Rozprawy doktorskie: „Théâtre – 2000-”

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Lavatelli, Julia. "Les nouvelles dramaturgies argentines (1985-2000)". Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030099.

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La dramaturdie argentine de la période 1985-2000 se caractérise par la diversité et la multiplicité d'expressions. Grandes scènes de collectifs théâtraux et paroles minimales, textes-performances et recherche sur le langage d'objects, adaptations des textes contemporains européens et reprises des traditions théâtrales locales, sont autant des tendances diverses qui dessinent un espace théâtrale pluriel. A l'origine de cette prolifération de micro-poétiques il y a une transformation de l'activité théâtrale, issue des expériences périphériques de création, qui ébranle les rôles théâtraux traditionnels et postule une conception du travail dramaturgique qui se confond avec le travail scénique. Cette mobilité repérable dans l'activité théâtrale n'est pas sans conséquences dans la composition des pièces où ressortent la mise en question des catégories théâtrales de fable, de personnage ou d'action, l'incorporation de langages non-verbaux et l'hybridation de modes poétiques. Les oeuvres d'auteurs comme Daniel Veronese, Alejandro Urdampilleta, Federico León, Rafael Spregelburd, d'Alejandro Tantanian parmi d'autres sont des expressions de l'émergence des formes faibles dans la dramaturgie argentine. Au-delà des singularités propres de chaque auteur, les nouveaux dramaturges mettent en oeuvre des modalités dramaturgiques qui opérent par des variations sur les catégories théâtrales sans pour autant viser à établir un nouveaux modèle théâtral. Le débordement des dimensions publiques et privée du sujet dramatique, le métissage de genres et de motifs divers, l'approfondissement du caractère intrasubjectif des conflits et l'irrégularité dans l'agencement rationnel des événements représentés sont les principales variations abordées dans cette étude sur la nouvelle dramaturgie argentine
Diversity and multiplicity characterise Argentinean drama of the period 1985-2000. Mass scenes issued in collective creations and minimal plays, performances and research on the object's language, adaptation of European contemporary texts and use of local traditions in theatre are brought together into a plural space. A transformation of theatre activity is at the source of this profusion of micro-poetics. Ofen born of peripheral creation experiences, this transformation, which postulates a conception of drama that relies on the intimate links of writing and scenic work, has lead to a weakening of the traditional roles of theatre. The plays show the new conceptions of the activity through the questioning of the categories of story, character or action, the introduction of non-verbal languages and the hybridization of poetic modes. The works authors such as Daniel Veronese, Alejandro Urdampilleta, Federico León, Rafael Spregelburd and Alejandro Tantanian, amongst many others, arise as expressions of the emergence of weak forms in Argentinean drama. In spite of the singularities of each author, the new dramatist uses dramatic modalities which define variations on the theatre categories without aiming at constituting a new theatrical model. The mixing of dramatic subject's public and private dimensions, the crossbreeding of genres and multiple motifs, the more deeper intra-subjective nature of conflicts, and the irregularities in the arrangement of incidents are the main variations addressed in this dissertation about new Argentinean drama

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Viviescas, Víctor. "Représentation de l'individu dans le théâtre colombien moderne 1950-2000". Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030009.

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Parcourant la deuxième moitié du XXe siècle, cette thèse poursuit une recherche sur l'écriture dramatique colombienne moderne autour du concept de " représentation de l'individu ". Nous avons mené une enquête simultanée sur trois aspects de l'écriture contemporaine : la crise de la forme dramatique, la crise de la représentation et la crise de l'individu. Cette triple crise crée le contexte dans lequel surgit et se développe la dramaturgie dont nous parlons. La dramaturgie colombienne moderne prend sa source dans la crise du drame, et elle aboutit, à la fin du XXème siècle, à l'expérimentation d'une écriture postdramatique et postreprésentationnelle dans le contexte créé par la présence simultanée des trois concepts alternatifs suivants : l'hybridation de la forme dramatique et l'expérimentation du fragment comme forme ; le dépassement et la mise en crise de la représentation expérimentée comme simulacre ; et l'éclatement de l'individu et de sa représentation au moyen du personnage théâtral expérimenté comme personnage éclaté
This thesis carries out an investigation on the modern Colombian writing during the second part of the XX century, around the concept known as "the individual's representation. " Primarily we had investigated three aspects of the contemporary writing context, which are the crisis of drama, the crisis of the representation and the crisis of the individual. This triple crisis creates the context in which the dramaturgy we are about to study is borned and developed. The colombian modern theatre takes its source from the drama crisis and arrives at the end of the XX century, to the experimentation of the postdramatic and post representation writing in the context created by the simultaneous presence of three alternative concepts which are: the hybridization in the dramatic way and the experimentation of the fragment like form; the overflow and the setting in crisis of the representation that is experienced as simulation ; and the individual's explosion and its representation of broken fragments through the theatrical character

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Kondylaki, Dimitra. "L'édition théâtrale en France et en Grèce durant les années 1982-2000 : exemple des dramatiques contemporains". Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040108.

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Symptôme et moteur du " retour au texte " au théâtre, le développement de l'édition spécialisée en France dans les années 80 permet de s'interroger sur le texte dramatique contemporain, sur les politiques en sa faveur ainsi que sur le statut de l'auteur. En cernant l'apport des éditeurs à la recherche, la promotion et la diffusion de nouvelles écritures, ce travail analyse aussi les risques de la spécialisation. D'ailleurs, la confrontation de ce milieu, ayant soutenu l'apparition d'une nouvelle génération d'auteurs-praticiens, à l'édition de pièces en Grèce vise à sous-tendre l'hypothèse suivante : la conception de l'édition théâtrale reflète l'évolution de la pratique scénique. La crise de la représentation, n'ayant pas affecté l'écriture du théâtre en Grèce, l'édition - ni systématique ni subventionnée - y maintient sa fonction traditionnelle : seule est reconnue sa contribution à la sauvegarde du répertoire, non à l'émergence d'auteurs nouveaux
The development of specialized theatre publishers in France is the symptom and at the same time, the driving force of a tendency to "go back to the text" in the theatre of the 80's-90's. This allows a discussion on contemporary drama as well as on the status of the playwright and the contribution of specialized publishers in researching, promoting and diffusing "new dramatic texts". Confronting this practice, which has favored the emergence of a generation of "author-actors", to the edition of theatrical texts in Greece, aims at putting forward the following hypothesis : theatre editing directly reflects the evolution of stage practices. As the crisis of representation has not affected playwriting in Greece, the edition of dramatic texts, which is not systematic nor subsidized by the state, maintains its traditional function. The editor is primarily interested in safeguarding the repertoire, not facilitating the emergence of new authors

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Margnac, Geraldine. "Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain : étude de pièces de répertoire au Tamil Nadu de 2000 à 2020". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080045.

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Cette thèse de doctorat est consacrée à « Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain ». Les artistes de Bharata-nāṭyam (un art de la scène majeur en Inde) s’intéressent de plus en plus à des figures féminines comme les nāyikā (héroïnes) et Devī (terme générique regroupant les divinités féminines). Sujettes à de multiples controverses en tant que figures du féminin, elles n’avaient pas encore été étudiées sur la scène du Bharata-nāṭyam. La richesse de pièces mettant en scène des déesses douces comme Lakṣmī, Sarasvatī ou Pārvatī, des déesses puissantes comme Durgā ou Kālī ou encore l’androgyne divin, Ardhanārīśvara, n’interroge-t-elle pas les principes esthétiques de la scène ? Une approche contemporaine des pièces de répertoires de 2000 à 2020 au Tamil Nadu permettra d’en étudier le processus de création. Puisqu’elles entraînent différents points de vue, ces figures semblent pertinentes pour l’étude esthétique d’un art vivant, nourrissant sa vivacité et le processus de réactualisation du sens à l’œuvre. La pluralité des hypothèses interprétatives ne reflète-t-elle pas la fonction poétique du Bharata-nāṭyam ? Ce style donne à entendre un texte de deux façons : par le chant et par le jeu de l’artiste qui l’interprète à travers l’expression gestuelle et émotionnelle. La partition, les ornements, le corps et l’expression des émotions contribuent à provoquer une « saveur », une « émotion esthétique » ou rasa en sanskrit. Notre problématique interrogera dans quelles mesures les formes et représentations de Devī participent au processus d’élaboration du rasa dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain
This PhD thesis is devoted to "Devī: figure(s) of the feminine in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam". The artists of Bharata-nāṭyam (a major art form in India) are increasingly interested in female figures such as nāyikā (heroines) and Devī (a generic term for female deities). Subject to multiple controversies as figures of the feminine, they had not yet been studied on the bharata-nāṭyam stage. Does not the richness of plays featuring gentle goddesses like Lakṣmī, Sarasvatī or Pārvatī, powerful goddesses like Durgā or Kālī or the divine androgynous, Ardhanārīśvara, question the aesthetic principles of the stage? A contemporary approach to repertory plays from 2000 to 2020 in Tamil Nadu will allow to study the process of creation. Since they involve different points of view, these figures seem relevant to the aesthetic study of a living art, its liveliness and the process of updating meaning at work. Does not the plurality of interpretative hypotheses reflect the poetic function of Bharata-nāṭyam ? This style gives a text to be heard in two ways: by singing and by the play of the artist who interprets it through gestural and emotional expression. The score, the ornaments, the body and the expression of emotions contribute to provoke a "flavor", an "aesthetic emotion" or rasa in Sanskrit. Our problematics will question to what extent the forms and representations of Devī participate in the process of elaborating the rasa in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam

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Kim, Sunga. "Le retournement du regard : le spectateur regardé dans les oeuvres théâtrales contemporaines depuis les années 2000". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080067.

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La thèse porte sur l’étude d’un phénomène de renversement de l’attention du spectateur vers lui-même, observé dans les œuvres contemporaines à forte théâtralité et nommé le « retournement du regard ». Survenant ponctuellement ou traversant une œuvre comme principe conceptuel, le retournement du regard remet en question la hiérarchie des présences théâtrales et les enjeux de responsabilité liés au regard induits par la fonction spectatorielle. Ce phénomène, transversal et imprégnant beaucoup de pratiques artistiques actuelles, peut être compris à la fois comme un lien entre des modes d’expression hétérogènes et souvent transdisciplinaires, dont la classification générique devient de plus en plus difficile, mais aussi comme un outil dramatique pour introduire dans les œuvres un des sujets qui y semble aujourd’hui récurrent : le spectateur lui-même. L’étude sera composée de trois mouvements pensés pour une approche progressive et chronologique de l’ensemble du phénomène. Une analyse contextuelle d’abord, une définition du retournement ensuite, passant par un point théorique sur le regard, une catégorisation des différents déclencheurs du retournement et l’analyse d’exemples issus des pratiques artistiques contemporaines (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), et une projection enfin des hypothétiques conséquences du retournement, sur les créations théâtrales, la figure du spectateur et la nature même du théâtre. Cette thèse se veut donc à la fois un état des lieux de la fonction spectatorielle au début du XXIe s., mais aussi une analyse des modalités selon lesquelles le théâtre s’adresse à lui et prend en compte les problématiques de son époque
The thesis focuses on the study of a phenomenon of the reversal of the spectator's attention towards himself, as observed in contemporary works with strong theatricality and called the "gaze's turnaround". Occurring punctually or spanning throughout work as a conceptual principle, the gaze's turnaround questions the hierarchy of theatrical presence and the issues of responsibility related to the gaze induced by the spectator's function. This phenomenon, transversal and impregnating many contemporary artistic practices, can be understood both as a link between heterogeneous and often transdisciplinary modes of expression, whose generic classification is becoming increasingly difficult, but also as a dramatic tool for introducing into works one of the subjects that seems to be recurrent in them today: the spectator himself. The study will be composed of three movements designed for a progressive and chronological approach to the whole phenomenon. First, a contextual analysis, then a definition of the reversal, passing through a theoretical point on the gaze, a categorization of the different triggers of the reversal and the analysis of examples from contemporary artistic practices (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), and finally a projection of the hypothetical consequences of the reversal, on theatrical creations, the figure of the spectator and the very nature of the theater. This thesis is therefore intended to be both an overview of the spectator function at the beginning of the 21st century, but also an analysis of the ways in which the theater addresses the spectator and takes into account the problems of his time

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Roux, Louise. "Les utopies pragmatiques : étude du "collectif" théâtral à partir de trois processus de création du XXIème siècle : Collectif F 71, D'ores et déjà, Spectacle-Laboratoire". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080016.

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A travers l’étude comparée de trois processus collectifs de création théâtrale - D’ores et déjà, Collectif F71 et Spectacle-laboratoire - cette thèse tente de comprendre la notion de « collectif » tant au niveau idéologique qu’esthétique, telle qu’elle s’est développée dans le théâtre public français entre 2003 et 2014. Nous montrons qu’en découvrant la disparition de la marge dans l’organisation capitaliste de l’économie culturelle, les collectifs n’ayant pour l’« homme nouveau » aucun programme concret à proposer, ont centré leur résistance au cœur de processus de création politiques parce que collectifs, et accompli une œuvre au diapason de la complexité de leur époque. Ils ont réalisé une « œuvre ouverte » - selon la théorie d’Umberto Eco - au sein de la représentation. Ancrée dans le réel, polyphonique, expérimentale, non-close sur elle-même et en perpétuelle évolution, cette œuvre induit une conception démocratique de l’activité des spectateurs de théâtre et réactive certaines découvertes de la création collective des années 60-70. Cette idée du théâtre comme réalisation par le collectif de l’œuvre ouverte dans la représentation est une utopie pragmatique. Image de l’idéologie de toute une partie de la société en quête de sens et en quête d’action, l’utopie pragmatique permet un renouvellement de l’esthétique théâtrale et une revitalisation du théâtre public : une façon contemporaine et avant-gardiste de renouer avec le « théâtre d’art » comme « théâtre élitaire pour tous »
From the comparative study of tree dramatic creation processes - D’ores et déjà, Collectif F71 and Spectacle-laboratoire – this thesis try to understand the concept of “collective” at ideological and esthetical levels, as it been developed in the French public theatre between 2003 and 2014. We show that the collectives, discovering that marge has disappeared in capitalistic organization of cultural economy and without concrete program for the “new man” to propose, focused their resistance in their creation processes, political because collective. They’ve accomplished works in tune with complexity of theirs time, realizing an “open work” - as defying Umberto Eco - in representation itself. Anchored in real, polyphonic, experimental, non-closed and perpetually moving, this work induce a democratic conception of audiences’ activity and reactive some of the sixties’ collective creations’ discoveries. This idea of theatre as realization by the collective of the “open work” in the representation is a pragmatic utopia. Picture of part of society’s ideology, searching of sense and action, the pragmatic utopia allows a renewal of theatrical esthetic and a revitalization of the public theatre: a contemporary and avant-gardist way to revive the “artistic theater” as “exclusive theatre for everyone”

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Dubois, Simon. "De la marge au centre, de Syrie en exil : itinéraires d'un jeune théâtre syrien". Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0342.

