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Artykuły w czasopismach na temat "Théâtre – 2000-"
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DeRoy-Ringuette, Rachel. "Étude de l’édition théâtrale pour la jeunesse (1970 à 2000)". Nouveaux cahiers de la recherche en éducation 11, nr 2 (31.07.2013): 119–29. http://dx.doi.org/10.7202/1017496ar.
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Cette étude propose un panorama historique et descriptif de quatre éditeurs qui se sont intéressés à l’édition du théâtre pour la jeunesse : Leméac éditeur, Québec/Amérique, VLB éditeur et Lanctôt éditeur. Chacune des collections de ces éditeurs y est décrite ainsi que quelques titres marquants. Si bien que cette étude permet de voir l’évolution du théâtre proposé aux enfants et aux adolescents au cours de trois décennies. En outre, les liens entre l’édition, le théâtre et l’école sont présentés car ces trois milieux se côtoient, parfois malgré eux et parfois en harmonie. Cet article permettra d’établir si les éditeurs de textes dramatiques pour la jeunesse tentent de séduire le marché scolaire, notamment en intégrant des guides pédagogiques à leurs publications, ou s’ils recherchent un tout autre destinataire.
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Leal, Odile Pedro, i Rosária Cristina Costa Ribeiro. "Le théâtre Guyanais contemporain: entretien avec Odile Pedro Leal". Cadernos de Literatura em Tradução, nr 25 (22.12.2022): 273–79. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2359-5388.i25p273-279.
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Comédienne, formée au Conservatoire National Supérieur de Bordeaux, metteure en scène, auteure dramatique et directrice artistique du Grand Théâtre Itinérant de Guyane (Grand T.I.G), qui succède depuis 2017 au Guyane Art Théâtre, aussi Chargée de mission culturelle dans le Conseil Régional de Guyane entre 2010 et 2012, nous pouvons dire que Odile Pedro Leal est une femme multiple, comme la Guyane, comme le théâtre guyanais. Dans sa thèse de doctorat, Mme Pedro Leal développe le concept du théâtre caché-montré, un théâtre présent au quotidien guyanais, surtout concentré autour du Carnaval: «Le carnaval est un théâtre caché, parce qu’il se passe du tréteau ou de la scène, comme du professionnalisme de l’acteur, pour sa réalisation; et il est un théâtre montré, parce que visiblement on y joue.» (PEDRO LEAL, 2000, p. 37).
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Djungu-Simba K., Charles. "Compagnie Théâtre des Intrigants, Répertoire théâtral 2000. Kinshasa. [Préface de Philippe Suinen. Introduction de Katanga Mupey]. S.l. [Kinshasa], Éditions du Théâtre des Intrigants, s.d. [2000], 151 pages (2e édition)". Études littéraires africaines, nr 9 (2000): 36. http://dx.doi.org/10.7202/1041986ar.
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Corbin, Anne-Marie. "Emmanuel Béhague, Le théâtre dans le réel. Formes d’un théâtre politique allemand après la réunification (1990-2000)". Germanica, nr 40 (1.06.2007): 185–86. http://dx.doi.org/10.4000/germanica.267.
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Perazzolo, Paola. "David Bradby, Le Théâtre en France de 1968 à 2000". Studi Francesi, nr 157 (LIII | I) (1.05.2009): 211–12. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.8379.
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French, French, i Julia Guimarães Mendes. "Parler de soi, parler de nous : A Invenção do Nordeste". Voix Plurielles 17, nr 2 (12.12.2020): 54–65. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2600.
