Literatura científica selecionada sobre o tema "Bretagne dans l'art"

Depuis le jour où l'homme a découvert le feu et commencé à imaginer différents moyens de l'utiliser pour assurer à la fois la survie de l'espèce et le progrès, il a eu aussi recours au feu comme arme de destruction. Dans l'Art de la Guerre, Sun Tsu (500 av.J.-C.) parle de flèches incendiaires, tandis que, dans La Guerre du Péloponèse, Thucydide décrit une arme incendiaire utilisée à Sparte en 42 av.J.-C. Dans Le Déclin et la Chute de l'Empire romain, Edward Gibbon attribue le succès emporté par les Romains à Constantinople en 1453 ap.J.-C. au «feu grec», ce feu grégeois obtenu en enflammant un mélange de naphte, de poix et de résine et en le répandant à la surface des eaux. Près de cinq siècles plus tard, craignant une invasion, la Grande-Bretagne a utilisé le feu grégeois pour défendre ses côtes en 1940.

Si l'on applique à l'histoire des collections et des musées les critères qu'utilise la sociologie des sciences pour évaluer les transformations d'un domaine de recherche, on en vient à la conclusion qu'elle est en train de devenir une discipline à part entière. Les travaux qui en relèvent se multiplient d'année en année au point qu'il est désormais impossible de les lire tous ni même d'en avoir une vue d'ensemble, ce qu'on pouvait envisager encore dans les années soixante-dix. Et le nombre de ces travaux est en train de croître, non seulement en Italie, en Grande-Bretagne, en Allemagne et aux États-Unis, tous pays où l'histoire des collections et des musées était cultivée depuis longtemps, même si elle y restait marginale, auxiliaire de l'histoire de l'art, mais aussi en France et en Espagne, dans les pays Scandinaves, en Pologne, en Russie.

Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.

La présente thèse étudie la manière dont la lumière est abordée et représentée dans une sélection de peintures du long siècle des Lumières, en relation avec l’épistémologie de l’époque, ainsi que l’appropriation technique et ludique de l’éclairage. Dans un contexte empiriste, l’observation savante du ciel remplaça dans une certaine mesure le ciel théologique. Vaste toile blanche s’offrant au regard, nos peintres de paysage (Towne, Cotman, Gainsborough, Constable, Cox) y puisèrent leur palette et leur schème pictural, le nuage, paradigme empirique, désignation et perturbation de l’espace et de la figuration. Parallèlement, l’avènement de l’éclairage artificiel public et scénique encouragea une peinture prométhéenne (Wright of Derby, Martin, Loutherbourg), gagnée par les ombres des Lumières, qui en fournirent l’inspiration, le dessin et le fond. Turner, quant à lui, s’employa plus frontalement à tenter de figurer l’apparaître lumineux, la manifestation du visuel plus que du visible : comment résoudre l’aporie de la lumière, qui préside au visible, mais ne peut être vue ?
The present work studies the way light is tackled and pictured in a selection of paintings of the Enlightenment period, in relation to the epistemology of the time, together with the technical and theatrical appropriation of lighting. In the empirical context of the Enlightening, scientific observation of the sky somewhat replaced the theological heavens. Our landscape painters (Towne, Cotman, Gainsborough, Constable, Cox) drew their palette from this was blank canvas, as well as their pictorial scheme- the cloud : an empirical trope, both denoting and disturbing space and representation. In parallel, the advent of artificial public and theatrical lighting encouraged a Promothean type of painting (Wright of Derby, Martin, Loutherbourg), one that was encroached on by the shadows of the Enlightening, which provided its inspiration, design, background and substance. As for Turner, he strove to represent light more frontally, and render visuality rather than visibility : how could the aporia of light be solved, in so far as light rules over what can be see, and yet cannot itself be seen ?

