Literatura científica selecionada sobre o tema "Art précolombien – France – 19e siècle"

Cette thèse étudie plusieurs moments marqués par un intérêt et engouement forts pour les artefacts et monuments précolombiens – ou pensés comme tels – pour comprendre leur présence et usages en France durant le long 19ème et avant leur appréhension esthétique de la première moitié du 20ème siècle. Suivant surtout des objets provenant du Mexique et de l’Amérique Centrale, cette étude privilégie deux aspects jusqu’alors moins explorés : le goût, les espaces et les usages privés d’une part; leur place dans le commerce de l’antiquité, de la curiosité et de l’art de l’autre. Le dépouillement de catalogues de collections et de ventes, de publications savantes artistiques et des enquêtes archivistiques en France et aux États-Unis ont permis de relever des moments où créativité érudite, intérêt amateur et marché ont évolués ensemble. Après suivre la formulation d’une valeur d’«antiquité» pour les «objets anciens» des Amériques à la fin du 18ème siècle, l’arrivée de nouvelles collections mexicaines à Paris et le projet de publication des Antiquités mexicaines (1834-1840) permettent d’identifier un nouveau foyer d’intérêt pour l’antiquité américaine et ses œuvres d’art au sein de la Société Libre des Beaux-Arts de Paris. A partir des années 1830 et en parallèle à l’intensification des échanges avec l’Amérique Latine, il est dès lors possible d’identifier des marchands et offrant des artefacts des Amériques et de suivre l’émergence des premiers «experts» de ce marché. La Deuxième Intervention Française au Mexique (1861-1867) permet d’explorer l’idée d’une relation privilégiée entre la France et le Mexique. L’étude des mutations du marché et des sensibilités montre comment cet épisode et l’engouement contemporain pour l’univers du «primitif» se sont traduits par un développement considérable du commerce et du collectionnisme d’artefacts des Amériques. Deux études de cas sur le marchand Eugène Boban et le collectionneur Eugène Goupil permettent de recontextualiser ces développements structuraux à l’échelle de l’individu. Enfin, l’étude d’un réseau de collectionneurs franco-mexicains et nord-américains, sous le double prisme de l’affirmation de discours patrimoniaux patriotiques et d’un marché de l’art transnational, éclairent la nouvelle valeur marchande et la mutation en «ouvre d’art» de ces objets partir des années 1920
This thesis examines different moments characterized by a strong interest for and fascination with Pre-Columbian artefacts – or though as such – to better understand their place in 19th century France, before their aesthetic “rediscovery” in the 20th century. Focusing on artefacts from Mexico and Central America and drawing from sales catalogues, scholarly and artistic publications and archival research, this thesis explores the role played by personal taste and private usages in collecting as well as the place occupied by these objects in the developping art and antiquities market. In the 1830s, the arrival of new collections in Paris and the publication of Antiquités mexicaines serve as the starting point from which to consider the Société Libre des Beaux-Arts as one of the main centres structuring interest for American Antiquity. It is now also possible to identify the first merchants and “experts” to offer Pre-Columbian artefacts for sale. We then examine the aftermath of the Second Franco-Mexican War (1861-67) : how it contributed to articulate the idea of a privileged relationship between France and Mexico and how the emergence of a new taste for all things “primitive” affected the commerce of Pre-Columbian artefacts. Finally, through the study of dealer Eugène Boban and collector Eugène Goupil we analyse these structural changes at the level of the individual and follow a network of Franco- Mexican and North American collectors whose activity, considered in terms of patriotic heritage discourses and the emergence of a transnational art market, contribute to understanding the transformation of Pre-Columbian material culture into “artworks” in the 1920s

Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.

