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Teses / dissertações sobre o tema "Mise en scène de l'Histoire"
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Makach, Zohra. "La mise en scène de l'histoire : du texte à la représentation (la Révolution Française)". Paris 3, 1995. http://www.theses.fr/1995PA030161.
Texto completo da fonteResumo:
La dramaturgie et la representation de l'histoire ne consistent pas a fabriquer des categories theatrales aptes a representer les evenements historiques. Le theatre reconstruit le reel tout en lui attribuant de nouvelles interpretations. Autrement dit, une fois theatralise, l'evenement historique est depouille de son immediatete, il devient quelque chose de quantativement different qui fait partie d'une autre realite. L'histoire apparait comme la voit les personnages, les acteurs de theatre et les hommes de tous les temps. Le theatre historique n'est donc pas une simple narration liee a la linearite de l'intrigue, mais la narration liee a la polyphonie de la representation scenique ou s'entrecoisent le fictif et le reel au point de se confondreThe dramaturgy and the performance of history do not consist in the making up of theatrical categories able to represent the historical events. Theater reconstructs the real, and in the meantime endows it with new interpretations. That is to say that once dramatized the historical fact is divested of its immediacy. It becomes something quantitatively different that belongs to another reality. History appears as the protagonists, the comedians and the men of all times see it. The historical theater isn't then a simple narration related to the linearity of the plot, but rather a narration related to the polyphony of the scenic performance where the fictional and the real intermingle to the point of confusion
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Bottin, Béatrice. "José Martín Recuerda aux prises avec l'Histoire : dramaturgie et scénographie". Pau, 2008. http://www.theses.fr/2008PAUU1014.
Texto completo da fonteResumo:
Affecté par la Guerre Civile, censuré par le régime franquiste, forcé à prendre le chemin de l'exil, accueilli par la suite par Salamanque, au terme d'une carrière mouvementée, José Martín Recuerda a désiré s'en retourner à Salobreña, petit village d'Andalousie, pour retremper son âme aux sources de sa terre natale. Cette région a été son principal foyer d'inspiration, qui lui a prodigué les protagonistes de ses pièces dominées par la présence de personnages féminins, paradigmes des héroïnes de la tragédie grecque. Célèbre en tant que dramaturge, nourri de théâtre classique et très sensible aux inflexions historiques et politiques de l'Espagne de l'après-guerre, son travail de metteur en scène demeure par trop méconnu. En outre, peu d'études ont été consacrées à la vision qu'ont eue les metteurs en scène en abordant le montage de certaines de ses pièces, d'où l'objet de notre recherche. Notre choix a porté sur "Las salvajes en Puente San Gil", "Las arrecoǵias del Beaterio de Santa Maŕia Egipćiaca" et "La Trotski" qui non seulement sont complémentaires par leur thématique mais encore qui signalent une progression dramaturgique et scénographique étroitement liée aux aléas de la vie du dramaturge ainsi que de la société espagnole. Leurs mises en scène par des compagnies professionnelles, reconstituées par nos soins, permettent d'analyser la démarche des metteurs en scène, les difficultés auxquelles ils ont été confrontés et le point de vue esthétique qu'ils ont adopté pour les monterTraumatized by the Civil War, censored by the Franco regime which compelled him to go into exile, befriended by Castile and the city of Salamanca, José Martín Recuerda wished to end his days in Salobreña, a small village in his motherland, Andalusia. That region and Spain were his sources of inspiration and became the protagonists of his plays where the presence of female characters is predominant, as paradigms of Greek tragedy heroines. He was famous as a playwright, whereas his work as a director war far too underrated. Yet it was in revisiting the works of the Spanish classical repertoire and the Greek tragedy, in pursuit of his search for unusual settings for his productions, while taking into account the historical and political upheavals his country was experiencing, that he enriched his own works. Few studies have been devoted to the way directors have viewed things when tackling the staging of some of his plays, this also justifies our research. "Las salvajes en Puente San Gil", "Las arrecoǵias del Beaterio de Santa Maŕia Egipćiaca" and "La Trotski" are complementary in their themes. They also respond to an evolution of his dramatic art and scenography, closely connected with the hazards of his own life as well as those of Spanish society. Their stagings by professional companies, reconstructed after collecting photos and video recordings of the performances, make it possible to analyse the director's tasks, the difficulties they faced and the esthetic points of view they chose in order to stage them
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Trouche, Dominique. "Communication visuelle et espaces de mémoire : mises en scène de l'histoire : images, territoires, représentations". Bordeaux 3, 2007. http://www.theses.fr/2007BOR30057.
Texto completo da fonteResumo:
Le projet de cette thèse est d’analyser l’utilisation des techniques d’information et de communication dans des sites des Guerres mondiales (Verdun, la Somme, la Normandie, le Vercors, l’Alsace, Oradour-sur-Glane). Leur insertion récurrente, à partir des années 1990, a participé à la transformation des paysages mémoriels. Les sites sont progressivement mis en communication par de nouvelles structurations des territoires, des stratégies d’image, une redéfinition de l’exposition et une architecture utilisée comme media. Ces différents niveaux de modification influent sur la perception de ces espaces qui jouent sur les ressentis des visiteurs et la reconstitution des événements historiques. Les techniques d’information et de communication installent une médiation entre le visiteur et ses perceptions. Cette recherche a également permis de souligner le jeu complexe du passé/présent. Ces techniques sont des marqueurs du présent et elles ont dû s’agencer avec le passéThe objective of this thesis is to analyse the use of information technologies in the locations of the World Wars (Verdun, the Somme, Normandie, Alsace, the Vercors, Oradour-sur-Glane). Their recurrent insertion since the 1990s has participated in the transformation of memorial sceneries. The locations are gradually communicated by new structuring of territories, image strategies, a redefinition of exposure, and architecture used as a media. These different levels of modification influence the perception of these spaces and play on visitors experiences and the reconstitution of historical event. The information and communication technologies provide a mediation between the visitor and their perceptions. This research has also allowed us to underline the intricate game of past/present. These technologies are representative of the present and yet they had to combine with the past
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Guillemette, Antoine. "Eamon de Valera et l'utilisation de l'histoire la mise en scène du passé au coeur de son discours entre 1932 et 1948". Mémoire, Université de Sherbrooke, 2007. http://savoirs.usherbrooke.ca/handle/11143/2544.
Texto completo da fonteResumo:
À travers ce mémoire, nous avons tenté de répondre à la question suivante: comment et pourquoi Eamon de Valera, le plus illustre représentant nationaliste irlandais au XXe siècle, a-t-il utilisé l'histoire dans de son discours politique entre 1932 et 1948, soit sa plus longue période à la tête de l'État? Notre réponse s'articule en trois temps. En premier lieu, de Valera a cherché à établir que le passé irlandais était un passé clairement national. Son entreprise a consisté à faire exister la nation sur la longue durée et à donner à la nation une existence continuelle, depuis toujours et pour toujours. Ensuite, l'homme d'État a voulu montrer que le passé était porteur d'obligations, c'est-à-dire que la voie de l'avenir pour l'Irlande résidait dans une réactivation du passé, sorte de projection rétrospective. Chacun des objectifs devaleriens était légitimé par des exigences historiques, que ce soit le respect de l'enseignement des morts, l'exhortation à accorder la primauté à la spiritualité et à l'esprit face à la modernité, l'aspiration d'assister à une résurrection de l'âge d'or irlandais ou le refus du statut de demi-nation. Finalement, il a souhaité s'accorder une place centrale dans l'histoire irlandaise en cherchant à se donner l'image d'un sauveur. Toutefois, compte tenu de son passé personnel, il a également eu besoin de recourir à l'histoire pour se sauver lui-même. En somme, la récurrence du recours à l'histoire permet de conclure qu'il voyait dans cette stratégie une réponse"universelle" aux défis auxquels il était confronté. En définitive, et nous ne saurions exagérer l'importance de cette conclusion, de Valera n'a cessé de mettre le passé irlandais au service de volontés solidement ancrées dans le temps présent ou, en d'autres termes, il a voulu dompter la dimension du passé dans le but de légitimer ses volontés actuelles.
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Baconnet, de Saint-Aubert Hélène. "L'Histoire de Tobie et de Sara (Paul Claudel) : pour une dramaturgie de la gloire". Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040122.
Texto completo da fonteResumo:
Cette thèse (cinq parties, 1273 pp. ) propose une lecture de la dernière grande pièce de Claudel, L'Histoire de Tobie et de Sara (1938), à la lumière du concept de "gloire" - notion qui autorise en retour un parcours transversal des conceptions tant dramaturgiques, esthétiques, anthropologiques que théologiques de l'auteur. Ce drame transpose en structures dramatiques une théologie spirituelle de l'Histoire. Saturé de citations bibliques, il met en place un théâtre exégétique et une poétique analogique qui voient l'union accomplie du Verbe et du mot. Il édifie enfin une dramaturgie totale usant de tous les arts pour mettre en scène le totum simul de la gloire. Le corps glorieux, parfaite expression sensible de l'esprit, informe le traitement du corps ainsi que la conception du langage : il est l'attracteur secret de cette dramaturgie. Une étude des différentes mises en scène complète la réflexion en annexe.
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Renaut, Aurore. "L' écriture de l'histoire dans les biographies didactiques de Roberto Rossellini". Aix-Marseille 1, 2010. http://www.theses.fr/2010AIX10121.
Texto completo da fonteResumo:
Au tournant des années 1960, Roberto Rossellini abandonne le cinéma et entreprend une série de films didactiques pour la télévision qui le passionnera jusqu'à sa mort en 1977. Si ce projet pédagogique convient parfaitement aux canons des télévisions européennes de l'époque, les films télévisuels de Rossellini ne ressembleront pourtant à aucun autre, le cinéaste ayant mis au point, avec ce nouveau médium, une nouvelle écriture, à partir de quelques paramètres de création repris et expérimentés de film en film, une écriture dans la continuité de son œuvre cinématographique antérieure, mais aussi absolument originale et insolite. La plupart des films de télévision de Rossellini sont des œuvres historiques, principalement des portraits d'hommes ayant eu un impact majeur sur leur époque et jusqu'à la nôtre : des politiques (Louis XIV et Cosme de Médicis), des religieux (les apôtres, Saint Augustin, Jésus), des penseurs (Socrate, Pascal, Alberti et Descartes). Pour écrire ces "biographies didactiques", Rossellini et ses scénaristes se sont servis de sources directes, les écrits des biographés eux-mêmes quand ils en ont laissés, mais aussi les récits de leurs proches : disciple, ami ou membre de la famille. Des témoins dont le cinéaste était certain qu'ils lui donneraient des informations concrètes aussi bien pour la chronologie que pour les détails matériels de la vie du personnage ou de la vie quotidienne de son époque, des témoins qui garantissent en quelque sorte l'authenticité par leur proximité. Mais cette proximité empathique confère à ces portraits des colorations parfois hagiographiques bien que Rossellini ne se contente jamais d'être un simple adaptateur, affirmant souvent sa propre interprétation et allant jusqu'à se glisser, en bon biographe, derrière certains traits de caractères de ses personnages.
