Literatura científica selecionada sobre o tema "Chorégraphie – Recherche"

Cet article veut questionner la place de la danse dans un service de périnatalité. Dans quelle mesure la danse peut-elle créer du lien ? Comment peut-elle soutenir la création d’un lien suffisamment adéquat entre la mère et le bébé ? Dans quelle mesure peut-elle soutenir la création d’une chorégraphie de la rencontre primordiale ? À partir de notre recherche doctorale, fondée sur l’articulation entre danse, psychanalyse et clinique de la périnatalité, nous essayerons d’étudier ces questionnements en nous appuyant sur l’étude d’une dyade qui a participé à « Accordanse », un dispositif de soin et de recherche médiatisé par la danse et accueillant des mères et leur bébé.

A partir de l’évolution du concept de Moi-Peau et des enveloppes psychiques, nous discuterons dans quelle mesure un dispositif médiatisé par la danse, peut favoriser le tissage d’enveloppes psychiques « unifiées » chez le bébé et la réparation de l’enveloppe « trouée », « dilatée », « pas très unie » chez la mère. Après avoir présenté brièvement le dispositif de soin et de recherche « Accordanse », que nous avons créé, élaboré et mis en place en unité périnatale dans le cadre de notre Thèse de Doctorat, nous allons étudier quelques séquences cliniques d’une des dyades rencontrées dans ce cadre, afin de comprendre dans quelle mesure la stimulation sensorielle de la peau favorise la création d’une chorégraphie des interactions harmonieuse.

Le danseur est toujours à la recherche d’invention d’outils d’amélioration de ses capacités créatives et corporelles pour étendre son champ de perception qui est au coeur de sa singularité. En danse, l’idée d’une enhanced motricity (motricité augmentée) est étroitement liée à l’habitus de perception construit au cours d’un entraînement complexe avec des objectifs esthétiques et technologiques. Ainsi, l’objet de cette réflexion se focalisera sur l’apparition et la diversité des dispositifs d’immersion à l’usage du danseur au cours de son processus de création et de formation d’interprète. L’enjeu de cet article est d’analyser les enjeux des pratiques d’exploration de sa propre virtualité par les nouvelles technologies qui pénètrent de façon constante le domaine de la création chorégraphique contemporaine. Un panorama retraçant les multiples collaborations entre danseurs, chorégraphes, ingénieurs et scientifiques nous aidera à comprendre la naissance d’un nouvel art chorégraphique dont les dispositifs d’immersion bousculent, aujourd’hui, les fondements de l’art de la danse.

Cet article présente les résultats d’une recherche1 documentant le rôle du donneur de sperme connu auprès des familles lesboparentales. L’objectif général visait à analyser comment les différents acteurs (la mère biologique, la mère sociale et le donneur) mettent en tension et articulent leurs représentations de la parentalité, de la parenté et de la paternité dans ce contexte ou plus de deux adultes sont nécessaires pour la reproduction et l’éducation d’enfants. Pour ce faire, 9 couples lesbiens et les 9 donneurs à l’origine de leur projet parental ont été rencontrés. Les résultats démontrent que le donneur agit comme un intermédiaire dans la création de liens de parenté grâce à l’orchestration, par les mères, d’une « chorégraphie ontologique » (Thompson, 2005). Ces chorégraphies agiront en synergie avec la prédominance que les mères accordent à la quotidienneté dans le « faire famille », la mise à distance ou l’appropriation des discours sociaux sur l’importance du père pour le développement des enfants de même que l’élaboration – ou non – d’une identité paternelle chez le donneur. Ultimement, cela déterminera le rôle que jouera le donneur auprès des enfants nés de ses dons.