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Le théâtre brésilien contemporain traverse un important tournant performatif depuis les années 2000. Plus récemment, on observe que certaines œuvres inspirées par des textes théoriques cherchent à dénaturaliser des imaginaires sociaux hégémoniques, tout en produisant des mises en scène provocatrices, inspirées de discours autoréférents et autobiographiques. Le spectacle A Invenção do Nordeste, « L’Invention du Nord-Est », du groupe Carmin, problématise un agencement des représentations sur ce qui serait (ou ce que devrait être) le nordestino, terme désignant une personne originaire du Nord-Est du Brésil. De fortes doses d’autodérision sont employées en guise de recours dramaturgique, en vue de susciter une réflexion chez le spectateur, tout en l’amenant à identifier les figures liées à l’imagerie du Nord-Est. En problématisant une thématique apparemment régionale, ce spectacle propose un panorama historique des rapports économiques et culturels entre « centre » et « périphérie » dans la société brésilienne, en consonance avec l’ouvrage homonyme de Durval Muniz Albuquerque Júnior, A invenção do Nordeste e outras artes (1999) (« L’invention du Nord-Est et autres arts »).À partir de la remise en question des identités et des imageries liées au nordestino proposée par ce spectacje, le jeu théâtral démontre la façon dont les mécanismes culturels s’inscrivent sur les corps et les subjectivitées, tout en inventant et en créant des identitées et des stéréotypes autour de certains groupes d’individus. En outre, nous cherchons à appréhender comment le théâtre pourrait contribuer à la construction transdisciplinaires de la connaissance, lorsqu’il traduit et matérialise en actions et en situations scéniques des processus théoriques complexes.
Mot-clés : théâtre brésilien contemporain, performativité, identité, altérité, autodérision, performing knowledge
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Ribeiro, Rosária Cristina Costa, Odile Pedro Leal i Karina de Oliveira Barboza. "O teatro guianense contemporâneo: entrevista com Odile Pedro Leal". Cadernos de Literatura em Tradução, nr 25 (22.12.2022): 280–86. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2359-5388.i25p280-286.
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Atriz formada pelo Conservatório Nacional Superior de Bordeaux, diretora de teatro, dramaturga e diretora artística do Grand Théâtre Itinérant de Guyane (Grand T.I.G), sucessor, desde 2017, do Guyane Art Théâtre, Odile Pedro Leal também foi responsável pela missão cultural no Conselho Regional da Guiana entre 2010 e 2012. Podemos dizer que Pedro Leal é uma mulher plural, como a Guiana, como o teatro guianense. Em sua tese de doutorado, Pedro Leal desenvolve o conceito de teatro caché-montré, um teatro presente no cotidiano guianense, especialmente centrado em torno do carnaval: “O carnaval é um teatro escondido, pois dispensa o estrado ou o palco, assim como o profissionalismo do ator para sua realização, e é um teatro mostrado, pois é visivelmente encenado.” (PEDRO LEAL, 2000, p. 37).
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Maufort, Marc. "A Passage to Belgium: George F. Walker’s “Problem Child” in Brussels". Canadian Theatre Review 105 (styczeń 2001): 20–23. http://dx.doi.org/10.3138/ctr.105.004.
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The 1999-2000 season of the Brussels Théâtre de Poche was marked by its significant production of Canadian dramatist George F. Walker’s “Problem Child”. Although Brussels is generally regarded as a major theatrical platform in Europe, this production constituted Walker’s first performance ever in Brussels, in a French-language translation. French Canadian plays are not unknown to the Belgian theatre going public - witness the repeated success of Tremblay’s dramas over the years in various Brussels venues. However, the entire English Canadian repertoire remains virtually unknown in this European capital. For this reason, the premiere of Walker’s “Problem Child” by the Théâtre de Poche will remain a landmark event in Belgian theatre circles: to my knowledge, it represented the first English Canadian play to be produced in Belgium.
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Jacques, Hélène. "La création en partage dans les solos de Jean-Marie Papapietro". L’Annuaire théâtral, nr 58 (13.12.2016): 31–44. http://dx.doi.org/10.7202/1038318ar.