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Chabin, Honorine. "L'histoire de la mutation institutionnelle de l'Académie des Immobili durant le ventennio fascista". Reims, 2009. http://www.theses.fr/2009REIML007.
Texto completo da fonteResumo:
En Italie, à la fin du XIXème siècle, les Académies, qui avaient assumé la construction et la gestion de nouveaux théâtres aux XVlème et XVllème siècles, ne survivent pas à la crise structurelle de l'industrie théâtrale. Dès le début des années 20, la concurrence de nouvelles fonnes de loisir comme le cinéma ou le sport, la transfomation du goût du public mais aussi les coûts de gestion et de restauration élevés provoquent la vente ou l'abandon de ces théatres séculaires. A Florence, l'Académie des lmmobili est la dernière à céder le pas et à vendre son théâtre à I'Ente Teatrale ltaliano en octobre 1942. L'enjeu de cette thése est donc de reconstruire les motivations internes, politiques, culturelles et économiques qui entraînèrent la mutation de l'Académie des lmmobili et du mode de gestion du théâtn de la Pergola en 1942. Les motivations ne peuvent 6tre entendues sans une étude approfondie de l'Académie des lmmobili et des diverses difficultés que celle-ci traverse durant le ventennio fascista. II s'agit donc de comprendre comment une institution cuiturelle à l'histoire si longue, prestigieuse, se modemise et réussit a terme sa mutation en 1942In Italy, at the end of the XlXth century, the Academies, which had assumed the construction and the management of new theatres in XVlth and XVllth centuries, do not survive the crisis structural of theatrical industry. At the beginning of the year's 20, the competition of new forms of leisure like cinema or sport, the transformation of public's taste and als the costs of high management and restoration cause the sale or the abandonment of these secular theatres. In Florence, the Academy of lmmobili is the las1 to yield the step and to seIl his theatre with the Ente Teatrale ltaliano in Odober 1942. The stake of this thesis is thus to rebuild the motivations intemal, political, cultural and economical which involved the change of the Academy of lmmobili and the management style of the theatre of the Pergola in 1942. The motivations cannot been understood without a thorough study of the Academy of lmmobili and various difiiculties that this one went though during the ventennio fascistà. It is thus a question of undersbnding how a cultural institution with a so long and prestigious history, is modernized and makes a succes of its change in the long teim in 1942
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Guerdin, Daphnée. "Puissance et persistance du mélodrame dans le cinéma sud-coréen : se raconter pour se réinventer". Electronic Thesis or Diss., Strasbourg, 2024. http://www.theses.fr/2024STRAC008.
Texto completo da fonteResumo:
Ce travail a pour vocation d’interroger l’omniprésence du mélodrame dans le cinéma sud-coréen, afin de cerner les puissances du genre dans la fabrique en constante mutation d’un imaginaire commun. Il s’agit d’aborder le mélodrame selon l’espace intertextuel que tracent les œuvres pour y déceler les rapports de pouvoir – socio-historiques, politiques, transnationaux – qui se déploient au cœur des formes qu’il prend ou reprend au cours de son histoire. Nous analysons les conditions ayant favorisé son émergence dès les débuts du cinéma en Corée, interrogeons ses potentiels conformiste et subversif au contact de la censure, et sa constante réinvention dans un cinéma composite, fait de perpétuelles réappropriations exogènes. Il s’agit en outre de dégager une dialectique avec l’Histoire du pays comme du cinéma, par le recours aux métaphores, aux allégories, et par la transformation de l’Histoire en matériau filmique venant nourrir l’imaginaire nationalThis work aims to question the omnipresence of melodrama in South Korean cinema, in order to identify the powers of the genre in the constantly changing fabric of a common imagination. It is a question of approaching melodrama according to the intertextual space that the works trace in order to detect the power relations – socio-historical, political, transnational – which are deployed at the heart of the forms that it takes or resumes during its history. We analyze the conditions that favored its emergence from the beginnings of cinema in Korea, question its conformist and subversive potential in contact with censorship, and its constant reinvention in a composite cinema, made of perpetual exogenous reappropriations. It is also a question of establishing a dialectic with the History of the country as well as of cinema, through the use of metaphors and allegories, and by the transformation of History into filmic material that nourishes the national imagination
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Roche, Thierry. "Du cinéma comme de l'anthropologie : le pouvoir de la mise en scène, mise en scène du pouvoir". Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHESA074.
Texto completo da fonteResumo:
Il s'agit d'une tentative pour lier la constitution du terrain comme objet/sujet anthropologique, les modalités d'établissement d'une relation dialogique et une réflexion épistemologique se fondant sur l'histoire d'un certain cinema "documentaire". Le texte propose une réflexion sur les modalités de passage par (avec et sur) l'image cinématographique en anthropologie et un questionnement sur la démarche anthropologique, à la fois à travers l'histoire des experiences cinématographiques fondatrices d'une anthropologie visuelle et à partir d'une experience de terrain réalisée au sein dune association travaillant à la réalisation d'un spectacle "son et lumière". En s'appuyant sur le programme théorique interactionniste (gumperz, goffman) et de leurs travaux sur l'ethnographie de la parole, le texte débouche sur une analyse du pouvoir et de ses méthodes. L'objectif sera non pas de montrer qu'un film produit une ethnologie à l'identique de l'écrit, mais bien de réflechir à quelles pistes et nouvelles perspectives s'ouvrent avec l'utilisation d'une camera : l'image révèle t-elle de nouveaux objets - si oui lesquels ? - la médiation d'une caméra, en même temps qu'elle instaure un rapport à l'autre nouveau inaugure t-elle une ethnologie différente ?
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Melic, Katarina. "Quand la muse de l'histoire entre en scène, l'histoire ou les stratégies fictionnelles de Milan Kundera". Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk1/tape9/PQDD_0002/NQ38319.pdf.
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Daunais, Isabelle. "Flaubert et l'art de la mise en scène". Thesis, McGill University, 1992. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=39412.
Texto completo da fonteResumo:
The narratives of Flaubert usually begin with the creation of a closed setting, geographically or architecturally contained, that the observer perceives as a theatrical stage. In fact, the staging of space and sets plays such an important role in the narration that it is possible to read the novels as scenographies. Flaubert's tendency to treat life events as tableaux and space as a performing area is already at work in his travel notes and in the Carnets de travail, and he makes a systematic use of this vision in the elaboration of his novels. By showing only what is visible and by creating different spaces for action and observation, Flaubert equates space in the novel with the space of a play. The scenography of the sets as well as the way characters stage their own environment also contribute to this theatrical representation. By representing reality as a staged creation, without an omniscient narrator, scenography can be defined as both a narrative device and a narrative object.
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Chevalier, Sandy. "La mise en scène de la mort aujourd'hui". Thesis, Université Laval, 2010. http://www.theses.ulaval.ca/2010/27814/27814.pdf.
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Martin, Andrée. "Pour une mise en scène chorégraphique de l'image". Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010525.
Texto completo da fonteResumo:
S'inscrivant dans une approche phénoménologique, cette recherche propose une réflexion et une analyse de l'image de danse ; image fixe (photographie) et image-mouvement (cinéma, vidéo). Je me suis principalement intéressée à la rencontre entre la danse et l'image, ainsi qu'aux rouages menant à une image de danse, et non uniquement au résultat final ; c'est-à-dire l'œuvre. Il apparaissait que la photographie, la vidéo et le cinéma entretenaient depuis le début du siècle des rapports complexes, mais pour la plupart du temps mal définis, voire sous exploités. En premier lieu je me suis donc attardée à relever les données qui, dans l'histoire propre des mediums en cause, les avaient menés l'un vers l'autre, de même que la multiplicité des tangentes de création retrouvées. À la suite de ce (re)positionnement historique, il demeurait capital de faire un bref arrêt sur la nature de la danse, du corps dansant, et de la perception que j'en ai en tant que spectateur. À partir de là, le glissement qui s'opère lors de la mise en image de la danse, les rapports entretenus entre l'image et la danse, la nature même de cette image de danse, ainsi que l'identité plurielle qu'elle épouse, constituent le cœur de cette recherche. L'extension d'une approche chorégraphique à travers la pratique de l'image photographique, cinématographique et vidéographique, s'installe en dernier lieu comme une voie possible de la notion de danse à l'image. La première partie de cette recherche présente donc l'image de danse en tant qu'art impur résultant du phénomène d'hybridation propre à la création artistique du vingtième siècle. La seconde partie, quant à elle, s'attarde uniquement à témoigner de quatre expériences personnelles de création; deux séquences photographiques, flore. . . Où te caches-tu? et la mort d'Anna, une courte vidéo ssss. . . , et un film biceAdhering to a phenomenological approach, this research consists of both a reflection on and analysis of dance images : static images (photography) and moving images (film, video). I focused primarily on the place where dance and image intersect, as well as on the structure leading to a dance image, and not only on the final result, that is, the work itself. Photography, video and film produced since the beginning of the century have been immersed in complex, but for the most part poorly defined, even underexploited relationships. At the outset, my research concentrates on revealing the historical facts and events that brought these media together, as well as on the various creative tangents pursued. Following this historical (re) positioning, it was critical to conduct a brief overview of the nature of dance, the dancing body, and my perception thereof as a spectator. From here, the transition that occurs when creating an image of dance, the relationship between image and dance, the nature of this image of dance, as well as its various identities, constitute the heart of this study. Finally, the extension of a choreographic approach applied to photographic, cinematographic and video images, is offered as possible evolution in our notion of the relationship between dance and image. The first part of this research thus presents the image of dance as an impure art form resulting from the phenomenon of hybridization inherent in the artistic process in the twentieth century. The second part explores four personal creative experiences : two photographic sequences, flore. . . Ou te caches-tu? and la mort d'Anna, a short video ssss. . . , and a film bice
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Hernúñez, Pollux. "La mise en scène dans la Rome antique". Paris 4, 1987. http://www.theses.fr/1987PA040038.
Texto completo da fonteResumo:
Pendant huit siècles le théâtre romain a évolué dans toutes ses formes: la farce, la comédie, la tragédie, le mime, la pantomime. Les pièces conservées (Plaute, Terence, Sénèque) et les témoignages indirects, écrits ou figurés, permettent de reconstruire la nature particulière des éléments constitutifs de ce théâtre en tant que spectacle: la scène, les décors, les machines, les masques, les costumes, l'accessoire, le jeu de l'acteur, la déclamation, le chant, la musique. Le théâtre actuel ne pourra que bénéficier de la recréation archéologique des spectacles romainsFor eight centuries roman drama has evolved in all its forms: farce, comedy, tragedy, mime, pantomime. The plays that have come down to us (Plautus, Terence, Seneca) and other evidence, either written or archeological, allow us to recreate the particular nature of the different elements of production: the stage, the sets, the machines, masks, costumes, props, acting, speech, song, music. Modern drama can only profit from the archeological re-production of roman plays
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Côté, Annie. "La mise en scène téléromanesque d'un récit de fait". Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 1999. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk2/ftp01/MQ38053.pdf.