Fondé en 1976, l’IVT (International Visual Theatre) se définit aujourd’hui comme un carrefour culturel, un espace d’échanges et de découvertes pour les sourds et les entendants. De la recherche d’une culture théâtrale et artistique propre aux sourds à sa diffusion dans l’espace public, de la réception de ses spectacles bilingues à l’entreprise d’enseignement de la langue des signes poursuivie par l’IVT nous proposons ici d’étudier les allers retours complexes entre les altérités croisées que représentent respectivement les identités sourdes et entendantes. Ainsi, à partir du regard d’un chercheur sourd et celui d’un chercheur entendant, nous reviendrons d’une part sur le rôle de l’IVT dans la (re)découverte de l’identité sourde à travers des modes d’expression tels que théâtre, danse et chorégraphie sourds, « chansigne » et « musique visuelle ». D’autre part, nous réfléchirons aux enjeux communs entre la salle de spectacle et les salles de classe, ces deux facettes visant à la promotion de la langue des signes et de la culture sourde auprès des entendants. Il s’agira donc d’analyser et d’exposer comment l’appropriation de « l’espace vide » (Brook, 1968) de la scène par les sourds en a fait un espace (inter)culturel où l’apprentissage d’autres langues et cultures passe par la découverte de soi au travers des autres. Sign Language Theatre, Theatre of the Other? Deaf, hearing and interculturality around the International Visual Theatre Founded in 1976, the IVT (International Visual Theatre) is today defined as a cultural crossroads, a place of exchanges and discoveries for deaf and hearing people. From the search of a theatrical and artistic culture specific to the deaf to its distribution in the public space, from the reception of its bilingual shows to the teaching of sign language pursued by the IVT, we propose here to study the complex back and forth relations between the mirrored otherness that deaf and hearing identities represent to each other. Thus, from the point of views of a deaf researcher and a hearing researcher, on the one hand, we will explore the role of the IVT in the (re)discovery of deaf identity through modes of expression such as deaf theater, dance and choreography, “chansigne” and “visual music”. On the other hand, we will reflect on common issues between the stage and the classroom, these two facets aiming at promoting sign language and deaf culture among the hearing. We will then analyze and explain how the appropriation of the “empty space” (Brook, 1968) provided by the stage has turned it into a (inter) cultural space where learning other languages and cultures implies self-discovery through others.

Cette contribution s’inscrit dans la continuité des recherches qui questionnent la formation en compétences communicationnelles des futurs cadres (professionnels de la communication et managers). Elle met en évidence la place du non verbal dans l’élaboration du faire ensemble et interroge les modèles enseignés sur le rôle de ce type de communication dans la construction d’un projet collectif. Par le compte-rendu et l’analyse d’une proposition pédagogique originale intitulée « Org’impro », recherche-action dans le domaine de la formation ayant impliqué des chorégraphes spécialistes de l’improvisation et portée par l’Université Grenoble Alpes, notre propos est de nourrir la pédagogie par la recherche et de développer des dispositifs de formation transférables dans les organisations. This contribution takes place into the field of researches that question the communication skills training for future managers (communication professionals and managers). It highlights importance of nonverbal communication in cooperative work and questions the models taught about the role of this type of communication for building a collective project. By the report and analysis of an original educational proposal entitled « Org’impro « , an action research in the field of training that involved specialists choreographers of improvisation and managed by the University of Grenoble Alpes, our purpose is to increase the pedagogy research and develop training devices transferable in organizations.

L’entrée par les rôles sociaux nous apparait comme une piste prometteuse pour gérer l’hétérogénéité des élèves en éducation physique (en termes d’aptitudes, d’intérêts ...), en ce qu’elle permet de développer et valoriser des compétences différentes chez les élèves. Encore faut-il que l’enseignant mette judicieusement en scène ces rôles sociaux, avec toute l’ingéniosité didactique qui le caractérise. Nous illustrons cette ingéniosité à travers une étude de cas, extraite d’une recherche doctorale en cours sur l’évaluation par les pairs en danse contemporaine. Nous montrons comment, lors de l’expérimentation d’une ingénierie didactique intégrant les rôles de danseur, de chorégraphe et de spectateur, l’enseignante a su articuler les trois contrats didactiques inhérents à ces différents rôles. Plus spécifiquement, nous décrivons comment elle a su se saisir de la proposition d’une élève chorégraphe pour faire avancer le temps didactique au bénéfice de tous les élèves dans leurs différents rôles.

Si la matière est au cœur des enjeux d’édification, il en est une invisible que nous conditionnons, traitons, recyclons et, bien souvent, oublions : l’air. C’est ce qu’interroge le présent article, en s’appuyant sur une recherche en cours autour des objets mais aussi de l’environnement technologique et social qui se construit autour du contrôle de l’air en architecture. Établissant le portrait d’objets rencontrés sur des terrains d’observation en agence ou sur chantier, cet article révèle une chorégraphie d’acteurs qui conditionnent l’efficacité du système aéraulique jusqu’à, parfois, en ébranler la pertinence. En architecture, l’ingénierie aéraulique rencontre, après quelques décennies de perfectionnement et de développement technique, un cadre d’objection au travers des gestes de mise en œuvre et d’usages. L’article souligne ainsi les paradoxes qui surviennent entre la tentative de contrôle d’une matière éminemment complexe à maîtriser, à saisir, à mesurer, et des conditions de réalisation du projet qui recréent en permanence le contexte de fabrication. Ces fragilités révélées ébranlent le mythe du contrôle et traduisent la nécessité d’insuffler un débat, de réactiver un pouvoir d’attention, de repenser la rencontre entre air et architecture.