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Cette thèse a pour objet d’étude la production dramatique syrienne depuis le déclenchement du printemps syrien il y a huit ans, à la mi-mars 2011. En prenant pour objet la trajectoire d’une jeune génération de professionnels du théâtre, elle vise à mettre en évidence les dynamiques de la création scénique et à appréhender plus largement la nouvelle condition de la production artistique syrienne contemporaine. Depuis la révolte populaire, cette production a connu un ensemble de transformations qui reflètent un contexte politique et social en constante évolution. Deux axes jouent un rôle catalyseur : le mouvement contestataire qui ébranle un champ artistique très structuré autour de l’État et de ses institutions ; l’exil, généralisé à tous les niveaux de la société, qui disloque complètement l’ancrage territorial de l’art syrien. L’objectivation de la création contemporaine syrienne requiert alors une approche en plusieurs dimensions capable d’appréhender dans le temps et l’espace les mutations de la scène artistique. Pour cela, les trajectoires de ces jeunes praticiens du théâtre agissent comme un révélateur. Au gré des déplacements géographiques, cette génération, confinée jusqu’alors aux marges du champ artistique national syrien, a atteint une position centrale dans la production dramatique en exil. En identifiant les développements récents et en cours de ce milieu, cette recherche examine les recompositions d’une scène artistique après son éclatement politique et géographique, et contribue ainsi à écrire l’histoire culturelle syrienne depuis le début du XXIe siècle
The purpose of this thesis is to study Syrian theatre creation since the beginning of the Syrian uprising eight years ago, in mid-March 2011. By focusing on the trajectory of a young generation of theatre professionals, it aims to highlight the dynamics of stage creation and gain a broader understanding of the new condition of contemporary Syrian artistic production. Since the popular revolt, this artistic production has undergone a series of transformations that reflect a constantly changing political and social context. Two axes have had a catalytic effect: the protest movement, which is shaking up an artistic field highly structured around the State and its institutions; and exile, widespread at all levels of society, which is completely dislocating the territorial anchoring of Syrian art. As such, the objectification of contemporary Syrian creation requires a multidimensional approach capable of capturing changes in time and space in the artistic scene. To this end, the trajectory of these young theatre artists is very indicative. As geographical shifts have taken place, this generation, previously confined to the margins of the Syrian national artistic field, has reached a central position in theatre production in exile. By identifying recent and ongoing developments in this field, this research examines the reshaping of an artistic scene after its political and geographical fragmentation, in this way contributing to the narrative of Syrian cultural history since the beginning of the 21st century

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Nakhlé-Cerruti, Najla. "La Palestine sur scène. Une approche géocritique du théâtre palestinien (2006-2016)". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCF037/document.

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À partir d’un corpus de six pièces de théâtre produites entre 2006 et 2016 par des Palestiniens, ce travail étudie l’élaboration de la spatialité dans les textes et ses interactions avec l’espace réel dans lequel ils se déploient. En raison des fortes contraintes imposées aux Palestiniens dans leurs mobilités, la pratique du territoire représente d’abord une expérience identitaire quimarque les conditions de création et les choix dramaturgiques. Le théâtre offre un espace pour raconter cette expérience et c’est le témoignage qui occupe la scène, dans diverses formes d’autobiographie scénique. Le texte, support de mémoire devient un objet littéraire où le récit de soi monologué permet aux Palestiniens d’exprimer l’exil qu’ils vivent, dans sa doublenature : géographique et psychologique. Dans ces récits scéniques, les personnages finissent par se confondre avec l’espace qu’ils décrivent ; s’élaborent alors des figures littéraires spécifiques à ce rapport à l’espace. Ainsi, l’image de l’enfermement manifeste les liens entre le texte et la réalité vécue et décrite. Cette poétique de l’espace participe aussi à la remise enquestion du mythe de la Palestine qui occupe les textes de cette décennie, et fournit ainsi un angle privilégié pour analyser les dynamiques identitaires des Palestiniens
This work studies how the spatial dimension is elaborated in six theatre plays produced between 2006 and 2016 by Palestinians and how these texts interact with the real space within which they unfold. Because of the strong constraints imposed on Palestinians’ mobility, the practice of territory embodies an experience. This alters the conditions and choices of production and theatre offers a space to tell this experience. In this body of texts, testimony takes center stage in the form of staged autobiography. The text therefore becomes a literary object, rather than a medium for memory. Self-narrative allows Palestinians to express their exiles in both geographic and psychological terms, by using the form of the monologue. In their stories, the characters are so affected by this experience of territory that they end up being conflated with the space they describe. The spatial dimension in the texts is elaborated from literary figures. The image of imprisonment expresses in a direct manner the links between text and reality. It participates in the questioning of the myth of Palestine that fills the texts of this decade. It is indeed in real and textual space that the identity dynamics of Palestinians are being built

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Ruberry-Blanc, Pauline. "La vision tragi-comique de William Shakespeare et ses précédents dans le théâtre Tudor". Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/ruberry_p.

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La première partie de la thèse fait incursion dans le théâtre médiéval et post-médiéval anglais afin d'explorer la matrice esthétique et culturelle dans laquelle Shakespeare puise sa vision tragi-comique. La focalisation sur le personnage phare de l'aire de jeu Tudor, dénommé le Vice, incarnation de l'esprit tragi-comique anglais, permet de faire ressortir les conventions théâtrales réutilisées et transposées dans la création shakespearienne. La deuxième partie de l'étude se concentre sur les deux personnages Richard III et Falstaff, nécessitant des aller-retour dans le théâtre des prédécesseurs de Shakespeare afin de faire ressortir les continuités diachroniques ainsi que les nouveaux éléments en gestation chez lui. Enfin le troisième volet développe les critères éthico-littéraires et les grandes théories philosophiques et poétiques qui jalonnent l'époque élisabéthaine, les grands mythes de l'antiquité classique et leur ré-utilisation dans le théâtre de cour et dans les théâtres publics de la période 1594-1616. L'exploration s'articule autour des éléments constitutifs d'un nouveau genre, la tragi-comédie de Guarini, qui émerge sur la scène jacobéenne. Cette exploration s'efforce de démontrer l'éclectisme de la vision tragi-comique de Shakespeare tout en faisant ressortir la manière dont les traditions et conventions sont dépassées et transcendées
This doctoral thesis takes the medieval and late-medieval theatre as a starting-point for its exploration of the aesthetic and cultural matrix which shaped Shakespeare's tragic-comic vision. The character known as the Vice", who appears in many Tudor plays, and who is often considered to be an incarnation of the English tragi-comic spirit, provides a useful pointer to the theatrical conventions which Shakespeare transmutes in the process of creating his own plays. The second part of this study centres on Richard III and Falstaff necessitating frequent comparisons between Shakespeare's dramaturgy and that of his predecessors in order to underline the diachronic continuities as well as the embryonic developments. In the third section, the ethical-literary-philosophical background of the Elizabethan age is explored, along with an examination of the manner in which some of the most prominent myths of classical antiquity are adapted to the aristocratic and public stages from 1594 to 1616. These elements are seen to contribute to the formation of a separate theatrical genre, bearing much resemblance to Guarini's "tragi-comedy," which occupied the Jacobean stage. Throughout this analysis of the eclectic nature of Shakespeare's tragi-comic vision emphasis is laid upon his transcendence of inherited traditions and conventions

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Bernard, Judith. "Rhétorique du discours de mise en scène : mythes et pratiques de la parole dans la répétition de théâtre". Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/bernard_j.

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Cette recherche a pour objet les répétitions de théâtre des années 1980-90, et concerne le théâtre de texte dans des mises en scène francophones. Il s'agit d'observer les principes structurels de la créativité théâtrale à travers les formes et les fonctions de la parole en répétition. Une étude de type interactionniste permet d'abord de dégager les spécificités de la répétition théâtrale comme interaction communicative. Puis, la parole de mise en scène est considérée comme parole sur le texte de théâtre, discours à la fois critique et poétique : le metteur en scène y est vu comme un lecteur verbalisant, et traduisant, sa lecture de la pièce en un langage susceptible d'être figuré à la scène. C'est ensuite l'aspect rhétorique de cette parole qui est envisagé : sa valeur persuasive et figurale est interrogée dans sa capacité à nourrir l'imaginaire des comédiens, afin de stimuler leur force de proposition et de rendre pérenne la vitalité de leur jeu. La parole de mise en scène est enfin abordée dans sa relation avec les signes dans le jeu d'acteur : " miroir " verbal du jeu d'acteur, la parole du metteur en scène cherche à renvoyer l'image de ce qui a été fait sur scène, pour le fixer, l'effacer ou le nuancer ; il faut alors convoquer ou forger des outils sémiologiques en mesure de décrire l'interaction qui se développe entre parole de mise en scène et production de signes dans le jeu d'acteur.

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Fondu, Quentin. "La Scène et l'Amphithéâtre : sociologie et histoire de la discipline des études théâtrales en France et dans les deux Allemagnes (1945-2000)". Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0004.

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Cette thèse porte sur l’histoire de la discipline des études théâtrales (Theaterwissenschaft en allemand) en France et dans les deux Allemagnes, de 1945 jusqu’au début des années 2000. Elle interroge les conditions historiques et sociales qui permettent de comprendre son apparition et son développement. Mon hypothèse principale est que la constitution de cette discipline s’organise à la jonction du champ universitaire et du champ théâtral, et au croisement de logiques locales, nationales et internationales. À l’inverse des disciplines plus anciennes, les études théâtrales revendiquent en effet une plus grande ouverture vis-à-vis de logiques extérieures au monde académique, à la fois en termes de formations et de débouchés. Participant peut-être à la mise en crise contemporaine de l’« ordre disciplinaire », l’histoire de cette discipline doit ainsi être replacée dans les métamorphoses plus larges du théâtre et de l’université au cours de cette période – en particulier leurs internationalisations et leurs politisations respectives. Notre démarche repose sur la sociologie historique, qui a pour ambition de cumuler les méthodes de l’histoire et celles de la sociologie, afin de prendre en compte simultanément événements, histoire institutionnelle et analyse structurale. Sans pour autant abandonner les principes de la comparaison entre la France et les deux Allemagnes, la méthodologie doit également beaucoup à l’histoire croisée, qui nous permet de multiplier les échelles d’analyse sans présupposer a priori le cadre national de la discipline
This thesis is about the history of the discipline of theatre studies in France and in the two Germanies, from 1945 to the early 2000s. It examines the historical and social conditions in order to understand its emergence and development. My main hypothesis is that the creation of this discipline happened at the intersection of the academic and theatrical fields, and at the crossroads of local, national and international logics. Unlike older disciplines, theatre studies avows a larger openness vis-a-vis logics external to the academic world, both in terms of training and job prospects. Participating perhaps in the contemporary challenges to “disciplinary order”, the history of this discipline must also be resituated within the broader metamorphosis of theatre and the university over the course of this period. Our approach relies on historical sociology, whose aim is to bring together methods from history and sociology in order to simultaneously think about events, institutional history, and structural analysis. Without abandoning the basis for comparison between France and the two Germanies, our methodology also draws heavily from histoire croisée, which allows us to broaden the scope of our analysis without accepting at face value the national framework of the discipline
Diese Dissertation behandelt die Geschichte der Disziplin der Theaterwissenschaft in Frankreich und im geteilten Deutschland, von 1945 bis zum Beginn der 2000er Jahre. Sie untersucht die historischen und sozialen Bedingungen, die es ermöglichen, ihre Entstehung und Entwicklung zu verstehen. Die zentrale Hypothese ist, dass die Konstituierung dieser Disziplin durch die Verbindung des akademischen und theatralischen Bereichs und dem Zusammenwirken lokaler, nationaler und internationaler Logiken ermöglicht wurde. Im Gegensatz zu älteren Disziplinen beansprucht die Theaterwissenschaft in der Tat eine größere Offenheit gegenüber Logiken außerhalb der akademischen Welt, sowohl in Bezug auf Ausbildung als auch auf Karrierewege. Die Geschichte dieser Disziplin, die wohl an der gegenwärtigen Krise der "Disziplinarordnung" teil hat, muss daher in die breiteren Metamorphosen des Theaters und der Universität in dieser Periode - insbesondere in ihre jeweiligen Internationalisierungen und Politisierungen - eingeordnet werden. Der Ansatz dieser Dissertation basiert auf der historischen Soziologie, die darauf abzielt, die Methoden der Geschichte und der Soziologie zu kombinieren, um Ereignisse, die Institutionengeschichte und die Strukturanalyse gleichermaßen zu berücksichtigen. Ohne die Prinzipien des Vergleichs zwischen Frankreich und den beiden deutschen Staaten aufzugeben, verdankt die Methodologie auch viel der histoire croisée, die es erlaubt, die Skalen der Analyse zu multiplizieren, ohne a priori den nationalen Rahmen der Theaterwissenschaft vorwegzunehmen

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Hébert, Doyon Marie-Pier. "Le théâtre dans Le premier jardin d'Anne Hébert : étude d'une odyssée mémorielle portée par la convocation et l'emprise". Master's thesis, Université Laval, 2015. http://hdl.handle.net/20.500.11794/26291.

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Ce mémoire vise à mettre en lumière l’influence qu’exerce le théâtre dans le roman Le premier jardin d’Anne Hébert. Il s’efforce de démontrer que l’intrigue s’articule autour d’une dichotomie fondamentale entre la remémoration d’un passé collectif, où la protagoniste participe en tant que comédienne, et la résurgence de souvenirs où elle devient spectatrice de son propre passé qui envahit et détracte le présent. Ainsi, cette étude révèle comment les thèmes de la convocation et de l’emprise investissent l’odyssée mémorielle de Flora Fontanges et parvient également à dégager la vision de l’Art et de la création qui anime le roman tout comme le parcours de l’auteure.

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Burel, Erwan. "La violence dans le théâtre de Juan Mayorga". Thesis, Strasbourg, 2017. http://www.theses.fr/2017STRAC038/document.

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Dans cette recherche doctorale, nous analysons le traitement de la violence dans la production dramatique de Juan Mayorga et tentons de montrer en quoi la violence est non seulement un thème fondamental de son théâtre mais également un des piliers de sa dramaturgie. Notre travail repose sur une étude de la violence à travers la formation intellectuelle et théorique de Juan Mayorga, docteur en philosophie, spécialiste du penseur judéo-allemand Walter Benjamin et fin connaisseur de la pensée philosophique post-Auschwitz (entre autres Hannah Arendt, Hans Jonas, Paul Ricœur, Emmanuel Levinas). Nous procédons ensuite à des analyses dramaturgiques sur un corpus de pièces choisies afin de délimiter les lignes de force de son théâtre et d’étudier la manière dont la violence modélise l’architecture d’ensemble de son œuvre. À travers ces analyses, nous réussissons à déterminer les procédés dramaturgiques qui font de ce théâtre de la violence un théâtre paradoxalement non violent, où la fascination cède la place à la raison et à la critique
In this doctoral research, we analyse the treatment of violence in the dramatic production of Juan Mayorga and we try to show at what point violence is not only an essential aspect of his theatre but also one of the foundations of his dramaturgy. Our work is based, first, on a study of violence through the intellectual and theoretical formation of Juan Mayorga, Doctor of philosophy, specialist in the Jewish-German thinker Walter Benjamin and a great expert on post-Auschwitz philosophical thought (among whom the philosophers Hannah Arendt, Hans Jonas, Paul Ricoeur and Emmanuel Levinas can be found). Subsequently, we analyse several of his plays in order to delineate the lines of force of his theatre and study how the violence models the overall architecture of his work. Through these analyses, we manage to determine the dramaturgical procedures that make this theatre of violence a paradoxically non-violent theatre, in which fascination is replaced by reason and criticism

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Chehilita, Émilie. "La critique de la « société du Spectacle » à l’essai sur les scènes théâtrales de Berlin, Londres et Paris dans les années 2000 : spectacle dans le spectacle, la société spectaculaire et marchande au prisme du spectacle vivant". Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100076.

