, así que fueron redactados en una época de iluminantes menos fiables, con periodos cortos de vida y deterioros cromáticos rápidos. La actual sindemia ha acelerado los procesos de digitalización de muchos museos. Estas instituciones están dirigiendo cuantiosos recursos a la disposición de sus fondos y colecciones en portales Web diseñados a tal fin, y observan con interés los adelantos de la era digital, como las realidades virtuales y los metaversos, a los que seguramente tardarán poco en subirse de forma masiva. En este contexto, uno de los primeros pasos que se tiene que dar es la toma de imágenes de las colecciones que se quieren poner a disposición del público digital, y es aquí donde el fenómeno del metamerismo puede entorpecer la correcta digitalización de las obras, porque si la obra presenta colores metaméricos, la fidelidad de la toma de datos puede quedar comprometida si no se cuenta con iluminantes de referencia adecuados, que por lo general son inexistentes en los departamentos de fotografía de los museos. Dentro del amplio abanico de iluminantes, nos centramos en el estudio de una reciente tecnología que permite generar un espectro continuo, más cercano a la luz solar, y que no solo nos permite aproximarnos satisfactoriamente a los iluminantes de referencia establecidos por la CIE (Commission internationale de l'Éclairage) sino que carece de los problemas que adolecen iluminantes de referencia de tecnologías obsoletas, como sus espectros discontinuos, bajos índices de reproducción cromática, bajas eficiencias y la gran dificultad técnica que presentan algunos de ellos para adaptarse adecuadamente a las exigencias de trabajo de los departamentos de fotografía de los museos.
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Franco, Jorge. "Un modo descolonizado de crear un espacio digital tridimensional basado en la integración del conocimiento transdisciplinario". In LINK 2021. Tuwhera Open Access, 2021. http://dx.doi.org/10.24135/link2021.v2i1.66.g54.
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Esta obra de arte experimental ha intentado producir un estado de ánimo descolonizado de investigación y creación de un espacio digital de Realidad Virtual (VR) tridimensional (3D), basado en la integración del conocimiento transdisciplinario. Ha aplicado el concepto de Transformación Digital (DX) (O’Brien y Reinitz, 2021) dentro de los procesos de práctica computacional educativa (Tissenbaum et al.2019) para el empoderamiento de las personas (Freire, 2016), mediante el diseño y la realización de un espacio 3DVR, utilizando técnicas de programación de gráficos por computadora en 3D para desarrollar la comunicación visual (Cunningham, 2007), con el apoyo del empleo de tecnologías basadas en Web3D (Web3d Consortium, 2021) como Recursos Educativos Abiertos (REA) (UNESCO, 2019). Las tecnologías Web3D accesibles y de bajo costo han permitido practicar, analizar y extender una investigación a largo plazo en los niveles de educación K-12 referente al intercambio de conocimientos, con el objetivo de inspirar la participación de las personas en las prácticas informáticas que abarcan las habilidades de codificación y alfabetización visual (Franco y Lopes, 2012; Franco , 2020), incluyendo el arte y sus oportunidades de aprendizaje y expresión en la era digital (Wand, 2007). Con el apoyo de las tecnologías Web3D y las experiencias de aprendizaje y enseñanza a lo largo de la vida, a través de la participación en un curso llamado “Proyecto Espetáculo em Realidade Aumentada”, en Fabrica de Cultura Diadema, el diseño e implementación continuos de esta obra de arte ha extendido nuestro proceso de investigación mediante la producción de un contenido mediante la interconexión del conocimiento conceptual relacionado con la obra de arte visual de la mezcla de culturas afrobrasileña, amerindia y europea de Rubem Valentim (Mendes Wood DM, 2021) y la representación simbólica de la cultura afroamericana de Jacob Lawrence (Smithsonian American Art Museum, 2021). Ambos artistas tienen una trayectoria de aprendizaje permanente y utilizan la geometría y las formas coloridas en su composición artística. Sus obras de arte han expresado conocimientos relacionados con las culturas afrobrasileña y afroamericana, contribuyendo a reducir la brecha en la invisibilidad en la educación oficial (Fernandes, 2016) y en la enseñanza de las contribuciones de la cultura negra al mundo de las artes, las ciencias y la tecnología. La interacción con la trayectoria y la obra de estos artistas ha llevado a investigar, aplicar y compartir conocimientos relacionados con África antigua, teniendo como referencia el uso de la civilización egipcia de las matemáticas, la geometría en cierta medida (geometría sagrada, Calter, 1998), y el conocimiento de formas y colores para construcción y decoración de pirámides y otros monumentos. Tal confluencia de conocimiento transdisciplinario ha hecho parte de la investigación y formación de bibliotecas y técnicas de gráficos por computadora, lo que permite, a través de prácticas educativas de programación de computadoras en 3D, integrar en esta realidad virtual 3D (VR) - (3DVR) las características de las obras de arte de la escultura digital, la instalación y el net art (Wands , 2007) de forma independiente y/o mediante una interfaz basada en blog. Por lo tanto, esta confluencia de conocimientos ha provocado, como se investigó y materializó a través del uso de gráficos por computadora en 3D en T’ÒSÚN, (2014), la construcción y visualización de la representación simbólica de los adornos e instrumentos sagrados de los Seres Encantados afrobrasileños, europeos y amerindios, incluida la posibilidad de mejorar las habilidades cognitivas y técnicas de las personas.
