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Artigos de revistas sobre o tema "Cine sonoro"
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Duarte Loza, Andrés. "Soundscapes narrativos en el cine: tres bandas sonoras de Tōru Takemitsu (1962-1966)". Revista Música 21, n.º 1 (27 de julho de 2021): 131–204. http://dx.doi.org/10.11606/rm.v21i1.188829.
Texto completo da fonteResumo:
El presente trabajo propone un modelo de análisis musical-sonoro de bandas sonoras de cine del compositor japonés Tōru Takemitsu en tres colaboraciones junto al director Hiroshi Teshigahara y el novelista, dramaturgo y guionista Kōbō Abe: La trampa (1962), La mujer de la arena (1964) y El rostro ajeno (1966). Takemitsu se presenta en estas realizaciones como un precursor de la composición de soundscape narrativo (paisajes sonoros narrativos) aplicado al campo del cine. Su pensamiento musical y estético para la composición de música de cine posee una gran afinidad con el concepto de soundscape (paisaje sonoro) y la filosofía musical del compositor canadiense Raymond Murray Schafer. En gran medida, debido a su interés común por John Cage. El enfoque metodológico, combina categorías de análisis del entorno acústico provenientes de los estudios sobre soundscape, categorías del campo de los estudios en música y sonido de cine, nociones estéticas de la música y las artes tradicionales japonesas y también categorías conceptuales creadas por el propio Takemitsu. Se analizó especialmente, la función narrativa de la banda sonora en relación con los distintos planos narrativos propuestos por el guión cinematográfico.
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Medina Ávila, Virginia, e Berenice Ponce Capdeville. "La voz de Dios: características en el cine de Hollywood". Anuario electrónico de estudios en Comunicación Social "Disertaciones" 12, n.º 2 (20 de julho de 2019): 179. http://dx.doi.org/10.12804/revistas.urosario.edu.co/disertaciones/a.6407.
Texto completo da fonteResumo:
El propósito de esta comunicación es analizar cómo se representa la voz de Dios en el cine y toma como punto de referencia películas de Hollywood. El interés es contribuir al estudio de la voz, más allá de los círculos de los especialistas foniatras y lingüistas, como objeto significante, personaje-voz (Chion, 2004, p. 29) en la narrativa cinematográfica; así como proponer una metodología de análisis para pensar la voz en el cine, desde una perspectiva cualitativa. El modelo elegido para analizar el lenguaje sonoro, y en particular describir la voz y los diferentes signos sonoros que poseen significado narrativo en el filme, parte del enfoque narratológico posclásico propuesto por David Herman (1999) y se asienta en la audionarratología, su más reciente disciplina. De esta manera, el análisis realizado en el lenguaje sonoro utilizado para representar la voz de Dios en doce películasdel cine hollywoodense bajo variables cualitativas permite concluir que, a pesar de haber detectado ciertos matices diferenciados, existen convenciones mantenidas a través de los años cuando de la representación de la voz de Dios en el cine de Hollywood se trata.
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Diez Puertas, Emeterio. "El cine y los escritores: una encuesta de los años 30". Anales de Literatura Española, n.º 39 (12 de junho de 2023): 25–52. http://dx.doi.org/10.14198/aleua.24900.
Texto completo da fonteResumo:
A comienzos de los años treinta, la llegada del sonoro supone un nuevo nacimiento del cine. Casi todo se cuestiona, se suspende, se deja al vaticinio. ¿El cine sonoro será teatro filmado? ¿Tiene sentido rodar una misma película en varios idiomas? ¿Debe ser el acento de determinada región de España la pronunciación de todo el cine hispano? Hay una necesidad de encontrar respuestas. El artículo estudia una de las iniciativas que en este sentido acomete Manuel Villegas López, uno de los críticos cinematográficos más importantes de España, entonces un joven en sus primeros pasos. Villegas decide entrevistar para Unión Radio a algunos de los escritores más importantes del momento esperando que sus respuestas señalen el camino.
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Ayala, Matías. "Voces y hablas en el cine durante la Unidad Popular". Comunicación y Medios 32, n.º 47 (30 de junho de 2023): 65–76. http://dx.doi.org/10.5354/0719-1529.2023.68206.
Texto completo da fonteResumo:
En este artículo se estudian los registros de sonidos, voces, hablas y diálogos en tres obras cinematográficas realizadas durante la Unidad Popular chilena: el documental La batalla de Chile (1975) de Patricio Guzmán, el largometraje de ficción Nadie dijo nada (1971) de Raúl Ruiz y el cortometraje documental Ahora te vamos a llamar hermano (1971) también de Ruiz. Desde el marco de los estudios sonoros se presta atención a la materialidad específica del aspecto sonoro del discurso fílmico y sus implicaciones culturales, sociales y políticas. En particular, estas voces y hablas —enmarcadas con la emergencia del sujeto popular durante la Unidad Popular— representan tres tipos distintos de concepciones de sujetos nacionales y populares: el habla popular como símbolo nacional, los diálogos de borrachos como comunidad inoperante y los espacios sonoros mapuche como deconstrucción nacional.
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Armell Femenía, Montserrat, e Antonio Ezquerro Esteban. "Música e imágenes hasta la llegada del cine. (Linterna mágica, armónica de cristal, fantasmagorías y teatro de sombras)". Anuario Musical, n.º 58 (30 de dezembro de 2003): 279. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2003.58.77.
Texto completo da fonteResumo:
La "pre-historia" del cine hablado, en lo relativo a la coordinación de imágenes en movimiento y sonido, supone un período extensísimo de tiempo, que abarca miles de años, desde la ilustración sonora de sombras proyectadas documentada en la antigua China, hasta prácticamente los albores del cinematógrafo, un avance tecnológico impensable —hoy en día más que nunca— sin la aportación que música y sonido han hecho al denominado séptimo arte. El presente trabajo pretende ofrecer una panorámica de la historia de la —documentadamente inconexa, aunque continua— preocupación humana por fijar el movimiento de un modo visual y sonoro a un tiempo, prestando particular atención a algunos logros técnicos de especial relevancia (la linterna mágica, la armónica de cristal, las fantasmagorías, el teatro de sombras), dentro del recorrido que facilitaría, ya entrado el siglo XX, el nacimiento del cine sonoro. Una mera introducción a un mundo fascinante y de plena actualidad, que, en el terreno puramente musicológico, por lo prácticamente virgen a fecha de hoy (y la escasísima y marginal bibliografía al respecto es la mayor prueba de ello), precisaría de nuevos y más detallados estudios.
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Alarcón, María Julia. "Cecilia Nuria Gil Mariño, Negocios de cine. Circuitos del entretenimiento, diplomacia cultural y Nación en los inicios del sonoro en Argentina y Brasil". Prismas - Revista de historia intelectual 24, n.º 1 (1 de junho de 2020): 326–28. http://dx.doi.org/10.48160/18520499prismas24.1151.
Texto completo da fonteResumo:
Cecilia Nuria Gil Mariño, Negocios de cine. Circuitos del entretenimiento, diplomacia cultural y Nación en los inicios del sonoro en Argentina y Brasil, Bernal, Editorial de la Universidad Nacional de Quilmes, 2019, 269 páginas
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Farías, Martín. "La música en los albores del cine sonoro chileno". Resonancias: Revista de investigación musical 43 (novembro de 2018): 43–66. http://dx.doi.org/10.7764/res.2018.43.3.
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Aragón Paniagua, Tatiana. "Losilla, Carlos: La invención de Hollywood. O cómo olvidarse de una vez por todas del cine clásico". Boletín de Arte, n.º 28 (25 de março de 2018): 709–12. http://dx.doi.org/10.24310/bolarte.2007.v0i28.4516.
Texto completo da fonteResumo:
Fábrica de sueños, meca de las estrellas y quintaesencia de la producción fílmica, el cine de Hollywood realizado entre los primeros años de la década de los diez (especialmente a partir de los años treinta, cuando se instauró definitivamente el cine sonoro) y la década de los sesenta, momento en que el sistema de estudios afrontó su crisis y posterior desmantelamiento, constituyó un fenómeno sin parangón en la historia de las cinematografías mundiales.