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Cette thèse envisage la critique de la « société du Spectacle » (concept forgé dans l’essai éponyme de Guy Debord) telle qu’elle procède dans des œuvres du théâtre expérimental et sur les scènes de la performance au cours des années 2000 à Berlin, Londres et Paris. Les pièces étudiées recyclent des références empruntées aux médias de masse, souvent assimilés à des machines à aliéner le public. Le corpus regroupe aussi bien des auteurs et des metteurs en scène que des collectifs : Martin Crimp, David Ayala, Joël Jouanneau, Falk Richter, René Pollesch, Tom Kühnel, Katie Mitchell, le Collectif MxM (Cyril Teste), Forced Entertainment (Tim Etchells), Gob Squad et Superamas. L’approche pluridisciplinaire traite à la fois des composants dramaturgiques et des considérants sociologiques de la représentation. D’une part, ce travail étudie la structuration des réseaux dans lesquels les artistes se rencontrent ou coopèrent. D’autre part, nous examinons tant l’organisation des différents éléments scéniques, parmi lesquels les caméras et les écrans tiennent une place importante, que la corporéité des interprètes ainsi que les modes de réception des spectateurs, entre autres par la mise en place d’une enquête. En trans-contextualisant leurs sources, les artistes instaurent des écarts et creusent de la distance à travers divers procédés : l’incorporation littérale, la citation, la parodie et le pastiche, mais aussi l’ironie et le ton cool fun. La dimension critique de ces œuvres ne s’exerce pas de manière frontale et n’est souvent pas même revendiquée. Loin de la rejeter en bloc, les auteurs et interprètes affectionnent certains objets de la culture des médias de masse. Pour mettre en branle leur fonction critique, ils se situent au cœur même de la « société du Spectacle » et de l’esprit du temps. Ainsi cette critique s’est déplacée de l’extérieur à l’intérieur du champ. Leur démarche mêlant le sérieux au ludique dénote une volonté de ne pas se désolidariser des spectateurs face auxquels ils veulent s’inscrire sur un pied d’égalité pour rendre le dialogue et parfois l’interaction possibles
This thesis tackles the critic of the “Society of the Spectacle” (concept brought by the Guy Debord’s eponymous essay) performed in experimental theater works and the performance scenes during the 2000s in Berlin, London and Paris. The studied theater pieces borrow cultural references to the mass media, often considered as machines to alienate the public. The corpus includes authors as well as stage directors and collectives: Martin Crimp, David Alaya, Joël Jouanneau, Falk Richter, René Pollesch, Tom Khünel, Katie Mitchell, the Collective MxM (Cyril Teste), Forced Entertainment (Tim Etchells), Gob Squad and Superamas.The multidisciplinary approach deals with both the dramaturgy aspects and the sociological patterns of representation. One the one hand, this work studies the network structure in which the artists meet each others and collaborate. On the other hand, we investigate the various stage elements, among which cameras and screens take an major part, as well as the actors’ corporeality as well as the spectators’ ways of perception, among others, by the mean of a survey. By trans-contextualizing their sources, the artists create a gap and increase the distance with them using several techniques: literal incorporation, quotation, parody and pastiche, but also irony and cool fun tone.The critical dimension of these works is not straight forward, and often not even claimed. Far from rejecting it as a whole, the authors and actors are fond of the mass media culture’s objects. In order to set in motion their critical function, they place themselves at the heart of the “Society of the Spectacle” and the Zeitgeist. Thus, such a critic has moved from an external point of view to an internal one. Their approach, mixing seriousness and fun, indicates a will not to separate themselves from the spectators to whom they want to set on equal footing in order to make the dialogue and sometimes the interaction possible

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Urban, Marie. "Expériences documentaires et création théâtrale : processus de création, réalités, dramaturgies et dimensions politiques des arts de la scène germanophone d'aujourd'hui". Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0594.

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Le nombre de formes théâtrales se basant sur des recherches documentaires a considérablement augmenté ces dernières années dans l’espace germanophone. Les œuvres explorées sont complexes, fragmentées, souvent caractérisées par une porosité entre réalité et fiction. Cette étude explore la manière dont les pratiques documentaires actuelles s’ancrent dans le réel en développant notamment de nouvelles formes de participation durant les processus créatifs. Bien qu’il existe une filiation avec le « théâtre documentaire » provenant d’une tradition théâtrale historique en Allemagne, ce terme n’est plus adapté à la diversité des pratiques et des esthétiques documentaires actuelles. En effet, l’expérience est aujourd’hui au cœur de ces pratiques qui se fondent sur l’échange, l’investigation et s’inscrivent dans la durée. Nous mettons en valeur l’émergence d’esthétiques journalistiques, la production d’un savoir inédit et le déplacement du politique au théâtre à travers les pratiques documentaires d’aujourd’hui. Un aspect central du travail consiste à observer les liens entre les pratiques, les méthodes de production et les dramaturgies dans un corpus d’œuvres constitué de récits biographiques. Les transformations à la fois sociales et esthétiques générées par ces pratiques réinventent les théâtralités, réinterrogent l’Histoire et présentent des identités en mouvement
The number of theatrical forms based on documentary research has increased considerably in recent years in the German-speaking world. The works explored are complex, fragmented, often characterized by a porosity between reality and fiction. This study explores how current documentary performances are rooted in reality, especially when developing new forms of participation during creative processes. Although "documentary theatre" is part of a tradition in Germany, this expression is no longer appropriate to the diversity of current documentary practices and aesthetics. Indeed, the experience is now at the heart of these practices, which are based on social exchanges, investigation and long-term process. We highlight the emergence of journalistic aesthetics, the production of a new knowledge and the displacement of politics in theatre through today's documentary practices. A central aspect of the work is to observe the relationship between practices, production methods and dramaturgies in a corpus consisting of biographical accounts. The social and aesthetic transformations generated by these practices reinvent theatricality, interrogate history and presents shifting identities

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Le, Pors Sandrine. "Le théâtre des voix dans les écritures dramatiques contemporaines". Paris 3, 2007. http://books.openedition.org.ezproxy.upf.pf/pur/15721.

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Etudié à travers un corpus composé de six œuvres contemporaines – celles de Vinaver, Lemahieu, Kermann, Kane, Fosse et Schimmelpfennig –, Le Théâtre des voix permet de dresser les contours d’un paysage théâtral où l’organisation poétique de différentes voix constitue la charpente du drame. Une première partie traite de dramaturgies fondées sur des compositions rythmiques qui prennent en compte une réception auditive. Une deuxième partie déplace l’analyse sous l’angle du personnage et examine comment ce dernier se retire dans des voix qui le constituent en le déliant. L’ensemble des études réunies dans cette recherche s’appuie en outre, épisodiquement, sur des pièces d’autres auteurs comme Novarina ou Crimp. De la sorte, le propos ambitionne de mettre à jour un théâtre où la priorité est donnée à la vibration sonore des corps et où le lecteur-spectateur se trouve d’abord touché par l’écoute
The Theatre of Voices will study a corpus of six contemporary plays – those of Vinaver, Lemahieu, Kermann, Kane, Fosse and Schimmelpfennig. This thesis will allow us to draw up the outlines of a theatrical landscape where the framework of the drama is the poetic organization of different voices. The first part of the thesis will deal with dramatic forms that rely on rhythmical compositions, which takes into account an auditory reception. The second part will move the analysis to the point of view of characters. This part will examine how characters withdraw themselves in voices that makes them and untie them at the same time. Most of the studies gathered in this research will rely occasionally on plays by other playwrights such as Novarina or Crimp. In a way our goal will be to reveal a form of the theatre where the priority is given to the ringing vibration of bodies and where the readers and the audience are first moved by their own listening of the text

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Di, Mercurio Francine. "Les images scéniques de Romeo Castellucci : expérience d'un théâtre plastique". Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3025.

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Certaines œuvres théâtrales de ce XXIème siècle semblent inscrire au cœur de leur projet esthétique une mise en question de l’ordre perceptif en créant de nouvelles manières de voir, d’entendre et d’être affecté. Le drame ‒ comme action ‒ s’y trouve réactualisé dans une forme s’adressant aux perceptions du spectateur au travers d’une dramaturgie visuelle, voire perceptuelle, prenant appui sur une fabrique d’images scéniques. Notre étude propose d'investir dans le champ du théâtre une part de la recherche sur l’image en mettant en perspective les questions esthétiques, philosophiques, voire politiques que soulève la notion d’image scénique. L’œuvre du metteur en scène italien Romeo Castellucci est représentative de la spécificité du plasticien qui trouve sur la scène un nouveau support de création d’images, un médium particulier mettant en jeu le corps, l’espace, la forme et où le texte, pourtant largement muet, hante la scène. Ce théâtre plastique remet en cause les fondements du théâtre traditionnel (action, personnage, fiction), invente un drame proprement figural et cherche à déplacer le regard du spectateur. Dans une oscillation entre apparition et disparition du visible, représentation et ineffable, il offre au spectateur un processus expérientiel au sein d’un laboratoire où l’image joue contre l’image, inquiète le regard et les perceptions convenues de la réalité.Le déplacement de la théorie de l’image dans le champ du théâtre nous permettra, au travers de la démarche singulière de Romeo Castellucci, d’apporter notre contribution à l’analyse des modalités opératoires de son efficace esthétique et des enjeux critiques et politiques du théâtre contemporain
Some theatrical pieces from this 21st century seem to include in their esthetical project a question of the perceptive order by creating new ways of seeing, hearing and being affected. The drama ‒ as an action ‒ finds itself updated in a form addressing to the spectator’s perceptions through visual dramaturgy, even perceptive, based on a factory of scenic images. Our study offers to invest in the theater field a part of the research and thoughts about the image by putting into perspective the esthetical, philosophical, and even political questions that the notion of scenic image raise.The particular piece from the Italian director Romeo Castellucci is representative of the visual artist’s specificity who finds on the stage a new creating support for images, a particular way of involving body, space, shape, matter and where the text, although especially mute, is haunting the stage. This plastic theater questions the foundations of traditional theater (action, character, fiction), creates a properly figural drama and tries to move the spectator’s sight. In an oscillation between visual appearance and disappearance, representation and unspeakable, he offers to the spectator an experiential process in a laboratory where image plays against image, worries the sight and the accepted perceptions of reality.The displacement of the image’s theory in the theatrical field will allow us, through Romeo Castellucci’s singular approach, to make our contribution to the operating procedures analysis of his aesthetic’s efficiency, reception mechanism of the spectator and critical and political skates of the contemporary theater

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Prudhon, Déborah. "Entre réel et fiction : les nouveaux théâtres anglais contemporains". Thesis, Sorbonne université, 2020. http://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=http://theses.paris-sorbonne.fr/2020SORUL093.pdf.

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Notre société contemporaine est à la fois qualifiée de « nouvel âge de la fiction » (Anne Besson) et caractérisée par une « faim de réalité » (David Shields). En quoi cette tension contradictoire se reflète-t-elle sur la scène théâtrale, lieu par excellence de cohabitation féconde du réel et du fictionnel ? L’analyse s’articule autour de trois « nouveaux » théâtres de la scène contemporaine anglaise qui permettent, à travers des formes et modalités qui leur sont propres, de repenser le lien entre l’univers de fiction et la réalité extrathéâtrale. Le théâtre verbatim importe sur sa scène les paroles de personnes « réelles ». Le théâtre performatif de Tim Crouch joue avec les cadres réels et fictionnels pour venir troubler la distinction entre l’« ici et maintenant » partagé par les acteurs et les spectateurs, et les différents lieux et temporalités de la fiction qui s’y superposent. Quant aux spectacles de la compagnie Punchdrunk, figure de proue du théâtre immersif, ils débordent du cadre de la scène pour investir un espace immense – une véritable « fiction-monde » que le public est invité à explorer à sa guise. Cette thèse vise ainsi à montrer en quoi la tension fondamentale entre réalité et fiction qu’explorent ces divers dispositifs théâtraux refonde les codes esthétiques et dramaturgiques de la scène contemporaine anglaise et vient bousculer les paradigmes de réception conventionnels
The society we live in is both described as a “new age of fiction” (Anne Besson) and characterised by a “reality hunger” (David Shields). How is this conflicting tension reflected on the theatre stage, the place par excellence where reality and fiction coexist? This analysis focuses on three “new” theatres of the contemporary English stage which allow us, through their own forms and modalities, to consider anew the relationship between the fictional world and the extratheatrical reality. Verbatim theatre imports the words of “real” people onto its stage. Tim Crouch’s performative theatre plays with real and fictional frameworks in order to blur the distinction between the “here and now” that actors and spectators share, and the fictional “there and then” that is superimposed onto it. As for the shows by Punchdrunk, the figurehead company of immersive theatre, they go beyond the limits of the stage and spread out into huge spaces – a world-fiction that the audience is invited to inhabit and explore as they please. This thesis seeks to show how the fundamental tension between reality and fiction explored by these various theatres takes the aesthetic and dramaturgical codes of the contemporary English stage in a new direction and disrupts the traditional paradigms of spectatorship

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Merabet, Emma. "Décentrer l'humain sur les scènes contemporaines : mutations dramaturgiques et perspectives écopoétiques". Electronic Thesis or Diss., Lyon 2, 2024. http://www.theses.fr/2024LYO20021.

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Repartant de la dénomination de « théâtre post-anthropocentrique » avancée par Hans-Thies Lehmann dans Le Théâtre postdramatique, cette étude vise à ébaucher une pensée théorique, scénique et dramaturgique d’un théâtre désanthropocentré. Elle s’adosse à un corpus d’œuvres théâtrales et chorégraphiques créées durant les deux décennies passées (Denis Marleau, Heiner Goebbels, Phia Ménard, Philippe Quesne, Pierre Meunier et Marguerite Bordat, Joris Mathieu, Tim Spooner, Jordi Galí, Vania Vaneau), qui toutes ont en commun de faire exister des éléments non-humains (matières, objets, machines…) comme des présences à part entière. Les analyses portent sur le renouvellement des registres de présence et des régimes d’action, et tendent à faire émerger la portée écologique de ces propositions scéniques
Taking as its starting point the term “post-anthropocentric theater” coined by Hans-Thies Lehmann in Le Théâtre postdramatique, the following study aims to delineate the key theoretical, scenic, and dramaturgical aspects of a de-anthropocentric theater. The study’s corpus includes theatrical and choreographic works created over the past two decades by a variety of artists (Denis Marleau, Heiner Goebbels, Phia Ménard, Philippe Quesne, Pierre Meunier and Marguerite Bordat, Joris Mathieu, Tim Spooner, Jordi Galí, Vania Vaneau); all united by their inclusion of non-human elements (materials, objects, machines, etc.) as autonomous scenic presences. The following analysis focuses on the renewal of registers of presence and regimes of action, and seeks to highlight the ecological significance of these scenic proposals

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Harmat, Hélène. "L'équivoque de la simplicité : une approche des arts de la scène en France autour de l'an 2000". Toulouse 2, 2006. http://www.theses.fr/2006TOU20012.