Texto completo da fonte
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Junior, Luiz Carlos Gonçalves de Oliveira. "O cinema de fluxo e a mise en scène". Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-30112010-164937/.
Texto completo da fonteResumo:
A dissertação é dividida em duas partes. A primeira consiste em um estudo sobre a noção de mise en scène no cinema, levando em conta suas origens teatrais e algumas de suas aplicações na teoria cinematográfica. O enfoque privilegia as definições essencialistas formuladas por uma parcela da crítica francesa, concentrada nas revistas Cahiers du Cinéma e Présence du Cinéma nos anos 1950-60. A segunda parte da dissertação, mais fincada na análise fílmica, aborda alguns elementos estéticos do cinema contemporâneo, dentre eles o conceito de cinema de fluxo, que designa um conjunto de filmes que ocupam um ponto cego em relação à definição clássica de mise en scène trabalhada na parte I. O Intruso (Claire Denis, 2004), Sombra (Philippe Grandrieux), A Viagem do Balão Vermelho (Hou Hsiao-hsien, 2007) e Gerry (Gus Van Sant, 2002) são alguns dos filmes analisados.My dissertation is divided in two parts. The first one investigates the concept of mise-enscène as applied to film practice, taking as reference its theatrical origins and some of its extensions to film theory and criticism. My approach privileges the essentialist definitions presented by a group of French critics, focusing on two reviews, Cahiers du Cinéma and Présence du Cinéma, covering their issues published in the 1950s and 1960s. The second part, concentrated on film analysis, discusses some aesthetic features of contemporary cinema such as the notion of cinema of flux, which refers to a set of films located at a blind spot when we look at cinema styles from the standpoint of the classical definition of mise-en-scène discussed in Part I. The intruder (Claire Denis, 2004), Shade (Philippe Grandrieux, 1998), The voyage of the red balloon (Hou Hsiao-hsien, 2007) and Gerry (Gus Van Sant, 2002) are among the films.
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Tina, Yvan calvin. "Les théâtres artificiels : mise en scène, biotechnologie, intelligence artificielle". Thesis, Aix-Marseille, 2018. http://theses.univ-amu.fr.lama.univ-amu.fr/180316_TINA_197j265t589t189bgt_TH.pdf.
Texto completo da fonteResumo:
L’utilisation de l’intelligence artificielle et des biotechnologies dans l’art conduit à une reformulation des enjeux du théâtre comme « spectacle vivant ». Ces pratiques technoscientifiques déplacent l’objet de la performance et produisent du discours. Nous proposons dans cette étude de nous servir de leurs énoncés pour élargir le cadre de la théâtralité aux arts de la vie artificielle. En effet, les déplacements opérés au moyen de la théâtralité dans le champ artistique s’effectuent à la fois sur les oeuvres et dans le langage. À la lumière de ces opérations, nous faisons apparaître le potentiel transformateur de l’intégration de nouveaux matériaux dans l’esthétique théâtrale mais aussi les obstacles qui s’y trouvent. Prise entre les arts et les technosciences, l’analyse démontre que la théâtralité des oeuvres technologiques repose notamment sur l’artifice du langageThe use of artificial intelligence and biotechnology in art has led to a radical reformulation of theater as living performance. These technoscientific practices have displaced the subject of performance and produced various new discourses: In this study, I propose to make use of these discourses to expand the frame of theatricality to the realm of artificial life art. The displacements operated by means of theatricality in the artistic field are taking place both on the level of the artworks and the level of discourse. In light of such operations, we see the potential of transformation relying on the use of these materials in theatrical aesthetics, as well as the obstacles found in them. Taking place between the arts and the technosciences, the study proves that the theatricality of technological works relies on the artifice of language
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Fernandes, Marie-Pierre. "Marguerite Duras : écriture et mise en scène au théâtre". Paris 3, 1987. http://www.theses.fr/1987PA030232.
Texto completo da fonteResumo:
Cette recherche se compose de deux parties a la fois autonomes et complementaires. - le livre travailler avec duras, relate la creation de la musica deuxieme par marguerite duras en 1985, avec miou miou et sami frey au theatre du rond-point. Exemple concret d'un processus de creation dans une simultaneite de l'ecriture et de la mise en scene. Recit d'une relation de travail au sein d'une equipe theatrale. On y trouve des entretiens avec l'auteur, les acteurs, le decorateur r. Plate, l'eclairagiste g. Soubirou. La musica deuxieme est la reprise de la musica de 1965 remaniee et prolongee d'un deuxieme acte. - une seconde partie decrit d'une part l'experience dans ce meme theatre des lectures de janvier 1984, spectacle de m. D de lectures de se textes litteraires recents (l'homme assis dans le couloir, l'homme atlantique, aurelia, la jeune fille et l'enfant, le dialogue de rome, cesaree) avec c. Sellers, n. Hiss, g. Desarthe. Elle analyse d'autre part les indications de mise en scene de la lecture du roman de m. D les yeux bleus, cheveux noirs ecrit en 1986. Il apparait que la theatralisation de la lecture est une facon pour m. D. De concilier litterature pure et theatre, impact du livre et de l'image dans l'espace vivant de la salleThis research is divided into two parts which are at the time separate and complementary. - the book travailler avec duras tells about the story of how la musica deuxieme was produced in 1985 by marguerite duras at the rond-point theater, starring miou miou and sami frey. The book provides a look at a creative process which mixes writing staging and the relationships in a working theater group. Included in the book are interviews with the author, the actors, the set designer, r. Plate and the lighting designer, g. Soubirou. The musica deuxieme is the revival of the 1965 musica transformed and extended to a second act. - the second part of the work describes the january 1984 experience at the same theater of m. D's lectures. M. D. Staged the reading of her recent literary texts (l'homme assis dans le couloir, l'homme atlantique, aurelia,la jeune fille et l'enfant, le dialogue de rome, cesaree) read by c. Sellers, n. Hiss, g. Desarthe. The second part also analyses m. D's staging instructions for the reading of her novel les yeux bleus cheveux noirs, written in 1986. It appears that the staged reading is a way for m. D to reconcile pure literature and theater, both the impact of the book and the picture in the living space of the theater house
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Rayani, Makhsous Mehrdad. "Audience and mise-en-scène : manipulating the performative aesthetic". Thesis, University of Manchester, 2014. https://www.research.manchester.ac.uk/portal/en/theses/audience-and-miseenscene-manipulating-the-performative-aesthetic(204e3bf1-f057-4d06-b633-6e25579fe379).html.
Texto completo da fonteResumo:
The objective of this thesis is to examine the impact audiences have on the director’s process of creating a mise-en-scène and to understand the ways in which we might begin to understand and articulate such impact. I argue that the influence audiences have on theatre directors' mise-en-scenes have been ambiguous, and therefore there is a lack in a systematic approach to theatre-making. Through a detailed investigation on the arbitrary methods employed by a selected group of theatre directors, I propose that a communicative approach in capturing audiences’ expectations is necessary in shaping mise-en-scenes, directly and indirectly. More specifically, this thesis makes explicit these cognitive processes through a technical investigation, a mechanism which I propose and have graphically represented that can be used to harness the impact audiences have on theatre-making. In this thesis, the historical role and influence of the audience is discussed in Chapter One. This is followed by focusing on different of aspects of the audience, such as the attraction and captivation of audience, reception and perception of audience, and audience and culture. In Chapter Two there are two sections to define dramaturgy and mise-en-scène. I also argue that there are three key points in the communication between the audience and the theatre group: (i) audience pleasure, (ii) deadness, and (iii) distance. I present a diagram in order to suggest the relationship between the director, audience and mise-en-scène with an emphasis on their pathways in receiving audiences’ expectations. The diagram is developed throughout the thesis. In Chapter Three the study is motivated primarily by the individual styles and mise-en-scenes of Augusto Boal, Eugenio Barba, Peter Brook and Robert Lepage. Here I explore specifically the ways in which they have imagined, created, and performed mise-en-scenes, and the role audiences play in impacting their mise-en-scenes. Chapter Four is based on three case studies with the final suggested diagram at the end. As part of my research, I created and examined three case studies to support the hypothesis that audiences have an important impact on directors’ mise-en-scenes, i.e. how and why the director controls and manipulates theatrical elements. In conclusion, four main pathways for receiving audiences’ expectations are suggested.
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de, Vazelhes Marie. "Mise en scène d'Odessa. Mémoires, Explications, Imaginaires. Une Ethnographie". Doctoral thesis, Humboldt-Universität zu Berlin, 2017. http://dx.doi.org/10.18452/18090.
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In einem politisch-geteilten ukrainischen Staat legen die Odessiten besonderen Wert darauf, ihre lokale Identität zu betonen. Patriotische Diskurse schöpfen aus dem Imaginären der Stadt, das im lokalen historischen und kulturellen Erbe verwurzelt ist. Durch Repräsentationen aus der Sowjetzeit wurde eine „odessitische Lebensweise“ verbreitet und popularisiert, die heutzutage als Identitätsmodell in den Diskursen benutzt wird. Mit Hilfe dieses symbolischen Kapitals grenzen sich die Bewohner der Stadt von anderen Ukrainern ab. Odessit-sein gilt im Jahr 2013 als politische Aussage. Die Zugehörigkeit zur imaginierten Lokalgemeinschaft wird zum Protest gegen die politischen Schwächen der zeitgenössischen Ukraine. Auf diese Weise wird eine engagierte und respektvolle Haltung gegenüber dem lokalen Erbe eingenommen. In der gespaltenen Ukraine, ist Odessa für seine Bewohner eine positive und inklusive Alternative zum zweipoligen Identitätsmodell (Ukrainer vs. Russen).The residents of Odessa strive for recognition of their local identity using the city’s inherited imaginary in order to affirm their difference from the rest of Ukraine as well as from Russia. The local historical and cultural heritage is used as symbolic capital. The city of Odessa has always been the object of exoticization, continually represented as “other.” Famous exoticizing representations have kept the myth of Odessa alive in collective memory until the present day. However, this local imaginary competes symbolically with Ukrainian national identity by proposing a more positive set of values. Claiming to be from Odessa turns out to be a political statement. Indeed, “to be an Odessite” refers to the conception of local engagement based on an individual’s responsibility for the community. Nonetheless, this identity is being undermined by the latent destruction of the city’s material heritage and the lack of opportunities for many of its inhabitants. In a country divided by competing identities (e.g. being Ukrainian or Russian), Odessa represents a third inclusive alternative and offers a positive communal identity in a time when the country is being torn apart by regional conflict.
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Na, In wha. "Matières et techniques du costume de scène dans la mise en scène théâtrale contemporaine en France". Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030040.