La Normandie est extrêmement riche en graffiti marins, mais ces sources iconographiques n'ont jamais fait l'objet d'études synthétiques régionales. L'inventaire des graffiti normands permet de disposer d'un corpus de quelques 500 documents dates du 13e au 19e siècle. Les gravures figurent essentiellement des navires, mais aussi des éléments de navire (ancre, pavillon, greement, éperon) ou de navigation (balise), des animaux (poisson, oiseau de mer) et des inscriptions maritimes. Leur intérêt réside dans le fait qu'ils livrent des représentations de bâtiments des petites marines de pèche et de commerce pour lesquelles nos sources sont rares avant le 18e, tout en contribuant au renouvellement des sources iconographiques navales. La répartition des graffiti en Normandie calque les zones maritimes et fluviales. Ils sont omni présents sur les pierres calcaires et les plâtres des églises, châteaux et maisons traditionnelles. Malgré leur intérêt pour l'archéologie navale, les graffiti soulèvent de nombreux problèmes et en particulier pour leur détermination et leur datation. L'utilisation de la voilure comme fil conducteur de la typologie permet à la fois une sériation des données, leur détermination par le biais de comparaisons iconographiques et leur datation. Les graffiti de navires normands désignent des bâtiments de commerce et de cabotage. Les bateaux fluviaux sont rares
Normandy is extremely rich in ship graffiti, but we haven't any regional and synthetical studies about these iconographic sources. The inventory of Normand graffiti allows to have a corpus of some 500 documents dated from 13th to 19th centuries. The documents present essentialy ships, but also elements of ship (anchor, flag, rigging, head) or elements of navigation (sea-mark), animals (fisch, sea-bird), and maritime inscriptions. Their major value ist that graffiti give representations of boats of merchant navy and fisching navy, on which we haven't any iconographic source before the 18th century, and contribute to the repacement of naval iconographic material. The geographic repartition of ship graffiti follows the maritime and fluvial zones. They are omnipresent on the soft calcareous and plaster of the churchs, castles and traditionnal houses. In spite of their value for ship archaeology, graffiti pose a problem and particulary for determination and dating. The use of sails as leading thread allows at the same time a classification of ships graffiti, their typing according iconographic comparaisons, and their datation. Normand graffiti present merchant and coast ships. Barges are rare

La première industrialisation, au tournant des XVIIIe et XIXe siècles, s’est appuyée sur « la révolution des consommateurs » : une consommation et une circulation accrue de tous les objets du quotidien que sont tissus, dentelles, tapisseries, faïences, papiers peints, vaisselle… Le désir d’acheter et de posséder des biens autres que ceux qui permettent la simple survie conduit ainsi à une affirmation des phénomènes de mode, impliquant pour les producteurs la nécessité de prendre en compte le goût changeant des consommateurs et la diversification de leurs consommations. La course à la novation pour séduire la clientèle devient un enjeu majeur pour les manufacturiers. Le dessinateur occupe une place essentielle dans cette compétition, puisque la première phase du processus de production, avant celle de la fabrication et de la commercialisation, est celle de la création, du design du produit.Ce travail interroge le statut de cette main-d’œuvre qualifiée, détentrice d’un savoir-faire peu formalisé durant le XVIIIe siècle, mais qui tend à une lente institutionnalisation, dont nous examinons les rythmes jusqu’à l’émergence et la codification de la profession. L’œuvre et l’auteur étant des entités indissociables, il s’agit de questionner le statut du dessinateur-auteur au sein du processus de production collectif et industriel, et non singulier et artistique. Rarement étudiée, la place des femmes dans le monde manufacturier doit aussi être analysée. De plus, il convient de faire le deuil des taxinomies sociales ordinaires et en particulier des oppositions binaires figées : art/industrie, artiste/artisan, art libéral/art mécanique, mais aussi dessin de figure/dessin linéaire
The first industrialization rested on what recent historiography calls “the revolution of the consumers”: a consumption and an increased circulation of all the objects of the daily life which are fabrics, laces, tapestries, earthenware, wallpapers, crockery… The desire to buy and have other goods than those which allow simple survival led thus to an assertion of the phenomena of fashion, implying for the producers the need for taking into account the changing taste of the consumers and the diversification of their consumption. The race to novation to allure the customers becomes a major stake for the manufacturers. The draughtsman occupies an essential place in this competition, since the first phase of the production process, before that of manufacturing and of marketing, is that of creation, the design of the product. This study thus aims at questioning the statute of this very qualified worker, holder of a know-how ; still little formalized in the second half of the 18th century, this know-how tends to show a slow institutionalization, of which we will examine the rhythms until the emergence and the coding of the profession. Work and its author being indissociable entities, we will question the statute of the draughtsman-author within the production process which is collective and industrial, nonsingular and artistic. Seldom studied, the place of the women in the manufacturing world must also be analyzed. Moreover, it is advisable to live behind us ordinary social taxonomies and in particular the fixed binary oppositions: art/industry, artist/craftsman, liberal art/mechanical art, but also drawing of linear figure/drawing