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A partir d'une observation des pratiques actuelles de la scène (danse et théâtre), je me suis interrogée sur l'ambivalence fondatrice du processus créatif : celui-ci articule en effet la construction d'un langage individuel et la volonté de renouer avec une universalité du sens. Quels sont les regards ou les langages qui parviennent à créer une résonance juste avec ce qui nous échappe, à faire ressentir, par-delà la diversité, une simplicité initiale – et cela sans être réducteurs ? Cette question dépasse largement le thème de la création scénique, mais elle s'y cristallise, et le théâtre constitue un lieu privilégié pour son exploration. L'imaginaire de la simplicité s'y décline selon deux approches différentes : la première, tributaire d'une pensée dualiste, tend à créer une vision univoque de la réalité, en s'exprimant par alternatives et par substitutions. La deuxième cherche à mettre en évidence l'ambivalence du réel sans la gommer, en privilégiant les procédés de surimpression et les contradictions assumées ; elle désigne un art où les dispositifs se creusent, délivrant un surplus de sens au moment même où ils menacent de disparaître. Cette "équivoque simplicité" permet de renouveler le rapport entre individu et collectivité, et de redéfinir nos modes de connaissance du réel. Elle désigne une approche à la fois esthétique, politique et philosophique qui imprègne la pensée contemporaine
Starting from an observation of today's scenic practices (dance and theatre), I was led to ponder upon the basic ambivalence of the creative process, which, indeed, establishes a link between the construction of an individual language and the desire to revive universal significations. What kind of glance, what kind of language manages to start resonating in us the right overtones of what we do not perceive consciously, to make us feel, beyond diversity, an original simplicity--without being for all that over-simplistic ? This question clearly reaches far beyond the theme of scenic creation, but it crystallizes in it, and the theatre is a privileges place where we can examine it. The imagination of simplicity can be tackled in two different ways : the former one, which is based upon dualistic thinking, tends to create an unequivocal vision of reality, expressing itself through alternatives or substitutions ; as for the latter one, it attemps to reveal the ambivalence of reality without erasing it, preferring superimposing procedures and accepted contradictions ; it proposes an art in which devices fall back, releasing extra significances the very instant they threaten to disappear. This "equivocal simplicity" enables the relationship between the individual and the community to be relevant again and it makes it possible for us to readjust the definition of our methods for apprehending reality. It indicates a simultaneously aesthetic, political and philosophical approach which contemporary thinking is thoroughly imbued with

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Kalyvi, Anna. "Médée "illimythée" : du mythe en scène ( théâtre-danse) aux XXe et XXIe siècles". Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H315.

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Depuis ses origines, la mythologie grecque est une source illimitée d’inspiration et se situe au carrefour de nombreux domaines qu’elle fait se rencontrer. Que ce soit dans la danse, le théâtre, la peinture ou la poésie, la réappropriation du mythe antique par le langage du corps s’avère une aventure esthétique qui s’impose comme une nécessité, en prenant en compte ses nombreuses reprises artistiques durant les XXe et XXIe siècles. Au cœur de cette réflexion figure un des mythes les plus connus et les plus revisités, à savoir celui de Médée, cette redoutable magicienne qui a tué ses enfants pour se venger de son époux après sa trahison. Analyser Médée par le biais des arts performatifs et des arts plastiques constitue ainsi une observation de l’état actuel du mythe. Quant au personnage, comment pourrait-on l’interpréter aujourd’hui ? La comparaison sur le plan artistique entre les différentes Médée a pour objectif de déterminer leur écart philosophique et esthétique, autrement dit la distorsion du mythe, lorsque le code (le langage) change. De nombreuses questions surgissent au sujet du récit, du symbole et du processus de création. Si mythe et art sont entretenus par un lien organique qui les alimente réciproquement, une telle étude centrée sur le passage du texte à la scène permettra de mettre en évidence cette relation, d’observer où se situe le mythe dans le champ artistique actuel, et quel sens en découle. Repérer le mythe aujourd’hui exige alors un mouvement de recul, qui maintient le dialogue entre tradition et modernité, entre l’étude du passé et la projection dans l’avenir. C’est en effet l’histoire du mythe que nous envisageons de raconter ici, par le biais des corps performatifs grâce auxquels l’existence du mythe se concrétise dans notre existence actuelle. Il s’agit d’une position limite que le corps artistique occupe. Pour qu’une comparaison entre ces narrations hétérogènes soit possible, le schéma des limites interviendra comme moyen et comme support, pour traduire le mouvement et la parole en image et en sensation. Le déplacement du mythe dans le temps sera donc une danse qui vient de commencer
Greek mythology has been an unlimited source of inspiration since it’s very beginning and stands at the junction of various artistic disciplines. The re-appropriation of the ancient myth through the body language proves to be an aesthetic adventure which establishes itself as a necessity, taking into account its many artistic versions via dance, theater, painting and poetry throughout the 20th and 21st centuries. In the core of this problematic stands one of the most famous and revisited myths, the myth of Medea, the formidable sorceress who killed her children in order to take revenge on her husband after his betrayal. Analyzing Medea by the means of performing and plastic arts constitutes an observation concerning the current condition of the myth; how could we interpret this character today? In this case, when the code changes, comparing different Medeas on an artistic level aims to determining their philosophical and artistic discrepansies; in other words, the myth’s distortion. Many questions arise regarding the narration, the symbolism and the creative process. If myth and art are sustained by a vital link that nourishes them mutually, such a study focusing on the transition of the text onto the stage, will allow us to highlight this relation: observing where the myth stands nowadays in the performing arts and which is its deriving meaning. So, locating the myth today demands stepping back somewhat, in other words, a backward movement which maintains the dialog between past and future, tradition and modernity. It is in fact the myth’s history that we’re trying to narrate here, by the means of performing bodies attesting to its existence nowadays. During this procedure, the artistic body becomes a limit in itself, whereas the schema of limits intervenes in order to compare two heterogeneous narrations: translating dancing movement and words into image and feeling. In fact, the myth’s journey in time and space is a dance that has only just begun

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Piquer, Olivier. "De El Concierto de San Ovidio au Concert de Saint-Ovide : Analyse contextuelle et textuelle de la pièce d'Antonio Buero Vallejo". Thesis, Université Laval, 2007. http://www.theses.ulaval.ca/2007/24842/24842.pdf.

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Rocher, Clémence. "Débordements : parcours d'une décennie de théâtre, 2010-2020". Electronic Thesis or Diss., Amiens, 2020. http://www.theses.fr/2020AMIE0022.

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Ce travail a pour projet de nommer et de définir les débordements théâtraux présents sur la scène contemporaine et d'en révéler leurs sens vis-à-vis de la pratique théâtrale, mais aussi de notre société. Qu'ils soient à l'intérieur même de la création ou qu'ils concernent les spectateurs, les débordements de types spatio-temporels, dramaturgiques, idéologiques, interprétatifs, spatiaux ou émotionnels posent la question de la rencontre du vivant avec la fixité des bords théâtraux et notamment du bord de scène. Il s'agit de penser la façon dont les metteurs en scène tels que Vincent Macaigne, Thomas Ostermeier ou Rodrigo García tentent ou parviennent à pratiquer la mise hors scène dans un espace architectural convenu qu'est le théâtre. La traversée croissante de la scène théâtrale par, entre autres, les corps, les matières, les cultures ou les disciplines, réinterroge les définitions et les fonctions du théâtre tout comme la place, la fonction et le rôle du spectateur. Elle modifie aussi le travail du metteur en scène, du dramaturge, du comédien et du technicien. La pluridisciplinarité et l'interdisciplinarité poussent le médium théâtre à s'adapter et à investir de nouveaux espaces de création comme celui de l'entre-deux, jusqu'à perturber la réception spectatorielle. Il s'agit d'étudier les mécanismes qui permettent de "sortir de", que ce soit dans cette volonté de déranger ou de sublimer à travers la pratique de la performance notamment. En quoi ce qui a lieu, que nous nommons débordement, peut-il nous éclairer sur ce que c'est que d'avoir sa place devant ou dans un spectacle ? Et en quoi les esthétiques du débordement théâtral plongent-t-elles les spectateurs dans une expérience émancipatrice ?
This work aims to name and define theatricals overflows present on the contemporary stage. It aims to reveal their meaning with regard to theatrical practice, but also to our society. Whether they are within the creation itself or whether they concern the spectators, the spatio-temporal, dramaturgical, idological, interpretative, spatial, performative of emotional overflows raise the question of the meeting of the living with the fixity of theatricals borders, and in particular the edge of the stage. It is a question of thinking about the way in which directors such as Vincent Macaigne, Thomas Ostermeier or Rodrigo García attempt or succeed in practising off-stage staging in an agreed architectural space that is the Theater. The increasing crossing of the theater stage by, among other things, bodies, materials, cultures or disciplines, reexamines the definitions and functions of theater as well as the place, the function and the role of the spectator, but also changes the work of the director, the playwright, the comedian and the stage manager. Multidisciplinarity and interdisciplinarity force the theatre-medium to adapt and to invest new creative spaces such as the in-between space to the point of disrupting spectator reception. We study the mechanisms that allow us to "get out of", whether it be in this desire to disturb or to sublimate through the practice of the performance art in particular. So, we can wonder us what it is to "having one's place in front of or within a performance" ? And how does the aesthetics of theatrical overflow immerse the spectators in an emancipatory experience ?

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Gascuel, Adèle. "La dynamique du ravissement dans les écritures dramatiques contemporaines". Thesis, Lyon, 2018. http://www.theses.fr/2018LYSE2052.

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À travers l’analyse d’une quinzaine de pièces issues du répertoire contemporain (1991-2017), cette étude vise à penser la dynamique du ravissement à l’œuvre dans les écritures dramatiques pour rendre compte d’un réel catastrophique. Plutôt que déplier des situations par le biais d’outils de distanciation critiques, elles opèrent un mouvement qui suspend le sens des gestes des protagonistes, ravit la possibilité de leur compréhension pour mieux enchanter le réel. L’échappée s’opère par le négatif pour faire surgir l’espoir à partir du désespoir. Ce mouvement paradoxal qui fait de la défaite la brèche par laquelle inquiéter la tyrannie de la réalité peut se penser comme passage d’une situation de sidération à une fascination qui dessine une ligne de fuite vers un point d’utopie. Le ravissement, à partir notamment de la pensée de Maurice Blanchot, Georges Didi-Huberman et Roland Barthes, peut être conçu comme échappée d’un réel insaisissable qui fait de l’ignorance le site d’une réinvention du réel par le poétique. Dans les œuvres de Marguerite Duras et Didier-Georges Gabily, la ravissante opère une suspension de toute herméneutique et de toute résolution dramatique. Dans les œuvres d’Ivana Sajko, Dorothée Zumstein, Claudine Galea et Marie Ndiaye, la fascination implique une mise en crise du sujet fasciné. Dans une deuxième partie est explorée l’échappée du réel à partir du négatif. Les œuvres de Sarah Kane servent d’appui pour penser la tension vers un centre utopique, puis l’étude est étendue à des pièces du répertoire français contemporain, de Samuel Gallet, Magali Mougel, Lancelot Hamelin, Mariette Navarro et Philippe Malone
Through the analysis of about fifteen contemporary plays (1991-2017), this thesis opens a reflexion on the dynamic of rapture in dramatic plays and how it reflects a catastrophic reality. Rather than developing dramatic situations by critical and distancing means, they procede in a movement that suspends the meaning of the gestures of the characters, and rapts the possibility of their comprehension to better enchant reality. Escape is depicted in a negative way to let merge hope from despair. This paradoxal movement transforms defeat into a breach through which the tyranny of reality is troubled, and is raised from a situation of sideration to one of fascination, thus pointing towards utopia. The notion of rapture is based in particular on the works of Maurice Blanchot, Georges Didi-Huberman and Roland Barthes. It can be seen as an escape from an elusive reality that transforms ignorance into the site of a reinvention of reality by poetic means. In the works of Marguerite Duras and Didier-Georges Gabily, the ravishing figure suspends hermeneutics and dramatic resolution. This study is extended to plays by Ivana Sajko, Dorothée Zumstein, Claudine Galea and Marie Ndiaye where fascination implies a situation of crisis for the fascinated subject. The second part is an exploration of how negativity can lead to escaping from reality. Sarah Kane plays are a support to consider the tension towards an utopic centre, and the study is developed to contemporary french plays by Samuel Gallet, Magali Mougel, Lancelot Hamelin, Mariette Navarro and Philippe Malone

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Bouchet, Pauline. ""La fabrique des voix" : l'auteur et le personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000". Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030057.

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Cette thèse de doctorat en études théâtrales propose d’étudier les modèles et pratiques d’écriture du personnage dans les écritures théâtrales québécoises des années 2000, et, à partir de cette analyse à la fois dramaturgique (études de pièces et définition d’une typologie des personnages) et génétique (entrée dans la fabrique de plusieurs auteurs pour comprendre comment ils créent leurs personnages), de définir la ou les figures de l’auteur dramatique dans ce contexte de création. La dramaturgie québécoise présente des survivances du personnage, quand d’autres ne cessent de le remettre en question. Mais loin de perpétuer un réalisme psychologique américain, les auteurs québécois des années 2000 mettent en scène des êtres profondément déterritorialisés dont la profondeur psychologique disparaît au profit d’une profondeur intertextuelle ou métathéâtrale. Ces personnages-créatures invitent à entrer dans la fabrique des auteurs pour interroger le partage des voix qu’ils opèrent afin de détourner un réalisme encore majoritaire dans les dramaturgies d’Amérique du Nord. À partir des pôles d’écriture du personnage que sont la langue, le corps, l’intertexte et la scène, la thèse analyse les pratiques d’écriture de plusieurs auteurs issus de générations et de formations différentes : Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Étienne Lepage et Larry Tremblay. Ces auteurs, qui doivent négocier sans cesse avec une altérité, qu’elle soit réelle (le contexte de production québécois invite les auteurs à échanger avec les autres actants du processus théâtral) ou fictive (les auteurs sont profondément habités par des autres qui parlent à travers eux), se trouvent démultipliés dans le processus d’écriture. Il semble alors que, face à cette démultiplication et à la difficulté de plus en plus grande pour l’auteur de faire entendre sa voix, les auteurs québécois choisissent le chemin de l’autopoïétique et exploitent dans leurs dernières créations leur moi d’auteur comme un matériau et comme un hyperpersonnage surplombant la fiction. C’est alors une voix de l’écriture unifiée, toujours aux limites de l’autofiction et de l’autobiographie, qui habite des dramaturgies qui ne seraient plus capables de faire advenir l’autre, un personnage entièrement détaché de la voix de son créateur
The purpose of this doctoral thesis in drama studies is to investigate the models and practices in character writing in Quebecois drama in the years 2000, and from this investigation, which will have both a theatrical approach – through the study of plays and the elaboration of a typology of characters – and genetic – by entering into the authors’ factory to understand how they create their characters –, to identify the figure(s) of the playwright in this creative context. In Quebecois playwriting, characters still survive, while they are constantly questioned in other writing contexts. However, far from perpetuating realism as it prevails in American character writing, Quebecois authors in the years 2000 create deeply deterritorialized characters whose psychological depth disappears to make room for intertextual and metatheatrical profoundness. These creature-characters invite us into the authors’ factory to examine the sharing of voices they perform so as to circumvent North American drama’s still dominant realism. The four poles of character writing – language, body, intertext and stage – will then allow us to analyze the writing practices of several authors who belong to different generations and followed different trainings: Normand Chaurette, Daniel Danis, François Godin, Etienne Lepage and Larry Tremblay. These authors, who constantly have to deal with an otherness whether it is real – the production contexts in Quebec lead authors to interact with the other actors of drama’s creative process – or fictional – authors are deeply inhabited by others who speak through them –, find themselves demultiplied inside the writing process. It then seems that, when facing this demultiplication and the growing difficulty to make their voice heard, authors in Quebec are chosing the path of autopoiesis and using their “I” as authors in their latest creations as a material and as a supercharacter which dominates fiction. The act of writing then acquires a unified voice, constantly on the fringe of autofiction and autobiography, which inhabits plays that would may no longer be able to bring forth the other, a character which would be entirely separated from its creator’s voice

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Donat, Ana Maria. "Pour une édition critique de Las Meninas par Antonio Buero Vallejo". Doctoral thesis, Université Laval, 2005. http://hdl.handle.net/20.500.11794/19636.