Il s’agit de rendre visibles les usages multiples possibles de la photographie dans les recherches portant sur la santé et les vulnérabilités, en s’appuyant sur trois travaux menés au Brésil. Dans le premier, la photographie est une source documentaire pour révéler des significations attribuées à la folie ou à la normalité dans le contexte de la clinique psychiatrique à différentes époques, et pour rendre compte d’expériences locales créatives plus récentes, dans le cadre de la Réforme psychiatrique brésilienne. Puis, à partir d’un récit d’images de chorégraphies de corps-qui-travaillent-dans-la-marée, la photographie permet aux lecteurs d’élargir leur compréhension du travail quotidien de cueilleuses de crustacés insulaires. Enfin, nous partageons l’expérience d’une recherche-action qui a mis en place des ateliers d’autoportrait de jeunes noirs d’un quartier populaire de Salvador, pour promouvoir des pratiques corporelles et sexuelles saines et l’empowerment ethnico-racial et de genre. Portant un regard sensible sur des groupes touchés par l’invisibilité sociale, la vulnérabilité ou un certain degré de stigmatisation, ces travaux révèlent des inégalités sociales et politiques, historiquement construites. Des expériences mises en écho qui renforcent les dimensions heuristiques et sensibles de la photographie, dont la place dans la recherche contribue à préserver les capacités d’imaginer et de créer, si nécessaires pour aller au-delà du mimétisme méthodologique qui s’est emparé de la production de la connaissance.

Ce projet propose de démontrer la détresse comme "principe vivifiant" de la nature humaine : principe d'appréhension du beau et du sublime, principe sur lequel se fonde le désir de l'autre et provoque la conscience, et enfin, principe moral. La détresse surgit au mieux dans une philosophie de la transcendance. La danse devient ainsi l'art représentatif de la détresse. Essentiellement la danse artistique nous intéresse ici, non la danse rituelle ou à caractere social, car la danse d'art répond aux attributs spécifiques de la détresse : acceptation de la contrainte pour mieux la dépasser et gagner la liberté donc le bonheur. La thèse est organisée autour de trois grands axes qui forment trois parties distinctes : la première partie traite de la place négligeable qui a été réservée à la danse dans les théories philosophiques et les tentatives de hierarchisation des arts. La deuxième partie pose les fondements d'une esthétique de la danse liée au temps et à l'espace. Enfin, la troisième partie met en jeu la relation esthétique et métaphysique de la danse et de la détresse dans les notions de "présence" et de "grâce" comme accès au bonheur et force de désespérance
This project argues that distress is the "vivifying principle" of human nature : a principle of our understanding of beauty and sublime, a principle on which is grounded the desire for the other and which arouses our consciousness, finally, a moral principle. The principle of distress arises ultimately through a philosophy of transcendence dance is used as the representative artform for distress. Only artistic dance of of interest here and not ritual dance or dance of a social charactrer, since artistic dance manifests specific attributes of distress : acceptance of constraint in order to go beyond this, and finally to reach liberty and thus happiness. The thesis is organized around three axes which are discussed in three different parts : the first part deals with the insignificant place accorded to dance in philosophical theories and in the various attempts to set up a hierarchical ordering of the arts. The second part lays the groundwork for an aesthetics of dance linked to the concepts of time and space. Finally, the third part fleshes out the aesthetic and metaphysical relationship of dance and distress through "presence" and "grace" as achievement of happiness and power of hope-lessness

