Teses / dissertações sobre o tema "Ballet Teatro del Espacio"

Socióloga
Autor No autoriza la publicación de su tesis a texto completo en el Portal de Tesis Electrónicas
En la presente memoria de título se da a conocer el resultado de un trabajo de investigación llevado a cabo durante el año 2016 y el cual tuvo como objetivo principal el construir la imagen del Teatro Nacional Chileno (TNCH) como espacio de mediación desde la mirada de sus funcionarios, artistas y públicos. Esta memoria se presenta con una revisión bibliográfica de los principales conceptos que guiaron la investigación, las principales motivaciones, la estrategia metodológica utilizada y los principales resultados. Esta investigación encuentra sus marcos de referencia en tres conceptos claves, los cuales se escogieron según su aporte para responder a su objetivo principal. El primer concepto es el de espacio el cual enmarca el modo en cómo se concibe el TNCH, el espacio es trabajado desde dos perspectivas, primero como espacio de memoria y segundo como espacio teatral. Luego, el siguiente concepto trabajado es el de teatro, el cual se enmarca en el contexto de un mundo del arte y se analiza desde la perspectiva de una sociología del teatro. Finalmente, el tercer concepto es el de mediación el cual se trabaja desde la hipótesis de que el TNCH como institución se constituye como espacio de mediación en el cual es posible encontrar un flujo de interacciones entre diversos individuos que permiten una llegada de la obra al público y la manera en que este proceso ocurre afectaría pues la visión que se tiene del lugar. Se invita a leer esta investigación que si bien nunca resultó ser ambiciosa en sus objetivos y metas, si fue muy enriquecedora en cuánto aprendizajes personales y experiencias vividas

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nenhum
This dissertation has the object to discuss the role of cultural journalism in the construction of Guaíra Theater s image as being the exclusive representative of all dance production in Paraná State. For that, it has reunited as corpus of its investigation the published material of local news paper s and for some of national circulation between 1956 and 2004. With that, intending to attest that was this printed media action, in municipal, state and national levels, that constructed and consolidated a type of entail that goes back to the creation of Guaíra Theater Ballet Course, in 1956. And that was done on account of coevolutive current agreements in that environment. The hypothesis that has guided the investigation of the nature of this entail has its fundaments in a semiotics approach of the Evolutive Theories. The investigation was based on the understanding that were certain memes that propagated in linked processes to contamination and influence that, even today set Curitiba s dance environment. The dissertation maps the context in which the entail was established, identifying the prioritary aspects in the formation of this lasting association. This dissertation also discourses about the forms of using the government budget to the dance in Paraná and the aim is to contribute to a necessary public debate about the relation between the communication channels and public politics. Based on the Coevolution concept, this dissertation concludes that some survival strategies still remain in the city s environment, showing its replicators strength and the importance of evaluating these theories, searching direction for future choices to the formulation of public politics to the dance in the city.
Esta dissertação tem como objeto discutir o papel do jornalismo cultural na construção da imagem do Teatro Guaíra como sendo o representante exclusivo de toda a produção de dança do Estado do Paraná. Para tal, reuniu como corpus de investigação o material publicado pelos jornais locais e por alguns de circulação nacional entre 1956 e 2004. Com ele, pretende atestar que foi a ação desta mídia impressa, em nível municipal, estadual e nacional, que construiu e consolidou um tipo de vínculo que remonta à criação, em 1956, do Curso de Ballet do Teatro Guaíra. A hipótese que guiou a investigação da natureza desse vínculo se fundamenta em uma abordagem semiótica das Teorias Evolutivas. A investigação pautou-se pelo entendimento de que foram certos memes que se propagaram em processos atrelados à contaminação e também à influência e que, ainda hoje, montam o ambiente da dança em Curitiba. A dissertação mapeia o contexto em que o vínculo se estabeleceu, identificando quais os aspectos prioritários na formação desta associação tão duradoura. Discorre-se também sobre as formas de uso da verba pública para a dança no Paraná e visa-se contribuir para um debate público sobre a relação entre canais de comunicação e políticas públicas. Baseando-se no conceito de Coevolução, conclui-se que algumas estratégias de sobrevivência permanecem no ambiente, demonstrando a força de seus replicadores, e a importância de se avaliar estes mecanismos à luz de conceitos abarcados por estas Teorias, buscando nortear futuras escolhas para formulação de políticas públicas para a dança na cidade.

Si bien nuestra primera intención fue dedicar el presente estudio a los maniquíes de Tadeusz Kantor, durante la etapa de investigación el foco centrado en ese particular objeto -que el artista consideraba marginal- se fue ampliando en la medida en que, al inscribirlo en una perspectiva teórica como al resto de los elementos escénicos, los cuerpos artificiales aparecieron como otro signo, si bien peculiar, de un lenguaje escénico que vertebraba a todos los demás. ¿Por qué el artista había elaborado una propuesta espectacular centrada en la visualidad, en los objetos, en el cuerpo del actor -no en el actor- o sus repeticiones artificiales? El marco de la revolución teatral de principios del siglo XX y las décadas siguientes lo explican en parte. Sin embargo, el recurso constante de Kantor a la reflexión teórica durante la creación de sus espectáculos y su práctica paralela de la pintura -que plantea sus propios cuestionamientos- nos permitieron acceder a un terreno más vasto e inexplorado que el de las concomitancias con las vanguardias artísticas pasadas y actuales. En dichos escritos Kantor libra una batalla permanente contra la representación en el campo del arte, prolongando batallas anteriores, pero planteando sus estrategias ocupando, paradójicamente, el terreno de lo supuestamente representable: la realidad y el objeto real. A esta pregunta siguió otra, inherente a ella: ¿cómo se hizo realidad en la escena una realidad vital que se negaba a representar? Ambas apuntan a dos de las direcciones en que se mira el teatro de Kantor: en primer lugar, al teatro mismo y luego, a los demás discursos que lo atraviesan -plásticos, literarios, estéticos, históricos, éticos y religiosos- sumados a la memoria personal, presente en sus últimas puestas en escena, y el paulatino giro autobiográfico que estas van adoptando. De aquí que hayamos acudido a dichas disciplinas en la elaboración de algunas respuestas. En consecuencia, se ha dedicado un espacio considerablemente mayor a la segunda pregunta, el “cómo”, en tanto la pregunta sobre el “por qué” inicial alude a los fundamentos de su opción artística, pero del “cómo” deriva la hipótesis de partida: establecer un marco de comprensión en el cual la construcción del espacio escénico, colonizado por la realidad vital a través de los objetos, sea capaz de dar cuenta de la complejidad y la interdisciplinariedad de la creación de Tadeusz Kantor y los dispositivos de que se sirvió para desterrar la representación de la escena y sostener la autonomía de la obra de arte. Acorde con las dos preguntas acerca de la escena de Kantor, el estudio fue dividido en dos partes. En la primera se intenta responder a la pregunta de “por qué”, incidiendo en el marco conceptual de las rupturas de la escena kantoriana respecto de lo que se entendía por “teatro”, para lo cual se han abordando las nociones de representación versus repetición y de la ilusión teatral. Estas cuestiones hacían necesario especificar a qué clase de realidad pertenecían sus creaciones teatrales, que cumpliera la premisa de no ser representable, que nos ha remitido a los textos de Bruno Schulz, en los cuales se apoya su propia concepción. Está dividida en tres capítulos. El primero gira en torno al eje dicotómico realidad/ representación el cual, según la nomenclatura de Michel Foucault, enfrenta el “orden del espejo” al “orden de la repetición”. Dichos conceptos apuntalan la comprensión de la escena de Kantor en la segunda parte. El artista opondrá la repetición a la mimesis como estrategia para tergiversar las categorías representativas, en especial los aspectos temporales, al enfrentar el tiempo circular de la primera al tiempo cronológico de la segunda. El espectáculo paradigmático de esta estrategia será Wielopole, Wielopole (1985), que desde el título constituye la puesta en escena de la repetición, que sustraía a la creación de la categoría de lo ilusorio y la integraba en una realidad otra, la del campo artístico, en el cual se inscribe la obra total de Kantor.
The present dissertation is about the scenic construction of the polish artist Tadeusz Kantor, one of the revolutionaries in the theater of the second half of XXth. Century. His theater is very visual and he developes it in paralel with painting, so we begin on the research from a multidiscilinary point of view. Besides, Kantor’s interests includes other areas of the creation and knowledge, too. Our framework of departure were the semiothics in the theatre in order to read the kantorian scene as a construction bringing the simultaneous destruction of the tradicional drama as the main objective. The theoretical writings by Kantor and others philosophical, criticism, literary, poetic ideas held our writing in order to stablish in which way Kantor had built a non mimethic reality on the stage. Alter this we went on with the analysis of each one of the theatrical signs and we followed them through the metamorphosis of one spectacle to another. At the same time we compared them with the artist’s writings and their influencies in the field of the Polish and European culture. In that comparative course we tried to underline all the time which had been the conceptuals ways and performance strategies always hetherodox in order to dammage the reputation of each one of the mimethic theater supposits and to built his own scene.