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Uhiara, Rafaella. "Le métathéâtre contemporain : la quête paradoxale d’une société perdue". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA011.

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Cette thèse s’intéresse à un mode de réflexivité spécifique qui se dessine chez certains artistes contemporains comme Jérôme Bel, Philippe Quesne, Grand Magasin, entre autres. L’interrogation sur le théâtre – sa nature, son fonctionnement, sa nécessité et sa pertinence au sein de la société –, s’accompagne d’un souci de rapprochement avec le public, observable dans la forme des spectacles : effort de clarté, explicitation des règles du jeu, réserves par rapport au savoir-faire théâtral, mélange de références cultivées et de références populaires. Pourquoi ces productions subventionnées, jouissant de prestige et de reconnaissance au sein des institutions publiques, prennent-elles comme objet le dispositif théâtral lui-même ? Et pourquoi le font-elles de cette manière ? Le métathéâtre du début du XXe siècle, qui présentait des thèmes et structures similaires, réagissait au risque d’obsolescence de la scène, de sa faillite économique et plus encore de la perte de sa validité au sein du monde industrialisé. Notre hypothèse est que le métathéâtre contemporain repose sur un rapport ambivalent avec la représentation théâtrale : entre fascination pour son fonctionnement en tant que structure et scepticisme à l’égard de sa puissance référentielle, d’où résulte un jeu pour le jeu qui ne peut pas se permettre de se prendre au sérieux. D’autres ambiguïtés concernent le rapport au patrimoine culturel occidental, le rapport à l’altérité (sociale, esthétique) et l’inscription dans le système institutionnel. Autant de traits que l’on retrouve hors du monde artistique. Parce qu’il nous donne à voir les représentations mentales qu’ont aujourd’hui du théâtre des artistes qui occupent un rôle important dans le paysage théâtral, le métathéâtre nous est apparu comme une forme privilégiée pour cette observation
This dissertation addresses a specific mode of reflexivity that appears in the work of certain contemporary artists, such as Jérôme Bel, Philippe Quesne and Grand Magasin. The examination of the theatre — its nature, its function, its necessity and its pertinence within society — is accompanied by a particular concern for getting closer to the audience. This is observable in the form of these artists’ performances, expressed in how the performances give attention to clarity, explain the rules of the game, relate hesitations concerning theatrical savoir-faire, and mix learned and popular references. Why do these subsidised productions, largely praised and recognized within public institutions, take the theatrical apparatus itself as their subject? And what is behind their choice of approaches? The metatheatre of the beginning of the 20th century, which presented similar themes and structures, responded to the risks of the obsolescence of the stage, of its economic collapse, and of its loss of legitimacy within the industrialised world. My hypothesis is that the contemporary metatheatre of the 21st century is based on an ambivalent relation to theatrical performance: between fascination for its functioning as a structure and scepticism with regard to its referential power. This results in a play made for its own sake which refuses to allow itself to be taken seriously. Other ambiguities concern the relation to Western cultural heritage, the relation to otherness (social, aesthetic) and the forms of integration within institutional systems -- traits found just as easily outside the artistic world. Because it reveals how artists occupying an important role in the theatrical landscape view theatre itself, this study considers metatheatre a privileged form of observation

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Schaaf, Jeanne. "Lieux et non-lieux du théâtre écossais : constellations identitaires à l’ère postnationale". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL061.

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En tant qu’espace public, la scène théâtrale est le lieu de la construction et de la déconstruction de représentations de la nation, dans un dialogue incessant entre art et politique. En Écosse, la tension qui fragilise l’idée même de nation est exacerbée par le contexte géopolitique récent (référendum de dévolution en 1979, 1997 et référendum d’indépendance en 2014, puis Brexit en 2016). Miroir de cette instabilité, la scène écossaise réinvente ainsi son rapport à l’espace national en jouant sur les représentations spatiales et communautaires à différentes échelles, du local au global. Espaces et lieux, constamment problématisés, se changent en objets de représentations qui interrogent les multiples façons de faire, de montrer et de voir le théâtre. Ainsi, dans sa pratique comme dans son idéologie, le National Theatre of Scotland (NTS 2006) réinvente la nation : théâtre national sans espace physique de représentation, sans scène nationale, le NTS investit tous types d’espaces réels ou virtuels, qui donnent à repenser la présence et l’absence du corps en scène et font advenir de nouvelles communautés de « spect-acteurs » hors-frontières. Ce théâtre sans murs est métonymique de cette ouverture radicale du théâtre écossais, qui fait place à une représentation identitaire postnationale et horizontale. La scène écossaise offre donc un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement d’une pensée de la nation et des formes dramatiques contemporaines qui en émanent
As a public space, the theatrical stage is where representations of the nation are constructed and deconstructed, in an unceasing dialogue between art and politics. In Scotland, the tension that destabilizes the very idea of nationhood is exacerbated by the recent geo-political context (the referenda on devolution in 1979, 1997, the referendum on independence in 2014, and Brexit in 2016). Reflecting this instability, the Scottish stage similarly reinvents its relationship to the national space by playing with the very scales of space and community, from the local to the global. Space and place, constantly challenged on the stage, become objects of representation that question the multiple ways of doing, showing, and seeing theatre. Both in its projects and its ideology, the National Theatre of Scotland (NTS 2006) seeks to reinvent the nation. As a building-less national theatre, the NTS reinvests all types of spaces, be they real or virtual, asking us to rethink the presence and absence of the body on stage, and fostering new transnational communities of “spect-actors”. This theatre without walls is a metonymy for the radical opening up of Scottish theatre itself, which invites postnational and horizontal representations of identity. The Scottish stage thus presents us with a productive paradigm to explore new understandings of the nation and the contemporary dramatic forms it fosters

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Akaïchi, Mourida. "Quête et théâtralité à travers les romans de Mohammed Dib et Gassan Kanafani". Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/akaichi_m_notice.

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Les oeuvres romanesques de Mohammed Dib et de Gassan Kanafani véhiculent différentes quêtes qui ont pour objet, l'espace, l'identité, l'affranchissement. . . Pour aboutir au sens. Cette quête multiple va de pair avec une théâtralité qui incarne le côté représentatif et dramaturgique du système romanesque. Notre étude essaie de montrer comment ces thèmes se manifestent dans les deux écritures, et de mettre en évidence les modalités d'une telle rencontre
The works of Mohammed Dib and Gassan kanafani employ different kinds of artistic search as to objects, space, identity, emancipation. . . To translate the sense. This multiple search goes in line with theatrality which embodies representative and dramaturgical aspects of the novels. This study is an attempt to show how these appear and meet in the two writers' works

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Nagata, Michihiro. "L' improbable théâtre de Raymond Roussel : étude de l'adaptation théâtrale d'Impressions d'Afrique". Le Mans, 2007. http://cyberdoc.univ-lemans.fr/theses/2007/2007LEMA3003.pdf.

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L'objectif de notre étude consiste à élucider les enjeux de la dramaturgie de Raymond Roussel qui adapte son roman Impressions d'Afrique pour la scène. Contrairement aux préjugés selon lesquels l'auteur, amateur de théâtre, a cédé à la facilité afin d'assouvir son désir de gloire, nous tentons de montrer ici que cette dramatisation est le résultat d'une intention délibérée d'innovation théâtrale. Pour cela, nous avons d'abord comparé le roman original et la dactylographie découverte en 1989 de la version scénique, pour confronter ensuite celle-ci à la scéne représentée reconstruite à partir de chroniques théâtrales de l'époque. L'examen de l'ensemble du processus de la dramatisation met en lumière une tentative synthétisant deux préoccupations différentes, voire même contradictoires, qui caractérisent ces deux étapes: narrativité et spectacle. On aurait tort d'insister sur l'incompatibilité de ces deux dimensions dans la mesure où ce sont les techniques scénographiques, au raffinement limité, qui permettent d'expliquer certaines insuffisances de la représentation d'Impressions d'Afrique. Roussel impose, là, la mise en question de la limite de la représentation théâtrale même, en cherchant le moyen d'anéantir l'écart entre un « théâtre vu» et un « théâtre raconté»
This study tries to elucidate what is at stake, from a dramatical point of view, in the adaptation by Roussel of his own work, Impressions d'Afrique. Contrary to the prejudices according to which the author, an amateur of theater, allowed his craving for fame to lead him into less demanding creative work, our dissertation tries to show that Roussel's adaptation of his novel is the result of a deliberate attempt at theatrical innovation. To achieve this, we first compared the original novel with the typed manuscript of the scenic version discovered in 1989. We then compared this manuscript with the represented play, as reconstructed from theatrical reviews published at that time. A careful analysis of the overall dramatization process reveals an endeavor to synthesize two very different, if not contradictory, preoccupations characterizing those two phases : narrativity and spectacular visual effects. Emphasizing the incompatibility of those two dimensions would clearly be beside the point, insofar as the relative lack of sophistication of scenographic techniques at the time can be held responsible for some of the inadequacies of the representation of Impressions d'Afrique. Roussel, by endeavoring to overcome the discrepancy between a « theatre for the eyes » and « a narrated theatre », forces us to question the limits of theatrical representation itself

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Boula, de Mareuil Marie-Isabelle. "Le Jeu avec le passé dans le drame contemporain : Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce, Philippe Minyana". Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030066.

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Les dramaturgies contemporaines répondent à l’exigence d’une écriture du temps au théâtre en renouvelant notamment leur forme, leur langue et leur adresse. Le drame n’est plus « action » au présent. Il devient l’expression d’un retour, celui du passé. Le jeu avec le passé est le va-et-vient sans fin et toujours renouvelé du passé vers le drame et du drame vers le passé. Cette étude se concentre sur neuf pièces écrites entre 1980 et 2000 par trois dramaturges français, Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce et Philippe Minyana. Dans ces écritures, le passé revendique sa place [et la prend] dans l’actualité de la représentation. En investissant toute la structure du drame, il bouleverse l’organisation du discours, la représentation de l’espace et la possibilité de l’action. Cette revendication s’effectue également à la faveur du retour des morts et sur la mort. Tandis que la catastrophe a déjà eu lieu, le désastre continue d’abîmer et déconstruire la fable. Joués par le passé, le drame et ses protagonistes témoignent d’un héritage « sans testament ». Privé d’identité, le personnage accepte ou subit le jeu sans pour autant parvenir toujours à en proposer une interprétation
Contemporary theatre answers the requirement of a theater writing of the time by renewing in particular its form, its language and its addressee. Drama is no longer an “action” taking place in the present. It becomes the expression of a return, that of the past. Playing with the past corresponds to endless comings and goings from the past to drama and from drama to the past. This study focuses on nine plays written between 1980 and 2000 by three French dramatists, Patrick Kermann, Jean-Luc Lagarce and Philippe Minyana. In these writings, the past claims its place [and takes it] in the performance actuality. By investing the whole drama structure, it disrupts the organization of speech, the representation of space and the possibility of action. This claiming also proceeds from the return of the dead and to death. Whereas catastrophe already took place, disaster keeps on damaging and deconstructing the fable. Played by the past, drama and its protagonists testify an inheritance left “by no testament”. Deprived of identity, the character accepts or suffers the way he is played, without necessarily and systematically managing to offer an interpretation

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Hamidi, Kim Bérénice. "Les Cités du théâtre politique en France de 1989 à 2007. Archéologie et avatars d'une notion idéologique, esthétique et institutionnelle plurielle". Phd thesis, Université Lumière - Lyon II, 2007. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00602438.

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L'enjeu du présent travail consiste à saisir les différentes significations que peut prendre, sur la période 1989-2007, l'expression " théâtre politique ", aussi omniprésente dans la pratique et dans le discours des différents acteurs du théâtre - artistes, directeurs de théâtre, programmateurs, pouvoirs publics - que polysémique. Refusant une approche normative et téléologique, fondée sur un principe de dépassement chrono-logique d'une définition par une autre, et parce qu'il nous paraissait que coexistait sur cette période une pluralité mais non une infinité de significations à l'expression " théâtre politique ", nous avons adapté à la sphère théâtrale un concept emprunté au champ de la sociologie, et plus précisément aux travaux de Luc Boltanski et Laurent Thévenot : le concept de " cité ". Nous avons défini chaque " cité du théâtre politique " comme un discours théâtral cohérent, le terme discours recouvrant aussi bien les spectacles que les propos publics tenus par les artistes, par les pouvoirs publics et par la critique. Dans chaque cité, ce discours se fonde sur une vision du monde - induite par une conception spécifique de l'histoire et du politique - qui détermine une légitimation du théâtre et de l'artiste au sein du champ théâtral et au sein de la société. Nous avons distingué quatre cités du théâtre politique qui nous paraissaient actives sur cette période, quoiqu'à des degrés d'existence et de reconnaissance variables : la cité du théâtre postpolitique, la cité du théâtre politique œcuménique, la cité de refondation de la communauté théâtrale et politique et la cité du théâtre de lutte politique.

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Cherni, Anouar. "L'impossible émergence du théâtre tunisien (1960-2008)". Thesis, Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100047.

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Malgré toutes ses performances et sa percé dans des conditions plutôt critique, le théâtre tunisien reste à la merci du pouvoir. Les rapports entre l‟État et la culture ont toujours été difficiles. Dans un climat de suspicion mutuelle, chacune des deux parties cherche à avoir la confiance de l‟autre pour mieux l‟utiliser dans son propre projet. Le théâtre tunisien vit au sein d‟une société influencée quotidiennement par la modernité, et se voit contrainte de modifier ses références culturelles. Ces phénomènes bouleversent son mode de fonctionnement. Néanmoins, le théâtre reste un moyen d‟expression efficace, capable non seulement de toucher et de sensibiliser les masses aux problèmes réels de la société, mais aussi de réfléchir la situation des Tunisiens et à leur devenir. La question est de savoir si la Tunisie a su rassembler, en termes de réglementation, de formation et de moyens financiers, les conditions susceptibles de permettre la réalisation de ce programme et de donner aux hommes de théâtre une plate-forme solide à partir de laquelle ils pourraient développer une expression profonde et originale
Despite of all his performances and his breakthrough under rather critical conditions, the Tunisian theatre remains in the hand of the government. The relationship between the State and the culture was always difficult. In a climate of mutual suspicion, each of the two parts try to have the confidence of the other for better using it in his own projects. The Tunisian theatre lives in a society which ist daily influenced by the modernity and must modify his cultural references. These phenomena disturb his way of working. Netherless, the theatre remains an effective means of expression, not only to affect the masses and to heighten public awareness of the problems of the society, but also to refflect the situation and the evolution of tunisian people. The question ist wether Tunisia could offer the conditions in terms of regulations, éducation, means and subsidies to make possible the realization of this programm and give to the men of theatre a solid platforme for a profound and original expression

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Tsikoura, Charitini. "Antigone et Médée dans la danse : perspectives genrées : France, Grèce, Royaume-Uni, 1993-2015". Thesis, Paris 10, 2020. http://faraway.parisnanterre.fr/login?url=http://bdr.parisnanterre.fr/theses/intranet/2020/2020PA100039/2020PA100039.pdf.

