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Teses / dissertações sobre o tema "Femmes – Dans l'art – 19e siècle"
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Lavigne, Valérie. "« Féminiflores » : le motif de la femme-fleur dans l'imaginaire décadent". Electronic Thesis or Diss., Université Côte d'Azur, 2024. https://theses.hal.science/tel-05000838.
Texto completo da fonteResumo:
Le motif de la femme-fleur, récurrent dans les représentations littéraires et iconographiques de la fin du XIXe siècle, a un sens spécifique dans l'imaginaire décadent. Un large corpus de romans, de nouvelles et de poèmes, organisé notamment autour des œuvres de Jane de La Vaudère et de Félicien Champsaur, ainsi que de tableaux, d'affiches et de lithographies, faisant la part belle aux œuvres d'Edmond Rocher, de Georges de Feure et d'autres artistes Art nouveau, permet de rendre compte de son succès entre 1880 et 1910 et d'analyser ses caractéristiques symboliques. En lien avec un contexte de misogynie avérée d'une part et d'engouement pour l'horticulture d'autre part, la parenté entre femme et fleur témoigne des obsessions d'une époque. La femme-fleur est l'une des modalités de la femme fatale, figure d'une essence féminine séductrice et duplice, à la fois belle et dangereuse. La thèse s'attache non seulement à mettre au jour la fécondité des images florales pour dire la femme fatale, mais aussi à montrer qu'elles ont pour effet d'érotiser et d'esthétiser cette figure du féminin fatal, d'en faire à la fois un objet de désir et un objet d'art. Le travail est organisé en trois parties : l'enracinement du motif de la femme-fleur dans l'esthétique décadente, l'éclosion d'un érotisme floral, et l'épanouissement d'une icône 1900. La première partie vise à identifier et analyser les traits caractéristiques des femmes-fleurs décadentes, envisagées comme des parangons de cette esthétique. La deuxième partie étudie la portée érotique de l'association entre femme et fleur, détaillant comment les dimensions concrètes et symboliques de la fleur permettent de décrire le sexe et la sexualité. La troisième partie traite de la consécration et de la codification du motif de la femme-fleur, devenu emblématique au début du XXe siècle, marquant le triomphe de son caractère ornemental sur son caractère fatal. Ce parcours souligne que le motif de la femme-fleur est crucial dans l'imaginaire décadent, dont il cristallise plusieurs dimensions, et permet de conclure à une objectification et à une minoration symbolique du féminin par les images floralesThe motif of the flower-woman, widespread in literature and the pictorial arts at the end of the nineteenth century, carries specific meaning in the Decadent movement. Through a broad corpus of novels, short stories and poems, centered on Jane de La Vaudère and Félicien Champsaur, as well as paintings, posters and lithographs by various Art nouveau artists like Edmond Rocher and Georges de Feure, this dissertation accounts for the trope's success between 1880 and 1910, and analyzes its symbolic characteristics. In a context marked by blatant misogyny and horticultural enthusiasm, the link between women and flowers encapsulates the obsessions of an era. The flower-woman is one of the many facets of the femme fatale, a figure of the seductive and duplicitous female, both beautiful and dangerous. The thesis not only sheds light on the fecundity of floral images to express the femme fatale, but also shows that they serve to eroticize and aestheticize it, making it both an object of desire and a work of art. The dissertation is organized in three parts: the rooting of the flower-woman motif in Decadent aesthetics, the blossoming of a floral eroticism, and the flourishing of a 1900 icon. The first part identifies and analyzes the characteristic traits of decadent flower-women, considered as paragons of this aesthetic. The second part studies the erotic scope of the association between woman and flower, detailing how the concrete and symbolic aspects of flowers express sex and sexuality. The third part considers the consecration and codification of the motif of the flower-woman, which became emblematic at the beginning of the twentieth century, marking the triumph of its ornamental character over its fatal character. This thesis shows that the flower-woman motif is crucial in the Decadent movement, of which it crystallizes several dimensions, and that the floral images objectify and debase the female gender
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Richard-Jamet, Céline Catherine Jeanne. "Les galeries de "femmes fortes" dans les arts en Europe au XVIe et au XVIIe siécles : une étude iconographique comparative". Bordeaux 3, 2003. http://www.theses.fr/2003BOR30061.
Texto completo da fonteResumo:
Héritées du thème des Neuf Preuses, les séries de femmes fortes connaissent un essor important en Italie, puis en France, et se diffusent en Europe au XVIe et au XVIIe siècles. Ces séries ou galeries sont constituées d'héroi͏̈nes, incarnant des vertus précises, qui s'inspirent des qualités féminines, louées par Salomon, dans La femme de caractère, tirée de ses Proverbes. Ces cycles ne s'élaborent qu'après les séries d'hommes illustres, comme pendants, puis acquièrent une autonomie propre. Ils recouvrent diverses fonctions, selon les pays, les époques : en Italie, les premières séries ont une fonction mémoriale, commémorative, puis édifiante, par le biais des cassoni, qui éduquent la jeune épouse ; en France, elles permettent de légitimer l'accession au trône d'une régente et de conforter son pouvoir, procédé réutilisé par les cours hollandaise, florentine et viennoise. L'Espagne privilégie les femmes de la Bible et inonde ses églises de cycles sculptés ou peints sur miroir, destinés à édifier le fidèle ; les séries belges éduquent les moniales, les séries gravées hollandaises encensent la femme au foyer, alors que l'Angleterre semble se démarquer. Reines, femmes de la Bible et amazones apparaissent de manière récurrente dans les séries, au détriment des vestales, des saintes. On jette l'opprobre sur les héroi͏̈nes les plus irréprochables, on justifie les actes des plus barbares ; certaines ne sont pas exemptes d'un certain érotisme, d'une sensualité avérée, faussant ainsi l'image de l'héroi͏̈ne et déformant ses exploitsOriginating from the Nine Worthies theme, from them they sometimes adopt the distribution, the Strong Women series blossom as early as the 15th century in Italy, then spread to France and the rest of Europe in 16th and 17th century. These series or galleries, constituted by heroines embodying precise virtues, are inspired by feminine qualities as praised by Salomon in "La femme de Caractère", extracted from his book "Proverbes". They are created only after the "hommes illustres" series, as counterparts, and later acquire their own autonomy. These cycles cover diverse functions depending on the country, the time period : in Italy, the first series serve the function of memory, they are commemorative, then they become edifying, through the cassoni who educate young wives ; in France, they allow to legitimate a regent accession to the throne and to support her power, process who was copied by the Dutch, the Florentine and Viennese court. Spain focuses on women from the Bible and fills its churches of cycles sculpted or painted on mirrors, destined to edifying the faithful ; the Belgium series educate the monks ; the Dutch engraved cycles praise women at home, whereas England seems to be apart. Queens, women from the Bible and amazons appear recurrently in series, to the detriment of vestals and saints. The most irreproachable heroines are disgracied, the most barbaric acts are justified
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Decoudun-Gallimard, Frédérique. "La vie féminine dans la peinture française au XVIIIe siècle". Paris 10, 1992. http://www.theses.fr/1992PA100015.
Texto completo da fonteResumo:
La these dont le titre s'intitule "la vie feminine dans la peinture francaise du dix-huitieme siecle" developpe trois parties essentielles : la vie publique, la vie privee, et la vie de travail, et s'appuie sur des oeuvres picturales contemporaines pour justifier ses assertions. Elle traite dans sa premiere subdivision des diverses activites mondaines des femmes, s'attarde sur le phenomene des salons, evoque a travers l'exemple de madame de pompadour la place qu'occupent successivement le theatre et les beaux-arts dans l'univers feminin, (peinture - objets en porcelaine), et aborde ensuite le theme des plaisirs, (jeu - chere - amour). Dans sa deuxieme partie, elle se consacre a l'evocation de la vie privee des contemporaines, relate les rapports que celles-ci entretiennent avec leurs enfants au cours des diverses periodes de l'existence, (nourrissage - elevage mariage), et met en lumiere la responsabilite sociale majeure qui incombe a ces dernieres. Elle evoque par ailleurs les activites purement egoistes auxquelles s'adonnent ces femmes, (toilette - moments d'abandon - menues occupations), et insiste sur l'importance de la notion de plaisir intime. Elle traite enfin dans sa troisieme et derniere partie du theme du travail, instaure ici une distinction tres nette entre les taches avilissantes auxquelles s'adonne la majorite de la population feminine, (domestiques - ouvrieres), et les occupations enrichissantes et epanouissantes qu'executent les artistes, les femmes artisans, ou les professeurs. Elle accorde en dernier lieu une place au plus vieux metier du monde : la prostitution. En conclusion, elle constate l'extreme diversite de la vie feminine de l'epoque, et insiste sur la position ambivalente de la femme dans la societeThe dissertation entitled "women's life through the french painting of eighteenth century" develops three essential parts : the pratical life, the private life and the professional life, and leans on contemporaneous pictural works in order to justify its assertions. It treats in its first part of women's diverse society activities, deals with the salon phenomenon, describes through the example of madame de pompadour the place of the theatre and the fine arts in women's universe (painting, pieces of china), and deals then with the theme of pleasures (games, love). In its second part, the private life of these women is related, the relations between the latter with their children during different periods of existence (feeling, raising, marrying) are evocated and the major social which rests of them is brought to the fore. Moreover it evocates the purely selfish activities to which these women give themselves over (wash, moments of oblivion, minor activities), and insists on the importance of the intimate pleasure. Finally, the third and last part is devoted to the theme of labor, where a very clear distinction is made between degrading tasks with which the majority of the female population is concerned (servants, workers) and rewarding and fulfilling occupations that have the artists, the craftswomen or the teachers. It deals lastly with the oldest profession in the world : the prostitution. To conclude, it notices the extreme diversity of women's life at that time, and insists on the very ambivalent position that they hold in the society
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Sofio, Séverine. ""L'art ne s'apprend pas aux dépens des moeurs!" Construction du champ de l'art, genre et professionnalisation des artistes (1789-1848)". Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2009. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00924488.
Texto completo da fonteResumo:
L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.
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Peyraube, Emmanuelle. "L'image de la femme dans les scènes d'intérieur dans la peinture orientaliste du XVIIIème siècle : 1704-1789". Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010632.
Texto completo da fonteResumo:
L'image de la femme dans les scènes de la peinture orientaliste au XVIIIe siècle ( 1704- 1789), tente de comprendre pourquoi et comment le mythe de l'Orient prend corps, et de situer l'émergence du thème du harem. Lieu inaccessible, il sert pourtant de prétexte à une floraison d'images. Notre recherche a eu pour but de constituer un corpus de ces images. Sa composition nous a amenés à aborder un certain nombre de textes qui, eux- mêmes, évoquent des images du harem. Dans un deuxième temps, nous avons voulu saisir à partir de quelles sources ces visions du harem s'étaient élaborées. Enfin, lors de la troisième étape, à travers l'analyse de ces représentations, nous avons tenté de dégager les caractéristiques de l'image de la femme. Le harem implique un rapport de force entre le sultan et ses femmes. Derrière le voile de la turquerie, apparaissent alors des interrogations sur la légitimité du pouvoir, la façon de l'exercer. En se regardant dans le miroir de l'Orient, l'Occident se découvre lui-même.
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Huard, Micheline. "Les femmes-affiches de Jules Chéret". Master's thesis, Université Laval, 1989. http://hdl.handle.net/20.500.11794/33465.
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Petrick, Vicki-Marie. "Le corps de Marie Madeleine dans la peinture italienne du XIIIe siècle à Titien". Paris, EHESS, 2012. http://www.theses.fr/2012EHES0087.