La presente tesis tiene por objetivo describir el modo en que se fomenta en los jóvenes el proceso de inducción ciudadana utilizando el teatro como recurso comunicacional en el trabajo de las Asociaciones Teatrales Arena y Esteras y Vichama Teatro en el distrito de Villa El Salvador. Se han tomado como casos de estudio las Asociaciones Teatrales: Arena y Esteras y Vichama Teatro. Se ha realizado una investigación descriptiva con metodología cualitativa. Se ha realizado una revisión documental teniendo como ejes: comunicación participativa, ciudadanía, contexto de los jóvenes, distrito de Villa El Salvador, animación sociocultural. Además, se ha realizado un trabajo de campo que busca levantar las voces de los actores involucrados. Los actores que se han tomado en cuenta para el estudio del proceso de inducción ciudadana son: Gobierno Local, colegio, jóvenes, padres, las Asociaciones de Teatro Arena y Esteras y Vichama Teatro. Luego del análisis de todas las variables de investigación se debe señalar que el trabajo de ambos casos de estudio sí contribuye a la tarea de inducción ciudadana a través de los talleres de teatro brindados a los jóvenes del distrito de Villa El Salvador, pero de una manera progresiva y a largo plazo. Los mejores ejemplos del impacto de la metodología son los mismos jóvenes facilitadores del espacio, pues ellos se iniciaron en talleres, como los de la presente investigación, y fueron empoderados para continuar un proceso de activismo social a través del teatro. Ahora, ellos son jóvenes activistas que trabajan en replicar la experiencia en su comunidad. En cuanto a los padres y profesores, se tiene que señalar que no tienen claro la importancia de la inducción ciudadana en los jóvenes. La Municipalidad realiza esfuerzos con el proyecto de la Red de Municipios Escolares, pero tiene impacto reducido por el número de beneficiarios directos, a comparación del gran número demográfico que representan los jóvenes del distrito. El teatro genera un espacio comunicacional importante e interesante para el proceso de inducción ciudadana, pues permite la utilización de metodología comunicacional participativa donde todos los actores involucrados tengan voz propia y sean parte de un proceso. Ambos casos de estudio basan su trabajo en la animación sociocultural que permite trabajar temas desde el diálogo con la comunidad. Las asociaciones de teatro empoderan a los jóvenes y éstos se vuelven actores activos de la comunidad, utilizando el teatro como canal de expresión.
Tesis

Identifica y analiza los referentes de identidad cultural que se evidencian en la práctica teatral de los jóvenes que participan en los talleres de las asociaciones culturales Arena y Esteras, Casa Infantil Juvenil de Arte y Cultura (CIJAC) y La Comuna de Villa, en el distrito de Villa El Salvador. Para ello se realizó una investigación descriptiva de enfoque cualitativo, donde se recogió los testimonios de los fundadores de las asociaciones y los jóvenes que participan en los talleres que estas brindan. De igual forma, se aplicó la técnica de observación no participante y también se presenció las obras de teatro en las que participaban los jóvenes. Como resultados se presentan dichos referentes de identidad cultural, de los cuales destaca la fuerte conexión que han establecido las asociaciones culturales con su distrito, y que ha sido percibida e incorporada como propia por los jóvenes que participan en sus talleres.
Tesis

Este trabajo trae consideraciones acerca del uso del espacio teatral en el Teatro de Calle. Expone definiciones y términos vinculados al concepto de espacio cuando relacionado al teatro. Suscita reflexiones sobre metodologías adoptadas durante presentaciones teatrales ocurridas en espacios fuera de los locales habituales, o sea, además de aquellos convencionalmente construidos para recibir espectáculos (salas de espectáculos, teatros a la italiana, arenas, etc.). La mayor parte del análisis aquí discutida parte de experiencias vividas, en un determinado periodo, en el Mambembe Música e Teatro Itinerante, no obstante también valga de otros conocimientos además de aquellos percibidos y ocurridos en ese grupo. Discurre también sobre elementos constitutivos de espacios en el convencionales, buscando percibir situaciones que comúnmente compone ese tipo de espacio, y así, configurando inúmeras posibilidades que inciden en la relación con el espectáculo allí presentado.
Esse trabalho traz considerações acerca do uso do espaço teatral no Teatro de Rua. Expõe definições e termos atrelados ao conceito de espaço quando relacionado ao teatro. Suscita reflexões sobre metodologias adotadas durante apresentações teatrais ocorridas em espaços fora dos locais habituais, ou seja, além daqueles convencionalmente construídos para receberem espetáculos (salas de espetáculos, teatros à italiana, arenas, etc.). A maior parte da análise aqui discutida parte de experiências vivenciadas, em um determinado período, no Mambembe Música e Teatro Itinerante, embora também valha de outros conhecimentos além daqueles percebidos e ocorridos nesse grupo. Discorre também sobre elementos constitutivos de espaços não convencionais, buscando perceber situações que comumente compõe esse tipo de espaço, e assim, configurando inúmeras possibilidades que incidem na relação com o espetáculo ali apresentado.
Mestre em Artes

Magíster en Antropología y Desarrollo
El presente Proyecto de Tesis da cuenta de una propuesta investigativa fundada en una perspectiva epistemológica constructivista y en una lectura teórica socioconstruccionista intenta observar las narrativas subalternas de resistencia de personas que han estado expuestas al trauma psicosocial por violencia política mediante la observación de sus relatos elicitados en el contexto de una función de teatro espontáneo. El teatro espontáneo es un dispositivo de teatro comunitario que consiste en poner en escena de manera rápida, improvisada y espontánea historias contadas por el público asistente utilizando una gran variedad de técnicas propias y recursos teatrales, con la intención de enriquecer y multiplicar la óptica de la historia original. La observación propuesta intenta develar el relato subalternizado, oprimido por las narrativas hegemónicas, donde priman las amnesias colectivas y los discursos oficiales de la democracia de la transición, para encontrar en ellas la emergencia de narrativas de resistencia, mediante un análisis de discurso de corte metodológico cualitativo y crítico. Se busca indagar en la memoria colectiva y los recursos y estrategias que la comunidad posee. Para efectos de esta investigación se asume la propuesta de Halbwachs que comprende la memoria es un proceso y un producto de carácter eminentemente social y no exclusivamente intrapsíquico. Por tanto, como se considera a la memoria una práctica relacional, no se centra el análisis sobre lo que sucede en las mentes de las personas que aportan su relato sino en el relato como acción mismas de recordar

Esta investigación antropológica e histórica se centra en las distintas facetas artísticas de la vida y obra del mimo y actor peruano Jorge Acuña Paredes, quien tuvo una importante presencia teatral en la plaza San Martín durante la década de 1970. El teatro callejero iniciado por Jorge Acuña, cambió la manera tradicional de realizar este arte en salas, y dio paso a un teatro popular que se acerca a un nuevo público en las plazas. Sus primeras actuaciones coinciden con una serie de importantes transformaciones sociales para la época. Se realiza un recuento del contexto histórico y social, así como de las repercusiones que tuvo la presencia de Acuña en el espacio público y la transformación que él genera en este, cuestionando el orden establecido en la esfera pública, la que restringía el uso de las plazas y lugares de tránsito masivo. La validación de este espacio se dio a través de un discurso de protesta social, cuestionador de la situación de marginación en la que se encontraban muchos de sus seguidores y potencial público de raigambre popular. La importancia de Jorge Acuña se puede percibir por el impacto que tuvo en su época y su reconocimiento por parte de intelectuales, artistas, pero fundamentalmente de su público, logrando generar un movimiento importante en torno a sus presentaciones. El teatro de calle iniciado por Acuña, tiene aún hoy día distintos seguidores, quienes han buscado continuar su labor de acercar este arte a las clases populares del país. A pesar de la oposición de las autoridades y de una crítica férrea a su labor, Jorge Acuña logró imponerse y destacar, actuando en la plaza San Martín por más de una década. El triunfo de Acuña y de su labor fundadora, puede verse reflejado en la huella que dejaron sus actuaciones en la plaza, así como en los distintos reconocimientos que ha recibido a lo largo de su carrera, incluso por medios periodísticos que en su momento fueron contrarios a su propuesta. Jorge Acuña, con su gran carisma, y a través de un arte combativo, generó una empatía profunda con su público, compuesto mayoritariamente por esa gran masa de provincianos que se apropiaron de la ciudad de Lima en la década de 1970. Asimismo, logró a través del teatro de calle y su discurso social, cuestionar las restricciones que las clases hegemónicas y las autoridades imponían sobre el uso del espacio público para realizar actividades artísticas, poniendo en tela de juicio el dominio de la esfera pública de estos grupos dominantes. La labor de Jorge Acuña mostró que en la plaza se podía cuestionar a los poderes fácticos y, al mismo tiempo, impulsar una sociedad más democrática, donde el pueblo podía recuperar su voz y su sentido crítico, y así buscar poner un límite a las injusticias del sistema social
Tesis