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Notre étude est constituée de trois parties qui analysent le costume de scène sur le plan matériel et technique. Elles sont consacrées à l'histoire de l'utilisation des matières, l'analyse des interventions techniques et à de cas particuliers. Dans la première partie, nous étudions l'évolution matérielle et technique du costume de scène. La deuxième partie est consacrée à l'analyse des divers procédés d'intervention sur les matières et les techniques lors de l'application de l'effet-matière, à savoir la coloration, la mise en volume, le choix d'une matière spécifique et texturation entre autres. Ces analyses techniques et pratiques sont nécessaires à l'articulation des points de vue développés dans la troisième partie. Enfin, dans la dernière partie, nous analysons la pratique scénique à partir de cinq cas particuliers. Dans chacun d'eux, le contexte historique, matériel et dramaturgique est analysé dans la mesure où nous avons affaire à des recherches distinctes d'effet-matièreOur study is made of three parts which analyze stage costumes in the material and technical point of view. They will concern the history of materials' utilization, the analysis of the influence of technical advances and then some particular cases. The first part aims to examine the material and technical evolution of costumes. The second part is dedicated to the analysis of several material processes and the techniques used for the material-effect such as coloration, volume setting, choice of a specific material and texturation. These technical and practical analyses are necessary for the points of view of the third part. At last, we analyze stage practice from five particular cases. In each of them, the historical, material and dramatic contexts were examined because different material-effects were looked for
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Rolland, Édouard. "De la chute : mise en oeuvre et mise en scène dans le processus sculptural". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010575.
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En réponse à ma pratique artistique personnelle, cette thèse propose d'étudier les enjeux de la chute, à la fois mise en œuvre et mise en scène dans le processus sculptural. Il s 'agit dans cette recherche de spéculer sur les pertes et gains d'un tel processus créatif au cœur de mes installations, et d'analyser les portées théoriques et plastiques de la chute en tant que sujet (thème). La première partie de cette recherche propose l'étude de la mise en œuvre de la chute comme mode opératoire. Nous y exposons les modalités, contraintes et bénéfices d'un tel procédé résultant d'un laisser tomber, oscillant notamment entre maîtrise (choix) et surprise (hasard programmé). La seconde partie témoigne de cette mise en œuvre, en analysant les portées de la « destruction constructive », puisque mes installations se manifestent paradoxalement en se détruisant après leur chute. Nous analysons dans une troisième partie les enjeux à la fois plastiques et théoriques de la chute en tant que mise en scène dans le champ de l'art, et précisément au cœur de ma démarche plastique. A défaut d'être performatifs, mes travaux dont la photographie est le témoin mettent en corrélation représentation de la chute (figuration, simulation) et présentation d'objets qui sont tombés. Nous achevons notre recherche en questionnant les portées notamment émotionnelles des agents de la chute (victimes ou spectateurs), c'est-à-dire leur réceptivité entre rires et larmes face à la chute.
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Mogollón, Zapata Juan Manuel. "Scène d'énonciation et posture d'auteur : la mise en scène de soi dans la critique littéraire de Baudelaire". Thesis, Rennes 2, 2015. http://www.theses.fr/2015REN20043.
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Il y aurait un Baudelaire réaliste, un décadent, un classique, un catholique, un révolutionnaire, un réactionnaire et même un postmoderne. Les images attribuées à l’auteur se superposent selon l’époque, le lieu et les courants esthétiques et politiques dans lesquels il a été lu. Mais quelle image Baudelaire construit-il de lui-même dans ses textes critiques ?Comment s’y présente-t-il à son public ? Pour mieux cerner le visage littéraire de cette figure changeante et paradoxale, l’étude proposée ici cherche à démontrer qu’il existe bel et bien dans la critique littéraire de Baudelaire un travail de mise en scène de soi qui ne peut se comprendre qu’à partir des diverses scènes d’énonciation que le poète-critique a capitalisées tout au long de sa carrière. Cela soulève la question de la relation entre, d’un côté, la présentation de soi et la scène de parole dans laquelle elle s’inscrit et qu’elle aide à construire, et de l’autre, entre cette mise en scène discursive de soi et les stratégies de positionnement de l’auteur à l’intérieur du champ littéraire. Dans quelle mesure ce travail de présentation de soi est-il redevable de la « situation de discours » dans laquelle il s’énonce ? Et, corollairement, dans quelle mesure relève-t-il d’une stratégie de positionnement littéraire ? Dès que l’on constate que le choix d’une posture, ou de diverses postures au fil du temps, est à la fois lié à une scène d’énonciation, à une étape socioprofessionnelle et à un répertoire de rôles et de modèles prêts à être investis, on entre dans la logique de construction d’une oeuvre, mais aussi d’une identité littéraireThere would be realistic Baudelaire, Decadent, classic, Catholic, revolutionary, reactionary one and the same a postmodern. The images attributed to the author overlap according to time, the place and the esthetic and political currents in which he was read. But what embellishes with images Baudelaire does it build of himself in its critical texts? How if does he present to it to his public? To encircle better the literary face of this changeable and paradoxical face, the study proposed here tries to demonstrate that there is well and truly in the literary critic of Baudelaire a work of direction of one who can understand only from the diverse scenes of statement which the poet-critic capitalized throughout its career. It raises the question of the relation enters, on one side, the presentation of one and the scene of word which it joins and which it helps to build, and of the other one, enters this discursive direction of one and the strategies of positioning of the author inside the literary field. To what extent this work of presentation of one is indebted of the " situation of speech " in which one it expresses itself? And, corollairement, to what extent is he is a matter of a strategy of literary positioning? As soon as we notice that the choice of a posture, or diverse postures over time, is bound at the same time to a scene of statement, to a social and occupational stage and to a directory of roles and models ready to be invested, we enter the logic of construction of a work, but also a literary identity
Habría un Baudelaire realista, uno decadente, uno clásico, uno católico, uno revolucionario, uno reaccionario e incluso uno posmoderno. Las imágenes que se le atribuyen al autor se superponen según la época, el lugar y las corrientes estéticas y políticas en las que ha sido leído. Estas se transforman (y transforman la obra y su autor) en función del interés que sele preste a una u otra parte de su vida y de su obra. Pero, qué imagen de sí mismo construye Baudelaire en sus textos críticos? Para aprehender mejor el rostro literario de esta figura cambiante y paradoxal, el estudio aquí propuesto busca demostrar que en la crítica literaria de Baudelaire existe un trabajo de puesta en escena de sí mismo que solo puedecomprenderse a partir de las diversas escenas de enunciación que el poeta-crítico capitalizó a lo largo de su carrera. Esto nos lleva a preguntarnos por la relación que existe entre, por un lado, la autorepresentación y la escena de palabra en la que esta inscribe y que ayuda a construir, y, por el otro, entre dicha puesta en escena discursiva y las estrategias deposicionamiento del autor en el interior del campo literario. ¿En qué medida este trabajo de autorepresentación del autor está ligado a la “situación de discurso” en la que se enuncia? Y, ¿en qué medida depende este de una estrategia de posicionamiento literaria? A partir del momento que constatamos que la elección de una postura, o de diversas posturasa lo largo del tiempo, está ligada a una escena de enunciación, a una etapa profesional y a un repertorio de roles y de modelos listos para usar, entramos en la lógica de la construcción de una obra, pero también de una identidad literaria
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MOURA, Leandro Aparecido de. "O melodrama de Almodóvar: uma mise-en-scène do desejo". Universidade Anhembi Morumbi, 2016. http://sitios.anhembi.br/tedesimplificado/handle/TEDE/1648.
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES
La aparición del melodrama género en el teatro francés de finales del siglo XVIII hasta la invención del cine en el siglo XIX, estamos interesados en el estudio de la forma contemporánea los miembros género melodramático fueron en las películas. Sobrevive en el trabajo de varios directores, pero en particular interesado en el análisis de cómo el director español Pedro Almodóvar utiliza el género para componer sus historias. Vamos a estudiar la forma en que el melodrama tomó en películas Matador (1985-1986 ) , La ley del deseo (1986 ) , Carne trémula (1997 ) , Todo sobre mi madre (1999 ) Hable con ella ( 2002) y La mala educación (2004 ) . Analizaremos a través del decoupage de las seis películas que aquí se presentan, las posibilidades actuales de la utilización de elementos que forman el melodrama y como Almodóvar se apropia de la misma, principalmente a través del uso del plan de detalle con el fin de componer sus narrativas . Estas son las preguntas que guiarán esta investigación.
Do surgimento do gênero melodrama no teatro francês do final do século XVIII até a invenção do cinema no século XIX, interessa-nos estudar a forma contemporânea que os elementos do gênero melodrama tomaram no cinema. Ele sobrevive no trabalho de diversos diretores, mas pretendemos particularmente analisar como o diretor espanhol Pedro Almodóvar se utiliza do gênero para compor suas histórias. Estudaremos a forma que o melodrama tomou nos filmes Matador (1985-1986), A Lei do Desejo (1986), Carne Trêmula (1997), Tudo Sobre Minha Mãe (1999), Fale com Ela (2002) e Má Educação (2004). Analisaremos, por meio da decoupagem dos seis filmes aqui apresentados, as possibilidades atuais do uso dos elementos que dão forma ao melodrama e como Almodóvar se apropria dos mesmos, principalmente através do uso do plano detalhe, a fim de compor suas narrativas. Estes são os questionamentos que nortearão esta pesquisa.
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Duquenet-Krämer, Patricia. "Le théâtre contemporain en France: défier la mise en scène?" Universität Leipzig, 2002. https://ul.qucosa.de/id/qucosa%3A33529.
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Hautreux, Françoise. "La mise en scène des indices dans le film ethnographique". Paris 10, 1986. http://www.theses.fr/1986PA100023.
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Pessis, Anne-Marie. "Art rupestre préhistorique : premiers registres de la mise en scène". Paris 10, 1987. http://www.theses.fr/1987PA100206.
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Au sud-est de l'État du Piaui se trouve la concentration la plus importante de sites d'art rupestre du brésil. Parmi les nombreuses variétés de registres rupestres, la tradition Nordeste est la plus intéressante. Sa caractéristique principale est la présence de graphismes reconnus agences de façon à représenter des actions de la vie cérémonielle et quotidienne des plus anciens hommes américains. Ces registres graphiques ont pu être datés grâce aux vestiges retrouves dans plusieurs niveaux archéologiques. Une équipe de chercheurs franco-brésilienne travaille sur ce corpus. Des méthodes adaptées à l'étude de ces registres visuels ont été développés en vue d'identifier les systèmes de présentation graphique caractéristiques des divers groupes qui ont habité cette région et exécute cette pratique graphique. Ce travail porte sur la méthode utilisée pour l'étude de cet art rupestre et traite de la démarche employée pour dégager les composantes de la présentation graphique de chaque système. Les composantes retenues sont de nature thématique ainsi que des éléments de la mise en scène. Parmi les variables de la mise en scène nous aurions le traitement du temps et de l'espace, l'établissement des distances, la représentation de la profondeur, l'analyse des postures, des gestes et des attributs culturels, et la hiérarchie accordée au divers composantes de la mise en scène. La démarche proposée a été appliquée à l'étude d'un site uniquement en vue de l'illustrer. L’ensemble des classes stylistique de la tradition Nordeste est étudiée à partir de plusieurs sites représentatifs. La conclusion propose des hypothèses pour la microanalyse des 260 sitesAt the southeast of Piaui state exist the most important concentration of rock art sites of Brazil. Among the variety of rock registers existing in this area, one of the most interesting is the Nordeste tradition. Its main characteristic is the presence or figures representing facts of ceremonial and day-to-day life of the most ancient American men. These graphic registers had been dated by vestiges founded on several and differents archeological levels. A French-Brazilian staff works over this corpus and has developed a procedure for study this visual registers based on the identification of graphic presentation systems which characterize diverse peoples who lived and accomplished this graphic practice. This work deals with a methodological approach for rock art study which aim is to bring out the specific graphic presentation components of each systems. By components we designate thematic identification figures and presentation variables. Among the variables we can mention the time and space graphic representations, the distances establishment, depth representations, treatment of postures, gestures and culturels attributes and hierarchy granted to these components. The macroanalyse of de site Boqueirao do Sitio da Pedra Furada illustrates this proposal. Founded on the study of several sites representatives of stylistic classes the whole Nordeste tradition is studied. The conclusion presents some hypotheses for the microanalyse of 260 sites uncovered in this area
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Kyriakoulakos, Panagiotis. "Outils, notions et stratégies de mise en scène en infographie". Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100091.
