Teses / dissertações: "Circuito de Arte Contemporânea"

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Gasparetto, Débora Aita. "ARTE DIGITAL E CIRCUITO EXPOSITIVO: UM CURTO EM TORNO DO FILE". Universidade Federal de Santa Maria, 2012. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/5209.

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Resumo:

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The objective of this research is to discuss the expositive circuit of digital art in contemporaneity, verifying how digital art is articulated, what its particularities are and how it fits in the art circuit. This route is based on the experiences in FILE (Electronic Language International Festival), in the São Paulo 2010 and Porto Alegre 2011 editions, in addition to visits to its virtual environment. This is the most representative event of its kind in Brazil and Latin America, a festival with international projection, which allows discussing the matter. To develop a research about art, it is used a qualitative approach. This is established from a literature survey; field research on spaces in loco and virtual environments of the FILE; interviews with one of the idealizers of the event, Paula Perissinotto, and some artists who have excelled in the course of the festival, among them, Anna Barros, Guto Nobrega and Yara Guasque; in addition to a research by the virtual environments of other spaces and festivals that move the exposition circuit of digital art. Are also conducted visits to some of the major events that discuss the production in Brazil, observing their dissemination strategies and analyzing how they debate, disseminate, exhibit, preserve and commercialize digital art. All these instruments allows to think the digital art in the exposition circuit, reflecting on the observations analyzed around FILE. Thus, the proposal of this dissertation is intended to bring a contribution to the field of history, theory and critical of contemporary art through a study based on recent changes in society, provided by communication, science and technology, which reflects in the relationship between the public, work, artists, institutions and expositive circuits.
O objetivo desta pesquisa é discutir o circuito expositivo da arte digital na contemporaneidade, verificando como se articula a arte digital, quais são suas particularidades e como se insere no circuito da arte. Este percurso tem como base as experiências vivenciadas no FILE (Festival Internacional de Linguagem Eletrônica), nas edições São Paulo 2010 e Porto Alegre 2011, além das visitas realizadas ao seu ambiente virtual. Este é o evento mais representativo do gênero, no Brasil e na América Latina, um festival com projeção internacional. Ao tecer uma pesquisa sobre arte, utiliza-se uma abordagem qualitativa. Isto se estabelece a partir de um levantamento bibliográfico; da pesquisa de campo aos espaços in loco e ambientes virtuais do FILE; de entrevistas, com uma das idealizadoras do evento, Paula Perissinotto, e alguns artistas que se destacaram no percurso do festival, entre eles, Anna Barros, Guto Nóbrega e Yara Guasque; além de uma pesquisa pelos ambientes virtuais de outros espaços e festivais que movimentam o circuito expositivo da arte digital. Também são realizadas visitas a alguns dos principais eventos que discutem a produção no Brasil, observando suas estratégias de disseminação e analisando como debatem, expõem, preservam e comercializam a arte digital. Todos estes instrumentos permitem pensar a arte digital no circuito expositivo em torno do FILE. Assim, a proposta desta dissertação tem a intenção de trazer uma contribuição para o campo da história, teoria e crítica da arte contemporânea, por meio de um estudo baseado nas mudanças recentes na sociedade, proporcionadas pela comunicação, ciência e tecnologia, as quais refletem nas relações entre público, obras, artistas, instituições e circuitos de exposição.

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Bertolossi, Leonardo Carvalho. "Arte enquadrada e gambiarra: identidade, circuito e mercado de arte no Brasil (anos 80 e 90)". Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/8/8134/tde-06082015-133310/.

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Resumo:

Essa tese é uma etnografia das ideias, práticas, histórias, memórias, teorias nativas, conflitos, desigualdades, imaginações e experiências de artistas, críticos, curadores, galeristas e colecionadores brasileiros ao longo dos anos 80 e 90. Embora o escopo temporal e espacial oscile, ancoramo-nos nas cidades do Rio de Janeiro e de São Paulo, e na interseção entre o circuito e o mercado primário de arte contemporânea brasileira nestas décadas. O trabalho aborda diversos temas e problemas acessados através do meu campo em galerias, museus, bienais, bibliotecas, arquivos públicos e privados, cursos de história da arte e depoimentos. Dentre os objetos tangenciados, se destacou: o retorno internacional à pintura, a invenção da geração 80 e sua relação com o mercado; as exposições Primitivism in the Twentieth Century no MoMA, em Nova York, em 1984, e Magiciens de la Terre, no Centre Pompidou, na França, em 1989; a redescoberta do corpo, do eu e da narrativa nos anos 90; a arte abjeta e suas principais exposições internacionais; a Bienal de São Paulo Antropofágica de 1998; a internacionalização da arte brasileira na Europa, Estados Unidos e América Latina; a trajetória e as contendas entre diferentes gerações de galeristas no Brasil; a entrada do empresariado e dos bancos na política cultural; e, sobretudo o estatuto da arte brasileira e latino-americana diante da globalização. Desde a Escola Fluminense de Pintura, passando pelo Modernismo, pelo Neoconcretismo, pela Tropicália até o período em destaque neste trabalho, o sistema artístico brasileiro e seus personagens se questionaram sobre uma arte genuinamente brasileira. A antropofagia foi novamente mobilizada como alternativa às hierarquias de poder e imposições euro-americanas, sobretudo na Bienal Antropofágica de 1998. Mas quando todos são canibais, quem canibaliza quem? Oswald de Andrade ou Montaigne? Minha hipótese é a deformação da questão em direção à superação do problema da representação para o da presença, a partir da filosofia deleuziana sobre a experiência barroca. Superar a antropofagia em favor do barroco de modo a imaginar outro conceito de criação que conceba a invenção da diferença através de uma exterioridade em contínua descontinuidade, devires, dobra que se desdobra, antropofagia e regurgitofagia, dentro e fora, figura e fundo, interpretação e contrainterpretação, arte enquadrada e gambiarra.
This thesis is an ethnography of the ideias, practices, histories, memories, native theories, conflicts, inequalities, imaginations and experiences of Brazilian artists, critics, curators, art dealers and art collectors throughout the 1980s and 90s. The temporal and spacial breadth covered oscillates; we have, however, decided to focus the cities of Rio de Janeiro and São Paulo, and the intersection between the contemporary art circuit and its market through fieldwork done in galleries, museums, bienals, libraries, public and private archives, courses on art history, and testimonials. Between the many objects described, an emphasis is made on the international return to painting; the invention of the 80s generation and its relations to the market; the exhibitions Primitivism in the Twentieth Century (MoMA, New York, 1984) and Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, Paris, 1989); the rediscovery of body, self and narrative during the 1990s; abject art and its main international exhibitions; the Anthropophagic Bienal of São Paulo (1998); the internationalization of Brazilian art in Europe, United States and Latin America; the trajectories and quarrels between different generations of art dealers in Brazil; the introduction of the entreprenurial and financial classes into cultural policies; and, above all, the status of Brazilian and Latin American art in a globalized context. From the Fluminense school of painting, through Brazilian Modernism, Neoconcretism, Tropicália, to the period emphasized in this work, the Brazilian artistic system and its characters have put a genuinely Brazilian art into question. Anthropophagy has been newly engaged as an alternative to euro-american power hierarchies and impositions, especially in the Anthropophagic Bienal of 1998. Nevertheless, when everyone is a cannibal, who cannibalizes whom? Oswald de Andrade or Montaigne? My hypothesis is the deformation of that matter, overcoming the problem of representation towards that of the presence, drawing on the deleuzian philosophy of the baroque experiments. Overcoming anthropophagy in benefit of the baroque is a way of inventing a different concept of creation, one that conceives the invention of difference through an exteriority in continued discontinuity, becomings, foldings that unfold, anthropophagy and regurgitophagy, inside and outside, figure and ground, interpretation and counter interpretation, framed art, and improvisation.

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Moreira, Junior Roberto. "Práticas artísticas contemporâneas: articulação entre as diferentes esferas do circuito". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2007. http://tede.udesc.br/handle/handle/740.

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Resumo:

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Roberto moreira.pdf: 3725568 bytes, checksum: f594550d76b5ceb543f47b338ec8673e (MD5) Previous issue date: 2007-08-22
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
A dissertação de mestrado Práticas Artísticas Contemporâneas:articulação entre as diversas esferas do circuito compreende de descrição e análise de atuação no circuito de arte empreendida por ações artistícas, ações curatoriais e ações críticas, tendo em vista as diferentes posições que vêm tomando desde o princípio da década de 1960. Os mecanismos que desenvolvem práticas para expandir as atividades institucionais são versões possíveis de uma estrutura insatisfatória. O que move a maioria dos projetos aqui abordados é uma necessidade de criar espaços de discussão para produção artística, configurando e constituindo um circuito. Tais práticas, sejam vinculadas a instituições ou não, formam um importante núcleo de atividades que desencadeiam outras possibilidades de leitura, entendimento e circulação de arte, estabelecendo zonas temporárias de intercâmbio por meio de proposições artísticas tais como: publicações, exposições, seminários, encontros, palestras, passeios, viagens, entre outros. A ação de reunir, negociar, produzir, organizar e difundir, envolve etapas imprescindíveis que se tornaram práticas recorrentes no atual circuito de arte. Aquela posição do artista que produz em seu ateliê, longe dos processos que antecedem a publicação/exposição/recepção de sua obra, não é mais a única condição. A hibridização das funções entre artista - curador - critico - agenciador - professor - etc, são princípios para se pensar a produção artística na atualidade. Neste sentido, insiro minha própria produção de artista, como um deflagrador de situações e processos que dizem respeito às relações híbridas da contemporaneidade. As múltiplas possibilidades existentes neste contexto fizeram com que os trabalhos realizados durante a pesquisa, estivessem sempre no limite, tencionando a permissividade frente ao circuito

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Fernandez, Alexandre Marino. "Circuito alterado em três atos: abrir, tatear e multiplicar". Universidade de São Paulo, 2013. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27157/tde-28012014-161653/.

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Resumo:

Nesta pesquisa analiso as metodologias de luteria experimental chamadas Circuit-Bending e Hardware Hacking, as quais englobo no termo Circuito Alterado, criado especificamente para este trabalho. Tais metodologias baseiam-se na construção de aparelhos musicais a partir da reutilização de componentes eletrônicos descartados. O principal objetivo desta dissertação é estabelecer relações contextuais entre os três atos fundamentais envolvidos na alteração de circuitos - abrir o circuito, tateá-lo em busca de sonoridades interessantes e multiplicar a metodologia, através de concertos, blogs e/ou oficinas - e questões culturais relacionadas a cada ato.
On this research I analyze the experimental luthier methodologies called Circuit-Bending and Hardware Hacking, which I call Circuito Alterado (Altered Circuits). This methodologies are based in the construction of musical instruments from the reuse of obsolete electronic components. The main goal of this dissertation is to establish contextual relationships between the tree acts involved in the methodologies - to open-up the circuit, to touch it, in the search of interesting sonorities and to multiply it, through concerts, blogs and/or workshops - and cultural issues related to each act.

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Pitol, André Luis Castilho. "Ask me to send these photos to you: a produção artística de Alair Gomes no circuito norte-americano". Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-15032017-151252/.

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Resumo:

\"Ask me to send these photos to you\" tem como foco principal a produção fotográfica realizada por Alair Gomes durante as décadas de 1970 e 1980 nos Estados Unidos (EUA). As análises abarcam o ensaio The Balcony (a photo portfolio), publicado na revista Performance, em 1971; a participação no livro de artista Artists Almanac, em 1975; o ensaio Carnival in Rio: a photo essay, que fez parte de Gay Sunshine - Journal of Gay Liberation em 1979 e, finalmente, as suas fotografias que estiveram presentes nas revistas The Advocate, em 1983 e em Advocate MEN, em 1987. O conjunto dos cinco trabalhos obteve uma circulação pública efetiva tanto no meio das artes quanto no de uma homossociabilidade norte-americana. Ele apresenta uma série de elementos formais e estruturais que caracterizam esta produção de Alair Gomes, como a sequencialidade de múltiplas imagens fotográficas e o suporte impresso como espaço de produção do trabalho de arte. A proposta foi a de realizar uma leitura sobre a produção de Alair Gomes que amplie o relação estabelecida entre a sua fotografia e o homoerotismo, destacando a aproximação do fotógrafo de agentes e instituições dos campos científico, universitário e cultural, tanto carioca quanto norte-americano. Essa multiplicidade de pontos de contato elemento-chave da nossa proposta de análise, pois incidiu sobre os caminhos artísticos de sua produção fotográfica.
\"Ask me to send these photos to you\" is mainly focused on the photographic work of Alair Gomes during the 1970s and 1980s in the United States (US). The analyses include the essay The Balcony (the photo portfolio), published in magazine Performance in 1971; a participation in artist\'s book Artists Almanac in 1975; the essay Carnival in Rio: a photo essay which was part of Gay Sunshine - Journal of Gay Liberation in 1979 and finally his photos that were shown in the magazine The Advocate in 1983 and Advocate MEN in 1987. The five papers obtained an effective public circulation both in the form of art as well as in the circulation within the American homosociability. It features a series of formal and structural elements that characterize the work of Alair Gomes, like the sequential and multiple photographic images and print media as the space for producing the artwork. Our proposition was to perform a new reading of the work of Alair Gomes to broaden the relationship established between his photographs and the homoeroticism, highlighting his approximation to agents and institutions within the scientific, academic and cultural fields in Rio and the US. This multiplicity of contacts between these key points is the object of our analysis, as we focused on the artistic paths of his photographic work.

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Bosco, Maria Cristina. "O ensino da Arte Contemporânea". Universidade de São Paulo, 2011. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-11072012-124749/.