Este trabajo propone una temática de significación, desde el arte, para la sociología. Con tal fin he elegido la actividad teatral por presentar ésta variados elementos que pueden convertirse, cada uno o globalmente en objeto de estudio sociológico. Dramaturgia, profesionalización, en las áreas de actuación, dirección y técnicas para el espectáculo; organización empresarial, público, recepción y crítica son sólo aspectos de la múltiple gama de tópicos teatrales que pueden analizarse desde la óptica de las ciencias sociales. Estas últimas cuentan con recursos metodológicos que permiten un acercamiento no sólo comprensivo para el estudio de manifestaciones culturales-artísticas
Tesis

La presente investigación se basa en la aplicación de un taller de teatro, en un plano teatral lúdico, a un grupo de treinta y dos alumnas y alumnos adolescentes del segundo grado de secundaria de la Institución Educativa Fe y Alegría. La elección de este público objetivo gira en torno a la validez que tiene el teatro como herramienta capaz de crear un espacio en el que el adolescente pueda expresarse libremente junto a otros, jugar dentro de sus historias y poder realizar reflexiones al respecto. Estas ficciones funcionan como simulaciones del mundo real en la que ellos/as mismos/as reaccionan sin intimidación u opresión. La habilidad de explorar dimensiones creativas e imaginativas en dicha edad les permite disponer de su voz y cuerpo a nivel colectivo, ya que no hay alguna disciplina escolar en la secundaria que se concentre principalmente en la integración creativa del adolescente. La metodología se estructura como un taller de teatro básico, con las disciplinas de presentación, expresión, creación y retroalimentación, cuyos ejercicios se basan en juegos en los que la experiencia prima para el análisis del adolescente en el espacio creativo. Consideramos la importancia de esta investigación desde el plano personal, pero también como preocupación por la satisfacción de necesidades de dimensiones más humanas como el sentido de pertenencia, pueden trabajarse en un espacio de escucha que las artes escénicas poseen. El propósito de esta investigación es conseguir proyección social en aquellas áreas donde actualmente las artes escénicas no tienen adecuado alcance. Si bien, el mejoramiento social puede ser considerado por algunas personas como un objetivo utópico, postulamos la validez educativa del teatro para ayuda a alumnos/as en cuanto al desarrollo de habilidades sociales como educandos y en su interacción personal, al disponer de juegos y herramientas teatrales que cuya aplicación redundará en beneficio social de los jóvenes limeños/as

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CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior
Esta pesquisa visa ao dialogismo como forma de construção de um saber teórico-prático, como espaço de relação entre as técnicas do Ballet Clássico e de Danças Regionais Paraenses em uma experimentação cênica em dança vivenciada em sala de aula, com adolescentes do Projeto “Arte em Movimento” da Instituição Lar de Maria, em Belém do Pará, no segundo semestre de 2013. A pergunta da investigação foi a seguinte: Como realizar um diálogo entre técnicas provenientes do Ballet Clássico e outras advindas de Danças Regionais, de forma lúdica e criativa, com adolescentes, tendo como resultado uma experimentação cênica diversificada e inovadora em Dança? O lúdico no sentido prazeroso, capaz de criar um clima de entusiasmo. É este aspecto que envolve emocionalmente o indivíduo, que torna a atividade de forte teor de motivação, um grande gerador de estado de euforia e vibração. E o criativo pelo prazer da descoberta do corpo, dos movimentos, do espaço, do diálogo, da interação. Como objetivo geral, pretendi investigar o processo dialógico dos elementos técnicos do Ballet Clássico com os de Danças Regionais na construção de uma experimentação cênica em dança de forma lúdica e criativa. Para o desenvolvimento deste estudo, realizei uma pesquisa-ação. Nela, investiguei: a relação entre a teoria e a prática no que tange aos elementos técnicos do Ballet Clássico e de Danças Regionais; os elementos que se assemelham entre tais técnicas; a contribuição que posso dar para futuros trabalhos que visem a um diálogo ético e estético entre as técnicas do Ballet Clássico e de Danças Regionais. O desenvolvimento desta pesquisa envolveu tanto os objetivos presentes no Projeto “Arte em Movimento” - por exemplo, o de inclusão social através da dança -, quanto os objetivos que eu construo em meu próprio planejamento docente, entre eles o estímulo à criatividade, ao conhecimento e ao respeito à Cultura, à Arte, e principalmente, à Dança. Os resultados da pesquisa apontaram, na relação entre teoria e prática no que tange aos elementos técnicos do Ballet Clássico e de Danças Regionais: tanto no ballet quanto em danças regionais trajetória de saltos, giros, deslocamentos frontais, laterais, verticalidade; as danças regionais na vertente da teatralidade formada pelos “microeventos da vida cotidiana”, e o ballet clássico na espetacularidade formada pelos “macroeventos que ultrapassam a rotina, são extracotidianos”; um diálogo ético e estético entre as técnicas do Ballet Clássico e de Danças Regionais, numa mesma cena; demonstração de processos de criação envolvendo danças regionais em experimentações e discussões por meio do dialogismo entre técnicas consideradas distintas; e retificação de ideias obsoletas no que tange ao ballet clássico, visto pelo “senso comum” apenas como uma forma de dança fechada - ao contrário, saliento-a como uma dança étnica, atrelada à sociedade na qual surgiu.
This research aims to dialogism as a way of building a theoretical-practical, as space relation between the techniques of Classical Ballet and Dance Regional Paraenses in a scenic experimentation in dance experienced in the classroom with teenagers Project "Art in Motion "Home of the Institution of Mary, in Belém do Pará, in the second half of 2013. The research question was: How to conduct a dialogue between techniques from Classical Ballet and other arising Regional Dances, a playful and creative way with teenagers, resulting in a diverse and innovative scenic experimentation Dance? The playful in pleasurable sense, able to create a climate of enthusiasm. It is this aspect that emotionally involves the individual, making the activity of large content of motivation, a great generator of euphoria and vibration. And the joy of creative discovery of the body, movement, space, dialogue, interaction. As a general goal, I wanted to investigate the dialogical process of the technical elements of classical ballet with the Regional Dances in building a scenic experimentation in dance in a playful and creative way. To carry out this study, I conducted an action research. Here, I investigated: the relation between theory and practice regarding the technical elements of classical ballet and Regional Dances; elements that resemble each such techniques; the contribution they can make to future work addressing the ethical and aesthetic dialogue between the techniques of Classical Ballet and Dance Regional. The development of this research involved both goals present in the project "Art in Motion" - eg social inclusion through dance - as the goals that I build on my own teaching, including planning stimulating creativity, knowledge and respect the culture, art, and especially the dancing. The results of the research show, the relationship between theory and practice regarding the technical elements of classical ballet and Dance Regional: both in ballet and in regional dances trajectory of jumps, spins, wheel offsets, lateral, vertical; regional dances in the shed formed by the theatricality "micro-events of everyday life," and in the classic ballet spectacle formed by "macro events which go beyond routine are extracotidianos"; ethical and aesthetic dialogue between the techniques of Classical Ballet and Dance Regional, in the same scene; demonstration of creative processes involving regional dances in trials and discussions through dialogism between different techniques considered; and rectification of obsolete ideas in regard to classical ballet, seen by "common sense" only as a form of closed dance - on the contrary, emphasize it as an ethnic dance, linked to the society in which it arose.