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ALCAIDE-RAMÍREZ, AURORA. "Villa Väinölä y los estratos de su memoria. Aproximaciones desde la práctica pictórica personal". In V Congreso Internacional de Investigacion en Artes Visuales ANIAV 2022. RE/DES Conectar. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2022. http://dx.doi.org/10.4995/aniav2022.2022.15508.
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La ponencia abordará el proyecto personal Villa Väinölä, Elokuu 2018 que surge a raíz de una residencia artística en Villa Väinölä (Alarjärvi, Finlandia), auspiciada por el Museo Nelimarkka. Esta casa, obra del afamado arquitecto Alvar Aalto (1926), fue diseñada para su hermano Väinö como vivienda y lugar de trabajo. Posteriormente, en el año 1952, es cedida al municipio adoptando diferentes usos hasta 1999, momento en el que fue clausurada. En 2010, tras más de una década cerrada y abandonada, el consistorio inicia su restauración, tomando impulso a partir de 2015, cuando la Fundación Eero Nelimarkka se hace cargo del inmueble para convertirlo en residencia de artistas, centro cultural y sala expositiva. En agosto de 2018 tengo el privilegio ser la primera artista en habitarla, coincidiendo con su reapertura al público. La relevancia de este hecho me motiva a realizar un proyecto artístico acerca de esta villa, sobre las capas de memoria que albergan sus paredes, mi experiencia allí y la huella de Alvar Aalto. Como objetivos secundarios me planteo visibilizar la figura de Aino Aalto que, a pesar de ser una pieza clave en todos los diseños atribuidos a su marido, permanece siempre a su sombra; así como abordar la faceta de madres de las mujeres artistas, teniendo que conciliar la vida profesional con la familiar, debido a que durante la residencia me acompañó mi hija. La serie está integrada por obras de diferentes formatos y dimensiones realizadas con técnica mixta (impresión digital, acrílico, lápices de colores, rotuladores y collage) sobre papel o lienzo. En ellas se plasma la esencia de la casa de una manera abstracta y metafórica, centrando la atención en las texturas del edificio y en los numerosos registros estratigráficos realizados durante su rehabilitación, que dejaron al descubierto las distintas capas de la memoria que la conformaban.
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Gerena Bonilla, Ana. "La imposibilidad fisiológica de la excarcelación del color en el arte fauvista". In V Congreso Internacional de Investigacion en Artes Visuales ANIAV 2022. RE/DES Conectar. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2022. http://dx.doi.org/10.4995/aniav2022.2022.15492.
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De todas las áreas que se estudian desde el campo de la neurociencia, la visión del color es con toda probabilidad la rama que ha generado más debates. Se trata de una cuestión que ha interesado y se ha abordado, tanto desde el punto de vista fisiológico, como en los diferentes campos del saber humanístico, con especial atención del uso de los colores por los artistas a lo largo del tiempo. Hablar de color, dentro del ámbito de las vanguardias históricas, es hacerlo de los fauvista, ese período artístico que se desarrolló con múltiples propuestas, en donde aparentemente no había una idea heterogénea de grupo, pero que compartían una preocupación en común, la exaltación del color por encima de la forma. Desde parámetros neurocientíficos, el cerebro de los artistas fauves y su concepción del color, resulta extremadamente interesante, ya que, para excarcelar el color de la forma, los fauvistas llegaron a una solución imposible a nivel fisiológico: dotar a las formas de colores que no suelen asociarse con ellas y así romper con las ataduras cromáticas a una forma concreta e incluso al conjunto de ellas. Seguramente el artista que más estragos produjo y produce al cerebro, sea Matisse. Resulta curioso, que en el texto Notas de un pintor (1908), indicara que soñaba con un arte puro, equilibrado y tranquilizador, que actuara como calmante cerebral. Hoy en día, gracias a la neurociencia moderna sabemos que, al contemplar una obra suya, se activan una serie de áreas corticales especificas que nos produce disonancia cognitiva y una profunda insatisfacción, ya que, su pintura rompe con los conceptos adquiridos que tienen que ver con la asociación de los colores y sus formas naturales.
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Blanco, Marcela, e Karina Perdomo. "SELF, un acontecimiento visual." In IV Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. ANIAV 2019. Imagen [N] Visible. Valencia: Universitat Politècnica de València, 2019. http://dx.doi.org/10.4995/aniav.2019.9031.