Texto completo da fonteResumo:
Cette thèse se donne pour but de montrer la densité de significations qui informent les choix plastiques et iconographiques de la Madeleine du Palais Pitti de Titien, en l'examinant à la lumière des traditions visuelles de la Madeleine en Italie. Pour ce faire, la thèse remonte jusqu'aux codes visuels mis en place dès le XIIIe siècle. Cette étude fait apparaître les moyens par lesquels le corps de la femme peut être porteur de sens théologique, au delà du péché et de la tentation. Une première partie en établit les fondements. Un chapitre aborde l'anthropologie du corps chrétien ; un autre, la construction du personnage de Marie Madeleine et des thèmes qui lui sont associés ; un troisième étudie ses premières formulations plastiques dans le bassin méditerranéen. Une deuxième partie est consacrée aux cycles qui présentent sa Vita : le retable florentin de 1285, la chapelle de Madeleine dans la basilique d'Assise, et les chapelles de la Madeleine au Bargello et à Santa Croce à Florence. Ces chapitres font apparaître la dynamique par laquelle le spectateur se rapporte à sa figure comme un exemple de chair pécheresse convertie. Une dernière partie propose une analyse diachronique de longue durée, du XIVe au XVIe siècle, des principaux signes iconographiques qui la distingue : la couleur rouge, les cheveux, les larmes, le vase et le parfum, en accordant une attention particulière aux variations régionales, entre Toscane et Vénétie. Le chapitre final fait converger les résultats des chapitres précédents dans l'analyse de la Madeleine de Titien, qui apparaît comme un point d'aboutissement des recherches plastiques et conceptuelles menées depuis 1270The goal of this thesis is to show the density of meanings that inform the plastic and iconographic choices made by Titian for his Pitti Magdalen, examining it in light of the visual traditions of the Magdalen in Italy. To do this, the dissertation goes back to the visual codes established in the 13th century. This study brings forward the means by wich women's bodies may be bearers of theological meaning, beyond that of sin and temptation. A first part establishes the foundations. One chapter approaches the anthropology of the Christian body, another the construction of the "character" of Mary Magdalen and themes associated with her, a third stuides these first plastic formulations in the mediterranean basin. A second part is consecrated to the cycles that present her Vita : the Florentine pala of 1285, the Assisi Magdalen chapel, and the Magdalen chapels of the Bargello and Santa Croce in Florence. The chapters bring forward the dynamic in wich the spectator relates to the figure as an example of sinful flesh converted. A last part proposes a diachronical analysis, on a large temporal scale, from the fourteenth to the sixteenth centuries the principal iconographical signs that distinguishe her : the color red, the hair, the tears, the vase and the perfume, all the while giving particular attention to the regional variations between Tuscany and the Veneto. The final chapter converges the results of the first chapters in the analysis of the Titian Magdalen who appears as an end point in the plastic and conceptual research conducted since 1270
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Moulin, Aurélia. "Le bijou au XIXe siècle dans le périodique de mode : 1820-1870". Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040104.
Texto completo da fonteResumo:
La plupart des études portant sur le bijou au XIXe siècle privilégient l’aspect stylistique et formel. La question des usages est, quant à elle, le plus souvent éludée et les rares considérations d’ordre social ou sociétal, lorsqu’elles sont abordées, demeurent anecdotiques. Or, le bijou joue un rôle social déterminant, notamment dans l’expression de la fortune mais aussi dans le processus d’identification et d’appartenance à un groupe. À cet égard, les périodiques de mode constituent un support d’étude des plus précieux. Ils nous renseignent sur l’usage très codifié que les femmes appartenant à l’élite faisaient de leurs bijoux, et implicitement sur la place et le rôle qui étaient assignés à ces dernières dans la société du XIXe siècle. Le périodique de mode constitue par ailleurs une source très intéressante pour contextualiser la création du bijou, qui devient dès lors un miroir des événements. Le bijou apparaît comme le reflet d’influences diverses, à la fois du point de vue technique, du choix des matériaux employés, du style adopté, des formes ou encore par la symbolique des décors travaillés. Grâce aux descriptions de bijoux contenues dans les chroniques de mode ainsi qu’aux gravures qui les accompagnent, nous retracerons une histoire des formes en discriminant les grandes tendances récurrentes entre 1820 et 1870 avant d’aborder celles qui caractérisent une période en particulier. Nous exploiterons aussi les mentions publicitaires afin d’examiner les relations qu’entretiennent les différents acteurs participant à la fabrication et au commerce des bijoux avec les phénomènes de modeMost studies regarding 19th-century jewellery favour the study of its stylistic and formal aspects. As for its uses, they are most often eluded and the rare social and societal considerations, when they are tackled, remain anecdotal. Yet, jewellery plays a determining social role, especially in the expression of wealth but also in the process of identification and of belonging to a group. For this, fashion periodicals constitute a most precious support for study. They tell us about the very codified use women from the elite made of their jewellery, and implicitly of the place and role that was assigned to them in 19th century society. The fashion periodical is also a very interesting source to contextualise the jewel creation, which thus becomes a mirror of events. Jewellery appears as a reflection of various influences, all at once from the technical point of view, the choice of materials, the chosen style, the form or the symbolism of the worked designs. Through the descriptions of jewellery contained in fashion chronicles and engravings that accompany them, we shall retrace a history of forms by categorising the great trends recurring between 1820 and 1870 before dealing with those characterising one particular era. We shall also use advertisement notices in order to examine the relationships linking the different actors that participate in the making and marketing of jewellery with the fashion phenomena
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Drisdelle, Julie Lynne. "Female Self-Portraiture and the Construction of the Self". Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23669/23669.pdf.
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Beaudet, Pascale. "L'effet Judith : stéréotypes de la féminité et regard de la spectatrice sur les tableaux d'Artemisia Gentileschi". Rennes 2, 2001. http://www.theses.fr/2001REN20038.
Texto completo da fonteResumo:
Artemisia Gentileschi est l'une de ces femmes artistes qui a failli disparaître de l'histoire de l'art. Un changement dans le goût ou une quelconque destruction complète des archives ne sont pas en cause ; c'est le système sexué (sex-gender system) qui sous-tend la discipline de l'histoire de l'art qui a contribué à son effacement. Le canon de l'histoire de l'art, parce qu'il est partie du système sexué, met les femmes artistes systématiquement à l'écart. Le cas de Gentileschi est exemplaire et subsume tous les autres cas dans la mise à l'écart des XIXe et XXe siècles. Il faudra attendre la deuxième moitié du XXe siècle pour que les historiens et surtout les historiennes de l'art féministes redécouvrent le femmes artistes du passé. Deux tableaux représentant Judith et Holopherne, qui ont été déterminants pour la connaissance de ce peintre, sont des oeuvres paradigmatiques notamment parce qu'elles ont provoqué des réactions extrêmes, de l'admiration au rejet. Gentileschi a traité ce thème baroque, la décapitation d'un homme par une femme, de façon paroxystique. Sur ces tableaux repose à la fois une réflexion sur la fortune critique de ce peintre et sur la place de la spectatrice. Et si l'ombre, qui occupe une grand place dans les tableaux de Gentileschi était la métaphore de la féminité? L'analyse de discours, de même que la psychanalyse et la sémiotique de l'image, sont les outils rhétoriques à la base de ce travail, qui appelle des modifications en profondeur du canonArtemisia Gentileschi is one of those women artists who nearly disappeared from art history. It is the sex-gender system subTending the field that is responsible for this near disappearance, not a change in taste or a destruction of the archives. The canon, being part and parcel of the phallocentric system, systematically puts aside women artists. Gentileschi's case is typical and is representative of the fate that befell all other women artists in the 19th and 20th centuries. The world will have to wait until the second half of the 20th for art historians -especially feminist ones- to rediscover women artists. Two works representing Judith and Holofernes, which played a pivotal role in understanding this artist, are paradigmatic because they evoked extreme reactions, ranging from admiration to rejection. Gentileschi handled this baroque theme -the decapitation of a wan by a woman- in a paroxysmal manner. These works are the locii where a reflection on the critical corpus and the place of the female spectator meet. And what if shadow, which plays such a great role in Gentileschi's works, were a metaphor for women? Analyse de discours, psychoanalysis and image semiotics form the theoretical basis of this thesis which calls for a profound modification of the canon
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Bril, Damien. "Anne d’Autriche en ses images : légitimation du pouvoir féminin et culture visuelle de la majesté dans la France du XVIIe siècle". Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2018. http://www.theses.fr/2018UBFCH038.
Texto completo da fonteResumo:
Anne d’Autriche occupe une place importante, longtemps négligée, dans le développement de l’iconographie royale en France au XVIIe siècle. Ecartée du pouvoir sous le règne de son mari Louis XIII, elle est pourtant le sujet de très nombreuses représentations. Sa présence dans le champ des images connaît un net développement lorsqu’elle accède aux responsabilités du gouvernement à la mort du roi, en 1643, en devenant régente au nom de son fils mineur, Louis XIV. Au-delà de sa majorité en 1651, elle conserve un rôle éminent, jusqu’à la mort de Mazarin en 1661. Ces deux décennies sont marquées par une profonde crise politique qui culmine dans l’épisode de la Fronde. Dans ce contexte, l’image d’Anne d’Autriche devient le support d’un discours sur l’autorité monarchique et sur la défense du pouvoir royal. A partir d’un corpus constitué des représentations de la régente, et en les croisant avec des sources textuelles, cette thèse analyse la construction visuelle de ce discours, et ses effets sur l’évolution de l’image de la royauté en France après le règne de Louis XIII. La « majesté », qui constitue dans le corpus des textes, juridiques, politiques et symboliques, la qualité essentielle du souverain et la marque de son identité, doit ainsi être traduite visuellement dans une incarnation féminine, dans un pays où les lois fondamentales, notamment la loi salique, écartent pourtant les femmes du pouvoir. La richesse du corpus rassemblé pour cette thèse, près de cinq cent images, offre une source essentielle pour comprendre de quelle manière la reine a su dépasser cette contrainte et contribuer, en renouvelant ses modèles, à la représentation de l’autorité monarchique. Cette étude permet ainsi de reconsidérer le rapport des femmes au pouvoir. Pour analyser ces différentes questions, la thèse s’organise en quatre parties. La première partie s’attache à comprendre l’image de la reine régnante, en analysant dans un premier chapitre la définition juridique de la reine, pour montrer de quelle manière l’ordre juridique détermine l’ordre symbolique. On peut ainsi expliquer en quoi le mariage de la reine en 1615 et son introduction à la cour constitue une « naissance iconographique ». Le second chapitre explore les différents aspects de ce portrait de la reine en montrant qu’il relève à la fois de caractères propres et de réactions à la situation – politique et civile – de la reine. La deuxième partie soulève la question des moyens mis en œuvre pour opérer la transformation de cette image, qui permet à la reine d’apparaître en régente du royaume. Le troisième chapitre analyse plus particulièrement les étapes chronologiques de cette transformation, tandis que le quatrième chapitre étudie, sur un plan pratique, la « fabrication » de cette image. La troisième partie envisage ensuite le contenu des images, en dressant une analyse en trois temps de son iconographie. Le cinquième chapitre aborde ainsi le corps de la reine comme support des dimensions morales de son portrait. Le sixième chapitre approfondit cette question dans la perspective religieuse, en étudiant de quelle manière la régente parvient à produire l’image d’une reine « très chrétienne ». Le septième chapitre conclut cette analyse iconographique sur la dimension politique de l’image d’Anne d’Autriche. La quatrième et dernière partie est enfin l’occasion d’analyser le « fonctionnement » de ces images. Le huitième chapitre montre combien la situation des représentations de la reine dans les décors est déterminante pour leur interprétation, en envisageant les cas des résidences royales puis des intérieurs privés. Enfin, le neuvième chapitre propose une étude de la performance des images, en étendant l’analyse aux usages publics des représentations de la reine, dans les monuments ou au cours des cérémoniesAnne of Austria offers an important part, yet neglected, in the the development of royal iconography in seventeenth century France. Devoided from management of power under the reign of her husband Louis XIII, she is however the subject of many representations. The number of her images increases when she accedes to the responsibilities of the government at the death of the king, in 1643, becoming regent in the name of her minor son, Louis XIV. Beyond its majority in 1651, she maintains herself at a prominent place, until the death of Mazarin in 1661. During these two decades, a deep political crisis in France culminates in the so-called Fronde. In this context, the image of Anne of Austria becomes the instrument of a visual narrative on monarchical authority and for the defense of the royal power. Crossing a large corpus of representations of the regent with textual sources, this thesis analyzes the visual construction of this narrative, and its effects on the evolution of the image of power in France after the reign of Louis XIII. In contemporary legal and symbolic literature, "majesty" is presented as he essential quality of the sovereign and the mark of his identity. It must then be visually translated in a female incarnation, despite the fundamental laws, in particular the Salic law, which however exclude women from power. The abundance of the images collected for this thesis, nearly five hundred items, offers an essential source to understand how the queen was able to overcome this constraint and contribute, by renewing its models, to the representation of the monarchical authority. This thesis allows us to reconsider the relationship between women and power. To analyze these different issues, the thesis is organized in four parts. The first part attempts to understand the image of the reigning queen, analyzing in a first chapter the legal definition of the queen, to show how the legal order determines the symbolic one. One can thus understand how the marriage of the queen in 1615 and her arrival at the court can be apprehended as an "iconographic birth". The second chapter explores the different features of this portrait of the queen, showing that it is at the same time a revelation of personal characteristics of the queen and a reaction to the queen's political and civil situation. The second part raises the question of the means implemented to operate the transformation of this image, which allows the queen to appear as regent of the kingdom. The third chapter analyzes in particular the chronological stages of this transformation, while the fourth chapter studies, from a practical point of view, the "fabrication" of this image. The third part then considers the content of the images, drawing up a three-step analysis of its iconography. The fifth chapter addresses the body of the queen as a support for the moral dimensions of her portrait. The sixth chapter deepens this question in the religious perspective, studying how the regent manages to produce the image of a queen "très chrétienne". The seventh chapter concludes this iconographic analysis by studying the political dimension of Anne of Austria's image. The fourth and last part gives finally an analysis of the way these images "operate". The eighth chapter shows how the situation of the queen's representations in decor is decisive for their interpretation, considering the cases of the royal residences and the private interiors. Finally, the ninth chapter proposes a study of the performance of images, extending the analysis to the public uses of representations of the queen, in monuments or during ceremonies
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Ben, Sdira Khaled. "L'art de la modération chez Marmontel : le conflit et ses modes de conjuration dans les "Mémoires" et les "Contes moraux"". Clermont-Ferrand 2, 2006. http://www.theses.fr/2006CLF20007.