Acercar y reflejar en un juego de espejos las propuestas de Luigi Pirandello y Samuel
Beckett constituye el propósito de la presente tesis. El núcleo central de la argumentación
es constituido por la máscara, tal como surge de la obra teatral de Pirandello. Con el
término 'máscara' se hace referencia no sólo al artefacto material utilizable en la puesta en
escena, sino sobre todo a la representación simbólica de una experiencia vivida por el ser
humano, a través del personaje teatral. Se sostiene que el nombre propio, el cuerpo y la
mirada dibujan los rasgos exteriores de la máscara, mientras la oscilación desde la palabra
hasta el silencio, pasando por la locura, caracteriza los elementos internos. La dramaturgia
pirandelliana ocupa una posición central en la investigación y representa el punto de partida
para el análisis de las correspondencias. Los ámbitos de comparación están determinados
por la poética teatral, el lenguaje dramático y la caracterización de los personajes.
The intention of this thesis is to put together and reflect, like in a mirror game, Luigi
Pirandello's and Samuel Beckett's proposals. The mask, as it arises from Luigi Pirandello's
dramatic work, constitutes the central core of the argument. The term 'mask' refers not
only to the device available for staging, but especially to the symbolic representation of an
experience lived by the human being, through the dramatic character. I propose that the
name, the body and the look draw the mask's external features, while the oscillation from
the word up to the silence, passing through the madness, characterizes the internal
elements. Pirandellian dramatic theory and art play a central role in the research and
represent the starting point for the analysis of the correspondences. Theatrical poetics,
dramatic language and characters determine the areas of comparison.

Made available in DSpace on 2014-11-10T11:09:39Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2012-04-18Bitstream added on 2014-11-10T11:58:07Z : No. of bitstreams: 1 000691183.pdf: 6801355 bytes, checksum: 90ebc01f062fc2294986539dbb0e6ed3 (MD5)
Universidade Estadual Paulista (UNESP)
A pesquisa articula artes ligadas ao movimento que se originam da hibridez de linguagem com uma discussão sobre o pensamento e produção do espaço urbano. Para tanto, faz uma análise do centro da cidade de São Paulo, particularmente do Pateo do Collegio, local em que aconteceram algumas das edições do Festival Internacional de Dança em Paisagens Urbanas - Visões Urbanas, que integra a Rede Ciudades que Danzan criada e organizada pela Associació Marató de l`Espectacle (Barcelona). Seguem neste contexto, três condutores da discussão: a paisagem, o corpo e o espaço, respectivamente por meio do ...Avoa! núcleo artístico (São Paulo), Cia. Ltda. (Maceió) e Cia. La Casa (Montevidéu), cias que se apresentaram no Visões Urbanas. Deste modo, visa discutir elementos constituintes da realização da arte no espaço urbano e possíveis modificações ocasionadas por suas ações.
La investigación articula creaciones artísticas relacionadas al movimiento que se originan del hibridismo del lenguaje con una discusión sobre el pensamiento y la producción del espacio urbano. Por lo tanto, analiza el centro de la ciudad de São Paulo, sobretodo el Pateo do Collegio, donde se sucedieron algunas ediciones del Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos –Visões Urbanas, que integra la red Ciudades que Danzan creada y organizada por la Associación Marató de l`Espectacle ( Barcelona). Siguen este contexto, tres conductores de la discusión: el paisaje, el cuerpo y el espacio, respectivamente a partir del ...Avoa! núcleo artístico(São Paulo), Cia. Ltda. (Maceió) y Cia. La Casa (Montevidéu), que se presentaran en el Visões Urbanas. De este modo, tiene como objetivo discutir los componentes de la realización del arte en espacio urbano y las posibles modificaciones causadas por sus acciones.

Orientador: Carminda Mendes André
Banca: Lilian Amaral
Banca: Verônica Fabrini
Resumo: A pesquisa articula artes ligadas ao movimento que se originam da hibridez de linguagem com uma discussão sobre o pensamento e produção do espaço urbano. Para tanto, faz uma análise do centro da cidade de São Paulo, particularmente do Pateo do Collegio, local em que aconteceram algumas das edições do Festival Internacional de Dança em Paisagens Urbanas - Visões Urbanas, que integra a Rede Ciudades que Danzan criada e organizada pela Associació Marató de l'Espectacle (Barcelona). Seguem neste contexto, três condutores da discussão: a paisagem, o corpo e o espaço, respectivamente por meio do ...Avoa! núcleo artístico (São Paulo), Cia. Ltda. (Maceió) e Cia. La Casa (Montevidéu), cias que se apresentaram no Visões Urbanas. Deste modo, visa discutir elementos constituintes da realização da arte no espaço urbano e possíveis modificações ocasionadas por suas ações.
Abstract: La investigación articula creaciones artísticas relacionadas al movimiento que se originan del hibridismo del lenguaje con una discusión sobre el pensamiento y la producción del espacio urbano. Por lo tanto, analiza el centro de la ciudad de São Paulo, sobretodo el Pateo do Collegio, donde se sucedieron algunas ediciones del Festival Internacional de Danza en Paisajes Urbanos -Visões Urbanas, que integra la red Ciudades que Danzan creada y organizada por la Associación Marató de l'Espectacle ( Barcelona). Siguen este contexto, tres conductores de la discusión: el paisaje, el cuerpo y el espacio, respectivamente a partir del ...Avoa! núcleo artístico(São Paulo), Cia. Ltda. (Maceió) y Cia. La Casa (Montevidéu), que se presentaran en el Visões Urbanas. De este modo, tiene como objetivo discutir los componentes de la realización del arte en espacio urbano y las posibles modificaciones causadas por sus acciones.
Mestre

Mestrado em Ensino de Música
O presente trabalho incide num Projecto Pedagógico existente: A Escola Parnaso e a figura indissociável do compositor Fernando Corrêa de Oliveira. Partindo de um levantamento de fontes primárias do Arquivo de Parnaso e do contacto directo com antigos alunos e professores, procurou-se não só reconstituir a Escola Parnaso como o Espaço Parnaso, sede de inúmeras iniciativas culturais abertas à cidade do Porto. Volvidos sensivelmente 50 anos, reflectiu-se sobre a viabilidade da aplicação dos princípios pedagógicos de Fernando Corrêa de Oliveira nos dias de hoje.
The object of this work is an existing Pedagogical Project: the Parnaso School and his creator, the composer Fernando Corrêa de Oliveira. Building on a compilation of primary sources from the Parnaso Archive and on the direct contact with alumni (students and teachers), we try to reconstruct the history of the Parnaso School, as well as of the Parnaso Building, shelter to innumerable cultural initiatives in the city of Porto. Close to 50 years later, we reflect on the viability of applying, in present days, Fernando Corrêa de Oliveira's pedagogical principles.

La presente investigación de tesis explora las dinámicas culturales de los grupos Arena y Esteras y La Gran Marcha de los Muñecones y su aporte en la construcción de la ciudad de Lima. Ambas agrupaciones, fundadas a comienzos de la década de 1990, hacen parte de dos procesos sociales y culturales de larga data; por un lado, la migración masiva hacia los centros urbanos del Perú producida especialmente desde la década de 1950, y por otro lado, la corriente del teatro de grupo y teatro popular que tuvo su momento de mayor apogeo en Perú y en América Latina en las décadas de 1970 y 1980. En esa intercepción se forjan estas agrupaciones culturales asentadas en los “nuevos” distritos de la capital peruana, en Villa El Salvador (Lima Sur) y en Comas (Lima Norte). Esta investigación hace un acercamiento a las características culturales, sociales y espaciales en las que crecen ambos grupos, y cómo éstas influyen en el sentido de misión que explica su propia existencia y la corresponsabilidad que sienten con los barrios o comunidades en donde están asentados. Esta conexión con el territorio se materializa en un conjunto de herramientas -dentro de su quehacer- , examinadas en esta tesis, con las que ambos grupos culturales contribuyen a la construcción de la ciudad. El estudio que realizo incluye un período de análisis que se prolonga desde la fundación de ambas agrupaciones y sus antecedentes hasta el año 2014 en que efectúo mi trabajo de campo
Tesis