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Resumo:

Este trabalho disserta sobre o ensino da arte contemporânea a partir de duas questões básicas: (1) por que se resiste ao ensino da arte atual, e (2) de que forma é possível exercê-lo. O tema proposto divide-se em cinco capítulos. O primeiro deles propõe uma reflexão sobre a união entre arte e educação, os valores resultantes dessa relação e seus objetivos. No segundo capítulo, são abordadas as heranças e as influências provenientes da Europa e da América do Norte, que contribuíram para a formação do ensino de arte no Brasil durante o período de 1816 a 1960. Em seguida, a pesquisa apresenta teorias contemporâneas do ensino da arte ainda sob a influência estrangeira, entre os anos 1960 e 1990. No Capítulo III, passamos aos fundamentos e conceitos de cultura e arte contemporânea para que, a partir deles, possamos entender o nosso tempo e a arte como pontos fundamentais para o pensamento do ensino de arte. O quarto capítulo traz, como exemplo de proposta curricular atual, o novo currículo de arte da Secretaria da Educação do Estado São Paulo para que, por meio de sua análise, possamos desenvolver uma reflexão sobre o ensino da arte contemporânea nas escolas formais. Essa reflexão é apresentada no quinto e último capítulo do presente estudo e não objetiva formular uma metodologia para o ensino de arte contemporânea, mas buscar aproximações e elaborar sugestões que possam auxiliar o educador de arte em sua prática de sala de aula.
This dissertation is a research study concerning teaching practices of Contemporary Art in Brazil and it was based on two major issues: (1) why is it that Art Professors still struggle when it comes to teaching Contemporary Art?, and (2) which are the teaching strategies to help them in their classroom practices? This theme has been divided into five chapters. The first chapter proposes some reflection concerning the association between education and art and looks at the values resulting from this union, as well as its main objectives. In the second chapter, we speak of the foreign heritage and influences from Europe and North America, which have contributed to the introduction of Art teaching in Brazilian schools, during the time between 1816 and 1960. Following that, this research presents the contemporary theories involved in the teaching practices of Art Education, still under foreign influence, between 1960 and 1990. In Chapter III, we move to the basics and concepts of Contemporary Culture and Contemporary Art in order to encourage better understanding of our present time and art, as the key point for deeper reflection on Art Education. The fourth chapter presents the content of the new Arts Curriculum of the Department of Education in the State of São Paulo, as a case study and example of current curriculum, so that, through its analysis, we could develop more thinking on current Contemporary Art teachings in formal schools. This reflection is presented in the fifth and last chapter of this study and does not aim to build a methodology for Contemporary Art teaching but to seek new approaches and offer suggestions which may encourage Art Professors in their classroom practices.

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Nunes, Lilian do Amaral. "Derivações da arte pública contemporânea". Universidade de São Paulo, 2010. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-19082015-113810/.

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Resumo:

Projeto de investigação transdiciplinar com ênfase nas atuais abordagens dialógicas estabelecidas entre arte e esfera pública. Discute o estatuto contemporâneo da Arte Pública e decorrentes hibridizações bem como do museu como espaço de investigação e interlocução artística, com base em ações e experiências processuais e colaborativas. Desenvolve procedimentos inspirados nas práticas museais, tendo os imaginários urbanos como território de análise, confi gurando novas arqueologias da memória urbana contemporânea. Do espetáculo à experiência da cidade, passa-se às diferenças entre visualidade e visibilidade, passa-se da cidade ao lugar. Opera-se uma distinção entre visualidade e visibilidade, entre recepção e percepção, entre comunicação e informação. Em todas essas diferenças se produzem metamorfoses do olhar.
Transdisciplinary research project focused on contemporary dialogic aproach based on art and public sphere. It discusses the role of contemporary Public Arte and current hybridizations as well as the museum as a research\'s space and artistic conversation. It develops procedures inspired on museum practices and it has the urban imaginaries as territories of analyses, confi gurating new archeologys of contemporary urban memory. From the spectacle to the city\'s experience, it pass through differences betwenn visuality and visibility, the city and the site. It operates a distinction between visuality and visibility, reception and perception, communication and information. In all those differences metamorphosys of the look are produced.

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Silva, Elaine Mathias da. "Arte contemporânea em espaço multidisciplinar". Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2012. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/1868.

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Made available in DSpace on 2016-03-15T19:42:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Elaine Mathias da Silva.pdf: 12187224 bytes, checksum: 29f7a16c156ee18771f4defd71a1cf51 (MD5) Previous issue date: 2012-08-02
This research project is aimed at delivering the outcomes of a study on the presence of contemporary works of art in multidisciplinary art exhibition spaces, and the dimensions assumed by them there. These places are unrelated to the neutrality of the white cube a term used to name spaces which are specifically set to host art exhibitions. In order to attain this goal, the development of this research paper is supported by the procedures and initiatives taken to make art exhibitions possible in the spaces previously mentioned, attempting to clarify the relational aspects that have grounded the curatorial actions as well as the artistic poetics which turned out to be part of the institutional collection. In this sense, the function that an institution can fulfill as a mediator space for art is investigated, and the circumstances where the curatorial critical position and bias adopted to select the works of art are made relevant, permeating the instances which articulate the art system: production, communication, reception. The research project is presented as a reflection on the curatorial activity that has involved artistic poetics entirely formulated in relation to multidisciplinary spaces belonging to three SESC s branches in São Paulo city, which started operating between 2010 and 2011 and have been inserting Brazilian contemporary works of art in several places which house its social cultural actions. Its purpose is to assess the art object as a factor of interaction and knowledge, as well as the institution s role in educating the audience on contemporary art.
Esta pesquisa destina-se a apresentar um estudo relativo à presença de obras de arte contemporânea e as dimensões que estas assumem em espaços expositivos de característica multidisciplinar, espaços portanto desvinculados da neutralidade do cubo branco termo que denomina o espaço específico para exposições de arte. Para tanto, a pesquisa tem como subsídio de seu desenvolvimento, os procedimentos e iniciativas realizados para exposição de obras em tais espaços, procurando esclarecer os aspectos relacionais que fundamentaram a ação curatorial bem como as poéticas artísticas que passaram a integrar um acervo institucional.Neste sentido, é investigada a função que uma instituição pode exercer como espaço mediador da arte bem como as circunstâncias que relevam o posicionamento e o viés curatorial e crítico na seleção de obras, permeando as instâncias que articulam o sistema de arte: produção/comunicação/recepção. Apresenta-se como reflexão da atividade em curadoria que envolveu poéticas artísticas formuladas com relação imediata aos espaços multidisciplinares de três unidades operacionais do SESC na capital de São Paulo, as quais iniciaram suas atividades entre 2010 e 2011, inserindo obras de arte brasileira nos múltiplos ambientes que abrigam suas ações socioculturais. Tem como proposição acentuar o objeto artístico como fator de interação, de conhecimento e o papel institucional na formação de público para a arte contemporânea.

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Silva, Patrícia Isabel Bastos. "O quotidiano na arte contemporânea". Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2013. http://hdl.handle.net/10773/11368.

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Mestrado em Criação Artística e Contemporânea
Por quotidiano entende-se aquilo que engloba a rotina, o ordinário, o dia-a-dia. É, no entanto, uma palavra que representa algo muito mais amplo e indeterminável do que se possa conseguir compor numa simples definição, uma vez que é quase impossível a tarefa de conseguir descrever nele tudo o que dele faz parte, de tão ambíguo que pode também ser. Essas suas qualidades de ser ambíguo e indeterminável são valorizadas por alguns artistas desde o início do séc. XX (Johnstone, 2008:15). Os Dadaístas usaram-no para desenvolver uma crítica social em torno de uma cultura que viam marcada por repetitivos e vulgares trabalhos, justificados com a necessidade de produção numa sociedade capitalista que renunciava ao prazer. O presente artigo propõe uma análise da evolução das diferentes formas de uso do quotidiano na arte desde os Dadaístas até aos dias de hoje, tomando como referência alguns artistas contemporâneos que são motivados pelo quotidiano, numa mesma vontade de reformular, de valorizar e não deixar perdido ou fechado, acontecimentos, objetos e experiências vividas. Ajudando no atenuar da barreira entre o público e o privado e acompanhando assim as tendências de uma sociedade onde essa fronteira se torna cada vez mais ambígua.
For everyday can be understood what encompasses the routine, ordinary, daily life, although is always a much more complex word that represents something indeterminable and, the simple task of describes everything that makes part of it, is such ambiguous too. That quality of being ambiguous and indeterminable is prized by some artists since the beginning of the XX century (Johnstone, 2008:15). The Dadaists developed a social critique about the culture, because for them the modern daily life was marked by repetitive and vulgar works, justified by the need to produce a society which stated capitalist, in a clear renunciation of pleasure. This study proposes an analysis of the evolution of different forms of using everyday in art since the Dadaists till today. Referring few contemporary artists who are motivated by everyday life and for what he gives us, in the same willingness to reshape, to value and not let lost or closed events, objects and experiences. The barrier of public and private becomes increasingly blurred, following as well the demands of a society increasingly exposed.

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Gurgel, Thais Macedo. "Exposição e texto na arte contemporânea". Universidade de São Paulo, 2013. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/48/48134/tde-03122013-134630/.

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Resumo:

Os textos apresentados nas exposições de arte são importantes recursos de mediação nesse ambiente. Este trabalho faz uma aproximação a essa produção textual, usualmente desenvolvida pela curadoria e que se constitui como o principal canal de comunicação entre o realizador da mostra e o seu público. Em especial, há a preocupação em compreender a dinâmica de relações proporcionada pelo uso de textos em exposições de arte contemporânea, cuja recepção estética pressupõe a participação do espectador. A partir de exposições e textos tomados como exemplares, busca-se delinear as formas mais comuns desses escritos, bem como regularidades em termos de conteúdo. Um panorama histórico do uso de textos em museus de diferentes partes do mundo também ajuda a situar as demandas por essas produções textuais e o seu emprego ao longo do tempo. Propõe-se, por fim, o texto de exposição em interação com os demais elementos do espaço expositivo como a expressão de um entendimento sobre a função educativa da exposição, a julgar pela forma de endereçamento assumida em relação ao visitante.
The texts shown in art exhibitions are important resources for mediation. The present thesis overlooks this textual production, which is usually written by the curators and is commonly the main source of communication between the exhibit producer and its audience. In particular, there is a concern on understanding the dynamics provided by the use of texts in contemporary art exhibitions, which aesthetic response requires viewer participation. From exhibitions and texts taken as examples, we seek to outline the most common forms of writing in art spaces, as well as content patterns. A historical overview of the use of texts in museums in different parts of the world also adds to place the demands for this textual production and its use over time. Finally, it is suggested that text interacting with other elements in the exhibition room express an understanding of the educational role of the exhibition, considering the way to address the spectator.

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Rached, Lisete Hanna. "Centro de Arte Contemporânea Inhotim - Caci". Universidade de São Paulo, 2014. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/16/16133/tde-12092014-102122/.

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A presente dissertação de mestrado analisa o Centro de Arte Contemporânea Inhotim - Caci, um espaço que oferece transformações espaciais e culturais por meio da complexa relação entre arquitetura, arte e paisagem. O Caci expõe um conjunto ímpar de arte contemporânea e de plantas tropicais, que convivem com pavilhões assinados, em grande parte, por jovens arquitetos. Embora o Caci seja um centro de arte contemporânea, a arte não é sua única protagonista. Além da arte, arquitetura e paisagismo coexistem de forma harmônica. No entanto, a importância de cada componente e como cada um impacta no ambiente são temas que ainda não foram completamente explorados. De forma geral, a análise dos três eixos do Caci, arquitetura dos jovens arquitetos, a exuberante paisagem tropical e as obras exponenciais dos artistas consagrados, têm a finalidade de identificar e avaliar os possíveis conflitos que cada componente exerce sobre o outro e sobre o ambiente. Paralelamente, verifica-se o papel da arquitetura praticada no lugar e se esta possui um papel secundário. A dissertação divide-se em três capítulos. O primeiro envolve a análise de pavilhões focados na arquitetura local. Os pavilhões são observados como recurso atual para expor arte contemporânea, que envolve a forma, o método de projeto, a escolha do lugar e dos materiais. O segundo capítulo analisa se a arquitetura dos pavilhões está adequada, em relação ao aspecto espaço-temporal, às obras de arte expostas. Por fim, o último capítulo investiga os requisitos que levaram o Caci a receber o título de jardim botânico. Para abarcar a reflexão nos três capítulos, estudos comparativos foram realizados entre pares de projetos concebidos no espaço do Caci. Tais estudos trazem informações importantes sobre os pavilhões, o cenário e os locais adjacentes à área escolhida.
This thesis analyses the Center for Contemporary Art Inhotim (Caci), which is a space that offers spatial and cultural transformations through a complex interrelationship between architecture, art and landscape. In general terms, the Caci exposes an unique set of contemporary art and tropical plants, which can be found alongside pavilions signed largely by young architects. Although the Caci is largely known as a museum that presents contemporary art, there are other important components on display, such as the architecture and the landscape. However, the importance of each component and their impact are areas of study that still remain quite disregarded. The intention is to verify the relationship between the three variables: the architecture of young architects, the tropical landscape, and, finally, the works of established artists in order to check the possible conflicts that each component exerts on the other and on the environment. Additionally, the objective is also to understand the role of the museum\"s architecture and whether such role is secondary. The research is divided into three chapters. The first involves the analysis of pavilions focused on local architecture. These pavilions are seen as a resource for exhibiting contemporary art that involves the project\"s method, the choice of place and materials that are used. The second chapter analizes whether the architecture of pavilions is adequate to the works of art they expose in relation to the spatial-temporal aspect. Finally, the last chapter investigates the requirements which led Caci to receive the title of botanical garden. Such research is based, among other factors, on a comparative analysis with other botanical gardens in Brazil. Along the way, comparative studies were performed between pairs of projects designed within the Caci. These studies bring important information regarding the pavilions, the scenery and the place nearby the chosen área.

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Mello, Paulo Cezar Barbosa. "Site Specificity na arte contemporânea: Inhotim". Universidade de São Paulo, 2015. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-29062015-151300/.

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Resumo:

O estudo a seguir desdobra as questões de site specificity na arte contemporânea e suas modificações nas três últimas décadas. A compreensão do espaço em arte tomou novas formas não só em função dos espaços e dos discursos artísticos, mas também em função dos novos meios e linguagens. Essas mudanças demandaram alguns acompanhamentos por parte dos espaços expositivos, bem como um novo olhar sobre o que se entende por site specific art. Com base, principalmente nas propostas de Miwon Kwon, o presente material compara as obras de arte contemporânea, tecendo diálogos com as mudanças vistas. Espaços institucionalizados, como Inhotim, dialogam com a noção de site specificic arts, demonstrando as observações sobre site specificity. A pesquisa apresenta esta jornada e fornece subsídios para vislumbrar o espaço da arte contemporânea na segunda década do século XXI.
The following research unfolds site specificity matters on contemporary art and its changes for the last three decades. The comprehension of the space in art had reached new standards, not only due to artistic spaces and discourses, but also for new media and languages. Theses changes demanded some accomplishments at the exhibition spaces as well as new looks over what one understands as site specific art. Upon Miwon Kown premisses this study compares contemporary art works creating dialogs with the modifications already achieved. Institutionalized spaces, such as Inhotim, converse with site specific arts, what reinforces the need for a site specificity stare. The probe validates the jouney and endorses a fresh look over contemporary art on the second decade of the 21st century

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Santos, Sabrina Maurilia dos. "Laura Lima: corpo e arte contemporânea". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2012. http://tede.udesc.br/handle/handle/680.