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L’objectif de cette thèse est d’étudier sous le prisme du genre le profil de deux héroïnes antiques archétypales, Antigone et Médée, en prenant appui sur un corpus de douze spectacles comportant une partition chorégraphique (ou entièrement chorégraphiés), présentés entre 1993 et 2015 en France, en Grèce et/ou au Royaume-Uni.La mise en lumière des éléments genrés en rapport (sans se limiter) avec le profil des héroïnes emblématiques dans chaque production, révèle que le genre n’étudie pas uniquement les stéréotypes et les discriminations à l’égard des femmes confirmant que la femme n’est pas la seule concernée par les inégalités genrées car le sexe biologique est seulement un des paramètres provoquant ces inégalités. Un cheminement temporel expose les autres paramètres pris en compte permettant de suivre les traces de l’évolution du concept de genre et à comprendre comment les créateurs intègrent ou reflètent les changements dans leur travail. Les axes majeurs de recherche à savoir sexe, classe sociale, et ethnicité, ne sont pas mutuellement exclusifs : au contraire ils s’entrecroisent, s’imbriquent et s’articulent devenant indissociables et dévoilant ainsi la dimension intersectionnelle du genre. L’association intersectionnalité-genre permet d’examiner les identités de manière non segmentée : en choisissant la danse comme matériau de support, en puisant les exemples dans la tragédie antique et en prenant appui sur les identités complexes d’Antigone et de Médée les entendant dans une perspective multidimensionnelle qui envisage/explore leur dynamique.Par conséquent, l’examen des productions chorégraphiques – en France, en Grèce et au Royaume-Uni – illustre l’imbrication des rapports de genre aux autres rapports de pouvoir (et vice versa) soulignant les changements qui s’opèrent d’une part sur les partitions chorégraphiques et, d’autre part, dans la mise en scène des héroïnes atypiques, en l’occurrence, Antigone et Médée. L’accent est mis sur le respect de leurs identités singulières composées de parcelles identitaires plurielles suggérant, par extension, une nouvelle « définition » de l’individu
The aim of this thesis is to study the profile of two archetypal ancient heroines, Antigone and Medea, under a gender perspective, based on a corpus of twelve performances including a choreographic score (or entirely choreographed), presented between 1993 and 2015 in France, Greece and/or the United Kingdom.Evaluating the gender features related (without being limited) to the profile of those emblematic heroines in each production revealed that gender does not only study stereotypes and discriminations against women and confirmed that they are not the only ones affected by gender inequalities since biological sex is only one of the parameters causing these inequalities. A chronological path uncovers the other parameters taken into account in gender research thus allowing to follow the traces of its evolution and to understand how creators (choreographers and stage directors) illustrate the changes that occur and how these changes are reflected in their work. The major axes of research, namely sex, social class and ethnicity are not mutually exclusive; on the contrary they intertwine, overlap and articulate becoming intrinsic to each other (inseparable) therefore suggesting intersectionality within gender. Associating the notion of intersectionality to gender enables the study of identities in a non-segmented way. By choosing dance as a support material, by drawing examples from ancient tragedy and by taking under consideration the complexity of Antigone and Medea’s personalities/identities whilst understanding their multidimensionality to further explore their dynamics.Consequently, the analysis of dance performances - in France, Greece and the United Kingdom - illustrates the intertwinement of gender relations with other power relations (and vice versa) and underlines the changes that occur in the choreography per se on one hand and in the staging of emblematic figures such as Antigone and Medea on the other. Emphasis is placed on promoting their singularity and respecting their composite personality combining identity fragments alluding by extension to a new "definition" of the individual

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Ro, Young-Ran. "Le théâtre baroque de Julien Gracq". Paris 3, 2000. http://www.theses.fr/2000PA030079.

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Nous considerons le baroque, a l'instar d'eugenio d'ors, comme une constante de l'esprit ; un style artistique, une maniere d'imaginaire et de sensibilite, une facon de vivre et de voir le monde. Le baroque est une esthetique expressive et theatrale dont les composantes principales sont le mouvement, la metamorphose, la fluidite et le renversement. Le <> du baroque est une particularite de cet art qui s'exprime par le theatre et qui exprime tout en terme de theatre. Notre etude a pour but d'analyser les grandes thematiques baroques, les procedes caracteristiques de l'art baroque, qu'emploie julien gracq pour produire l'effet theatral dans ses oeuvres romanesques et ses recits non-fictionels. Afin d'aborder cet objet, nous procedons en six etapes consacrees a l'etudede la scenographie baroque : la premiere est constituee par une analyse de la mise en scene gracquienne des lieux dans ses oeuvres romanesques, une dramaturgie composee par l'union des contraires et le jeu de mouvement et de deplacement. Dans la deuxieme, notre interet porte sur la diversite de la mobilite dans l'espace-temps. La troisieme est sur le decor orchestre par la thematique baroque de l'inconstance, de la fluidite et de la precarite. L'eclairage et le son seront etudies dans la quatrieme, et ensuite l'analyse du jeu d'acteur. La derniere est sur la mise en scene baroque de la memoire dans ses recits de voyages et de souvenirs.

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Gersin, Malincha. "La Vie théâtrale lyonnaise d'un Empire à l'autre : Grand-Théâtre et Célestins, le temps du Privilège (1811-1864)". Lyon 2, 2007. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2007/gersin_m.

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Entre 1806 et 1864, le régime du privilège imposé par Napoléon Ier servit de cadre à la vie théâtrale lyonnaise. Sa mise en place se traduisit par la réunion du Grand-Théâtre et du Théâtre des Célestins sous une direction unique engagée et surveillée par les autorités locales. . En trois actes, cette recherche a pour but de comprendre le poids du privilège théâtral lyonnais, de saisir les rythmes de la vie théâtrale et d’entrevoir la sociabilité des spectateurs des deux théâtres. Tout au long de la période du privilège, les autorités locales tentèrent de faire appliquer le régime du privilège, imposé par l’Etat, à vingt-neuf directions instables qui s’achevaient fréquemment par une faillite. Néanmoins, la première mission des entrepreneurs de spectacles, désormais employés de la municipalité, étaient de veiller à ce que, chaque soir, les théâtres ouvrent leurs portes, afin que les comédiens interprètent les pièces du répertoire devant une salle éparse et hétérogène. Les détenteurs de billets estimaient posséder un droit de regard sur l’engagement des artistes. Les semaines suivant l’ouverture de l’année, le public usait et abusait de ce « droit » sous la surveillance étroite de la police des spectacles. Toutes ces composantes, autorités, directions et spectateurs, participaient à la vie théâtrale lyonnaise de la première moitié du XIXe siècle. Comme dans beaucoup de villes de province, l’histoire de la vie théâtrale lyonnaise a été négligée. Mais la capitale des Gaules en possédait bien une, qui mérite, autant que les autres, de retrouver sa place dans l’histoire culturelle nationale
Between 1806 and 1864, the preferential regime for theatre set up by Napoleon I created a framework for theatrical life in Lyons. Its implementation saw the Grand-Théâtre and the Théâtre des Célestins come together under one management, run and supervised by the local authorities. In three acts, this research aims to understand the impact of the preferential regime in Lyons, to appreciate the rhythm of theatrical life and the social exchange between the spectators of the two theatres. Throughout the period of preferential treatment, the local authorities tried to apply the rules of the « preferential regime”, imposed by the State, to 29 unstable theatrical companies which often ended in bankruptcy. Nonetheless, the main goal of theatrical entrepreneurs, now employed by the local authorities, was to make sure that every evening the theatres were open, and that the actors could perform the plays in the repertoire in front of an often scant and mixed audience. The ticket holders felt they had a right of opinion concerning the commitment of the actors. The weeks following the annual opening, the public used and abused this « right » under the strict surveillance of the theatrical police. All these groups, authorities, theatre managers, and spectators made up the theatrical life in Lyons during the first half of the 19th century. As in many provincial towns, the history of Lyons theatre life has been neglected. However, the Capital of Gaul had indeed a theatrical life, which deserves its place, as much as any other, in the cultural history of the nation

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Mele, Flora. "L'atelier dramatique de Charles-Simon Favart d'après ses manuscrits". Paris 4, 2008. http://www.theses.fr/2008PA040070.

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"Charles-Simon Favart fut un représentant de l'histoire des théâtres parisiens au XVIIIe siècle et, en particulier, de la Foire et de la Comédie-Italienne. À la fin de son "premier essai de jeunesse", il nota ces mots : "bon à jeter au feu". Cette affirmation fut répétée plusieurs fois dans d'autres manuscrits ; était-elle symptomatique du peu d'importance que l'auteur attachait au texte écrit, ou bien, cachait-elle autre chose? C'est la question que nous nous posions au début de notre recherche et du dépouillement des archives manuscrites de la famille Favart. Notre recherche a permis de mettre en lumière que Favart considéra l'écriture théâtrale comme un travail de « recyclage » et de remaniement de son répertoire. Il ne jeta pas ses manuscrits au feu, au contraire, il les conserva pour les réutiliser, et ceux-ci constituèrent la matière première de son travail comme un "bon magasin de choses faites". Pour l'auteur, la pièce était comme un métier à tisser permanent dont la base était savamment conservée. Il s'agissait d'une technique se rapprochant du pastiche, dans l'acception d'une imitation volontaire, menant à la variation sur thème. Les manuscrits de Favart demeurent un instrument essentiel à la compréhension de l'esthétique de l'auteur et de l'évolution de la dramaturgie française au XVIIIe siècle, ainsi qu'une source d'information sur les Foires, la Comédie-Italienne et les théâtres de société. "
Charles-Simon Favart was a representative of the history of Parisian theaters in the eighteenth century and in particular of the Foire and the Comédie-Italienne. At the end of his "premier essai de jeunesse", he noted these words: "bon à jeter au feu". This statement was repeated several times in other manuscripts; was it symptomatic of the little importance that the author attached to the written text or, did it hide something else? That is the question we ourselves asked at the beginning of our research and in the examination of the handwritten archives of the Favart family. Our research has revealed that Favart considered theatrical writing as a work of “recycling” and reshuffle of his repertoire. It does not cast his manuscripts to the fire, on the contrary, he kept for reuse and they formed the raw material for his work as a "bon magasin de choses faites". For the author, the play was like a weaving permanent whose base was cleverly retained. It was a technique that is close pastiche, in its imitation of a voluntary, leading to the change of theme. Favart manuscripts remain an essential tool in understanding the artistic inspiration of the author and the evolution of French drama in the eighteenth century, as well as a source of information on Foires, Comédie-Italienne and théâtres de société

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Gouarné, Esther. "Théâtre performantiel : immersion et distance dans le théâtre néerlandophone (Flandre et Pays-Bas, 2004-2014)". Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100080.

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L'imbrication de la théâtralité et des paradigmes issus du performance art est inscrite au coeur du théâtrepostdramatique, défini par Hans-Thies Lehmann, et elle fut également placée au coeur de ce qui fut nommé la« vague flamande » des années 1980. C'est de ce mécanisme que rend compte le terme de théâtreperformantiel, choisi par contraste avec le performatif austinien. En assimilant l'idéal des avant-gardeshistoriques d'une fusion art-vie, fondée sur l'action réelle en temps réel, la théâtralité se trouve à la foisdébordée et révélée dans son essence, comme un processus en cours, qui prévoit la réception d'un regardactif et complice et se donne à vivre comme un événement. La théâtralité performantielle, fondée sur lemontage et le recyclage, oscille entre deux pôles : celui de l'immersion, du choc voire du rêve d'un art total,d'une part, et celui de la mise à distance méta-théâtrale et auto-référentielle, d'autre part. Au centre de cettetension, l'image scénique oppose une résistance au flux des visibilités du monde. C'est ce que révèle uneimmersion au coeur des processus créatifs de trois troupes fondées au début des années 2000 : AbattoirFermé, le Warme Winkel et Wunderbaum. La participation observante éclaire en profondeur les enjeuxesthétiques et idéologiques de cette rencontre entre théâtre et performance. Elle révèle aussi la validité etl'actualité d'une interrogation sur les idéaux de l'avant-garde, dans le contexte d'une crise et d'undurcissement politique et économique auxquels sont confrontés ces artistes, après une période de prospéritéet d'institutionnalisation des pratiques expérimentales
In postdramatic theatre, as theorized by Hans-Thies Lehmann, theatricality, processuality andperformance art have merged. This overlapping was precisely at the heart of the so-called Flemish Wave, inthe 1980s. That generation drew links between the avant-garde's ideals and methods, and today's youngartists. The blurring of art and life overflows theatrical stages and frames, but thereby reveals the veryessence of theatricality : what is showed on those contemporary stages is the emergence of a process, animage in construction, a work-still-in-progress...This is what coins down the expression « théâtreperformantiel » (« performantial theatre » versus performativity). Frictions between representation, illusionand performativity provoke a constant oscillation between meta-theatrical distance, self-referentiality, shockand sensationnal immersion. It even flirts with the dream of total art. These works also rely on an activespectator's gaze. In the midst of these contradictions, stage images oppose a resistance to the visual flows ofthis world. These movements are explored through a field analysis and a close-up on the creative processesof three Flemish and Dutch groups created around 2000 : Abattoir Fermé, the Warme Winkel andWunderbaum. Participative observation offers deeper insight into the aesthetic and ideological issues at stakeat the heart of this encounter between theatre and performance. It also reveals the currency and the validity ofquestioning the avant-garde's ideals given the context of an economic crisis and political tightening

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Fernandez, Laure. "Cadre et écarts : un théâtre hors du théâtre (de la théâtralité dans les arts visuels) : 1960-2010". Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030136.

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La théâtralité, idée apparue avec les avant-gardes théâtrales au début du XXe siècle puis théorisée dans les années 1960, connaît un net regain d'intérêt chez nombre d'artistes contemporains : si la notion naît chez les praticiens et théoriciens du théâtre pour distinguer celui-ci de la littérature ou du cinéma et le fonder comme un art autonome, c'est dans le champ des arts visuels que sa vitalité est aujourd'hui la plus remarquable, qu'elle soit utilisée comme une référence positive au théâtre ou dans une optique "théâtrophobique". Thématiques ou structurels, ces emprunts montrent que la théâtralité ne peut plus être pensée à l'intérieur du strict champ du théâtre comme elle l'était à ses origines. Traçant tant un historique des emplois de la notion chez les théoriciens et critiques qu'un panorama de ses manifestations dans des créations actuelles, le présent travail entend examiner la façon dont une partie de l'art contemporain, c'est-à-dire des pratiques non théâtrales au sens strict, est devenue une autre scène pour le théâtre - comme si les artistes trouvaient en ce "non-art" archaïque et tout à fait particulier un paradigme ou un anti-paradigme permettant de repenser à la fois leur propre médium, les modes de représentation et la place du spectateur. Nous souhaiterions aller ainsi à l'encontre des discours proclamant la fin des spécificités artistiques et la mort (incessante) du théâtre en montrant la pérennité manifeste de celui-ci dans d'autres champs, non pas nécessairement en tant que forme pure mais parce qu'il fournit un schème solide - cette théâtralité, aussi labile qu'essentielle, qui fonderait aujourd'hui, par un intéressant jeu de va-et-vient entre les pratiques qui l'engagent, un axe fort pour penser la contemporanéité du théâtre
The idea of theatricality appeared in the context of avant-garde theater at the beginning of the XXth century, was theorised in the 1960s, and has recently been a subject of renewed interest for numerous contemporary artists. The notion was originally created by theater practitioners and theorists to distinguish it as an autonomous art form, different from literature or film. Currently, it is in the field of visual art that theatricality is most vital, explored either as a positive reference to theater or a more negative "theatrophobic" stance. These allusions, whether thematic or structural, illustrate that theatricality can no longer be strictly confined to the field of theater. Taking into account the notion's historical applications and elaborating a panorama of its manifestations, this study examines how several non-theatrical contemporary art practices have become another stage for the theater. It is as if certain artists found in this archaic and unique "non-art" a paradigm or an anti-paradigm, stimulating new approaches vis à vis their own mediums, representational modalities and the spectator's position. This study challenges discourses that ignore each art's defining characteristics and that claim the (incessant) death of theater by illustrating the continual appearance of the later in other artistic domains. Pure theatrical form is not necessarily questioned in these works; however, theater provides a solid model. This "famous" theatricality is as mutational as it is fundamental and establishes - through an interesting play between the different practices that engage it - a key field for reflecting the contemporaneity of theater

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Bel, Agathe. "La poétique de la truculence dans les théâtres contemporains des diasporas afro-descendantes en France, au Brésil et aux Etats-Unis : Koffi Kwahulé, Marcio Meirelles, Suzan-Lori Parks". Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030135.