Texto completo da fonteResumo:
La lecture des "Mémoires" de Marmontel est, au contraire de celles des "Contes" en particulier et des oeuvres en général, agréable et captivante. Deux raisons essentielles expliquent leur attrait : leur valeur documentaire (historique) et leur valeur humaine. Le mémorialiste y a consigné ses expériences personnelles et celles de tiers comme Voltaire, Rousseau ou M. De Marigny. Le conflit y est présent sous toute ses formes ; il est inséparable de tout commerce humain et a une valeur ontologique dont témoigne abondamment l'oeuvre posthume. En revanche, les "Contes moraux" évacuent le conflit au point d'en tarir toutes les sources possibles, ce qui cause leur fausseté et leur platitude. Notre propos est de chercher une explication à leur fadeur en étudiant d'abord les "Mémoires". Il en ressort que Marmontel est le siège des passions les plus propres à le dresser contre les autres mais qu'il a été rarement aux prises avec ses semblables grâce à l'éthique de l'honnête homme, à sa modération et à sa propension à la conciliation. Dans la deuxième partie de notre étude, nous nous attachons à étudier le conflit dans les "Contes moraux" (parental et conjugal notamment). L'auteur y apparaît son propre exemple et modèle de création et d'invention. Ses personnages sont à son image : modérés, de bonne foi et de bonne volonté, patients et indulgents, à l'écoute des guides et des mentors et cherchant toujours à complaire. La troisième partie de la thèse est consacrée à l'étude des moyens rhétoriques et narratifs mis en oeuvre pour éviter le conflit
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Durieux, Catherine. "Femmes et genre dans les utopies britanniques et américaines du XIXe sècle". Paris 3, 2004. http://www.theses.fr/2004PA030096.
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Comment les utopistes qui se veulent progressistes sur la « question de la femme » construisent-ils les rapports sociaux de sexe dans leurs oeuvres ? Y a-t-il une différence à cet égard entre les hommes et les femmes qui écrivent des utopies ? La période étudiée étant le long XIXe siècle, quelles sont les continuités et les ruptures dans la « chaîne des utopies » ? L’égalité semble être la base des utopies du début du siècle, autour de Robert Owen et des owénistes William Thompson et Anna Wheeler. Le moment fouriériste du milieu du siècle (Fourier et ses disciples américains Albert Brisbane, Marie Howland et Jane Appleton) semble davantage centré sur l’idée de liberté et, s’il continue la tradition du « féminisme matérialiste » représentée par Owen, il nourrit également le « féminisme de l’amour libre ». Dans le dernier tiers du siècle, bien que William Morris écrive son utopie en réaction à celle d’Edward Bellamy, tous deux font triompher l’idéologie de la supériorité morale de la femme, appelée en raison de ses qualités spécifiques à régner dans sa sphère féminine bien séparée. Au tournant des XIXe et XXe siècles, Charlotte Perkins Gilman offre une synthèse de ces courants et ouvre la voie à certaines problématiques qui seront celles du XXe siècleHow did utopians who purported to look sympathetically at the « Woman’s Question » construct gender in their utopias ? Did the women utopians do it differently from the male writers ? What has changed and what has remained the same in the « chain of utopias » throughout the long period under consideration ? Equality would seem to have been the basis of early-XIXth century utopias written by Robert Owen and Owenites such as William Thompson and Anna Wheeler. By contrast, mid-XIXth century Fourierites – Fourier and his American disciples Albert Brisbane, Marie Howland and Jane Appleton – seem to have been preeminently taken with the idea of liberty. American Fourierism both carried on Owen’s tradition of « material feminism » and fed « Free Love feminism ». In the late XIXth century, Edward Bellamy and William Morris – though they reacted against each other on a range of other issues – both based their utopias on the assuption that women were morally superior beings and as such should be confined to their own separate sphere where they could exercise their benevolent influence. At the turn of the century, Charlotte Perkins Gilman provided a synthesis of previous lines of thought and opened the way for some of the issues that defined the XXth century
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Lecerf, Guy. "Le coloris dans l'art des jardins : théories en France et en Angleterre, 1820-1930". Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010644.
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Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.
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Absalon, Patrick. "La Légende d'Oedipe dans l'art en France au XIXe siècle". Strasbourg 2, 2001. http://www.theses.fr/2001STR20051.
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Cette thèse propose d'explorer la légende d'Œdipe et ses avatars dans l'art en France, à travers l'analyse d'œuvres diverses, peinture, sculpture, poésie et critique d'art. Elle a pour objectif de déterminer les réceptions du mythe par les artistes et plus généralement dans l'esprit du temps. Œdipe intéresse les artistes et les écrivains du XIXe siècle pour plusieurs raisons. En premier lieu, la question du mythe se pose dès lors qu'on s'interroge sur le théâtre, en particulier la tragédie. Dans un second temps, le héros thébain se place fréquemment au cœur de réflexions découlant de la philologie comparée, laquelle permet d'alimenter les nombreuses recherches de mythologie comparée. En troisième lieu, Œdipe suscite l'intérêt des archéologues qui mettent au jour les richesses du passé de la Grèce et renouvellent les études de son histoire. Enfin, deux œuvres d'art fondamentales, dont la renommée a traversé tout le siècle, ont contribué à faire d'Œdipe l'un des mythes les plus prégnants dans l'histoire culturelle du XIXe siècle : le chef-d'œuvre de Jean-Auguste Dominique Ingres de 1808 et celui de Gustave Moreau exposé en 1864. Participant au renouvellement de la peinture d'histoire, la légende d'Œdipe a su reconquérir son statut de mythe symbolique, devenant de la sorte un maillon essentiel de la culture classique et littéraire. Mais il a également fait l'objet de nombreuses manipulations, témoignant ainsi du pouvoir exégétique des artistes, qui en ont rapidement fait un mythe personnel. Œdipe incarne, à la fin du siècle, au même titre que les mythes d'Orphée et de Prométhée, la figure du héros tueurs de monstres, l'artiste déchiffreur des mystères de la nature
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Aivalioti, Maria. "Le motif de l’ange dans la peinture symboliste européenne". Paris 10, 2011. http://www.theses.fr/2011PA100208.
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Le Symbolisme, qui a acquit son identité officielle en 1886 par Jean Moréas, est devenu le courant par excellence, qui a dépassé les frontières de son pays natal et a été embrassé par des artistes européens, originaires des pays différents. Pourtant, les artistes symbolistes n’ont pas inventé un nouveau répertoire iconographique, mais ils ont élaboré sous leur propre prisme des sujets déjà traités. Les thèmes à caractère religieux occupent une place primordiale dans leur production En outre, ils ont dégagé de leur sens chrétien afin d’attribuer les pensées des artistes. Messagers, exécutants, judicaires ou protecteurs, souvent privés du nom, les anges réapparaissent dans la moitié du XIXème siècle et jusqu’aux débuts du XXème, ils rétablissent leur place dans une société tourmenté qui cherchait des refuges. L’étude présente, en analysant la représentation de la figure de l’ange, qui constitue un motif pertinent dans la peinture symboliste, vise à éclairer, sous une interprétation à la fois typologique et iconographique, le rôle du motif angélique dans les peintures symbolistes ainsi que les rapports, concernant le style et la thématique, entre les artistes européens qui ont subit l’influence du courant, dans une tentative de prouver que la figure de l’ange, grâce à sa nature et son rôle, devient un emblème iconographique pour les peintres symbolistesIn 1886, Jean Moréas gave to the symbolist movement its official identity. Symbolism became one of main movements which came over the borders of its birth country and it was embraced by artists coming from different countries. The symbolist artists didn’t invent new themes, but they elaborated the existent ones under their own prism. The religious subjects occupied a considerable role in their production. Furthermore they abandoned their religious aspect in order to express artist’s thoughts. Messengers, executors, jurists or protectors, often disqualified from their name, the angels, reappeared in the middle of XIX century and until the first decades of XX, established their place in the society which was searching for refuges. The present study, analysing the image of the angel, which is a recurrent motif in symbolist painters work, is going to present, via a typological and iconographical interpretation, the rapports, concerning the style and the thematic, among the European artists who were influenced by the symbolist movement in order to prove that the angel, because of its nature and its role, has become a iconographical emblem for the symbolist painters
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Legeay, Mathilde. "Les représentations de la servante dans la peinture italienne et française du XVIIe siècle". Thesis, Nantes, 2020. http://www.theses.fr/2020NANT2038.
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De la simple silhouette se détachant dans le paysage à la figure placée au premier plan, la servante apparaît régulièrement dans la peinture religieuse italienne du Seicento. Généralement reléguée au rang de personnage secondaire dans la vie quotidienne comme dans la peinture, les fonctions symboliques et allégoriques qu'elle peut assumer n'en supportent pas moins une pluralité de discours sur la société italienne du XVIIe siècle. À travers un large corpus d’œuvres réalisées entre 1561 et le début du xv111e siècle, cette thèse s'attache à analyser ses représentationsIf maidservants are generally relegated as secondary characters in everyday life and in the painting, they can assume symbolical and allegorical functions: they offer us a lot of elements about xv11th century society. This thesis aims to analyse these representations through a large corpus of paintings created between 1561 and the beginning of the xv111th century
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Sowley, Katherine Ilsley. "La Tenture de la Dame à la licorne : la figure féminine au service de l'image masculine". Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAG045/document.