Le modèle grec dans l'art français du XIXe siècle connaît une lente mutation, entre les présupposés néoclassiques en vigueur jusqu'à la Restauration et le nouveau classicisme à l'aube du XXe siècle. Dans cette évolution des normes et de l'enseignement de l'art, que les peintres et les sculpteurs contribuent à remodeler, l'archéologie joue un rôle fondamental. Avec l'affaire Elgin sur les marbres du Parthénon, avec le débat sur la polychromie antique, jusqu'à l'entrée dans les musées d'œuvres d'art grec archaïque et cycladique, on peut mesurer à la fois la résistance et la crise du modèle classique idéal et l'émergence du modèle archaïque en peinture et en sculpture. Dans les trois domaines ainsi entrecroisés (savoir scientifique, création artistique et théorie de l'art), des personnalités incarnent les positions successives de l'institution académique et de sa contestation : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle
The Greek model in 19th century French Art bears a slow mutation, from the neoclassical doctrine still alive in 1815 at the fall of Napoleon Ist until the new classicism at the turn of the 20th century. In this evolution of artistic standards and education, which painters and sculptors tend to reshape, archaeology takes a central role. With the Elgin affair about the Parthenon marbles, with the debate on classical polychromy, until the integration of archaic and cycladic greek artworks in museums, it is possible to assess the strength and the crisis of the classical idealistic model and the simultaneous rise of an archaic model, both in painting and in sculpture. At the three levels that interfere here (scientific knowledge, artistic creation and art theory), some figures embody various stances of the academic establishment and its reappraisal : Quatremère de Quincy, David d'Angers, Ingres, Hittorff, Papety, Daumier, Beulé, Schliemann, Rodin, Bourdelle

Cette thèse étudie les débuts de l'enseignement de l'histoire de l'art et de l'archéologie en France. L’auteur combine une histoire de type institutionnel avec une histoire du personnel enseignant et une étude des pratiques dans les deux disciplines. La méthode est basée sur la recherche bibliographique et archivistique : recherches aux archives nationales sur les institutions (expliquer la création des cours), recherches biographiques et bibliographiques sur les enseignants (formation, publications et attaches institutionnelles) et finalement, analyse de leçons publiées (en particulier, les leçons d'ouverture). En d'autres mots, qui a enseigné quoi, ou et pourquoi ? Le plan adopté correspond à la suite chronologique des nouveaux enseignements : 1795, cours d'archéologie à la bibliothèque nationale ; 1830, archéologie monumentale en province ; 1847, archéologie médiévale à l'école des chartes ; 1863, réorganisation de l'école des beaux-arts de Paris ; 1876, chaire d'archéologie à la Sorbonne ; 1878, chaire d'esthétique et d'histoire de l'art au collège de France ; 1882, fondation de l'école du Louvre ; 1893, cours d'histoire de l'art à la sorbonne suivie en 1906 d'un cours d'histoire de l'art chrétien. L'enseignement dans les facultés des lettres en province fait l'objet d'un chapitre séparé et insiste sur l'impact des publications, l'importance des collections muséales et le rôle des photographies en histoire de l'art. Cette enquête historique montre les enjeux et les conflits qui caractérisent les débuts de cet enseignement spécifique : le passage de l'archéologie classique à l'archéologie médiévale ou d'un idéal esthétique à un intérêt historique pour les monuments, le conflit lié à l'architecture médiévale et la réhabilitation des arts du Moyen Age en général, l'archéologie comme nouvelle discipline universitaire, les multiples archéologies à l'école du Louvre, l'histoire de l'art comme spécialité de l'histoire à l'université et finalement, l'influence de l'histoire nationale et de la notion de patrimoine dans ce contexte
This thesis concerns the first academic courses in art history and archeology in France. The author combines a history of the institutions and the teachers with study of pratices in both disciplines. The methodology is based on a bibliographical and archival research : from the national archives for each institution (to document how new courses were created) ; from biographies and bibliographies for each teacher (studies, publications and career profiles) and analyses of published lectures (particularly their opening lectures). In others words, who taught what, where and why ? The thesis' plan corresponds to the chronological development of the new courses : 1795, archeology at the national library ; 1830, monumental archeology in Caen ; 1847, medieval archeology at the école des chartes ; 1863, reorganization of the école des beaux-arts de paris ; 1876, the first chair of archeology at the Sorbonne ; 1878, establisment of a chair of aesthetic and art history at the collège de France; 1882, founding of the école du Louvre ; 1893, first art history course at the sorbonne followed in 1906 by a christian art history course. The development of teaching in the universities outside of paris is studied separately and focuses on the impact of published works, the developing importance of museums and the use of photography in art history. This historical investigation underlines the main issues and conflicts which caracterized the beginning of teaching in this specific field : the transition from classical to medieval archeology or from the aesthetic ideal to an interest in the historical background of national monuments ; the conflict raised by medieval architecture and the revival of interest in medieval arts generally ; archeology as a new university discipline ; the various archeological courses at the école du Louvre ; art history as a history specialism in the universities ; and finally, the influence of national history and the notion of national heritage in this context