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L'infographie est une nouvelle branche audiovisuelle apparue au début des années 1960 grâce au couplage d'un ordinateur et d'un moniteur vidéo. La mise en scène en infographie bénéficie de la connaissance des artifices inventes par des réalisateurs utilisant les techniques audiovisuelles antérieures. La simulation de ces artifices par des moyens infographiques est pratique courante. L'infographie bénéficie également de l'existence d'un espace intermédiaire entre la pensée créatrice et l'image visualisée sur l'écran. Cet espace, appelé espace de données, est contenu dans la mémoire de l'ordinateur. L'espace de données est un espace de création, de mémorisation et d'association d'informations. Ces informations concernent les images présentées dans l'espace de visualisation (l'écran), lequel est directement accessible au spectateur. Ces deux espaces forment ensemble l'espace infographique sur lequel s'appuie le réalisateur pour élaborer des stratégies de mise en scène. Certaines propriétés de l'espace de données sont à la base de l'interactivité, laquelle place le spectateur au centre de l'action présentée. Deux stratégies de mise en scène interactive semblent avoir une portée générale : celle de la confrontation, laquelle sollicite l'action du spectateur par des images présentées sur un écran ; celle de l'immersion qui capte la motricité du spectateur afin de l'intégrer dans l'action présentée. Considère comme un voyageur dans l'univers simule, le spectateur est amené a devenir tantôt complice du réalisateur, tantôt comédien-marionnettisteComputer animation ISA new audiovisual area, first appeared at the early sixties when a computer was coupled with a video monitor. The mise en scene in computer animation benefits from the knowledge acquired by the previous inventions of directors using anterior audiovisual techniques. The simulation of these techniques using computer animation methods is a common practice. Computer animation also benefits from the existence of an intermediate space between the director's creative thought and the visualised image in the screen monitor. This space, called data space, is stored in the computer memory. The data space is a space of creation, memorization and association of informations. These informations concern the presented images in the screen (which is called visualization space), directly accessible to the spectator. These two spaces together form the computer animation space on which the director is based to elaborate mise en scene strategies. Certain proprieties of the data space concern interation properties. These interactions place the spectator in the centre of the presented action. Two interactive mise en scene strategies have a general application: confrontation strategy which sollicitates the spectator's action by the presented images in the screen, and immersion strategy which captures the spectator's motricity to integrate him with the presented action
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Gallèpe, Thierry. "Les didascalies, : ou les mots de la mise en scène". Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080770.
Texto completo da fonteResumo:
Les didascalies sont un element du texte theatral permettant la mise en scene de la parole. A ce titre, leur etude avec les outils et les methodes de la linguistique (pragmatique, analyse des interactions, circulation de la parole, etc. ), fait apparaitre le role non negligeable qu'elles jouent dans le processus de la production de sens et de la construction de la representation a partir des elements livres par le texte. - elles sont dans un premier temps reperees et definies dans l'ensemble du texte de theatre. Deux aspects importants de leur fonctionnement sont ensuite decrits : - l'ancrage dans le texte avec les differents aspects internes et externes rendant compte de leur role dans la production du sens (interpretation au premier degre et fabrication) - les connexions mutuelles et multiples qui constituent une seconde strate de signification se rapportant essentiellement a la dynamique des relations interpersonnelles et a la structuration des interactions. La recherche debouche sur un modele de description selon ces deux perspectives. Elle apporte une contribution a l'articulation des composantes. .Stage directions are a part of theatrical text that permits the framing of the words. Studying them, in this sense, with linguistic tools and methods (pragmatics, interaction analysis, social construction of speech; etc. ) reveals their not inconsiderable role in producing and making sense of the written play. - first of all, they are located and defined in the midst of the theatrical text. They function in two important ways : - while anchoring the text, their internal and external qualities define their role in creating sense (first degree interpretation and fabrication). - multiple and self-reflecting connections among stage directions constitute a second level of significance pointing to the essential tensions between characters, and the structure of their interaction. This research has leaded to a descriptive model following these two perspectives. It contributes to the articulation of the verbal, non-verbal and situational theatrical interactions and consequently it can be extended to the description of everyday interactions
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Milkovitch-Rioux, Catherine. "L'univers mythique d'Albert Cohen : personnages, décors et mise en scène". Clermont-Ferrand 2, 1995. http://www.theses.fr/1995CLF20084.
Texto completo da fonteResumo:
Le but de cette thèse est d'étudier le parcours mythique qui s'inscrit dans l'oeuvre cohénienne. La démarche méthodologique consiste à retracer, de l'expérience autobiographique à ses transpositions romanesques, la genèse d'un imaginaire mythique, nourri des obsessions personnelles, enrichi d'une histoire collective judaïque, qui se résout finalement en un questionnement ontologique. L'étape initiale autobiographique, révèle un schéma mystique fondateur : l'innocence originelle, la faute de l'exil, les tentatives de redemption par l'écriture. La 2de étape dévoile l'élaboration, sous l'égide du moi d'écrivain tyrannique, d'une création romanesque conçue comme récit mythique. Les décors présentent 3 constantes : lieux de la perte d'identité, lieux de l'intimité, lieux de l'errance. L'organisation concentrique des personnages, des silhouettes épisodiques aux figures oniriques, manifeste une volonté d'accéder à cet "autre monde" du mythe. La convergence de toutes ces figures vers le personnage central de Solal, figure ambigüe, polyvalente et éclectique de l'hybris, aux confins de mythologies orientale et occidentale, met enfin à jour le sens eschatologique d'une oeuvre conçue comme une quête. L'imaginaire cohénnien rejoint dans ce questionnement le destin collectif et la mythologie universelleThis thesis aims at studying the mytical course which is in the line of the cohenian works. The methodological step consists in retracing, from the autobiographical experience to its romantic transpositions, the genesis of a mythical fancy, fostered with some personal obsessions, enriched in a collective jewish history, which finally solves into an ontological question. The initial stage, which is autobiographical, reveals a mystical founding scheme : the original innocence, the fault and the exile, the redemption attemps through writing. The second stage reveals the elaboration, under the aegis of an oppressive efgo, of a romantic creation worded as a mythical narration. The settings have three permanent features : places of the loss of identity, places of intimacy, places of wandering. The characters concentric organizing, from episodical profiles to dreamlike faces, gives way to the will of having access to this "other world" of myth. The convergence of all these faces towards the central character of Solal, an ambiguous, versatile and eclectic image of the hybris, at the outermost bounds of both oriental and occidental mythologies, finally puts forward the eschatological meaning of works conceived as a search
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Lanzani, Rossana. "Objets portables, prothèses et mise en scène : l'expérience du corps". Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27739.
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Mon travail s'appuie sur l'expérience duale du corps humain, particulièrement le corps de la femme. Pour exprimer cette expérience corporelle, je me sers de la photographie et de la vidéo où je fais interagir les corps avec des objets sculpturaux que je nomme objets portables, du fait de leur rapport étroit avec le corps. Ces objets sont dérivés de bijoux, de prothèses médicales ou d'ornements et ont une fonction de médiation. Mon travail se nourrit des souvenirs du passé, pour lesquels j'ai recours à la mémoire et au rêve. Dans les images créées pour l'ensemble de mes projets s'établit une ambigüité temporelle, située entre une réactualisation du passé et une résurgence de souvenirs d'enfance.
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Cluzeau, Véronique. "Etude filmique de techniques mytilicoles : stratégies de mise en scène". Paris 10, 2002. http://www.theses.fr/2002PA100020.
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Découverte de l'activité lytilicole dans le Pertuis Breton par la mise en scène filmique des techniques aquacoles. La partie écrite de la recherche s'interroge sur les possibilités et les limites de stratégies filmiques complémentaires pour rendre compte de la diversité des activités journalières et annuelles des mytiliculteursDiscovery of the mussel farming activity in the "Pertuis Breton" with the filmmaking strategies of the technics. The written part of the research concers the possibilities and limits of complementary filming strategies in order to show the different daily and annual activities of mussel farmers
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Proust, Sophie. "La direction d'acteurs : dans la mise en scène théâtrale contemporaine". Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082154.
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Principalement basée sur une expérience de stagiaire et d'assistante à la mise en scène de Denis Marleau, Matthias Langhoff, Yves Beaunesne et Robert Wilson de 1997 à 1999, cette recherche définit en quatre parties le travail du metteur en scène avec les acteurs en relation avec un objet de création lors de la période des répétitions pour créer un spectacle. Elle répertorie les prémisses à toute direction d'acteurs dans un processus de création, place le travail du metteur en scène avec les interprètes au-delà d'une simple relation binaire, développe les manifestations du langage spécifique du directeur d'acteurs et les fonctionnements de la direction d'acteurs. Les annexes contiennent notamment des entretiens réalisés avec Matthias Langhoff, Stéphane Braunschweig, Claude Régy, Ferruccio Soleri et François Chat, et des notes de répétitionsBased on my experience as an intern and assistant director for Denis Marleau, Matthias Langhoff, Yves Beaunesne and Robert Wilson between 1997 and 1999, this research defines, in four parts, the director's work with actors during rehearsals for the creation of a production. It indexes the premises necessary to the direction of actors in a creative process, places the director's work with the performers beyond a simple binary relationship, and develops the manifestations of language specific to the director of actors and the functioning of the direction of actors. The appendixes contain, in particular, interviews with Matthias Langhoff, Stéphane Braunschweig, Claude Régy, Ferruccio Soleri et François Chat, as well as rehearsal notes
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Gauthier, Christophe. "La mise en scène cinématographique dans le webfilm de fiction". Aix-Marseille 1, 2008. http://www.theses.fr/2008AIX10035.
