Artigos de revistas sobre o tema "Génération narrative"

Scholars have hailed Wendy Delorme's first novel, Quatrième génération (Grasset, 2007), and subsequent narratives as pioneering for their introduction of Queer Studies, gender performativity, sex-positive feminism, genderqueer and trans* identities to a mainstream French audience. Researchers have, however, and thus far, rarely focused on the more literary aspects of Delorme's books. This article suggests that Quatrième génération also constitutes a neopicaresque narrative since Delorme takes both her protagonist, Marion, and her readers on a literal and metaphorical learning journey through queer and sex-positive feminist experiences. More specifically, the picaresque topoï of Bildung and travelling fully participate in Delorme's goal of disseminating marginalized yet empowering perspectives. She does so in Quatrième génération through the exploration of sexualized spaces that double as places for Marion's (and, by proxy, the readers’) apprentisssage, through underscoring the power of words and the necessity of using appropriate LGBTIQA+ terminology, and through a critique of gender identities and (hetero)sexuality.

Le but de cet article est de s’interroger sur la possibilité de parler d’une génération d’auteurs francophones post-soviétiques. La diversité des œuvres paraît si grande que l’on semble forcé de statuer sur la singularité des auteurs de cette génération. Pourtant, une approche communicationnelle de ces récits au travers de la notion d’« auteur impliqué », de discours sur le monde porté par la fiction et d’« identité narrative » offre la possibilité de regrouper ces auteurs.

Cette contribution porte sur les représentations du pouvoir politique dans les livres de famille allemands de la fin du Moyen Âge et du début de l’époque moderne. Elle étudie plus particulièrement la mythologie politique qui se déploie dans les écrits patriciens, à travers laquelle les pères des grands lignages semblent assurer, de génération en génération, la prospérité conjointe de leur famille, de leur cité et de l’Empire. On cherchera ici à analyser la signification et la portée politique de cette construction narrative, en étudiant d’une part les champs sémantiques mobilisés par les auteurs, et en montrant d’autre part que ce discours prend sens à plusieurs échelles : celle de la ville, celle du territoire et celle de l’Empire.

Dans Les disparus, Daniel Mendelsohn raconte la quête qu’il a menée pendant sept ans à travers le monde pour retrouver des traces de six membres de sa famille, « disparus » en 1942 en Galicie orientale. Pour reconstituer comment ils sont morts et surtout comment ils ont vécu, il se met à l’écoute des survivants de Bolechow. Pour raconter cela, il s’inspire de l’Enquête d’Hérodote, dont il admire la puissance narrative et l’enargeia, qu’il complète de la vérification optique (akribeia) qu’il retient de Thucydide. Un « narrateur de la troisième génération » doit à la fois faire parler les témoins, vérifier leurs propos et s’inquiéter de la transmissibilité de son histoire aux lecteurs de son récit.

En 1974, Walsh se rend au Liban et en Palestine en tant que correspondant de Noticias. Il écrit un reportage intense sur un sujet complexe et pas encore résolu, la question palestinienne, qui montre comment sa profession de journaliste s’articule entre la pratique politique et la littérature, une relation que Walsh revendique toujours. Pour comprendre cette dimension esthétique et éthique, l’article analyse la position de Walsh par rapport au conflit, explore le contexte historique et politique, partagé par d’autres écrivains de la même génération, et étudie la construction narrative du reportage. L’hypothèse est donc que l’écrivain, à bien des égards, est un précurseur de nombreux discours sur la question palestinienne, et la question se pose de savoir si son journalisme, bien qu’enraciné dans les années 1970, peut encore être pertinent aujourd’hui.

Abstract: This paper is based on a conversation I had with D.Š., a 42-year-old woman who emigrated to Nova Scotia in 2014 from Bosnia and Herzegovina with her husband and young son. We met in December 2022 to talk about the idea of 'home' when it comes to being an immigrant and a first-generation Canadian. As a first-generation Canadian who emigrated to Canada from the former Yugoslavia in 1992 and someone who has been personally interested in diasporic identities in the Canadian context, I found D.Š.'s perspective meaningful and illustrative of many issues relating to challenges and potentials in Canada's official status as a multicultural nation. D.Š.'s narrative identifies, restructures, and deconstructs in multiple ways a key social boundary, 'foreignness,' which is embedded in the practice of homemaking and the process of integration understood as relational. My analysis of D.Š.'s narrative is conceptualized in terms of the identity work that is required of all Canadians for Canada to live up to its official status as a multicultural country. In the analysis, I draw upon the philosophy of encounter, the concept of 'homemaking' and recent studies on relational integration. The paper engages empirically the meaning of relational integration in the context of everyday 'homemaking.' Résumé: Cet article est fondé sur une conversation que j'ai eue avec D.Š. une femme de 42 ans qui a émigré de Bosnie-Herzégovine pour la Nouvelle-Écosse en 2014 avec son mari et son jeune fils. Nous nous sommes rencontrées en décembre 2022 pour parler de l'idée de "chez soi" en tant qu'immigrante et Canadienne de première génération. En tant que Canadienne de première génération ayant émigré au Canada depuis l'ex-Yougoslavie en 1992 et m'étant personnellement intéressée aux identités diasporiques dans le contexte canadien, j'ai trouvé le point de vue de D.Š. significatif et illustrant de nombreuses questions relatives aux défis et aux potentiels du statut officiel du Canada en tant que nation multiculturelle. Le récit de D.Š. identifie, restructure et déconstruit de multiples façons une frontière sociale clé, l'"extranéité," qui est ancrée dans la pratique du ménage et dans le processus d'intégration compris comme relationnel. Mon analyse du récit de D.Š. est conceptualisée en termes de travail identitaire requis de tous les Canadiens pour que le Canada soit à la hauteur de son statut officiel de pays multiculturel. Dans cette analyse, je m'appuie sur la philosophie de la rencontre, le concept de "hospitalité" et des études récentes sur l'intégration relationnelle. L'article aborde de manière empirique la signification de l'intégration relationnelle dans le contexte du "hospitalité" quotidien.

ABSTRACT: African literature is distinguished by the emergence of a new generation of female writers. These “rebellious women” brought about a real revolution in the 1980s by taking the story along new paths. It is the Franco-Cameroonian Calixthe Beyala who consecrates this rupture. His novels project the reader into worlds marked by anomie, chaos and excesses of all kinds. Moreover, on the formal level, the stories present themselves under new faces with the marked presence of linguistic earthiness, textual interferences and diegetic incoherence. The effect of recurrence of these thematic and narrative processes makes it possible to postulate the emergence of a postmodern novel. It will then be a question, in this contribution, of trying to distinguish in the novelistic production of Beyala from the formal tendencies, from the types of devices which come into relation with the postmodern writing RÉSUMÉ : La littérature africaine se distingue par l’émergence d’une nouvelle génération d’écrivains féminins. Ces « femmes rebelles » ont opéré dans les années 1980 une véritable révolution en engageant le récit dans des voies nouvelles. C’est la franco-camerounaise Calixthe Beyala qui consacre cette rupture. Ses romans projettent, en effet, le lecteur dans des univers marqués par l’anomie, le chaos et les excès de toutes sortes. De plus, sur le plan formel, les récits se présentent sous de nouveaux visages avec la présence marquée de la truculence langagière, des interférences textuelles et de l’incohérence diégétique. L’effet de récurrence de ces procédés thématiques et narratifs permet de postuler l’émergence d’un roman postmoderne. Il s’agira alors, dans cette contribution, de chercher à distinguer dans la production romanesque de Beyala des tendances formelles, des types de dispositifs qui entrent en relation avec l’écriture postmoderne.

La indagación surge de la convergencia de inquietudes de mi ser-hacer como docente e investigadora que en el presente desempeño el rol de coordinadora del Doctorado en Cultura y Arte para América Latina y El Caribe y del Centro de Investigación Cultural “Mariano Picón Salas” del IPC. Bajo esta premisa, establecí como propósito: interpretar los procesos de adquisición y construcción ontoespistemológica sustentados en la subjetividad e intersubjetividad en los docentes- estudiantes de los diferentes Doctorados del Pedagógico de Caracas. El paradigma interpretativo hermenéutico bajo un enfoque fenomenológico acompañado del método narrativo-biográfico, se constituyó en la travesía que propició un espacio académico caracterizado por el diálogo abierto, flexible y de respeto a la diversidad de sendas asumidas para interrelacionarse con la Investigación Cualitativa, La convergencia inédita de la generación de conocimiento entre quienes socializaron su producción teórica doctoral, dejó entrever que el mundo –de-vida de quien investiga constituye la génesis de la cosmovisión ontoepistemológica desde lo esencialmente humano. ABSTRACT The inquiry arises from the convergence of concerns of my being-do as a teacher and researcher that in this performance the role of coordinator of the Doctorate in Culture and Art for Latin America and the Caribbean and the Cultural Research Center "Mariano Picon Salas" of the IPC. Under this premise, I established as a purpose: to interpret the ontoespistemological acquisition and construction processes based on subjectivity and intersubjectivity in the student teachers of the different Doctorates of the Pedagogical of Caracas. The interpretive hermeneutical paradigm under a phenomenological approach accompanied by the narrative-biographical method, was constituted in the journey that led to an academic space characterized by open, flexible dialogue and respect for the diversity of paths taken to interrelate with Qualitative Research, The convergence unpublished of the generation of knowledge among those who socialized their theoretical doctoral production, let glimpse that the world-of-life of the researcher constitutes the genesis of the ontoepistemological worldview from the essentially human. Key Word: Ontoepistemological construction - narrative-biographical method - world-of-life RÉSUMÉ L’enquête découle de la convergence des préoccupations de mon être en tant qu’enseignant et chercheur, à savoir que dans cette performance, le rôle de coordinateur du doctorat en culture et art pour l’Amérique latine et les Caraïbes et du Centre de recherche sur la culture "Mariano Picón Salas" de la IPC. C’est sur ce principe que j’ai établi un objectif: interpréter les processus d’acquisition et de construction surpistémologiques fondés sur la subjectivité et l’intersubjectivité chez les futurs enseignants des différents doctorats de la pédagogie de Caracas. Le paradigme interprétatif herméneutique sous une approche phénoménologique accompagnée de la méthode narrative-biographique, a été constitué dans le parcours qui a conduit à un espace académique caractérisé par un dialogue ouvert et flexible et par le respect de la diversité des voies empruntées pour s’interconnecter avec Recherche qualitative, La convergence. Inédite de la génération de connaissances parmi ceux qui ont socialisé leur production de doctorat théorique, laissons entrevoir que le monde de la vie du chercheur constitue la genèse de la vision du monde onepistemologique de la nature essentiellement humaine. Mots-clès: construction épistémologique - méthode narrative-biographique - monde de la vie

This longitudinal mixed-methods case study aimed to explain why a seemingly ordinary U.S.-affiliated hyper-connected French language learner (Nancy) achieved extraordinary outcomes after 15 weeks in Paris, compared to fifteen Generation Z peers also enrolled in the program. Framed by Complex Dynamic Systems Theory and social pedagogies, the study adopted a retrodictive approach to “explain after by before” and retrace Nancy’s complex, non-linear trajectories of success. Adapting to new realities of students going abroad with their smartphones in hand, multiple measures of success (linguistic, intercultural, social, psychological, emotional) were triangulated with reports on smartphone usage, rich interviews, and background data to provide dense time-series and narrative illustrations of changes. Findings revealed the importance of the activation of Nancy’s agency to take advantage of the affordances of her study abroad environment through the butterfly effect arising from her initial conditions, judicious smartphone usage, and quality of L1 and L2 interactions. Abstract in French Cette étude de cas mixte longitudinale visait à expliquer les raisons pour lesquelles une apprenante du français langue étrangère ultra-connectée surnommée Nancy, affiliée à une institution universitaire états-unienne, est parvenue à des résultats d’apprentissage extraordinaires après un programme d’études à l’étranger de 15 semaines à Paris, par comparaison avec les quinze autres étudiant.e.s de la Génération Z qui étaient inscrit.e.s dans le même programme. Structurée par la Théorie des Systèmes Dynamiques Complexes ainsi que par les modèles de pédagogies sociales, cette étude a adopté une approche rétrodictive dans le but d’expliquer l’après par l’avant et de retracer ainsi les trajectoires complexes et non-linéaires ayant mené au succès de Nancy. En s’adaptant aux nouvelles réalités des étudiants qui partent à l’étranger smartphone en main, de multiples mesures de succès (linguistiques, interculturelles, sociales, psychologiques, émotionnelles) ont été triangulées avec des rapports d’utilisation du smartphone, de riches entretiens, ainsi que des données sur les origines des étudiant.e.s pour obtenir des sériographies temporelles et des illustrations narratives denses des changements encourus. Les résultats indiquent que le fait que Nancy ait activé son agentivité pour tirer profit des moyens que lui procurait son environnement d’apprentissage par le biais d’un effet papillon survenant de ses conditions initiales propres, de son usage judicieux du smartphone et de la qualité de ses interactions en langue première et langue seconde s’est révélé crucial.