À la croisée de l'histoire et de l'esthétique de la danse, cette étude propose une approche analytique et poïétique des processus de recherche que les chorégraphes italiens Fabrizio Favale, Michele Di Stefano et Alessandra Sini ont entrepris entre 1995 et 2010. Leurs singularités ainsi que les concepts et les stratégies chorégraphiques qu'ils partagent illustrent la vitalité et la portée critique des réseaux artistiques actifs dans une période significative de l'histoire de la danse italienne récente. Parmi les expressions qui définissent les expériences de la danse contemporaine de la même période, la catégorie émique « Danza di ricerca » est proposée ici pour identifier une démarche constante dans leurs expérimentations, qui se transforment dans le temps, au fil des rencontres et en relation aux politiques culturelles dans lesquelles elles s'inscrivent. La mémoire incarnée de danseuse, chorégraphe, spectatrice et témoin de l'auteure de cette thèse est mise à l'épreuve des outils de l'analyse chorégraphique, du mouvement et de la transmission fournis par les études en danse. Le dépouillement des archives personnelles des chorégraphes, l'étude des documents audiovisuels, textuels et graphiques des évènements performatifs ainsi que des entretiens avec les chorégraphes, des danseurs de leurs compagnies et des personnalités qui ont eu un rôle significatif dans ces parcours artistiques, complètent le portrait collectif d'une génération d'artistes chorégraphiques qui a contribué au développement de la danse contemporaine italienne, en lien et en résonance avec d'autres expériences internationales
At the crossroads of dance history and aesthetics, this thesis proposes an analytical and poetic approach to the research processes that Italian choreographers Fabrizio Favale, Michele Di Stefano and Alessandra Sini undertook between 1995 and 2010. Their singularities as well as the choreographic concepts and strategies they share, illustrate the vitality and critical scope of the artistic networks active in a significant period of recent Italian dance history. Among the expressions defining the contemporary dance experiences of the same period, the emic category “Danza di ricerca” is proposed here to identify a constant approach in their experimentations, which have transformed over time, through encounters and in relation to the cultural policies in which they are embedded. The embodied memory of the author of this thesis as a dancer, choreographer, spectator and witness is tested using the tools of choreographic, movement and transmission analysis provided by dance studies. The analysis of the choreographers' personal archives, the study of audiovisual, textual and graphic documents of performance events as well as interviews with the choreographers, some of the dancers from their companies and some personalities who played a significant role in their artistic careers, complete the collective portrait of a generation of choreographic artists who contributed to the development of Italian contemporary dance, in relation and resonance with international experiences

L'objet de cette thèse est l'étude de la notion de "danse moderne" à travers les textes de deux de ses fondateurs, Rudolf Laban et de Mary Wigman. L'introduction critique d'abord la présentation linéaire, progressive et déterministe de l'histoire de la danse habituellement proposée par les historiens de la danse. Elle envisage le désir de modernité en danse comme un combat pour une danse du présent. Dans deux chapitres successivement consacrés à Laban et Wigman sont analysés, d'une part, leur rapport au passé et aux héritages chorégraphiques, et d'autre part, leur perception de la vie moderne. Les modalités de leur expérience du mouvement (leur technique d'improvisation et de composition) et leur vision du corps font l'objet d'une troisième préoccupation. Enfin sont présentées les difficultés qu'ils rencontrèrent dans la transmission de cette expérience et dans l'élaboration de leurs spectacles sur les scènes de leur temps. Une conclusion compare leurs points de vue et s'attache à montrer la modernité de leurs écrits
This thesis examines the concept of "modern dance" through the texts of Rudolf Laban and Mary Wigman. The introduction critiques the linear, progressive and deterministic presentation of the history of modern dance usually proposed by the historians of dance, and considers Laban and Wigman's desire for modernity as a struggle for a dance of the present. Chapter one opens with an exploration of Laban's relationships to the past and to the choreographic heritage as well as his perception of the modern life. It then analyzes the modes of Laban's experimentation; in particular, his technique of improvisation and composition. A discussion of the artist's vision of the body follows. In closing, the chapter presents the difficulties that Laban encountered in the transmission of his dance-experience both within his school and in performances. Chapter two is a corresponding treatment of the above topics with regard to Wigman. The conclusion compares the two artists' points of view, defines their oppositions, and attempts to shows the modernity of their writings