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Les théâtres afro-descendants contemporains de France, du Brésil et des États-Unis partagent des enjeux esthétiques qui participent d'une poétique commune : la truculence. Les dramaturgies de Koffi Kwahulé, de Suzan-Lori Parks et de Marcio Meirelles (Bando de Teatro Olodum) permettent tout particulièrement de poser les jalons esthétiques et philosophiques de cette poétique contemporaine des corps. La traversée, l'excès (esthétique de la subversion : grotesque, carnavalesque), le salut (philosophie du marronnage) et le bouillonnement (la vibration-jazz qui en résulte), les quatre sèmes qui définissent la truculence, structurent cette poétique qui met en jeu les relations humaines et les mécanismes de domination en interrogeant profondément les violences associées au corps diasporique et contemporain. La poétique de la truculence représente une nouvelle catégorie esthétique de l'altérité se faisant opérateur anthropologique de la conscience diasporique à l'oeuvre
Contemporary afro-descendant theater plays in France, Brazil and in the US all share the same aesthetic stakes which are part of a common poetics: the truculence. The plays by Koffi Kwahulé, Suzan-Lori Parks and Marcio Meirelles (Bando de Teatro Olodum) make it possible to set the aesthetic and philosophical milestones of this poetics of the contemporary bodies. The crossing, the excess (aesthetic of subversion: grotesque, carnival), the salvation (philosophy of the marronnage) and the boilover (with the jazz-vibration which derives thereof), these four semes which define the truculence, give its shape to this poetics. So as to give way to human relationships and domination mechanisms while deeply questioning the violence associated with the contemporary and diasporic body. The poetics of truculence stands as a new aesthetic category of otherness, set as an anthropological operator of the diasporic consciousness at work
Os teatros afro-descendentes contemporâneos da França, do Brasil e dos Estados Unidos possuem implicações estéticas que participam de uma poética comum : a truculência. As dramaturgias de Koffi Kwahulé, de Suzan-Lori Parks et de Marcio Meirelles (Bando de Teatro Olodum) permitem, em particular, ancorar as bases estéticas e filosóficas desta poética contemporânea do corpo. A travessia, o excesso (estética da subversão : grotesco, carnavalesco), a salavação (filosofia do marronnage) e a efervescência (a vibração-jazz resultante), os quatro semas que definem a truculência, estruturam esta poética que põe em xeque as relações humanas e os mecanismos de dominação, interrogando profundamente as violências associadas ao corpo diaspórico e contemporâneo. A poética da truculência representa uma nova categoria de alteridade, ao se constituir enquanto operador antropológico da consciência diaspórica em obra

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Osenda, Natacha Veronica. "Formas de colaboración artística y reinterpretaciones de la última dictadura militar en Argentina : Teatro Abierto (1981-1985) y Teatroxlaidentidad (2001-2005) en las disputas por reconfigurar el imaginario de nación". Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0009.

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J'étudie comment les souvenirs et les oublis sont produits dans la société argentine en me penchant sur l'efficacité relative des mises en scène théâtrales produites par deux groupes, Teatro Abierto au début de années 1980, et Teatroxlaidentidad au début du vingt-et-unième siècle, qui avaient en commun la constitution d'une action collective qui représente le gouvernement militaire (1976-1983) comme responsable du démantèlement de ce que l'état réinventa dans un autre temps, a savoir la nation. La recherche est basée sur l'étude de l'intentionnalité des objets culturels que les artistes produisent selon leurs intérêts et objectifs, leur position en tant qu'intellectuels, leurs évaluations, catégorisations et jugements, qui contraignent et influencent les objets culturels (d'un côté, les liens nationaux d'appartenance, qui ont toujours été un point de dispute constant en Argentine, et d'un autre côté, certains objets culturels au sein de la littérature et du théâtre qui ont été colonises par les élites républicaines depuis les temps recules de la formation des états-nations en Amérique latine avec le but de servir la construction initiale des imaginaires de la nation), ceux-ci conçus pour persuader le plus grand nombre de spectateurs qu'une rupture est advenue dans la normalité de la société
I study how memories are produced and forgotten in argentine society by examining the relative success of the theatrical productions of two groups, Teatro Abierto, at the end of the 1 970s, and Teatroxlaidentidad, at the start of the twenty -first century, both of which participated in collective actions portraying the military government (1976-1983) as responsible for the dismemberment of that which the state had previously re-invented, the nation. My research is based on the study of the intentions behind the artists' production of cultural objects in accordance with their interests and objectives, their social position as intellectuals, and their valuations, categorizations, and judgments, all of which limit and influence those cultural objects (on one hand, the bonds of national belonging that have always been a constant source of dispute in Argentina, and on the other rand, certain cultural objects central in literature and theatre and which were colonized by the republican elites in the earl y days of the formation of nation-states in latin america in service of the initial construction of nationhood), in hopes of persuading the greatest possible number of spectators that a rupture of social normalcy had occurred

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Lumière, Emilie. "Clio en question. Le théâtre métahistorique en Espagne (1980-2010)". Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01057492.

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Dans le contexte de la postmodernité, la question de l'écriture de l'histoire est devenue essentielle. " Tournant épistémologique " chez les historiens, " fiction métahistorique " chez les écrivains : cela semble témoigner d'une " conscience métahistorique " qui touche aujourd'hui les sociétés occidentales dans leur ensemble, invitant à penser l'histoire comme un palimpseste d'interprétations subjectives et contradictoires. L'Espagne, traversée par de récents conflits mémoriels, n'est pas en reste. Tout en cherchant à identifier les modalités et les enjeux de cette tendance métahistorique, cette thèse s'interroge sur la place du théâtre espagnol contemporain à l'intérieur de ce phénomène. Après avoir retracé les évolutions des notions " métahistoire " et " fiction métahistorique ", ce travail s'ouvre sur un premier chapitre proposant une ébauche de l'histoire de la métahistoire en Occident, étendue à l'historiographie, à l'art et au champ sociétal - limitée pour ce dernier à l'époque contemporaine. Si le phénomène métahistorique est loin d'être nouveau, la conscience métahistorique qui lui donne une force et une cohérence inédites semble se cristalliser dans le dernier tiers du XXe siècle. L'Espagne possède ses spécificités, liées notamment à l'héritage de la guerre civile et du franquisme. Ce chapitre s'achève sur un volet théorique où sont précisés des outils d'analyse pour la fiction métahistorique et une typologie (fiction métahistorique métafictionnelle ; fiction métahistorique historiographique), tout en envisageant quelques particularités du genre dramatique. L'examen, dans un second chapitre, d'une dizaine de pièces espagnoles écrites ces trente dernières années ‒ El retablo de Eldorado, Naufragios de Álvar Núñez, Lope de Aguirre, traidor et El sudario de tiza de J. Sanchis Sinisterra, ¡¡¡Tierraaaa... a... laaaa... vistaaa...!!! de M. Martínez Mediero, Yo tengo un tío en América d'A. Boadella, Retrato de gran almirante con perros de L. Riaza, Yo, maldita india... et El arquitecto y el relojero de J. López Mozo, El jardín quemado et La tortuga de Darwin de J. Mayorga, et Homenaje a los Malditos d'E. Calonge ‒ montre que le dispositif métahistorique se manifeste dans des dramaturgies variées. Ce corpus présente néanmoins une réelle unité : en écho à la préoccupation historiographique et sociétale actuelle pour l'écriture de l'histoire, il s'offre comme une manifestation artistique originale de la conscience métahistorique contemporaine, dans les particularités de l'aire espagnole. Ces textes semblent refléter par ailleurs l'affirmation progressive de la fiction métahistorique qui s'affranchit peu à peu de la fiction historique et de la métafiction. À l'heure où Clio est ramenée sur la scène des hommes, déconstruite et démythifiée, ces dramaturges n'en font pas moins acte de mémoire et offrent des espaces d'expression aux mémoires en souffrance. Résolument postmoderne, la fiction métahistorique contemporaine ne verse pas dans le nihilisme : elle démantèle les discours historiques pour mieux les comprendre ; elle les déconstruit pour proposer d'autres évocations du passé.

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Campos, Liliane. "Le discours scientifique dans le théâtre britannique contemporain (1988-2008)". Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040163.

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Depuis vingt ans, le discours des sciences exactes apparaît régulièrement sur la scène britannique : la mécanique quantique, les mathématiques du chaos, la thermodynamique et les sciences naturelles sont aujourd’hui des matériaux dramaturgiques courants. Cette étude définit l’esthétique particulière et le nouveau rapport entre théâtre et savoir produits par ce phénomène, à partir d’un corpus reflétant la diversité de la création contemporaine, des dramaturges Tom Stoppard, Michael Frayn, Timberlake Wertenbaker ou Caryl Churchill aux compagnies de théâtre Complicite et On Theatre. Le discours scientifique joue dans ce théâtre un rôle simultanément épistémologique et poétique, car ses formes y sont détournées et activées dans de nouveaux contextes. Il fournit des métaphores et des structures narratives à des dramaturgies incertaines, caractérisées par une esthétique postmoderne de la vérité multiple et de l’ouverture du sens. Ces transferts discursifs sont ici abordés selon les trois grandes modalités du rapport à la science ainsi construit : l’imitation d’un modèle rationnel, la critique d’un lieu de pouvoir, et l’importation des schèmes poétiques de l’imaginaire scientifique
Over the past twenty years, the discourse of hard science has appeared increasingly frequently on the British stage: quantum mechanics, chaos mathematics, thermodynamics and the natural sciences have provided dramatic material for contemporary artists. This thesis defines the resulting aesthetic, and the new relationship between theatre and knowledge that can be found in the work of dramatists such as Tom Stoppard, Michael Frayn, Timberlake Wertenbaker or Caryl Churchill, and theatre companies such as Complicite and On Theatre. The function of this scientific discourse is both epistemological and poetic: its forms are activated in new contexts, and bring metaphors and narrative structures to a postmodern drama characterised by uncertainty and multiple truths. These discursive transfers are analysed according to the relationship they create with science, which can involve imitating it as a rational model, criticizing it an instrument of power, or importing the shapes and patterns of scientific imagination

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Pakrevan, Diana. "Représentations du fait divers dans le théâtre français (1969-2004)". Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040223.

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De nombreux dramaturges contemporains manifestent un intérêt surprenant pour le fait divers, un type dřinformation considéré comme anecdotique, suscitant une curiosité morbide chez le spectateur et difficile à cerner à cause de la variété des sujets quřil aborde. La thèse fondamentale de ce travail est que, par le biais du fait divers, le théâtre cherche une confrontation avec les médias et se redéfinit, repense son rôle. Par lřanalyse des structures dramatiques (espace, temps, action, parole) dřune cinquantaine de pièces françaises publiées dans lřaprès 1968, cette étude vise à répondre à trois questions : quelles sont les représentations du monde offertes par les médias et le théâtre à travers le fait divers ? Quels sont les modes de représentations respectifs ? Quelle est la fonction du théâtre qui en résulte et en quoi sřécarte-t-elle de celle des moyens de communication de masse ? Cette thèse inclut également vingt-cinq interviews avec des dramaturges et un parcours anthologique
Many contemporary playwrights show a surprising interest for that particular type of news item that French journalism calls Ŗfait diversŗ, which has a bad reputation for being anecdotal, arousing a morbid curiosity in the spectator and being difficult to characterise because of the variety of subjects it treats. The main focus of this work is that, through Ŗfait diversŗ, theatre seeks confrontation with mass media and redefines itself, reconsidering its role. Through the analysis of the dramatic structures (space, time, action, language) of about fifty French plays published after 1968, this study aims at answering three questions: what representations of the world do media and theatre propose through Ŗfait diversŗ? What are the respective modes of representation? What is the function of theatre stemming from them and how does it depart from the one of mass media? This thesis also includes twenty-five interviews with playwrights and an anthology

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Lee, Yunsoo. "La postérité des Liaisons dangereuses : roman, théâtre, cinéma (1782-2010)". Thesis, Paris 4, 2011. http://www.theses.fr/2011PA040056.

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Les études sur la réception des Liaisons dangereuses de Laclos sont abondantes, mais elles portent le plus souvent sur un petit nombre d’œuvres et très peu examinent l’ensemble des diverses écritures créées sous l’influence de Laclos et de son roman. Circonscrite aux imitations romanesques et dramatiques, ainsi qu’aux adaptations théâtrales et cinématographiques, cette thèse analyse une quarantaine de romans, une vingtaine d’œuvres théâtrales et neufs films, tous inspirés à des degrés divers du roman de Laclos. Cette étude a visé moins à démontrer son statut de chef-d’œuvre qu’à analyser sa valeur et son rayonnement au travers des œuvres considérées, à examiner leur rapport et à en discerner la manière particulière dont elles le perçoivent. L’exemple de Laclos démontre qu’un auteur est tributaire de la tradition littéraire. Il a su parfaitement associer les apports littéraires de son temps et l’héritage de l’époque précédente auquel son roman fait écho par des références et des allusions implicites ou explicites. À son tour, Laclos joue le rôle de référent dans les œuvres postérieures. Son roman est sans doute l’une des rares œuvres littéraires dont la réception riche et de longue date permet d’appréhender l’évolution selon l’époque et selon le genre. Les auteurs s’inspirent de son roman et leurs œuvres constituent un espace d’interprétation et de recréation alors que Laclos leur doit la reconnaissance de son œuvre. Le deuxième volume comprend entre autres la liste des représentations des Liaisons dangereuses et de Quartett de Heiner Müller et les extraits des critiques journalistiques, la transcription du film de Charles Brabant et la traduction du film coréen Scandale
Studies on the reception of Laclos’ novel “Dangerous Liaisons” are numerous but they mostly focus on a small number of works and very few have a look at all the writings created under the influence of Laclos and his novel. Limited to romantic and dramatic imitations as well as to film and theatrical adaptations, this thesis analyses around forty novels, twenty plays and nine films all more or less inspired by Laclos’ novel. The first aim of this study is not to demonstrate its masterpiece status but to analyze its value and its influence through those adaptations, to examine their connections and to discern the peculiar way they comprehend it. The example of Laclos demonstrates that an author depends on the literary tradition. He was able to perfectly combine the contributions of his days and the legacy of the previous times to which his novel echoes through references and explicit or implicit allusions. In his turn, Laclos plays the role of referent in the works that came after him. His novel is probably one of the very few literary works the rich and long-time reception of which allows comprehending the evolution according to the time and the genre. Authors draw their inspiration from his novel and their works constitute an area of interpretation and new creation while Laclos owes them the recognition of his work. The second volume includes, among other things, the list of the performances of the Liaisons Dangereuses and of Quartett by Heiner Müller as well as excerpts of journalistic critics, the transcription of Charles Brabant’s film and the translation of the South Korean film Untold scandal

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Yemsi-Paillissé, Anne-Claire. "Le personnage maternel dans le théâtre espagnol contemporain (1980-2008)". Thesis, Toulouse 2, 2011. http://www.theses.fr/2011TOU20132.