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La présente étude porte sur la notion de mise en scène cinématographique confrontée au webfilm de fiction en prise de vues réelles. Dans un premier temps, nous avons cherché à comprendre et à définir la notion de mise en scène utilisée à l'endroit du cinéma, mais pourtant peu étudiée en théorie du cinéma. Pour combler ce vide théorique, nous avons décortiqué cette notion pour la construire en un outil capable d'analyser le webfilm de fiction en prise de vues réelles, proche et en même temps différent du film de cinéma. Dans un second temps, nous avons voulu savoir si la "mise en scène " dite cinématographique ainsi constituée, considérant autant l'entité créatrice que l'entité réceptrice, restait une notion opérationnelle pour l'analyse de ces nouveaux objets-films que nous trouvons sur le Web, qu'ils soient interactifs ou linéaires. Une étude qui nous amène de la scénographie vitruvienne au coeur des nouveaux médias.
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Bouchet, Sylvain. "Symbolique, mise en scène et dramaturgie des cérémonies des Jeux Olympiques". Thesis, Lyon 2, 2010. http://www.theses.fr/2010LYO20010.
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Les cérémonies d’ouverture et de clôture des Jeux Olympiques modernes (1896-2008) se composent d’un rituel et d’un spectacle, inspirées des Jeux Olympiques de l’Antiquité, des conceptions de Pierre de Coubertin ainsi que du contexte dans lesquelles elles évoluent au cours du XX e siècle.Pour dégager le sens de ces spectacles populaires, trois niveaux d’analyses sont indispensables.Dans un premier temps nous nous interrogerons sur le sens de la liturgie olympique, c’est à dire la dimension symbolique du rituel olympique. L’apport de l’Antiquité est à ce sujet essentiel.Dans un second temps, nous nous questionnerons sur l’impact de l’esthétique et la manière de mettre en scène ces spectacles. Les conceptions de Pierre de Coubertin, véritable connaisseur des mises en scène, est ici l’élément déterminant. Nous verrons également l’apport de théoriciens et d’artistes comme Maurice Pottecher ou René Morax et John Ruskin dans l’esthétique souhaitée par Coubertin.Enfin, dans un dernier point et pour mettre en perspective les deux première thématiques, nous nous intéresserons à la dimension dramaturgique de ces cérémonies pour voir que deux thèmes traversent l’ensemble des spectacles ; le culte à mystère et la scienceOpening and closing ceremonies of the modern Olympic Games (1896-2008) are made up of a ritual and a show, inspired by the Olympic Games of antiquity, conception of Pierre de Coubertin as well as of context in which they evolve in the course of XXth century.To clear the sense of these popular shows, three levels of analyses are necessary.At first, we will think about the sense of Olympic liturgy, that is symbolic dimension of the Olympic ritual. The essential subject in this case is the contribution of antiquity.In a second point, we will be questioned on the impact of the aesthetics and the way to stage these shows. Pierre de Coubertin's conceptions, in this case, is conciderated as the decisive element of the true expert of productions. Endeed, We will see the contribution of theoreticians and artists Maurice Pottecher or René Morax and John Ruskin in the desired aesthetics by Coubertin.Finally,in a last point, in order to put in perspective two previous themes, we will be interested in the dramaturgic dimension of these formalities to see that two topics cross all shows; worship with mystery and science
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Bujold, Marie-France. "La mise en scène de l'interaction dans l'œuvre de Jacques Poulin /". Thesis, McGill University, 2008. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=116057.
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Everyone would agree that there is little action in Jacques Poulin's works. This minimalism, which characterizes his writing, is based on solitary individuals who share similar difficulties with social interactions. In Poulin's novels, every interaction seems like an event in itself, as if communicating with others was an adventure. Poulin places the interactions at the heart of his narrative writing. This thesis studies the similarities of these social interactions throughout his eleven novels published to date. The interaction will be analyzed in three phases: as recurring ritual, in connection with the representation of the reader, and with regard to the very language.
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Tomic, M. "The past as mise-en-scène : re-enactment in contemporary art". Thesis, University College London (University of London), 2012. http://discovery.ucl.ac.uk/1365538/.
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This thesis approaches re-enactment as a dominant strategy for the return of time-based practices through four case studies that inaugurate specific modes of fidelity to the event. Through the concept of the mise-en-scène, which I define as both a semiotic and psychic framing device and a literal place filled with objects or props, I investigate how these works operate within a fantasy space where past propositions are worked through. The dual geopolitical orientation of the thesis allows me to focus on both mainstream Western and slightly lesser-known Eastern European practices as a way of expanding the historiographic parameters of prevailing discussion. Therefore, my point of departure is the Slovenian retro-avant-garde collective IRWIN re-enacting the work of the Slovenian neo-avant-garde OHO group over the course of two decades, illuminating the link between art historical canons and national ideologies in the process. Second, I address a series of wildly differing approaches to the ‘reinvention’ of Allan Kaprow’s happenings and environments, ranging from resemblance-based ‘dramaturgical’ re-enactments to the invention of new event scores in places where the philosophy of the ‘un-artist’ was politically non-viable. Third, Marina Abramović’s re-enactments emerge as less concerned with self-presence and mutual transformation in a theatre of performative duration than with the ultimately self-reflexive deconstruction of received ideas about bodily transmission and empty belief. Through reference to Mike Kelley’s collaborative work with Paul McCarthy as well as later solo work, this thesis finally demonstrates how Kelley advanced Vito Acconci’s use of repetition through a fidelity to institutional, interpretive, and participatory failure. As I examine both image-based strategies of the return and those that reject mimicry in favour of overt difference and contingency, I also focus on the space between relational aesthetics and postproduction strategies in order to advance a critique of participation art.
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Sabo, Dusan. "Langage de la mise en scène : méthode des actions scéniques paradoxales". Paris 10, 2000. http://www.theses.fr/2000PA100074.
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Veysman, Nicolas. "Mise en scène de l'opinion publique dans la littérature des Lumières". Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040058.
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Avant d'être la reine incontestée du monde politique à la fin du XVIIIe siècle, l'opinion publique est une idée philosophique, suspectée et condamnée comme connaissance incertaine et erreur populaire. Le spectacle des égarements humains l'accable. Pour qu'elle devienne l'expression publique de la vérité politique, née du jeu contradictoire des opinions singulières, il aura fallu qu'elle s'affranchisse de cette première image, qu'elle rejette toute référence a un contenu social : le parterre imprécis puis le public anonyme des lecteurs constituent les deux étapes nécessaires vers la conquête d'un imaginaire du pouvoir. L’idée d'opinion est au centre de cette promotion philosophique : erreur pérenne dans le discours historique de Bossuet a voltaire, elle est cette marge hétérodoxe hérétique ou irrationnelle, qui sert à rehausser l'éclat de l'orthodoxie. Sur les traces de Montesquieu, Duclos appréhende le phénomène social comme un moment historique spécifique. Après Locke, il désigne l'opinion publique comme une loi authentique, s'opposant au tribunal intime de la conscience morale ou s'accordant avec elle. Pour d'autres, la postérité doit sceller la concorde à venir entre opinion et conscience. Cette patience n'est toutefois pas celle des parlementaires qui préfèrent, à la subtilité de l'harmonie philosophique, la simplicité d'une opposition : l'autorité des « murs », invoquée contre la perversion des lois, doit leur donner raison aux dépensa du despotisme monarchique. Le triomphe de l'opinion publique est cependant loin d'être univoque, puisque deux conceptions contradictoires se côtoient : la conception « impulsive » désigne les philosophes comme origine des idées diffusées dans le public ; la conception « attractive » met, au contraire, l'accent sur l'équilibre qui résulte de la rencontre parfois violente des opinions contradictoires. La première légitime l'entreprise pédagogique des philosophes ; la seconde la dénonce comme stérile et célèbre les lumières du génie national.
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Santos, Paulo Alexandre Jorge dos. "L'univers romanesque de Maria Isabel Barreno : mise en scène de l'écriture". Bordeaux 3, 1999. http://www.theses.fr/1999BOR30026.
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La mise en scene de l'espace romanesque de maria isabel barreno se fait a partir de l'incipit de chaque texte. Certains commencent au debut de l'histoire, d'autres au milieu des evenements. L'introduction de 0 senhor das ilhas sert a preparer le lecteur a ce qui l'attend. L'ecriture est un des objets de l'analyse : l'ecriture professionnelle, des trames de romans presentes sous forme d'embryons de romans futurs, des reflexions sur la langue. . . Les genres qui predominent sont la nouvelle et le roman, mais celui-ci est travaille sous plusieurs aspects differents, roman polyphonique, autoportrait, roman historique, roman-essai. Les personnages feminins sont analyses selon leur appartenance a l'univers de fiction, il en est ainsi des jeunes adolescentes, de la mere, de la mere ecrivain, de lamaitresse, de la femme emancipee. . . Les personnages masculins sont etudies en fonction de leur appartenance a la societe, c'est ainsi que nous traiterons des colonisateurs, des decideurs, de l'ecrivain, des psychiatres. L'univers romanesque se deploie en mondes bases sur le reel, en mondes merveilleux ou fantastiques. L'espace est decrit ou bien cache, sans presenter des referents reels. Cependant, l'interieur de la maison est decrit, aussi bien que l'espace du corps. La scissiparite du sujet peuple les romans. Le temps est decrit sous une perspective interiorisee, omettant presque son passage objectif, il permet toutefois de caracteriser un univers fictionnel, proche de l'espace portugais.
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Bastounis, Marina. "La folie mise en scène : le cas de la télévision grecque". Paris, EHESS, 1996. http://www.theses.fr/1996EHES0303.
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Le but de cette recherche est d'examiner les rapports entre les representations de la maladie mentale dans la fiction televisuelle et son contexte social et culturel en grece, par le biais theorique de l'etude des representations sociales elabore par les travaux de moscovici. Une premiere analyse de la programmation de quatre chaines de television a partir du materiel disponible dans la presse specialisee (telerama grec), a revele que la frequence d'apparition de themes lies a la maladie mentale dans les series et films grecs programmees entre 1990-1994 etait etonnamment elevee. L'analyse de contenu du materiel a permis une premiere systematisation qualitative des themes et situations recurrents dans la fiction televisuelle grecque. Cette etude a ete enrichie par l'analyse de deux exemples de series televisees, qui s'est particulierement appuyee sur l'analyse du recit afin d'etudier la construction de l'objet maladie mentale dans les fictions. Enfin, 20 sujets psychiatres et 18 sujets temoins de categorie socioprofessionnelle comparable, ont ete interroges sur l'appreciation de ces images a la television et la relation de la societe grecque avec la maladie mentale et l'institution psychiatrique, au moyen des entretiens semi-directifs. Les donnees recueillies a travers les differentes analyses permettent de postuler l'emergence d'une representation sociale de la maladie mentale specifique au contexte grec des annees quatre vingt-dix, qui est largement construite sur ce qu'on pourrait qualifier d'apprivoisement social de la folie en termes de desordre psychologique et publique, qui repose en grande partie sur la distinction et le rejet eventuel de la folie comme etat pathologique medicalise et associe a l'institution psychiatriqueThe aim of the present study is to examine the representations of mental illness in greek television fiction in relation to their specific social and cultural context, from the theoretical perspective elaborated by moscovici on the study of social representations. Empirical research was conducted in three phases. Initially, a content analysis of four television channel programmes revealed that themes relating to mental illness are surprisingly frequent in greek television drama. The analysis further permitted a systematic categorisation of recurring themes and situations relative to mental illness in fictional television representations. The results thus obtained were amplified by the analysis of two examples of television series, particularly concerned with narrative form and structure in order to elaborate the construction of the object mental illness through narrative functions. Finally, 20 psychiatrists and 18 subjects of a comparable socioeconomic category were interrogated though semidirective interviews during which their understanding and appreciation of such television images, as well as of the relationships between greek society, the mentally ill and the psychiatric institution were explored. The data collected through these different methods and approaches permit to postulate the emergence of a social representation of madness that is specific to the greek context of the early nineties, mainly constructed around the familiarisation of greek society with a conception of madness as psychological and public life disorder, that largeley relies on the distinction and eventual rejection of madness as an innexplicable and uncurable pathological state associated to medicine and the psychiatric institution
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Poulou, Angeliki. "La mise en scène de la tragédie grecque dans l’ère numérique". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCA157.