De la conquête de Hastings au début de la guerre de Cent Ans, le souverain anglais s'affirme de manière décisive au sein d'un Occident chrétien qui connaît dans le même temps un profond rééquilibrage des pouvoirs. Si les textes permettent de suivre cette affirmation progressive à l'égard de l'Eglise, des grands vassaux et des princes étrangers, l'investigation des images et, dans une certaine mesure, des édifices également n'apparaît pas moins nécessaire. Elle est, en effet, utilisée par les souverains comme une manifestation immédiate et tangible de leur pouvoir, et pour en laisser également une trace persistante. L'analyse des divers supports artistiques qu'offre alors le milieu anglais permet d'envisager aussi les éléments mis en place par les opposants pour contrer cette magnification et le perpétuel réajustement de l'image royale grâce aux données traditionnelles, historiques ou légendaires ; la comparaison avec les procédés du même ordre mis en oeuvre par d'autres puissants princes de l'époque autorise, en outre, une meilleure définition du phénomène anglais. Cette étude vise donc à dégager les éléments privilégiés par les acteurs eux-mêmes dans la mise en place d'une idéologie monarchique et à suivre l'évolution de la notion même de royauté
Starting from the conquest of Hastings up to the start of the Hundred Years' War, the english king asserted his authority in a decisive manner within the christianized West, which at the same time was experiencing a significant upheaval and rebalancing between the various powers. Historical texts enable us to confirm this progression in front of the church, the major vassal powers, including foreign dignities. Netherless, it is important not to underestimate the use of images and edifices which contributed to this process. They were used as an immediate and tangible demonstration of regal power as well as leaving a permanent trace of their presence. The study of documentation from diverse artistic sources dating from english society during this period, notably coming from traditional, historie and legendary data, shows us elements set up by oponents in order to counteract this magnification of the king and thus creating a perpetual readjustement of the royal image ; by comparing similiar behaviour relating to other powerful princes living during the same time period, we are able to gain a clearer definition of the english phenomena. This study aims to distinguish between the methods used by the players in order to embelish their image, thus creating a monarchie ideôlogy, and rather to follow the progressive development of kingship

La @statuaire publique représente un patrimoine artistique considérable longtemps délaissé par l'histoire de l'art. En Bretagne, cent dix-neuf monuments dédiés aux grands hommes sont érigés entre 1685 et 1945. Aux premières commandes royales succèdent des initiatives municipales voire d'origines privées qui dans le choix des artistes et les modes de financement soulignent une pratique de plus en plus démocratique. A la fin du XIXe siècle, la statuomanie inspirée des idéaux égalitaires de la Révolution accompagne la propagande républicaine. En Bretagne, elle connaît une progression plutôt lente jusqu'au second Empire et atteint son âge d'or sous la troisième République malgré quelques réticences légitimistes et religieuses. Les sculpteurs sont tous issus de l'Académie des Beaux-Arts de Paris. Leur production, inspirée par l'œuvre de David d'Angers, demeure longtemps conventionnelle ; mais au début des années 1920, le réveil d'une culture régionaliste donne un second souffle à leur art
The @public statutory represents a large artistic patrimony forsaken for a long time by history of art. In Brittany, on hundred and nineteen monuments have been erected to great men between 1685 and 1945. Initiatives from local councils or private commissions succeed to royal orders. They set up more democratic practices in the choice of the sculptors and the financings. In the end of the ninetenth century, the statue-mania, inspired by the egalitarian ideals of the Revolution, follows republican propaganda. In Brittany, its growth is rather slow til the Second Empire and reaches its golden age during the Third Republic in spite of some legitimist and religious oppositions. All sculptors come from Paris Academy of Art and produce conventional works inspired by David d'Angers. But in the early twenties, the emergence of regional culture give a new inspiration to this sculpture