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Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 sabri.pdf: 3040500 bytes, checksum: e5e29ce0169bb2ffc9b85e1fa7f357dc (MD5) Previous issue date: 2012-10-10
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This dissertation is about some works of artist Laura Lima and the relationships of these works to the theme of the human body in contemporary visual arts. The works will be studied here belong to the artistic production of Laura Lima gives some works in the period of 90 years to the present day. This dissertation takes as its guiding principle the study to the different questions prioritized are some tools to reflect on how the artist works the body in their works. Based on the foregoing, the theory has been prioritized by different authors, and philosophers, critics and art historians as well as an interview with the artist herself in her home / studio in Rio de Janeiro
A presente dissertação trata a respeito de algumas obras da artista Laura Lima e as relações dessas obras à temática do corpo humano nas artes visuais contemporânea. As obras que serão estudadas aqui pertencem à produção artística de Laura Lima no que confere alguns trabalhos do período dos anos 90 até os dias atuais. Esta dissertação toma como fio condutor o estudo no qual, em decorrência dos diferentes questionamentos surgidos a partir de tais trabalhos, priorizaram-se algumas ferramentas para refletir acerca da forma como a artista trabalha o corpo humano em suas obras. Com base no exposto, foi priorizada a teoria de diferentes autores, como filósofos, críticos e historiadores de arte, bem como uma entrevista com a própria artista na sua casa/ateliê no Rio de Janeiro

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Barbon, Lilian Patricia. "O autorretrato fotográfico na arte contemporânea". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2012. http://tede.udesc.br/handle/handle/687.

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Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:51Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lilian2.pdf: 3345748 bytes, checksum: bce81bd804bd436b12e7e520aefc5cdc (MD5) Previous issue date: 2012-12-06
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Investigating the foundations of thought and production of photographic self-portraits, through a literature review and documentary photographic practices that use the self-portrait as a genre and poetic art from the twentieth century, this research aims to analyze how these relate to their productions time, looking for ways to draw a greater understanding of current photographic production, through an analysis and reflection of the content covered. Therefore, we took as a starting point to investigate ways and conceptual and aesthetic concerns of a group of contemporary artists in the exhibition I unfold in Many - A self-representation in Contemporary Photography, part of FOTORIO 2011 - International Meeting of Photography of Rio de Janeiro, which occurred in CCBB - Centro Cultural Banco do Brazil, in the period from May 31 to July 10, 2011, curated by Milton Guran and Joan Mazza, which led to several exhibitions and other developments on the theme.
Investigando as bases de pensamento e produção de autorretratos fotográficos, através de uma pesquisa bibliográfica e documental das práticas fotográficas que utilizam o autorretrato como gênero e poética artística a partir do século XX, a presente pesquisa pretende analisar de que forma essas produções se relacionam com seu tempo, procurando traçar caminhos para uma maior compreensão da produção fotográfica atual, através de uma análise e reflexão dos conteúdos abordados. Para tanto, tomou-se como ponto de partida a investigação de formas e preocupações conceituais e estéticas de um grupo de artistas contemporâneos presentes na exposição Eu me Desdobro em Muitos - A Autorrepresentação na Fotografia Contemporânea, parte integrante do FOTORIO 2011 - Encontro Internacional de Fotografia do Rio de Janeiro, ocorrida no CCBB - Centro Cultural do Banco do Brasil, no período do dia 31 de maio a 10 de julho de 2011, sob curadoria de Milton Guran e Joana Mazza, o que levou a várias outras exposições e desdobramentos sobre o tem

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Regiani, Atila Ribeiro. "Tromp l'oeil: reflexões sobre arte contemporânea". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2008. http://tede.udesc.br/handle/handle/753.

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Made available in DSpace on 2016-12-08T16:19:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 AtilaRibeiroregiani.pdf: 2518398 bytes, checksum: 9c0777c6641e381ddcb213a22e55c281 (MD5) Previous issue date: 2008-12-14
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta dissertação se propõe a investigar as relações entre o trompe l'oeil e a algumas experimentações em arte contemporânea. A análise recai sobre as relações travadas entre o espectador e a obra, retomando o duelo entre Zêuxis e Parrásius, o relato de Giotto enganando seu mestre, dentre outros, bem como a relação que algumas obras recentes impõem ao espectador, obras como After Sherrie Levine de Mandiberg, Sleep de Warhol, 300 toneladas de Sierra, etc. Não se trata de um retorno ao ilusionismo pictórico, ou a formulação de novas formas ilusórias. Contrário a esta leitura, mais freqüente do tema, não se entende o trompe l'oeil como o uso de artifícios pictóricos para exacerbar o ilusionismo, mas como um intrincado jogo de relações. Sendo assim, se analisam algumas características do trompe l'oeil para compreender como estas estão presentes em obras contemporâneas. Estas podem ser definidas como a sobreposição de sentidos e superfícies que geram uma dialética colocada atrás na obra e não nos seus elementos internos. Outra característica é a semelhança, sendo esta uma construção que o trompe l'oeil evidencia como tal, ao propor paradoxos imagéticos, que direcionam o olhar para o processo de fruição, pensando-o. Parte-se do espectador para a análise aqui realizada, pois sua crença inabalável de que aquilo que se vê é 'real' ou 'verdadeiro' é um elemento fundamental dessa fruição. Tal crença inabalável que o leva a tentar adentrar a obra relaciona-se, de certo, com a alucinação psíquica. Todavia, diferentemente desta, o trompe l'oeil ocorre a partir da consciência, e não apesar da mesma. Em sua ironia ou em seu agudo pensamento, abala as crenças na realidade como fato contínuo e no real como instância inabalável

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Cavalcanti, Ana Elizabeth Lisboa Nogueira. "Expressões de religiosidade na arte contemporânea". Universidade Católica de Pernambuco, 2009. http://www.unicap.br/tede//tde_busca/arquivo.php?codArquivo=190.

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The aim of the present study was to discuss the issue of religiousness in contemporary art, addressing the topic from the standpoint of significant experiences and different positions based on data gathered from three visual artists from the state of Pernambuco (Brazil): Luciano Pinheiro, Montez Magno and Renato Valle. The choice of these names was due to their artistic value on a national and international level as well as their previous statements on the issue and the messages often expressed in their respective work, revealing a connection between religiousness and art. Religiousness is considered here as multifaceted and nomadic, whereas art is considered the expression of a personal need to reveal what is most profound in the human being. Data were gathered from semi-structured interviews. The artists recognize that religiousness is strongly present in some of their works of art. They believe that religion currently exhibits a plural, fragmented and syncretic from and has undergone changes due to globalization, which has led to an accentuated individualism and the emergence of hybrid religions adapted to individual taste. The present study allows merely an initial glance at the topic. Further studies are needed in order to elucidate all aspects involved in such a complex issue.
Pensar o tema Expressões de Religiosidade na Arte Contemporânea, a partir de dados coletados com os artistas plásticos pernambucanos Luciano Pinheiro, Montez Magno e Renato Valle constitui o escopo deste trabalho, como uma forma de abordar a questão a partir de vivências significativas e diferentes posicionamentos. A escolha desses nomes equivaleu ao reconhecimento de seu valor artístico, em nível nacional e internacional, por seus pronunciamentos anteriores sobre o tema e pelas mensagens muitas vezes expressas nas respectivas obras, revelando uma ligação com o tema religiosidade e arte. A religiosidade aqui pensada como. multifacetada, nômade, a arte sendo a expressão de uma necessidade pessoal de revelar o que vai no mais profundo do ser. Os dados foram coletados em entrevista semiestruturada. Nas entrevistas, os artistas reconhecem que a religião e a religiosidade estão fortemente presentes em algumas de suas obras. Consideram que a religião, em nossos dias, se apresenta de forma plural, fragmentada e sincrética, e sofre muitas modificações por conta da globalização, que provocou um acentuado individualismo, fazendo surgir religiões híbridas para se adaptar ao gosto de cada um. Este trabalho permite apenas um vislumbre inicial do assunto, sendo necessário realizar novos estudos, a fim de elucidar todos os aspectos envolvidos em tão complexa problemática.

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Nunes, Edna Mara de Moura. "Desdobramentos da impressão na arte contemporânea". Universidade Federal de Minas Gerais, 2003. http://hdl.handle.net/1843/JSSS-86HPUD.

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This thesis contains an investigation into printing and the impact of thismedium on contemporary art. To write it, I based myself on my own experience both as an artist and an educator. Considering my artistic work still in a stage of development, I relinquished confronting it directly and opted instead for making the object of my study the printing process as used in a corpus of investigation work by artists whose printing processes run parallel to mine. This corpus comprised a workpiece by each of the following artists: Jean Dubuffet, Robert Rauschenberg, Luciano Fabro and Giuseppe Penone. I looked into the printing process used in the production of each of the said work pieces, trying to detect possible similarities between them while focusing mainly on their particularities. The said art pieces guided me in my effort to build a theoretical thought, working as interlocutors in a dialogue with a pre-established theoretical field comprised of texts written by Didi-Huberman for the catalogue of LEmpreinte and Walter Benjamins text titled The work of art in the time of mechanical reproduction. These texts allowed me to reflect on the expansion of the printing concept, on its anachronistic character and also on the issue of the technical reproducibility of an image. Based on an expanded concept of printing, I correlated the above art pieces to other media, such as drawing,engraving, sculpture and painting, considering them from their opening power or within an expanded field as done by Rosalind Krauss with respect to American sculpture in the 1970s.
Esta dissertação apresenta uma investigação sobre a Impressão e seus desdobramentos na arte contemporânea. Para estruturá-la, parti da minha própria experiência como artista e educadora. Por considerar minha produção artística em processo, não a confrontei diretamente, mas optei por estabelecer a Impressão como objeto de pesquisa, tomando como corpus de investigação artistas que utilizam procedimentos de impressão que tangenciam meu trabalho. Esse corpus foi composto de uma obra específica de cada um dos seguintes artistas: Jean Dubuffet, Robert Rauschenberg, Luciano Fabro e Giuseppe Penone. Investiguei como a Impressão se dá em cada uma dessas obras, buscando encontrar um possível vínculo existente entre elas e analisando, sobretudo, suas especificidades. Foram elas que me guiaram na construção da reflexão teórica, atuando como interlocutorascom um campo teórico preestabelecido, composto por textos de Didi-Huberman desenvolvidos para o catálogo LEmpreinte e pelo texto A obra de arte na época de suas técnicas de reprodução, de Walter Benjamin. Esses textos permitiram-me refletir sobre a ampliação do conceito de Impressão, sobre o seu caráter anacrônico e também sobre a questão da reprodutibilidade técnica da imagem. A partir de umconceito ampliado de Impressão, relacionei as obras estudadas a outras linguagens, como desenho, gravura, escultura e pintura, abordando-as a partir do seu poder de abertura ou dentro de um campo ampliado, como fez Rosalind Krauss a respeito da escultura americana na década de 1970.

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Rocha, Melissa Etelvina Oliveira. "Corrente contínua: um circuito pela arte e resistência". Universidade Federal de Minas Gerais, 2009. http://hdl.handle.net/1843/JSSS-8SZK63.

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This work analyses artistic practices that reflect the idea of détournement, as proposed by situationists artists. The disturbance of everyday life provoked by the artists actions, the nomad and independent nature of those poetics initiatives elucidate the approaches to the several ways of intervention that inspire this texts boundaries. Its scope is made up of ephemeral actions that somehow subvert the traditional circuit of art and build up a parallel proposal.
O presente trabalho analisa práticas artísticas que reverberam a idéia de détournement proposta pelos situacionistas. O distúrbio no cotidiano provocado pela ação de artistas, o caráter nômade e independente das iniciativas poéticas elucidam aproximações entre as diversas formas de intervenções que inspiram o recorte textual. Estão presentes ações efêmeras que de algum modo subvertem o circuito tradicional de arte e constroem uma proposta paralela.

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Lopes, Andreia Sofia Simões Monteiro. "A arte como investimento : a arte contemporânea em Hong Kong". Master's thesis, Instituto Superior de Economia e Gestão, 2017. http://hdl.handle.net/10400.5/14462.

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Mestrado em Gestão e Estratégia Industrial
O mercado chinês de arte contemporânea experienciou um crescimento exponencial nestes últimos anos, com cada vez mais investidores individuais e institucionais que diversificam as suas carteiras de investimentos com arte. Hong Kong emergiu como art hub nos últimos anos, devido aos esforços destes investidores, curadores e galerias de renome em preservar as suas bases e defender a arte contemporânea local e internacional. Assim, o presente trabalho de investigação estuda o comportamento das variáveis que mais afetam o mercado de arte contemporânea de Hong Kong, tendo por base os índices da ArtPrice e Artnet. Os resultados sugerem que vale a pena investir em arte. Apesar de o ano de 2016 não ter sido um ano motivador, segundo o relatório TEFAF da Artnet respeitante ao primeiro semestre de 2017, o ganho com a arte em Hong Kong é constante.
The Chinese contemporary art market has experienced exponential growth in recent years, with more and more individual and institutional investors diversifying their art investment portfolios. Hong Kong has emerged as an art hub in recent years due to the efforts of these investors, curators and renowned galleries in preserving their foundations and defending contemporary local and international art. Thus, the present study investigates the behavior of the variables that most affect the Hong Kong contemporary art market, based on the ArtPrice and Artnet indices. The results suggest that it is worth investing in art. Although 2016 was not a motivating year, according to Artnet's TEFAF report for the first half of 2017, Hong Kong's art gain is steady.
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Pontes, Amanda Cozzi Lopes. "Lévi-Strauss: a teoria da arte e a arte contemporânea". Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2008. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=1138.

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Lévi-Strauss percebe na arte das sociedades modernas três diferenças fundamentais em relação à arte das chamadas sociedades primitivas, o academicismo, o representacionismo e o individualismo. De acordo com o autor, o impressionismo e o cubismo teriam, respectivamente, se voltado contra as duas primeiras características, podendo ser entendidos como movimentos revolucionários. Uma questão que se coloca nesta dissertação é em que medida a terceira característica, o individualismo, foi enfrentada por movimentos contemporâneos da arte, como arte conceitual, e como a estética de Lévi-Strauss poderia ser utilizada na compreensão de movimentos como a arte pop e a arte conceitual.
Levi-Straussart theory shows that modern and contemporary art have three differences which sets them apart from the so-called primitive arts. Those are: individualism, academicism, and representationism. According to the author, impressionism and cubism had each tried to overcome the two latter, because of that bei ng revolutionary movements One questions that remains and which is investigated in this work is in which measure the third difference, individualism, was faced and confronted by contemporary art movements such as conceptual art, and how Levi-Straussart theory could be usefull in an attempt to understand such movements.

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Soares, Ana Teresa de Lobo e. "Video arte: uma abordagem da arte contemporânea no ensino artístico". Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2011. http://hdl.handle.net/10773/6604.