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Il s’agit de l’emploi de la technologie numérique dans la mise en scène de la tragédie grecque antique, en d’autres termes, de la réception de la tragédie grecque au sein du théâtre digital. En tant que performance digitale la tragédie grecque semble fonctionner comme un kaléidoscope du temps ; tout à la fois comme une lentille ou un miroir écrasé, où se développent un jeu, un « aller-retour » entre les identités et les qualités : spectateur / citoyen, politique / religieux, espace-temps du mythe / temps actuel, présence / absence. Grâce à l’emploi de la technologie et d’équivalents digitaux, les artistes reconceptualisent une série de notions de la tragédie telles que la communauté, la cité, l’hybris, le masque, le conflit, le tragique, et ils proposent des expériences sensorielles équivalentes au spectateur contemporain : les médias numériques deviennent un équivalent de la parole. Oikos, le palais royal, lieu devant lequel et au sein duquel se déroulent la plupart des événements et conflits, est remplacé par l’écran palimpseste ; on est dans l’image dans laquelle on vit désormais, c’est au sein de l’écran que l’on produit l’Histoire. La convention du masque conduit à l’expérimentation avec des technologies sonores. La fonction politique de la tragédie grecque et la création de l’effet de communauté, se produisent désormais par le biais de la technologie numérique. Les spectateurs forment des communautés éphémères lors de leurs réunions dans l’environnement technologique, la fragmentation rhizomatique de la scène « cache » la communauté, pour la transformer en une communauté virtuelle. Enfin, c’est le tragique qui se développe sur scène en tant qu’idée et phénomène performatifThe thesis focuses on the use of digital technology in the staging of Greek Tragedy that is, the reception of Greek tragedy in the digital theatre. Greek tragedy, when digitally staged, seems to function as a kaleidoscope of our times; sometimes a lens and at others a shattered mirror, where a game, a "toing and froing" between identities and qualities exists: spectator/citizen, political/religious, time-space of myth/actual current time, presence/absence. With the use of technology and of digital equivalents, artists re-conceptualize a series of key notions such as the community, the city, the hubris, the mask, the conflict, the tragic and create equivalent effects for the contemporary spectator: Digital media becomes the equivalent of discourse. The “oikos”, the royal palace, in front of and within which most events and conflicts occur, is replaced by the screen-palimpsest: it is within the image that we live, we clash, we make history. The mask convention leads to experimentation with sound technologies. The much-discussed political function of tragedy in the context of democratic Athens and the building of a sense of community is now realised through digital technology. Spectators form ephemeral communities in their meeting within the technological environment, the rhizomatic fragmentation of the theatre stage, "hides" the community to transform it into a virtual community. In the end, it is the tragic that is being developed as an idea and a performative phenomenon
Στο επίκεντρο βρίσκεται η χρήση της ψηφιακής τεχνολογίας στη σκηνοθεσία της αρχαίας ελληνικής τραγωδίας, δηλαδή η πρόσληψη της αρχαίας ελληνικής τραγωδίας στο ψηφιακό θέατρο. H αρχαία ελληνική τραγωδία ως ψηφιακή παράσταση, μοιάζει να λειτουργεί ως καλειδοσκόπιο του καιρού∙ άλλοτε ως φακός και κάποιες φορές ως θρυμματισμένος καθρέπτης, όπου ένα παιχνίδι, ένα «πήγαινε-έλα» αναπτύσσεται ανάμεσα στις ταυτότητες και τις ποιότητες : θεατής/πολίτης, πολιτικό/θρησκευτικό, ο χωροχρόνος του μύθου/ο πραγματικός τρέχων χρόνος, παρουσία/απουσία. Με τη χρήση της τεχνολογίας και των ψηφιακών ισοδυνάμων, οι καλλιτέχνες επανοηματοδοτούν στο παρόν μια σειρά κομβικών εννοιών για την τραγωδία, όπως η κοινότητα, η πόλις, η ύβρις, η μάσκα, η σύγκρουση, το τραγικό και δημιουργούν ισοδύναμες αισθήσεις και εντυπώσεις στον σύγχρονο θεατή: Τα ψηφιακά μέσα γίνονται ισοδύναμο του λόγου. Ο οίκος, το βασιλικό ανάκτορο μπροστά και εντός του οποίου συντελούνται τα περισσότερα γεγονότα και οι συγκρούσεις, αντικαθίσταται από την οθόνη παλίμψηστο: μέσα στην εικόνα ζούμε, συγκρουόμαστε, παράγουμε ιστορία. Η σύμβαση της μάσκας οδηγεί στον πειραματισμό με τις τεχνολογίες του ήχου. Η πολυσυζητημένη πολιτική λειτουργία της τραγωδίας στο πλαίσιο της δημοκρατικής Αθήνας και η δημιουργία του αισθήματος κοινότητας δημιουργείται πλέον μέσα από την ψηφιακή τεχνολογία. Oι θεατές σχηματίζουν εφήμερες κοινότητες στη συνάντησή τους μέσα στο τεχνολογικό περιβάλλον, η ριζωματική θραυσματοποίηση της θεατρικής σκηνής, «κρύβει» την κοινότητα, για να τη μετατρέψει σε εικονική κοινότητα. Τέλος, είναι το τραγικό που αναπτύσσεται ως ιδέα και ως επιτελεστικό φαινόμενο
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Antoine, Vincent. "Théâtre et théâtralité du mouvement Dada : mise en scène d'une subversion". Montpellier 3, 2001. http://www.theses.fr/2001MON30041.
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Perovic, Sofija. "Déplacements spatio-temporels dans le spectacle lyrique contemporain". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080076.
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Cette thèse porte sur les déplacements spatio-temporels dans le spectacle lyrique contemporain dans toutes leurs formes et expressions et cherche à offrir un panorama d’œuvres lyriques (et leurs interprétations scéniques) exemplaires à travers le prisme des déplacements. La scène lyrique aujourd’hui est une scène en mouvement, elle est globalisée, internationale, interculturelle et intergénérationnelle. Compte tenu de cette richesse et diversité, plusieurs méthodologies différentes ont été appliquées et croisées afin d’interroger la nature du lien entre les fictions opératiques du déplacement et leurs réalités matérielles. Les déplacements réalisés par un moyen de transport ou simplement en esprit sont parfois présents déjà dans les livrets des œuvres lyriques, mais ils peuvent aussi être imaginés par les metteurs en scène. La deuxième partie de la thèse porte sur les nouveaux et différents contextes vers lesquels les actions des spectacles lyriques peuvent être déplacées et est concentrée sur les transpositions imaginées par les metteurs en scène dans les œuvres qui ne font aucune référence au voyage, ni aux déplacements, dans leurs livrets.La troisième partie aborde la relation complexe entre l’opéra et les médias et montre que les déplacements dans le spectacle lyrique contemporain ne sont pas réservés uniquement à ce qu’on peut voir sur les scènes.Vu le caractère éphémère du spectacle vivant, cette thèse ne prétend pas à l’exhaustivité car la tâche de regrouper et créer une sorte d’archives des spectacles lyriques contemporains ayant pour le sujet le déplacement ou étant l’objet de divers déplacements serait un travail impossibleThis thesis focuses on space and time displacements in contemporary opera productions in all its forms and expressions and seeks to offer a panorama of exemplary lyrical works (and their stage interpretations) through the prism of displacement. The opera scene today is a scene in movement, it is globalized, international, intercultural and intergenerational. Given this richness and diversity, several different methodologies were applied and crossed in order to question the nature of the link between the operatic fictions of displacement and their material realities. Displacement by means of transport or simply in spirit is sometimes already present in the libretti of operatic works, but it can also be imagined by the stage directors. The second part of the thesis deals with the new and different contexts to which the actions of opera performances can be moved and focuses on the transpositions imagined by directors in works that make no reference to travel, or to displacement, in their libretti.The third part addresses the complex relationship between opera and the media and shows that displacement in contemporary opera is not restricted to what can be seen on stage.Given the ephemeral nature of live performance, this thesis does not claim to be exhaustive, as the task of gathering and creating a kind of archive of contemporary operatic performances that have travel as their subject or are the object of various displacements would be an impossible task
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Oliveira, Maria Silvia de. "Étant Donnés = a mise-en-scène eclipsada do jogo anadiômeno de Marcel Duchamp = Étant Donnés: the eclipsed mise-en-scène of the anadyomene game of Marcel Duchamp". [s.n.], 2013. http://repositorio.unicamp.br/jspui/handle/REPOSIP/284552.
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Orientador: Ernesto Giovanni BoccaraDissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-22T12:47:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Oliveira_MariaSilviade_M.pdf: 48527171 bytes, checksum: 669545299ee1899c435ca675ae113d43 (MD5) Previous issue date: 2013
Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo dissertar sobre "Étant Donnés: 1º la chute d'eau, 2º le gaz d'éclairage", uma poderosa criação realizada silenciosamente ao longo de 20 anos e eternizada através da sobrevivência das idéias de Marcel Duchamp. Espelho ou porta, o fato é que entre nós e as formas irreais que esfolam o olhar com suas arestas, há uma sala escura, tornando-nos sujeitos irremediavelmente cinematográficos. Aqui o cinema, mais especificamente o documentário, por registrar parcialmente a representação de fatos, envidou noções de verdade e realidade, abrindo um espaço privilegiado ao ser utilizado como fonte na sua forma mais envolvente e instigadora, alavancando dados norteadores para o desenvolvimento cognitivo do raciocínio. Ao atravessarmos a quietude de Étant Donnés vemos a "falta", um pedaço de tempo detido na mise-en-scène "feita para não ver" e somos transformados, à revelia, em voyeurs. Diante de tal espetáculo voyeurístico, embaraçoso e revelador, nossa culpabilidade é de quem surpreendeu um segredo. Partindo para novos padrões de interpretação desta obra inusitada, eclipsada e essencialmente carnal, vimo-nos forçados a passar pelo emaranhado tecido da memória de Marcel Duchamp. Enfim, saciando a fome de nossas almas famintas, Duchamp concretiza sua imagem cenográfica nesta iluminura tridimensional e nos permite colher, de um jardim medieval, a "Rosa de um Romance" e encontrar um banquete anadiômeno de maravilhas, onde, através de sonhos e espelhos, somos colocados frente a frente a nós mesmos
Abstract: This research had his focus on the study of "Étant Donnés: 1º la chute d'eau, 2º le gaz d'éclairage", a powerful creation performed silently for 20 years and immortalized through the survival of the Marcel Duchamp ideas. Mirror or door, the fact is that between us and the unreal forms that hurt the eyes with its edges, have a dark room, making us subject hopelessly cinematographic. Here the film, specifically the documentary, that made the partly record of the representation of facts and showed notions of truth and reality, opened a privileged space to be used as a data source in its most engaging and instigator, that guided us to the development of the cognitive reasoning. When we go through the stillness of Étant Donnés see the "lack", a piece of time detained in mise-en-scène "made not to see" and we are processed, involuntarily, in voyeurs. Faced with such a voyeuristic spectacle, embarrassing and revealing our guilt are some who surprised a secret. Leaving for new Standards of interpretation of this unusual masterpiece, eclipsed and essentially carnal, we found ourselves forced to pass through the tangled memory texture of Marcel Duchamp. Finally, satiating the hunger of our hungry souls, Duchamp realizes his scenographic image in this three-dimensional miniature and allows us to reap, of a medieval garden, the "Rose of a Romance" and find an anadyomene banquet of wonders, where, through dreams and mirrors, we are placed face to face ourselves
Mestrado
Multimeios
Mestra em Multimeios
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Berger, Laurent. "L’atelier du metteur en scène shakespearien et la fabrication du spectacle en Europe occidentale depuis 1945". Thesis, Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100174/document.
