Literatura científica selecionada sobre o tema "Esthétique asiatique"

Face au diktat de la beauté imposée par la société à travers des stéréotypes, il est devenu légitime de s’interroger sur le concept universel du “ beau ”. Est-ce que les normes esthétiques en orthodontie, établies à partir d’échantillons de Nord-Américains, peuvent être applicables à d’autres populations? Les différentes analyses céphalométriques menées chez des sujets afro-américains, africains et asiatiques en occlusion normale non traitée mettent en évidence des critères esthétiques éloignés des critères nord-américains. Leurs conclusions relatent comme principal caractère ethnique la biprotrusion alvéolo-dentaire en relation avec un angle naso-labial réduit. Pour le sujet africain, on note très fréquemment une antéro-position du maxillaire avec une position mandibulaire inchangée ou rétruse. Pour le sujet asiatique, une similitude des profils cutanés est rapportée avec une divergence quant aux profils squelettiques : les Japonais présentent une rétrognathie maxillaire plus prononcée; les Chinois montrent souvent une promaxilie et une rétromandibulie. Les Coréens se rapprocheraient des Japonais. Il semble donc nécessaire de constituer des données spécifiques à l’origine ethnique afin d’optimiser le diagnostic esthétique et les objectifs du traitement orthodontique.

Zad Moultaka, compositeur franco-libanais, réinvestit le matériau musical de sa culture d’origine – proche-orientale – à partir de l’univers de la musique contemporaine. Un tel rapport distancié participe à renouveler la perception même de l’héritage traditionnel, de sorte que certaines qualités propres, qui ont dû être peu considérées dans leur milieu culturel d’origine, apparaissent porteuses de potentiel esthétique d’une certaine acuité. Tel semble être le cas de l’hétérophonie. En cela, la démarche de Moultaka paraît homologue de celle de José Evangelista qui, par un regard distancié également, emprunte le procédé hétérophonique et le principe de la ligne monodique qu’il suppose, à partir de certaines traditions asiatiques. C’est certainement en sa qualité de texture « flottante », ayant valeur de mimésis plutôt que d’une rationalité stricte, que ce procédé éminemment oral se trouve ainsi intégré dans la musique des deux compositeurs. Aussi, chez Moultaka, l’hétérophonie ne vaut-elle plus tant en soi qu’elle n’advient à travers différentes configurations. En étant transposée, mise en relation avec d’autres procédés d’écriture, la technique traditionnelle orale laisse dès lors émerger une diversité de valeurs esthétiques intrinsèques.

Introduction : Le sourire représente un challenge dans la prise en charge des classes III. Sans traitement, le sujet en classe III présente un torque maxillaire excessif et découvre majoritairement les incisives mandibulaires, signe qui s’accentue avec l’âge. L’orthopédie fonctionnelle permet de restaurer le caractère esthétique du sourire par protraction maxillaire (parfois provisoirement car 20 % des cas auront quand même besoin d’une chirurgie). Selon la sévérité initiale du cas (−4,5 mm d’AoBo constitueraient la valeur seuil), les options sont la compensation ou la correction chirurgicale. Dans les deux cas, le profil est amélioré, mais sans pour autant obtenir une normalisation des valeurs céphalométriques. Ces dernières années, les publications de cas traités par compensations (souvent par ancrage osseux) se sont multipliées avec des indications plus larges, en particulier pour les patients asiatiques pour lesquels la chirurgie de Le Fort I donne des résultats esthétiques discutables. L’attention doit alors être portée sur la bascule du plan d’occlusion, laquelle altère le sourire par la visibilité des incisives mandibulaires. Néanmoins, la chirurgie permet de gérer les cas les plus sévères avec une proportion d’amélioration plus importante. Objectif : L’objectif de cet article est de rechercher, par l’analyse de la littérature, les valeurs limites céphalométriques pour un sourire acceptable des patients en classe III. Matériels et méthodes : Nous avons effectué une recherche sur Pubmed à partir de mots clés : class III, anterior cross bite, smile, camouflage, orthognathic surgery, puis secondairement à partir des références fournies par les articles trouvés et avons analysé les données. Résultats : Le protocole ortho-chirurgical associé aux extractions de premières prémolaires maxillaires serait le moyen d’obtenir les meilleurs résultats en termes de sourire (versus la chirurgie sans extractions et versus les compensations orthodontiques) car c’est, en effet, le seul moyen de rétablir une position et un torque normalisés des incisives maxillaires, ce qui augmente leur visibilité lors du sourire.