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Dans cet article sont présentés trois spectacles solos mis en scène par Jean-Marie Papapietro, dont le parcours au sein du Théâtre de Fortune, compagnie qu’il a fondée en 2000, est jalonné d’adaptations de textes initialement non conçus pour la scène. La promenade (2004), Histoire de Marie (2006) et Premier amour (2010) sont des partitions pour un seul acteur. Toutefois, dans l’invention d’une situation théâtrale pour transposer ces textes à la scène, Jean-Marie Papapietro opère un dédoublement de l’instance narrative en imaginant l’allocutaire à qui s’adresse le personnage. Ce dédoublement permet, d’une part, d’exacerber le travail d’adaptation du livre à la scène et, d’autre part, de présenter une vision de la création qui, dans les cas observés, se fait toujours en partage, dans l’adresse à un lecteur ou à un auditeur incarné tantôt par un accompagnateur sur scène, tantôt par un reflet ou par le public anonyme.
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Talbot, Armelle. "À rebours et à tâtons. Ce qui reste des luttes de Lip dans Les Yeux Rouges De dominique Féret". Actuel Marx 74, nr 2 (2.08.2023): 206–21. http://dx.doi.org/10.3917/amx.074.0206.
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Ancien fleuron de l’industrie horlogère, Lip est une manufacture bisontine connue pour les conflits sociaux retentissants dont elle fut le théâtre en 1973-1974 puis en 1976-1977, et se dota très vite d’une aura légendaire à laquelle participèrent de nombreuses productions culturelles et artistiques contemporaines des événements. Le temps passant, l’intervention fit place à la rétrospection : de nouvelles œuvres s’employèrent à revisiter cette histoire, tendues entre le mythe et ses angles morts, la commémoration et le souvenir. Publiée en 1998, Les Yeux rouges de Dominique Féret est l’une des premières à s’inscrire dans cet après-coup. Composée de quatre entretiens avec d’anciens protagonistes des luttes de Lip, cette pièce en dit au moins tout autant sur le passé que sur le présent qui se tourne vers lui et traduit l’inflexion que connaît tout un pan du théâtre européen des années 2000, marqué par la résurgence de la question sociale mais aussi par des modulations pathétiques qui tendent à sa dépolitisation.
Rozprawy doktorskie na temat "Théâtre – 2000-"
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Lavatelli, Julia. "Les nouvelles dramaturgies argentines (1985-2000)". Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030099.
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La dramaturdie argentine de la période 1985-2000 se caractérise par la diversité et la multiplicité d'expressions. Grandes scènes de collectifs théâtraux et paroles minimales, textes-performances et recherche sur le langage d'objects, adaptations des textes contemporains européens et reprises des traditions théâtrales locales, sont autant des tendances diverses qui dessinent un espace théâtrale pluriel. A l'origine de cette prolifération de micro-poétiques il y a une transformation de l'activité théâtrale, issue des expériences périphériques de création, qui ébranle les rôles théâtraux traditionnels et postule une conception du travail dramaturgique qui se confond avec le travail scénique. Cette mobilité repérable dans l'activité théâtrale n'est pas sans conséquences dans la composition des pièces où ressortent la mise en question des catégories théâtrales de fable, de personnage ou d'action, l'incorporation de langages non-verbaux et l'hybridation de modes poétiques. Les oeuvres d'auteurs comme Daniel Veronese, Alejandro Urdampilleta, Federico León, Rafael Spregelburd, d'Alejandro Tantanian parmi d'autres sont des expressions de l'émergence des formes faibles dans la dramaturgie argentine. Au-delà des singularités propres de chaque auteur, les nouveaux dramaturges mettent en oeuvre des modalités dramaturgiques qui opérent par des variations sur les catégories théâtrales sans pour autant viser à établir un nouveaux modèle théâtral. Le débordement des dimensions publiques et privée du sujet dramatique, le métissage de genres et de motifs divers, l'approfondissement du caractère intrasubjectif des conflits et l'irrégularité dans l'agencement rationnel des événements représentés sont les principales variations abordées dans cette étude sur la nouvelle dramaturgie argentineDiversity and multiplicity characterise Argentinean drama of the period 1985-2000. Mass scenes issued in collective creations and minimal plays, performances and research on the object's language, adaptation of European contemporary texts and use of local