Dans les années quatre-vingt-dix, la danse contemporaine coréenne s'est confrontée au monde de la danse contemporaine en Europe. L'objet de notre étude est d'approcher l'identité de cette danse contemporaine à travers les scènes françaises, celles des Rencontres chorégraphiques internationales de Seine-Saint-Denis et celles de la Biennale de la danse de Lyon. Les chorégraphes coréens expérimentent actuellement une forme artistique intégrant créativité personnelle et dualité Orient – Occident. Les artistes contemporains coréens réunissent Orient et Occident, tradition et création, particulier et universel. Qu’est ce qu’une "essence coréanisée" dans un art chorégraphique à l'heure de la globalisation d'aujourd’hui? Nous nous sommes posé la question de l'existence d’une "essence coréenne", laquelle serait à identifier dans les chorégraphies coréennes, dès le début de notre travail. Il nous a semblé important de trouver une identité propre à la danse coréenne dans la mondialisation. Nous pouvons définir la "coréanisation" comme l'effort d'assimilation de la tradition à la danse contemporaine et la "décoréanisation" comme la fusion de la danse contemporaine sous toutes ses formes. Ce sont des travaux de recherche sur l'esprit et sur l'identité coréenne ; cela correspond à un effort vers l'harmonisation entre la Corée d'aujourd'hui et celle d'hier ou plutôt entre la conscience d'appartenance ethnique et l'universalité
In the Nineties, the Korean contemporary dance was confronted with the world of the contemporary dance in Europe. The object of our study is to approach the identity of this contemporary dance through the French scenes, those of the "Rencontres chorégraphiques internationales de Seine Saint-Denis" and those of "Lyon Dance Biennial". The Korean choreographers currently try out an artistic form integrating personal creativity and Orient- Occident duality. The Korean contemporary artists join together Orient and Occident, tradition and creation, individual and universal. What is a "Koreanized essence" in a choreographic art at the time of today globalization? We questioned ourselves about the existence of a "Korean essence", which should be identified in Korean choreographies, from the very beginning of our work. It seemed important to us to find an identity proper to the Korean dance at the time of globalization. We can define the "Koreanization" as the effort of assimilation of the tradition in the contemporary dance and the "De-Koreanization" as the fusion between identity of oneself and the particular body language, part of recognition of the body of the contemporary dance in all its forms. It is research tasks on the spirit and the Korean identity; that corresponds to an effort towards the harmonization between Korea of today and Korea of yesterday or rather between the conscience of ethnic membership and the universality