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La tenture de la 'Dame à la licorne' est le plus souvent interprétée comme une allégorie des sens physiques, mais son iconographie se distingue par le registre héraldique. Chaque composition s’organise tel un emblème héraldique de sorte que les personnages principaux remplacent l’écu tant du point de vue visuel que fonctionnel. Si cette tenture est fréquemment citée comme un monument à la réussite socioprofessionnel du commanditaire, on n’a jamais cherché à comprendre comment le registre scénique contribue à la représentation du commanditaire. Autre lacune dans le corpus de littérature, l’importance de la figure féminine dans cette image est restée jusqu’alors ignorée. La présente étude propose donc d’étudier la 'Dame à la licorne' et sa fonction représentative en analysant les traditions culturelles, littéraires et iconographiques, ainsi que les réalités sociohistoriques, qui sous-tendent l’image d’excellence sociale que le commanditaire souhaite rattacher à sa personne et à sa familleThe 'Lady and the Unicorn' tapestries are most often interpreted as an allegory of the physical senses, but their iconography is remarkable for its integration of armorial elements. Each composition is organized like a heraldic emblem, such that the main figures replace the coat-of-arms in its position and its function. Though this work is frequently identified as a monument to the patron’s socio-professional success, no effort has been made to understand how the scenes contribute to his personal representation. The lack of interest for the decidedly female character of this iconographic programme is another weakness in previous studies of these tapestries. This doctoral dissertation proposes to examine the 'Lady and the Unicorn' and its representative function by analysing the cultural, literary and iconographic traditions, as well as the socio-historic realities, that shape the image of social excellence the patron constructs in order to represent himself and his family
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Gomez, Sandrine. "L'adultère féminin dans le roman au dix-neuvième siècle". Paris 8, 2002. http://www.theses.fr/2002PA082135.
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Est traitée lors de cette étude, la thématique de l'adultère féminin dans le roman au dix-neuvième siècle. Il s'agit, en effet, de définir les caractéristiques littéraires propres aux romanciers de cette époque tels que George Sand - Indiana -, Stendhal - Le Rouge et le Noir -, Honoré de Balzac -Le lys dans la Vallée-, Gustave Flaubert - Madame Bovary -. Seront abordés le mariage considéré comme une transaction marchande, la condition féminine (couvent, éducation, maternité), le Code civil et essentiellement la topographie spécifique dans laquelle s'inclut l'adultère. Cette thématique abordée dans l'univers provincial pose en exergue la fondamentale interrogation propre à ce siècle désenchanté : tentative d'émancipation féminine ou expression de l'échec ?Novelists like Honoré de Balzac, Gustave Flaubert, George Sand, Stendhal. Have got put on light thid epoch by the adoulterous theme. As well, we took the census eight same notions of four romanics of mentioned authors : Le Lys dans la vallée, Madame Bovary, Indiana, Le Rouge et le Noir : the heroin as well as enclosed accepted in specific social class and in the social institution of mariage, the scripture of conjugal life, the provincial universe, the boredom, the religion ; the adoulterous and it's works and the death who's conclude these paper existences. The authors are they tempted with the choice of the adoulterous theme to consider this violation of conjugal faith as an female emancipation form ? But, for which result ?
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Soulillou, Jacques. "La représentation du crime dans l'art aux 19ème et 20ème siècles". Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010631.
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La reconnaissance d'une autonomie pénale de la création artistique au cours de la période moderne constitue l'énoncé central de cette thèse. Cette autonomie ne revêt cependant pas la forme d'un énoncé légal. La loi ne peut en effet, par principe, avaliser la prétention de l'art à vouloir échapper à son domaine de juridiction. La représentation du crime dans l'art et la littérature est posée en relation a ce chiasme : d'un cote l'art revendique et exerce de fait une autonomie pénale, de l'autre il voudrait voir cette différence avalisée endroit. C'est à l'intérieur d'une relation triangulaire entre l'art, le crime et la loi que la notion de représentation fait l'objet d'une réévaluation permanente. Au cours du 19eme siècle, l'émergence d'un ensemble de dispositions - élaboration de la juridiction moderne, formation de la notion d'avant-garde, consolidation de la fonction d'auteur - donnent à ces recherches leur profil théorique spécifique. Le plan veut refléter l'une des orientations théoriques principales mettant en exergue la valeur de fiction de la loi en ce sens que pour appréhender son objet elle doit préalablement le rabattre sur le fil d'une histoire.
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Aicardi-Chevé, Dominique. "Les corps de la contagion : étude anthropologique des représentations iconographiques de la peste (XVIème-XXème siècles en Europe)". Aix-Marseille 2, 2003. http://www.theses.fr/2003AIX20688.
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Kang, Hui-an. "La représentation de la pauvreté dans la peinture française du XIXe siècle (1830-1900)". Montpellier 3, 1998. http://www.theses.fr/1998MON30020.
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Jamais peinture ne s'est autant preoccupee de la pauvrete que durant le xixeme siecle. Non sans raison puisque celle-ci est un phenomene fondamental de cette epoque. Aux sociologues, aux philosophes et aux litterateurs qui tous se sont penches sur ce probleme, s'ajoutent des peintres tres divers. Ils n'ont pas hesite a peindre l'etre humain dans les pires situations: aveugles mendiants, familles sans-abris, enfants vendant des fleurs, ouvriers se suicidant. . . Mais aussi les actes de la charite dans leurs formes individuelles et institutionnelles. Pourtant leur regard sur la pauvrete etant bien different, cela entraine un mode d'expression tres complexe. En effet, la peinture du xixeme siecle est impregnee d'un caractere eclectique qui mele tous les genres et tous les styles. D'une facon generale, ces oeuvres s'inscrivent dans une production marquee, globalement, par la rivalite entre l'idealisme et le realisme. Ce double concept est pour ainsi dire l'axe de l'esthetique dans la representation de la pauvrete du xixeme siecleNever painting has so much been worried about poverty than during the xixth century. Not without reason since the latter is a fundamental phenomenon of the time. To the sociologists, philosophers and writers who have all thought carefully, one time or another, about the problem of poverty, we can add various painters. They have had no hesitation to paint and unveil the human beings in the most horrible situations: blind beggars, homeless families, little flower-sellers, workers in dispair commiting suicide. . . But also the acts of charity, individual and institutional. Neverthelesse, their different look leads to a complex mode of expression. Actually, the xixth century painting have an eclectic vision which mixes all genres and all styles. In the whole, all these painting come within the scope of a production marked by the opposition between idealism and realism. This double path is the esthetical axis of the representation of poverty during the xixth century
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Tillier, Annick. "Les femmes, l'infanticide et le contrôle social dans les campagnes de la France armoricaine, 1825-1865 : essai d'anthropologie historique". Paris 1, 2000. http://books.openedition.org/pur/17449.
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En droit français, le terme infanticide désigne le meurtre d'un enfant nouveau-né, mais la notion de nouveau-né est restée longtemps imprécise. À partir de 1835, la jurisprudence a considéré qu'il y avait infanticide lorsque le crime était commis dans les trois jours suivant la naissance de l'enfant, délai de sa déclaration à l'état-civil. C'est assez démontrer que ce crime est avant tout celui de l'illégitimité et qu'il frappe particulièrement les enfants dont la naissance doit demeurer clandestine. Entre 1824 et 1863, le législateur s'efforce d'adapter la pénalité de l'infanticide à l'état d'esprit de l'opinion publique qui répugne à infliger la mort aux mères criminelles, qui représentent l'essentiel des accusés. Au cours de cette période, près de 600 affaires ont été jugées en Bretagne, terre réputée très religieuse. Les sources judiciaires permettent de reconstituer une grande partie des faits. Elles éclairent la vie quotidienne des ruraux et les tensions internes aux communautés villageoises, perceptibles par le biais des rumeurs. Ces rumeurs, qui témoignent du poids des valeurs attachées à l'honneur, permettent de repérer les modalités du contrôle social exercé sur les femmes seules. Le plan suivi pour cette étude respecte la chronologie de l'élucidation des infanticides. La première partie est consacrée au cadre juridique des procès et à l'approche des principaux informateurs que sont ici les présidents des cours d'assises. La seconde s'articule autour de la confrontation entre magistrats et accusées, depuis la découverte des crimes jusqu'à leur sanction. La troisième partie traite de la vie quotidienne des femmes mises en accusation, de leur intégration dans la vie sociale, de leurs amours, du regard que portent sur elles les communautés villageoises et des stratégies de déni de grossesse et d'accouchement qu'elles mettent en place. Enfin la dernière partie s'attache à restituer leur lent et inéluctable cheminement vers le crime.
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Verjus, Anne. "Les femmes, épouses et mères de citoyens ou de la famille domme catégorie politique dans la construction de la citoyenneté : 1789-1848". Paris, EHESS, 1997. https://tel.archives-ouvertes.fr/halshs-00003786v2.
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Lorsqu'on cherche a situer politiquement les femmes, dans la premiere moitie du xixeme siecle, la reponse semble aujourd'hui s'imposer d'elle-meme : privees du droit de suffrage, elles sont exclues de la citoyennete revolutionnaire, universelle et individualiste telle qu'elle est definie a partir de 1789. Le constat de leur exclusion, d'une objectivite irreprochable, ne rend pourtant pas compte de leur situation politique telle qu'elle est pensee a cette epoque (de 1789 a 1848). Peu d'historiens ou de politologues se sont penches sur la facon dont le cens electoral de l'electeur etait calcule : tout se passe comme s'il etait paye individuellement, c'est-a-dire sur la base des seules proprietes du citoyen considere. Or, non seulement le citoyen, s'il est marie, paie les contributions au nom de la communaute de biens qu'il forme avec son epouse ; mais il peut egalement, selon les lois electorales de l'an x a 1831 incluses, se faire adjoindre les contributions d'autres membres de la famille, fussent-ils aux-memes majeurs et de sexe masculin. Le fait que la famille soit, pendant toute cette periode, pensee comme une unite politique conduit a reconsiderer la situation des personnes, qui ne peut plus etre saisie a travers une approche univoque, en termes de "qui vote" et "qui ne vote pas". C'est en tant que membres de la famille que les femmes restent en dehors de la participation politique ; de meme que c'est en tant que pater familias que le citoyen est investi du droit individuel de voter au nom de la nation tout entiere. Seul un travail sur les categories implicites de la construction politique pouvait faire emerger ce qu'on a appele une conception familialiste du suffrage, caracteristique de toute la periode revolutionnaire (1789-1848). C'est ainsi qu'au-dela de la resolution du soi-disant probleme de l'exclusion des femmes, se trouve egalement modifiee notre conception actuelle de l'individu politique revolutionnaire, plus evolutive qu'on ne l'aurait cruWhen seeking to place women in a political context in the first half of the 19th century, the reply appears self-evident : denied the right to vote, they are excluded from the revolutionary, universal and individual citizenship as defined from 1789 onwards. The fact of their exclusion, an objective truth, does not take into account their political situation as viewed during this period (from 1789 to 1848). Few historians or sociologists have considered the manner in which the electoral "cens" (taxpaying status conferring voting rights) of electors was calculated : it is presumed to be on an individual basis, that is on the basis of the sole property of the citizen in question. Since, not only does the citizen if he is married, pay the contributions in the name of the common household, but he can also, according to the laws passed from x to 1831 inclusive, include the contributions of other members of the family even if they are male and of legal age. The fact that during this period, the family was considered as a political unit brings us to reconsider people's situation, which cannot be grasped through a singular approach in terms of "voters" and "non-voters". It is as members of the family that women remain outside political participation. It is as "pater familias" that the citizen is vested with the individual right to vote in the name of the entire nation. Only by working on the implicit categories of political construction does a "famialistic" concept of suffrage emerge, a characteristic of the entire revolutionary period (1789-1848). It is therefore beyond the resolution of the so called "problem" of the exclusion of women, that we also find our current modified concept of the revolutionary political individual to be further evolved than once thought
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Nayrolles, Jean. "Roman et néo-roman : de l'invention du passé dans la culture archéologique et dans l'art du XIXe siecle français". Toulouse 2, 1994. http://www.theses.fr/1994TOU20054.
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Grandordy, Béatrice. "Charles Darwin et l'évolution dans les arts plastiques, 1859-1914". Paris, EPHE, 2011. http://www.theses.fr/2011EPHE4025.