Plus d'un siècle après la fin de l'époque victorienne, il est possible de poser un regard neuf sur l'iconographie féminine des arts britanniques de cette période en observant les représentations mariales qui y font éclosion. Le retour de la figure de la Vierge Marie en Angleterre est le fruit d'une problématique artistique, morale, sociale et historico-religieuse, que cette thèse s'efforce d’analyser. Elle s'attache à comprendre et à démontrer pourquoi et comment ce pays est passé de la quasi-inexistence, sinon d'une résistance à cette représentation en raison du contexte politico-religieux propre à la Grande-Bretagne, à une acceptation de celle-ci au cours du XIXe, siècle de l’éclectisme et de l’internationalisation. Cette thèse a pour ambition de défendre l'idée d'une Madone anglaise, méconnue mais réelle, en visant à établir le fait du revival marial au sein de la géographie culturelle britannique. Elle examine à ce dessein l'influence de la Royal Academy, de l'Oxford Movement, du Catholic Revival, du Grand Tour, du Romantisme, du Gothic Revival, du mouvement Nazaréen, du mouvement Préraphaélite, de l’Orientalisme, de l’Aestheticism, du Symbolisme. Sont pris en considération les arts les plus divers : peinture, sculpture, architecture, musique, vitrail, gravure, art du livre, poésie, orfèvrerie, littérature, textile ou photographie. Ces représentations hétérodoxes s’entremêlent avec celles de la reine Victoria et celles de la femme anglaise, en offrant un phénomène unique de sacralisation iconographique, à savoir le culte des « Madones laïques » par le biais d’images d'inspiration explicitement mariale ou implicitement sacrée
Well over a century after the end of the Victorian era, one can still attract a new perspective on the iconography of female British art of this period by observing the representations of Marian resurgence. The return of the Virgin Mary figure in England appears to be problematic in many aspects - artistic, moral, social, historic and religious - which this thesis attempts to analyze. This thesis also seeks to understand and demonstrate how and why this country, in light of the fierce resistance of such representation once distinctive of the political and religious view in Britain, has shifted from an almost non-existent stance of such movement into its acceptance in a nineteen century of eclecticism and internationalism. Moreover, this thesis aims on one hand to defend the idea of an unfamiliar but genuine "English Madonna" and on the other hand to further establish the very fact of Marian resurgence in British cultural and geographical milieu. Likewise, this thesis will examine the influence of the Royal Academy of Arts, the Oxford Movement, the Catholic Revival, the Grand Tour, Romanticism, the Gothic Revival, Nazarene and Pre-Raphaelite movement, Orientalism, Aestheticism and Symbolism. Herewith, the following diverse arts are taken into consideration: painting, sculpture, architecture, music, stained glass, engraving, book art, poetry, jewelry, literature, textiles and photography. These unorthodox representations intermingle with those of Queen Victoria and those of the English woman, offering a unique phenomenon of a sacred iconography, namely the worship of "Madonnas secular" through an explicitly Marian or implicitly sacred inspirational image

Entre 1840 et 1870, la fée, longtemps bannie du territoire britannique, s'impose dans bien des domaines, notamment dans le conte et dans la peinture. La plupart des grands romanciers victoriens, comme Charles Dickens, William M. Thackeray, ou encore John Ruskin, publient des contes de fées. Le motif de la renaissance, voire de la naissance paraît commun à de nombreuses œuvres. Cette étude comparative a pour but d'expliquer les modalités de ce retour féerique, plus tardif que dans les autres pays, néanmoins si caractéristique de la culture britannique. Cette thèse vise à mettre en lumière toute l'originalité d'une telle renaissance qui semble marquée par un paradoxe : d'une part, la féerie victorienne évoque avec nostalgie un âge d'or perdu, rural et pré-industriel, et dans le même temps, elle se nourrit des multiples découvertes scientifiques de l'époque, comme la biochimie, la géologie, la médecine, la botanique ou encore l'entomologie. Loin d'être coupée du monde dans lequel elle émerge, la féerie s'en inspire et s'en rapproche plus que jamais, comme si elle était devenue le dernier domaine pouvant encore échapper aux équations scientifiques. Le conte est souvent intimement lié à la peinture; nombreux sont les peintres qui s'inspirent de l'œuvre de Shakespeare. Parallèlement, les contes présentent une véritable dimension picturale. La représentation de la fée oscille entre visibilité et invisibilité, lisibilité et illisibilité, lui permettant de s'adresser à plusieurs types de lecteurs ou de spectateurs, parfois aux frontières de l'érotisme
Between 1840 and 1870, the fairy, long banished from Britain, exerted itself in a number of fields, notably in tales and in paintings. The majority of the great Victorian novelists, such as Charles Dickens, William. M. Thackeray and John Ruskin published fairytales. The motif of the renaissance, that of revival or even birth, appears in numerous works featuring fairy themes. This comparative study aims to explain the modalities of the return of the fairy, which occurred much later than in other countries, but is nonetheless characteristic of British culture. This thesis seeks to bring to light the originality of a renaissance that seems paradoxical. On the one hand, the Victorian fairy nostalgically evoked a lost golden age, both rural and pre-industrial; on the other hand, it was nourished by numerous scientific discoveries of the period, such as in biology, geology, medicine, botany and entomology. Far from being cut-off from the world in which it emerged, the fairy is inspired and has never been closer to it, now providing a final bastion that refuses to yield to the power of scientific equations. Text and image are intimately linked in this field. Numerous artists were inspired by the work of Shakespeare and, similarly, fairy tales exhibit a pictorial dimension. The representation of the fairy oscillates between visibility and invisibility, the legibility and illegibility, enabling it to address several types of readers or viewers, often at the frontier of eroticism