Une abondante littérature est consacrée aux anciennes Provinces de l’Est allemandes depuis la fin de la guerre. À côté du lieu lui-même, le temps est un élément primordial de cette littérature très diversifiée. Au-delà du temps des faits historiques (fuite et expulsion) et de l’évolution de la littérature vers un passé assumé, le temps est surtout la pièce maîtresse des structures narratives : jeu avec la durée comme revendication ou manipulation du passé, évocation des différentes générations, opposition entre temps individuel et temps extérieur, juxtaposition des niveaux narratifs qui permet aux auteurs de prendre position envers l’histoire des Provinces de l’Est en général et leur propre histoire en particulier.

Cet article aborde des aspects de la structure générative d’un texte qui sont peu considérés par le modèle classique; parmi ceux-ci, la détermination de la ligne effective des successions dans l’arrangement sémantique, l’intégration du dispositif argumentatif et énonciatif, l’incidence de modèles culturels externes, la présence déterminante de niveaux narratifs virtuels. Je voudrais aussi souligner l’importance à accorder à l’expérience de lecture d’un roman, en relation également avec ce qui peut être considéré comme la valeur esthétique du texte. On peut aussi montrer par cette voie comment, grâce à ce qu’on apprend par le contact avec les textes, la sémiotique peut croître, toujours en s’appuyant sur ses références fondamentales, mais en les enrichissant de plus grandes articulations et en y intégrant de nouveaux aspects. Le roman choisi pour l’analyse, Le Rapport de Brodeck de Philippe Claudel nous aide en ce sens : c’est un ouvrage qui, à la manière propre d’un texte littéraire et d’une expression narrative, réfléchit sur l’écriture, sur l’interaction avec le lecteur, sur les mécanismes du récit et sur la relation entre le récit d’invention, les modèles éthiques et le monde réel.

Résumé Dans ses romans tout récents, écrits après le très long silence que l’on sait, Claire Martin revient à son thème préféré, l’amour, ou plutôt le sentiment, puisque La brigande, sans négliger la passion amoureuse, met l’accent sur l’amitié. L’amour impuni raconte un amour idéal entre deux hommes, et La brigande, une amitié pleine d’embûches entre deux femmes. Deux symboles importants, le cocon et la boîte de Pandore, régissent les développements narratifs. Ils relèvent d’une problématique imaginaire du secret, liée à cette dimension d’intériorité dont la romancière, avec les principaux écrivains de sa génération, fut l’une des grandes exploratrices.

En 2000, le romancier britannique Stephen Fry publie The Starsʹ Tennis Balls, une adaptation modernisante du roman Le Comte de Monte-Cristo dʹAlexandre Dumas. Lʹobjectif de la présente contribution est dʹanalyser les techniques narratives des deux romanciers. Extrêmement fidèle au roman de Dumas au niveau de lʹintrigue, Stephen Fry sʹéloigne de son modèle au niveau stylistique, ce qui produit un effet de modernité qui ne sʹapparente pourtant pas à celui des adaptations cinématographiques.

Au-delà des méthodes traditionnelles d’écriture de scénarios, on peut vraisemblablement concevoir une utilisation des ordinateurs modernes et des techniques particulières à l’intelligence artificielle à des fins de support à la créativité et à l’imagination. L’auteur décrit comment il a pu construire une formalisation des théories narratives du récit suffisamment stricte et rigoureuse pour permettre l’élaboration et l’implantation d’un système de génération automatique de récits. Ce système expérimental repose en grande partie sur la capacité particulière aux ordinateurs de pouvoir générer et évaluer une grand nombre d’alternatives de récits possibles et cela dans des temps relativement courts. Un tel système se veut une aide à la création pour un éventuel scénariste et ne prétend aucunement remplacer l’humain dans sa tâche première de création.

Résumé L’oeuvre de fiction Prodige de Nancy Huston présente, à travers la mise en scène de différentes voix narratives se répondant et s’enchevêtrant à l’intérieur d’un paysage musical, bien plus qu’un espace de dialogue entre les cultures : c’est un univers qui transcende tant les questions culturelles que les divergences apparentes entre les générations par la réhabilitation de certains aspects de la Grande Déesse. Ce faisant, la musique, comme moyen de communication, territoire fictif et lieu de communion, devient une force agissante qui permet de libérer l’émotion et de laisser libre cours à l’imaginaire. Prodige se présenterait ainsi comme un jeu rythmique de paroles et de silences dont l’enjeu est le don, dans une perspective de partage du sensible ouvrant sur la co-création d’un véritable espace communautaire.

This article presents a rich account of school leadership development within the North Coast Initiative for School Improvement program in New South Wales, Australia. The focus is the school leader at a small rural school, whose engagement with generative dialogue and collaborative inquiry results in a growing confidence in engaging her school community. The study demonstrates the power of narrative as a mode of inquiry and leadership development as represented in the school leader’s own account of her changing relationship with her school and her developing sense of professionalism. The study evaluates the success of the approach against a model of Seven Powers derived from the work of David Townsend and Pam Adams in Alberta, Canada, that includes the positive effects of carefully constructed and managed teams, professional relationships and processes, and the use of inquiry, reflection, collaboration, modelling and narrative in supporting the professional development of a school-based leader. Key words: school leadership growth; collaborative inquiry; emotional intelligence; narrative; generative dialogue; North Coast Initiative for School Improvement Cet article présente un compte rendu riche du développement du leadership scolaire dans le cadre du programme North Coast Initiative for Schola Improvement en Nouvelle-Galles du Sud, Australie. L'accent est mis sur le leader scolaire d'une petite école rurale, dont l'engagement dans le dialogue génératif et l'enquête collaborative se traduit par une confiance croissante dans l'engagement de sa communauté scolaire. L'étude démontre le pouvoir du récit en tant que mode d'enquête et de développement du leadership, tel qu'il est représenté dans le témoignage de la directrice de l'école sur l'évolution de sa relation avec son école et le développement de son sens du professionnalisme. L'étude évalue le succès de l'approche par rapport à un modèle des Sept Pouvoirs dérivé du travail de David Townsend et Pam Adams en Alberta, Canada, qui comprend les effets positifs d'équipes soigneusement construites et gérées, de relations et de processus professionnels, et l'utilisation de l'enquête, de la réflexion, de la collaboration, de la modélisation et du récit pour soutenir le développement professionnel d'un leader scolaire. Mots clés : leadership scolaire, enquête collaborative, intelligence émotionnelle, récit, dialogue génératif, North Coast Initiative for School Improvement

Résumé Le présent article analyse d’un point de vue sémiotique les rapports entre la /lumière/ et l’/obscurité/ et les catégories discursives au sein d’un corpus de quatre textes de la littérature du dix-neuvième et vingtième siècle. Il s’agit de montrer que les propriétés physiques et sensibles fondent les structures sémio-narratives et orientent les catégories axiologiques, thymiques, spatiales et temporelles. Autrement dit, on observe une primauté de la lumière et de l’obscurité en tant que catégories organisées en structure élémentaire qui génère, par un système de conversion, les unités abstraites et concrètes aux niveaux successifs du parcours génératif.

Résumé Cet article discute de l'interactivité sous trois éclairages de nature différente. Dans une première partie, l'auteur tente de renouveler la définition de l'interactivité dans ses rapports à la simulation de la présence humaine. Une deuxième partie s'attache aux enjeux éducatifs propres à l'interactivité, cherchant à montrer pourquoi et comment devrait s'imposer un objectif central consistant à favoriser, entre autres, le « devenir auteur » des générations montantes. La troisième partie porte sur le récit interactif. L'auteur fait apparaître qu'à travers les questions de la séquentialité du récit, des temporalités de sa réception, de la présence de l'interlecteur dans la narration ou de l'irruption d'un tiers le programme dans la relation auteur/lecteur, ce sont toujours des théories fictionnelles de la vie qui se tiennent en arrière-plan.

Ils ont troqué la plume des générations précédentes contre un clavier d’ordinateur. Le phénomène connaît il y a quatre ans une explosion, à tel point qu’actuellement, plusieurs centaines de récits de vie — des « chroniques », les appelle-t-on — se disputent la popularité sur la toile. Âgés de 16 à 24 ans, les « chroniqueuses » et, en moindre proportion, les « chroniqueurs » de Facebook, célèbre site de réseautage social, se saisissent de cet espace numérique pour rédiger et publier leur histoire. Suivis par des milliers de fans, ils s’attachent à relater la vie quotidienne dans le décor des cités. Pour ces jeunes issu·e·s de quartiers populaires, l’expérience d’écriture et de lecture participe de l’expérience de la « galère », autant que d’un travail réflexif sur celle-ci. Après avoir clarifié la nature de ces entreprises narratives, l’article propose donc d’explorer l’une d’entre elles, afin d’appréhender par la lecture romanesque la « galère » vécue au féminin.

Dans le cadre d’une mondialisation croissante, où le savoirfaire, les connaissances ancestrales et la diversité culturelle risquent de se perdre, l’inscription au Patrimoine Culturel Immatériel (PCI) de l’UNESCO constitue un moyen de sauvegarde et de développement durable. La première étape pour cette reconnaissance est l’inscription au PCI du ministère français de la Culture. Ainsi, la communauté des liquoristes français, réunie au sein du SNFL (Syndicat national des fabricants des liqueurs), a l’intention de déposer un dossier intitulé Liqueurs de France , mettant en avant les aspects culturels de son patrimoine immatériel. L’étude présente cherche à explorer le rôle du temps pour les liquoristes et les liqueurs français, ainsi que l’engagement des producteurs à l’intersection entre préservation du patrimoine et transmission aux générations futures. Elle s’inscrit dans une analyse socio-sémiotique des narratifs des managers interrogés, ainsi que des sites web des entreprises concernées.

La littérature de science-fiction se pose la question des systèmes politiques, les plaçant au cœur de ses intrigues. Des ouvrages ou séries dystopiques young adult très populaires en font le nœud central de leur narration. Cette large réception les propulse au rang d’artéfacts culturels pour toute une génération, participant plus ou moins consciemment à la construction de son imaginaire politique. Cette habitude des jeunes protagonistes de se confronter à des systèmes de pouvoir, politiques et sociétaux, de les questionner et de les aborder dans une perspective du changement possible permet-elle d’introduire une éducation au politique auprès des jeunes lecteur·rice·s ? Dans cet article, nous cherchons à explorer, par l’entremise d’un réseau d’œuvres littéraires, les liens entre éveil au politique et représentations du pouvoir dans un corpus de science-fiction. Notre étude se concentre sur quatre séries adolescentes : Divergente de Veronica Roth, La Passe-Miroir de Chris­telle Dabos, La Faucheuse de Neal Shusterman et Cogito de Victor Dixen. Elle nous permettra d’établir des pistes pour aborder la littérature young adult dans le but d’aider les adolescent·e·s à développer un esprit critique sur divers enjeux politiques et sociaux présents dans leur quotidien.