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Mestrado em Criação Artística Contemporânea
A Arte Contemporânea abordada em contexto escolar propícia diversas aprendizagens no ensino artístico: promove “o olhar do aluno” e tem a capacidade de gerar discussões, num confronto de ideias que só podem contribuir para a cultura e senso estético, sendo uma realidade mais próxima no tempo e no espaço para a grande maioria dos alunos. Assim, poderão explorar nos seus trabalhos questões existenciais, sociais, políticas, ou as relações formais e estruturais das suas pesquisas poéticas e das suas formas de inserção, dentro ou fora do circuito artístico. Propomos com esta investigação, refletir sobre aspetos ligados à docência em estudos artísticos. Vamos tomar como referência um projeto desenvolvido no ensino secundário, na Escola Secundária Alves Martins em Viseu. Vamos partir inicialmente do conteúdo programático da disciplina de História da Cultura e das Artes e na disciplina de Oficina de Multimédia B. Neste sentido, a proposta de trabalho visa desenvolver a educação do olhar através do ensino da Arte Contemporânea, ao utilizar a linguagem do Vídeo Arte como instrumento pedagógico. A importância está em repensar o ensino da arte no contexto do ensino secundário, avaliando os contextos da produção contemporânea e sua relação intima com a formação de conceitos sobre o mundo no qual habitamos.
Contemporary art, as it is studied in the school context, different learning contexts in arts education, promotes "the look of the student" and has the ability to generate discussions, a clash of ideas that may contribute to the culture and aesthetic sense, being a closer reality in time and space for most of the students. Thus, in their works, they can explore existential, social, political, or formal issues as well as structural relationships of their poetical research and of their forms of integration within or outside the art circuit. With this investigation, we propose to describe an experience in teaching art studies at Alves Martins Secondary School, in Viseu, starting with the curriculum of History and Culture the Arts (História da Cultura e das Artes) and following in the subsequent year, with the Media Workshop B ( Oficina de Multimédia B). In this sense, the proposed work aimed to develop education of the look through the teaching of Contemporary Art, using the language of Video Art as an educational tool. Its importance lies in rethinking the teaching of art in the context of secondary education, assessing the contexts of contemporary art production and its intimate relationship with the formation of concepts about the world we live in.

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Ferreira, Ana Isabel Oliveira. "Interfaces entre arte e arquitetura: oiInstituto de arte contemporânea do Inhotim". Universidade Federal de Goiás, 2016. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tede/6459.

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Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de Goiás - FAPEG
The formation of cultural enterprises, cultural consumption market strengthening and the creation of traveling and temporary exhibitions linked to the artistic transformations, made exhibition spaces acquired a new character, requiring an overhaul of both its old demands and the need to expand its boundaries in the contemporary world. In this context, this work presents a study of the spatial conceptions of contemporary museums based on the analysis of Inhotim Institute galleries, which is considered the most important center for contemporary art in Brazil. This research aims to discuss the interfaces between art and architecture, understanding their influence on the current exhibition spaces configuration. Concerning the theme context, in the first place, was made a record of the evolution of the museum as a type of building, then a history of the expansion of artistic events. The object of study, Contemporary Art Institute of Inhotim, is located both in the context of institutional and spatial historical development of museums as the manifestations of contemporary art. From then on, you can perform the analysis of the galleries projects. The methodology resulted in the classification of the Institute galleries in three different approach lines: Architecture as a work of art; An architecture, multiple works; and An architecture for an artist. About similarities and differences, the comparative and descriptions method, which examine different approaches of the construction and design process of the art galleries of the Institute, lists the aesthetic and construction, realization process resource of architectural work, with exposed art. Regarding the design of museums in the contemporary world, this study comes to instigate and initiate new discussions, and facilitate the improvement and development of project parameters, once they are spaces that have undergone and continue to undergo profound transformations.
A formação de empresas culturais, o fortalecimento do mercado de consumo cultural, bem como a criação de exposições itinerantes e temporárias vinculadas às transformações artísticas, fizeram com que os espaços expositivos adquirissem um novo caráter, exigindo uma reformulação tanto de suas antigas exigências quanto da necessidade de ampliação de seus limites no mundo contemporâneo. Nesse contexto, esta dissertação apresenta um estudo sobre as concepções espaciais dos museus contemporâneos baseado na análise das galerias do Instituto Inhotim, considerado o mais importante centro de arte contemporânea do país. Esta pesquisa pretende discorrer sobre as interfaces entre arte e arquitetura e compreender suas interferências sobre a configuração dos atuais espaços expositivos. Quanto à contextualização do tema, primeiro, foi realizado um histórico sobre a evolução do museu como tipo de edifício e, depois, um histórico sobre a expansão das manifestações artísticas. O objeto de estudo, Instituto de Arte Contemporânea do Inhotim, situa-se tanto no contexto da evolução histórica institucional e espacial dos museus quanto nas manifestações da arte contemporânea. A partir de então, é possível realizar a análise dos projetos das galerias. A metodologia adotada resultou na classificação das galerias do Instituto em três diferentes linhas de abordagem: Arquitetura como obra de arte; Uma arquitetura, várias obras; e Uma arquitetura para um artista. Verificando as similitudes e divergências, o método comparativo e de descrições que analisa as distintas abordagens do processo de construção e concepção das galerias do Instituto, relaciona os meios estéticos e de edificação, recursos do processo de realização da obra de arquitetura, com a arte exposta. No que diz respeito à concepção dos museus do mundo contemporâneo, este trabalho surge como meio de instigar e instaurar novas discussões e possibilitar o aprimoramento e desenvolvimento de parâmetros projetuais, uma vez que são espaços que se submeteram e continuam a se submeter a profundas transformações.

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Ledur, Rejane Reckziegel. "Professores de arte e arte contemporânea : contextos de produção de sentido". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2005. http://hdl.handle.net/10183/5086.

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O presente trabalho surge das reflexões em relação aos desafios do ensino da arte na contemporaneidade a partir da mudança de paradigma na construção da área de Arte como conhecimento no currículo escolar. A pesquisa caracteriza-se por uma intervenção no contexto de uma Rede Municipal de Ensino e tem por objetivo perceber os sentidos produzidos pelos professores de arte no encontro dialógico com a arte contemporânea em eventos culturais locais. A investigação parte do pressuposto de que as concepções de arte do professor fundamentam sua prática pedagógica. Quanto mais significativas forem as vivências no campo da arte e da estética e, no caso específico, com a arte contemporânea, maiores condições eles terão de problematizar esse conhecimento no currículo escolar. A abordagem metodológica e conceitual está fundamentada nos pressupostos teóricos de Mikhail Bakhtin, com ênfase no conceito de dialogismo, entendido neste trabalho como a relação que se estabelece entre duas consciências, entre o eu e o outro, e entre os discursos. Nessa concepção, os sujeitos da pesquisa têm voz, são sujeitos de interlocução. Os enunciados dos professores representam o conteúdo preciso do objeto do sentido. Na teoria bakhtiniana, o sentido é o que responde uma pergunta e ele sempre existe em relação ao outro sentido. Sendo assim, procurou-se observar os modos de responsividade dos professores na compreensão estética das obras através da exotopia do espectador, caracterizada por um olhar exterior à obra e que dá o acabamento estético ao evento. A semiótica greimasiana apresenta-se como um contraponto para pensar especificamente os sentidos de estesia resultantes da experiência de vida vivida com a arte contemporânea. A pesquisa insere-se na linha de pesquisa Educação: Arte, Linguagem e Tecnologia e integra o Laboratório de Estudos, Linguagem e Interação (LELIC), do Programa de Pós-Graduação em Educação da UFRGS.

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Silva, Gabriela Saenger. "Arte em partilha : práticas artísticas colaborativas e participativas na arte contemporânea". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2014. http://hdl.handle.net/10183/114637.

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Arte em partilha trata das práticas colaborativas em arte contemporânea em seu processo de consolidação. Ao se utilizar do termo “partilha do sensível”, de Jaques Rancière, a pesquisa reflete sobre estas práticas a partir de três pontos: desmaterialização do objeto da arte, espaço de ocorrência e o outro. No capítulo OUTRA COISA, estas práticas são tratadas como elementos de novas formas de fazer na arte contemporânea e de como o objeto-coisa transforma-se em objeto processo. No capítulo OUTRO LUGAR a questão da espacialidade e endereçamento destas ações é discutidas. Em O OUTRO, é refletido de como a inserção do outro no processo artístico perpassa a questão do espectador. Ao longo do texto, são utilizados projetos dos artistas: Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de La Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra e Luis Alárcon (Galeria Metropolitana), Antoni Abad, Leticia Bertagna e Janice Martins Sitya Appel.
Art in distribution deals with collaborative and participative practices in contemporary art in its consolidation process. Using the term "distribution of the sensible" by Jaques Rancière, the research reflects on these practices from three perspectives: dematerialization of the art object, spatiality and the other. In chapter OTHER THING, these practices are analyzed as elements of new ways of art making in contemporary art and how the object-thing transforms into an object-process. In chapter OTHER PLACE, the issue of spatiality and addressment of these actions is discussed. THE OTHER reflects how the inclusion of the other in artistic process permeates the question of the spectator. Ricardo Basbaum, Ana Laura Lopez de la Torre, Sebastian Romo, Ana Maria Saavedra and Luis Alarcon (Metropolitan Gallery), Antoni Abad, Leticia Bertagna and Janice Martins Sitya Appel are the artists used as cases for this research.

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Witt, Anelise Vieira dos Santos. "GAMEARTE: SUBVERSÃO E DIVERSÃO NA ARTE CONTEMPORÂNEA". Universidade Federal de Santa Maria, 2013. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/5215.

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
The target of this research is to help the thinking about contemporary art through a new approach from the Idea of play to gaming. We try to comprehend the overthrow and entertainment concepts in the games developed and in the art and gaming field. This observation doesn‟t lay down just on the games created in this research, but also include a few aspects of art and technology in contemporary art. Between practice and theory the methodology was built, and together they tangled the proposed thought. To elucidade the thought tha we came with in this study we start with the approach of the play concept, that raises on philosophy and is adopted by the visual arts. From philosophycal play to eletronic game, and when it is found on a artistic context, it can be called as art and gamimg. In trying to understand and define what exactly art and gaming are about I show my own artistic games. This master thesis ends with a view of the contemporary art scenery and how the overthrow and entertainment concepts can integrate the contemporary art today.
O objetivo desta pesquisa, em poéticas visuais, é de contribuir para pensar a arte contemporânea atual através de uma nova abordagem que parte da ideia de jogo na arte para chegar ao game. Verificam-se os conceitos de subversão e diversão na minha produção pessoal na área da gamearte. Esta reflexão não se restringe somente sobre minha produção, mas também abrange alguns aspectos da arte e tecnologia na arte contemporânea. A metodologia utilizada na pesquisa desenvolve-se no ir e vir entre a prática artística e a teoria que, unidas, tecem o pensamento proposto. Para elucidar a proposição apresentada neste estudo, inicia-se com a abordagem do conceito de jogo, que se origina na filosofia e é adotado pela arte. Do jogo filosófico segue-se para o jogo eletrônico, chamado de game, e quando inserido em um contexto artístico assume-se como gamearte. Ao tentar compreender e delimitar, quando possível, o que seria esta produção em gamearte, exponho a minha experiência pessoal na produção de jogos artísticos. Para fechar esta dissertação apresentam-se outras produções contemporâneas em gamearte, a fim de evidenciar como a diversão e o entretenimento podem integrar a arte contemporânea recente.

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Teixeira, Vitor Hugo Lima. "Solos mestiços : ciência, arte contemporânea e cinema". Universidade Federal de Sergipe, 2015. https://ri.ufs.br/handle/riufs/5976.

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Resumo:

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Considering that science becomes increasingly science of events, in this study we follow interconnections between fields of knowledge that are produced by processuality, exchanges, interferences, mixing, unknown. One of these fields is Social Psychology. Specifically the social psychology that is not interested in dealing with concepts or objects already built, but with concepts and objects to appear. Here we conducted an experimentation, a composition between science, art and subjectivity production. We have no interest in formats, predetermined models, but in the production that occurs between; the elements are destroyed and recreated during the presentations of them. It is an output that is less form and more performance. It produces the research/researcher in the process itself, using experiments, experiences, artistic images, to produce deterritorializations, to find escape routes in order to support the research/researcher. Thus, the engagement with the research problem guided by the thought of the difference is permeated by the strangeness of new position in which the researcher puts himself: the distance of evident, modern certainties, a disruption of truisms, where the researcher "dichotomic-kaleidoscopic-mosaic" remove the homogeneities, causes disruptions, gives up the generalizations and totalizations, and enters routes that have little to do with representation and more with creation. The soils that compose this study are necessarily associated: art-philosophy-science: it is crossbred soils. These consist of a space-time that provides opportunity to the tensions and intersections between fields of knowledge. Therefore, the crossbred soils are made of a producing strain land, an ideal place for exchanges between different areas. Through concomitant interferences between these fields occur the possibility of new scenarios, contradicting the supposed scientific unit that epistemology and modern philosophy pursued during the twentieth century. This dissertation does not intend to create concepts, but to convey flows of ideas regarding the production of thoughts and practices that enable interferences between fields of knowledge. On this direction we tried to point out artistic productions that break the idea of concepts, objects and subjects naturalized and dichotomized. An example of this miscegenation occurs in the relationship between contemporary art and cinema. These fields are increasingly converging to places of interference and creations between-areas, in the network. The plot that this research focuses is the one involving the aesthetic experience that the participant of the hybrid contemporary art exhibition spaces/projection is immersed on the artistic/digital works. Following this idea, we spied several meetingsmismatch- reunions between science, art/cinema and philosophy. The mixture, the miscegenation, is therefore the strong point of this research, which criticizes itself and expands not only through the lens enabled by deleuze-guattarian ethical-aesthetic paradigm and the literature that relates ARTIST-WORK-PARTICIPANT, but also through Julio Cortázar, the Free Jazz, holes, stairs, Cosmococas, Tekpix, HermetoPascoal, mangaba juice, 30 years old, Cildo Meireles, MIMO, and other wandering support that emerged as intercessors for the development of the researcher as a producer of thought and practices that put into play these relationships.
Considerando que a ciência torna-se cada vez mais ciência dos acontecimentos, neste estudo perseguimos encontros entre campos do conhecimento que se produzem através da processualidade, das trocas, das interferências, da mistura, do não sabido. Um desses campos é a Psicologia Social. Trata-se de uma psicologia social que não se debruça sobre conceitos ou objetos já constituídos, mas que aposta em conceitos e objetos por vir. Aqui realizamos uma experimentação, uma composição entre ciência, arte e produção de subjetividade. Nada de formatos, de modelos predeterminados, mas a produção ocorre entre, os elementos se destroem e se recriam durante as apresentações. Trata-se de uma produção que é menos forma e mais performance. Produz a pesquisa/pesquisador em processo, utilizando experimentações, vivências, imagens artísticas, para produzirem desterritorializações, para apontarem linhas de fuga em prol da pesquisa/pesquisador. Deste modo, o envolvimento com a problemática da pesquisa pautada pelo pensamento da diferença é permeado de estranhamentos pela nova posição em que o pesquisador se coloca: o distanciamento do que é evidente, das certezas modernas, uma distância e perturbação das obviedades, onde o pesquisador ―bifurcado-caleidoscópico-mosaico‖ descola as homogeneidades, provoca rupturas, abre mão das generalizações e totalizações, e adentra rotas que pouco tem de representação e mais tem de criação. Os solos que compõem este estudo estão necessariamente associados: arte-filosofia-ciência: trata-se de solos mestiços. Estes consistem em um espaço-tempo que oportuniza tensões e cruzamentos entre campos do conhecimento. Portanto, os solos mestiços constituem-se em um terreno produtor de tensões, um local propício ao intercâmbio entre distintas áreas, que através de interferências concomitantes entre elas possibilitam produções de novos cenários mistos, contrariando, deste modo, a suposta unidade científica que a epistemologia e filosofia modernas perseguiram durante o século XX. Esta dissertação não tem a pretensão de criar conceitos, mas de transmitir fluxos de ideias voltadas para produções de pensamentos e práticas que possibilitem interferências entre campos do conhecimento, apontando principalmente produções artísticas que rompem a ideia de conceitos, objetos e sujeitos naturalizados e dicotomizados. Um exemplo desta mestiçagem ocorre nas relações entre arte contemporânea e cinema. Esses campos passam cada vez mais a convergirem para lugares de interferências e criações entre-áreas, em rede. A trama que esta pesquisa se debruça é a que envolve as experiências estéticas a que o participador dos híbridos espaços artísticos contemporâneos de exposição/projeção está imerso diante das obras artísticas/digitais. Deste modo espiamos diversos encontros-desencontros-reencontros entre a ciência, a arte/cinema e a filosofia. A mistura, a mestiçagem, é, portanto o ponto forte desta pesquisa, que se critica e amplia não somente através das lentes viabilizadas pelo paradigma ético-estético deleuzo-guattariano e pela literatura que relaciona ARTISTA-OBRA-PARTICIPADOR, mas também através de Julio Cortázar, do Free Jazz, buracos, escadas, Cosmococas, Tekpix, Hermeto Pascoal, suco de mangaba, 30 anos, Cildo Meireles, MIMO, entre outros apoios errantes que surgiram como intercessores para o desenvolvimento do pesquisador, enquanto produtor de pensamento e de práticas que coloquem em jogo estas relações