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L’Origine des espèces à partir d’un ascendant commun par sélection naturelle (1859) de Charles Darwin (1809-1882), a introduit l’évolution, le temps infini et l’histoire dans le destin de l’homme, proposé la découverte du merveilleux dans le réel, et inspiré d’abord les romanciers réalistes, puis le roman préhistorique, d’aventure et de science-fiction. L’évolution est illustrée scientifiquement par Haeckel, Kupka, Brehm et Gosse. Elle stimule en France l’anthropologie préhistorique ; on représente ancêtres et chaînons manquants parmi les objets de fouille minutieusement copiés. Elle autorise pour Degas et Cormon la fluidité des corps et Duranty l’identifie dans les artefacts humains depuis la haute antiquité. Odilon Redon, puis Jean Carriès, transforme avec une fausse naïveté la faune observée par Darwin en un bestiaire imaginaire. L’Allemagne assimile le darwinisme à Goethe et au romantisme et s’oriente vers l’anthropologie des mythes ; Klinger illustre la lutte pour la vie humaine et animale. Bientôt la veine réaliste s’épuise dans la représentation ; le désenchantement s’installe en Europe, traduit par le symbolisme en peinture et dans l’Art Nouveau. L’évolution (qui ne conduit pas nécessairement au progrès et certainement jamais à la perfection) s’y intègre. Böcklin, Moreau, la Sécession viennoise, voient dans l’évolution la parenté entre les êtres et l’énergie vitale sans pré-détermination. Bon goût, beau idéal et sens moral de John Ruskin, volent en éclat devant « l’esthétique physiologique » évolutionnaire selon Grant Allen. Pour les architectes, l’évolution est une nécessité qui accompagne le fonctionnalisme. Le débat sur l’évolution comme ‘élément culturel nouveau’ ou ‘contre-culture’ fut présent tout au long du XIXe. La science l’avait depuis longtemps acceptéeOn the Origin of Species by means of natural selection (1859) by Charles Darwin (1809-1882), introduced evolution, endless time and history in species destiny, seaked wonder in reality, and first inspired realistic, then prehistoric, adventure and finally science-fiction novel. Evolution was scientifically illustrated by Haeckel, Kupka, Brehm and Gosse. It boosted in France prehistoric anthropology ; ancestors and missing links were accurately represented among archaeological findings. It enabled Degas and Cormon to deal with body fluidity, and Duranty identified it in human artefacts since the most ancient antiquity. Odilon Redon, followed by Jean Carriès, shifted, with false ingenuity, the animalia observed by Darwin into an imaginary bestiary. Germany assimilated darwinism with Goethe and romanticism, and focused on myths anthropology ; Klinger illustrated human and animal struggle for life. Soon, the realistic vein in paintings and sculpture vanished; disenchantment settled in Europe, expressed by symbolism in painting and in Art Nouveau. Evolution (which does not necessarily lead to progress and certainly never to perfection) merges into then. In evolution, Böcklin, Moreau, as well as Viennese Secession, contemplate kindred beings and non-teleological vital energy. John Ruskin’s taste, ideal of beauty and moral sense, explode in front of evolutionnary « physiological aesthetics » according to Grant Allen. As to the architects, evolution was a pre-requisite, which accompanied functionalism. Debate on evolution as a ‘new cultural fact’ versus ‘a counter-culture’ was present along the whole second half of XIXth century. Science had, since long, accepted it
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Auger-Sergent, Anne-Sophie. "Les graffiti marins de Normandie (13e siècle- 19e siècle)". Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010544.
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La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont raresNormandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare
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Rabaté, Colette. "La femme espagnole et le mariage dans les écrits du milieu du XIXe siècle (1833-1863)". Paris 3, 1994. http://www.theses.fr/1994PA030101.
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Cette these etudie l'image du mariage et de la femme donnee par les ecrits du milieu du dix-neuvieme siecle. Dans un premier temps, l'analyse de la preparation de la jeune fille au mariage est liee a celle de l'image donnee par cette institution, tres controversee depuis le discle precedent. Cette etude permet de preciser les roles impartis aux parents et de fefinir l'education feminine. Le modele de fiancee ideale propose par la litterature nous aide a preciser la double morale sexuelle qui s'etablit a partir du milieu du siecle. L'appreciation de l'impact des mouvements litteraires sur l'image de la femme et du mariage nous montre l'influence limitee du romantisme et le conformisme des premiers romans "realistes". Dans un deuxieme temps, l'analyse du mariage et du role de l'epouse revele la genese du mythe de "l'ange du foyer", au milieu du dix-neuvieme siecle, sous l'influence de l'eglise et de l'ideologie bourgeoise. La femme, confinee dans son role domestique d'epouse et de mere acquiert une mission sociale et un role redempteur, lies a une sacralisation de la famille et du mariage. La fugacite des velleites feministes exprimees par une generation de femmes ecrivains dans les annees quarante, traduit la domination d'une ideologie traditionaliste, celle de la bourgeoisie. En conclusion, a partir de la deuxieme moitie du siecle, la femme est releguee au domaine prive, ce qui constitue un recul sensible par rapport au siecle des lumieresThis thesis studies the image of the marriage and of the woman offered by the literature of the middle of the nineteenth century. In a first time, the analysis of the preparation of the girls for the marriage is linked to the image given by this institution, very debated since the previous century. This study permites to specify the role of the parents and to define the feminine education. The type of the ideal fiancee proposed by the literature helps us to precize the dobble sexual moral established from the middle of the century. The analysis of the impact of the literary movement about the image of the woman and of the marriage shows us the limited influence of romantism and the conformity of the first "realistic" novel. In a second time, the analysis of the marriage and of the role of the woman, displays the genesis of the myth of "the angel of the family", in the middle of the nineteenth century, under the influence of the church and of the ideology of the middle-class. The woman, enclosed in her domestic role as a wife and a mother, gains a social mission and a redemptive role, linked to a sacred vision of the family and the marriage. The leetingness of the feminist desire expresed by a generation of women writers in the fourteenth's, conweys the domination of the traditionalist ideology of the middle-class. In brief, from the second part of the century, the woman is relegated to the private life, and this event constitutes a retreat in relation to the enlightenment
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Foucher, Charlotte. "Un symbolisme enfoui : les femmes artistes dans les milieux symbolistes en France au passage du siècle (XIXe-XXe)". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010707.
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Au passage du XIXe au XXe siècle, la dichotomie masculin/féminin où l'homme serait dévolu à la création et la femme cantonnée à la procréation bat son plein mais commence progressivement à s'effriter et à se troubler. La femme artiste constitue l'une de ces figures intermédiaires susceptible de remettre en cause l'ordre établi des genres. Dans un climat extrêmement hostile à une émancipation du féminin, visant clairement à exclure la femme du champ créatif, nous analyserons la pluralité des stratégies envisagées et déployées par ces artistes, qu'elles assimilent le discours normatif ambiant ou qu'elles contournent de manière plus subversive le réseau artistique androcentrique mis en place. L'articulation entre genres artistiques et genres sexuels, admise de la plupart des historiens de l'art, est au cœur de ce travail balayant des domaines aussi divers que les arts décoratifs, graphiques et médiumniques - champs relativement favorables au féminin - jusqu'à ceux plus difficiles à infiltrer comme la peinture et la sculpture. À l'appui des méthodes culturelles et du genre, ce sujet esquive les nombreuses études consacrées à la représentation du féminin au passage du siècle pour se placer de l'autre côté du miroir, du côté de la femme qui crée, peint ou sculpte, et démontre, par l'exhumation d'un corpus méconnu, jusqu'alors oublié, que l'esthétique symboliste, nabie et Art nouveau fut loin d'être un apanage masculin.
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Pécastaing-Boissière, Muriel. "La place de l'actrice dans la société victorienne (1831-1908)". Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040134.
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Les actrices victoriennes occupent une place tout à fait originale dans la société de leur époque, surtout en tant que femmes. Leur activité leur permet en effet d'atteindre une indépendance économique à laquelle bien peu de leurs concitoyennes accèdent, et, dans le cas des actrices qui administrent des théâtres, de posséder un pouvoir décisionnel qui s'exerce même sur leurs collègues masculins. Néanmoins, le reste de la société victorienne éprouve une grande méfiance pour ces comédiennes, qui, comme les prostituées, gagnent leur vie en utilisant leur corps et leurs émotions. Influencée par le renouveau évangélique et le violent rejet des actrices de la part des milieux non conformistes, une large part des classes moyennes et supérieures déserte alors les théâtres, qui deviennent la distraction préférée de la classe ouvrière. Cependant, à partir du milieu des années 1860, les comédiennes commencent à prendre conscience de l'importance de leur image et de celle du monde du théâtre pour leur carrière individuelle. Influencées en partie par le pourcentage croissant de nouvelles recrues issues des classes moyennes et supérieures, plus soucieuses encore de leur statut que leurs collègues majoritairement nées dans le monde du théâtre, les actrices du sommet de la profession entreprennent d'attirer à nouveau les spectateurs bourgeois, et essayent d'être perçues comme des femmes respectables. Ce mouvement se traduit par un conformisme grandissant, qui s'exprime souvent au détriment de l'art dramatique, mais qui permet aux actrices les plus favorisées de se faire largement accepter par la société de leur époqueThe situation of Victorian actresses within their society is very original, especially as women. Indeed, their work enables them to be economically independent, contrary to most Victorian women. Furthermore, the actresses who manage theatres can even command their male colleagues. Nevertheless, the rest of Victorian society is very suspicious of actresses, because, like prostitutes, these performers use their bodies and their emotions to earn their living. Under the influence of the evangelical revival and of the non-conformists, who violently reject actresses, most members of the middle and upper classes shun theatres, whereas the working classes find their favorite entertainment there. However, from the mid-1860s onwards, actresses become aware of the importance of their image and of that of the theatre in general when it comes to their careers. An increasing proportion of actresses come from the middle and upper classes then, and they are even more wary of their status than their colleagues who are mostly born in the profession. Under these newcomers' influence, actresses from the top of the professional hierarchy try to attract the middle and upper classes back to the theatre, and they strive to be considered as respectable women. The consequence of this movement is growing conformism, often detrimental to dramatic art. However, this enables actresses from the top of the profession to be largely accepted by society, especially from the 1880s onwards, when their salaries spectacularly increase
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Buyssens, Danielle. "La question de l'art à Genève, du cosmopolitisme des Lumières au Romantisme des nationalités". Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0064.
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Fondée dans les premières décennies du XIXe siècle, l'histoire de l'art genevoise postule traditionnellement que la pratique et la réception de l'art à Genève auraient longtemps souffert de l'opprobre caliviniste, condamnés à l'exil hors d'une société inhospitalière au goût et hostile au luxe. Le même "mythe" fait coïncider le dépassement de ces interdits avec l'essor d'un art national chargé d'exprimer la qualité de la société genevoise de la Restauration. Basée sur l'analyse critique de sources nouvellement mises en relation et sur des comparaisons avec la situation des arts en France, cette étude restitue une réalité des pratiques bien différentes dans le contexte de l'Europe des Lumières, de son effritement et de la naissance des nationalités romantiques. Elle s'attache en même temps aux conditions et aux motivations de la construction d'un récit historique profondément marqué par les circonstances de son énonciationFounded in the first decades of the nineteenth century, Genevan history of art traditionally postulates that the exercise and reception of art in Geneva long suffered from Calvinist disgrace, and were condemned to an exile outside a society inimical to good taste and hostile to luxury. The same "myth" equates the overcoming of these prohibitions with the blossoming of a national art excepted to express the quality of the Genevan society of the Restoration period. Based on the critical analysis of documents freshly combined as well as on comparisons with the situation of the arts in France, this study puts into focus a far different reality of practices in the context of European Enlightenment, of its crumbling and the birth of Romantic nationalities. At the same time, it examinates the conditions and motivations of the construction of a historical discourse profoundly marked by the circumstances of its enunciation
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Pouget-Brunereau, Jeanne. "Critique littéraire et dramatique dans la presse féminine française : 1800-1830 : reflets et permanence". Paris 8, 1993. http://www.theses.fr/1993PA080748.