Notre étude se base sur ce conseil qu'a donné Sartre aux romanciers : « Voulez – vous que vos personnages vivent ? Faites qu'ils soient libres . » En effet , le sujet principal de cette étude est , comme le souligne le titre , la liberté du personnage dans le texte romanesque. François Mauriac et Jean Paul Sartre ne représentent pas seulement deux générations idéologiques et spirituelles différentes , mais ils sont représentants de deux tendances littéraires opposées , surtout en ce qui concerne la technique de la narration dans le roman . Mauriac appartient à la doctrine du roman psychologique traditionnel qui dépend sur l'analyse psychologique . Chez Mauriac , le narrateur joue un rôle capital de diriger ses personnages, surtout le protagoniste , vers des fins souvent choisies. L'écrivain parait , chez lui , omniscient et tout-puissant .Mauriac qui suit les traces de Paul Bourget , s’inspire surtout des écrivains comme Dostoïevski et Tolstoï ; il ne cache pas également son admiration à Marcel Proust , le maître du roman d'analyse psychologique .

Dans Le complexe de la sorcière (2020), Isabelle Sorente raconte comment l’image de la sorcière fait irruption dans sa vie et dans son écriture, et l’amène à interroger l’impact psychique des chasses aux sorcières, ainsi que sa transmission tacite aux générations postérieures. Si la littérature contemporaine « revendique volontiers l’enquête comme démarche d’écriture » (Laurent Demanze, Un nouvel âge de l’enquête, 2019), Le complexe de la sorcière illustre cette tendance en alliant enquête historique, exploration de la mémoire familiale, auto-analyse et introspection. En étudiant le dernier roman d’Isabelle Sorente, nous nous intéresserons à ce mode particulier de représentation littéraire de la vie intérieure, où l’écriture conçue comme enquête devient le véhicule d’une transformation intérieure. En poursuivant une analyse parallèle de la prise de conscience de l’auteure et des transformations génériques que subit le récit, nous verrons que l’enquête transforme d’abord le roman en essai, et le rapproche de la notion de littérature appliquée à la psychanalyse (P. Bayard). Nous verrons ensuite que la remémoration du passé familial et personnel, au lieu d’être l’aboutissement de la narration, ouvre le récit de soi aux récits des autres. Finalement, les réflexions de P. Ricœur nous permettront d’articuler la relation entre littérature documentaire et construction du sujet.

Pour definir ce que l’extrême contemporain veut dire, nous faisons référence, encore de nos jours, à Michel Chaillou, à qui nous devons ce concept, sans oublier pour autant la bibliographie intervenue plus tard. Rappelons au passage quelques essais qui s’intéressent à la définition et à la problématisation de l’extrême contemporain, parus depuis la fin du XXe siècle : Viart, D. (1999), Le Roman français au XXe siècle. Hachette ; Blanckeman, B., Mura-Brunel, A. Dambre, M. (2004), Le Roman français au tournant du XXIe siècle, Presses de la Sorbonne Nouvelle ; Pellegrini, R. G. (dir.) (2004), Trois études sur le roman de l’extrême contemporain, Schena ; Viart, D., Vercier, B. & Évrard, F. (2008), La littérature française au présent. Héritage, modernité, mutation, Bordas ; Holter, J. (2017), Le clair-obscur « extrême contemporain ». Brill-Rodopi. Dans « L’extrême contemporain, journal d’une idée », Chaillou tâche de définir ainsi son invention : « ce qui est extrêmement contemporain […]. Ce qui m’est le plus proche, mes proches, un même cœur, amis, ma chemise, mes culottes, ce qui touche à la peau, ma savate » (Chaillou, 1987, p. 5). Plus loin, il dit que l’extrême contemporain est « le présent interrogé, saisi aux ouïes, tiré hors de la nasse […]. Ce qui est si contemporain, si avec vous dans le même temps que vous ne pouvez vous en distinguer, l’apercevoir, definir son visage » (Chaillou, 1987, p. 5-6). On ne peut que retrouver certains de ses mots dans les essais qui constituent ce dossier. Dans les quatre articles qui le composent, il est question, en effet, de l’intime, du trop intime, de l’histoire, de ce qui est avec nous en même temps que nous, de ce qui continue à nous interroger sans cesse. On y retrouvera à plusieurs reprises le mot « extrême » : il sera question de traductions ou d’auto-traductions hardies ou « extrêmes », d’auteurs et d’écritures « extrêmes », soit à cause des thématiques abordées, soit à cause des formes adoptées, ou les deux en même temps. Ce n’est pas par hasard si le dossier s’ouvre sur une analyse qu’Aura Sevón consacre à Vivre l’orange, livre publié par Hélène Cixous en 1979. L’œuvre bilingue, plurielle, célèbre de manière radicale la plurealité, selon le terme inventé par Cixous quelques années auparavant. Dans l’essai, l’auteure s’efforce d’ausculter le style fragmentaire propre à Cixous et d’en extraire une pratique de la traduction conçue non seulement comme un processus intellectuel mais aussi comme une pratique sensorielle et émotionnelle. Il y a dans le geste d’écriture de Cixous, extrême à bien des égards, un appel à l’hospitalité, à l’étrangeté. Le fait de placer la traduction avant l’original, cela ne serait qu’un geste « extrême » visant à déconstruire la hiérarchie entre l’original et la version, entre l’auteure et la traductrice. Par sa nature bilingue, ensuite multilingue, par l’hybridation, les jeux de mots polysémiques et les glissements homophones, Vivre l’orange remettrait en question la suprématie du rationnel, la linéarité textuelle, voire la notion même d’auteure. À cette première déclinaison de l’extrême s’ensuit l’essai de Stéphane Konan Luc Brou « La double dominante générique dans Zakwato. Pour que ma terre ne dorme jamais ». L’auteur s’y intéresse à l’œuvre de Azo Vauguy, poète contemporain qui s’inscrit à plein titre dans le renouvellement des formes repoussant à l’extrême les frontières de la poésie. Si la disposition typographique du vers s’accomode, d’une certaine manière, à l’attente du lecteur et au code poétique, le code narratif s’affiche tout de même. La présence de la troisième personne, les temps et les perspectives narratives rendent floues les frontières entre les genres. L’auteur de l’article semble défendre l’idée que l’association des « caractérisèmes » de la narrativité à ceux de la poéticité concourt à fixer le statut de la poésie négro-africaine issue de la tradition orale. Le troisième article de notre dossier explore la production narrative en Côte d’Ivoire. Babyface de Koffi Kwahulé s’inscrit dans cette nouvelle génération de romanciers qui transgressent la norme grammaticale et hybrident les discours. En effet, Daouda Coulibaly recourt à la notion d’hybridité et de carnavalisation pour mettre en lumière la modernité de ce texte de l’extrême. Babyface se situerait dans une sorte d’interlangue, entre plurilinguisme et énonciation sociolectal. De ce fait, il invente un code langagier qui n’obéit qu’aux exigences littéraires. En outre, Babyface représente, en quelque sorte, le syncrétisme de tous les genres littéraires car la poésie, le théâtre, le journal intime y trouvent leur place dans le but de démontrer la capacité de ce roman à accueillir les différentes facettes du réel. Il s’agit donc d’un récit factuel qui dépeint avec force la société ivoirienne contemporaine, considérée comme étant « extrême » à bien des égards. Il y aurait, enfin, une sorte de conjonction entre la forme rupturiste adoptée et la réalité racontée, toutes deux hors norme. Le dernier article du dossier, « Visions et représentations du quartier Chinatown à Paris dans les films français de l’extrême contemporain : de l’exotisme au multiculuralisme », nous fait plonger dans le quartier parisien appelé Chinatown. L’analyse des films Augustin, roi du Kung-fu (1999), Paris je t’aime (2006), Made in China (2019) et Les Olympiades (2021) nous montrent un paysage urbain flou, situé entre le réel et l’imaginaire. Du point de vue strictement démographique et économique, l’identité de Chinatown est douteuse tout en étant présente et agissante. Yue Pan se sert avec justesse de la notion foucauldienne d’hétérotopie afin de qualifier ces espaces difficiles à cerner mais qui existent dans la conscience collective. On pourrait se demander pourquoi des cinéastes français s’intéressent à ce lieu décentré qui peut être partout et nulle part. Dépassée l’exoticisation, cet espace non-parisien à l’intérieur de Paris participerait à cette notion d’hybridité difficile à illustrer et contribuerait au renouvellement des images de Paris au cinéma. Il nous inviterait aussi à réfléchir sur la multiculturalité à la française. En outre, les personnages masculins, les seuls non-asiatiques qui entrent dans Chinatown, mettent en exergue l’érotisation de cet espace et l’extrême stéréotypisation de la femme asiatique en général et chinoise en particulier. Ce dossier de la revue HYBRIDA portant sur l’EXTRÊME nous a permis de faire un bond en avant dans la contemporanéité de la production culturelle en français, de comprendre les enjeux poétiques et politiques de quelques écrivain·e·s, poètes et metteurs en scène. Nous avons pu constater comment ces auteur·e·s ne cessent de remettre en question les formes et les acquis, les frontières et les images, seule manière valable, à notre sens, d’interroger notre présent, pour tenter d’en saisir son agitation et son mouvement constants. Ce n’est pas un hasard si le dossier s’ouvre avec Cixous et se clôt avec l’usage du concept foucauldien d’hétérotopie ; les deux, Cixous et Foucault, ayant profondément réfléchi aux questions et aux discours de l’extrême.

En diciembre de 1903, Pardo Bazán publicó un artículo sobre la nueva narrativa española en la revista parisiense La Revue. En marzo de 1904 volvió a publicarse en una traducción de la propia autora en la revista modernista Helios. Testimonio de su acercamiento a los jóvenes escritores finiseculares en el renacimiento del idealismo simbolista, el texto, con su visión “epocal”, es un documento clave en el debate contemporáneo y futuro sobre el modernismo literario. La lectura comparada del texto en francés con la versión en español revela que ésta, más que una traducción, es una revisión llevada al día que se implica en un diálogo crítico intertextual en el contexto histórico español. La lectura comparada de la revisión de Helios con la versión manuscrita de la Real Academia Galega ilumina el proceso consciente de traducir y revisar un texto de historia literaria, a la vez que el proceso inconsciente de descubrirse en la obra crítica. Para facilitar la lectura comparada, los textos en francés y español se reproducen íntegros y en paralelo, con las variantes, las adiciones y los cortes señalados en la tipografía. El manuscrito se reproduce en facsímil; las variantes y correcciones del manuscrito se subrayan en el texto reproducido en Helios con notas al pie de página.