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Junior, Hugo Fernando Salinas Fortes. "Poéticas líquidas: a água na arte contemporânea". Universidade de São Paulo, 2006. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27131/tde-13082009-155421/.

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Resumo:

Esta pesquisa busca investigar a presença da água como material e poética na arte contemporânea. São consideradas as representações históricas e as conotações da água na arte e na cultura, porém o que se destaca são as inovações trazidas pelo emprego da água enquanto matéria, e as conseqüências fenomenológicas que esta utilização traz. O trabalho abrange tanto o estudo de obras de diversos artistas contemporâneos, brasileiros e internacionais, bem como a análise e comentários oriundos da criação de obras por mim mesmo, enquanto artista. Desta forma, busca-se uma interação entre o pensar e o fazer artístico, afirmando a autonomia da criação em arte. Foram identificados núcleos de análise que englobam os artistas e as obras, mas que constituem categorias fluidas e interdependentes. Foi realizado um estudo original sobre as relações entre os fenômenos físicoquímicos da água e suas conotações simbólicas nas obras de arte contemporânea. Os conflitos entre a natureza e a cultura permearam todo o trabalho, revelando-se uma questão de grande importância em minha própria poética como artista. Pude identificar interesses pessoais e afinidades por alguns artistas, bem como localizar pontos fundamentais discutidos em meu trabalho artístico.
This research investigates the presence of water as material and poetics in the contemporary art. The historic representation and the connotation of water in the art and in the culture are considered, but the emphasis is on the innovations produced by the use of water as matter and the phenomenological consequences of this utilization. This thesis includes both the study of works from several contemporary artists, Brazilian and international, and the analysis and comments originated on the creation of works by myself, as artist. In forward it is aimed an interaction between the artistic thinking and making, affirming the autonomy of creation in art. Nucleus of analysis including artists and works were identified , but they constitute flowed and interrelated categories. An original study about the relations between the physical-chemical phenomena of water and its symbolical connotations on the contemporary artworks was developed. The conflict between nature and culture permeates the whole work, revealing itself as an important subject of my own artistic poetics. I could identify personal interests and affinities for some artists, and locate fundamental points discussed by my artistic work.

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Oliveira, Jociele Lamper de. "Arte contemporânea, cultura visual e formação docente". Universidade de São Paulo, 2009. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27160/tde-19112010-092340/.

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Resumo:

Esta pesquisa foi desenvolvida no Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, na Área de Concentração Teoria, Ensino e Aprendizagem da Arte, na Linha de Pesquisa Fundamentos do Ensino e Aprendizagem da Arte, da Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo. Objetivou investigar aspectos que decorrem das inter-relações entre Artes Visuais, cultura visual e formação docente, que compreendem a prática educativa e a prática artística. A partir destes pontos de tensões, aponta-se a imagem da moda em confluência com o ensino de arte na prática do estágio curricular supervisionado, podendo sugerir e impulsionar formas de ensino e aprendizagem autônomas e colaborativas na formação do artista/professor/pesquisador em Artes Visuais. Aborda-se uma reflexão teórica voltada para a cultura visual, bem como para as derivações sobre arte relacional e processo criativo. Desta forma a pesquisa pautou-se sobre alguns aspectos reflexivos da artografia, bem como sobre da arte relacional, entendendo um conjunto de práticas artísticas que tomam como ponto de partida (teórico e prático) as relações humanas e seu contexto social.
This research was developed in the Graduation Program in Visual Arts of the Arts and Communication School of the University of Sao Paulo, concentration area of Art Theory, Teaching and Learning, and research interest The Fundamentals of Art Teaching and Learning. It aimed to investigate the aspects that elapse from the interrelations among Visual Arts, Visual Culture and Faculty Formation, which comprehend the educational and artistic practice. From these tension points, it aims the fashion image in confluence with the art teaching in the practice of the supervised internship, being able to suggest and instigate collaborative and autonomous ways of teaching and learning in the formation of the artist/teacher/researcher in the Visual Arts. It approaches a theoretical reflection about the visual culture, as well as the derivations of the relational art and the creative process. Thus, this research was based on some reflexive aspects of the artography and the relational art, comprehending a group of artistic practices that take as initial point (theoretical and practical) the human relations and their social context.

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Marto, Ana Catarina Gonçalves Valente. "Problemáticas museológicas do vídeo na Arte Contemporânea". Master's thesis, Faculdade de Ciências Sociais e Humanas, Universidade Nova de Lisboa, 2011. http://hdl.handle.net/10362/7271.

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Dissertação de Mestrado em Museologia
O vídeo na arte contemporânea é essencialmente um campo de cruzamento de áreas e um formato que tem conhecido uma constante evolução dos seus suportes. Tal repercute-se na indeterminação e diversidade terminológica deste medium. O primeiro enfoque da dissertação é uma observação da postura do receptor ao longo da História da Arte do século vinte, cuja determinação evolui do conceito de ‘visitante’ para o de ‘sujeito emancipado e inter-actuante’. O medium vídeo é de seguida inscrito numa história mais vasta da imagem em movimento, de onde lhe advém uma predeterminada ‘carga negativa’, enquanto mediador e pelo seu carácter imaterial. A arte enquanto campo perceptivo conheceu uma gradual ‘desumanização’ e um distanciamento entre o artista e o público, pela introdução da técnica. Confrontado com a concorrencial paisagem tecnológica actual e seus rápidos desenvolvimentos, o vídeo, enquanto suporte, banalizou-se. Abordam-se as alterações correlativas no campo perceptivo e as reflexões em torno das novas tecnologias, na área da estética. Os conceitos chave na área da conservação da arte contemporânea são a impermanência e os ‘media variávéis’. Neste quadro, quais as problemáticas que este medium põe aos museus e centros de arte contemporânea? Como deve a museologia lidar com as novas linguagens da arte contemporânea, todos os novos dados tecnológicos e correlativas consequências no campo perceptivo? Qual o papel do museu neste contexto? Que tipo de actividades podem ser desenvolvidas em torno deste médium, para suprir as suas características ‘negativas’? O estudo de caso, Téléthèque, Encontros Videográficos, enquanto projecto curatorial, propõe algumas respostas a estas questões e fornece exemplos concretos na abordagem de obras videográficas a um dispositivo de apresentação de obras, limitado e fixo. Este último factor evidenciou as características formais heterogéneas do vídeo na arte contemporânea. O projecto Téléthèque consistiu na organização de conversas com artistas, em torno de obras videográficas, com eventual apoio documental. O carácter presencial do projecto é relevante face à ucronia induzida pelas novas tecnologias. A reflexão sobre o projecto alarga-se e reflecte sobre o papel a desempenhar pelos museus enquanto ponto de encontro comunitário, para a consolidação de uma rede artística e de uma comunidade de maneira geral.

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Angeli, Juliana Correa Hermes. "Percursos urbanos : novos olhares na arte contemporânea". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2007. http://hdl.handle.net/10183/12124.

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Esta dissertação apresenta a análise de oito produções artísticas contemporâneas que utilizam percursos urbanos como parte constitutiva essencial de suas poiéticas e poéticas. A partir do estudo das modificações espaço-temporais, desde o período industrial, assim como da forma como se estruturaram os deslocamentos no espaço urbano e os novos sentidos que estes adquiriram na atualidade, buscamos compreender os motivos pelos quais a poiética dos percursos persiste até hoje. Verificamos como os artistas contemporâneos, através de seus deslocamentos ou da apropriação das trajetórias de terceiros, ressignificaram os espaços urbanos e os personagens que neles interagem e, a partir dos percursos, teceram novos olhares sobre essa problemática na arte contemporânea.
This dissertation presents the analysis of eight art works by different contemporary artists who utilize urban routes as a constitutive part of their poietics and poetics. By studying spatial and temporal changes since the industrial period, as well as how urban spatial displacements and their present acquired meanings are structured, we seek to comprehend for what motives a poietic of urban routes should persist today. We have noted how contemporary artists have re-signified urban spaces and the people who interact with them by means of their displacements or the appropriation of other people’s daily routes, and, by using routes, they have developed new gazes in relation to these questions of contemporary art.

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Sommer, Michelle Farias. "Teoria (provisória) das exposições de arte contemporânea". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2016. http://hdl.handle.net/10183/151285.

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A tese concentra-se em estudos expositivos, especificamente em proposições curatoriais e artísticas que questionam o topos expositivo contemporâneo. O recorte temporal dessa pesquisa concentra-se em exposições vivenciadas no período 2012-2016, em contextos geográficos distintos: Porto Alegre, Curitiba, São Paulo, Rio de Janeiro, Berlim, Veneza e Londres. A metodologia de pesquisa constrói-se a partir da experiência em exposições visitadas, configurando estudos de caso da tese. Quais são os limites das canonizações ocidentais que reforçam tendências particulares e inscrevem ortodoxias em estudos expositivos? Entre “lá fora” e “aqui dentro”, se lá está a dicotomia, aqui está o hibridismo como matriz experimental das produções expositivas nacionais. Nesse contexto aqui e agora, desenvolve-se o conceito de ‘contraexposição’, que redefine o lugar expositivo através da experimentação direta na investigação, produção, apresentação e documentação de proposições curatoriais e artísticas em sua dimensão pública. Considera-se, ainda, o âmbito das megaexposições, especificamente bienais, debatendo a suposta crise do modelo através do mapeamento dos padrões recorrentes como possível estratégia de reinvenção do formato hegemônico internacional. (Continuação ) Nessa tese, entre exposições, megaexposições, contraexposições, são verificadas tentativas de engatar o sujeito para um primeiro plano das experiências expositivas, fazendo com que o questionamento direcione-se aos endereçamentos expositivos e à produção de associações obra-públicoS. Em tese: seja em instituições culturais – topos expositivo reconhecido como lugar da arte – ou no topos expositivo outro – qualquer lugar –, a exposição contemporânea está em incessante redefinição.
Situated within the realm of exhibition studies, this thesis focuses specifically on those curatorial and artistic proposals which question the topos of contemporary art exhibitions. The research was carried out between 2012 and 2016, visiting exhibitions in different geographical locations: Porto Alegre, Curitiba, São Paulo, Rio de Janeiro, Berlin, Venice and London. The research methodology was built on the experience at these exhibitions, through which the thesis’ case studies have been configured. What are the limits of the Western canons, which reinforce particular trends and generate orthodoxies within exhibition studies? Between the ‘out there’ and the ‘in here’, whether there resides the dichotomy, here lies hybridity, as an experimental matrix for the making of exhibitions in Brazil. It is in this context, here-and-now, that the thesis develops the concept of “counter-exhibition”, redefining the exhibition space through direct experimentation in the investigation, production, presentation and documentation of curatorial and artistic proposals in their public dimension. The thesis also takes into account the context of mega-exhibitions, and specifically biennials, discussing the supposed crisis of the model by mapping its recurring patterns, as a possible strategy to challenge the hegemony of the current international format, and reinvent it. Among exhibitions, mega-exhibitions and counter-exhibitions, the thesis explores attempts to bring the subject of the exhibition experience to the fore, in this way directing the debate towards what or on who the exhibitions are addressing, exhibition approaches, as well as on the associations between artworks and publics that they (seek to) produce. In essence: either within cultural institutions – the exhibition topos recognised as the place of art –, or other exhibition topos – that is, anywhere –, contemporary exhibitions are being constantly redefined.

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Soares, Ana Cristina de Oliveira Fernandes. "A poética da luz na arte contemporânea". Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2013. http://hdl.handle.net/10773/10340.