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Villegas, Alvaro Andres, e Santiago Alarcón. "Historiografía del cine colombiano 1974-2015". HiSTOReLo. Revista de Historia Regional y Local 9, n.º 18 (1 de julho de 2017): 344–82. http://dx.doi.org/10.15446/historelo.v9n18.58785.
Texto completo da fonteResumo:
Este artículo realiza un balance del estado actual de la investigación histórica sobre el cine colombiano. Con este fin, se buscó, leyó, reseñó y registró en una base de datos 96 trabajos entre artículos, capítulos de libro y libros, los cuales se dividieron en 9 grupos con características más o menos comunes: 1) historias “panorámicas”, 2) público y exhibición, 3) censura, crítica y cineclubes, 4) bio-filmografías, 5) representaciones cinematográficas de lugares o sujetos colectivos, 6) formatos y géneros, 7) cine mudo, 8) “primer cine sonoro”, y 9) cine de los sesenta y setenta. Finalmente, se enuncian algunos campos de investigación que consideramos promisorios, como lo son la historia tecnológica y económica, la historia de los públicos y la historia de la relación del cine con otros medios.
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Flores, Silvana. "Vínculos transnacionales entre México y Estados Unidos: la figura de José U. Calderón en la transición al cine sonoro /Transnational links between Mexico and United States: the figure of José U. Calderón in the transition to sound cinema". Kamchatka. Revista de análisis cultural., n.º 10 (29 de dezembro de 2017): 513. http://dx.doi.org/10.7203/kam.10.10821.
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Resumen: Proponemos indagar un aspecto de la cinematografía mexicana que ha tenido poca difusión en la historiografía sobre el cine de ese país: las actividades realizadas por el empresario mexicano José U. Calderón en relación a sus conexiones con Estados Unidos, en pos de las experimentaciones que signaron al período inicial del cine sonoro, que incluyeron la expansión de los cines nacionales tanto internamente como en el mercado exterior por medio de la distribución y exhibición de films. Para ello, se desglosarán diferentes aspectos que Calderón ha logrado desarrollar dando como resultado una expansión de la cinematografía mexicana de características transnacionales, como la experimentación técnica, la fundación de empresas de distribución, exhibición y producción, la contratación de artistas y el empleo de géneros como el musical y el melodrama. Dichos aspectos serán trabajados en función de los intercambios comerciales y estético-narrativos que se dieron entre México y Estados Unidos en ese período.
Palabras clave: Calderón, transnacional, cine sonoro, México, Estados Unidos.
Abstract: We propose to inquire an aspect of Mexican cinema that had very little diffusion in the historiography of the cinema of that country: the activities of Mexican entrepreneur José U. Calderón and his connections with United States in pursuit of experiments that marked the beginning of sound cinema, that included the expansion of national cinemas inside and outside through film distribution and exhibition. For that purpose, we will develop different aspects that Calderón achieved resulting in an expansion of Mexican cinema into the transnational, as technical experimentation, the foundation of distribution, exhibition and production enterprises, the recruiting of artists and the uses of genres as musical and melodrama. Those aspects will be worked taking into account the commercial and aesthetic-narrative exchanges made between Mexico and United States during that period.
Keywords: Calderón, transnational, sound cinema, Mexico, United States.
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Bedoya, Ricardo, e Isaac León-Frías. "Películas favoritas: desde los inicio del cine sonoro hasta 1958". Ventana Indiscreta, n.º 009 (24 de março de 2013): 30. http://dx.doi.org/10.26439/vent.indiscreta2013.n009.315.
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Vidal, Cyril. "Evolución de la representación del dentista en el cine". Revista de Medicina y Cine 19, n.º 1 (24 de março de 2023): 53–60. http://dx.doi.org/10.14201/rmc.31200.
Texto completo da fonteResumo:
A lo largo de los años y con la evolución del cine, las representaciones de los dentistas también han evolucionado. Desde el cine mudo hasta el sonoro, desde el blanco y negro hasta el color, desde Hollywood hasta el cine europeo, hemos tratado de identificar las características del dentista en las películas. De ser un personaje secundario y anecdótico, ha pasado a ser el protagonista por excelencia.
De ser una caricatura y un argumento guionizado, el dentista se ha ido convirtiendo en un protagonista complejo. Estos cambios influyen en la percepción que el público tiene de la profesión dental, lo que permite esperar una mejor relación entre pacientes y dentistas, con el objetivo de mejorar la salud pública bucodental.
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Espinosa-Mirabet, Sílvia. "Sánchez Cordovés: el ingeniero que abrió la radio a las mujeres". Historia y Comunicación Social 26, n.º 2 (2 de dezembro de 2021): 417–27. http://dx.doi.org/10.5209/hics.77075.
Texto completo da fonteResumo:
Este trabajo revelará algunas facetas desconocidas del último director de Radio Barcelona antes de la Guerra Civil. Joaquín Sánchez Cordovés, conocido por sus excelentes habilidades técnicas en la radio, atraído por el primer cine sonoro y precursor de la televisión en España, era también un amante de la cultura y de la música popular. Esta investigación dará a conocer una pieza sonora inédita: el único fragmento de voz preservado de Sánchez Cordovés gravado en los años 30 del siglo XX, ante los micrófonos de Radio Barcelona. Su preocupación por el audio y su amor por la cultura, además de una visión moderna del negocio de la radio fueron elementos determinantes para propiciar la incorporación de mujeres en las tareas radiofónicas. Sánchez Cordovés les abrió la puerta.
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Zavala, Lauro. "Análisis del sonido: un modelo para el análisis del sonido en el cine". Revista académica estesis 5, n.º 5 (10 de dezembro de 2018): 6–31. http://dx.doi.org/10.37127/25393995.27.
Texto completo da fonteResumo:
En estas notas presento algunas reflexiones sobre lo que podría ser llamado el Giro Sonoro en los estudios cinematográficos. Enseguida presento un modelo para el análisis del lenguaje cinematográfico en el cine musical. Y cierro estas notas con un glosario de conceptos originados en los estudios musicológicos que pueden ser extrapolados al análisis del lenguaje cinematográfico.
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Zahedi, Farshad. "Irán-India, relaciones cinematográficas: una revisión histórica del filmfarsi". Miguel Hernández Communication Journal 13 (28 de julho de 2022): 451–70. http://dx.doi.org/10.21134/mhjournal.v13i.1468.
Texto completo da fonteResumo:
Este estudio es una revisión de la historia del cine popular iraní en sus años de formación después de la llegada del sonoro. Conocido como filmfarsi, este cine se estructura mediante una relación con el cine indio, particularmente procedente de Mumbai. Se abordan los eventos históricos que posibilitan el traspaso desde India a Irán, un nuevo conocimiento, una nueva fórmula de creación fílmica de enorme recepción popular. Será objeto de una exploración historiográfica, la creación de los primeros filmfarsi, desde los primeros contactos entre los cineastas artesanos de ambos países en la década de 1930, hasta los casos paradigmáticos como Sangam (Ray Kapur, 1964) y El tesoro de Gharun (Gany-e Gharun, Siamak Yasami, 1965), películas que marcan un punto de inflexión en la historia del cine iraní. Además, el texto examinará las coproducciones irano-indias que, aunque escasas, muestran la colaboración profesional entre ambos países que resultan en tendencias estéticas y narrativas comunes.
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Fuentefría-Rodríguez, David. "Monstruos de la Universal: la etapa silente y los mitos del sonoro". Fotocinema. Revista científica de cine y fotografía, n.º 6 (17 de março de 2013): 143–70. http://dx.doi.org/10.24310/fotocinema.2013.v0i6.5913.