Résumé Quelle est la place occupée par l'allégorie dans la photographie contemporaine ? L'utilisation du mode allégorique marque, depuis le début de ce siècle nouveau, un tournant décisif. Les pratiques photographiques actuelles s'imprègnent de dérivations allégoriques : de nombreux artistes photographes, des femmes surtout, majoritairement britanniques, font ouvertement usage de l'allégorie dans leurs oeuvres, assurant ainsi à la suite des travaux des générations d'artistes photographes des années 1980 et 1990 (Evergon, Sherman, Knorr, Buckland, Richon, Cohen, Leriche, etc.) la survie de ce mode « académique ». En cela ils s'appuient sur des conventions de représentation et de figuration héritées de la tradition de l'art occidental, fondées donc sur une esthétique bien établie. Alors que l'on dispose de nombreuses études qui alignent l'allégorie sur les productions du théâtre, de la littérature, de la sculpture, de la peinture et du cinéma, on s'est très peu intéressé d'un point de vue sémiotique aux stratégies et aux méthodes de travail des artistes qui adoptent le mode allégorique, et partant aux discours critiques qui leur sont consacrés. C'est là la préoccupation principale du présent article. On cherchera donc à dégager la très grande variété d'outils empruntés par des artistes impliqués à fond dans des projets esthétiques très divers et souscrivant à des positions politiques différentes, et à étudier la manière dont ils génèrent dans l'imagerie fixe des effets narratifs et le sens allégorique. Il sera également opportun de mettre en évidence certains thèmes récurrents, liés à la culture, aux institutions, au pouvoir, à la diversité sexuelle, et la manière dont ces artistes ont su dépasser et étendre les codes de représentation classiques.

Abstract This article examines the narratives and practices of return experienced by long-term Nairobi-based Luo seeking to make a home in rural western Kenya. Building a rural home, and being buried there, remain crucial to many urban Luo understandings of a successful life. This is a project full of contingency: it relies on resources gained in the city, as well as access to land and the cultivation of rural kin relations. Although ‘home’ and ‘return’ were often spoken of in idealised terms, desires to return were as much focused on living towards the future as on a nostalgic sense of a lost past. Practices of building a rural home grapple with expectations of rural and urban kin, the challenges of doing things properly, and responsibilities of caring for home and landscapes in a way that can ensure future generations’ capacity to dwell on the same land. This desire to belong to the future is at the heart of Nairobi Luo dreams of ‘return’. Résumé Cet article étudie les pratiques et les discours des Luo vivant à Nairobi au sujet de leur retour chez eux, dans l'ouest Kenya rural. Construire une maison à la campagne et y être enterré demeure, pour nombre de Luo devenu urbains, une perspective essentielle pour une vie réussie. Mais il s'agit d'un projet soumis à de nombreuses contingences : il dépend des ressources acquises en ville, de même que de l'accès à la terre et de la façon dont les relations avec les parents restés au pays ont été gérées. Bien que l'on parle souvent du « chez-soi » et du « retour » en termes idéalisés, les désirs de retour sont autant une projection de vie vers le futur que l'expression de la nostalgie d'un passé perdu. Les pratiques de construction des maisons de campagne mettent aux prises les attentes des parents vivant en ville et à la campagne, comme elles mettent au défi de faire les choses correctement, d'assumer les responsabilités quant à l'entretien de la maison et de l'environnement afin de permettre aux générations suivantes de s'installer sur la même terre. Ce désir d'appartenir au futur est au cœur du rêve de « retour » des Luo de Nairobi.

The emphasis on testimony in the oeuvre of Haitian-Québécois author Marie-Célie Agnant attests to her recognition of the vital task of bringing truth to light. Indeed, most of Agnant’s works take as their focal point the far-reaching consequences of the Duvalier regime, underscoring in particular the crucial importance of giving voice to the terrifying events that occurred throughout this period. In the richly layered Femmes au temps des carnassiers (2015), a number of Haitian women recount their experience of political violence and testify to the “unspeakable” atrocities that turned Haiti into a “terre gorgée de sang” (Agnant 2015, 21). While this text addresses the complex relationships between history, memory, silence, and voice, it does so by emphatically equating the Duvaliers with the demonic and women’s trauma with a form of hell. Agnant’s deployment of the trope of hell characterizes her female protagonists’ trajectories as a grueling journey into an infernal realm with no guarantee of return. At the same time, however, the narrative strongly suggests that bearing witness, especially through art, can potentially play a significant role in bringing about healing after an unwanted descent into the underworld. Le thème récurrent du témoignage dans l’œuvre de l’écrivaine haïtienne-québécoise Marie-Célie Agnant souligne l’importance qu’elle attache à la nécessité de mettre en lumière la vérité sur des événements historiques troublants. En effet, la plupart des textes d’Agnant ont comme sujet central les conséquences du régime des Duvalier et insiste en particulier sur les événements terrifiants qui ont eu lieu pendant cette période. Dans le roman Femmes au temps des carnassiers (2015), plusieurs générations de femmes haïtiennes victimes de la violence politique racontent les atrocités “indicibles” qui ont transformé Haïti en une “terre gorgée de sang” (Agnant 2015, 21). Bien que ce texte traite des thèmes de prédilection d’Agnant - les rapports complexes entre l’histoire, la mémoire, le silence et la voix - il le fait en créant un parallèle frappant entre l’enfer et les traumatismes subis par les femmes. L’emploi du trope de l’enfer sert ainsi à présenter les Duvalier comme une incarnation du diable et les trajectoires des personnages femmes comme un voyage douloureux sans fin dans un monde infernal. En même temps, cependant, le récit suggère fortement que l’acte de témoigner, surtout à travers l’art, peut potentiellement jouer un rôle significatif dans le processus de la guérison après une descente aux enfers.

Cet article aborde l’œuvre narrative du poète de la génération des années soixante-dix Michalis Ganas et se concentre sur les concepts d’exil, d’expatriation et de migration en tant qu’événements biographiques et en tant qu’empreintes psychiques et littéraires. Ganas et sa famille font partie du groupe des Épirotes qui, lors de la guerre civile en 1948 furent déplacés vers les pays socialistes et se fixèrent finalement dans le village de Beloyannis en Hongrie. Ils reviendront en Grèce en 1954. Dans son récit Marâtre patrie (1981), il évoque des événements et des souvenirs de son enfance d’expatrié mais aussi les conditions pénibles du retour dans une patrie « marâtre », marquée par les persécutions politiques, par l’indigence et l’émigration. L’objectif de notre étude est d’explorer les multiples aspects de I’étrangeté et de la localité dans l’œuvre de Michalis Ganas : expatriation, retour, migration interne, exil existentiel. Des situations à la fois réelles et littéraires, qui sont liées à des lieux mais, en même temps, imposées par le parcours du moi-poétique à travers le temps, son âge et sa maturation poétique.

À la suite de la journée d’étude « Vingt ans de narratologie au CRAL : rétrospectives et narratologies à venir », tenue à Paris au Centre de recherche sur les arts et le langage » le 6 février 2024, CAO Danhong s’est entretenue avec John Pier, qui co-dirige le séminaire « Recherches contemporaines en narratologie » depuis sa fondation en 2003. Cette journée fut l’occasion pour les participant.e.s de faire un bilan des travaux menés au sein du séminaire pendant deux décennies. Parmi les thèmes abordés pendant l’entretien sont les multiples sujets traités par les intervenant.e.s au fil des années, l’évolution de la narratologie française dans le contexte de la recherche internationale ainsi que le positionnement de la recherche française par rapport à la narratologie classique et postclassique et les trois « générations » qui caractérisent les travaux francophones. Également discutés sont la transmédialisation du récit et la diversité grandissante des objets narratifs face aux évolutions technologiques. L’ouverture de la recherche vers la diachronie ainsi que le rôle majeur de la transdisciplinarité dans la recherche narrative, mais aussi les périls du « tout narratif » et de l’« impérialisme narrative », sont traités. Enfin, la narratologie, par ses origines et la diversité de ses développements, est par sa nature éminemment internationale, sans être la réserve privilégiée d’une aire linguistique et culturelle particulière ou d’une autre. L’entretien se termine par le constat de la nécessité d’une narratologie comparée.

Il est indéniable que le storytelling occupe une place importante, surtout dans un secteur comme le tourisme. En effet, les histoires aident les touristes potentiels à donner un sens à la destination et à consommer les différentes attractions issues du patrimoine local. Par ailleurs, elles transparaissent en filigrane dans la narration où foisonnent les croyances et les représentations socioculturelles qui varient d’une société à une autre. En outre, les histoires témoignent d’une richesse surprenante dont la survie tient essentiellement de leur transmissibilité de génération en génération, notamment à travers des fragments de récit comme les contes, les mythes, les anecdotes et tout autre genre narratif, qui parfois minoré, est voué à la désuétude et à l’oubli. C’est dans ce sens que nous revenons à travers cette contribution, pour interroger cet outil de communication qui peut prendre pour support la transmission orale, iconique ou textuelle. Aussi, avons-nous tâché de prospecter les réponses d’un échantillon de touristes à un sondage portant sur le storytelling et son influence sur leur comportement. Ce faisant et en optant pour une approche quantitative, notre étude se fixe comme objectif d’examiner la sensibilité des touristes au storytelling du territoire, d’étudier la manière dont ils le perçoivent et d’analyser les formats du storytelling qu’ils apprécient.

Résumé Cet article présente comment la généalogie au Québec et en Acadie aux XIXe-XXe siècles permet la constitution d’un patrimoine symbolique. Le savoir généalogique d’une famille est précieux pour les membres de la famille qui s’y reconnaissent, et sa valeur en est suffisamment élevée pour nécessiter sa conservation et sa transmission aux générations futures. La généalogie nourrit un processus de distinction (dans le sens de Bourdieu) du généalogiste et de sa famille. Ceux qui se reconnaissent dans la narration familiale se différencient et se distinguent des autres familles qui ont une autre histoire familiale que la leur.

Il est une expérience de la migration en Grèce qui n’a guère retenu l’attention : celles des enfants, nés de migrants, légaux ou pas, dans les années 1990, sur le sol grec, et y ayant été élevé, mais qui, à 18 ans, doivent légalement prouver qu’au moins un de leurs parents est de nationalité grecque, pour que la leur soit reconnue. Dans son film, Xénia, Koutras relate cette expérience complexe, à travers le cas de deux frères, « Albanais de la seconde génération », en quête de père et de patrie dans la Grèce contemporaine. Le but de cet article est de montrer comment le réalisateur traite cinématographiquement des apories identitaires aux prises avec lesquelles cette étrange étrangeté met les protagonistes : s’il élabore de leur expérience une représentation du rapport à soi et aux autres bancale, et partiellement aliénée, au regard des normes sociales et psychologiques, il ne s’en tient pas là, comme leur devenir de migrants orphelins et apatrides est l’occasion d’une réappropriation identitaire, subvertissant jusqu’au sens même de « l’identité » conventionnelle. Pour filmer cette transformation en ressources des contraintes aporétiques, le réalisateur recourt à une combinaison de procédés formels et narratifs puisant dans le répertoire de représentations et d’actions queer, tout en l’enrichissant.

Cet article s’interroge sur les rôles et les significations du tourne-disque et du disque vinyle au cinéma, en procédant de deux manières complémentaires. D’abord, il passe en revue de manière panoramique les principaux pouvoirs de ces objets tels que le cinéma les a exploités, en mentionnant quelques exemples classiques. Ensuite, il se concentre sur deux films (latino-américains) récents, situés dans le présent contemporain au moment du tournage et protagonisés par des jeunes gens, pour lesquels le tourne-disque est un objet du passé. En effet, dans 25 Watts (Stoll et Rebella, 2001, Uruguay) et Abrir puertas y ventanas (Mumenthaler, 2011, Argentine), le tourne-disque est mis en scène comme un objet désuet, provenant d’une génération antérieure, que les jeunes personnages s’approprient au sein d’un processus d’apprentissage et/ou de deuil. L’article analyse les différentes versions de ce processus dans les films et montre que le tourne-disque apparait comme un marqueur signifiant de celui-ci. Il n’intervient que dans une seule scène des films, mais son utilisation rend compte de la structure temporelle de la narration et du rapport des personnages à leur époque.