El presente trabajo de investigación intenta dar cuerpo a una posibilidad de articulación teórico-práctica del paisaje en el campo de lo escultórico. De esta forma, se ha pretendido construir un itinerario reflexivo en torno a una serie de cuestiones ¿enunciadas por nuestras palabras clave¿, que fueron suscitadas por un conjunto de propuestas plásticas realizadas antes del inicio de este trabajo de investigación. Palabras clave: naturaleza, paisaje, ambiente, cuerpo, escultura, escultura en el campo expandido, fotografía, miniatura, mirada, deambulación, memoria, ausencia, vacío, proceso, proyecto, lenguaje, espacio, tiempo, teatro, estética y ética. Son varios los desafíos planteados. En primer lugar, el de no ceder a la tentación de que el autor hacedor se erija en comentador privilegiado de su propio trabajo. En segundo lugar el de usar un método y una estrategia que permita estar alerta en cuanto a la naturaleza muda del arte. La atención a la naturaleza muda del arte implica reconocer que el funcionamiento del lenguaje verbal es diferente al funcionamiento del lenguaje de la naturaleza muda de los materiales de la escultura. En otras palabras, no hay traducibilidad fiable entre lo que constituye el territorio de la práctica artística y lo que puede fijarse en lenguaje verbal (puesto que esta sujeta a interpretación). El reto fue emprender un método que fuera lo menos redundante posible en relación a la naturaleza propia del arte, haciendo que la propia articulación verbal de este itinerario meditativo acabase por ofrecer mejores puntos de apoyo y vectores de acción tanto para la práctica artística como académica, revelándose de este modo que en arte teoría y práctica no pueden ser consideradas en el ámbito de una investigación entidades separadas, sino, antes bien, un mismo campo que integra el hacer y el pensamiento. Los trabajos artísticos propios que motivaron la elección de las obras objeto del trabajo interpretativo fueron principalmente Vontade, 2004, (fig. 63) y Fadiga de estruturas, 2005-2006, (fig. 65). La primera fue realizada en un periodo inicial, previo a esta investigación, mientras que la segunda ya corresponde a este marco temporal, tal como Wander, 2007, (fig.66) y MAGMA, 2008, (figs. 69, 70, 71 y 72). Por último, podemos citar MEGAPARSECS 2012 (fig. 67), una obra que funciona como una suerte de corolario de nuestro itinerario meditativo, algo que se produjo naturalmente y sin que mediara ninguna acción programática previa. Todas estas propuestas fueron objeto de presentaciones públicas y recepciones por parte de la crítica especializada. En este sentido, todas las obras seleccionadas para figurar en el capítulo V tuvieron su existencia natural en el contexto nacional e internacional del circuito profesional del arte, incluyendo la participación en algunos premios internacionales, dos de los cuales precisamente en España. Por su parte, las dos obras objeto de nuestra interpretación fueron La forêt, 1950, (fig. 24) de Alberto Giacometti, y Uma Floresta para os teus sonhos, 1970, (fig. 41) de Alberto Carneiro, distantes entre sí veinte años, pero vinculadas entre sí, en la medida en que la obra de Giacometti es, asumidamente, una referencia del artista portugués. Ambos ¿bosques¿ encuentran su lugar en este trabajo al reflejar, cada uno a su modo, la transformación de las ideas de paisaje y escultura. El paisaje se presenta como algo que emana de la división dilacerante del hombre en relación a la naturaleza, expresada en la idea de paisaje ¿como vista¿, informada por la convención renacentista del espacio. El tiempo revelará que la noción de paisaje ¿como vista¿ ya no nos sirve, y en este contexto proponemos una nueva noción de paisaje basada en la deambulación. Nacida del esfuerzo moderno, a fin de relativizar la convención renacentista, y germinada por la fenomenología naciente, esta noción se mostrará útil para comprender el carácter paisajístico de La forêt y Uma floresta para os teus sonhos, respectivamente a dos niveles: el nivel del objeto esculpido en miniatura por un proceso de trabajo manual del artista y el nivel ambiental surgido de una concepción del arte como idea y de la disciplina de proyecto. De hecho, estas piezas, junto con MEGAPARSECS, funcionan como sumatorio de las ideas contenidas en La forêt y en Uma floresta para os teus sonhos, teniendo en común con ellas también el hecho de que todas han surgido de la auscultación de la memoria, que es la modalidad más creativa del pensamiento. MAGMA 2008, procuró articular de forma deliberada los campos de la estética y de la ética, proponiendo la escultura como ejercicio de regeneración de la tierra y usando en este ámbito tanto las intervenciones escultóricas tridimensionales como las intervenciones escultóricas bidimensionales. Todos estos ejemplos, tanto los que fueron objeto de nuestra interpretación como los que surgieron de una práctica artística autoral propia, testimonian la idea de que la noción de paisaje ¿como vista¿ ya no nos sirve, precisamente porque está en el origen de nuestros problemas contemporáneos. Arnold Berleant, autor traído a colación únicamente en la conclusión, nos ofrece una pista certera para la articulación entre los campos de la estética y de la ética, defendiendo que la idea de paisaje como vista ya no nos sirve, pero la estética positiva tampoco, pues se basa en la distancia del observador en reacción al paisaje observado. En vez de eso propone, como forma de religar el hombre y el medio ambiente, una estética del compromiso que plantea el paisaje como entorno y que problematiza la noción de lo ¿sublime negativo¿. En otras palabras, dado que a través de lo sublime el hombre reata reafirma su posición ética con la naturaleza, se hace urgente rehabilitar también su atención en relación a los paisajes concretos dominados por la contaminación, por el crecimiento desordenado de las ciudades, etc. Su propuesta radica en la idea de que si el hombre descubre finalmente que es responsable de las abismales transformaciones operadas en la naturaleza, se destruirá la idea de paisaje como ventana y la movilidad y el desasosiego aportados por lo sublime impelerán al hombre a actuar ante la naturaleza según un criterio estético capaz de garantizar la sostenibilidad.
Travassos Rama, SJ. (2013). Una construcción teórico-práctica del paisaje en el campo escultórico [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/30311
TESIS

O objetivo deste trabalho está em propor duas companhias de dança sediadas na cidade de São Paulo (Balé Stagium e o Corpo de Baile Municipal/Balé da Cidade de São Paulo) como eixos balizadores do que viria a se firmar como balé moderno nos anos 1970. Historicamente, o diálogo da dança com o seu tempo ocorre durante o período da ditadura militar (1964 1985) e este contexto político sugere vínculos com a natureza da linguagem que veio a se consolidar, e que passou a ser identificada como balé moderno. A hipótese da dissertação é a de que a maneira como a dança dialogava com a sociedade e trazia para o palco questões políticas e éticas, muitas vezes censuradas pela ditadura militar, tem um papel relevante para o entendimento da cultura e das questões artísticas surgidas. A metodologia usada consistiu na revisão bibliográfica e pesquisa em documentos de época como fotos, vídeos, reportagens e críticas de jornais em veículos de comunicação. O resultado foi o entendimento do que representou o balé moderno na década de 70 para o público brasileiro e ao mesmo as influências européias, mesmo quando a tema se referia ao Brasil, nas produções das duas companhias aqui investigadas.
The objective of this paper to present a historical panorama about modern ballet in São Paulo by means of two companies: Balé Stagium and Corpo de Baile do Teatro Municipal. How the dance dialogs with your time and which political and ethics, a lot of times censured by the dictatorship government. The method consists of read books and search in documents like photos, videos and newspapers texts. The result was comprehension about modern ballet in 70s for Brazilian audience and Europeans influence in theses companies.