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Au debut du 19e siecle, avec le developpement de la presse, la critique litteraire et dramatique occupe une place de plus en plus importante en france. Mais la censure devient pesante et la critique doit s'adapter. Regi par le code civil, l'univers des femmes s'amoindrit et la presse feminine pour subsister, est obligee de se couler dans l'air du temps. Critique litteraire et presse feminine, soumises a un contexte politiqu et culturel, adoptent alors deux tactiques : soit elles se soumettent et soutiennent les ideologies contemporaines, soit elles se rebellent et disparaissent. Est-ce que ces constatations n'expliqueraient pas l'etrange occultation qui semble envelopper la presse feminine et, a travers elle, la critique litteraire et dramatique, pendant ces trente premieres annees du 19e siecle?In the beginning of the 19th century, with the development of the press, literary and drama criticism was taking on ever greater importance in france. But censorship was becoming overbearing and critics had to adapt. Regulated by the civil code, the universe of women maintened a low profile; in order to survive, french press for women was forced to conform to the times. Literary criticism and women's press, subjected to a political and cultural context, opted for one of two tactics: either they submitted to and supported the ideologies of the day or they rebelled and in so doing, threatened their very existence. Could these observations offer an explanation for the strange blackout that seems to enshroud women's press which in turn affected literary and drama criticism over the first 30 years of the 19th century?
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Băluţă, Ionela. "Du "harem" au "forum" : réflexion sur la construction d'une nouvelle identité féminine dans la seconde moitié du XIXe siècle roumain". Paris, EHESS, 2005. http://www.theses.fr/2005EHES0062.
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La thèse analyse la construction d'une nouvelle identité de la femme roumaine "bourgeoise" au temps fort de la construction nationale et en plein processus de modernisation à l'occidentale de la société roumaine. L'approche est placée au carrefour de la sociologie politique et de la sociologie historique, la spécificité de l'objet imposant la multiplication des méthodes et des sources d'analyse. Le concept de genre impose une analyse à plusieurs niveaux : l'idéologique, le normatif et les réponses subjectives. L'analyse identifie deux pivots de la nouvelle philosophie sociale, essentiels dans la recomposition des identités sociales et générateurs de nouveaux axes hiérarchiques : la réinstauration de l'ordre social et le rappel au rassemblement national. Ces deux processus deviennent les vecteurs de l'élaboration du modèle idéal de la bourgeoisie : la respectabilité et la fonction maternelle structurent les dispositions, définissent les postures morales et corporelles légitimesThe dissertation examines the building of a new identity of Romanian women that belonged to the "upper" society during the period of nation-building and modernization according to the Western model. The methodological approach combines political sociology and historical sociology. Moreover, the specificity of the object of study requires both an interdisciplinary approach and the multiplication of methods and sources of analysis. The utilization of the concept of gender requires analyses at several levels : ideology, norms, and subjective responses, two key-elements of the new social philosophy, vital for the re-composition of social identities and generators of new hierarchical axes : the re-instauration of the social order and the strive for national unifiction. These two processes became the leading sources for elaborating the ideal model of the bourgeoisie : respectability and notherhood structure attitudes, define morality and the legitimate configuration of the body
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Fartas, Nadia. "Modernité et simplicité : l'art de la nuance. Littérature et arts visuels en France dans la seconde moitié du XIXe siècle". Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0162.
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Le propre de la modernité est d'inclure la critique dans ses fondements et de permettre les questionnements autant que le développement des savoirs. La modernité est donc indissociable du mouvement et du changement. Elle implique de nouvelles relations sociales, politiques et culturelles entre le singulier et le collectif, le particulier et l'universel, une complexité dont la littérature du XIXe siècle a su témoigner. Il est néanmoins remarquable que la notion de simplicité soit au centre des préoccupations d'auteurs fondateurs de la modernité littéraire et artistique. Dans les œuvres de Flaubert qui portent sur la modernité, dans les écrits sur l'art de Baudelaire et dans certaines vues urbaines et architecturales, tant littéraires que picturales, dont la série de La Cathédrale de Rouen de Monet, les formes de la simplicité et les notions afférentes permettent de mettre en évidence les formes du changement, afin de composer une esthétique de la modernité fondée sur la nuance plutôt que sur la binarité ou le dogmatisme. Si la simplicité désigne l'indécomposable, la nuance se caractérise en effet par des différences de degrés quasiment indiscernables. L'art de la nuance qui procède d'une réévaluation moderne de la simplicité fait tenir ensemble la défense du beau, la singularité de l'œuvre d'art, l'attention portée au réel, aux savoirs et aux nouvelles temporalités, afin d'éloigner l'esthétisation, c'est-à-dire une conception du beau qui lisse les traits de la modernité. La nuance témoigne ainsi d'une relation inédite entre le visuel et le verbal, le texte et l'image, qui permet de mettre au jour les nouages entre poétique, esthétique et politique au coeur de la modernitéThe peculiarity of modernity is to integrate criticism in its foundations and to allow questions as well as knowledge development. Therefore, modernity cannot be dissociated from movement and change. Thus, it implies a new kind of social, political and cultural relationship beween the singular and the collective, the particular and the universal, a complexity which XlXth literature managed to testify. However, it is noteworhy that the notion of simplicity is at the centre of the preoccupations of founder authors of artistic and literary modernity. In Flaubert's works dealing with modernity, Baudelaire's written works on arts and in urban views, either literary, pictorial or architectural ones, for instance Monet's series of The Rouen Cathedral, the simplicity forms and meanings which are associated to them make it possible to put the forms of change in a conspicuous position in order to make up an aesthetics of modernity based on shade instead of on binarism or dogmatism. If simplicity refers to what cannot be broken down, the main features of shade are, indeed, grade differences which can hardly be detected. The art of shade which originates in a modern revaluation of simplicity holds together the defence of the beautiful, the singularity of the work of art, the attention to reality, knowledge and new temporalities in order to thwart aesthetization, in other words a conception of the beautiful that covers the features of modernity. Thus, shade shows a new relationship between the visual and the verbal, the text and the image, which brings up to date the knotting between poetics, aesthetics and politics at the heart of modernity
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De, Laguerenne Lise. "Métiers de femmes : des occupations féminines dans la Comédie humaine : créations et arts d'agrément". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040128.
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Métiers de femmes. . . étudie tout un pan du féminisme de Balzac quelque peu laissé dans l'ombre par la critique ; au XIXe siècle, toutes les femmes font des travaux d'aiguille (couture, tricot, broderie, tapisserie) et l'éducation féminine accorde une grande place aux arts d'agrément (peinture, musique, danse). C'est aussi l'époque où les femmes sont de plus en plus nombreuses à se lancer dans la littérature, quitte à être qualifiées de bas-bleus. Elles sont en outre d'assidues épistolières. Avec les créations féminines (bas tricotés, bonnets brodés, miniatures, fleurs artificielles, morceaux de piano, danses exécutées, etc. ) Balzac créa un univers féminin, balisa un emploi du temps. Ces créations avaient un langage ; il enrichit la Comédie humaine sur les plans historique, sociologique, psychologique, surtout romanesque. Balzac posa concrètement le problème du féminisme en délimitant deux zones d'influence, masculine (et extérieure), féminine (et intérieure). Les travaux d'aiguille qui supposent la position assise et le lieu clos sont valorisés comme symboles de la stabilité et de la protection du foyer. Les arts d'agrément ou la littérature au contraire qui s'écarteraient de ces critères et développeraient l'individualisme féminin sont réprouvés comme incompatibles avec la mission grandiose de la femme, pilier de la famille. A la lumière du symbolisme freudien, le langage des objets montre l'étendue du pouvoir des femmes dans leur sphère.
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Bouche, Christine. "Le sculptural, le primitivisme et la femme dans l'art de Giacometti". Paris 1, 1996. http://www.theses.fr/1996PA010608.
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Dans sa monographie, Yves Bonnefoy a désigné l'enjeu éthique de l'art de Giacometti: préserver par la création la présence vivante d'autrui, sensible dans l'humanité de son visage. L'humanité du regard de l'artiste s'est jouée dans son art avec la femme. L'enjeu de l'œuvre après la guerre fut de tempérer sa haine de la féminitéIn his monograph, Yves Bonnefoy has indicated the ethical stake of giacometti's art : preserve by creation the living presence of others, perceptible in the humanity of the face. The humanity of the artist's view shows in his representation of the woman in his art. The stake of his work was to temper his hatred of femininity
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Loustalot, Bernard. "Desgenettes : 1762-1837 : un homme de réseau dans la transformation de l'art de guérir". Paris, EHESS, 2016. http://www.theses.fr/2016EHES0041.
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Médecin, Desgenettes a traversé une époque très mouvementée tant sur le plan politique que militaire et a constitué un important réseau de connaissances : Franklin, madame Rolland, Chaptal,. . . Et Napoléon Bonaparte. Assidu des salons de différentes époques, il a été témoin des transformations de la société et lui aussi « personnage historique », il a été acteur dans la médecine militaire. Mais Desgenettes a eu une importante activité « civile », d'abord de type scientifique, dans l'enseignement (défense de l'anatomie), diffusion des connaissances en participant à l'édition de plusieurs revues, puis comme professeur d'hygiène à l'école puis faculté de médecine de Paris. C'est comme maire du Xe arrondissement de Paris et professeur d'hygiène membre de nombreux comités, qu'il affrontera en 1832 la première épidémie de peste moderne : le choléra-morbus. Issu de la bourgeoisie de province qui prétendait à la noblesse, Desgenettes est un excellent reflet de ces ambitieux qui ont adopté les idées des Lumières (cosmopolitisme intellectuel, franc-maçonnerie opérative), se sont faufilés entre les accidents de la Révolution pour constituer la méritocratie napoléonienne. Très cultivé mais sceptique dans tous les domaines, religieux, médical (ami de Broussais tout en combattant ses doctrines) ou politique (fidèle mais non inconditionnel de l'Empereur), sa forte personnalité et son indépendance d'esprit l'ont marginaliséRené Nicolas Dufriche des Genettes, known as Desgenettes, is a doctor who lived between two centuries. He had been through a tumultuous period, both on the political levels and on the military issues. Thus, he had the opportunity to meet several historic characters: Benjamin Franklin, Madam Rolland. . . And above ail Napoléon Bonaparte. Familiar with the salons of the period, he had been a witness of the transformation of the French society more than the political events, and as chief doctor of Bonaparte army's then Napoléon, he followed several campaign of the great gênerai of the time. His career survived to the Empire, tormented by the political vicissitudes. Historical character himself, he first of ail played a rôle in the military medicine in Egypt and in the Great Army after 1807. Two "prowess" are generally at his crédit: his inoculation of the plague, and his opposition to Bonaparte about the poisoning of the sick people of Jaffa. On a routine basis, he had managed health service that had to be adapted on the daily movement and the situation of an army more and more numerous and uncoordinated, often in foreign territories and with frequent and deadly epidemics. Nevertheless, Desgenettes had also had a significant civil activity, first a scientific activity with some publications about the absorbing system (lymphatic), about education (anatomy defence), spreading of knowledge by taking part of the edition of several revues, second, as a Professor of Hygiene at the school subsequently university of medicine of Paris. Besides, it is as mayor of the 10th district of Paris and Professor of Hygiene that he will faced in 1832 the first modern plague epidemic: the cholera-morbus. Born in a family part of the bourgeoisie that pretended to be aristocratic, Desgenettes is a remarkable image of this ambitious people that embraced the Enlightenment ideas (intellectual cosmopolitanism, operative freemasonry), and managed to get through the revolutionary turmoil to compose the Napoleonic meritocracy. Very cultivated but sceptical about religious, medical (friend of Broussais but fighting his doctrines) or politic (loyal but not docile to the Emperor), his strong character and his independent spirit (opposition to Bonaparte and resignation of the Academy of Medicine) ostracised him
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Frangne, Pierre-Henry. "Le statut de la négation dans l'art symboliste français : les modèles philosophiques du symbolisme". Lille 3, 2002. http://www.theses.fr/2002LIL30017.