Digital storytelling (DST) can play a critical role in co-design initiatives involving local communities, as a method for bridging exploratory phases and co-design processes. The paper draws on three case studies of collective DST in underserved locations. While DST enabled groups to present themselves and their communities, its evolution showed that activities crystallized into creative concepts and community-driven projects that generated new ideas, new collaboration pathways and new networking capabilities. The structured analysis of these case studies can be used by researchers looking to spur grassroots initiative and encourage local participation and engagement in community-based design.La narration numérique peut jouer un rôle essentiel dans les initiatives de co-design avec des communautés locales, en tant que méthode pour passer de la phase exploratoire de la recherche au processus de co-design. L’article se fonde sur trois études de cas de narration numériques collectives dans des communautés défavorisées. La narration numérique a donnée aux groups la possibilité de se présenter tandis que son processus génératif a cristallisé dans des concepts créatifs et des projets communautaires porteurs de nouvelles idées, voies de collaboration et capacités de réseautage. L'analyse structurée de ces études peut être utilisée par les chercheurs intéressés à stimuler l'initiative locale et à encourager la participation et l'engagement communautaires.

Résumé À travers l’essai biographique que Pierre Michon a consacré à Rimbaud, il s’agit ici de voir comment l’entreprise de raconter une vie d’écrivain se transforme à la fin du xxe et au début du xxie siècle. L’exemple de Rimbaud le fils nous paraît en effet symptomatique des recatégorisations que subit le récit biographique, après son entrée dans l’« ère du soupçon », sur le triple plan du style, de l’énonciation et de la narration. On verra que la biographie, chez Michon, dévie de sa trajectoire, et qu’il y est davantage question de l’impression – au sens propre comme au sens photographique – qu’a laissée Rimbaud sur des générations d’adulateurs et de lecteurs que des circonstances avérées de son existence. Cet ébranlement de l’événementiel, étonnant dans une biographie aussi brève (qui n’est, en ce sens, aucunement économique), fait le lit d’une fictionnalisation notable du propos biographique : des scènes imaginaires voisinent avec des conjectures étonnantes, et l’archive, pourtant rarissime – Michon se contente de répéter ce que tout le monde sait –, sert de fondement à l’invention, quand elle n’est pas elle-même inventée.

À mi-chemin entre le roman historique, la chronique et la fiction, O Senhor das Ilhas retrace par la voix narrative et fictive de deux de ses enfants, l’histoire aventureuse et tourmentée de Manuel António Martins, le véritable trisaïeul de l’auteure de cet ouvrage. Le roman fait ressurgir du passé l’histoire de plusieurs générations d’une famille coloniale portugaise installée dans l’archipel du Cap-Vert dont les îles forment le décor, parfois idyllique, souvent terrifiant selon les épisodes, d’une saga qui s’étend entre le XVIIIème et le XIXème siècles. En revenant sur un passé familial qu’elle a un temps renié, Maria Isabel Barreno opère avec ce roman une sorte de réconciliation personnelle avec son ancêtre paternel, colon et esclavagiste certes, mais également homme des Lumières, entreprenant, courageux et humain. Les ombres qui entourent ce personnage se dissolvent en partie dans la lumière des îles, laissant apparaître une réalité qui n’est peut-être pas tout à fait conforme à l’Histoire mais qui semble dire que la condition d’insulaire et d’insularité porte en elle des paradoxes qu’il importe de mesurer à l’aune d’une sacralité tout à la fois religieuse et païenne.----------------------------------------------------------------------------------------------------Luzes e sombras da Ilha em O Senhor das Ilhas, de Maria Isabel BarrenoSituado entre o romance histórico, a crónica e a ficção, O Senhor das Ilhas relata, pela voz narrativa e fictícia de dois dos seus filhos, a história aventurosa e atormentada de Manuel António Martins, o verdadeiro trisavô da autora. O romance ressuscita de um passado esquecido a história de várias gerações de uma família de colonos portugueses instalados no arquipélago de Cabo Verde cujas ilhas formam o cenário, ora idílico, ora terrificante, de uma saga que se estende entre 1780 e 1840. Voltando para um passado familial que ela tinha rejeitado durante a sua juventude, Maria Isabel Barreno « reconcilia-se » graças a este romance com o antepassado paterno, colono e dono de escravos, mas também homem das Luzes, enpreendedor, corajoso e humanista. As sombras que rodeiam esta personagem dissolvem-se parcialmente na luz das ilhas, deixando transparecer uma verdade que talvez não se conforme exatamente com a história oficial, mas que parece dizer que a condição de insularidade traz em si paradoxos que se pretendem avaliar pelo prisma de uma sacralidade tão religiosa como pagã.---Artigo em francês.

Quel est, selon l’approche structurale, le rapport entre une oeuvre singulière et le système général dont elle relève ? Si on conçoit cette approche comme ayant pour objectif de mettre en évidence et de décrire le système de tous les phénomènes réels, mais aussi possibles, et donc prédictibles, alors tout phénomène particulier (un texte, un discours, une oeuvre, un événement) apparaît comme une simple réalisation d’un schéma, d’un modèle ou d’une structure connue d’avance et a priori. En ce cas, toute « créativité » serait exclue. Mais parmi les divers modèles structuraux, la sémiotique de Greimas fait exception. Elle se distingue par un ensemble de choix épistémologiques et méthodologiques (grammaire générative du discours, description du système en termes syntaxiques et paradigmatiques, sémantique discursive non taxinomique) qui la rendent tout à fait apte à saisir la singularité d’une oeuvre, du moins dès le moment où on la pratique de manière inventive et non pas dogmatique. Les analyses concrètes menées dans ce cadre montrent que la nouveauté ou l’inventivité d’un discours se laisse le mieux saisir sur le plan de la sémantique discursive, considérée dans ses rapports avec la structure narrative.

Le mot hybride, présent dans les dictionnaires de langue française dès le XVIe siècle d’après les études de Rosa Cetro semble dernièrement acquérir une valeur de plus en plus positive. Cette évolution représente le point de départ de notre réflexion sur l’hybridité du texte narratif et sur le dynamisme considéré comme mouvement qui la déclenche et la nourrit. Les études de Mikhaïl Bakhtine, Homi Bhabha et Robert J.C. Young nous permettront d’analyser L’Énigme du retour (2009) de Dany Laferrière et After the Dance, A Walk through Carnival in Jacmel, Haiti (2002) d’Edwidge Danticat depuis une perspective hybride, mettant en évidence la composante dynamique qui les caractérise. Pour ce faire, nous élaborerons une définition de l’hybridité textuelle inspirée des études de Sherry Simon suite à la réflexion sur le processus dialogique et fusionnel recherché par Mikhaïl Bakhtine, à la négociation culturelle étudiée par Homi Bhabha, à l’engendrement de langues créolisées et de générations métissées mis en avant par Robert J.C. Young. L’analyse des deux textes visera à définir leur contexte de création, les langues d’expression utilisées par leurs auteurs et leurs genres littéraires. Elle observera dans quelle mesure le dynamisme concernant le contenu des deux œuvres, les aspects culturels qui y émergent et les stratégies narratives appliquées nourrissent l’hybridité des éléments susmentionnés.

Cet article étudie les travaux de Friedrich Nietzsche sur l’art et plus particulièrement sur l’art tragique du VIè et Vè siècles avant notre ère à Athènes dans le but d’élaborer une proposition de définition de l’art en relation au mythe et à la science dans notre société contemporaine. Après avoir expliqué les thèses de Nietzsche qui voit dans la tragédie attique le résultat de la rencontre entre deux puissances artistiques : le dionysiaque (l’art musical) et l’apollinien (l’art visuel), nous nous interrogeons sur la possibilité de caractériser la forme artistique comme le résultat d’un parcours génératif qui va de l’énergie modale vers la structuration figurative et narrative jusqu’à son implémentation sur le plan des pratiques. Considérant que l’art est définissable en tant que forme symbolique (Cassirer), notre étude caractérise l’art en le contrastant à d’autres formes symboliques et institutions sociales, comme la science, le langage (verbal) ou le mythe. Mais alors : en quoi les originalités de notre sémiosphère contemporaine et en particulier les relations entre les différentes formes symboliques telles que l’art, le langage verbal, le mythe et la science conditionnent-elles l’émergence de l’art d’aujourd’hui ?

L’article propose un aperçu concernant divers aspects de la « complexité » en sémiotique, sans toutefois ignorer le fait que beaucoup des considérations avancées à cet égard présentent des analogies significatives avec ce qu’on observe dans d’autres disciplines. Parmi les aspects les plus importants, la nécessité de renoncer à l’idée qu’on puisse donner des définitions objectives et univoques des objets sémiotiques. Prenant sens dans un contexte dialogique et conflictuel, un texte ne peut pas être analysé comme une entité autonome, en ignorant sa nature complexe d’acte argumentatif. En outre, les modèles narratifs sur lesquels reposent les textes étant multiples et divergents, il faut aussi dépasser une simple représentation linéaire du modèle génératif. Mais la base de tout cela n’est autre que l’idée de Saussure selon laquelle les entités sémiotiques n’existent qu’en tant que faisceaux de relations. L’idée même de complexité relève donc peut-être d’une théorie dont la nature est fondamentalement sémiotique !

Cet article traite de l’esclavage et du genre dans la fiction contemporaine omanaise écrite par des femmes. Face au vide historiographique et anthropologique sur l’esclavage légal dans la péninsule Arabique, la littérature nourrie par la mémoire permet d’aborder cette question. Elle rend visible des subjectivités d’esclavisé·es ou de leurs descendant·es absentes des récits dominants. Dépassant les polémiques sur l’usage de la production littéraire dans les sciences sociales, l’article considère la littérature comme un point d’entrée anthropologique, politique et économique apte à éclairer les situations concrètes de l’esclavage et du post-esclavage dans la société contemporaine omanaise. Il souligne tout particulièrement les tensions entre l’écriture mémorielle de l’esclavage et les positions de pouvoir et de genre des écrivaines. Il analyse ainsi une double subjectivité : celle des protagonistes femmes dans le roman et celle des romancières. Deux principaux romans omanais examinent l’esclavage dans la sphère intime et privée de la famille, du mariage et de la sexualité : Sayyidāt al Qamar (Les Corps célestes) de Jokha Alharthi et Al ashyā’ layssat fi amākiniha (Things are not in their place) de Huda Hamed (Al Jahouri). Le premier roman aborde frontalement l’esclavage et la traite omanaise qui s’étendait des côtes d’Afrique orientale jusqu’au Baloutchistan ; la concubine Zarifa étant l’un des principaux personnages. Le second roman raconte l’évitement matrimonial entre Amal, une baysara (métissée) et Mohsin, un « Arabe » issu d’une tribu « noble » et « pure ». Dans les deux romans, la question de la race, du genre et de l’origine généalogique s’inscrit au cœur des pratiques matrimoniales, sexuelles et familiales.L’article s’appuie sur une enquête de terrain menée au sultanat d’Oman en février 2023. Des entretiens en langue arabe ont été conduits avec les deux romancières Jokha Alharthi et Huda Hamed, afin de recueillir leurs discours et leurs perceptions sur le passé colonial, sur l’esclavage et son héritage, sur le rôle de la littérature, sur la réception de leur œuvre par le public local et international ainsi que sur les sources utilisées dans leur production littéraire. D’autres entretiens ont été menés avec des personnalités littéraires, académiques, et des représentants officiels.Dans la première partie de cet article, le roman contemporain est traité comme un matériau permettant de saisir les transformations sociétales dans le sultanat d’Oman en contexte d’esclavage et de post-esclavage, dans une perspective intersectionnelle. En premier lieu, cette partie met en lumière les multiples formes de domination au sein de l’institution du concubinage, soulignant la notion de propriété légale de l’esclave (milk) dans la loi musulmane. Elle montre le cycle de violences sexuelles exercées sur le corps de l’esclave-femme ainsi que les relations complexes entre maître et concubine où se mêlent abus, affection et domination. Elle témoigne aussi des relations prohibées entre la maîtresse et son esclave. Cette première partie indique également comment le roman permet d’évoquer les expériences de genre différenciées parmi les esclaves eux-mêmes, entre les esclaves né·es dans la maison du maître et les esclaves capturé·es qui se remémorent le « voyage ». Une telle distinction informe sur le sentiment d’appartenance à la nation : la loyauté nationale semble plus forte parmi les esclaves né·es dans la maison du maître, notamment les femmes, qu’au sein de la génération capturée, surtout masculine, bien plus rebelle. Le roman contemporain omanais donne l’opportunité, en troisième lieu, de décrire les pratiques post-esclavagistes au sein du mariage, un lieu de reproduction des hiérarchies sociales et raciales. Il évoque le thème des évitements matrimoniaux qui exprime des subjectivités féminines où s’entrecroisent race, genre et lignée. Prenant le cas des bayāsir (métissé.es), le roman omanais révèle que la discrimination ne relève pas de la couleur de peau mais de la généalogie. Si ces romans rendent visibles des trajectoires et des expériences d’esclavisé·es, le positionnement des romancières peut sembler paternaliste, les femmes noires étant souvent associées aux stéréotypes liés à la prostitution et à l’impossibilité pour elles de former une famille stable.La deuxième partie de l’article aborde les modes de narration, les positionnements des romancières omanaises, et la réception controversée de l’œuvre littéraire évoquant l’esclavage. Elle traite des subjectivités et des sources utilisées par les romancières. La place attribuée à l’histoire orale et aux archives dans la construction romanesque est centrale dans l’écriture féminine et mémorielle sur l’esclavage. Des subjectivités racialisées sont également évoquées. À l’inverse des black feminists afro-américaines qui ont écrit des neo-slave narratives, les romancières omanaises ne sont pas issues de communautés afro-arabes descendantes d’esclaves ; elles appartiennent à la classe dominante et « blanche ». Si ces romancières sont accusées de faire le jeu du colonialisme, on leur reproche également d’être son relais. Des attaques féroces ont fusé après l’attribution de prix littéraires (comme celui du Man Booker International Prize 2019 pour Sayyidāt al Qamar de Jokha Alharthi) et la traduction de leur œuvre. Pour les « conservateurs », ces romans montraient les Omanais sous l’angle des colonisateurs ou des esclavagistes. Ainsi, la traduction de ces œuvres a produit des discours locaux autour de l’esclavage et a soulevé de nombreuses polémiques à propos de la mémoire coloniale. Cette fictionnalité vient combler un silence institutionnel, les autorités évitant d’engager un débat national sur l’esclavage qui pourrait nuire à l’image internationale du pays. Au-delà d’un récit national homogène, la fiction contemporaine, essentiellement écrite par des femmes, permet donc de rendre visible l’esclavage dans la péninsule Arabique. Dépassant des visions sur l’esclavage oriental « doux » et « bienveillant », cet article cherche à inscrire celui-ci dans les études sur les histoires globales de l’esclavage.