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Mestrado em Criação Artística Contemporânea
A presente dissertação pretende observar e mostrar a luz numa perspetiva de uso artistico; como a vemos, como a sentimos como a vivemos como a usamos na criação artistica. O desenvolvimento do uso da luz negra na arte tem tido uma grande evolução por artistas emergentes. Este trabalho está organizado em capitulos sendo que os primeiros suportam os aspetos historicos e que são parte essencial para o desenvolvimento do projeto, e do decurso deste processo de investigação e experimentação. A motivação para desenvolver este trabalho assenta na necessidade e interesse em explorar novas tecnologias e novos materiais como suporte e meio de expressão, que permitam novas explorações e aplicações diversificadas no contexto da criação artística, principalmente enquanto objeto de novas conceções visuais e plásticas. Assim, tornou-se indispensável investigar novos procedimentos e materiais para ser possível experimentar diferentes tipos de aplicações, criando produtos artísticos diversificados no contexto deste tema. As representações/instalações criadas são peças para ver com e sem luz e com luz negra, que se intitulam: “A poética da luz na arte contemporânea”. As imagens registadas, e integradas na parte prática deste projeto, são fruto do processo de pesquisa e experimentação. A instalação criada como trabalho final pretende colocar a imagem perante perspetivas distintas, em que a luz se apresenta inicialmente como fonte de iluminação para posteriormente dar lugar á luz como material plástico.
A This dissertation and watch the light show in a perspective of artistic use, as we see, how we feel like we live like we used in artistic creation. The development of the use of black light in art has been a great evolution for emerging,artists. This paper is organized into chapters and the first support and the historical aspects that are essential for the development part of the project, and during the process of research and experimentation. The motivation to develop this work was/is based on the need and interest in exploring new technologies and new materials as a support and means of expression, which should enable new explorations and varied applications in the context of artistic creation, especially as the object of new visual and plastic/artistic conceptions. Thus, it became pivotal to investigate new procedures and materials to be able to try different types of applications, creating diverse artistic products in the context of this theme. The representations / facilities created are pieces to do with and without light and black light, calling themselves "The poetics of light in contemporary art." The images recorded and integrated into the practical part of this project, are the result of the process of research and experimentation. The installation created as a final project to place the image in different perspectives, in which light initially presents as light source to subsequently give rise to light as plastic.

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Silva, Deyse Maria Lemos da. "O Détournement na arte contemporânea de Pernambuco". Universidade Federal de Pernambuco, 2014. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/13203.

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Resumo:

Submitted by Amanda Silva (amanda.osilva2@ufpe.br) on 2015-04-15T14:38:59Z No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO Deyse Maria da Silva.pdf: 15065572 bytes, checksum: f1258417a1a7a1a4ae08c4250601efa5 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5)
Made available in DSpace on 2015-04-15T14:38:59Z (GMT). No. of bitstreams: 2 DISSERTAÇÃO Deyse Maria da Silva.pdf: 15065572 bytes, checksum: f1258417a1a7a1a4ae08c4250601efa5 (MD5) license_rdf: 1232 bytes, checksum: 66e71c371cc565284e70f40736c94386 (MD5) Previous issue date: 2014
Esta pesquisa, do tipo estudo de caso, discute o détournement na arte contemporânea de Pernambuco. Palavra francesa, que traduzida para o português significa “desvio”, o détournement trata de uma técnica de produção artística sistematizada pela Internacional Situacionista (IS) – movimento cultural e, principalmente, político, ativo entre os anos de 1958 a 1972, cujo principal objetivo era o retorno da arte à práxis vital. A ideia do desvio era utilizar elementos pré-existentes para a configuração de novos arranjos significativos. Para investigar essa técnica situacionista na Arte Contemporânea de Pernambuco, foram analisadas três obras de arte: Amor, Ordem e Progresso (2011) de Lourival Cuquinha; o vídeo Travessias da exposição Plus Ultra (2011) de Oriana Duarte; e Entre o Novo e o Nada (2006) de Márcio Almeida. A partir do que foi analisado, percebe-se que o desvio praticado atualmente se aproxima, mas não é igual ao détournement da Internacional Situacionista. Os postulados situacionistas trazem consigo um teor revolucionário que não se aplica ao contexto social, político e cultural da atualidade.

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D'Amoreira, Gabriela Caetano [UNESP]. "Paisagem híbrida: a reprodutibilidade da imagem na arte contemporânea". Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2013. http://hdl.handle.net/11449/86975.

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Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-06-24Bitstream added on 2014-06-13T20:49:07Z : No. of bitstreams: 1 damoreira_gc_me_ia.pdf: 1785931 bytes, checksum: ff0f4b63a69960b37e4cd5ef66cbe8ad (MD5)
Nesta pesquisa abordo algumas questões sobre as obras de arte e os meios de reprodução contemporâneos além de alguns conceitos importantes para meu processo artístico, como: a sobrevivência das formas; a paisagem na arte enquanto temática e o conceito de diferença e repetição aplicado ao meu processo artístico. Como pontos importantes da pesquisa estão a gravura, analisada no contexto de uma época em que as imagens não eram distribuídas ou muito conhecidas, e a fotografia, analisada a partir da sua inserção na arte como uma nova linguagem. Como parte dessa dissertação está a apresentação de algumas obras de artistas contemporâneos, com as quais a minha produção artística dialoga, demonstrando assim as relações híbridas existentes na criação das obras de arte, e problematizando alguns aspectos importantes que entendo como parte do meu processo de criação. Para finalizar, apresento a série de trabalhos de arte desenvolvidos durante o período do mestrado, e que apresentam visualmente as questões estabelecidas e discutidas durante toda a pesquisa
In this research I will approach a few questions about the works of art and the means of contemporary reproductions besides some important concepts for my artistic process, such as: the survival of the forms; landscape in art as a theme and the concept of difference and repetition applied to my artistic process. As important points of the research there are engraving, analyzed in the context of a time in which the images weren't distributed or very well known, the photography, analyzed from its insertion in art as a new language. As a part of this dissertation is the presentation of a few pieces from contemporary artists, with which my artistic productions speaks to, demonstrating in this manner the hybrid relationships existent in the creation of works of art, and questioning some important aspects which I understand as a part of my creative process. Finally, I introduce the series of art works developed during the period of my masters, and that present visually the established questions which were discussed throughout the research

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D'Amoreira, Gabriela Caetano 1987. "Paisagem híbrida : a reprodutibilidade da imagem na arte contemporânea /". São Paulo, 2013. http://hdl.handle.net/11449/86975.

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Resumo:

Orientador: Agnus Valente
Banca: Rosana Paulino
Banca: Sérgio Romagnolo
Resumo: Nesta pesquisa abordo algumas questões sobre as obras de arte e os meios de reprodução contemporâneos além de alguns conceitos importantes para meu processo artístico, como: a sobrevivência das formas; a paisagem na arte enquanto temática e o conceito de diferença e repetição aplicado ao meu processo artístico. Como pontos importantes da pesquisa estão a gravura, analisada no contexto de uma época em que as imagens não eram distribuídas ou muito conhecidas, e a fotografia, analisada a partir da sua inserção na arte como uma nova linguagem. Como parte dessa dissertação está a apresentação de algumas obras de artistas contemporâneos, com as quais a minha produção artística dialoga, demonstrando assim as relações híbridas existentes na criação das obras de arte, e problematizando alguns aspectos importantes que entendo como parte do meu processo de criação. Para finalizar, apresento a série de trabalhos de arte desenvolvidos durante o período do mestrado, e que apresentam visualmente as questões estabelecidas e discutidas durante toda a pesquisa
Abstract: In this research I will approach a few questions about the works of art and the means of contemporary reproductions besides some important concepts for my artistic process, such as: the survival of the forms; landscape in art as a theme and the concept of difference and repetition applied to my artistic process. As important points of the research there are engraving, analyzed in the context of a time in which the images weren't distributed or very well known, the photography, analyzed from its insertion in art as a new language. As a part of this dissertation is the presentation of a few pieces from contemporary artists, with which my artistic productions speaks to, demonstrating in this manner the hybrid relationships existent in the creation of works of art, and questioning some important aspects which I understand as a part of my creative process. Finally, I introduce the series of art works developed during the period of my masters, and that present visually the established questions which were discussed throughout the research
Mestre

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Bringuente, Ana Luiza de Oliveira. "A relação entre arte educação e os agentes comunicativos da arte contemporânea". Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2016. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/19162.

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Submitted by Jailda Nascimento (jmnascimento@pucsp.br) on 2016-10-06T19:10:42Z No. of bitstreams: 1 Ana Luiza Bringuente.pdf: 3398199 bytes, checksum: 886e050b674aa1d91d175f7e827d0d18 (MD5)
Made available in DSpace on 2016-10-06T19:10:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ana Luiza Bringuente.pdf: 3398199 bytes, checksum: 886e050b674aa1d91d175f7e827d0d18 (MD5) Previous issue date: 2016-08-11
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This research proposes some situated investigations in the field of contemporary experimentation on the communicative relationships of art education with contemporary art agents, showing the results obtained in these interactions, intending to facilitate a reflection on networking as new meanings generator. The question for triggering the search was "How can you make art education practices in contact with other agents of contemporary art? ". Therefore, situations were elected in the history of museums and their relationship with the visitors, through a brief history of art education with worldwide references to the Brazilian context of art education in museums to then propose a cut in production artists and other agents of the contemporary art of the 1960-70s that in their practices appropriated issues relevant to the field of art education which will reverberate in contemporary production from the phenomenon called Educational Turn. The light of the thought of C. Salles and V. Colapietro about the concept of authorship comprising the subject as a community, as a result of research we come to a presentation of Luis Camnitzer production that makes its artistic and reflective practices since the 1960s until today a hybrid way from its various performances, as an educator, theorist of art and pedagogical curator, of which he makes no distinction, since all they ever go away from your artist point of view. All this route is necessary with the purpose of giving light to the last chapter of the research where we relate some personal experiences in the field of art education with the practices presented during the research. The methodology used for the research was documentary and empirical, in dialogue with the theory of network creation processes (SALLES). Among the hypotheses, I can highlight that I think are important: the production and reflection on contemporary art through works / jobs supported in art education proposals is feasible; the Pedagogical Curator enhances public access to exhibitions and public programs; the role of art education as a field of knowledge and research into the system of contemporary art
A presente pesquisa propõe algumas investigações situadas no campo da experimentação contemporânea sobre as relações comunicativas da arte educação com agentes da arte contemporânea, evidenciando os resultados adquiridos nessas interações, pretendendo viabilizar uma reflexão sobre o trabalho em rede como gerador de novos sentidos. A pergunta disparadora para a pesquisa foi “Como se dão as práticas da arte educação em contato com outros agentes da arte contemporânea? ”. Para tanto, partimos da eleição de situações ao longo da história dos museus desde o seu surgimento e relação com o público visitante, passando por um breve histórico da educação de arte com referências mundiais até o contexto brasileiro de arte educação em museus para, assim, propor um recorte na produção de artistas e outros agentes da arte contemporânea dos anos 1960-70 que em suas práticas se apropriaram de questões pertinentes ao campo da arte educação o que irá reverberar na produção contemporânea a partir do fenômeno chamado de Educational Turn. A luz do pensamento de C. Salles e V. Colapietro acerca do conceito de autoria que compreendem o sujeito como comunidade, passamos na sequência da pesquisa a uma apresentação da produção de Luis Camnitzer que faz de suas práticas artísticas e reflexivas, desde nos anos 1960 até os dias atuais um caminho híbrido dentre as suas diversas atuações, como educador, teórico de arte e curador pedagógico, das quais ele não faz distinção, pois todas elas partem sempre de seu olhar de artista. Todo esse percurso se faz necessário com intuito de dar luz ao último capítulo da pesquisa em relaciono algumas experiências pessoais no campo da arte educação com as práticas apresentadas ao longo da pesquisa. A metodologia empregada para a pesquisa foi documental e empírica, em diálogo com a teoria dos processos de criação em rede (SALLES). Dentre as hipóteses, posso destacar as que penso serem importantes: é viável a produção e reflexão acerca da arte contemporânea por meio de obras/trabalhos apoiados em propostas de arte educação; a Curadoria Pedagógica potencializa o acesso do público às exposições e programas públicos; a atuação da arte educação enquanto área de conhecimento e pesquisa no sistema vigente de arte contemporânea

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Serpa, Leandro. "A monotipia no campo expandido : reflexões sobre arte e arte/educação contemporânea". Universidade do Estado de Santa Catarina, 2015. http://tede.udesc.br/handle/handle/721.

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Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:58Z (GMT). No. of bitstreams: 1 124457.pdf: 6077580 bytes, checksum: 6664bf117eb4e95e824cbb9c323abf9e (MD5) Previous issue date: 2015-07-30
Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This thesis, brings on its lines the research of an artist / teacher / researcher, who is positioned in the academic reflection scope as an artist / researcher -. Teacher, etc., because I recognize that producing art based an research s and by the poetic reflection I establish on relationships that occur at learning. My research way with Monotype, seted in the expanded field is located in the limits dilution, the easing of barriers that once demarcated the space of poetic and teaching. Here is an expanded search which recognizes the specificities of painting, drawing, engraving, the monotype, time, space, of being, but in his walk found the limits dilution which spilled over borders and acquired its grounds of instances enlarged before demarcated. In another space / time the Monotype on its the expanded field allowed the opening of the art field and culture in reflective junction between poetic and teaching. Based on the experience of the artist, in his poetic, teaching gains bases, in life, in substance consummating experience in freedom of reflection and promotion of knowledgement. By the gotten experience with the artists Carlos Vergara and Daniel Senise, by interviews and visiting their Studios, I could enlarge my reflection about the Monotype, and therefore expand my research, thus obtaining the necessary tools to search the overflow of the art field, overcoming the boundaries between poetic and teaching, blurring the boundaries between media time and space and present an end to Monotype in the expanded field. Then encouraging the creation of an artist book with a view about the experience of researchers, teachers and artists is the subject of this research. This document embodying this thesis, aims at and objective to present an expanded research that expands the field of art in the sphere of education, research and poetic.
Esta Dissertação traz em suas linhas a investigação de um artista/professor/pesquisador, que posiciona-se no âmbito da reflexão acadêmica como artista/pesquisador ¿ professor,etc., porque reconheço que produzo Arte amparado na pesquisa, e que a partir da reflexão poética estabeleço relações que se dão ao ensino. Minha trajetória de pesquisa com a Monotipia, ambientada no campo expandido, localiza-se na diluição dos limites, no afrouxamento das barreiras que antes demarcavam o espaço da poética e do ensino. Aqui encontra-se uma pesquisa expandida, que reconhece as especificidades da pintura, do desenho, da gravura, da Monotipia, do tempo, do espaço, do ser, mas que em sua caminhada encontrou a diluição dos limites, transbordou fronteiras e adquiriu seu fundamento na ampliação de instâncias antes demarcadas. Em um espaço/tempo outro a Monotipia no campo expandido possibilitou a abertura do campo da Arte e da cultura na junção reflexiva entre poética e ensino. Com base na experiência do artista, em sua poética, o ensino ganha fundamento, na vida, na experiência de substância consumadora, na liberdade de reflexão e promoção do conhecimento. Com a experiência obtida com os artistas Carlos Vergara e Daniel Senise, nas entrevistas e visita aos ateliers destes artistas, pude ampliar minha reflexão sobre a Monotipia, obtendo com isso as ferramentas de pesquisa necessárias para o transbordamento do campo da Arte, a superação dos limites entre poética e ensino, a diluição das fronteiras entre mídias e entre tempo e espaço e apresentar por fim a Monotipia, no campo expandido. Fomentar então a criação de um livro de artista com vistas à experiência de pesquisadores, professores e artistas constitui o objeto desta pesquisa. Tal documento, que concretiza esta Dissertação, tem por fim e objetivo apresentar uma pesquisa expandida que amplie o campo da Arte, na esfera do ensino, da pesquisa e da poética.