Ma recherche tend à répondre à des questionnements ayant émergé durant ma pratique de la danse flamenco, depuis ma posture d’étudiante, d’interprète, de chorégraphe, puis de pédagogue. À travers la restitution d’une itinérance sensible entre Lyon, Séville, Madrid et la Chine, j’interroge dans cette thèse ce qui fait flamenco, réévaluant par une méthode déconstructiviste certains discours et gestes qui tendraient à définir ce qui fait centre (poncifs/vérités établies/stéréotypes) dans le flamenco, tout en créant une dialectique avec d’autres figures faisant, elles, d’apparents écarts. Sur ce second point, j’approfondis dans ma recherche plus spécifiquement l’approche flamenco empirique, qu’a élaborée Juan Carlos Lérida au cours de sa trajectoire artistique, afin de rendre compte de la façon dont certaines figures, à la marge du discours dominant dans le flamenco, interrogent l’élasticité des pourtours définitionnels de cette expression artistique. Mon cheminement pratique et théorique avec Juan Carlos Lérida m’a conduit à expérimenter une approche archéologique du geste flamenco en recherche-création, visant à interroger la dynamique de construction de la forme flamenco (identification de survivances formelles, pathos de la fête, poétique de la spirale) sur le plan diachronique et synchronique, mais aussi à m’ouvrir au « palimpseste » comme outil épistémologique. La démarche méthodologique investie pour mener la poétique exploratoire, dont cette thèse rend compte, en plus de l’exercice analytique, critique, s’est également employée à élaborer des objets-créations (performances, vidéos documentaire, vidéodanses, photographies) émanant de champs de compétences croisées afin de défendre une constitution heuristique des savoirs, grâce aux études des processus de création et la mise en réflexivité de l’expérience
My research aims to answer questions that arose from practicing flamenco, initially as a student, then as an interpreter and choreographer and eventually as a teacher. After gathering insightful experiences from Seville, Madrid and China, my thesis addresses the question “what is flamenco?”. Via a deconstructionist method, this study re-evaluates some of the conceptions and body language that tend to define what is central to flamenco (clichés / established truths / stereotypes), while analysing the dialectics of figures who clearly deviate from these central ideas. Thus, my research explores in greater depth and more specifically the empirical approach developed by Juan Carlos Lérida during his artistic career, for a better understanding of how figures straying from the dominant conception of flamenco, test the elasticity of the outer limits of this artistic expression. My practical and theory-based exploration with Juan Carlos Lérida led me to experiment with an archaeological approach to research-creation in flamenco dance, that aimed to analyse the way flamenco expression has developed (identification of the survival of forms, the festive pathos, the poetics of the spiral movement) from both a diachronic and synchronic perspective, but also to embrace the “palimpsest” as an epistemological tool. The methodological approach that led to the exploration of poetics described in this work, along with the analytical and critical exercises, also incited a range of multi-disciplinary creative projects (performances, video documentaries, dance videos, photographs) that defend the heuristic method of gathering knowledge via studying creation processes and reflecting on experiences
Este trabajo pretende responder a ciertas cuestiones que me surgieron en la práctica del baile flamenco siendo estudiante, intérprete, coreógrafa y pedagoga. A través de una restitución de un itinerario sensitivo entre Lyon, Sevilla, Madrid y China, analizo en esta tesis lo que hace que algo sea flamenco reevaluando, mediante un método deconstructivista, ciertos discursos y gestos que buscan definir lo central (tópicos, verdades establecidas, estereotipos) en el flamenco, creando una dialéctica con otras figuras que aparentemente discrepan. En este segundo punto, profundizo en mi investigación más concretamente en la aproximación flamenco-empírica elaborada por Juan Carlos Lérida a lo largo de su trayectoria artística, con el fin de demostrar en que manera ciertas formas al margen del discurso flamenco dominante cuestionan la ductilidad de la definición de esta forma artística. Mi andadura práctico-teórica con Juan Carlos Lérida me ha permitido experimentar una aproximación arqueológica respecto al gesto flamenco en un proceso de investigación-creación con vistas a analizar la dinámica de la forma flamenca (identificación de vestigios formales, pathos de la fiesta, poética de la espiral) desde un punto de vista diacrónico y sincrónico, posibilitando al mismo tiempo a abrirme al “palimpsesto” como herramienta epistemológica. La metodología usada para llevar la poética exploradora expuesta en esta tesis también se ha empleado, además del ejercicio analítico, crítico, para elaborar objetos-creaciones (performances, documentales, video-danza, fotografía) resultantes de campos de competencia cruzados con el fin de defender una constitución heurística de los conocimientos gracias al estudio de los procesos de creación y la reflexión acerca de la experiencia

La mondialisation, la croissance continuelle des tailles des entreprises et le besoin d'agilité ont poussé les entreprises à externaliser leurs activités, à vendre des parties de leurs procédés, voire même distribuer leurs procédés jusqu'à lors centralisés. En plus, la plupart des procédés métiers dans l'industrie d'aujourd'hui impliquent des interactions complexes entre un grand nombre de services géographiquement distribués, développés et maintenus par des organisations différentes. Certains de ces procédés, peuvent être très complexes et manipulent une grande quantité de données, et les organisations qui les détiennent doivent faire face à un nombre considérable d'instances de ces procédés simultanément. Certaines même éprouvent des difficultés à les gérer d'une manière centralisée. De ce fait, certaines entreprises approuvent le besoin de partitionner leurs procédés métiers d'une manière flexible, et être capables de les distribuer d'une manière efficace, tout en respectant la sémantique et les objectifs du procédé centralisé. Le travail présenté dans cette thèse consiste à proposer une méthodologie de décentralisation qui permet de décentraliser d'une manière optimisée, générique et flexible, des procédés métiers. En d'autres termes, cette approche vise à transformer un procédé centralisé en un ensemble de fragments coopérants. Ces fragments sont déployés et exécutés indépendamment, distribués géographiquement et peuvent être invoqués à distance. Cette thèse propose aussi un environnement pour la modélisation des chorégraphies de services web dans un langage formel à savoir le calcul d'événements.