Le jardin en tant qu'art a ete au xixe siecle le lieu de la realisation d'un coloris specifique, ideal, qui peut etre considere comme un objet de connaissance a partir duquel nous pouvons entrevoir la pratique d'une science du coloris. Cette derniere nous a permis de mettre en evidence des antagonismes entre les deductions des theories des couleurs et les regles du coloris. L'homogeneite obtenue par la mise en coordonnees des couleurs bute contre les limites des domaines heterogenes definis par les peintres. Cette science du coloris distingue les combinaisons de couleurs (conventions resultant du developpement d'une logique formelle, presupposant une conception reductionniste du reel et une representation statique de la memoire comme stockage referentiel) des schemes du coloris (motifs et climax se referant a une conception integrationniste du reel, a une image dynamique de la memoire comme processus). Considerant que l'art des jardins ne peut pas se reduire a une application, cette science met en evidence les limites des developpements logiques.

Fondé en 1831, L'Artiste, qui exista jusqu'en 1904, voulut être à l’origine la revue de défense des romantiques. L'étude des quarante-et-un volumes parus sous la Monarchie de Juillet et des fragments retrouvés de la correspondance de ses directeurs, montre qu'il n'en fut rien. Tribune ouverte à tous les artistes modernes, elle défendit des causes aussi diverses que celle de l'architecture et des monuments historiques, de la nouvelle sculpture, du renouveau industriel des arts décoratifs ou de l'estampe. Très sévère pour les excès du romantisme, elle combat, au nom de la vérité en art, pour le métier et l'inspiration du créateur, ce qui l'amena à prôner Léopold Robert ou Paul Delaroche, tout en reconnaissant l'hégémonie d’Ingres et de Delacroix. Revue illustrée de planches et de vignettes, elle montre les œuvres, en particuliers lors des salons annuels, parallèlement aux textes critiques de Gustave Planche, Victor Schœlcher, Paul Mantz ou Théophile Thore. Dans L'Artiste, s'invente alors un ton nouveau de la critique d'art scientifique et passionné, qui perdura durant le siècle. De nombreux textes de fiction, sous les signatures de Balzac, Dumas ou Arsène Houssaye constituent le pendant des lithographies de Devéria, Gavarni ou de Tony Johannot. Les textes sur le théâtre et la vie musicale ne sont ici envisagés que sous l'angle strict de l'histoire de l'art. Cette thèse est complétée en annexe par des documents d'archives relatifs à l'artiste (correspondance d’Achille Ricourt, en particulier) et d'une anthologie thématique des principaux textes parus durant la période dans tous les domaines
Founded in 1831, L'Artiste, which was published up to 1904, set out originally to be the review defending the romantics. The study of the forty-one volumes that were published under the july monarchy and the fragments of its directors correspondence that have since been found, show that this was not the case at all an open forum for all the modern artists, it defended causes as varied as architecture and historical monuments, new sculpture, industrial revival of decorative arts or engraving. Very severe towards romantic excesses and in the name of the truth in art, it fought for the profession and the inspiration of the creator. This led id to extol Leopold Robert or Paul Delaroche whilst at the same time recognizing the hegemony of Ingres and Delacroix. The review, enhanced with plates and illustrations, published the works, particularly on the occasion of annual exhibitions, in parallel to the criticism of Gustave Planche, Victor Schoelcher, Paul Mantz or Theophile Thore. In L'Artiste, a new tone of scientific and impassioned artistic criticism was invented which was to last throughout the century. The numerous fictional texts, signed by Balzac, Dumas or Arsene Houssaye, make up the counterpart to the lithographs by Devéria, Gavarni or Tony Johannot. The texts focusing on the theatre or musical life are contemplated solely from the strict angle of the history of art. This thesis is completed by appended documents from the archives of L'Artiste (Achille Ricourt's correspondence, in particular) and a thematic anthology of the principal texts that appeared during this period in every field