Texto completo da fonteResumo:
En coincidencia con el centenario en 2012 de los legendarios EstudiosUniversal, este trabajo propone unexhaustivo análisis crítico sobre laconstrucción de sus principales símbolos terroríficos, la mayoríainspirados en la literatura, que entre los años 1923 y 1941 conformaron la estructura mitogénica del denominado “monstruo clásico”. Tanto en la etapa silente, como con la irrupción del sonoro, las películas de terror de la Universal marcaron un paso imprescindible en la evolución de este género canónico, y a ellas se debe buena parte del ingente desarrollo posterior del mismo.Palabras clave: Estudios Universal; terror; monstruos; cine mudo; cine sonoro; mito; novela.In coincidence with 2012 legendary Universal Studio´s centenary, this paper proposes an exhaustive critical analysis on the construction of its principal terrifying symbols, the majority inspired by literature, which between 1923 and 1941 shaped the myth structure of the socalled "classic monster". In both stages, silent and sonorous movies, the terror of Universal Studios marked an indispensable step in the evolution of this canonical genre, and to them it is owed a good deal of its enormous later development.Keywords: Universal Studios; terror; monsters; silent movies; sonorous movies; myth; novel.
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Aguilera-Ruiz, Oscar. "Jóvenes de película: genealogía y cine juvenil en Chile del siglo XX". Revista Latinoamericana de Ciencias Sociales, Niñez y Juventud 22, n.º 2 (25 de abril de 2024): 1–16. http://dx.doi.org/10.11600/rlcsnj.22.2.6249.
Texto completo da fonteResumo:
(analítico)Exponemos resultados de una investigación cuyo propósito es analizar genealógicamente la representación juvenil a partir de las películas de ficción chilenas producidas entre 1939-1999. El trabajo investigativo implicó analizar 43 largometrajes de ficción sonoro, construir archivos de documentos y productos culturales vinculados con cada época, así como documentar directores y las propias películas. Los principales hallazgos se organizan alrededor de la noción de archivos de cine juvenil, que ofrece una metodología para trabajar en análisis cinematográfico, así como el reconocimiento de tres fórmulas de representación de lo juvenil en estas películas: clase, amor y sexualidad, trayectorias esperadas. Esto permite asentar la importancia de observar históricamente la producción de la categoría juventud y atender al papel que las producciones culturales como el cine tienen en la elaboración de ideas de juventud. Palabras clave: Juventud; cine; método histórico; Chile. Tesauro de Ciencias Sociales de la Unesco.
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Pulido Corrales, Catalina, e Rafael Utrera Macías. "Los orígenes del cinematógrafo en el sur: Andalucía y Extremadura". Artigrama, n.º 16 (9 de dezembro de 2022): 155–72. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_artigrama/artigrama.2001168424.
Texto completo da fonteResumo:
El nacimiento de la exhibición cinematográfica en Andalucía tuvo lugar en septiembre de 1896; a partir de entonces comenzó su progresivo desarrollo en la modalidad ambulante (barraca desmontable) y en la fija (local de usos múltiples). El nuevo espectáculo se mezcló con el teatro popular y las variedades aunque algunos empresarios ofrecieron exclusivamente películas programadas en «secciones». Desde los primeros años del siglo XX, una diversidad de aparatos y artilugios permitió conocer a los espectadores el cine «en color» y «el sonoro» así como la filmación de su propia ciudad proyectada poco después en la pantalla. Mucho más desolador resulta el panorama expuesto para la región Extremeña, donde la falta de vigor socio económico repercutió directamente en lo retardatario la expansión y el asentamiento del cine como nuevo espectáculo.
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Cardona Del Real, Felipe. "Videoloop, una nueva forma de montaje cinematográfico y una aproximación metodológica para su enseñanza". POLIANTEA 10, n.º 18 (14 de janeiro de 2015): 35. http://dx.doi.org/10.15765/plnt.v10i18.525.
Texto completo da fonteResumo:
<p>El lenguaje audiovisual, evidenciado en los tipos de montaje que describió Sergei M. Eisenstein en La forma del cine pareciera haberse detenido en el descubrimiento de sus recursos formales de imagen y sonido a finales de la década de 1920 con el Manifiesto del contrapunto sonoro. Lo que sucedió históricamente de la década de 1930 en adelante fue más un ejercicio estilístico que respondía a tendencias socioculturales de cada época, como el neorrealismo italiano, el free cinema inglés, el cine independiente estadounidense o el dogma 95 (todos realismos) con algunos aportes formales al lenguaje, como la cámara al hombro, el sonido directo, el uso de actores naturales, la iluminación natural o el plano secuencia, pero más de orden ideológico que formal. Viendo la aparición de videos con una nueva y auténtica forma, como los publicados por Lasse Gjertsen o Bond TV, ambos en Youtube, hay que revisar si ciertamente corresponden a una nueva forma de narrar y usar los elementos citados por Eisenstein, o si es una revisión actual de un concepto ya citado, en este caso del de montaje rítmico, o si gracias a la tecnología de producción audiovisual del siglo XXI algunas ideas de los cineastas rusos de la década de 1920 se materializaron con elementos sonoros, concretando y transformando hoy un sueño del pasado.</p>
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Legorburu, José María, Concha Edo e Aurora García González. "Reportaje sonoro y podcasting, el despertar de un género durmiente en España. El caso de Podium Podcast". Estudios sobre el Mensaje Periodístico 27, n.º 2 (20 de abril de 2021): 519–29. http://dx.doi.org/10.5209/esmp.71204.
Texto completo da fonteResumo:
Durante las últimas tres décadas, el reportaje, uno de los géneros periodísticos más ricos y mejor adaptados al mundo sonoro, ha ido quedando orillado en las parrillas de programación de las radios generalistas españolas por muy diversas razones. Sin embargo, el rápido desarrollo del podcasting podría suponer el final de este aletargamiento. Justamente, la propuesta periodística de Podium Podcast, la red global de pódcast nativo en español promovida por la división de radio del Grupo PRISA, estaría desempeñando un papel destacado en este cambio de tendencia. Así, en este trabajo se estudia hasta qué punto la emergencia de este nuevo formato de audio estaría influyendo en la recuperación del reportaje sonoro, a la vez que evalúa la oferta de esta plataforma en lo que a este género se refiere. Para ello, se ha empleado una metodología mixta, cuantitativa-cualitativa, con un extenso análisis de la propuesta de reportajes de Podium Podcast y una entrevista en profundidad con su principal responsable. Fruto de esa investigación se han obtenido resultados de interés, tanto en lo que se refiere a la recuperación de este género periodístico, como a su renovación, puesto que estaría mutando, al incorporar técnicas y características propias de la ficción sonora o del ámbito audiovisual (cine y televisión). Además, también se ha conseguido información de interés acerca de las técnicas de distribución y las vías de monetización más frecuentes en este tipo de producciones.
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López Villafranca, Paloma, e Silvia Olmedo Salar. "El proceso creativo y los elementos distintivos de la ficción sonora en radios y plataformas españolas: estudio de caso." Ámbitos. Revista Internacional de Comunicación, n.º 62 (2023): 88–103. http://dx.doi.org/10.12795/ambitos.2023.i62.05.
Texto completo da fonteResumo:
La ficción sonora resurge en España con la irrupción de las plataformas sonoras como la red de podcasts Podium Podcast desde el año 2016, la innovación experimental sonora de la emisora pública RNE con el Laboratorio de Innovación Audiovisual de RTVE y la emisión puntual de audiodramas en las cadenas de radio convencionales, que difunden estos espacios en momentos especiales. En esta investigación se realiza un estudio de caso de diez ficciones radiofónicas de la emisora pública RNE, las emisoras privadas Ser y Onda Cero y las plataformas Podium Podcast y Spotify. Para ello se aplica una metodología mixta en la que se combina el análisis de contenido de la muestra de las ficciones seleccionadas con entrevistas en profundidad a ocho expertos en sonido conocedores el proceso de ejecución de las ficciones sonoras en distintas facetas. Los resultados de la investigación subrayan los rasgos distintivos del género en cada una de las plataformas y emisoras analizadas y cómo la distribución y el consumo a la carta posibilitan el resurgir de la ficción sonora con producciones muy cuidadas en el diseño sonoro y orientadas a un público habituado al audiovisual y el cine, que ha evolucionado con respecto al tradicional radioteatro.
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Gómez Alemany, Joan. "Música y sonido en el cineasta-compositor Charles Chaplin". Itamar. Revista de investigación musical: territorios para el arte, n.º 9 (4 de julho de 2023): 216. http://dx.doi.org/10.7203/itamar.9.27005.