Cette thèse se propose d'étudier divers aspects de la personnification de la mort en Bretagne (l'Ankou). Elle s'intéresse aux figures de la religion celtique et de la littérature arthurienne qui pourraient constituer les ancêtres de ce personnage. Elle montre aussi l'influence qu'a eu le thème du macabre dans l'Occident de la fin du Moyen Age sur la culture lettrée de la Haute Bretagne, zone de contact et d'échanges qui a influé sur les représentations de la Mort bretonne (livres d'Heures, œuvre de Jean Meschinot). La Mort est personnifiée dans les œuvres religieuses : dans les tableaux de mission, sur les statues des monuments cultuels, dans les cantiques. Elle l'est aussi dans la littérature de langue bretonne, dès la période du moyen-breton. Elle l'est encore - et c'est l'objet de l'étude des troisième et quatrième parties - dans le théâtre populaire breton ainsi que dans les contes populaires. Chaque style littéraire a engendré sa propre figure du personnage. La Mort a autant de facettes qu'il y a d'oeuvres dont elle est le sujet
This thesis is a study of different aspects of the personnification of death in Brittany (l'Ankou). It looks into the the characters of the celtic religion and of the Arthurian literature that could represent its ancestors. It also shows the influence that the theme of the gruesome within the Occident during the end of the Middle Age had on written culture in East Brittany, the area of contact and exchange that influenced the representations of death in Brittany. Death gets personnified in religious works : in missionary paintings, on cult statues and in canticles. It is also found within literature in breton language, as early as the time of middle-breton. Futhermore, it is found in breton popular drama, as well as in popular tales (third and fourth parts). Each literature style has cared personality of its own out the character. Death has as many features as there are works that feature it

Le corpus d’autoportraits photographiques allant des années 1970 aux années 2010 permet de constater trois invariants dans la façon dont les artistes se présentent : la mascarade, la nudité, et la textualité. Chacune de ces thématiques interagit avec les questions plus larges d’intime, d’extime et de politique, car mettre en jeu l’image intime de soi dans son art a souvent pour but d’accentuer ses prises de positions sur le monde. Une partie des artistes obscurcissent leur identité et se représentent dans une mascarade totale ou partielle qui interroge la valeur du masque. Le choix du masque, ainsi que l’espace sensible pour le spectateur entre le visage et le masque, révèlent paradoxalement certains aspects de l’identité, comme Cindy Sherman dont l’apparence reste floue malgré des centaines d’autoportraits mais dont les politiques de réécriture subversive des stéréotypes de représentation sont bien connues. Si la mascarade dans l’autoportrait semble mettre à distance la possibilité même de l’intime, l’autoportrait nu donne l’impression d’une révélation absolue de l’intime, qui devient extime du fait de son partage avec le public et des échanges que ce partage permet. Là encore, l’artiste qui dénude son corps est bien dans l’action politique lorsqu’il met à mal des normes et des tabous sociaux, comme l’interdiction de mettre en images et en mots son désir et sa sexualité. Une profondeur nouvelle dans l’extimisation de l’intime est atteinte lorsque le photographe associe des textes à son autoportrait. Pourtant, les artistes évitent la tautologie, écrivant au contraire en regard de leurs autoportraits des textes qui se les révèlent en se permettant toutes les libertés textuelles, allant de l’autobiographie parfois fictionnelle au poème, du journal intime au manifeste politique. Il s’agit de s’interroger sur le paradoxe de l’art intime : pourquoi se risquer à l’aporie de l’art intime qui se détruit en s’accomplissant lorsque l’artiste se représente justement par ce qui lui est le plus douloureux et le plus secret à partager ? Surmonter la douleur de l’art intime est au cœur de la politique d’une telle démarche
The corpus of photographic self-portraits from the 1970s to the 2010s highlights three invariants in the ways artists present themselves : they use masquerade, nudity or add texts to their self-portraits. Each of these themes interacts with the larger issues of intimacy, extimacy, and politics, as using one’s intimate image in one’s art often emphasizes one’s views on the world. Some artists obfuscate their identity and present themselves in a total or partial masquerade that questions the value of the mask. Its choice, as well as the perceptible space between mask and face, paradoxically reveal aspects of the artist’s identity, as does Cindy Sherman whose appearance is eventually blurred by the hundreds of self-portraits, but whose politics of rewriting society’s representational stereotypes is well-known. If the masquerading self-portrait seems to diffuse the very possibility of intimacy, the nude self-portrait give the impression of a total revelation of intimacy, so much so that it become extimacy when it is shared with the public and allows a conversation to take place. Here too, artists who reveal their own bodies are political, because they refuse social norms and taboos such as the interdiction to picture one’s own desire and sexuality. A new depth in the extimisation of intimacy happens when the photographer associates texts to his self-portraits. However, artists are seldom tautological: on the contrary they reveal themselves through texts that make use of every freedom, from autobiography to fiction and poem, from diary to political manifesto. The point is to question the paradox of intimate art: why risk the aporia of intimate art, which destroys itself to happen when the artist shares his pain and his secret? Overcoming the pain of intimate art is at the heart of the politics of such a process