Cette étude retrace l’histoire de la Société nationale des beaux-arts et de ses Salons en France, de sa fondation en 1890 jusqu’à son déclin au tournant du siècle. Elle analyse le bouleversement majeur suscité par la nouvelle institution sur la scène artistique nationale et internationale dans un contexte de libéralisation des filières artistiques. Grâce au dépouillement d’archives inédites, elle offre un éclairage nouveau sur les circonstances de sa création au lendemain de la scission au sein de la Société des artistes français. L’examen précis des réformes entreprises (cooptation d’une élite de sociétaires, roulement du jury, nombre illimité d’œuvres, expositions particulières, attention portée au placement des œuvres et à leur mise en scène) révèle une conception moderne de l’exposition salonnière qui soutient la reconnaissance de tous les arts, de la peinture à l’architecture, en passant par les objets d’art nouvellement admis. L’exploitation via une base de données des informations relatives aux exposants de 1890 à 1905 permet, pour la première fois, d’avoir une vision exhaustive de leur participation aux Salons de la Nationale et met en avant une élite cosmopolite formée d’artistes venus essentiellement d’Europe du Nord et des États-Unis. Au vu de ses répercussions importantes en France et en Europe notamment sur les Sécessions de Munich, Vienne et Berlin, la Société nationale, peu reconnue jusque là, peut être considérée comme la première Sécession artistique d’envergure et comme le fer de lance du mouvement sécessionniste européen. D’Ernest Meissonier à Puvis de Chavannes en passant par Guillaume Dubufe, son étude révèle l’action d’artistes très engagés
This study tells the story of the Société nationale des beaux-arts and of its Salons in France, from its foundation in 1890 till its decline at the turn of the century. It analyses the major upheaval initiated by the new institution on the national and international artistic stages in a context of liberalisation of artistic stakeholders. Based on newly discovered archives, it brings a new light on the circumstances of its creation following the scission within the Société des artistes français. The close examination of the undertaken reforms (cooptation of elitist members, jury rotation, unlimited number of works, private exhibitions, careful presentation of works) reveals a modern conception of the Salon exhibition, supporting all arts from painting to architecture including newly admitted decorative arts. Information about the exhibitors from 1890 to 1905 were exploited through a database, enabling for the first time an exhaustive insight on their taking part in the Nationale’s Salons and enhancing a cosmopolite elite mostly composed of North-European and American artists. Taking into account its repercussions in France and Europe, notably on the Munich, Vienna and Berlin Secessions, the hitherto unrecognised Société nationale des beaux-arts can be considered as the first significant artistic Secession and as the spearhead of the European Secessionist movement. This study reveals the action of deeply involved artists, such as Ernest Meissonier, Puvis de Chavannes or Guillaume Dubufe