Le cinéma en Asie a montré dès l'origine des particularités. Les japonais Ozu, Muzoguchi, Kurosawa : les Honkongais King Hu, Chang Che ont dès les années 50 et 60 attiré l'attention. L'occidentalisation, dont la diffusion du cinéma faisait partie, a désamorcé l'essentiel des tentatives originales des cinéastes d'Asie. La crise du modèle occidental des années 80 et 90, et l'émergence en Corée du Sud d'une cinématographie unificatrice, ont permis aux cinémas d'Asie de rendre intelligibles leurs conceptions du spectacle cinématographique. Les modes de représentations sont en discussion, de même que les logiques de création et les idéologies qu'elles colportent, dans le travail de cinéastes honkgongais comme John Woo, Tsui Hark, Wong Kar-Wai, dans celui des coréens Hong Sang-Su, Lee Kwang-Mo, Kim Sang-Soo, dans celui des taiwanais Tsaiming-Liang, Hou Hsiao Hsien, Edward Yang et des Japonais Tsukamoto, Kurozawa, Shinya et Otomo. Cette thèse rappelle ce qui a pu distinguer l'esthétique des cinémas asiatiques depuis les origines jusqu'à l'émergence actuelle. A travers la reformulation des modèles de représentations et les thèmes du Héros, du Temps, de l'Imaginaire et de la Jeunesse, elle vise à définir et analyser cete proposition esthétique qui rejoint par bien des aspects les recherches avant-gardistes occidentales.