Murray Forman’s text The ‘Hood Comes First: Race, Space, and Place in Rap and Hip-Hop provides insightful commentary on the workings of and relationship between place and space. To highlight the difference of scale between these two parameters, he writes that, “place defines the immediate locale of human interaction in the particular, whereas space is the expanse of mobile trajectories through which subjects pass in their circulation between or among distinct and varied places” (25). This statement reflects Doreen Massey’s earlier observation from her book Space, Place, and Gender that “one view of a place is as a particular articulation” of the spatial (5). These descriptions clarify how human action shapes, and is shaped by, what Forman describes as the “more narrowly circumscribed parameters” of place (25) and the broader realm of space. Clearly, these two terms describe interconnected components that are socially constructed and dynamic: that is, they operate at different scales but are constructed in time, constantly reshaped by human action and perception. “Space and time are inextricably interwoven,” states Massey. She continues: “It is not that the interrelations between objects occur in space and time; it is these relationships themselves which create/define space and time” (261). If place and space represent different scales of social interaction and space and time are interconnected, place and time must be linked as well.While this indicates that human experience and representation operate on different scales, it is important to note that these two factors are also interrelated. As Stuart Hall writes, “[I]t is only through the way in which we represent and imagine ourselves that we come to know how we are constituted and who we are” (473). There is no objective experience, only that which is subjectively represented through various means. Through depictions of these relationships between place, space, and time, rap music shapes listeners’ comprehension of these parameters. DJs, MCs, producers, and other creative artists express personal observations through the influence of both the local and global, the past and present. In rap lyrics and their musical accompaniment, countries, cities, neighbourhoods, and even specific government housing developments inform the music, but the identities of these places and spaces are not fixed – for the performers or for the audience. They are more than the backdrop for what happens, inanimate structures or coordinates of latitude and longitude. Their dynamic nature, and their representation in music, serves to continually redefine “how we are constituted and who we are” (473).In MC Solaar’s Léve-toi et Rap from his 2001 album Cinquième as and his song Nouveau Western, from 1994’s Prose Combat, this is demonstrated in two very different ways. Léve-toi et Rap, a personal history told in the first person, clearly demonstrates both American hip-hop lineage and the transnational influences of Solaar’s upbringing. This song serves as an example of the adoption of American musical and lyrical techniques as means through which personally empowering, often place-based stories are told. In Nouveau Western, the narrative demonstrates the negative effects of globalization through this story about a geographically and temporally transported American cowboy. This track employs musical materials in a way that reflects the more critical lyrical commentary on the repercussions of American cultural and economic power. Through the manner of his storytelling, and through the stories themselves, MC Solaar explicitly demonstrates his own agency in representing, and thus constructing the meaning of, dynamic place and space as they are defined from these two perspectives.As a Paris-based French rapper, MC Solaar often makes his affiliation to this geographic focal point significant in his lyrics. This is especially clear in Léve-toi et Rap, in which Parisian banlieues (HLM government housing projects), nightclubs, and other places figure prominently in the text. From the lyrics, one learns a great deal about this rapper and his background: MC Solaar was born in Senegal, but his parents brought him to France when he was young (MC Solaar, “Léve-toi et Rap”; Petetin, 802, 805). He grew up struggling with the isolation and social problems of the banlieues and the discrimination he faced as an immigrant. He began rapping, established a musical career, and now encourages others to rap as a means of making something constructive out of a challenging situation. In the excerpt below, MC Solaar explains these origins and the move to the banlieues (Solaar, “Lève-toi et rap;” All translations by the author).Lève-toi et rap elaborates on the connection between the local and global in rap music, and between place, space, and time. The lyrics and music represent these properties in part by appropriating American rap’s stylistic practices. The introductory chorus incorporates sampled lyrics of the American artists Lords of the Underground, the Beastie Boys, Nas, and Redman (Various Contributors, “‘Lève-toi et rap’ Direct Sample of Vocals/Lyrics,” whosampled.com.). A bassline originally recorded by the funk group The Crusaders grounds the musical accompaniment that begins with the first verse (partially printed above), in which MC Solaar begins to depict his own place and space as he has experienced it temporally.In this chorus, the first sample is “I remember way back in the days on my block” from Lords of the Underground’s song Tic-Toc. This leads to “Oh My God” and “Ah, Ah, Ah,” both samples from Q-Tip’s contribution to the Beastie Boys’ song Get It Together. “I Excel,” which appears in Nas’s It Ain’t Hard to Tell comes next. The last sample, “Who Got the Funk,” is from Can’t Wait by Redman (Lords of the Underground, “Tic-Tic;” Beastie Boys and Q-Tip, “Get It Together;” Nas, “It Ain’t Hard to Tell;” The Crusaders, “The Well’s Gone Dry”).Scratching begins the introductory chorus (printed below), which ends with a voice announcing “MC Solaar.” At this point, the sampled bassline from The Crusaders’ 1974 song The Well’s Gone Dry begins.[Scratching]I remember back in the days on my block... Lords of the UndergroundOh my God... Ah, Ah, Ah... Beastie Boys and Q-TipI excel… NasWho got the funk... RedmanMC Solaar[Crusaders sample begins] The rap samples all date from 1994, the year Solaar released his well-received album Prose Combat and most are strategically placed: the first sample originated in the last verse of Tic-Toc, the Q-Tip samples in the middle are from the middle of Get It Together, and the last sample, “I Excel,” is from the first line of It Ain’t Hard to Tell. As Lève-toi et rap continues, MC Solaar’s statement of the song title itself replaces the iteration “MC Solaar” of the first chorus. In a sense, “Lève-toi et rap” becomes the last sample of the chorus. Through these American references, Solaar demonstrates an affiliation with the place in which rap is commonly known to have originally coalesced. For French rappers consciously working to prove their connection to rap’s lineage, such demonstrations are useful (Faure and Garcia, 81-82). Achieved by sampling music and lyrics from 1974 and 1994 from sources that are not all that obvious to a casual listener, Solaar spatially connects his work to the roots of rap (Shusterman, 214). These particular samples also highlight a spatial relationship to particular styles of rap that represent place and space in particular ways. Nas and Lords of the Underground, for instance, have added to the discourse on street credibility and authenticity, while Q-tip has provided commentary on social and political issues. MC Solaar’s own story widens the parameters for illustrating these concepts, as he incorporates the personally significant places such as Senegal, Chad, and the Saint Denis banlieue to establish street credibility on a transnational scale; the lyrics also describe serious social and political issues, including the “skinheads” he encountered while living in Paris. Dynamic place is clear throughout all of this, as everything occurring in these places is meaningful in part because of the unavoidable relationship with the passing of time – Solaar’s birth, his upbringing, and his success occurred through his choices and social interactions in specific places.Looking more closely at the representation of place and time, Lève-toi et rap is less than straightforward. As discussed previously, some of the vocal samples are rearranged, demonstrating purposeful alteration of pre-recorded material; in contrast, the use of a repeated funk bassline sample during a clear narrative of Solaar’s life juxtaposes a linear story with a non-linear musical accompaniment. To this, MC Solaar made a contemporary textual contribution to later choruses, with the title of the song added as the chorus’s last line. Such manipulation in the context of this first-person narrative to express this movement supports the conclusion that, far from being a victim of political and economic forces, MC Solaar has used them to his advantage. After all, the title of the song itself, Lève-toi et rap, translates roughly to “get up and rap.”In addition to manipulating the materials of American rap and funk for this purpose, Solaar’s use of verlan, a type of slang used in the banlieues, brings another level of locality to Lève-toi et rap. The use of verlan brings the song’s association with French banlieue culture closer: by communicating in a dialect fluently understood by relatively few, rappers ensure that their message will be understood best by those who share the constellation of social and temporal relations of these housing developments (Milon, 75). Adding verlan to other slang and to unique grammatical rules, the rap of the banlieues is to some extent in its own language (Prévos, “Business” 902-903).Referring to MC Solaar’s 1994 album Prose Combat, André Prévos observed that this material “clearly illustrates the continuity of this tradition, all the while adding an identifiable element of social and personal protest as well as an identifiable amount of ‘signifying’ also inspired by African American hip-hip lyrics” (Prévos, “Postcolonial” 43). While it is clear at this point that this is also true for Lève-toi et rap from Cinquème as, Nouveau Western from Prose Combat demonstrates continuity in different way. To start, the samples used in this song create a more seamless texture. A sample from the accompaniment to Serge Gainsbourg’s Bonnie and Clyde from 1967 undergirds the song, providing a French pop reference to a story about an American character (Various Contributors, “Nouveau Western” whosampled.com). The bassline from Bonnie and Clyde is present throughout Nouveau Western, while the orchestral layer from the sample is heard during sections of the verses and choruses. Parts of the song also feature alto saxophone samples that provide continuity with the jazz-influenced character of many songs on this album.The contrasts with Lève-toi et rap continue with the lyrical content. Rather than describing his own process of acquiring knowledge and skill as he moved in time from place to place, in Nouveau Western MC Solaar tells the story of a cowboy named “Harry Zona” who was proud and independent living in Arizona, hunting for gold with his horse, but who becomes a victim in contemporary Paris. In the fabled west, the guns he carries and his method of transportation facilitate his mission: Il erre dans les plaines, fier, solitaire. Son cheval est son partenaire [He wanders the plains, proud, alone. His horse is his partner.]