Abstract This thesis is proposed as a work of translation, as an attempt to transmit a context that involves bodies, enmeshing genealogical narratives with geopolitics. We have investigated the body in action in the northeast of Italy. This is the context we come from but we view it from an uprooted position, as since 2004 we have been living in southwest Europe (València). We have catalogued and analyzed forms of legitimized artistic expression, including classical ballet, modern jazz dance, Italian futurism's proposals (close to performance), or representations of human anatomy, as well as more popular forms of expression adopted by subordinated women in the course of their everyday working lives during the Cold War, the Fascist era, and the Republic of Venice, all experiences that have been generative of our culture of reference. The contemporary consumerist, capitalist project has aspired to homogenize constructions of contemporary European identity. But subordinated bodies and their cultural legacy are able to resist and transmit genealogies, a heritage of subjugated or assimilated histories that have generated practices such as song or crochet (the poor relations of canonic forms). The latter constitute our methodology; they allow us to unravel the cultural fabric that is presented to us as fact, and to simultaneously re-weave each element, giving it a different order and meaning. An order and meaning that might escape the structure imposed by the ideological and economic perspectives of the dominant frame of reference, proposing a genealogical point of you. For this reason, the chronology of this thesis runs in reverse, ending with the study of the Serenissima (the Most Serene Republic of Venice), an example of proto-capitalist organization that returns us to the present. The diasporas from the global South and East urge us to take responsibility for decolonial processes - a responsibility that the West must assume. The colonial narratives (which bisect our genealogy) demonstrate how the subordinate cultures of our own context and families - in their emancipation towards the dominant- have whitened up, this to say, embraced the nationalist-imperialist project that today merges with capitalism. The process of 'becoming minority,' aspiring to a loss of power, makes it possible to analyze and approach the truth of bodies in action, and to make dominant positions break their innate silence. We consider this a necessary effort, aimed at sharing a daily life that is "otherly communitary": more egalitarian, balanced and peaceful.
Resumen Esta tesis se propone como un trabajo de traducción, como la tentativa de transmitir un contexto que involucra los cuerpos, entrelazando los relatos genealógicos con los geopolíticos. Investigamos el cuerpo en acción en el noreste italiano, nuestro contexto de origen, desde una perspectiva desarraigada, ya que a partir de 2004 estamos afincadas en el suroeste europeo (en València). Recogemos y analizamos algunas expresiones artísticas legitimadas, como el ballet clásico, la danza modern jazz, las propuestas futuristas próximas a la performance, o la anatomía artística, así como aquellas populares de mujeres subalternas realizadas durante el trabajo, en sus vidas y tiempos cotidianos que a lo largo de la Guerra Fría, el Fascismo y la República de Venecia han creado nuestra cultura de referencia. Pese a la construcción de la identidad contemporánea europea, que aspira homologar las diferencias hacia el proyecto capitalista y el consumo del presente, el legado de los cuerpos subalternos es capaz de resistir y transmitir genealogías, herencias de historias sometidas o asimiladas, pero generadoras de prácticas próximas a las artísticas como el canto o el ganchillo. Este último de hecho, será nuestra metodología en cuanto nos permite desmontar tramas que se nos presentan hechas y re-tejer, con una cierta simultaneidad, cada cosa con un orden y un sentido diferente, no estructurado por las perspectivas ideológicas y económicas, propias del contexto de referencia, sino genealógicas. Por esto la cronología de esta tesis es contraria a las series temporales al uso y termina con el estudio de la Serenissima (la República de Venecia) un ejemplo de organización proto-capitalista que nos devuelve al día de hoy. Las diásporas de los sures y estes globales nos ayudan a responsabilizarnos del proceso de-colonial que occidente necesita emprender. Los relatos coloniales que atraviesan también las culturas subalternas de nuestro contexto y nuestras familias demuestran cómo, en su emancipación hacia lo dominante, han elegido blanquearse. Es decir, adherirse al proyecto nacional imperialista que es hoy, también, capitalista. Encaminarse por lo tanto en procesos de "devenir minoritarios" que aspiran perder poder, permite realizar un análisis que intente acercarse a la verdad de los cuerpos en acción, poniendo voz a los silencios que conservan sus posiciones dominantes. Consideramos estos esfuerzos necesarios y dirigidos a compartir un cotidiano "otramente comunitario" más igualitario, equilibrado y pacífico.
Resum Esta tesi es proposa com un treball de traducció, com a temptativa de transmetre un context que involucra els cossos, entrellaçant els relats genealògics amb els geopolítics. Investiguem el cos en acció al nord-est italià -el nostre context d'origen- des d'una perspectiva desarrelada: ja que a partir de 2004 estem establides en el sud-oest europeu (València). Recollim i analitzem algunes expressions artístiques legitimades -com el ballet clàssic, la dansa modern jazz, les propostes futuristes pròximes a la performance, o l'anatomia artística- així com aquelles expressions populars de dones subalternes realitzades al treball, a la vida i temps quotidià. Expressions que al llarg de la Guerra Freda, el Feixisme i la República de Venècia han creat la nostra cultura de referència. A pesar de la construcció de la identitat contemporània europea -que aspira homologar les diferències cap al projecte capitalista i el consum del present- el llegat dels cossos subalterns és capaç de resistir i transmetre genealogies -herències d'històries sotmeses o assimilades- generadores de pràctiques pròximes a les artístiques: com el cant o "el ganxillo". Aquest últim de fet serà la nostra metodologia ja que ens permet desmuntar trames que se'ns presenten fetes i reteixir -amb una certa simultaneïtat- cada cosa amb un orde i un sentit diferent, no estructurat per les perspectives ideològiques i econòmiques pròpies del context de referència, sinó fer-ho a aprtir de referències genealògiques. Per açò la cronologia d'esta tesi és contrària a les sèries temporals més comunes i acaba amb l'estudi de la Serenissima (la República de Venècia) un exemple d'organització proto-capitalista que ens fa tornar a l'actualitat. Les diàspores del sud i est global ens ajuden a responsabilitzar-nos del procés de-colonial que occident necessita emprendre. Els relats colonials que travessen també les cultures subalternes del nostre context i les nostres famílies demostren com han triat blanquejar-seen la seua emancipació cap al dominant. És a dir, adherir-se al projecte nacional imperialista que és hui -també- capitalista. Encaminar-se per tant en processos "d'esdevindre minoritaris" -que aspiren a perdre poder- permet realitzar una anàlisi que intente acostar-se a la veritat dels cossos en acció, posant veu als silencis que conserven les seues posicions dominants. Considerem aquestos esforços necessaris i dirigits a compartir un quotidià "altrament comunitari" més igualitari, equilibrat i pacífic.
Schiavon, C. (2017). Análisis del contexto cultural del noreste italiano en tres épocas distintas: la Guerra Fría, el Fascismo y la República de Venecia según las Genealogías de diferentes cuerpos en acción: bailarinas, feministas, performers futuristas, balie, mondine e impiraresse [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90529
TESIS

La presente investigación surge entonces, como búsqueda de respuestas a preguntas que nos hacemos sobre el modo de componer en Ballet y en Teatro. Dichos interrogantes se refieren específicamente al concepto de “metamorfosis”, que surge a partir del Ballet que tomamos como punto de partida: “El Lago de los Cisnes” (1895) con música de Piotr Ilich Tchaikovsky y versión coreográfica de Marius Petipa- Lev Ivanov.

Se propone la utilización del espacio de la instalación como un ámbito teatral a partir de la creación de un montaje escénico específico denominado No se culpe a nadie, basado en diversos cuentos de Julio Cortázar. El punto de partida se fijó -a modo de hipótesis general- en la concepción del espacio de la instalación/ambientación como un espacio escénico que actualiza y concretiza el hecho teatral virtual, y en las problemáticas que abarca la misma, tales como: el desarrollo de un espacio continuo, la construcción de un texto dramático en un recorrido espacial y temporal constante, el montaje de la mirada del espectador en relación a la libertad de movimientos adjudicada, y el tema de la significación espacial antes, durante y después de los recorridos.

abstract: En contexto del desarrollo urbano culturalmente acrítico, el cual con la gentrificación amenaza el bienestar del barrio y sus habitantes, esta disertación interpreta la dialéctica barrioización y barriología como atmósfera dramática en la dramaturgia chicana. Como tropo de supervivencia social y ontológica en la producción cultural chicana, la recurrencia literaria del barrio también queda reflejada en la temática y las formas de numerosas obras de teatro chicano. De tal modo, el análisis de la conciencia espacial chicana en Bernabé (1971) y Heroes and Saints (1994) revela la significancia de un sentido de lugar colectivo y sitúa esta interpretación dramática del barrio en torno al matiz ideológico de la evolución de la conciencia espacial chicana. Manifestada como una dialéctica entre muerte y vida social y ontológica, la representación y representatividad del barrio en La trampa sin salida (1973), Water and Power (2009) y A Drunkard’s Tale of Melted Wings and Memories (2016) ilustra el efecto dramático de la dialéctica entre barrioización y barriología. Mientras algunos estudios precedentes a este han explorado la espacialidad chicana y el significado sociocultural del barrio, esta disertación es la primera en demonstrar concomitantemente la función temática y semiótica del barrio en la configuración de la atmósfera dramática en el teatro chicano. Más aún, la intersección entre barrio, espacio social y teatro no solo revelan la significancia semiótica de la atmósfera dramática, si no que también sostienen la urgencia de fomentar la (re)producción socioespacial urbana históricamente informada y culturalmente crítica.
Dissertation/Thesis
Doctoral Dissertation Spanish 2018

El presente estudio asume el propósito de plantear un acercamiento teórico de la danza sustentado en la reflexión de la experiencia del danzar, con el objetivo de dotar a la práctica de rigurosidad reflexiva y vivencial a través de un enfoque teórico-metodológico motivado por el hacer danzado. El interés central de la investigación es el cuerpo practicado, el cuerpo que asume un espacio propio de generación y producción de saberes en el marco del taller en el que, lo practicado, es ya concebido como escena. La escena es considerada aquí, en el rango más amplio de su acepción, como aquella zona que expone un espacio visual [el cuerpo] que se sustrae deliberadamente de su representación teatral convencional. La noción de práctica permitió desplegar, el nivel de la vivencia corporal y la dimensión sensible y sintiente de la experiencia con la pretensión de referenciar el valor epistémico en el que la práctica obra teoría. Cuerpo y escena son nociones tratadas en un espacio situado, el laboratorio de experimentación de la Improvisación Compositiva, en el que la práctica, no sólo es concebida como acción e intervención sino como una perspectiva reflexiva que propone un campo de observación y análisis fenomenal, un ámbito cognitivo de producción de saberes en donde arraiga la dimensión corporal del sujeto que danza. La investigación se dirigió a la indagación, exploración y descripción fenomenológica de los saberes del cuerpo propio, los que no han sido aún lo suficientemente reconocidos y aprehendidos como fuentes de conformación y composición real de la experiencia y el conocimiento del danzar, en un intento por otorgar sentido a la singularidad y exposición de los cuerpos que danzan, en el marco de los estudios superiores y la investigación académica. La noción de cuerpo practicado o cuerpo que danza asume así, la perspectiva de análisis de tres nociones principales presentes en la complejidad histórica teórica-práctica de la danza [espacio, tiempo y sujeto] y encuentra, en la deixis expresiva y sus vinculaciones con lo real, la metáfora que emerge en el acto mismo de la vivencia, al nombrar un valor afectivo y epistémico de la corporeidad, que trasciende y en algunos casos desconoce, las lógicas sintácticas y gramaticales del lenguaje verbal.