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SOUZA, A. G. "MUSEU DE ARTE DO RIO MAR, Reflexões sobre museu, arte contemporânea e cidade". Universidade Federal do Espírito Santo, 2015. http://repositorio.ufes.br/handle/10/2127.

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Made available in DSpace on 2016-08-26T15:19:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 tese_8878_PPGA_UFES_Angela Gomes.pdf: 3713729 bytes, checksum: eed7579574b3b9eb46e33f14b5f292a1 (MD5) Previous issue date: 2015-05-08
A dissertação estabelece reflexões sobre os temas museu, arte contemporânea e cidade a partir da análise do Museu de Arte do Rio MAR e está subdividida em três eixos de análise. O primeiro eixo, O MAR e o centro do Rio de Janeiro, pontua questões relativas a localização do museu dentro de área do projeto de requalificação urbana Porto Maravilha; enquanto o segundo eixo, Museus de Arte, analisa aspectos relativos aos espaços expositivos e suas relações com a obra de arte, com o espectador e com a cidade. O terceiro e último eixo, O MAR e a arte contemporânea, aborda a proposta curatorial do museu e sua relação com a cidade. Palavras-chave: Museus. Arte contemporânea. Cidades.

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Vares, Manoela Freitas. "CIBORGUE: UMA CONCEPÇÃO DO CORPO NA ARTE CONTEMPORÂNEA". Universidade Federal de Santa Maria, 2013. http://repositorio.ufsm.br/handle/1/5217.

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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
This contemporary art study aims to understand how the human body is modified through the contact with technological devices, especially considering Art and Technology works.The concepts of post-human and cyborg are discussed through the art works and so on studied and analyzed in the art field. The hybridization between human body and technology gives to it other features, widening or changing it and transforming it into a cyborg. This concept of cyborg talks about a body that shows new ways of communicating, establishing another power relations and, more importantly, assuming the features of being connectable, upgradeable and public. This master thesis helps the discussion and thinking about artistic experiences that use technologies that provides extensions of the body as an experience in the field of Contemporary Art.
Este estudo sobre a produção artística contemporânea visa compreender como o corpo humano é modificado a partir do contato com recursos tecnológicos, contemplando especialmente a produção em Arte e Tecnologia. Busca discutir, através das obras, os conceitos de pós-humano e de ciborgue, estudados e analisados no campo da arte. As alterações ou expansões do corpo lhe atribuem outras características, como a hibridação entre o corpo humano e as tecnologias, transformando-o em um ciborgue. Essa concepção nomeia um corpo que possui novos modos de comunicar-se, estabelece outras relações de poder e, mais importante, adquire as características de ser conectável, atualizável e público. Esta dissertação contribui para pensar e discutir as recentes experiências artísticas que as tecnologias disponibilizam para ampliar o corpo, como experiência no campo da Arte Contemporânea.

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Ferrony, Maria Cristina. "As potências da arte contemporânea e a educação". Universidade do Vale do Rio do Sinos, 2009. http://www.repositorio.jesuita.org.br/handle/UNISINOS/1984.

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Made available in DSpace on 2015-03-04T20:05:59Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 7
Nenhuma
A arte contemporânea é apresentada neste texto como um meio potente na construção de singulares sentidos para o aprendizado que se efetua na vida. O foco da pesquisa está na análise de algumas obras de arte que, a partir de seus efeitos de superfície, promovem essas perspectivas diferenciadas que se dão a ver em alguns elementos específicos da arte contemporânea. As análises das obras “O Grande Vidro ou A noiva despida por seus celibatários, mesmo”, de Marcel Duchamp (1887 – 1968), “Corpo de Passagem”, de Vânia Mombach, “O Nascimento de Afrodite – sobre a origem e criação” de Dione Veiga Vieira, e “Carrinho de Boneca”, de Lia Menna Barreto, foram realizadas buscando-se uma aproximação com as filosofias da diferença, utilizando-se como aportes teóricos alguns conceitos filosóficos de Friedrich Nietzsche, Gilles Deleuze, Felix Guattari e Maurice Blanchot e teorias de arte de autores diversos desse campo. Com as análises, realizadas sem um traçado uniforme relativamente ao método, é reconhecida uma série de sent

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Meiron, Julio. "Espaços para o corpo: antropometria na arte contemporânea". Universidade de São Paulo, 2012. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/93/93131/tde-18012014-122122/.

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A dissertação Espaços para o corpo: antropometria na arte contemporânea apresenta a pesquisa em relação às operações poéticas desenvolvidas em uma série de trabalhos artísticos; dentre os quais, recortes da produção tridimensional de Hélio Oiticica, Anish Kapoor e Ana Maria Tavares, que visam à criação do que chamaremos de escala antropométrica. Partindo da escultura, a construção desses tridimensionais, ainda que neles seja superada toda figuração, pode se aliar à escala que dimensiona o ser humano. Desse modo, essas obras se relacionam com o corpo do visitante ao se darem à sua experiência como trabalho artístico, uma dimensão, tanto poética, que inclui o espectador, ou o convida a participar dela. Em segundo passo, apresenta a pesquisa estética do próprio autor deste texto e em parceria com Deyson Gilbert, cuja produção resulta em explorações espaciais e temporais propondo questionamentos parcialmente sucedâneos aos dos artistas precedentes.
The dissertation Spaces for the body: anthropometry in contemporary art presents the research related to operations carried out in a poetic series of artworks, among which cutouts of Hélio Oiticicas, Anish Kapoors and Ana Maria Tavares three-dimensional production, aimed at creating what we will call anthropometric scale. Based on the sculpture, the construction of three-dimensional, although they can be overcome every figure representation, can be allied with the human scale. Thus, these works relate to the visitor\'s body when they give to their experience as artwork, a dimension, so poetic, that includes the viewer, or invites to participate. The second part presents the text author\'s aesthetic research (on his own and in partnership with Deyson Gilbert), whose production results in temporal and space exploration by proposing questions to partially succeed the previous artists.

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Baraúna, Danilo Nazareno Azevedo. "Modos de espacialização do vídeo na arte contemporânea". Universidade de São Paulo, 2016. http://www.teses.usp.br/teses/disponiveis/27/27161/tde-15052017-145233/.

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Neste trabalho analisaremos as operações utilizadas por artistas para estabelecer relações entre a videoarte e o seu espaço físico de instauração a partir do estudo de amostragens estratificadas de obras realizadas entre os anos de 1990 e 2015 pertencentes aos acervos do Festival de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil da Associação Cultural Videobrasil, do projeto de pesquisa \"Acervo de Videoarte paraense: sistematização e análise crítica\" (CNPq/SEC/MinC) e de obras coletadas em nosso Estágio de Pesquisa no Exterior (BEPE-FAPESP). Utilizamos um método de abordagem hipotético-dedutivo e método de procedimento de caráter tipológico. No primeiro capítulo levantaremos algumas caraterísticas do elemento espaço físico e os mecanismos de representação deste em imagens bidimensionais. No segundo capítulo discutimos as características do vídeo no par convergência/especificidade com relação a certas práticas e movimentos da televisão, cinema e computador, apontando para problematizações sobre a videoarte no espaço da galeria. No terceiro capítulo indicamos a análise de duas possíveis situações de espacialização do vídeo, às quais estão diretamente relacionados ao tamanho físico da imagem exposta no espaço. À primeira operação denominamos micro-espacialização e está relacionada ao vídeo em pequenas dimensões com relação ao espaço e ao público, constituída por modos de espacialização diferenciados, a saber: 1) Vídeo-espaço; 2) Aparelho-espaço; 3) Vídeodistensão. Classificou-se como macro-espacializações a segunda operação, ligada à exibição do vídeo em grandes proporções em relação ao espaço e ao corpo do espectador a partir de projeções ou multiplicação de monitores, formada por modos de espacialização denominados de: 1) Situação-cinema; 2) Vídeo-cenário; 3) Vídeo-dilatação. Para efeito de análise utilizamos os estudos de alguns autores como: Arlindo Machado (1997 e 1988), Brian O\'Doherty (1999), Chris Meigh-Andrews (2014), Claire Bischop (2005), Erika Balsom (2013), Henri Bergson (2012), Lev Manovich (2001), Maurice Merleau-Ponty (2014 e 2011), Michael Rush (2014 e 2006), Noel Burch (2011), Phillipe Dubois (2004), e Timothy Barker (2012).
In this work we aim to analyse the operations used by artists to establish relationships between video art and its physical space of instauration from the study of stratified samples of works of art produced betwen the years of 1990 and 2015 in the collections of Contemporary Art Festival Sesc_Videobrasil of Cultural Association Videobrasil, from research project \"Collection of Video art from Pará: sistematization and critical analysis\" (CNPq/SEC/MinC) and the works of art collected during our Research Internship Abroad. We used a hipothetical-deductive approach and a tipological method of procedure. In the first chapter we will rise some characteristics of the physical space and the mechanisms of its representation in bidimensional images. In the second chapter we discuss the video characteristics from the convergences/specificities related to some practices and movements on television, cinema and computer, showing the problematization of videoart in the space of gallery. In the third chapter we indicate the analysis of two possible video\'s spacialization, related to the physical size of the image exhibted. We called the first operation micro-spacialization, related to video in small size in its relationships with the space and public body\'s, constituted by the following modes of spacialization: 1)Video-space; 2) Device-space; 3) Video-distension. The second operation Macro-spacialization, is related to video exhibition in large scales from video projections and the multiplication of monitors, formed by these modes of spacialization: 1) Cinema-situation; 2) Video-scenario; 3) Video-dilatation. To the analysis of these situations we used the studies of some authors, including: Arlindo Machado (1997 and 1988), Brian O\'Doherty (1999), Chris Meigh-Andrews (2014), Claire Bischop (2005), Erika Balsom (2013), Henri Bergson (2012), Lev Manovich (2001), Maurice Merleau-Ponty (2014 and 2011), Michael Rush (2014 and 2006), Noel Burch (2011), Phillipe Dubois (2004), and Timothy Barker (2012).

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Genioli, Ana Amélia Corazza. "Identidade como Territorialidade em trabalhos de Arte Contemporânea". Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, 2005. https://tede2.pucsp.br/handle/handle/4245.

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Made available in DSpace on 2016-04-26T18:10:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Ana Amelia Corazza Genioli.pdf: 7329161 bytes, checksum: a2cf5caeb757cf7a4ee164b547abe878 (MD5) Previous issue date: 2005-09-01
Through the reading of theoretical texts and contemporary works of art this research examines three aspects of the concept of frontiers or borders: frontiers between individuals and territory between individuals and communities and frontiers inside the art system itself The methodology used did not focus on one specific area of knowledge instead it covered several areas under the auspices of the theory of communication (Sodré 2002 Greiner e Katz 2005 e Sebeok 1991) artistic research (Miwon Kwon 2002) and some topics discussed under the aegis of cognitive science (Lakoff e Johnson 1987) as well as the theory of culture (Bhabha 1998 Shohat e Stam 1998) The first chapter investigates the concept of space transformed into place through the mediation of the individual and how in artwork determinate elements can designate categories The works themselves inform through signs which are the product of the artist s expression in a certain ambient that will be understood by the spectator or participant through the mechanisms that organize communicational systems It also analyses situations where the media itself is transformed into ambience The two following chapters concern situations outside the individual focus and also contextualize situations of frontiers from the point of view of individuals in communities It presents strategies of resistance to discourses given a priori based on narratives of in-between places and the comprehension of plural and partial identities The third chapter also analyses artwork and theory concerning the relativisation of systems and the fouth chapter concerns the work of three artists that consider the limits set by the art system itself The focus of this work has been developed from the tensions conflicts and ambiguities referring to the notion of frontier established by cultural constructs From the undestanding of the process of construction of these senses emerges the necessity for new options that will propose alternative concepts including concepts concerning curatorial work as disscussed at the end of this dissertation The questioning of cultural frontiers affects the curatorial experience as it highlights the relational nature of a group of work their signifying components and their context as open sense a continuum that gravitates between political posture and artist creation
Através de leituras de textos teóricos e trabalhos de arte contemporânea esta pesquisa aborda o sentido de bordas ou fronteiras acerca de três focos específicos: as fronteiras entre indivíduo e território entre indivíduos e comunidades e por fim as fronteiras do próprio sistema de arte Para tanto foi utilizada uma metodologia que não se restringiu a uma determinada área de conhecimento recorrendo a fontes diversas a partir de teorias da comunicação (Sodré 2002 Greiner e Katz 2005 e Sebeok 1991) pesquisas artísticas (Miwon Kwon 2002) e alguns tópicos discutidos no âmbito das ciências cognitivas (Lakoff e Johnson 1987) e das teorias da cultura (Bhabha 1998 Shohat e Stam 1998) O primeiro capítulo trata do espaço que se transforma em lugar pela mediação do sujeito Observa-se em trabalhos de arte como determinados elementos podem designar categorias e como a obra, ela mesma informa através de sinais que são produtos da expressão do artista em trânsito com o ambiente e que serão compreendidos pelo espectador ou participante através de mecanismos que organizam os sistemas de comunicação São abordadas ainda algumas situações em que a própria mídia se transforma em ambiência Os dois capítulos seguintes abordam situações fora do foco individual mas que também contextualizam uma situação de fronteiras a partir da reflexão acerca de indivíduos em comunidades São apresentadas estratégias de resistência a discursos dados a priori a partir de narrativas de entre-lugares e a compreensão da existência de identidades plurais e parciais No terceiro capítulo são ainda analisadas obras de arte e teorias concernentes à relativização dos sistemas e o quarto capítulo gira finalmente em torno de três artistas que problematizam através de seus trabalhos de arte os limites que o sistema de arte propõe A problemática deste trabalho desenvolve-se portanto a partir das tensões conflitos e ambigüidades referentes à própria noção de fronteira estabelecida pelos constructos culturais A partir da compreensão do processo de construção destes sentidos parece surgir a necessidade de novas opções que tragam conceitos alternativos inclusive no que diz respeito às experiências curatoriais O sentido de questionamento das fronteiras culturais projeta-se para a experiência curatorial na medida em que evidencia a natureza relacional das obras seus componentes sígnicos e o seu contexto como algo que tenha um sentido aberto um continuum entre vida política e criação artística

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COUSTON, JUNIOR John Fletcher. "Trânsitos (in) visíveis diálogos na arte contemporânea paraense". Universidade Federal do Pará, 2011. http://repositorio.ufpa.br/jspui/handle/2011/7769.