. After suddenly being transported to modern-day Paris, he orders a drink from an “Indian,” at a bistro and “scalps” the foam off, but this is surely a different kind of person and practice than Solaar describes Harry encountering in the States (MC Solaar, “Nouveau Western”).After leaving the bistro, Harry is arrested driving his stagecoach on the highway and shut away by the authorities in Fresnes prison for his aberrant behaviour. His pursuit of gold worked for him in the first context, but the quest for wealth advanced in his home country contributed to the conditions he now faces, and which MC Solaar critiques, later in the song. He raps, Les States sont comme une sorte de multinationale / Elle exporte le western et son monde féudal / Dicte le bien, le mal, Lucky Luke et les Dalton [The States are a kind of multinational”/ “They export the western and its feudal way/ Dictate the good the bad, Lucky Luke and the Daltons] (MC Solaar, “Nouveau Western”).Harry seems to thrive in the environment portrayed as the old west: as solitary hero, he serves as a symbol of the States’ independent spirit. In the nouveau far west [new far west] francophone comic book characters Lucky Luke and the Daltons sont camouflés en Paul Smith’s et Wesson [are camouflaged in Paul Smith’s and Wesson], and Harry is not equipped to cope with this confusing combination. He is lost as he negotiates le système moderne se noie l’individu [the modern system that drowns the individual]. To return to Bonnie and Clyde, these ill-fated and oft-fabled figures weren’t so triumphant either, and in Gainsbourg’s song, they are represented by 1960s French pop rather than by even a hint of local 1930s musical traditions. “Harry Zona” is not the only person whose story unfolds through the lens of another culture.While Solaar avoids heavy use of verlan or other Parisian slang in this song, he does use several American cultural references, some of which I have already mentioned. In addition, the word “western” refers to western movies, but it also serves as another term for the United States and its cultural exports. “Hollywood” is another term for the west, and in this context MC Solaar warns his listeners to question this fictional setting. Following his observation that John Wayne looks like Lucky Luke, “well groomed like an archduke,” he exclaims Hollywood nous berne, Hollywood berne! [Hollywood fooled us! Hollywood fools!]. This is followed by, on dit gare au gorille, mais gare à Gary Cooper [as they say watch out for the gorilla, watch out for Gary Cooper]. Slick characters like the ones Gary Cooper played have ultimately served as cultural capital that has generated economic capital for the “multinational” States that Solaar describes. As Harry moves “epochs and places,” he discovers that this sort of influence, now disguised in fashion-forward clothing, is more influential than his Smith and Wesson of the old west (MC Solaar, “Nouveau Western”).It is important to note that this narrative is described with the language of the cultural force that it critiques. As Geoffrey Baker writes, “MC Solaar delves into the masterpieces and linguistic arsenal of his colonizers in order to twist the very foundations of their linguistic oppression against them” (Baker, 241). These linguistic – and cultural – references facilitate this ironic critique of the “new Far West”: Harry suffers in the grip of a more sophisticated gold rush (MC Solaar, “Nouveau Western”).Lève-toi et rap transforms musical and verbal language as well, but the changes are more overt. Even though the musical samples are distinctly American, they are transformed, and non-American places of import to MC Solaar are described with heavy use of slang. This situates the song in American and French cultural territory while demonstrating Solaar’s manipulation of both. He is empowered by the specialized expression of place and space, and by the loud and proud references to a dynamic upbringing, in which struggle culminates in triumph.Empowerment through such manipulation is an attractive interpretation, but because this exercise includes the transformation of a colonizer’s language, it ultimately depends on understanding rap as linked to some extent to what Murray Forman and Tricia Rose describe as “Western cultural imperialism” (Rose, 19; Forman, 21). Both Rose and Forman point out that rap has benefitted from what Rose describes as “the disproportionate exposure of U.S. artists around the world,” (Rose, 19) even though this music has provided an avenue through which marginalized groups have articulated social and political concerns (Rose, 19; Forman 21). The “transnational circulation of contemporary culture industries” that Forman describes (21) has benefitted multinational corporations, but it has also provided new means of expression for those reached by this global circulation. Additionally, this process has engendered a sense of community around the world among those who identify with rap’s musical and lyrical practices and content; in many cases, rap’s connection to the African diaspora is a significant factor in the music’s appeal. This larger spatial connection occurs alongside more locally place-based connections. Lève-toi et rap clearly manifests this sense of simultaneously negotiating one’s role as a global citizen and as an individual firmly grounded in the place and space of local experience.Even though rap has been a music of resistance to hegemonic social and economic forces for people around the world, it is nonetheless important to recognize that the forces that have disseminated this music on a global scale have contributed to the unequal distribution of wealth and power. Working within this system is almost always unavoidable for rappers, many of whom criticize these conditions in their music, but depend on these transnational corporations for their success. Paul A. Silverstein writes that “hip-hop formations themselves, while enunciating an explicit critique of both state interventionism and the global market, have directly benefited from both and, to be sure, simultaneously desire their end and their continuation” (47-48). This is very clear in Nouveau Western, which Silverstein writes “portrayed neo-liberalism as a ‘new Far West’ where credit cards replace Remingtons.” (48) That this critique has reached a large audience in the francophone world and elsewhere highlights the irony of the situation: under the current system of popular musical production and circulation, such material often must reach its audience through complicity with the very system it denounces. This view on the mixture of the local and global presented in these songs illustrates this confusing situation, but from another perspective, the representation of social interaction on varying scales connects to the factors that have contributed to rap since its inception. Local places and geographically broad spatial connections have been articulated in constantly changing ways through musical and lyrical sampling, original lyrical references, and the uses that creators, listeners, and the industry enact vis-à-vis global rap culture. Whether revealed through clear references to American rap that facilitate a personal narrative or through a more complicated critique of American culture, MC Solaar’s songs Lève-toi et rap and Nouveau Western expose some accomplishments of a French rapper whose work reveals personal agency both outside and within the “multinational” United States. ReferencesBaker, Geoffrey. “Preachers, Gangsters, Pranksters: MC Solaar and Hip-Hop as Overt and Covert Revolt.” The Journal of Popular Culture 44 (2011): 233-54.Beastie Boys and Q-Tip. “Get It Together.” Ill Communication. Grand Royal Records, 1994. CD.Faure, Sylvia, and Marie-Carmen Garcia. “Conflits de Valeurs et Générations.” Culture Hip Hop Jeunes des Cités et Politiques Publiques. Paris: La Dispute SNÉDIT, 2005. 69-83. Forman, Murray. “Space Matters: Hip-Hop and the Spatial Perspective.” The ‘Hood Comes First: Race, Space and Place in Rap and Hip-Hop. Middletown: Wesleyan UP, 2002. 1- 34. Hall, Stuart. “What Is This ‘Black’ in Black Popular Culture?” Critical Dialogues in Cultural Studies, Edited by David Morley and Kuan-Hsing Chen. London: Routledge, 1996. 465-475. Lords of the Underground. “Tic-Tic.” Keepers of the Funk. Pendulum Records, 1994. CD.Massey, Doreen. Space, Place and Gender. Minneapolis: U of Minnesota Press, 1994. 19-24.Milon, Alain. “Pourquoi le Rappeur Chante? Le Rap comme Expression de la Relégation Urbaine.” Cités 19 (2004): 71-80.MC Solaar (Claude M’Barali). “Lève-toi et rap.” Cinquème as. Wea International, 2001. CD.———. “Nouveau Western.” Prose Combat. Cohiba, 1994. CD.Nas. “It Ain’t Hard to Tell.” Illmatic. Columbia Records, 1994. CD.Petetin, Véronique. “Slam, Rap, et ‘Mondialité.” Études 6 (June 2009): 797-808.Prévos, André J.M. “Le Business du Rap en France.” The French Review 74 (April 2001): 900-21.———. “Postcolonial Popular Music in France.” Global Noise: Rap and Hip-Hop outside the USA. Ed. Tony Mitchell. 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Le champ sémantique de la maison imprègne nos perceptions individuelles et collectives du monde comme peu d’autres. Il suffit de songer à la distinction très marquée entre house et home en anglais, si difficile à retranscrire dans nos langues latines, ou encore aux usages politiques de l’expression « chez nous » en français. Ce champ renvoie à des lieux souvent riches d’affects, de mémoires et de désirs, qui nous définissent en propre et orientent nos perceptions du temps et de l’espace. Ils font d’ailleurs la matière des poètes, peintres et autres artistes. À cet égard, lorsque nous perdons notre maison, nous ne nous retrouvons pas seulement privés d’un bien utile et échangeable, d’un « logement », nous voyons aussi s’effacer une partie de nous-mêmes et le centre à partir duquel s’organise notre existence quotidienne. En dépit de sa densité, les anthropologues ont d’abord rabattu le thème de la maison sur ceux de la famille et de la culture matérielle. Pour Lewis H. Morgan, la forme de l’espace domestique ne fait qu’épouser un certain type d’organisation familiale; elle en est, pour ainsi dire, le révélateur (1877). À la « hutte » des « sauvages » correspond donc la famille consanguine, qui autorise le mariage entre cousins, alors qu’à la « maison commune » des « barbares » correspond la famille patriarcale, autoritaire et polygame. Les « maisons unifamiliales » de l’Occident contemporain renvoient à la famille nucléaire, fondement de la « civilisation ». Quant aux anthropologues davantage intéressés par l’architecture et les artefacts domestiques, leurs analyses consistent souvent à expliquer leur genèse en accord avec une vision évolutionniste du progrès technique ou par des facteurs géographiques. On aurait pu s’attendre à ce que l’invention de l’ethnographie par Bronislaw Malinowski ouvre de nouvelles perspectives. Avec elle, c’est en effet un certain rapport à la maison qui se met à définir le métier d’anthropologue, celui-là même qu’exemplifie la célèbre représentation de ce dernier sous sa tente, immortalisée dans la première planche photographique des Argonautes du Pacifique occidental. Pour autant, la maison reste un objet secondaire par rapport à l’organisation de la vie familiale, le vrai principe de la société. Elle est avant tout le lieu où le couple choisit de résider après le mariage et ce choix se plie à certaines « règles », dont on peut assez facilement faire l’inventaire, grâce aux liens de filiation entre les membres du couple et les autres résidents (Murdock 1949). On parlera, par exemple, de résidence « matrilocale » quand le couple emménage chez les parents de l’épouse, « patrilocale » dans le cas inverse. Quant aux sociétés occidentales, où le couple forme habituellement un nouveau ménage, on parlera de résidence « néolocale ». La critique de ces règles permet, dans les années 1950 et 1960, d’étendre la réflexion sur la maison. Face aux difficultés concrètes que pose leur identification, Ward Goodenough suggère d’abandonner les taxinomies qui « n’existent que dans la tête des anthropologues » et de « déterminer quels sont, de fait, les choix résidentiels que les membres de la société étudiée peuvent faire au sein de leur milieu socioculturel particulier » (1956 : 29). Autrement dit, plutôt que de partir d’un inventaire théorique, il faut commencer par l’étude des catégories natives impliquées dans les choix résidentiels. La seconde critique est de Meyer Fortes, qui formule le concept de « groupe domestique », « unité qui contrôle et assure l’entretien de la maison (householding and housekeeping unit), organisée de façon à offrir à ses membres les ressources matérielles et culturelles nécessaires à leur conservation et à leur éducation » (1962 : 8). Le groupe domestique, à l’instar des organismes vivants, connaît un « cycle de développement ». En Europe du sud, par exemple, les enfants quittent le domicile parental lorsqu’ils se marient, mais y reviennent en cas de rupture conjugale ou de chômage prolongé ; âgés, les parents souvent cherchent à habiter près de leurs enfants. En conséquence, « les modèles de résidence sont la cristallisation, à un moment donné, d’un processus de développement » (Fortes 1962 : 5), et non l’application statique de règles abstraites. La maison n’est donc pas seulement le lieu où réside la famille, elle est nécessaire à l’accomplissement de tâches indispensables à la reproduction physique et morale des individus, telles que manger, dormir ou assurer l’éducation des nouvelles générations (Bender 1967). Cette conception du groupe domestique rejoint celle qu’avait formulée Frédéric Le Play un siècle auparavant : pour l’ingénieur français, il fallait placer la maison au centre de l’organisation familiale, par la défense de l’autorité paternelle et la transmission de la propriété à un héritier unique, de façon à garantir la stabilité de l’ordre social (1864). Elle exerce de fait une influence considérable sur les historiens de la famille, en particulier ceux du Cambridge Group for the History of Population and Social Structure, dirigé par Peter Laslett (1972), et sur les anthropologues (Netting, Wilk & Arnould 1984), notamment les marxistes (Sahlins 1976). En Amérique latine, de nombreuses enquêtes menées dans les années 1960 et 1970 mettent en évidence l’importance des réseaux d’entraide, attirant ainsi l’attention sur le rôle essentiel du voisinage (Lewis 1959, Lomnitz 1975). La recherche féministe explore quant à elle le caractère genré de la répartition des tâches au sein du groupe domestique, que recoupe souvent la distinction entre le public et le privé : à la « maîtresse de maison » en charge des tâches ménagères s’oppose le « chef de famille » qui apporte le pain quotidien (Yanagisako 1979). Un tel découpage contribue à invisibiliser le travail féminin (di Leonardo 1987). On remarquera néanmoins que la théorie du groupe domestique pense la maison à partir de fonctions établies par avance : ce sont elles qui orientent l’intérêt des anthropologues, plus que la maison en elle-même. C’est à Claude Lévi-Strauss que l’on doit la tentative la plus systématique de penser la maison comme un principe producteur de la société (1984 ; 2004). Celui-ci prend pour point de départ l’organisation sociale de l’aristocratie kwakiutl (Amérique du Nord), telle qu’elle avait été étudiée par Franz Boas : parce qu’elle présentait des traits à la fois matrilinéaires et patrilinéaires, parce qu’elle ne respectait pas toujours le principe d’exogamie, celle-ci défiait les théories classiques de la parenté. Lévi-Strauss propose de résoudre le problème en substituant le groupe d’unifiliation, tenu pour être au fondement des sociétés dites traditionnelles, par celui de « maison », au sens où l’on parlait de « maison noble » au Moyen Âge. La maison désigne ainsi une « personne morale détentrice d’un domaine, qui se perpétue par transmission de son nom, de sa fortune et de ses titres en ligne réelle ou fictive » (Lévi-Strauss 1984 : 190). Plus que les règles de parenté, ce sont les « rapports de pouvoir » entre ces « personnes morales » qui déterminent les formes du mariage et de la filiation : celles-ci peuvent donc varier en accord avec les équilibres politiques. Lévi-Strauss va ensuite généraliser son analyse à un vaste ensemble de sociétés apparemment cognatiques, qu’il baptise « sociétés à maison ». Celles-ci se situeraient dans une phase intermédiaire de l’évolution historique, « dans un état de la structure où les intérêts politiques et économiques tend[ent] à envahir le champ social » (Lévi-Strauss 1984 : 190). Très discuté par les spécialistes des sociétés concernées, ce modèle a eu la grande vertu de libérer l’imagination des anthropologues. Critiquant son évolutionnisme sous-jacent, Janet Carsten et Stephen Hugh-Jones (1995) proposent toutefois d’approfondir la démarche de Lévi-Strauss, en considérant la maison comme un véritable « fait social total ». L’architecture, par exemple, ne relève pas que d’une anthropologie des techniques : celle de la maison kabyle, analysée par Pierre Bourdieu, met en évidence un « microcosme organisé selon les mêmes oppositions et mêmes homologies qui ordonnent tout l’univers » (1972 : 71), un parallélisme que l’on retrouve dans de nombreux autres contextes socioculturels (Hamberger 2010). Fondamentalement, la maison relève d’une anthropologie du corps. Dans son enquête sur la parenté en Malaisie, Carsten souligne le rôle joué par la cuisine ou le foyer, en permettant la circulation des substances qui assurent la production et la reproduction des corps (alimentation, lait maternel, sang) et leur mise en relation, ce que Carsten appelle la « relationalité » (relatedness) (1995). Fait dynamique plutôt que statique, la maison nous met directement au contact des processus qui forment et reforment nos relations et notre personne : son étude permet donc de dépasser la critique culturaliste des travaux sur la parenté; elle nous montre la parenté en train de se faire. Il convient aussi de ne pas réduire la maison à ses murs : celle-ci le plus souvent existe au sein d’un réseau. Les enquêtes menées par Émile Lebris et ses collègues sur l’organisation de l’espace dans les villes d’Afrique francophone proposent ainsi le concept de « système résidentiel » pour désigner « un ensemble articulé de lieux de résidences (unités d’habitation) des membres d’une famille étendue ou élargie » (Le Bris 1985 : 25). Ils distinguent notamment entre les systèmes « centripètes », « de concentration en un même lieu d’un segment de lignage, d’une famille élargie ou composée » et les systèmes « centrifuges », de « segmentation d’un groupe familial dont les fragments s’installent en plusieurs unités résidentielles plus ou moins proches les unes des autres, mais qui tissent entre elles des liens étroits » (Le Bris 1985 : 25). Examinant les projets et réseaux que mobilise la construction d’une maison dans les quartiers noirs de la Bahia au Brésil, les circulations quotidiennes de personnes et d’objets entre unités domestiques ainsi que les rituels et fêtes de famille, Louis Marcelin en déduit lui aussi que la maison « n’est pas une entité isolée, repliée sur elle-même. La maison n’existe que dans le contexte d’un réseau d’unités domestiques. Elle est pensée et vécue en interrelation avec d’autres maisons qui participent à sa construction – au sens symbolique et concret. Elle fait partie d’une configuration » (Marcelin 1999 : 37). À la différence de Lebris, toutefois, Marcelin part des expériences individuelles et des catégories socioculturelles propres à la société étudiée : une « maison », c’est avant tout ce que les personnes identifient comme tel, et qui ne correspond pas nécessairement à l’image idéale que l’on se fait de cette dernière en Occident. « La configuration de maisons rend compte d’un espace aux frontières paradoxalement floues (pour l'observateur) et nettes (pour les agents) dans lequel se déroule un processus perpétuel de création et de recréation de liens (réseaux) de coopération et d'échange entre des entités autonomes (les maisons) » (Marcelin 1996 : 133). La découverte de ces configurations a ouvert un champ de recherche actuellement des plus dynamiques, « la nouvelle anthropologie de la maison » (Cortado à paraître). Cette « nouvelle anthropologie » montre notamment que les configurations de maisons ne sont pas l’apanage des pauvres, puisqu’elles organisent aussi le quotidien des élites, que ce soit dans les quartiers bourgeois de Porto au Portugal (Pina-Cabral 2014) ou ceux de Santiago au Chili (Araos 2016) – elles ne sont donc pas réductibles à de simples « stratégies de survie ». Quoiqu’elles se construisent souvent à l’échelle d’une parcelle ou d’un quartier (Cortado 2019), ces configurations peuvent très bien se déployer à un niveau transnational, comme c’est le cas au sein de la diaspora haïtienne (Handerson à paraître) ou parmi les noirs marrons qui habitent à la frontière entre la Guyane et le Suriname (Léobal 2019). Ces configurations prennent toutefois des formes très différentes, en accord avec les règles de filiation, bien sûr (Pina-Cabral 2014), mais aussi les pratiques religieuses (Dalmaso 2018), le droit à la propriété (Márquez 2014) ou l’organisation politique locale – la fidélité au chef, par exemple, est au fondement de ce que David Webster appelle les « vicinalités » (vicinality), ces regroupements de maisons qu’il a pu observer chez les Chopes au sud du Mozambique (Webster 2009). Des configurations surgissent même en l’absence de liens familiaux, sur la base de l’entraide locale, par exemple (Motta 2013). Enfin, il convient de souligner que de telles configurations ne sont pas, loin de là, harmonieuses, mais qu’elles sont généralement traversées de conflits plus ou moins ouverts. Dans la Bahia, les configurations de maisons, dit Marcelin, mettent en jeu une « structure de tension entre hiérarchie et autonomie, entre collectivisme et individualisme » (Marcelin 1999 : 38). En tant que « fait social total », dynamique et relationnel, l’anthropologie de la maison ne saurait pourtant se restreindre à celle de l’organisation familiale. L’étude des matérialités domestiques (architecture, mobilier, décoration) nous permet par exemple d’accéder aux dimensions esthétiques, narratives et politiques de grands processus historiques, que ce soit la formation de la classe moyenne en Occident (Miller 2001) ou la consolidation des bidonvilles dans le Sud global (Cavalcanti 2012). Elle nous invite à penser différents degrés de la maison, de la tente dans les camps de réfugiés ou de travailleurs immigrés à la maison en dur (Abourahme 2014, Guedes 2017), en passant par la maison mobile (Leivestad 2018) : pas tout à fait des maisons, ces formes d’habitat n’en continuent pas moins de se définir par rapport à une certaine « idée de la maison » (Douglas 1991). La maison relève aussi d’une anthropologie de la politique. En effet, la maison est une construction idéologique, l’objet de discours politiquement orientés qui visent, par exemple, à assoir l’autorité du père sur la famille (Sabbean 1990) ou à « moraliser » les classes laborieuses (Rabinow 1995). Elle est également la cible et le socle des nombreuses technologiques politiques qui organisent notre quotidien : la « gouvernementalisation » des sociétés contemporaines se confond en partie avec la pénétration du foyer par les appareils de pouvoir (Foucault 2004); la « pacification » des populations indigènes passe bien souvent par leur sédentarisation (Comaroff & Comaroff 1992). Enfin, la maison relève d’une anthropologie de l’économie. La production domestique constitue bien sûr un objet de première importance, qui bénéficie aujourd’hui d’un regain d’intérêt. Florence Weber et Sybille Gollac parlent ainsi de « maisonnée » pour désigner les collectifs de travail domestique fondés sur l’attachement à une maison – par exemple, un groupe de frères et sœurs qui s’occupent ensemble d’un parent âgé ou qui œuvrent à la préservation de la maison familiale (Weber 2002, Gollac 2003). Dans la tradition du substantialisme, d’autres anthropologues partent aujourd’hui de la maison pour analyser notre rapport concret à l’économie, la circulation des flux monétaires, par exemple, et ainsi critiquer les représentations dominantes, notamment celles qui conçoivent l’économie comme un champ autonome et séparé (Gudeman et Riviera 1990; Motta 2013) – il ne faut pas oublier que le grec oikonomia désignait à l’origine le bon gouvernement de la maison, une conception qui aujourd’hui encore organise les pratiques quotidiennes (De l’Estoile 2014). Cycles de vie, organisation du travail domestique, formes de domination, identités de genre, solidarités locales, rituels et cosmovisions, techniques et production du corps, circulation des objets et des personnes, droits de propriété, appropriations de l’espace, perceptions du temps, idéologies, technologies politiques, flux monétaires… Le thème de la maison s’avère d’une formidable richesse empirique et théorique, et par-là même une porte d’entrée privilégiée à de nombreuses questions qui préoccupent l’anthropologie contemporaine.