La presente investigación toma como punto de partida, el vínculo existente entre el espacio urbano y el performer. Comprendemos y utilizamos el término performer, en el sentido de un sujeto ejecutor de un texto performativo, que vincula su corporalidad con el entorno. De este modo, se pretende realizar, una diferenciación semántica con respecto al termino actor. Así mismo comprendemos, en términos de Iliana Dieguez Caballero (2007), que el performer en el arte contemporáneo, “enfatiza una política de la presencia al implicar una participación ética un riesgo en sus acciones sin el encubrimiento de las historias y los personajes dramáticos” (P.45). El espacio urbano se nos revela como inestable, multilineal atravesado por relatos de diversa naturaleza. De este modo comprendemos que el espacio urbano está constituido por acontecimientos. El acontecimiento es conceptualizado en este trabajo, desde la perspectiva de Deleuze, como un resultado dado por la relación de fuerzas, entre diversos elementos presentes en un aquí y ahora, a través de su puesta en tensión y paradoja. Sobre esta plataforma del acontecer propio del espacio urbano, es el performer quien toma dichos elementos; para crear desde su propia corporalidad, un acontecimiento escénico. Tanto el acontecimiento del espacio urbano, como el acontecimiento escénico; no solo se comprenden desde su peculiaridad, sino como en estado de relación e influencia: un estado entre. Para ello fue necesario captar y percibir, la cotidianidad del espacio desde una doble mirada: Como realidad concreta y como fenómeno cargado de materialidad estética. El propósito de este trabajo; es comprender la trama conceptual que erige al sitio específico en su singularidad, para verterlos en el trabajo creativo con el performer. quien genera discurso dialógico con la espacialidad, a través del lenguaje escénico conformado por un conjunto de técnicas somáticas articuladas hacia una retórica corporal. De este modo, este trabajo, se orienta hacia el concepto de sitio específico; es decir, hacia a la creación artística realizada para un sitio determinado. Nos servimos del concepto de intervención. Desde la perspectiva de acontecimiento escénico, es decir; como la presentación de una acción escénica fugaz, que genera una modificación en la cotidianidad de dicho espacio: “Intervenir, entonces, tiene que ver con imprimir de otros usos a algo que ya está dado, es decir, hacerlo capaz de devenir en otra cosa.” ( González, 2015, P. 110). De esta manera el espacio urbano modifica momentáneamente su paisaje, debido al trastrocamiento de su sentido cotidiano, por medio de la aparición de un hecho poético. De este modo, podemos componer, a través del vínculo entre dicho espacio y el performer; un texto performativo singular, que contiene una base fuerte en lo que se denomina teatralidades liminares. Para el desarrollo de este trabajo, fue necesario abordar el espacio desde un ángulo transdiciplinar. De esta manera se han incorporado materiales teórico- prácticos provenientes de la antropología urbana, la crítica social, la arquitectura. Dichas conceptualidades; atraviesan la micropolítica, la microestética, el uso del espacio y la meta textualidad de la intervención. Por otra parte, tomamos algunos conceptos provenientes de la filosofía de Deleuze y Guattari, sobre todo en lo que refiere a la creación de territorios escénicos. Se integró además, la visión sobre la antropología urbana de Manuel Delgado, en lo que respecta a la lectura y análisis del espacio urbano. Además se incorporaron algunas reflexiones sobre la fenomenología de Marleau Ponty para abordar el sentido vincular intersubjetivo, entre el performer y el espacio urbano específico. Todos estos autores se van entrecruzando con materiales producidos por diversos teóricos del teatro y de la performance. De esta manera se generan puentes y cruces para poder crear territorios de producción y reflexión sobre el acontecer escénico, en torno a lo que nos interpela como sociedad y como artistas.

O presente trabalho pretende fazer uma abordagem a obra "Os Sete Pecados Mortais" de K. WeillIB. Brecht, do ponto de vista do intérprete na questão da re-criação da obra. O trabalho está estruturado em duas partes: a primeira parte pretende fazer uma contextualização sócio-cultural de Brecht e de Weill, abordando questões específicas sobre o teatro de Brecht e sobre a música de Weill e suas influências. A segunda parte faz uma abordagem a obra em si, ao período em que surge no universo criativo destes autores. O facto de se tratar de uma obra onde a característica da dupla personalidade do personagem central da peça parece ser passível de ser explorado interpretativamente, levou a que, nesta segunda parte, fosse feita uma abordagem ao fenómeno da dupla personalidade, através de alguns dos conceitos mais relevantes de psicologia e da psicanálise, no que diz respeito ao fenómeno psicológico em questão. É ainda feita uma apresentação de dois tipos de representação, nomeadamente a forma Épica e a forma Aristotélica, assim como as características de cada uma e as suas principais divergências. Por último faz-se uma explicação do percurso decorrido para chegar a apresentação prática efectuada, onde também se recorre a uma série de entrevistas realizadas para esse fim, até chegar a apresentação cénicomusical de Os Sete Pecados Mortais, realizada a 17 de Julho de 2003, no Museu do Carro Elétrico
The present study intends to make an approach to the work "The Seven Deadly Sins" by K. Weill 1 B. Brecht from the períormer's point of view as far as the work's re-creation is concerned. The study is structured in two parts: the first one intends to make a sociocultural contextualization of Brecht and Weill, approaching specific issues on Brecht's theatre and Weill's music and their influence. The second part approaches the work itself, the period in which it emerges in the creative universe of these authors. The fact that we are dealing with a work in which the double personality characteristic of the play's leading character seems susceptible of being interpretatively exploited has led to that, in this second part, an approach was made to the phenomenon of double personality through some of the most relevant psychology and psychoanalysis' concepts concerning the psychological phenomenon at issue. Also two períormance kinds, namely the Epic and Aristotelian forms, are presented, as well as each one's individual features and their main divergences. At last, an explanation is made on the steps taken to achieve the practical presentation períormed, among which the resorting to a series of interviews led for that purpose, up to the achievement of the stage-musical presentation of "The Seven Deadly Sins" that took place in July 17th, 2003 at the Museu do Carro Eléctrico
Mestrado em Música