Texto completo da fonteResumo:
Introducimos la reflexión con el análisis de la relación de Charles Chaplin con los compositores de música clásica de su tiempo. Examinamos las múltiples influencias y estilos en los que Chaplin se apoya para componer la música de sus películas. Eso incluye el sonido en el más amplio sentido: ruido, sonido electrónico y vocal. Abordamos la conexión entre cine mudo y sonoro. Finalizamos con el análisis de tres películas importantes en su filmografía: Tiempos Modernos, en la que realiza una crítica de las tecnologías y la economía política. El gran dictador, mediante el uso de la música de Wagner y Brahms crea una contraposición estética e ideológica. Y, por último, Candilejas que es la más compleja de las tres en cuanto a la adaptación de la música y el sonido.
Palabras clave. Charles Chaplin, Cine, Música, Sonido, Interdisciplinaridad.
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Galván Gómez, Carlos Alejandro. "El primer auge de la industria de producción cinematográfica en México (1929-1936): una contribución a la historia económica del cine". H-industria, n.º 34 (18 de junho de 2024): 103–23. http://dx.doi.org/10.56503/h-industria/n.34(18)pp.103-123.
Texto completo da fonteResumo:
Por medio de un análisis con perspectiva empresarial, el presente artículo analiza el auge que experimentó la industria de producción cinematográfica mexicana a inicios de la década de 1930. Se propone que el auge debe ser entendido dentro del contexto de la transición internacional al cine sonoro y de efervescencia nacionalista en México. Del mismo modo, se propone que el auge fue resultado del aprovechamiento de dichos contextos por parte de la Compañía Nacional Productora de Películas, así como el entusiasmo generado por su cinta fundacional, Santa (Moreno, 1932). Los estudios sobre la industria cinematográfica mexicana han enfatizado el papel de los elementos estéticos y sociales para entender el desarrollo del cine mexicano, sin embargo, el presente estudio busca contribuir a esta historiografía incorporando elementos microeconómicos, así como herramientas de análisis de la literatura sobre formación de industrias.
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Gómez Pérez, Carmen. "Heterolingüismo en las versiones multilingües del cine clásico: el caso de <em>Der blaue Engel</em>". TRANS: Revista de Traductología 26 (31 de dezembro de 2022): 161–80. http://dx.doi.org/10.24310/trans.2022.v26i1.12557.
Texto completo da fonteResumo:
En este artículo nos proponemos estudiar la traducción audiovisual del primer filme sonoro de la cinematografía alemana, Der blaue Engel (von Sternberg, 1930), en su versión en inglés, The Blue Angel como propuesta pionera desde una perspectiva específicas de los estudios de traducción: el heterolingüismo. Nos interesará, asimismo, observar el proceso creativo de su director, Josef von Sternberg, como profesional que, por un lado, se ve enfrentado a la ampliación de los modos de comunicación en la transición del cine mudo al sonoro y, por otro, debe tomar decisiones acertadas como traductor de su propia obra. Asistimos, por lo tanto, a un momento privilegiado, rico en creatividad, en el que el reto del proyecto supuso rodar simultáneamente esta obra en alemán e inglés, con los mismos protagonistas, y siendo conscientes durante todo el proceso de los problemas artísticos, lingüísticos y culturales que se derivaban de la ampliación del modo de comunicación y de idioma.
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Guimarães, Leandro Afonso, e Guilherme Maia. "Tangos, ditaduras e carnavais: entrevista sobre o cinema musical argentino". Revista Extraprensa 11, n.º 1 (29 de dezembro de 2017): 300. http://dx.doi.org/10.11606/extraprensa2017.139655.
Texto completo da fonteResumo:
Nos primeiros trinta anos do cinema sonoro, o gênero musical foi de fundamental importância para o desenvolvimento da cinematografia de pelo menos três países da América Latina. No México, as comédias rancheras e os melodramas cabarateros. No Brasil, as chanchadas. Na Argentina, as películas tangueras. Nesta entrevista, Adrián Muoyo, diretor da Biblioteca e do Centro de Documentação e Arquivo do Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA), fala um pouco sobre sociedade e ditaduras, canções e filmes, principalmente (mas não só) argentinos, que fazem parte da história do musical cinematográfico latino-americano
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Sueiro Villanueva, Yolanda. "Melodías del cine: las regias funciones cinematográficas pre-talkies en Caracas, 1899-1930". Archivo Vallejo 7, n.º 13 (30 de janeiro de 2024): 289–320. http://dx.doi.org/10.59885/archivovallejo.2024.v7n13.13.
Texto completo da fonteResumo:
Nunca una película fue proyectada en medio de un silencio absoluto. Varios acoples musicales fueron incorporados, en los inicios o intermedios de la función —ignoramos con qué nivel efectivo de vinculación—, a la muestra fílmica que estaba completamente circundada por ruidos del exterior y del interior de la sala. Al mismo tiempo, las proyecciones constituidas por filmes diversos estaban insertas en programas de variedades que incluían ballets, números cómicos, atracciones y otros. La música tendría la función —en palabras de Burch— de combatir la contaminación del silencio diegético, ocasionada por ruidos incontrolados del exterior, por el vaivén del público en la sala, las conversaciones, etc., sustituyéndola por un espacio sonoro organizado, una especie de «hilo rojo tendido entre el filme y el espectador», en palabras de Marcel L’Herbier. Este trabajo pretende iniciar, desde la historia del cine, la recopilación de los músicos y de las prácticas musicales que se llevaron a cabo en Venezuela durante los años del cine silente.
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Díaz Boada, Sandro Alberto. "Fomento de oralidad y escritura en la cátedra “Cine, Economía y Sociedad”". Espiral, Revista de Docencia e Investigación 8, n.º 2 (28 de outubro de 2019): 139–60. http://dx.doi.org/10.15332/erdi.v8i2.2320.
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El presente texto revela aspectos fundamentales de un proyecto didáctico - pedagógico aplicado en el período académico 2017-1, denominado “Fomento de oralidad y escritura a través de los géneros mesa redonda, exposición y crítica de cine en la cátedra ‘Cine, Economía y Sociedad’”, elaborado con la participación de estudiantes de distintos programas académicos de la Universidad Industrial de Santander - UIS, Sede Bucaramanga. Al tener los dispositivos audiovisuales a disposición en el aula, y potenciando especialmente las expresiones cinematográficas de distintos formatos y géneros, el proyecto requirió de una reflexión intensa sobre la pedagogía de la imagen (y lo sonoro) que se bosqueja brevemente aquí. Asimismo, expone los distintos, pero complementarios métodos de evaluación implementados que requirieron de un alto grado de participación del estudiantado y obtuvieron resultados ampliamente satisfactorios. Al integrar elementos tan distintos y complejos como el cine, la economía y aspectos propios de la sociología y las ciencias sociales, la asignatura ha querido plantearse–estimulado por el cursado del Diplomado en Procesos Didácticos de Lectura, Escritura y Oralidad en Educación Superior (V Cohorte), por parte del docente encargado–una relectura de la cátedra para incrementar, fomentar y potenciar los procesos de oralidad y escritura en el ámbito de la educación superior.
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Martínez del Baño, Benito. "Copla, flamenco y cine". Revista de Investigación sobre Flamenco "La madrugá", n.º 18 (30 de dezembro de 2021): 141–49. http://dx.doi.org/10.6018/flamenco.485251.