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La thèse est une interprétation philosophique du symbolisme français de la fin du XIXe siècle. A la question "Qu'est-ce qui fait l'unité de ce mouvement artistique?", elle répond : non une théorie unifiée du symbole, mais une théorie de la négation. Cette dernière apparaît sous une triple forme : comme opération logique d'abstraction et de purification ; comme sentiment existentiel malheureux ; comme principe métaphysique (Néant, Rien, Mort). Ces trois figures engendrent la négation comme valeur et comme exigence : celle d'abolir et de manifester l'art et le réel au sein d'une inconsistance fondamentale. Utilisant trois modèles philosophiques principaux (Platon, Schopenhauer, Hegel) afin d'élaborer sa métaphysique et son ontologie négatives, le symbolisme produit différents rouages du philosophique et de l'artistique : au philosophème d'un néoplatonisme surplombant et d'un schopenhauerianisme nourrissant, succède une réelle philosohie symboliste au travail chez Mallarmé
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Schvalberg, Sophie. "Des marbres d'Elgin à la Dame d'Auxerre : le modèle grec en débat dans l'art français au XIXe siècle (1815-1908)". Paris 10, 2008. http://www.theses.fr/2008PA100185.
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Le modèle grec dans l'art français du XIXe siècle connaît une lente mutation, entre les présupposés néoclassiques en vigueur jusqu'à la Restauration et le nouveau classicisme à l'aube du XXe siècle. Dans cette évolution des normes et de l'enseignement de l'art, que les peintres et les sculpteurs contribuent à remodeler, l'archéologie joue un rôle fondamental. Avec l'affaire Elgin sur les marbres du Parthénon, avec le débat sur la polychromie antique, jusqu'à l'entrée dans les musées d'œuvres d'art grec archaïque et cycladique, on peut mesurer à la fois la résistance et la crise du modèle classique idéal et l'émergence du modèle archaïque en peinture et en sculpture. Dans les trois domaines ainsi entrecroisés (savoir scientifique, création artistique et théorie de l'art), des personnalités incarnent les positions successives de l'institution académique et de sa contestation : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, BourdelleThe Greek model in 19th century French Art bears a slow mutation, from the neoclassical doctrine still alive in 1815 at the fall of Napoleon Ist until the new classicism at the turn of the 20th century. In this evolution of artistic standards and education, which painters and sculptors tend to reshape, archaeology takes a central role. With the Elgin affair about the Parthenon marbles, with the debate on classical polychromy, until the integration of archaic and cycladic greek artworks in museums, it is possible to assess the strength and the crisis of the classical idealistic model and the simultaneous rise of an archaic model, both in painting and in sculpture. At the three levels that interfere here (scientific knowledge, artistic creation and art theory), some figures embody various stances of the academic establishment and its reappraisal : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle
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Lecanu, Anne. "L'image du Christ dans la peinture russe au XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle". Paris 4, 2002. http://www.theses.fr/2002PA040047.
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L'image du Christ dans la peinture russe au XIXe siècle et dans la première moitié du XXe siècle se définit dans le cadre de la peinture d'histoire, dont les schèmes iconographiques subirent une évolution conceptuelle et formelle pendant cette période. La représentation du Christ devait incarner les enjeux idéologiques antagonistes, qui opposèrent le pouvoir autocratique et les membres de l'intelligentsia russe, conférant aux sujets christiques un caractère métaphorique et une interprétation polysémiqueThe figure of the Christ in the russian painting of the XIXth painting and the first half of the XXth centuries becomes clear in the limits of the historian painting. Besides, iconographic bases ought to be changed into relation with the theoretic and formal changes which appeared during this period. The pictures of the Christ had to embody antagonist ideological stakes, which opposed autocratic power and members of the russian intelligentsia, confering metaphorical nature and divergent interpretations to pictures dedicated to the Christ
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Riot-Sarcey, Michèle. "Parcours de femmes dans l'apprentissage de la démocratie : Désirée Gay, Jeanne Deroin, Eugénie Niboyet, 1830-1870". Paris 1, 1990. http://www.theses.fr/1990PA010609.
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Torcinaro, Emanuela. "Le personnage "lecteur" dans le roman et les arts picturaux du XIXè siècle européen". Limoges, 2011. http://www.theses.fr/2011LIMO2012.
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Le but de cette recherche est de montrer comment le roman du XIXè siècle, romantique d'abord, ensuite réaliste et enfin décadent, est capable de représenter les changements sociaux et culturels d'une époque à travers ses personnages et en comparant les images décrites dans les romans et celles peintes des peintres européens contemporains aux écrivains. On veut montrer la continuité thématique et la réciproque influence, parmi les deux arts apparemment si différents. Cette étude inter artes est le résultat d'une recherche de type thématique, le constant duquel est le personnage "lecteur". On a examiné le roman du XIXè siècle européen, le siècle du roman et des grandes Expositions, conçues comme un témoignage au monde non seulement par des progrès technologiques mais aussi artistiques des différentes nations. On a décliné, donc, la figure du lecteur, avec ses différents nuances selon la période historique d'appartenance, le niveau social, le lieu dans lequel il vit, le sexe et l'âge. Le but de cette recherche est l'étude du personnage qui lit par intérêt, par passion, qui se "plonge" dans le texte, qui s'abandonne en risquant de s'y perdre comme Emma Bovary, qui lit des romans d'amour en s'identifiant aux protagonistes au point à ne plus réussir à distinguer la réalité de la fantaisie, en arrivant au suicide. A travers une comparaison continuée entre roman et oeuvre picturale et une analyse approfondie socio-historique de la période, on a pu montrer que l'image décrite ou peinte du lecteur est prépondérante dans l'Europe du XIXè siècleThe aim of this research is to show the way how the European nineteenth century novel could be able to represent the social and cultural changes of a time both through its characters and the comparison between the images depicted in the novels and those ones portrayed by the painters. Therefore, the thematic continuity and the mutual influence between the two arts will be demonstrated. This inter artes research is the result of a thematic type study whose constant is the "character as a reader", who makes his appearance in literature when reading becomes relevant as a social practice as well. The interest here is focused on the character who uses to read as a passion, who plunges himself into the text, and completely abandoning himself to it almost to be likely to get lost. The "character as a reader" is there in many literary masterpieces, and only with a careful and accurate study among the classics of Italian, French, Russian and English literature it has been possible to make a selection and have a homogeneous corpus. Even though in the 800s is the usually less considered figure of the woman reader as the love novelette consumer who stands out, and girls are seen having their heads full of silliness by those kind of novels -instead of reading the Bible and the Sacred Texts - it will eventually emerge the real meaning of their readings : not only women read because of their love for culture, but also to learn, to know, in spite of the role the 800s society has relegated them to. It is considerable the predominant presence of women in the act of reading in paintings, as well. All in all, through a continuous comparison between the novel and the pictorial work and a deep socio-historical analysis of the period, the written and painted image of the reader has been demonstrated as prevailing in the European eighteenth century
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Bouvard, Émilie. "Violence de l'art des femmes, 1958-1978 : surréalisme, psychanalyse et féminisme". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H039.
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Notre recherche porte sur un corpus d' œuvres réputées violentes produites par des artistes femmes au cours des années 1960 et dans la première moitié des années 1970. Ces pièces marquent une entrée fracassante des artistes femmes dans l'art, alors qu'elles y sont largement marginalisées. La première pa11ie démontre qu'après des années 1950 qui voient s'épanouir des pratiques abstraites quelque peu ouvertes aux femmes, les années 1960 marquent une aggravation de leur condition et un moment de moindre visibilité, dans le contexte de succession rapide des mouvements et d'expansion du marché.La seconde partie pose la question de l'affect et de leur usage de la psychanalyse dans un esprit de dépassement du surréalisme. La troisième pa11ie montre l'importance de la figure d' Artaud et du fou à l'œuvre dans un lecture politique et anarchiste de l'art corporel. Enfin, la demi ère partie énonce un paradoxe : l'art féministe n'est pas violent et rejette la violence; les pratiques les plus agressives sont le fait, toujours, d'artistes isolées ou transféré du côté du para-artistique .. Mettant en valeur la persistance de courants« chauds» en parallèle de mouvements réputés froids, ce travail invite à un infléchissement dans la définition des grands courants des années 1960 et 1970. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …Our research deals with a group of works produced by women artists between 1960 and the first half of the 1970s. These pieces constitute the impressive apparition of women in art, though they are still largely marginalized. The first part of our study shows that, whereas the 1950s were a time for abstract practices still relatively open to women, in the 1960s their position as artists become more difficult and they Jack more visibility in the context of the succession of new "avant-garde" movements and the expansion of the market. The second part deals with the issue of "affect" et of the use they make of it, and of psychoanalysis, in a challenging spirit with surrealism. The third part focused on anarchy, anti-psychiatry, the figure do the "fool" and Antonin Artaud in the context of happenings and body art. The last part enounces a paradox: feminist art is non-violent; the most aggressive practices are by isolated women or transfered I para-artistic actions. Showing the persistence of "warm" trends within "cool" "avant-garde" movements, this study advocates for a move in the characterization of the great art movements of the 1960s and the 1970s. Artistes: Louise Bourgeois, Niki de Saint-Phalle, Nancy Spero, Eva Hesse, Yayoi Kusama, Alina Szapocznikow, Annette Messager, VALIE EXPORT, Marina Abramovic, Gina Pane, ORLAN, Ana Mendieta, …
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Villanueva-Puig, Marie-Christine. "Maïnadès : recherches sur la genèse du thiase féminin de Dionysos : des origines à la fin de la période archaïque (du second quart du VIe siècle à 480) : essai d'iconographie relgieuse". Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010645.
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La recherche porte sur les plus anciens témoignages concernant les Ménades constitues par la céramique attique à figures noires. Un bref préambule est consacré au personnage littéraire et épigraphique beaucoup plus récent. Pour l'étude iconographique, on a choisi de partir du mieux connu, du personnage bien constitue aux attributs, aux attitudes et aux activités caractéristiques, aux compagnons fréquents les satyres, qui est celui des peintres attiques à figures rouges de la fin de l'archaïsme. A partir de ce personnage que sa conduite place hors des normes de l'attitude féminine traditionnelle, on est remonte aux origines du thème en prêtant attention à l'apparition des différents éléments constitutifs du personnage. On peut considérer que vers le milieu du VIe siècle, la figure ménadique est constituée. L'étude se déroule alors chronologiquement, par ateliers et par peintres mettant en relief le rôle de certains d'entre eux dans l'évolution de la figure. En ce qui concerne la figure noire récente et tardive, à cause de la multiplication des scènes et de leur caractère répétitif, on a eu recours à un classement thématique. Cette partie de l'étude a permis de dégager, de manière inattendue, le grand nombre de lécythes portant un décor dionysiaque. En conclusion, on s'est interrogé sur les raisons de l'immense succès du thème (le catalogue qui suit réunit plus de 3500 vases dont 383 sont reproduits). Cette figure, hors de normes féminines inspire à la fois fascination et effroi, tension à l'origine de son succès. Mais si les peintres jouent avec tant de fréquence de la peur et de la séduction qu'inspirent ces êtres exceptionnels c'est parce que la solution aux débordements existe dans le rite. La figure ménadique ne renvoie pas exclusivement au monde du mythe mais aussi a l'univers concret d'une certaine pratique encadrée du dionysisme. Elle rend possible la représentation des périls de l'irrationnel féminin et en explique pour une part le succès.
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Moulinat, Francis. "Théophile Gautier, critique d'art, dans les années 1830". Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1994PA040243.