La mondialisation, la croissance continuelle des tailles des entreprises et le besoin d'agilité ont poussé les entreprises à externaliser leurs activités, à vendre des parties de leurs procédés, voire même distribuer leurs procédés jusqu'à lors centralisés. En plus, la plupart des procédés métiers dans l'industrie d'aujourd'hui impliquent des interactions complexes entre un grand nombre de services géographiquement distribués, développés et maintenus par des organisations différentes. Certains de ces procédés, peuvent être très complexes et manipulent une grande quantité de données, et les organisations qui les détiennent doivent faire face à un nombre considérable d'instances de ces procédés simultanément. Certaines même éprouvent des difficultés à les gérer d'une manière centralisée. De ce fait, certaines entreprises approuvent le besoin de partitionner leurs procédés métiers d'une manière flexible, et être capables de les distribuer d'une manière efficace, tout en respectant la sémantique et les objectifs du procédé centralisé. Le travail présenté dans cette thèse consiste à proposer une méthodologie de décentralisation qui permet de décentraliser d'une manière optimisée, générique et flexible, des procédés métiers. En d'autres termes, cette approche vise à transformer un procédé centralisé en un ensemble de fragments coopérants. Ces fragments sont déployés et exécutés indépendamment, distribués géographiquement et peuvent être invoqués à distance. Cette thèse propose aussi un environnement pour la modélisation des chorégraphies de services web dans un langage formel à savoir le calcul d'événements
In mainstream service orchestration platforms, the orchestration model is executed by a centralized orchestrator through which all interactions are channeled. This architecture is not optimal in terms of communication overhead and has the usual problems of a single point of failure. Moreover, globalization and the increase of competitive pressures created the need for agility in business processes, including the ability to outsource, offshore, or otherwise distribute its once-centralized business processes or parts thereof. An organization that aims for such fragmentation of its business processes needs to be able to separate the process into different parts. Therefore, there is a growing need for the ability to fragment one's business processes in an agile manner, and be able to distribute and wire these fragments together so that their combined execution recreates the function of the original process. This thesis is focused on solving some of the core challenges resulting from the need to restructure enterprise interactions. Restructuring such interactions corresponds to the fragmentation of intra and inter enterprise business process models. This thesis describes how to identify, create, and execute process fragments without loosing the operational semantics of the original process models. It also proposes methods to optimize the fragmentation process in terms of QoS properties and communication overhead. Further, it presents a framework to model web service choreographies in Event Calculus formal language

La question du temps est un enjeu majeur de la recherche artistique, scientifique et philosophique. L'émergence d'un temps spécifique à l'oeuvre chorégraphique est indissociable de la présence du corps mortel en tant qu'il est lui-même sujet/objet/matière de la danse. Le corps est ici conçu comme temporalité provisoire produisant une autre temporalité provisoire: le mouvement dansé. Comment la danse traite-t-elle avec les apories du temps dégagées par de nombreuses pensées philosophiques ? Quelles temporalités instaure-t-elle, en fonction des différents enjeux esthétiques, dans les processus de composition, la structuration du mouvement dansé et l'improvisation ? Ces recherches portent sur les multiples stratégies temporelles adoptées en danse contemporaine. Elles visent aussi à dégager les singularités de la danse dans la problématique du temps par rapport aux autres arts. Les oeuvres de chorégraphes représentatifs de plusieurs courants sont analysées dans leur relation au facteur " temps " : Merce Cunningham, Trisha Brown, Pina Bausch, Hideyuki Yano, Anne Teresa de Keersmaeker, Jérôme Bel, Xavier Le Roy, Myriam Gourfink. Loin de réduire le temps à la figure du Vieillard apparue à la Renaissance, la chorégraphie contemporaine instaure un temps intensif, favorable à l'incessante actualisation des devenirs. Ni éternité, ni présent permanent, le temps de la danse est créé et créateur, face-à-face avec autrui, affirmation du réel jusque dans sa disparition.