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Few are the artists who really triumph in the song, during the first years of life of the cinema, and of the radio, at the beginning of the 20th century. Within the historical context that we will proceed to establish, reference will be made to music, focusing on the copla and flamenco, in the period in which the cinematographic image lacks sound integrated into the film band, being synchronized for years film and album in trade passes. In the early twenties, the most famous singer was none other than Raquel Meller, especially in the field of cuplé, without forgetting Pastora Imperio, who excelled in flamenco. But a new voice would arrive, that of Conchita Piquer. The three artists, versatile where they exist, each one from their place, change the history of cinema by participating in the shootings to which they are summoned. History and even biographers continue to mix dates, titles and formats today. The time has come to put the first years of cinema in order again, now with Conchita Piquer, who is the first Spanish artist to shoot a sound short film outside of Spain. Pocos son los artistas que realmente triunfan en la canción, durante los primeros años de vida del cine, y de la radio, a principios del siglo XX. Dentro del contexto histórico que procederemos a establecer, se realizará referencia a la música, centrándonos en la copla y el flamenco, en el periodo en que la imagen cinematográfica carece de sonido integrado en la banda de película, siendo sincronizado durante años película y disco en los pases comerciales. En los primeros años veinte, la más famosa cantante no es otra que Raquel Meller, sobre todo en el campo del cuplé, sin olvidar a Pastora Imperio, quien destacaba en el flamenco. Pero, llegaría una nueva voz, la de Conchita Piquer. Las tres artistas, polivalentes donde las haya, cada una desde su sitio, cambian la historia del cine al participar en los rodajes a los que son convocadas. La historia e incluso los biógrafos, continúan actualmente entremezclando fechas, títulos y formatos. Ha llegado el momento de poner en orden, nuevamente, los primeros años del cine, ahora con Conchita Piquer, quien es la primera artista española en rodar fuera de España un cortometraje sonoro.
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Candeloro, Antonio. "El cine de poesía de Pier Paolo Pasolini: entre La ricotta e Il Vangelo secondo Matteo". 1616: Anuario de Literatura Comparada 11 (24 de janeiro de 2022): 181–201. http://dx.doi.org/10.14201/1616202111181201.
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El objetivo de este artículo es ilustrar algunas escenas emblemáticas de La ricotta (1963) y de Il Vangelo secondo Matteo (1964) de Pier Paolo Pasolini para analizar cómo el escritor y cineasta italiano reescribe en función poética el texto bíblico, teniendo en cuenta tanto la importancia que cobran las imágenes como los demás elementos cinematográficos, como el uso de la pintura, en función de reescritura intertextual del espacio físico en el que se desarrolla la acción, y de la música, en función de comentario sonoro extradiegético de lo que se narra en la pantalla.
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Blázquez, Gustavo. "Cine, tecnologías del erotismo y homosexualidades masculinas en Argentina". Estudios digital, n.º 34 (12 de fevereiro de 2016): 273–87. http://dx.doi.org/10.31050/re.v0i34.13347.
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Este trabajo analiza los modos de amar entre varones, es decir modelos que permiten imaginar y experimentar las relaciones (homo)afectivas y las caricias entre hombres, a partir de la lectura de una serie de films argentinos. Específicamente nos interesa describir y comparar imágenes elaboradas en tres momentos históricos. En primer lugar nos detendremos en Extraña ternura, dirigido por Daniel Tinayre en 1964. Posteriormente será el turno de dos producciones de la década de 1980: Adiós Roberto (1985) de Enrique Dawi y Otra historia de amor (1986) de Américo Ortiz de Zárate. Por último, consideraremos El tercero de Rodrigo Guerrero estrenada en 2014 ya en los años de legalización del matrimonio civil entre sujetos del mismo sexo. Para acercarnos a estos textos visuales nos valemos de las nociones de «tecnologías del género» propuesta por Teresa de Lauretis y «guiones sexuales» elaborada por Gagnon y Simon (1974) en sus estudios sobre la conducta sexual. La lectura de las obras no se interesa exclusivamente por el texto visual y sonoro sino que atiende también diferentes indicios extradiegéticos y a la recepción del film a partir de datos construidos en un trabajo de campo junto con varones homosexuales en la ciudad de Córdoba.
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Goyena, Héctor Luis. "Esplendor y ocaso: el tango en el cine argentino entre 1930 y 1960". Revista del ISM, n.º 21 (14 de outubro de 2022): e0014. http://dx.doi.org/10.14409/rism.2022.21.e0014.
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Se realiza una aproximación a las distintas modalidades que desplegó el tango en el cine sonoro argentino entre los años 1930 y 1960, período en que el género musical tuvo su mayor auge en la cinematografía nacional. Se considera la trascendencia estética y artística de varias de las realizaciones para tratar de determinar en qué medida el tango contribuyó o no a potenciar la significación dramática y plástica de un film. Se examina parte de la obra de creadores como José Agustín Ferreyra y Manuel Romero que manejaron los resortes del tango haciendo que música y letras se fundieran en la trama y propendieran a incrementar las emociones que ambas producían en los espectadores. También se trata de brindar una perspectiva social, buscando delimitar cómo la música estudiada dentro de las producciones fílmicas fue recibida por el auditorio en un contexto determinado y tomando como fuentes principales de análisis, comentarios, artículos y críticas de diarios y revistas especializadas de la época.
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Bellamy Ortiz, Adriana. "Stalker: la imagen poética de la ciencia ficción". Nuevas Poligrafías. Revista de Teoría Literaria y Literatura Comparada, n.º 8 (20 de setembro de 2023): 77–93. http://dx.doi.org/10.22201/ffyl.29544076.2023.8.1903.
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El cine de ciencia ficción ha tenido importantes transformaciones vinculadas tanto a los avances tecnológicos de la industria cinematográfica como a la historia del cine en general. En muchos casos, aunque las películas que forman parte de este género suelen tener un énfasis visual en los efectos especiales y lo espectacular, en otras ocasiones más bien forman parte de la estilística-estética de un autor particular. De tal forma, Stalker, realizada en 1979 por Andréi Tarkovski, adapta la novela Picnic a la orilla del camino de los hermanos Boris y Arkadi Strugatsky para integrarla a una obra fílmica caracterizada por un trabajo minucioso de lo que Gilles Deleuze denomina la imagen-tiempo, basada en la duración de la toma larga, la composición visual, la presencia de los objetos al interior del encuadre, un empleo puntilloso de la luz y la amplitud del plano sonoro, tanto musical como analógico. En este artículo, mediante el análisis fílmico y comparativo de algunas secuencias, se verá cómo el proceso de adaptación parte de la novela para crear una de las películas más significativas del universo tarkovskiano no sólo porque fue el último proyecto en su tierra natal, sino también por la postura crítica que se traslada del texto a la pantalla.
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Arce. "DEL KINETÓFONO A "EL MISTERIO DE LA PUERTA DEL SOL". LOS COMIENZOS DEL CINE SONORO EN ESPAÑA". Revista de Musicología 32, n.º 2 (2009): 623. http://dx.doi.org/10.2307/41959289.
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Azevedo, Filipe Jhonata Schettini. "Sonoridades pulsantes: aspectos semiológicos do filme O farol". Simbiótica 9, n.º 1 (21 de maio de 2022): 88–105. http://dx.doi.org/10.47456/simbitica.v9i1.38302.
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Resumo Este trabalho analisa no filme O farol (The lighthouse, 2019), de Robert Eggers, as possibilidades no entrelace entre duas faixas do áudio: a da música e a do efeito sonoro. As análises buscam entender a influência desses itens na narrativa, seus impactos no público e como elas criam uma experiência imersiva, com simbolismos e significados próprios. Para nortear tais análises, foram usados conceitos e autores da semiologia, além de outras áreas pertinentes. Foram evidenciadas, em passagens do filme, ilustrações e aplicações dos conceitos abordados, que promovem a comprovação das informações relatadas. É importante salientar que a trilha de áudio não apenas pode ser um dos elementos que constituem uma obra audiovisual, como também pode ter um papel de protagonismo, criando (res)significações para a imagem e a narrativa. Palavras-chave: cinema; música; efeitos sonoros; semiologia. Abstract This work analyzes in the film The lighthouse (2019), by Robert Eggers, the possibilities in the intertwining between two audio tracks: the music and the sound effect. The analyzes seek to understand the influence of these items on the narrative, their impact on the audience, and how they create an immersive experience, with their own symbolisms and meanings. To guide such analyzes, semiology concepts and authors will be used, in addition to other relevant areas. In passages of the film, illustrations and applications of the concepts covered will be evidenced, which promote the confirmation of the reported information. It is important to note that the audio track can not only be one of the elements that constitute an audiovisual work, but can also play a leading role, creating (re)meanings for the image and the narrative. Keywords: cinema; music; sound effects; semiology. Resumen Este trabajo analiza en la película El faro (The lighthouse, 2019), de Robert Eggers, las posibilidades en el entrelazamiento entre dos pistas de audio: la música y el efecto sonoro. Los análisis buscan comprender la influencia de estos elementos en la narrativa, su impacto en la audiencia y cómo crean una experiencia inmersiva, con sus propios simbolismos y significados. Para orientar dichos análisis se utilizarán conceptos y autores de semiología, además de otras áreas relevantes. En pasajes de la película se evidenciarán ilustraciones y aplicaciones de los conceptos abordados, que promueven la confirmación de la información reportada. Es importante señalar que la pista de audio no solo puede ser uno de los elementos que constituyen una obra audiovisual, sino que también puede jugar un papel protagónico, creando (re) significados para la imagen y la narrativa. Palabras clave: cine; música; efectos sonoros; semiología.