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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
A presente pesquisa visa traçar uma reflexão crítico e teórica em torno de obras de arte contemporâneas expostas em salões e exposições na cidade de Belém, Pará. Tal cartografia visual possibilitará um viés de compreensão acerca do papel de indício antropológico que a arte possui num mundo fluido, híbrido e interconectado. Nesse sentido, a discussão será amparada pelo conceito de Dialogismo, proposto por Mikhail Bakhtin e seu círculo de pesquisa, de forma que o respectivo conceito será atualizado por operações intertextuais e intersemióticas. As operações mencionadas, em uma relação filosófico-conceitual, se proporão em servir de rota para se compreender os processos culturais das sociedades contemporâneas. Associa-se à discussão o papel que esses processos de culturalidade trazem como desdobramentos nas sociedades da América Latina, não mais empreendendo uma trajetória uniforme e contínua, mas uma teia rizomática de apropriações, lealdades transitórias e visualidades.
The following research aims to propose a critical and theoretical reflection towards examples of contemporary art exposed in exhibitions and museums in the city of Belém, Pará. This visual guide map will make possible a comprehension look related to the anthropological signals that art has in a fluid, hybrid and interconnected world. So in this sense, the discussion will be guided by the concept of Dialogism proposed by Mikhail Bakhtin and his research group on a way that it can also be renewed to our context through intersemiotics and intertextuality operations. The mentioned operations, on a philosophical and conceptual relation, will try to provide a route to understand the cultural processes of the contemporary societies. Associated to the discussion there is the role that the cultural processes perform on the Latin America societies, not intending to pave a uniform and continuous path, but a rizomatic net of appropriations, ephemerons loyalties and visual concepts.

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Mendonça, Vera Rodrigues de. "Comunicação estética na arte contemporânea: mediação e institucionalidade". Universidade do Estado do Rio de Janeiro, 2010. http://www.bdtd.uerj.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=3314.

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Este texto reflete sobre os processos de comunicação constituidores da relação obra-espectador, tratando a mediação em sua forma ampliada. A recepção de uma obra se organiza por inúmeros canais comunicativos equivalentes aos vários modos possíveis de sua presença. Esses vetores são permeados por fatores que envolvem o público a partir do ponto de expectativa desse encontro, assim como a recepção se desenvolve como possibilidade de ação de intercâmbio com o artista em seu projeto de elaboração da obra. Os vetores ligam os dois pontos − produção e recepção − e, aí, apresentam-se também os mecanismos que institucionalizam a produção como obra de arte. Essa cadeia de ações mediadoras se estabelece como nosso objeto de estudo e pesquisa. A Bienal do Mercosul se caracterizou como campo privilegiado para este trabalho
This text thinks over the process of comunication that constitutes the work-viewer relation, treating the mediation in its larger form. The reception of a work works out through many comunicative channels that match several possible ways of its presence. These vectors are permeated by factors that involve the audience as from the expectation of this clash, as well as the reception improves itself as a possibility of trade with the artist in his work elaboration project. The vectors connect two spots − production and reception − and at theses spots are present the mechanisms that institutionalize the prodution as a work of art. This mediatorial actions chain is established as our study and research object. The Bienal do Mercosul was featured as a privileged field for this work

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Günther, Luisa. "Experiências (des)compartilhadas : arte contemporânea e seus registros". reponame:Repositório Institucional da UnB, 2013. http://repositorio.unb.br/handle/10482/15774.

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Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Departamento de Sociologia, 2013.
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As estruturas teóricas de uma área de conhecimento podem ser consideradas práticas do saber. Com especificidades características, cada uma destas práticas possui modos de visibilidade e de dizibilidade que atribuem sentido e conferem significado aos seus interesses. Com isto, muitas vezes são os próprios métodos e metodologias que configuram seus objetos de pesquisa e transformam um saber em discurso legítimo. O lugar da Sociologia da Arte, por entre outras estruturas teóricas, pode ser um melindre caso esta não estabeleça diálogo com outras tradições de conhecimento do artístico (a Estética, a Crítica e a História da Arte) bem como, se não considerar o próprio artístico, para além de um objeto de pesquisa, como estrutura de práxis teórica de predicados próprios. Com a intenção de contaminar a Sociologia da Arte com procedimentos poéticos das artes visuais, esta pesquisa configura sua existência como coisa do sensível que confabula com o cotidiano enquanto fragmento do instante. A pesquisa buscou desdobrar visualmente a análise autopoética de uma prática híbrida intitulada Pangrafismos Panfletários e como esta opera outras possibilidades em diferentes formatos de mídia impressa e digital. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT
The theoretical structures of a field can be considered knowledge practices. Due to their specific characteristics, each of these knowledge practices has it’s own visibility modes of speech that attach sense and give meaning to their interests. As a result, often enough the methods and methodologies of a field configures its research objects and transforms knowledge into a legitimate and institutionalized discourse. The place of Sociology of Art amongst other theoretical structures can be an explosive issue if it doesn't establish a fruitful dialogue with other traditions of artistic knowledge (Aesthetics, Art History and Art Critic) and, if it doesn't consider the artistic in itself, not solely an object of research, but as a theoretical Praxis structure with its own predicates. With the intent to infect Sociology of Art with poetic procedures of the Visual Arts, this research sets up its existence as a sensitive thing that perceives the everyday as a fragment of the instant. This research sought to deploy an autopoietic analysis of a visually hybrid practice entitled pangrafismos panfletários and how this can operate other possibilities in different formats of printed and digital media.

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Rupp, Bettina. "Residências em arte contemporânea : espaço, tempo e interlocução". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2017. http://hdl.handle.net/10183/158018.

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Esta pesquisa analisa a residência artística pelo atravessamento de três conceitos principais: espaço, tempo e interlocução, vistos como aspectos fundamentais nos programas inseridos dentro do campo da arte contemporânea. Para tanto, foi previsto um percurso histórico que apresenta a sua formação, como sendo um lugar que oferece espaço e tempo para que o artista possa trabalhar de forma imersiva em seus projetos. Além da experiência do deslocamento do antigo ao novo contexto, as residências costumam propiciar diálogo entre os artistas durante suas estadias, promovendo, assim, uma rede de contatos. Como uma forma de entender também o objeto de estudo dentro da realidade brasileira, foram pesquisadas iniciativas no País. Resultante disso, percebeu-se a recorrência de um diferencial afinado com as reflexões da arte contemporânea e disponibilizado aos residentes: o acompanhamento crítico, realizado de forma sistemática por diferentes profissionais do campo da arte. A existência dessa prática apontou a necessidade de um aprofundamento nessa etapa da pesquisa, sendo consultados tanto artistas quanto críticos e curadores para levantar um conjunto de percepções individuais. As informações foram obtidas com o auxílio de entrevistas e enquetes qualitativas. Ainda, visando ampliar as discussões sobre a presença dessa atividade, os depoimentos foram confrontados com os conceitos de espaço, tempo e interlocução, apresentados por outros autores, entre eles, Gaston Bachelard, André Comte-Sponville e Maurice Blanchot. Por fim, foi possível concluir algumas considerações relevantes sobre a presença dessa atividade reflexiva nos programas de residência artística da atualidade.
This research analyzes the artistic residence through the crossing of three main concepts: space, time and interlocution, seen as fundamental aspects in the programs inserted within the field of contemporary art. For that, it was foreseen a historical course that presents its formation, as being a place that offers space and time for the artist to work of immersive mode in his projects. In addition to the experience of the displacement between the old and the new context, the residences usually provide dialogue among the artists during their stays, thus promoting a network of contacts. As a way of understanding also the object of study within the Brazilian reality, initiatives were researched in the Country. Resulting from this, it was noticed the recurrence of a differential attuned to the reflections of contemporary art was made available to residents: the critical support by different professionals in the field of art. The existence of this practice pointed to the necessity of a deepening in this stage of the research, being consulted as much artists as critics and curators to raise a set of individual perceptions. The information, was obtained with the aid of interviews and surveys. Aiming to broaden the discussions about the presence of this activity, the statements were confronted with the concepts of space, time and dialogue, presented by other authors, among them Gaston Bachelard, André Comte- Sponville and Maurice Blanchot. Finally, it was possible to conclude some relevant considerations about the presence of this reflexive activity in the programs of artistic residence of the present time.

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Santos, Ana Maria Coutinho Barros de Figueiredo dos. "Arte contemporânea em contexto do ensino do desenho". Master's thesis, Universidade de Aveiro, 2011. http://hdl.handle.net/10773/7282.

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Resumo:

Mestrado em Criação Artística Contemporânea
Ao propor o diálogo com a arte, o projeto de investigação “Arte Contemporânea em contexto do ensino do Desenho” pretendeu desenvolver a criatividade dos alunos assim como a capacidade de criação de conceitos e de narrativas visuais. Respondendo à urgência de respostas às inquietações atuais da ação docente, esta investigação foi construída como contributo para a melhoria da qualidade do processo de ensino-aprendizagem. Com este projeto pretendeu-se também incentivar o interesse pela arte e contribuir para o desenvolvimento de públicos com a arte. Esta investigação aprofundou questões relacionadas com o ensino do Desenho e a Arte Contemporânea, para tal investigaram-se algumas áreas como a Educação Artística, a Criatividade, a Cultura Visual, as Narrativas Visuais e o Desenho. No desenvolvimento do projeto em contexto de ensino, na disciplina de Desenho, foram utilizadas várias metodologias que abarcaram visitas de estudo, análise e interpretação de obras, concretização de trabalhos práticos e montagem de exposição. No desenvolvimento do seu trabalho os alunos utilizaram o desenho, a fotografia, o vídeo a instalação e a performance.
Proposing a dialogue with art, the investigation project "Contemporary Art in the context of teaching Drawing" intended to develop students' creativity, as well as their ability to create concepts and visual narratives. Answering the urgency for responses to the current teachers's concerns, this investigation was aimed as a contribution to the quality of the teaching-learning process. This project was also meant to increase the interest in art, contributing to the development of audiences with art. The investigation approached questions pertaining to the teaching of drawing and contemporary art, extending to areas such as artistic education, creativity, visual culture, visual narratives and drawing. Several methodologies were chosen in the development of the project in the teaching context, specifically on the subject Drawing; those methodologies included fieldtrips, work of art analysis and interpretation, practical work and exhibition setup. In their work, the students used drawing, photography, video, installation and performance.

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Cerqueira, Maria Celeste Teixeira. "A interdisciplinaridade em algumas obras de arte contemporânea". Master's thesis, Universidade de Évora, 2007. http://hdl.handle.net/10174/16393.

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Resumo:

No campo artístico a rutura introduzida pela liberalização dos recursos e práticas artísticas questionou os fundamentos do academismo apoiando-se na investigação e na experimentação. Este trabalho de investigação tem como tópico a interdisciplinaridade que, ao longo do século XX, diluiu as fronteiras rígidas sustentadas pela trilogia da arte erudita defendida desde Vasari e assumiu, em seu lugar, a pluralidade da expressão artística. A transição entre o modernismo, as vanguardas e a arte contemporânea não se fez sem difculdades e para aprofundar o seu entendimento procedi ao estudo de obras e textos sobre arte que, de algum modo, apontaram novos caminhos e formas de conhecimento ao assumiram a atividade interdisciplinar como um importante campo aberto de possibilidades artísticas. Neste trabalho, apresento diversos conceitos chave que remetem para a interdisciplinaridade: a obra de arte total (Richard Wagner), a teatralidade (Michael Fried), o campo expandido (Rosalind Krauss) e o fim das meta-narrativas (Arthur Danto). Apresento também diversos trabalhos artísticos em que a interdisciplinaridade é relevante: Wassily Kandinsky, Nam June Paik, Jessica Stockholder e Lygia Clark. /ABSTRACT - The rupture introduced by the liberalization of resources and aitistic practices questioned the fundamentals of academism in the artistic field. This split was based on investigation and experimentalism. This investigative work highlights the interdisciplinary, which, throughout the 20th Century, diluted the strict borders sustained by the scholarly art trilogy defended since Vasari, and replaced it for the pluralism of artistic expressions. The transition between modernism, avant-garde and contemporary art did not happen smoothly. A study was based upon writings and texts about art, which led to new ways and forms of knowledge, assuming the interdisciplinary as an important open field for artistic possibilities. In this endeavour I present key-concepts that refer to interdisciplinary relationships: the end of the Metanarratives (Arthur Danto), The Total Work of Art (Richard Wagner), Theatricality (Michael Fried) and Expanded Field (Rosalind Krauss). Also I present examples of artwork, in which the interdisciplinary is important: Wassily Kandinsky, Nam June Paik, Jessica Stockholder e Lygia Clark.

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Flausino, Rosivaldo da Silva. "Representações sociais sobre o ensino de arte contemporânea". Florianópolis, SC, 2008. http://repositorio.ufsc.br/xmlui/handle/123456789/90960.

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Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Programa de Pós-Graduação em Educação.
Made available in DSpace on 2012-10-23T17:11:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 252692.pdf: 9975423 bytes, checksum: 1a7fd8c6b0215769e4a1651f77e4d009 (MD5)
Estudo das representações de professores de Artes Visuais da Rede Municipal de Ensino de Florianópolis, atuantes no Ensino Fundamental (5ª a 8ª série), sobre o ensino de Arte Contemporânea. Busca compreender como estes professores representam socialmente o ensino da produção plástica de nossos dias nas escolas em que atuam, considerando também as condições institucionais, materiais e de ambiente físico fornecidas pela rede mantenedora. Para atingir esse objetivo foram investigados os seguintes aspectos: o que o professor pensa sobre a forma como a Disciplina de Artes está inserida no currículo do ensino fundamental; que fatores são levados em consideração no momento de seleção dos temas a serem trabalhados; o que motiva o professor na seleção desses; se o professor acredita que esses temas e conteúdos provocam alguma modificação nos alunos; se o professor insere, no seu planejamento, visitas a espaços de exposição; o que esse professor pensa sobre a produção plástica contemporânea; e se pensa que essa produção pode contribuir para o Ensino de Arte. Esses dados foram coletados junto aos docentes a partir de visitas às escolas, anotações sobre os ambientes observados e entrevistas semi-estruturadas. Para o tratamento dos dados foi utilizada a técnica de construção do Discurso do Sujeito Coletivo (DSC), elaborada por Fernando Lefévre e Ana Maria Lefévre, além de adequações que se fizeram necessárias na utilização da técnica. Na análise e identificação das representações manifestas no DSC aportou-se à Teoria das Representações Sociais, formulada por Serge Moscovici, às teorias processualista, de Norbert Elias, e do construcionismo social, proposto por Peter L. Berger e Thomas Luckmann. No âmbito de atuação dos professores pesquisados, o ensino de arte, assim como a educação, passa por um momento difícil em sua realização plena, sofrendo com o pouco apoio de meios materiais e físicos, assim como o baixo apoio no âmbito institucional. No contexto estudado, a arte contemporânea é representada como difícil, embora seja dito que ela possa contribuir sobremaneira com o ensino de arte; contudo, é necessária uma estrutura institucional diferente da que está disposta na atualidade para que o trabalho seja realizado a contento.

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Teses / dissertações sobre o tema "Circuito de Arte Contemporânea"

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