Dans la dernière dizaine années du 19ème siècle, les créations de Lugné-Poe et d’Antoine expérimentent de nouvelles esthétiques de représentation et voient dans la mise en scène l’essence de la création théâtrale. Le metteur en scène devient lui-même auteur, au point de jouer parfois un rôle prédominant. Tout au long du 20ème siècle, cette évolution de la mise en scène, en s’accélérant parfois brutalement, a pu atteindre une certaine anarchie. C’est pourquoi l’esthétique de la tradition scénique orientale, qui passe par des formes artistiques reproductibles, voire stéréotypées, a pu fournir des repères et des garde-fous. Paul Claudel est le premier à en avoir une réelle connaissance grâce à ses longs séjours en Asie. Il intègre les traditions, les cultures et les philosophies orientales dans son écriture théâtrale, et propose une nouvelle forme épique et lyrique de la dramaturgie, comme dans Le Soulier de satin et Christophe Colomb. Dans une proposition de théâtre symboliste, il met en scène de véritables poèmes reflétant sa cosmologie et sa vision poétique, en réalisant pratiquement le « théâtre total » dont rêve Jean-Louis Barrault. Au début du 20ème siècle, plusieurs expositions coloniales introduisent l'Orient en Occident. Elles donnent aux Occidentaux l'occasion d'un contact direct avec les traditions scéniques orientales. Les jeux formalistes, sacrés et esthétiques, de la poésie symbolique, séduisent les intellectuels et les artistes. En particulier, les représentations de Sada Yacco et Mei Lan-Fang déclenchent l’enthousiasme. Les théoriciens-metteurs en scène sont passionnés par les jeux expressifs et métaphoriques de leurs corps robustes, agiles et bien proportionnés, par leurs attitudes modérées et discrètes, tous façonnés selon la tradition séculaire orientale. Bien qu'il y ait des nuances entre les divers théâtres asiatiques, on les regroupe sous la dénomination usuelle de « théâtre oriental ». C'est la raison pour laquelle nous avons analysé à la fois les chocs provoqués par les trois grands événements qu’ont été, en Europe, successivement la visite de la troupe de Sada Yacco en 1901, l’Exposition Coloniale en 1931, et l’arrivée de Mei Lan-Fang en 1935, sur le théâtre occidental, mais aussi les origines et les caractères communs des théâtres asiatiques .Dès lors que les artistes innovants découvrent le théâtre oriental, ils sont subjugués par l’authenticité de sa théâtralité et l’opposent au théâtre occidental, dont ils dénoncent les défauts de la convention théâtrale. Les traditions scéniques orientales leur présentent des esthétiques paradoxales : des embellissements dépouillés mais enrichissants sur le plan métaphorique, des jeux artificiels stylisés mais révélant les détails réalistes, des créations contraintes par la tradition mais libérées par le talent des artistes, des représentations courtes mais requérant un long temps d’apprentissage, un seul art théâtral intégrant divers arts. Se référant à ces formes caractéristiques orientales, Craig cherche à trouver une « forme définie », Meyerhold tend à établir une nouvelle convention de théâtralité, Brecht approfondit sa théorie et son écriture visant à l'effet de la « distanciation » et Artaud désire « en finir avec les chefs-d’œuvre » et faire parler le propre langage scénique. Après ces innovateurs qui ont découvert la source de l’Orient, les metteurs en scène suivants, tels Grotowski, Barba, Brook et Ariane Mnouchkine, orientent leur recherche spirituelle et introspective vers l'Orient, en engendrant leur propre esthétique réalisée par la pratique. De la sorte, cette dernière ne relève plus d’une unique tradition orientale ou de la convention occidentale, mais d’une fécondation née de leur appropriation de l’Orient mêlée à leur propre personnalité, leur « tribu » et leurs préférences culturelles
In the last decade of the 19th century, works of Lugné-Poe and Antoine experiment a new aesthetic representation and search the essence of the theatrical invention in the mise en scène. The director (metteur en scène) becomes the author; toa certain extent, sometimes, s/he takes the predominant role. Throughout the 20th century, the evolution of the directing (mise en scène) accelerates abruptly and it is so violent and sometimes it reaches to a state of anarchy. This is why the aesthetics of oriental scenic tradition, which goes through reproducible art forms, even stereotypical, could provide beacon and safeguards.Paul Claudel is the first person who acquires knowledge about the Orient due to his long stays in Asia. He incorporates the oriental traditions, cultures and philosophies in his playwriting, and proposes new epic and lyric forms in theater, likeone sees in The shoe of satin and Christophe Columbus. Proposing a symbolist theater, he had staged real poems which reflect his cosmology and his poetic vision. Claudel had achieved what Jean-Louis Barrault dreamed of -the "total theater."In the early 20th century, several colonial exhibitions introduced the East to the West. They gave Westerners an opportunity of directly absorbing the oriental scenic tradition. The formalists acting— sacred and aesthetics— in symbolic poetry attractsintellectuals and artists. Particularily, the representations of Sada Yacco and Mei Lan-fang were most enthusiastically received. The theoretical directors were passionate about the expressive and metaphorical acting of their robust,well-proportioned yet flexible bodies, about their moderate and discreet attitude, which were shaped by the ancient Eastern traditions. Although there were slight differences among various Asian theaters, they were grouped under the common name of "Oriental Theatre". In this sense, I would like to analyze the impacts caused by three major events of the western theater history in Europe: the successive visitings of troupe Sada Yacco in 1901, the Colonial Exhibition in 1931, and the arrival of Mei Lan-Fang in 1935. At the same time, we should trace the origins and common characteristics of Asian theaters.When the innovative artists discovered the eastern theater, they were overcame by the authenticity of its theatricality and they mirror the Western theater in opposition to the Eastern theater, in which they denounce the shortcomings of Westerntheatrical convention. The oriental scenic tradition shows them the paradoxical aesthetic: (1) unornamented decoration yet enriching in the metaphorical layout; (2) stylized artificial acting but realistic-details revealing; (3) short performance butrequiring long-term training; (4) creations constrained by tradition but set free by the talent of artist; (5) one theatrical art integrating various arts.Referring to these oriental characteristic forms, Craig seeks to find a "definite form", Meyerhold tends to establish a new convention of theatricality. As for Brecht, he goes further into developing theory, and his writing aims to produce the effect of"alienation." Artaud, on the other hand, wants to "terminate the masterpieces" and allow real stage language to speak for itself.After these pioneers who discovered sources from the Orient, directors who follow these doctrines such as Grotowski, Barba, Brook, and Ariane Mnouchkine turn their spiritual search and introspective towards the Orient, in hopes of generating their own aesthetics which could be realized in practice. Therefore, their creations reflect not merely Eastern traditions nor do they apply only Western conventions, but they are fertilized and born out of their appropriation to the Orient, mingled with these directors’ own personality, their "tribe" and their cultural preferences