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Rodríguez Ortiz, Raúl. "El documental sonoro como herramienta comunicacional para la (auto) representación de personas afrodescendientes, indígenas y migrantes". Journal of Latin American Communication Research 9, n.º 1-2 (11 de julho de 2022): 73–97. http://dx.doi.org/10.55738/journal.v9i1-2p.73-97.
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Por qué el documental sonoro puede ser un género radiofónico útil como herramienta y producción comunicacional, de los procesos de representación e imaginarios de comunidades afrodescendientes, indígenas y migrantes, es el objetivo de este artículo. Continuando una línea de investigación y creación artística, sobre racismo y género, con personas migrantes y afrodescendientes en Chile, se plantea una discusión teórica documental, en la que se analiza el uso de este género y su contribución a los procesos de representación de estas comunidades. A través de la teoría de la representación y el racismo discursivo, y la comunicación alternativa expresada en formatos, como el video participativo o el cine comunitario, se complementa la discusión, a falta de una reflexión más acabada en este ámbito del medio radiofónico. Los resultados se pueden resumir en tres aspectos centrales: la importancia de la autorrepresentación de estos pueblos, que pueden ser cocreadores de estas producciones comunicacionales utilizando un género en expansión, sobre la base de sus historias de vida; la mirada de autor, que distingue al documental sonoro en estos procesos de investigación y creación, donde el concepto tradicional de representación se pone en tensión, para dar paso a obras que son conscientes del compromiso con estas comunidades; y, finalmente, cómo este tipo de producciones subvierte, tanto las formas de escucha como aquello que estamos acostumbrados a escuchar, a través de los medios de comunicación convencionales. Estos, muchas veces, invisibilizan, discriminan y construyen estereotipos de la cultura indígena, negra o migrante, en oposición a una cultura blanca, occidental y superior. Es decir, la cocreación, las narrativas sonoras y los procesos de recepción son agenciadores de un proceso de cambio cultural y comunicativo, desde adentro hacia afuera, en el que el documentalista es mediador de una práctica comunicacional compartida y consensuada.
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Sanabria-Solano, Iván. "Mirar con ruido. “She Knows so Many Secrets”". ESCENA. Revista de las artes 78, n.º 1 (4 de julho de 2018): 149. http://dx.doi.org/10.15517/es.v78i1.33915.
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En el presente artículo se analiza parte de la obra de la cineasta belga Chantal Akerman a partir del trabajo audiovisual Chantal: art, cinema, vie… [Chantal: arte, cine vida...] presentado en Festival Los Okupas, San José–Costa Rica, en diciembre de 2015. Dicho trabajo surge a partir de la noticia de la muerte de Chantal Akerman, quien decide acabar con su vida en octubre de 2015. En la realización del proyecto se reúnen Ronald Bustamante (noise) y Susan Campos (compositora), junto a la voz de Ana Echandi, la colaboración en curaduría visual de Ernesto Calvo y la edición del video por Catalina Barrantes. El ensayo se estructura a partir de los cinco títulos que componen cada apartado que, a su vez, corresponden a cada uno de los nombres de las cinco canciones que conforman el proyecto Beauty, Death Songs [Belleza, Canciones de Muerte], incluido en el álbum Minimal Agression (2015), de la compositora Susan Campos, junto a la poesía de Elise Plain. Dicho proyecto es de suma importancia debido a que sirvió como articulador sonoro para el trabajo audiovisual Chantal: art, cinema, vie… (2015).
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Gavilondo Rodriguez, Carlos Ernesto. "La producción de videos científicos: un acercamiento teórico." Alteridad 11, n.º 2 (29 de dezembro de 2016): 254. http://dx.doi.org/10.17163/alt.v11n2.2016.10.
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<p><em>El artículo expone los resultados de una investigación teórica acerca de la producción de videos científicos y su aplicación al proceso de enseñanza-aprendizaje llevada a cabo en centros educativos de la ciudad de Guayaquil, Ecuador. Se ubica dentro de la línea Producción y Comunicación Audiovisual. Creación de videos científicos, de la carrera de Comunicación Social con mención en producción audiovisual y multimedios de la Universidad Politécnica Salesiana. Para la realización del artículo fue necesaria la utilización de términos claves que ayudaron, posteriormente, a la recolección de datos. Se utilizan términos tales como: producción audiovisual, entendida como la producción de contenidos para medios de comunicación audiovisuales; especialmente el cine y la televisión; independientemente del soporte utilizado y del género, el siguiente termino que se utiliza es comunicación audiovisual, reconocida como el proceso en el cual existe un intercambio de mensajes a través de un sistema sonoro y/o visual; y el ultimo termino que utilizamos es el de video científico, que es aquel que utiliza los recursos audiovisuales para obtener información relevante y fidedigna, para entender, corregir o aplicar el conocimiento.</em></p>
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Díaz González, Diana. "Tendencias de la banda sonora del cine documental español: una panorámica del género, de los cuarenta al desarrollismo franquista". Cuadernos de investigación musical, n.º 17 (31 de janeiro de 2023): 172–86. http://dx.doi.org/10.18239/invesmusic.2023.17.07.
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Este artículo plantea un acercamiento a la evolución del documental español, de los años cuarenta a los sesenta, poniendo el foco en la banda sonora musical de este periodo del cine español de no ficción. Así, se ofrece una panorámica del género en el contexto histórico del cine español en los años del franquismo, incidiendo en prácticas musicales en la banda sonora; primero, de la vía del cine oficial determinada por la actividad de NO-DO, el Noticiario Cinematográfico Español, en los años cuarenta y cincuenta. Seguidamente, aportamos valoraciones sobre la participación narrativa y emocional de la banda sonora musical en una selección de títulos de la vía renovadora del documental español, que se inicia a fines de los cincuenta y se desarrolla en la década siguiente, con la influencia del realismo crítico y las tendencias artísticas de vanguardia.
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Buljančević, Rastko. "Significantes intertextuales en la banda sonora de Bernardo Bonezzi: paradigma del cine de Pedro Almodóvar". Cuadernos de investigación musical, n.º 15 (11 de maio de 2022): 221–39. http://dx.doi.org/10.18239/invesmusic.2022.15.18.
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A pesar de su reconocible habilidad compositiva, Bernardo Bonezzi no escapó a la influencia de los grandes compositores tanto clásicos como cinematográficos. Así, varias de sus obras, especialmente las del cine de Pedro Almodóvar, están muy arraigadas en el lenguaje compositivo de Nino Rota, Bernard Hermann, Erik Satie e Igor Stravinski. Primero, han sido identificadas las referencias musicales prestadas y, luego, su reubicación en un nuevo contexto sociohistórico, geográfico y cultural-ideológico. Se analiza de forma detallada el empleo del vals nombrado “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, compuesto bajo el entrelazamiento intertextual de la banda sonora de diversas películas de culto. Este artículo aborda un nuevo método analítico donde el uso de los recursos sonoros preexistentes adquiere un nuevo significado: el sensorial y el afectivo además del conceptual. De esta forma resulta útil descifrar las cadenas de significantes intertextuales en la música bonezziana y determinar si entre ellas convive una voz auténtica del autor.