Cette thèse explore les relations qu'ont pu entretenir l'art poétique de Keats, Tennyson et Rossetti avec l'œuvre visuelle du mouvement préraphaélite. La rencontre entre le texte et l'image est particulièrement fructueuse – poèmes mis en tableaux, ekphrasis poétiques, volume illustré issu de la collaboration des artistes, double pratique artistique chez Rossetti. Cette relation forte s'appuie sur une tradition encore très vivace au dix-neuvième siècle anglais, celle de l'ut pictura poesis. Cette comparaison d'Horace invite à placer peinture et poésie en miroir, chaque œuvre se construisant à l'image de l'autre. Or pour le regard qui doit désormais se confronter à deux formes hétéroclites, dotées de leurs propres codes et modalités d'appréhension, le texte/image peut impliquer une certaine gêne. En cela, devenir lecteur/spectateur, déjà, semble l'expérience d'un dessaisissement. Tenter de maintenir l'unicité et l'unité de chaque œuvre, comme garanties de l'originalité artistique, ne se fait de plus qu'au prix de dédoublements et de miroitements qui interdisent la stabilité de l'interprétation. Si l'on accepte ce dessaisissement, l'élan réciproque du poème au tableau paraît parfois tendre vers, voir se suturer en un espace unique, qui permettrait dès lors une saisie globale, un tissage des formes, une façon de penser les deux moitiés comme indissociables l'une de l'autre. La suturation, brèche et potentielle blessure, doit alors s'envisager comme une entité texte/image dynamique, qui renonce à la fixité par l'ébauche, l'inachèvement, pour nous entraîner vers un espace/temps plus complexe, celui du parcours labyrinthique où le texte/image se fait quête
This dissertation on word and image focuses on the relationship connecting Keats, Tennyson, Rossetti's poetry and Pre-Raphaelite art, be it through visual representations of poems, ekphrastic works, illustrated books, or Rossetti's “double works” of art linking poem and painting. This strong link partly results from the persistence in nineteenth-century England of the powerful tradition of ut pictura poesis, a comparison by Horace which has been used to blend poetry and painting, as if they were mirror images of each other. However, since they remain heterogeneous forms of art, each with its own codes and modes of apprehension, we can wonder whether simultaneous perception may entail no uneasiness. Indeed, being a reader/viewer implies, from the very start, abandoning some habits of perception. Even as we try to maintain the uniqueness of each work of art, doublings, mirroring effects debunk stable interpretation. If we admit this form of amazement implied by word and image, there might be a way of considering them as a whole, each aspiring to find completeness by including the other: only then may they become inseparable “halves”. There still exists a potentially painful interstice between the two that the art of inachievement, through sketches or suspension, sublimates, creating a more complex unity, a dynamic process aiming to grasp both poetry and painting, in which the reader/viewer enters the path of labyrinthine a(maze)ment

Au cours de la période victorienne , la vénération collective d'un enfant idéal est ratifiée et exacerbée par les écrivains et les plasticiens britanniques. L'enfant devient d'une part un sujet de représentation récurrent dans la fiction, la poésie et les arts plastiques, d'autre part le destinataire d'une littérature et d'une iconographie pour la jeunesse. Nous avons repéré, à travers un ensemble de documents textuels et iconographiques, les archétypes dominants d'une représentation adulte de l'enfance, que nous avons pris soin de replacer dans leur contexte social et culturel : l'enfant-ange, la victime, le mystique de la nature, le visionnaire. Nous avons également étudié en tant que genre spécifique la littérature de jeunesse, ce qui nous a amenée à constater une évolution de l'image de l'enfant vers davantage d'authenticité.