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En una sociedad sobreexpuesta de imágenes muchas veces invasivas, en la cual rebasan su propio territorio, deberíamos comenzar a reflexionar sobre la propia visibilidad de las mismas.Ver, significar, sobre esa base fue concebido “SELF, un acontecimiento visual”un proyecto donde el observador requiere de la autorreferencia para percibir la visualidad. Reconocer nuestra propia imagen posibilita que comprendamos el exterior, según Lacan y su Estadio del espejo (1949),el individuo se introduce en el mundo de las imágenes las cuales poseen un gran poder de integración del yo. Este concepto es sumamente importante para comprender la contemporaneidad, en otras palabras nuestro mundo, el mundo del yose origina en la imagen.Construir una visualidad, identificar a partir de formas, colores y movimientos creados a partir de un dispositivo experimental que cómo bien propone Català (2005) enlazó dos paradigmas opuestos logrando un trabajo en conjunto.Este proyecto se creó a partir de una interfaz autónoma construida por un sensor kinect, su función es la de provocar con sus movimientos a los sujetos colaboradores. Elaborando un mapeamiento de su imagen mediante un algoritmo que consigue reconocer a las personas que se encuentran en su campo de visión.Esta investigación procura producir y relevar las consecuencias de las relaciones que genera el dispositivo de imagen con los sujetos cuando se establecen en un tiempo y un espacio determinados.Además este trabajo pretende contribuir a prácticas de análisis, crítica y creación visual. Prácticas donde deberemos insistir en dejar de ver las imágenes y las obras de arte como objetos de contemplación; incorporando a la escena planteada la discusión y producción sobre el reconocimiento de la imagen.
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Maldonado Gómez, José. "Envasado al vacío. Por una genealogía de los sistemas de conservación y almacenaje y sus derivaciones estéticas." In V Congreso Internacional de Investigacion en Artes Visuales ANIAV 2022. RE/DES Conectar. València: Editorial Universitat Politècnica de València, 2022. http://dx.doi.org/10.4995/aniav2022.2022.15465.
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Toda creación y producto estético requiere de un medio que lo exprese y contenga, también que garantice su conservación, en tanto la intención o el concepto bajo el que se haya pensado y producido, así como incorporar las características que permitan su almacenaje y exposición, incluso en su conceptualización y poética.El medio, por tanto, es parte esencial de la acción, acto u objeto elaborado con intención y sentido estético.Sucede, sin embargo, que ciertas actividades humanas no pensadas o realizadas con tal intención de producción de sentido estético contemporáneo, por ejemplo, las religiosas o referidas a industrias alimentarias, entre otras muchas, tienen una estrecha relación con la función y la dimensión espiritual de las personas y las sociedades que estas constituyen y sus expectativas, y con la transmisión de un anhelo de vida más allá de la biológicamente estimada y probable, o de una alimentación más definida y mejor "etiquetada". A través de regímenes simbólicos diversos, generan, estas actividades y sus discursos, derivaciones y conexiones que excitan la creatividad y producción de sentido estético y el empleo de referentes, materiales y narrativas que pasan a formar parte de las series de sentido del campo de la creación artística.El almacenamiento y la conservación de productos, en términos generales, con independencia de categorías o funciones específicas, es esencial para la preservación, no ya del objeto en sí, también del conocimiento y la transmisión del mismo.Una imagen intensa e interesante durante la pandemia ha sido la que hemos podido vivir y ver en supermercados o en nuestros hogares: estantes vacíos, congeladores llenos y casas que se reorganizaban para superar el estrés del confinamiento y garantizar la habitabilidad de las unidades de habitabilidad.Ciertos ejemplos de estas derivaciones, tan históricos como contemporáneos, y extremamente actuales, son los casos de la momificación en la antigua civilización egipcia (una manera religiosa de almacenamiento y conservación -ALCO), ritual funerario que afecta y genera todo un universo mitológico y espectacular en lo literario, cinematográfico y en la cultura del comic, Caballero Luna (Marvel.1975 / 2022), o en la obra de artistas como Allan Maccollum y los surrogates del Perro de Pompeya (1991) (versión del resto arqueológico del año 79 d.C.); también en la obra de Ai Wei Wei y sus vasijas coloreadas (2006) (Colored Vases): jarrones de la dinastía Ham sumergidos en pintura) o en los proyectos de George Maciunas, One Year (1973/74) (envases de alimentos consumidos durante un año. 1973 / 74), entre otros muchos.El objetivo de esta investigación es trazar una serie de recorridos que sirvan para mostrar un paisaje en el cual la producción de sentido estético se ve atravesada por las necesidades múltiples del cuerpo social e individual y genera objetos de conocimiento que asumen en su constitución conceptual, poética y formal la conservación y el almacenamiento, como atributos y factores determinantes de su propia entidad estética.