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La critique d'art de Théophile Gautier a suivi la même évolution que sa pensée littéraire. Elle est passée du romantisme à une mise à distance de celui-ci. Entre 1836 et 1838, Gautier reporta, sur la critique d'art, le sacerdoce que l'écrivain était censé exercer sur la société. En se faisant le champion de la souveraineté de l'artiste, en acclimatant au journalisme le romantisme, en pratiquant la critique des beautés qui est une adhésion entière à l'œuvre, au travers de sa description, il inventa la critique artiste. Gautier a vue en Paris et Munich les deux ateliers où s'inventait le futur. Mais, c'est à Paris qu’Ingres, par le dessin, Delacroix, par la couleur, avaient rénové la peinture et formé ceux qui formuleraient la synthèse de leur art. Gautier a aussi noté, à partir de 1837, le recul du romantisme pictural et l'influence grandissante du dessin et du style. Ce modèle binaire, fut reporte sur le paysage, mais non sur la sculpture, art essentiellement antique, ne devant montrer que la beauté. Dans l'esthétique de Gautier, contrairement au naturiste qui copiait la nature, l’artiste supérieur abritait en lui un microcosme et un idéal. Exprimer sa vision de la beauté était sa mission; Gautier l'étendit à la vie entière. L'artiste, en concevant des objets, reconquerrait son sacerdoce perdu, éduquerait la société et susciterait une nouvelle renaissance. En développant une telle utopie et en divinisant l'art, devenue valeur suprême et refuge où oublier le réel, Gautier formula une esthétique, romantique par la place conférée à l'artiste, éclectique, car elle acceptait la couleur et le dessin, novatrice, car elle préfigurait nombre de courants de la seconde moitié du siècleGautier's art criticism followed the same evolution as his literary thinking. It praised romanticism before standing aloof from it. But, between 1836 and 1838, he transferred to art criticism the priesthood every writer is supposed to fulfill within society. He defended the artist's sovereignty; he introduced romanticism in journalism, and the practiced the criticism of beauties through descriptions: in fact, he had invented the artist criticism. Gautier considered that Paris and Munich were the two studios where the future was taking shape, that is was however in Paris that Ingres, through drawing, and Delacroix, through colors, had reformed painting and trained those who would later make up the synthesis of their art. Gautier also noticed, from 1837 on, the decline of the pictorial romanticism and the growing influence of drawing and style. This binary system was applied in landscape, but not in sculpture which is a principally antique art, meant to show only beauty. In Gautier’s aesthetics, the superior artist would shelter both a microcosm and an ideal, contrary to the naturist who copies nature. His mission was to express his own vision of the beauty, and Gautier widespread this mission to the whole life. By designing objects, the artist would regain his lost priesthood, educate society and lead to a new renaissance. By developing such an utopy, by divinizing art which had become the supreme value and a refuge to forget reality, Gautier expressed an aesthetics which was at the same time romantic, as it awarded a major position to the artist, eclectic, since it accepted color and drawing, and innovative, for it would foreshadow many trends of the second half of the century
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Primi, Alice. ""Être fille de son siècle" : l’engagement politique des femmes dans l’espace public en France et en Allemagne de 1848 à 1870". Paris 8, 2006. http://octaviana.fr/document/117812757#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
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La période qui s’ouvre avec le « printemps des peuples » de 1848 et se clôt avec la guerre franco-allemande de 1870 est un temps de profondes transformations pour les sociétés française et allemande. Une part croissante de la population entend contribuer directement à la définition du Progrès et à son avènement, que ce soit par la révolution, par le vote, par l’association… Malgré les obstacles de différente nature qui s’opposent, en principe, à leur participation, des femmes interviennent publiquement dans ces débats. Elles veulent affirmer leur modernité, c’est-à-dire leur capacité d’agir de façon libre et autonome, dans le sens du Progrès, pour le bien commun. Elles sont alors en contradiction avec l’identité « féminine » qui leur est assignée et qui est indispensable à leur reconnaissance sociale. Les Allemandes qui veulent participer à la construction de la Nation doivent, de plus, afficher une identité nationale genrée qui aggrave les contraintes pesant sur elles. Cette situation conflictuelle amène ces femmes engagées à critiquer les conceptions de leurs contemporains – libéraux, démocrates, socialistes – qui entendent continuer de bâtir le Progrès sans elles. Les rapports de pouvoir ainsi mis en évidence révèlent les limites des projets de refondation sociale et politique élaborés avec le souci de ne pas affaiblir un ordre social fondé sur la famille patriarcaleThe period which begins with the « Spring of Nations » and ends with the Franco-Prussian war of 1870 is characterized by a number of profound transformations within French and German society. An increasing proportion of the population intends to contribute directly to the definition of “progress” and takes action to effect social change through revolution, representational voting, associations… Despite the diverse obstacles facing them, some women do participate in public debates. They wish to assert their modernity and their ability to act in a free and autonomous manner for the common good and in the sense of “progress”. They are thus in contradiction with the “feminine” identity which is assigned to them, and which is mandatory to their social recognition. Furthermore German women who want to contribute to the building of their nation must affect a gendered national identity, which adds to the heavy constraints already imposed on them. This confrontational situation brings these politicised women to criticise ideas of their contemporaries – liberals, democrats, socialists – who intend to continue along the route of “progress” without them. The relations of power brought to light by the interaction of these women with their male counterparts emphasise the limitations of the social and political restructuring projects whose unspoken objective is not to weaken the social order based on the patriarchal family
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Valance, Hélène. "Au filtre de la nuit : le nocturne dans l'art américain, 1890-1917". Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070069.
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Après que James Mc Neill Whistler a renouvelé le genre du paysage de clair de lune en peinture avec ses fameux Nocturnes, les milieux artistiques américains manifestent, au tournant du 20ème siècle, un profond engouement pour la nuit. Alors que les artistes du nocturne, et bon nombre de critiques et d'historiens de l'art à leur suite, s'attachent à distinguer leur art de son environnement matériel, ce travail consiste à replacer les nocturnes dans leur contexte historique, en considérant le rôle qu'ils prennent dans la culture visuelle de leur époque. Alors que le paysage nocturne américain se trouve radicalement altéré par le développement de l'éclairage électrique, le repli des artistes du nocturne vers des scènes de clair de lune rurales et désertes apparaît comme une réaction anti-moderne. Mais au-delà du contexte immédiat de l'électricité, la peinture de la nuit fonctionne comme un espace de représentation permettant de traiter indirectement des changements historiques qui affectent le pays. La première partie de cette étude considère les nocturnes comme une réponse aux transformations qui affectent l'ordre du visuel à la fin du 19ème et au début du 20ème siècles, de la redéfinition des limites entre visible et invisible à la croissance exponentielle du nombre des images, et propose de lire les nocturnes comme une forme d'anti-vision. Une seconde partie envisage la nuit dans ses valeurs métaphoriques, en particulier raciales, dans les discours qui font des Indiens d'Amérique un people voué à disparaitre dans la nuit ou qui promeuvent l'entreprise impérialiste comme une mission éclairée. La troisième et dernière partie de ce projet s'attache aux représentations de la nuit urbaine, montrant comment les artistes du nocturne négocient les reconfigurations des identités sociales par le biais d'une refonte du paysage pictural. Il s'agit ici de démontrer que les nocturnes constituent un art anti-moderne, au sens que Jackson Lears donne à ce terme : s'ils dénotent un certain rejet de la modernité, ils offrent aussi dans une certaine mesure une forme d'adaptation aux changements qu'ils tentent de maintenir à distance. En ce sens, les nocturnes forment un portrait négatif des Etats-Unis au tournant du siècleWhile most of the literature about nocturnes has stressed their melancholy qualities, my project is to explain the attraction fin-de-siècle Americans felt for them by looking at their historical context, notably that of the development of electric lighting. Beyond the immediate context of electricity, however, I want to show that night acted as a powerful metaphor in the culture of the time. From the dark continent of imperialism to that of the unconscious, the metaphorical uses of night were pervasive. My dissertation relies on a wide range of examples of nocturne imagery, from popular visual culture to the fine arts, and explores the visual dimension of this metaphor. It examines how night served to address the threatening but also thrilling aspects of the new environment Americans were discovering at the turn of the 20th century
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Chalikia, Martha. "Corps, art et société : l'identité féminine dans l'art contemporain russe avant et après la chute du mur de Berlin et ses répercussions dans les autres pays orthodoxes de l'Europe de l'Est". Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010704.
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Corps, art et société. Si la culture se définit par rapport à ces trois notions, la création féminine dans la Russie contemporaine s'inscrit dans une quête identitaire vacillant entre les repères traditionnels et l'ouverture vers l'Occident. Se situant dans un espace en mutation permanente, se heurtant à la difficulté de discerner les frontières de l'utopie et de l'entropie, les artistes de la période qui a précédé l'effondrement communiste et de celle de la reconstruction post-soviétique ont été amenés à bâtir un " territoire de mémoire " commun. Dans un tel contexte de bouleversement idéologique, l'émancipation des femmes est loin d'être acquise. La création féminine est donc avant tout, pour les Russes, une affaire de recherche intérieure, de déconstruction - partielle et totale - du statu quo et d'invention d'une nouvelle identité. La question de l'art est indissociable d'une géographie corporelle qui surgit de l'abolition des frontières et de l'ouverture culturelle. Le corps des femmes devient de la sorte l'élément fondamental d'une création où se mêlent l'espace, l'érotisme et la religion. Ce même processus de mutation qui aboutit souvent à des interrogations existentielles définit le champ artistique dans les autres pays de l'Est, notamment ceux qui sont porteurs de la même tradition byzantine.
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Bellot, Michel. "Esthétique des figures impossibles et ambiguës". Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010647.
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La classification des figures impossibles et ambiguës, proposée ici, montre que trois mécanismes plastiques permettent de rendre compte des rates de la représentation spatiale : la superposition, le contact et l'alignement. Il apparait encore que l'impossible et l'ambigu sont des territoires proches, lies par un espace intermédiaire : l'impossible-possible, et que ces différents ratés de la représentation investissent les trois types de surface de l'image, que sont la figure, le fond et leur association. Mais, au-delà des mécanismes plastiques, ces images exercent encore une fascination que seul l'imaginaire est à même d'expliquer. Le discours latent d'une construction impossible évoquerait l'inceste et les différents interdits qui peuvent y être rattachés, tandis qu'une forme ambiguë, par son alternative jamais résolue, rappellerait l'ambivalence qui, émanant de ces premiers désirs, vient ensuite investir nos sentiments ultérieurs. Une réhabilitation esthétique des figures impossibles et ambiguës a enfin été entreprise, car ces images utilisent des mécanismes identiques à ceux que Cézanne, Matisse et Magritte ont employés pour opérer leur critique de la représentation. Certaines pratiques contemporaines vont d'ailleurs moins loin, en préférant l'auto-référentialité du propos et la matérialité des moyens à la question fondamentale de toute représentation plastique : l'impossible passage des trois dimensions du réel aux deux dimensions du support.
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Christófoglou, Mártha-'Ellī. ""Avant-gardes" et politisation dans l'art néohellénique (1965-1975)". Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010508.
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Le principal objectif de cette thèse est de contribuer à l'examen de la réalité culturelle de la Grèce contemporaine. La période: 1965-1975, a été choisie pour son exemplarité: c'est pendant cette décennie que le rapport art-politique acquiert une importance fondamentale dans la vie artistique grecque. La place des formes d'art dites d'avant-garde, dans l'art néohellénique, doit être évaluée par rapport à certains facteurs propres à la culture grecque. Ces facteurs sont: 1. Le rôle idéologique et esthétique des modelés tirés de la tradition locale. 2. L'influence de l'art moderne occidental et, plus particulièrement, parisien. 3. L'émigration des artistes. 4. L'engagement politique très apparent pendant les années 1960 et 1970, c'est à dire avant, pendant, et après la dictature de 1967-1974. 5. La prédominance de l'individualisme des artistes grecs, qui défavorise les mouvements collectifs. L'étude de ces problèmes devrait permettre l'approche d'un aspect important de la culture grecque d'aujourd'hui.