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Ce travail s’attache à identifier et à décrire les principaux processus, outils et concepts de la mise en scène théâtrale shakespearienne à partir de l’étude d’environ 200 spectacles créés en France, Angleterre, Allemagne, Italie ou Espagne après 1945. Un premier mouvement présente le contexte historique de la mise en scène de Shakespeare et les filiations et influences artistiques qui s’y développent, pour voir en quoi elles conditionnent les créations individuelles. Le deuxième mouvement décrit différents aspects de la notion de matériau shakespearien pour en montrer la richesse et la pertinence dans la pratique théâtrale, et pose l’hypothèse d’une analogie forte entre les caractéristiques de ce matériau et celles de la mise en scène en général. Le troisième mouvement s’intéresse au rapport entre interprétation de la pièce et conception du spectacle, et aux différents phénomènes de projection qui permettent de passer de la dimension imaginaire du spectacle à sa matérialisation scénique. Le quatrième mouvement pénètre la dynamique de la répétition et la décrit à partir de trois de ses modalités, rehearsal, Probe et répétition, qui fonctionnent à la fois conjointement et sur des régimes propres. Le large éventail de techniques et de points de vue artistiques explorés montre le potentiel multiple des approches pour chacun des processus de fabrication du spectacle, et permet enfin de tracer les contours d’une théorie globale de la mise en scène unissant tous ces processus dans une dynamique qui se déploie nécessairement sur plusieurs niveaux de façon simultanée, comme l’énergie du matériau shakespearienThis works seeks to identify and describe the key processes, tools and concepts of the theatrical mise en scène of Shakespeare from the study of about 200 different productions in France, England, Germany, Italy and Spain after 1945.The first movement presents the historical context of the staging of Shakespeare and the artistic filiations and influences that exist in it, to see how they condition the individual creativity. The second movement describes different aspects of the notion of Shakespearean material to show his power and relevance in theatrical practice, and assumes there is a strong analogy between the characteristics of this material and those of the mise en scène in general . The third movement is interested in the relationship between interpretation of the play and conception of the production, and in the various phenomena of projection that transform the imaginary dimension of the play in its stage realization. The fourth movement enters the dynamics of rehearsal and describe them using three concepts, rehearsal, Probe, and répétition, which work together but each with its own regime.The wide range of technical and artistic points of view exposed show the multiple potential of possible approaches to each of the process of the mise en scène, and finally allows to outline a comprehensive theory of the staging unifying all these processes in a dynamic that necessarily develops in several levels simultaneously connected, just as in the Shakespearean material
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Donaty-Prost, Brigitte. "Les jeux de l'écart : mises en scène du répertoire classique (Corneille, Molìère, Racine) en France de 1965 à nos jours". Rennes 2, 2004. http://www.theses.fr/2004REN20044.
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Cette thèse examine les grandes orientations esthétiques de la mise en scène des pièces de Corneille, Molière et Racine en France depuis 1965. Une première partie résume les expérimentations de la première moitié du XXe siècle. La deuxième partie considère comment, depuis les années 1960, les metteurs en scène modifient les traditions d'interprétations des pièces classiques et les renouvellent en faisant du plateau le lieu des commentaires du texte ou de la société. La troisième partie mène une étude sur la façon dont ils jouent, particulièrement depuis deux décennies, avec les conventions de représentation, déconstruisent la fiction ou encore redécouvrent ou réinventent la langue du XVIIe siècleThis dissertation examines the major aesthetic orientations in the performance of theater plays by Corneille, Molière and Racine in France from 1965 to nowadays. The first part summarizes the experimentations during the first half of the 20th century. The second part considers how, since the 1960s, the directors have changed the hermeneutic traditions of the classical plays and renewed them, transforming the stage into a commentary of the text and of the society. The third part analyses the way they have played, in particular since two decades, with the conventions of performance, how they have deconstructed the fiction and rediscovered or reinvented the language of the 17th century
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Papalexiou, Eleni. "La tragédie grecque sur la scène contemporaine". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040077.
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Au tournant du XXe et du XXIe siècles, la tragédie grecque devient un champ fertile pour de nouvelles pratiques théâtrales et suscite également l'intérêt des traducteurs; les représentations témoignent d'une vraie modernité et d'une hétérogénéité de composantes scéniques, telles que le décor, le jeu de l'acteur et le chœur. Cette étude propose premièrement une réflexion sur la mise en scène du texte. Deuxièmement, elle présente des mises en scène attestant une volonté de revenir aux origines du langage théâtral et troisièmement, cette analyse met à jour des modes de représentation qui se caractérisent par la transposition de la tragédie grecque dans d'autres cultures. Pour finir, nous dessinons les contours d'un type de mises en scène qui, explorant les multiples possibilités offertes par les arts plastiques, reflètent principalement la vision personnelle du metteur en scèneAt the turn of the 20th and 21st centuries, Ancient Greek tragedy becomes a field for a wide range of new stage practices, thus showing a true modernity. The elements of representation such as set, actor's performance, and chorus offer a particular heterogeneity. This revival of tragedy provokes as well an increasing interest among translators. This thesis first focuses on how the text is being staged nowadays. The work then provides an analysis of a number of performances which testify a will to go back to the origins of theatrical language. Thirdly, it offers a critical analysis of cross-cultural interactions at work in the representation of tragedy. And finally, this study describes how certain representations favouring the use of visual arts highlight mainly the personal artistic vision of the director
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Drouet, Griselda Noémie. "La mise en scène de la contradiction à l’oral : analyse et fonctionnement". Thesis, Rennes 2, 2013. http://www.theses.fr/2013REN20034.
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La notion de contradiction en linguistique a souvent été rejetée en marge des recherches en langues. On considère généralement que la parole contradictoire ou les structures oppositives ne peuvent servir logiquement l’efficacité requise par la théorie traditionnelle de la communication. Pour cette raison, la linguistique traditionnelle tend à considérer ces structures comme artificielles, servant des fins stylistiques ou rhétoriques. Or, nous pouvons observer à l’oral nombre d’énoncés présentant des marques de la contradiction nous amenant à examiner non pas des structures préparées mais bien spontanées, servant des fins communicatives et ayant un effet pragmatique réel dans la communication. Nous montrons que la contradiction s’actualise bel et bien en discours et que l’aporie logique qu’elle manifeste à première vuemet en scène une singularité énonciative. Le locuteur, en effet, met en scène la contradiction moyennant des conditions d’énonciation particulières (polyphonie, négation, connecteurs). Des énoncés présentant des marqueurs de la contradiction sont autant d’indices qui permettent de prendre en compte cette notion et de l’analyser sous une lumière nouvelle. C’est à partir d’un corpus établi sur des enregistrements de français oral spontané que nous mettons au jour les formes morphologiques et syntaxiques qui traduisent la mise en scène de la contradiction à l’oral ainsi que les effets pragmatiques qu’elles engendrent, afin de parvenir à dresser un système possible du fonctionnement de cette structureThe notion of contradiction in linguistics has often been rejected to the margins of language research. We generally consider that contradictory speech or structures of opposition cannot logically serve the effectiveness required by the traditional theories of communication. For this reason, traditional linguistics tends to consider these structures as artificial, serving stylistic or rhetorical goals. Yet, we can observe, in oral speech, numerous utterances presenting marks of contradiction. This brings us to examine not the prepared structures but the spontaneous ones, serving communicative goals and having a real pragmatic effect within communication. This study will demonstrate that such utterances do exist in speech, and that the logical aporia they express at first sight reveals in fact a distinctive enunciative posture. We will showhow the utterer stages this posture through particular conditions of enunciation (polyphony, negation, markers). We will finally analyse the pragmatic effect of the structure of contradiction in and on discourse.The utterances presenting pragmatic connectors are of as many indications which allow us to take into account these notions and to analyse them under a new light. It is from a corpus established on the recordings of spontaneous oral conversations that we attempt to bring up the morphological forms and the syntax which conveys oral contradiction along with the pragmatic effects which it creates, in order to draw up a possible system of the functioning of these structures
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Drouet, Griselda Noémie. "La mise en scène de la contradiction à l'oral : analyse et fonctionnement". Phd thesis, Université Rennes 2, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00920151.
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La notion de contradiction en linguistique a souvent été rejetée en marge des recherches en langues. On considère généralement que la parole contradictoire ou les structures oppositives ne peuvent servir logiquement l'efficacité requise par la théorie traditionnelle de la communication. Pour cette raison, la linguistique traditionnelle tend à considérer ces structures comme artificielles, servant des fins stylistiques ou rhétoriques. Or, nous pouvons observer à l'oral nombre d'énoncés présentant des marques de la contradiction nous amenant à examiner non pas des structures préparées mais bien spontanées, servant des fins communicatives et ayant un effet pragmatique réel dans la communication. Nous montrons que la contradiction s'actualise bel et bien en discours et que l'aporie logique qu'elle manifeste à première vuemet en scène une singularité énonciative. Le locuteur, en effet, met en scène la contradiction moyennant des conditions d'énonciation particulières (polyphonie, négation, connecteurs). Des énoncés présentant des marqueurs de la contradiction sont autant d'indices qui permettent de prendre en compte cette notion et de l'analyser sous une lumière nouvelle. C'est à partir d'un corpus établi sur des enregistrements de français oral spontané que nous mettons au jour les formes morphologiques et syntaxiques qui traduisent la mise en scène de la contradiction à l'oral ainsi que les effets pragmatiques qu'elles engendrent, afin de parvenir à dresser un système possible du fonctionnement de cette structure