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Gil Zulueta, Jorge. "El maestro Suñé, un caso paradigmático como músico y director en el acompañamiento musical cinematográfico de la tercera déca da del s. XX en Barcelona". Popular Music Research Today: Revista Online de Divulgación Musicológica 4, n.º 2 (7 de fevereiro de 2023): 97–113. http://dx.doi.org/10.14201/pmrt.30384.
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Esta publicación presenta una inicial reconstrucción de la trayectoria de uno de esos músicos «anónimos» que se dedicaban al acompañamiento musical de las películas en los años veinte del pasado siglo. José Suñé Tomás aparece referenciado en los medios de prensa y revistas cinematográficas de la época como «el maestro Suñé» junto a la orquestina de su propio apellido. Pero en este caso no es un nombre más entre los dispersos en las agendas culturales, sino que sobresale en determinados reportajes la distinción de su trabajo musical en torno a un cine que aún no conocía lo que hoy universalizamos como banda sonora musical. Partiendo de los escasos datos biográficos que hasta el momento se tienen, se esboza a través de un análisis hemerográfico el perfil formativo del maestro, la actividad que realizó la orquestina Suñé en los cines Kursaal y Capitol entre 1923 y 1928, los acompañamientos musicales de los diferentes estrenos de las producciones cinematográficas más importantes de mediados de los años veinte, así como las pocas partituras localizadas en su producción compositiva o como arreglista, por lo que podemos considerarlo como un caso paradigmático del hecho musical del cine «mudo» español.
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Grimshaw, Mark. "Player relationships as mediated through sound in immersive multi-player computer games". Comunicar 17, n.º 34 (1 de março de 2010): 73–81. http://dx.doi.org/10.3916/c34-2010-02-07.
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This essay examines the relationship between player and diegetic sound FX in immersive computer game environments and how this relationship leads, in large part, to the contextualization of the player within the virtual world of the game. This contextualization presupposes a primarily sonically-based perception of objects and events in the world and, in a multi-player game, this ultimately leads to communication between players through the medium of diegetic sound. The players’ engagement with, and immersion in, the game’s acoustic environment is the result of a relationship with sound that is technologically mediated. The game engine, for example, produces a range of environmental or ambient sounds and almost every player action has a corresponding sound. A variety of relevant theories and disciplines are assessed for the methodological basis of the points raised, such as film sound theory and sonification, and, throughout, the First-Person Shooter sub-genre is used as an exemplar. Such games include the «Doom» and «Quake» series, the «Half-Life» series and derivatives and later games such as «Left 4 Dead». The combination of the acoustic environment, the interactive placement of the player – as embodied by his virtual, prosthetic arms – in the environment and the sonic relationships between players produces the acoustic ecology. An exposition of this multi-player communication and the resultant acoustic ecology and player immersion, is the main objective of the essay. Este ensayo examina la relación entre el jugador y los efectos de sonido diegéticos en entornos de juego inmersivos para ordenadores, y a su vez, la manera en la que esta relación, en gran parte, pone en contexto al jugador dentro del mundo virtual del juego. Esta contextualización presupone una percepción basada principalmente en los sonidos de los objetos y los acontecimientos del mundo, lo que en el entorno del juego multijugador conduce finalmente a la comunicación entre los jugadores por medio del sonido diegético. El compromiso de los jugadores con –y la inmersión en– el ambiente acústico del juego es el resultado de una relación con el sonido mediada tecnológicamente. El motor del juego, por ejemplo, produce una gama de sonidos del entorno o del medio ambiente y casi todas las acciones del jugador tienen un sonido correspondiente. Una variedad de relevantes teorías y disciplinas, como la teoría del cine sonoro y la sonificación, se usan para construir nuestra base metodológica, y nos servimos de ejemplos como el del subgénero del «First-Person Shooter». Este tipo de juegos incluye las series «Doom» y «Quake», la serie «Half-Life» y sus derivados y juegos posteriores como «Left 4 Dead». La combinación del ambiente acústico, la posición interactiva del jugador –con la encarnación virtual de sus brazos protésicos– en el medio ambiente y las relaciones sonoras entre los jugadores produce la ecología acústica. Una exposición de esta comunicación multijugador, la ecología acústica resultante y la inmersión del jugador, es el objetivo principal del ensayo.
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Quintana, Ángel. "Algunos apuntes sobre el uso del sonido en el cine de Jean-Luc Godard". Panambí. Revista de Investigaciones Artísticas, n.º 4 (30 de junho de 2017): 49. http://dx.doi.org/10.22370/panambi.2017.4.832.
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Jean Luc Godard es uno de los grandes creadores de formas del cine contemporáneo y uno de los cineastas que más ha reflexionado en sus obras sobre la relación entre la imagen y sonido. A partir del concepto de interferencia sonora, el texto expone algunas de las estrategias utilizadas por el cineasta para romper con el naturalismo y la espectacularidad sonora propios del cine convencional. Godard trabaja la interferencia sonora situando al mismo nivel el sonido ambiente y los diálogos. Otras veces, busca un ritmo peculiar entre ellos. También le interesa filmar la música durante los ensayos como proceso creativo, tal como hizo con la composición del tema “Simpathy for the devil”, de los Rolling Stones. Finalmente, desde la militancia y el compromiso, acaba utilizando el sonido como elemento para establecer una metáfora del carácter político sobre la dialéctica entre ver una imagen y escuchar un sonido.
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Meyer, Edwin Cassio, Maria Fernanda de Oliveira e Rafael Ferreira Heissler. "Verificação da influência da geometria do forro na qualidade acústica do Cine teatro Luz de União da Vitória – PR". Revista de Arquitetura IMED 8, n.º 2 (30 de dezembro de 2019): 183. http://dx.doi.org/10.18256/2318-1109.2019.v8i2.3730.
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O presente estudo busca entender, principalmente, a interferência que a geometria do forro do Cine Teatro Luz, localizado na cidade de União da Vitória no Paraná, tem na qualidade acústica, considerando essa geometria incomum nos aspectos relacionados à distribuição sonora, por conta do posicionamento da sua curvatura. O Cine Teatro Luz é um edifício tombado pelo estado como patrimônio e, atualmente, está em processo de restauro. O objetivo deste trabalho consiste em esclarecer qual a influência que o forro original tem sobre a qualidade acústica da sala do Cine Teatro Luz, utilizando os parâmetros acústicos TR, EDT, D50, C80 e STI, em que os resultados desses parâmetros são comparados aos resultados de uma modelagem com uma proposta de forro que proporciona distribuição sonora mais convencional. O método consistiu em utilizar as informações da sala na modelagem computacional, com duas situações de forro: a primeira com o forro original, com curvas longitudinais à sala e, a segunda modelagem, chamada de forro proposto com curvas transversais à sala. Ambas as modelagens foram simuladas no software acústico CATT-acoustic v9.1b – demo version, com dados de entrada dos coeficientes de absorção (α) e dos coeficientes de espalhamento (s), assim como dados de entrada para fonte sonora e posição de receptores. Durante a análise comparativa entre os resultados das modelagens, observou-se a influência de cada forro nos resultados. Pode-se concluir que os resultados apresentados na modelagem com o forro proposto, contribuíram na melhora da qualidade acústica da sala, considerando que a sala é destinada ao multiuso. No entanto, os resultados mostraram que a geometria do forro original pode beneficiar as atividades voltadas à música.
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Gattás Vargas, Maia, e Irene Depetris Chauvin. "Un cine geológico. Tiempos y estética fósiles en el documental Río Turbio (2020) de Tatiana Mazú González". Comparative Cinema 11, n.º 20 (21 de novembro de 2023): 48–67. http://dx.doi.org/10.31009/cc.2023.v11.i20.04.
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Este artículo aborda Río Turbio (2020) de Tatiana Mazú González, un documental que retrata un territorio patagónico minero atravesado por conflictos políticos, ecológicos y feministas. Desde una perspectiva ecofeminista del cine y los aportes de los tiempos profundos y de la geología de los medios, que piensan la relación del mundo mineral con las máquinas y tecnologías que nos rodean, se busca trazar algunas conexiones entre cine y geología para observar cómo en esta película los tiempos y estéticas fósiles se traducen y vinculan con el montaje de los diversos archivos visuales y sonoros que construyen el documental.