Cette thèse procède d’un travail réflexif en lien constant avec une création chorégraphique. Elle est la parole d’un artiste-chercheur qui ne pense pas sans œuvre ni sans les œuvres d’autres artistes. Toutes explorent la thématique des figures marginales dans le champ chorégraphique, et permettent de construire une poétique singulière adossée sur les esthétiques esquissées par certaines des œuvres des chorégraphes brésiliens Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Núcleo do Dirceu et Micheline Torres. En partant de Ciel, premier solo que je signe en tant que chorégraphe en 2012, et en m’orientant vers un réseau poétique des œuvres avec lesquelles une certaine proximité thématique me semble féconde, j’enquête sur ce qui fabrique la sensation de reconnaître un marginal qui danse. Les récits que j’en fais sont construits à partir de mes propres expériences de spectateur et consolidés par mon parcours d’artiste chorégraphique. La traversée critique, analytique, fictionnelle des œuvres constitue des trajectoires sensibles dont l’objectif est de faire la connaissance des modes d’être chorégraphiques des figures marginales. Cette étude analyse comment, au sein même de chaque œuvre, se construisent les regards et les récits participant à l’émergence des affects précaires mis en mouvement par des propos chorégraphiques. Elle examine ces propos à partir des rapports imaginés avec des altérités, et véhiculés par des éléments artistiques tels que le visage, l’adresse, la place accordée au spectateur, la construction du regard et ses modes de partage. Où le marginal danse est une tentative de réflexion pour envisager quand danser le marginal devient une manière de faire danser l’invisibilité du pouvoir en même temps que de rendre visible la puissance d’un décalage
This dissertation proceeds from a reflexive work in constant connection with a choreographic creation. It’s the speech of an artist-researcher who does not think without his own work or without the works of other artists. All of them explore the theme of marginal figures in the choreographic field, and allow to build a singular poetic based on the aesthetics sketched by some of the works of Brazilian choreographers Luiz de Abreu, Marcelo Evelin, Dirceu Nucleo and Micheline Torres. Starting from Ciel, the first solo choreographed under my signature in 2012, and moving towards a poetic network of pieces with which I feel there is a certain thematic proximity, I investigate what constitutes the sensation of recognizing a marginal who dances. The stories I create are based on my own experiences as a spectator and are consolidated by my career as a choreographic artist. The critical, analytical and fictional crossover of the works constitutes sensitive trajectories that help to comprehend the choreographic modes of being of the marginal figures. The works in question here draw innovative policies in the landscapes of the visible. This study analyzes how, within each work, the gazes and narratives are constructed, contributing to the emergence of precarious affections set in motion by choreographic remarks. These remarks are examined from reports imagined with otherness, and conveyed by artistic elements such as the face, the addressing, the place given to the spectator, the construction of the gaze and its modes of sharing. Where the marginal dances is a reflection that considers the fact that dancing the marginal implies in dancing the invisibility of a power and the strength of a change

Cette thèse a été préparée à l'Institut de Mécanique Céleste et de Calcul des Ephémérides de l'Observatoire de Paris, de septembre 2001 à avril 2005, sous la direction de MM. Alain Chenciner et Alain Albouy. Elle traite du problème des N corps, qui consiste en l'étude des solutions des équations de Newton. Celles-ci décrivent le mouvement de N particules ponctuelles en interaction gravitationnelle. Cette thèse a plus précisément pour objet l'étude des solutions homographiques (les rapports entre les distances mutuelles sont constants) associées à des masses de signe quelconque. On étudie le cas des mouvements rigides (les distances mutuelles sont constantes). Ce problème est plus difficile que le problème à masses positives, car il n'est plus possible d'associer un produit scalaire aux masses.

On s'intéresse au cas où la somme des masses est nulle. Le centre d'inertie devient alors un vecteur, invariant par translation. Ceci rend les équations de Newton "plus intégrables". Ainsi, sous une hypothèse sur les vitesses initiales, le problème colinéaire des trois corps devient intégrable. Cette propriété permet de calculer les configurations centrales (configurations qui engendrent un effondrement homothétique sur un centre) pour des masses x, -x, y, -y.

On applique une propriété des équilibres absolus à somme des masses nulle au problème des chorégraphies. Une chorégraphie est une solution dans laquelle les corps se suivent sur la même courbe avec des intervalles de temps égaux. On montre que, pour le potentiel logarithmique, les masses d'une chorégraphie sont nécessairement égales.

Ce livre met en exergue ce qui se loge dans l’ombre du geste dansant à partir d’une ethnographie des processus de création de trois compagnies suisses : Nicole Seiler, Massimo Furlan/Numéro23Prod, deRothfils. L’anthropologue s’est intéressée au processus de fabrication d’oeuvres chorégraphiques qui abordent des questions existentielles. Angoisse, solitude, rapports entre morts et vivants, ces performances mettent en scène des ombres sous la forme d’esprits, de fantômes et de monstres. Enrichie par une pratique personnelle de la danse, cette recherche est née d’une anthropologie phénoménologique. La proximité avec les danseur.euse.s et chorégraphes a introduit la chercheuse au coeur des préoccupations de la création chorégraphique, et l’a amenée à partager les joies et les douleurs des corps affectés. En dialogue avec les études en danse, cet ouvrage contribue aux théories sociales du corps et des sensations.