Depuis « l’ère de la mondialisation », le monde occidental s’est vivement engagé dans la découverte de nouvelles cultures du monde dans le domaine des arts visuels. En effet, il est devenu la norme de valoriser la diversité du monde et le relativisme culturel parce que les cultures perçues comme authentiques développeraient des valeurs esthétiques et économiques considérables grâce à leur aspect original, singulier et pittoresque. Même si l’on ne peut pas réellement saisir toutes les nuances de la culture d’un pays éloigné, nous pouvons malgré tout esquisser une image plaisante de ce pays dans notre imagination, notamment grâce aux médias qui dépeignent aujourd’hui les paysages du monde à travers des images « typiques ».Par conséquent, les artistes des pays « périphériques » essaient de valoriser les attentes du monde occidental dans leurs créations, en espérant ainsi pouvoir s’intégrer dans le réseau mondial dominé par quelques pays qui se sont désormais positionnés en « leaders ». Ces artistes conçoivent, en effet, des stratégies de communication afin de favoriser la diffusion de leurs œuvres sur la scène internationale : ils représentent leurs identités culturelles dans leurs propres créations artistiques d’une manière stéréotypée facilement identifiable pour les pays occidentaux. Le pluralisme « postmoderne » influence ainsi considérablement la création des œuvres des artistes issus des pays périphériques, en mettant en scène et en valeur tout ce qui est spécifiquement typique, c’est-à-dire local et original
Ever since the era of globalization began, the Western world has been strongly engaged in the discovery of new cultures of the world, in the field of the visual arts. Indeed, it has become the norm to value diversity and cultural relativism because cultures perceived as authentic can develop considerable aesthetic and economic value from their unique and picturesque features. Even if we cannot really understand all the cultural characteristics of a far-off country, we are still able to sketch a pleasant and attractive image of this place in our imagination thanks to the mass media, which repeatedly presents these landscapes through "typical" images.As a result, artists from "peripheral" countries are trying to meet the Western world’s expectations in their work, hoping in this way to break into a global system where some countries are positioned as "leaders". These artists devise communication strategies to promote their works on the international art scene; they represent their cultural identity in their artwork in a stereotypical and easily recognizable way to the West. Postmodern pluralism considerably influenced these artists’ work, whilst focusing attention on everything that is typically “local” and “original”

Ayant réalisé neuf longs-métrages entre 1988 et 2007, aussi que plusieurs campagnes publicitaires, vidéo-clips, courts-métrages et projets collectifs, Wong Kar-wai est un des réalisateurs contemporains les plus importants actuellement. Issu de l'industrie cinématographique fortement commerciale de Hong Kong, Wong est parvenu à attirer l'attention du circuit international des festivals de cinéma avec son style visuel unique et son récit fragmenté. Considéré par plusieurs critiques comme le poète de la recherche d’identité de Hong Kong après 1997, Wong Kar-wai défie toutes les tentatives de catégorisation. L’étude qui se poursuivit ici a donc pour objet essentiel de fournir une analyse attentive et complète de son oeuvre, tout en se concentrant sur les traits stylistiques qui donnent à ses films une unité. Ces caractéristiques correspondent à une certaine façon de raconter des histoires, de composer des personnages et des récits, de manipuler le temps et d'utiliser des ressources techniques de sorte que ses films offrent une identité cohérente. L'objectif est d'analyser les différents composants de ses images pour découvrir comment ses films communiquent les uns avec les autres afin de créer une identité unique. Pour atteindre cet objectif, je pose comme hypothèse de travail que le cinéma de Wong est marqué par une structure dualiste qui permet à ses films de présenter des qualités contradictoires simultanément. La plupart de mes arguments se concentrent sur le travail du philosophe français Gilles Deleuze, qui a proposé une théorie du cinéma divisé entre l’image-mouvement et l’image-temps. Je considère que sa théorie fournit un cadre valide sur lequel les films de Wong peuvent être projetés. Tandis que ma recherche se concentre sur l’interprétation textuelle des films, je profiterais également d’une analyse comparative.
With nine feature films released between 1988 and 2007, as well as several advertising campaigns, music videos, short films and collective projects, Wong Kar-wai is one of the most important contemporary filmmakers currently working. Hailing from Hong Kong’s highly commercial film industry, Wong has managed to attract the attention of the international film festival circuit with his visual style and fragmented narrative. Considered by many critics as the poet of Hong Kong’s quest for identity post 1997, his cinema defies every attempt of standardization. The main goal of this study is to provide an attentive and comprehensive study of his body of work, concentrating on the stylistics traits that make his films part of a coherent unity. These characteristics correspond to a certain way of telling stories, of composing situations and characters, of manipulating time and the use of technical resources so that his films offer a coherent identity. The objective is to analyze the different components of his images, to show how his films communicate with each other in order to create something unique. To achieve this objective, I put forward the hypothesis that Wong’s cinema is marked by a dualistic structure that allows his films to present opposite qualities at the same time. Most of my arguments are based on the thoughts of French philosopher Gilles Deleuze, whose own dualistic theory of cinema presented in his books Cinema 1: the movement-image and Cinema 2: the time-image, provides a valid framework upon which Wong’s films can be projected. While the research concentrates on the textual analysis of films, I will also benefit from comparative analysis and additional disciplines.