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Huertas Abril, Cristina A. "Nuevos retos de la audiodescripción: las técnicas formales cinematográficas en las películas mudas del siglo XXI". Estudios Franco-Alemanes. Revista internacional de Traducción y Filología 8 (5 de março de 2023): 115–48. http://dx.doi.org/10.21071/estfa.v8i.15827.
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La accesibilidad tiene una indudable función social, de modo que las sociedades que aspiran a ser más inclusivas están apoyando estas nuevas prácticas para poner a disposición los productos audiovisuales a las personas que, de otra forma, no tendrían acceso a ellos. La información en el cine se codifica de acuerdo con dos canales principales: el acústico y el visual. Puesto que la mayoría de las películas cuentan con una interacción equilibrada de ambos canales, la relevancia de las técnicas formales cinematográficas se pone de relieve gracias a la edición, los movimientos de cámara, la luz, el color, la perspectiva, etc. La audiodescripción (AD) intenta salvar las distancias entre ambos canales: se añade una pista de audio adicional con la narración orientada a las personas ciegas y con deficiencias visuales. Asimismo, resulta muy interesante que en la actualidad estamos presenciando una nueva ola de películas mudas en las que la banda sonora queda reducida a la música y a los efectos sonoros, de modo que supone mayores dificultades de comprensión para este colectivo. Este trabajo pretende estudiar las técnicas utilizadas para la audiodescripción de los aspectos formales de las películas mudas del siglo XXI. De hecho, algunos ejemplos de cine mudo reciente son La llamada de Cthulhu (Leman, 2005), The Artist (Hazanavicius, 2011), Blancanieves (Berger, 2012) or Silent Life (Kozlov, 2014), entre otros. En nuestro caso, hemos seleccionado The Artist (2011), debido a la enorme (e inesperada) recepción que ha tenido. Esta aproximación teórica se complementará como cinco fragmentos de esta película audiodescritos de manera profesional, en los cuales el canal visual tiene un papel fundamental. Las escenas muestran las tendencias actuales de la audiodescripción, así como los retos constantes tanto para el traductor audiovisual como para los receptores.
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Rodríguez Puente, Francisco José. "Minificción". La Palabra y el Hombre. Revista de la Universidad Veracruzana, n.º 40 (12 de março de 2019): 88. http://dx.doi.org/10.25009/lpyh.v1i40.2763.
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Francisco José Rodríguez Puente ha trabajado como guionista, actor y maestro en lenguas. Es apasionado del cine y la literatura. Actualmente radica en Sonora. El ilustrador Félix de Jesús Ortega Castillo nació y creció en Xalapa, Veracruz. Actualmente estudia la carrera de Artes Visuales (UV). Aficionado a la ilustracción y la narrativa visual.
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Santiago, Estefanía. "Sobre la película Istmo. Cine-ensayo y posmemoria". Arkadin, n.º 8 (17 de agosto de 2019): e010. http://dx.doi.org/10.24215/2525085xe010.
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El presente artículo reflexiona sobre la investigación histórica y teórica, y el desarrollo audiovisual técnico-estético llevado a cabo en el largometraje Istmo (2016), realizado como tesis de grado para la Licenciatura en Comunicación Audiovisual, de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. En la película se construye un relato entre padre e hija que indaga en la historia del pueblo de Federación (Entre Ríos, Argentina). Articulando desde el montaje diversos recursos visuales y sonoros, Istmo se desarrolla a través de la construcción de una posmemoria de la realizadora y de las vivencias de un hecho traumático narradas por parte de su padre.
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Noboa Cevallos, Juana Cecibel. "Anatomía cinematográfica del documental ecuatoriano. Estudio detallado de los códigos visuales, sonoros y sintácticos del documental <i>Con mi corazón en Yambo</i> (2011)". Ñawi 8, n.º 2 (15 de julho de 2024): 139–63. http://dx.doi.org/10.37785/nw.v8n2.a8.
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Esta investigación se centra en el análisis detallado de Con mi corazón en Yambo (2011), un documental emblemático del cine ecuatoriano, con el propósito de comprender cómo los códigos cinematográficos visuales, sonoros, gráficos, sintácticos y políticos se entrelazan para transmitir significados y construir narrativas. Se realizó un análisis exhaustivo de secuencias seleccionadas del documental, permitiendo una clasificación del montaje según su tipo y modalidad. Los enfoques de Francesco Casetti y Federico Di Chio, así como de Sergei Eisenstein, junto con un análisis comparativo basado en una entrevista a la cineasta productora del documental, nos permitieron desentrañar por completo su estructura. Este enfoque no solo explora la influencia de estos elementos en la representación cultural, la estética y la comunicación en el cine documental ecuatoriano, sino que también revela la riqueza artística, el mensaje cultural y la singularidad narrativa de esta película. Con ello, se ofrece una comprensión más profunda y detallada del cine documental en Ecuador.
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Tovar Cabañas, Rodrigo, José Alfredo Jáuregui Díaz e Shany Arely Vázquez Espinosa. "Influencia del cine en el turismo". El Periplo Sustentable, n.º 38 (6 de maio de 2020): 242. http://dx.doi.org/10.36677/elperiplo.v0i38.9988.
Texto completo da fonteResumo:
La importancia de este trabajo radica en que, cada vez más, el sector turístico se perfila para alcanzar los dos dígitos en su participación dentro del producto interior bruto mundial, aunado a que, en países como México, sus eslabonamientos productivos repercuten en las dinámicas espaciales de las localidades. Por lo que este artículo científico tiene como objetivo elaborar una serie de cartogramas de los lugares filmados en México, para documentar las fortalezas fílmicas de cada entidad federativa de la república mexicana y de ese modo aportar elementos para caracterizar el rumbo que pudieran seguir las distintas agendas turísticas de la federación. Es de advertir que el tratamiento metodológico es un esfuerzo de aproximación al fenómeno de Big Data, la búsqueda se realizó a través de cuatro millones de títulos cinematográficos. Dentro de los resultados más apremiantes se tiene que, en función del género cinematográfico, los sitios punteros en torno a las locaciones cinematográficas mexicanas varían, por ejemplo, si el género es historia, destaca el estado de Sonora, en cambio si el género es documental destaca el estado de Oaxaca.
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Otero-Escudero, Sofía. "¿Cómo se hacen visibles las corporalidades trans en el cine? El caso de Anything’s Possible (Billy Porter, 2022)". Estudios LGBTIQ+, Comunicación y Cultura 3, n.º 2 (18 de dezembro de 2023): 183–94. http://dx.doi.org/10.5209/eslg.87355.
Texto completo da fonteResumo:
El cine queer se considera un oxímoron, una etiqueta que busca categorizar a las películas que no deben ser etiquetadas, como acto de reivindicación. Por lo tanto, no existe una definición homogénea y unánime sobre lo que conlleva el cine queer como tal. Autoras como B. Ruby Rich acuñaron términos como el “New Queer Cinema” para referirse a ese cine que construía nuevas narrativas entorno a identidades diversas, pero ¿el cine queer es aquel donde aparecen personajes queer? ¿o donde el equipo técnico y dirección es queer? En el presente trabajo de investigación se plantea la hipótesis de que existe un cine queer y transgresor conformado a través de la mirada construida a través del lenguaje audiovisual, particularmente a la hora de representar a personajes de identidad trans. La organización internacional GLAAD es una de las más representativas a la hora de reconocer y premiar las representaciones más acertadas del colectivo LGTBIQ+, por lo que se selecciona como estudio de caso la última película ganadora del premio a mejor película de “streaming”: Anything’s Possible (Billy Porter, 2022). Se lleva a cabo un análisis crítico fílmico textual que pone el foco en el aspecto formal, seleccionando la secuencia de presentación de la protagonista como elemento de análisis principal, así como la presencia visual y sonora de la protagonista. Como conclusión, se observa que, aunque se siguen reiterando algunos recursos canónicos, hay una transgresión en la forma de enmarcar al personaje trans haciendo visible para la audiencia una corporalidad transgresora y diversa.