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Dans cette thèse, la notion d’"interpersonnage" – qui conçoit le personnage dramatique comme un être d’interactions multiples –, permet d’aborder l’étude pluridisciplinaire d’une vaste population de mères dramatiques contemporaines.Les analyses montrent d’abord qu’un certain nombre de mères s’éloignent des stéréotypes existants, et renvoient à des caractères plus complexes, à la charnière entre deux grands types dramatiques : la Mère et la Femme. L’analyse des échanges entre les "interpersonnages" maternels et leurs "constellations" familiales amène à constater la déliquescence de la figure paternelle, le rejet des grands-parents et la fragilisation des relations de voisinage. En revanche, même s’il est fréquemment le lieu de violences et de névroses, le duo mère/enfant demeure indestructible. L’étude des personnages les plus atypiques – mères adoptives, mères porteuses, "pmères" et mères fantomatiques – permet de vérifier la dimension symbolique des mères alternatives, toujours mues par le désir de se relier à un(e) Autre, et souvent étroitement reliées à des traditions mystiques ou profanes.Finalement, la thèse montre qu’au théâtre, l’image de la mère traditionnelle, domestique et dévouée, longtemps perçue comme un être "ahistorique", se trouve concurrencée par d’autres figures maternelles et par d’autres types de liens. Dans une Espagne contemporaine où de rapides évolutions politiques, sociales et scientifiques ébranlent la sacro-sainte "institution maternelle", les mères rejoignent le flot impétueux de la grande Histoire. Le théâtre est témoin de cette "historicisation" de la maternité
The drama character of the mother is on one hand connected to its surrounding characters in the dramas, – mostly family members –; and is on the other hand linked to many archaic traditions and motherhood stereotypes. Therefore, the concept of “inter-character” (“interpersonnage”) might be a powerful tool for the multidisciplinary study of our selected sample of forty-five mothers in contemporary drama.Some of the mothers we studied do not fit in the Mother stereotypes and rather appear as more complex characters, sitting at the threshold between two classical drama figures: the Mother and the Woman.Studying the interactions between the mother “inter-characters” and their family “web” will shed some light on several phenomena: the decay of the father figure, the rejection of grandparents; and the thinning of the links with neighbors. However, the “mother-child” duo seems to remain unaltered; although often loaded with violence and neurosis.Eventually, the study of the most atypical mothers – adoptive, surrogate, father-like and ghostly –, leads us to take into account their symbolic dimensions. They belong to an ancestral tradition – profane or mystical –, and seem to remain haunted by the urge to connect to mankind.The dramatic representation of the traditional Mother as a dedicated housewife, seemingly a timeless feature, is now losing ground to other representations of mothers and relations. In contemporary Spain, shattered by the rapid political, social and scientific changes of the previously unchallenged “Mother institution”, the mothers are now making History; this evolution is witnessed in Drama

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Lumière, Émilie. "Clio en question : le théâtre métahistorique en Espagne (1980-2010)". Thesis, Toulouse 2, 2012. http://www.theses.fr/2012TOU20084.

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Dans le contexte de la postmodernité, la question de l’écriture de l’histoire est devenue essentielle. « Tournant épistémologique » chez les historiens, « fiction métahistorique » chez les écrivains : cela semble témoigner d’une « conscience métahistorique » qui touche aujourd’hui les sociétés occidentales dans leur ensemble, invitant à penser l’histoire comme un palimpseste d’interprétations subjectives et contradictoires. L’Espagne, traversée par de récents conflits mémoriels, n’est pas en reste. Tout en cherchant à identifier les modalités et les enjeux de cette tendance métahistorique, cette thèse s’interroge sur la place du théâtre espagnol contemporain à l’intérieur de ce phénomène. Après voir retracé les évolutions des notions « métahistoire » et « fiction métahistorique », ce travail s’ouvre sur un premier chapitre proposant une ébauche de l’histoire de la métahistoire en Occident, étendue à l’historiographie, à l’art et au champ sociétal – limitée pour ce dernier à l’époque contemporaine. Si le phénomène métahistorique est loin d’être nouveau, la conscience métahistorique qui lui donne une force et une cohérence inédites semble se cristalliser dans le dernier tiers du xxe siècle. L’Espagne possède ses spécificités, liées notamment à l’héritage de la guerre civile et du franquisme. Ce chapitre s’achève sur un volet théorique où sont précisés des outils d’analyse pour la fiction métahistorique et une typologie (fiction métahistorique métafictionnelle ; fiction métahistorique historiographique), tout en envisageant quelques particularités du genre dramatique.L’examen, dans un second chapitre, d’une dizaine de pièces espagnoles écrites ces trente dernières années ‒ El retablo de Eldorado, Naufragios de Álvar Núñez, Lope de Aguirre, traidor et El sudario de tiza de J. Sanchis Sinisterra, ¡¡¡Tierraaaa… a… laaaa… vistaaa…!!! de M. Martínez Mediero, Yo tengo un tío en América d’A. Boadella, Retrato de gran almirante con perros de L. Riaza, Yo, maldita india… et El arquitecto y el relojero de J. López Mozo, El jardín quemado et La tortuga de Darwin de J. Mayorga, et Homenaje a los Malditos d’E. Calonge ‒ montre que le dispositif métahistorique se manifeste dans des dramaturgies variées. Ce corpus présente néanmoins une réelle unité : en écho à la préoccupation historiographique et sociétale actuelle pour l’écriture de l’histoire, il s’offre comme une manifestation artistique originale de la conscience métahistorique contemporaine, dans les particularités de l’aire espagnole. Ces textes semblent refléter par ailleurs l’affirmation progressive de la fiction métahistorique qui s’affranchit peu à peu de la fiction historique et de la métafiction. À l’heure où Clio est ramenée sur la scène des hommes, déconstruite et démythifiée, ces dramaturges n’en font pas moins acte de mémoire et offrent des espaces d’expression aux mémoires en souffrance. Résolument postmoderne, la fiction métahistorique contemporaine ne verse pas dans le nihilisme : elle démantèle les discours historiques pour mieux les comprendre ; elle les déconstruit pour proposer d’autres évocations du passé
In the context of postmodernism, history writing has become a crucial issue. Called “epistemological turn” by historians and “metahistorical fiction” by writers, such a tendency is the proof of a “metahistorical awareness” which arises nowadays in Western societies as a whole, inviting to consider history as a palimpsest of subjective and conflicting interpretations. Affected by recent memory conflicts, Spain is primarily concerned. This study wishes to identify the modalities and stakes of such metahistorical tendency while wondering about the place of contemporary Spanish drama within this phenomenon. After retracing the evolution of both notions of “metahistory” and “metahistorical fiction”, this dissertation opens on a first chapter sketching out a history of Western metahistory, extended to the historiographic, artistic and societal fields (choosing to limit the latter to the contemporary period). If the metahistorical phenomenon is not new, metahistorical awareness which provides it with an original strength and coherence seems to crystallize over the last part of the 20th century. Spain has its own specificities ‒ especially due to the legacy of the Spanish Civil War and Franco’s dictatorship. This chapter ends on a theoretical part offering analytic tools for metahistorical fiction and a typology (metafictional metahistorical fiction, historiographic metahistorical fiction), and also considers some particularities of the dramatic genre.The second chapter is the study of around ten Spanish dramas written over the past thirty years: El retablo de Eldorado, Naufragios de Álvar Núñez, Lope de Aguirre, traidor and El sudario de tiza by J. Sanchis Sinisterra, ¡¡¡Tierraaaa… a… laaaa… vistaaa…!!! by M. Martínez Mediero, Yo tengo un tío en América by A. Boadella, Retrato de gran almirante con perros by L. Riaza, Yo, maldita india… and El arquitecto y el relojero by J. López Mozo, El jardín quemado and La tortuga de Darwin by J. Mayorga, and Homenaje a los Malditos by E. Calonge. If it uses the metahistorical device through various dramaturgies, this corpus presents, however, a real unity: reminding of present-day historiographic and societal concerns in history writing, it becomes an original artistic manifestation of contemporary metahistorical awareness, exploring more closely the Spanish particularities. These texts also seem to reflect the progressive affirmation of metahistorical fiction which gradually parts from historical fiction and metafiction. As Clio is brought back to the humans’ stage, deconstructed and demystified, these playwrights do an “act of memory” and offer spaces of expression to traumatic memories. Contemporary metahistorical fiction, though definitely postmodern, is not nihilist: it dismantles historical discourses in order to better understand them; it deconstructs them in order to offer other evocations of the past
En el contexto de la posmodernidad, el tema de la escritura de la historia se ha vuelto esencial. “Giro epistemológico” para los historiadores, “ficción metahistórica” para los escritores: todo ello parece dar cuenta de una “consciencia metahistórica” que hoy toca a todas las sociedades occidentales, e invita a percibir la historia como un palimpsesto de interpretaciones subjetivas y contradictorias. España, afectada por recientes conflictos de memoria, no escapa a la regla. Esta tesis intenta identificar las modalidades y las implicaciones de esta tendencia metahistórica, analizando asimismo la posición del teatro español dentro de este fenómeno.Después de recordar las evoluciones de las nociones “metahistoria” y “ficción metahistórica”, este trabajo se abre con un primer capítulo que propone un esbozo de la historia de la metahistoria en Occidente, extendida a los campos de la historiografía, el arte y la sociedad –y limitada en este último aspecto a la época contemporánea. Si el fenómeno metahistórico no es nuevo, la consciencia metahistórica que le da una fuerza y una coherencia inéditas parecen cristalizarse en el último tercio del siglo XX. España tiene sus especificidades, estrechamente vinculadas con la herencia de la guerra civil y el franquismo. Este capítulo se cierra con una parte teórica que precisa unas herramientas para el análisis de la ficción metahistórica y una tipología (ficción metahistórica metaficcional; ficción metahistórica historiográfica), y enfoca algunas particularidades del género teatral. El examen, en un segundo capítulo, de doce dramas españoles escritos en las tres últimas décadas ‒El retablo de Eldorado, Naufragios de Álvar Núñez, Lope de Aguirre, traidor y El sudario de tiza de J. Sanchis Sinisterra, ¡¡¡Tierraaaa… a… laaaa… vistaaa…!!! de M. Martínez Mediero, Yo tengo un tío en América de A. Boadella, Retrato de gran almirante con perros de L. Riaza, Yo, maldita india… y El arquitecto y el relojero de J. López Mozo, El jardín quemado y La tortuga de Darwin de J. Mayorga, y Homenaje a los Malditos de E. Calonge‒ muestra que el dispositivo metahistórico puede manifestarse en obras muy diferentes. El corpus presenta sin embargo una fuerte unidad: aparece, conforme a la preocupación historiográfica y social actual para la escritura de la historia, como una manifestación artística original de la consciencia metahistórica contemporánea, ateniéndose a las particularidades españolas. Además, los textos parecen reflejar la afirmación progresiva de la ficción metahistórica, que poco a poco se independiza de la ficción histórica y la metaficción. Aunque llevan a Clío al escenario de los hombres, deconstruída y desmitificada, estos dramaturgos no dejan de realizar un acto de memoria y ofrecen unos espacios de expresión a las memorias negadas. Resueltamente posmoderna, la ficción metahistórica contemporánea no cede al nihilismo: deshace los discursos históricos para entenderlos mejor; los deconstruye para proponer otras evocaciones del pasado

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Cisse, Ismaïla. "L' influence de Césaire sur le théâtre africain". Paris 13, 2008. http://www.theses.fr/2008PA131003.

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Cette étude présente une typologie des prédicats de mouvement du hongrois. Elle reflète une perception objective et simple du mouvement et de l’espace. Le travail s’inscrit dans le cadre de la théorie des classes d’objets que nous avons appliquée au hongrois. Les prédicats de mouvement correspondent à des prédicats verbaux, des prédicats nominaux et des adjectifs prédicatifs. La classification s’appuie sur des propriétés sémantiques comme la directionnalité, le mode, le lieu de destination, le but et des propriétés aspectuelles. Ces propriétés sont complétées par des propriétés morpho-syntaxiques nécessaires au traitement automatique. L’aspect contrastif de notre étude a permis de proposer une meilleure description des classes de prédicats du hongrois et de relever les différences morpho-syntaxiques et combinatoires spécifiques des deux langues dans l’expression du mouvement, comme le rôle des préfixes verbaux, des compléments locatifs ainsi que l’importance des prédicats nominaux
The aim of this study is propose a typology of predicates of motion in Hungarian. The typology reflects a simple objective perception of motion and space. The analysis uses the theory of object classes, which we applied to Hungarian, The predicates of motion correspond to verb predicates, noun predicates and to predicate adjectives. Our classification is based on semantic properties such as directionality, mood, destination, goal, place and the aspectual properties. These semantic properties are completed by morpho-syntactic properties needed for natural language processing. The contrastive component of our study has made it possible to propose a better description of the classes of predicates in Hungarian and to bring out the morpho-syntactic and combinatory differences specific to both languages in the expression of motion, such as the role of verb prefixes, locative complements, and to underline the importance of noun predicates

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Mirbeau, Annie. "Théâtre et public : la réception des pièces de Jeannine Worms". Bordeaux 3, 1990. http://www.theses.fr/1990BOR30053.

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Un auteur que les bouleversements historiques de son siecle ont voue tres tot a l'exil. Une oeuvre abondante; trois romans, trois essais, un album de souvenirs, une trentaine de pieces ecrites des annees cinquante a nos jours; de nombreux spectacles realises a la radio et a la television, entre les annees soixante et quatre-vingt, par des acteurs et des metteurs en scene de renom. Un grand elan creatif, mal integre dans la production theatrale de son epoque, que les critiques de presse et les appreciations du public devaient a la fois remarquer, louer et trahir sans reussir pourtant a elucider les veritables raisons du fonctionnement imparfait de la communication externe. Six pieces, tantot a plusieurs personnages comme la boutique, un chat est chat; tantot a deux personnages comme le gouter, la recette, pardon monsieur, mougnou mougnou, qui ont ete scrutees dans leur trame pour y observer le fonctionnement de la communication interne et son incidence sur la communication externe. La mise en commun de tous ces regards pour tenter de comprendre les differents aspects de la reception des pieces de jeannine worms
A playwright sent into early exile because of the historical events of her time. A large body of works : three novels, three essays, about thirty plays written between the fifties and now; also radio and tv broadcasts of them by well-known actors and directors. A lot of creative energy, at odds with the theatrical output of her age, which both critics and the public at large didn't fail to notice, praise and also betray without really managing to elucidate the reasons for a poor working of the external communication system. Six plays, with ba large cast (la boutique - the shop; un chat est un chat-a spade's a spade;) or for two characters (le gouter-tea; la recette - the recipe; pardon monsieur - excuse me sir; mougnou-mougnou) whose structure has been analysed in depth to see how internal com- munication works and the effect it has on external communication finally those various approaches are brought together to try and understand the various ways in which j. Worms's plays have been received

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Bailey, Marianne Wichmann. "Le Théâtre rituel d'Aimé Césaire : les structures mythiques de l'imaginaire dramatique". Paris 4, 1985. http://www.theses.fr/1985PA040025.

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Rozprawy doktorskie na temat „Théâtre – 2000-”

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