“si tantas son mis posibilidades de ser, ¿por qué he de elegir sólo una? la premisa principal de esta investigación se funda en el pensamiento de que todas las personas tenemos una “máscara social”, que nos ayuda a poder pertenecer a nuestro entorno y que mostramos a la sociedad. pero esa máscara es una especie de “cascarón” que esconde partes ocultas de nuestro ser, que difícilmente sean reveladas (al menos conscientemente). la persona del actor tiene su propia “mascara social”1. y el hecho de vincularnos, los actores, con la actuación tiene que ver con la necesidad y el deseo de dejar de ser y de comportarnos como lo hacemos en la vida cotidiana (con la propia máscara social). el texto y/o el personaje escrito son un “otro” que nos dan la oportunidad de dejar de ser nuestra máscara, al menos por un tiempo y un espacio determinados, para encontrarnos con otras partes de nuestro ser que se esconden detrás de ella, y que están pidiendo a gritos salir a la luz. primeramente, algo que me resulta importante y necesario aclarar, es que mi posicionamiento en esta investigación hace eco de la realidad laboral que vivo desde hace varios años como actriz en buenos aires, desarrollándome en teatro, publicidad, televisión y cine, donde comprender los mecanismos actorales de la poética realista es de un gran valor para mi práctica profesional. por lo que, en los últimos años he puesto el foco de mi formación actoral en el estudio de dichos mecanismos, especialmente de la mano de augusto fernández2. y también me resulta interesante agregar que comparto ese ámbito de formación con sofía gonzález, coautora del texto “la patada del camello” y actriz, y con ernesto domínguez, director de esta obra. cuando comencé con este proyecto de investigación, ya sabía que lo que iba a hacer partía del trabajo con un texto escrito, “la patada del camello”, de autoría propia.3 al principio no tenía bien en claro cuál era el foco concreto de investigación. luego me di cuenta de que mi interés estaba centrado en cómo la actuación es un oficio que “penetra” en la vida personal del actor, porque es la propia existencia humana la que entra en el juego de “actuar”. y por supuesto, esta existencia humana no es algo sencillo ni fácilmente descifrable, como tampoco lo es el vínculo que cada actor/actriz establece con la actuación. yoshi oída (2008) dice que: en términos de la actuación, creo que el ser humano encierra este tipo de belleza tan misteriosa. no siempre es lógico ni coherente. incluso en la vida real, podemos pedirle a nuestro amante que se vaya, pero cuando ya se ha ido, nos preguntamos por qué decimos esas cosas. en realidad no queríamos que se fuera. tal vez un psicólogo pueda analizar por qué hemos hecho una cosa tan extraña, pero no estoy seguro de que obtengamos la respuesta correcta. siempre hacemos cosas extrañas y nunca acabamos de saber por qué las hacemos. es por eso que es tan interesante encarnar a distintos personajes y, a través de ellos, descubrir qué misteriosa es la vida humana.4 considero que los actores deseamos y necesitamos “ser otros”, descubrir a través de los personajes, como dice yoshi oída (2008), cuán misteriosa es la vida humana, y tener experiencias distintas a las de nuestra vida cotidiana, tal vez porque ésta no nos satisface lo suficiente. y tal vez no nos satisface lo suficiente porque estamos acostumbrados a mantenernos en los límites de “ser nuestra máscara social”, de ser lo que mostramos y creemos que somos, y nada más. entonces la actuación nos da el permiso para “desenmascararnos” y vivir en el escenario otras y nuevas experiencias de ser. experiencias que tienen que ver con el vínculo, el encuentro: entre la persona del actor y el personaje o el texto; y el encuentro indispensable del teatro, que es el del actor con el público, en el momento presente, vivo y efímero de la actuación en el teatro. podemos decir que estos encuentros, estos vínculos (actor- texto, actor-personaje, actor- espectador) son estímulos que no sólo permiten desenmascararnos, sino que además, como dice jean- frédéric chevallier (2011), son “anclas”, espacios que funcionan cuales plataformas de deseo que nos abren a nuevas experiencias, las potencian y elevan por sobre las experiencias cotidianas, y amplifican el presente: anclar consiste en intensificar el presente para volver más activo el estar y así dar deseos de hacer más: mirar más, mirar todo. (…) el ‘hay más de lo que hay’ abre a la experimentación de ‘un presente desmedidamente agrandado’ (sarraute 1996b, 1693), de un presente vivo. 5 entonces, puedo decir que con este trabajo planteo aspectos de una búsqueda artística y filosófica, un tema que tiene como eje central el vínculo entre la persona y la actuación: entre la persona y su “ser actor”, es decir, tener la experiencia de un personaje, de un “otro” que no es sí mismo. y aquí se nos presentaron algunas cuestiones que nos siguen movilizando, en tres ejes de vinculación posible: el espacio vincular y la existencia (o no existencia) de límites entre la persona del actor y la actuación, es decir, ¿cómo nombrar ese vínculo, cómo identificarlo o definirlo, siendo ambos (persona y “actor”) el mismo cuerpo, misma psiquis y misma fuente de emocionalidad?, ¿puede definirse una frontera entre la persona del actor y la actuación?, ¿cómo funciona?, ¿qué intercambios, qué vínculos, qué espacios habilita esa frontera?; el vínculo entre el personaje escrito y el personaje teatral, llevándonos a pensar en que, si el personaje escrito no es teatral (ya que el teatro es acción y presencia), ¿qué significa “construir” un personaje teatral?: ¿qué es lo que el actor hace o deja de hacer para que eso que está en el papel pase al escenario cobrando vida?, ¿es lineal y preciso ese traspaso que el actor media entre lo literal del texto y lo corpóreo de lo teatral?; y, como último eje de cuestionamientos, planteamos el vínculo entre el actor (persona real) y el personaje (identidad teatral), o sea, ¿cuál es la vida que le da el actor al texto?: ¿su vida interior?, ¿su experiencia de mundo?, ¿sus deseos? ¿qué es lo que del texto estimula al actor y penetra en él ofreciéndole una nueva experiencia de mundo, ampliándole la vida? creo que no existen recetas ni generalidades para estas cuestiones. se trata entonces de investigar y descubrir, cómo estos interrogantes operan en los actores y en el proceso de creación de “la patada del camello”.
criolani,sandra melisa. universidad nacional de córdoba. facultad de artes. departamento teatro.

Nesta dissertação, investigamos a natureza das políticas culturais públicas, como possibilidade operativa do Estado responder a problemas dos cidadãos e das comunidades, e como mecanismo renovador de valores e de culturas colectivas, numa perspectiva dinâmica, capaz de enfrentar narrativas cristalizadoras e tentações neoromânticas. No contexto das ciências sociais, a ciência política recorre a múltiplas disciplinas do conhecimento científico para a construção de uma narrativa que desvende as relações de poder. O estudo das políticas públicas procura analisar as respostas que foram sendo dadas, ao longo do tempo, a problemas identificados e valorizados pelas instâncias desse mesmo poder. Neste contexto, a análise das políticas culturais públicas permite investigar, descrever e analisar o processo político que conduziu à constituição do OPART, E.P.E., a maior organização cultural pública, no âmbito das Artes do Espectáculo, em Portugal, bem como o contexto em que tais transformações ocorreram no seio da Administração central do Estado, entre 2006 e 2016. Esta dissertação encontra-se estruturada em cinco partes. A primeira parte é dedicada ao debate em torno do conceito de cultura, na tradição do pensamento ocidental, nomeadamente nos séculos XIX e XX. A segunda parte ocupa-se da história e teoria da política cultural, da sua relação com as políticas públicas, e, ainda, da perspectiva específica de três modelos de referência. A terceira parte foca-se nas políticas públicas da cultura em Portugal, no aparato organizacional do ministério da Cultura, e no processo político que conduziu à criação e transformação do OPART, E.P.E., entre 2006 e 2016. A quarta parte analisa a governação da cultura no âmbito das artes do espectáculo, em Portugal, a municipalização das políticas culturais, e os níveis de acesso e de participação dos cidadãos. A quinta parte resulta na acomodação e síntese das políticas culturais públicas enquanto mecanismos actualizadores de antigos valores, mas também de práticas culturais, através da produção renovada de narrativas mobilizadoras, atentas ao centro e às margens, e abertas ao conhecimento e compreensão do mundo.
This dissertation investigates the nature of public cultural policies as an operative possibility for the State to respond to the problems of citizens and communities, and as a mechanism for renewing values and collective cultures in a dynamic perspective capable of facing crystallising narratives and neo-romantic temptations. In the context of the social sciences, political science uses multiple disciplines of scientific knowledge to build a narrative that unveils power relations. The study of public policies seeks to analyse the responses that, over time, have been given to problems identified and valued by instances of that same power. In this context, the analysis of public cultural policies allows to investigate and describe the political process that led to the constitution of OPART, E.P.E., the largest public cultural organisation in Portugal, within the scope of the Performing Arts, as well as the context in which such transformations took place within the central State Administration between 2006 and 2016. This dissertation is structured in five parts. The first part is dedicated to the debate around the concept of culture in the tradition of Western thought, namely in the eighteenth and nineteenth centuries. The second part deals with the history and theory of cultural policy, its relationship with public policies, and with the specific perspective of three reference models. The third part focuses on public policies on culture in Portugal, the organisational apparatus of the Ministry of Culture, and the political process that led to the creation and transformation of OPART, E.P.E., between 2006 and 2016. The fourth part analyses the governance of culture in the scope of the Performing Arts in Portugal, the municipalisation of cultural policies, and the public’s access and participation. The fifth part presents the accommodation and synthesis of public cultural policies as mechanisms that update old values as well as cultural practices through the renewed production of mobilising narratives attentive to the centre and the margins and open to the knowledge and understanding of the world.

El presente trabajo de investigación intenta dar cuerpo a una posibilidad de articulación teórico-práctica del paisaje en el campo de lo escultórico. De esta forma, se ha pretendido construir un itinerario reflexivo en torno a una serie de cuestiones –enunciadas por nuestras palabras clave–, que fueron suscitadas por un conjunto de propuestas plásticas realizadas antes del inicio de este trabajo de investigación.