traditions in theatre are brought together into a plural space. A transformation of theatre activity is at the source of this profusion of micro-poetics. Ofen born of peripheral creation experiences, this transformation, which postulates a conception of drama that relies on the intimate links of writing and scenic work, has lead to a weakening of the traditional roles of theatre. The plays show the new conceptions of the activity through the questioning of the categories of story, character or action, the introduction of non-verbal languages and the hybridization of poetic modes. The works authors such as Daniel Veronese, Alejandro Urdampilleta, Federico León, Rafael Spregelburd and Alejandro Tantanian, amongst many others, arise as expressions of the emergence of weak forms in Argentinean drama. In spite of the singularities of each author, the new dramatist uses dramatic modalities which define variations on the theatre categories without aiming at constituting a new theatrical model. The mixing of dramatic subject's public and private dimensions, the crossbreeding of genres and multiple motifs, the more deeper intra-subjective nature of conflicts, and the irregularities in the arrangement of incidents are the main variations addressed in this dissertation about new Argentinean drama
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Viviescas, Víctor. "Représentation de l'individu dans le théâtre colombien moderne 1950-2000". Paris 3, 2005. http://www.theses.fr/2005PA030009.
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Parcourant la deuxième moitié du XXe siècle, cette thèse poursuit une recherche sur l'écriture dramatique colombienne moderne autour du concept de " représentation de l'individu ". Nous avons mené une enquête simultanée sur trois aspects de l'écriture contemporaine : la crise de la forme dramatique, la crise de la représentation et la crise de l'individu. Cette triple crise crée le contexte dans lequel surgit et se développe la dramaturgie dont nous parlons. La dramaturgie colombienne moderne prend sa source dans la crise du drame, et elle aboutit, à la fin du XXème siècle, à l'expérimentation d'une écriture postdramatique et postreprésentationnelle dans le contexte créé par la présence simultanée des trois concepts alternatifs suivants : l'hybridation de la forme dramatique et l'expérimentation du fragment comme forme ; le dépassement et la mise en crise de la représentation expérimentée comme simulacre ; et l'éclatement de l'individu et de sa représentation au moyen du personnage théâtral expérimenté comme personnage éclatéThis thesis carries out an investigation on the modern Colombian writing during the second part of the XX century, around the concept known as "the individual's representation. " Primarily we had investigated three aspects of the contemporary writing context, which are the crisis of drama, the crisis of the representation and the crisis of the individual. This triple crisis creates the context in which the dramaturgy we are about to study is borned and developed. The colombian modern theatre takes its source from the drama crisis and arrives at the end of the XX century, to the experimentation of the postdramatic and post representation writing in the context created by the simultaneous presence of three alternative concepts which are: the hybridization in the dramatic way and the experimentation of the fragment like form; the overflow and the setting in crisis of the representation that is experienced as simulation ; and the individual's explosion and its representation of broken fragments through the theatrical character
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Kondylaki, Dimitra. "L'édition théâtrale en France et en Grèce durant les années 1982-2000 : exemple des dramatiques contemporains". Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040108.
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Symptôme et moteur du " retour au texte " au théâtre, le développement de l'édition spécialisée en France dans les années 80 permet de s'interroger sur le texte dramatique contemporain, sur les politiques en sa faveur ainsi que sur le statut de l'auteur. En cernant l'apport des éditeurs à la recherche, la promotion et la diffusion de nouvelles écritures, ce travail analyse aussi les risques de la spécialisation. D'ailleurs, la confrontation de ce milieu, ayant soutenu l'apparition d'une nouvelle génération d'auteurs-praticiens, à l'édition de pièces en Grèce vise à sous-tendre l'hypothèse suivante : la conception de l'édition théâtrale reflète l'évolution de la pratique scénique. La crise de la représentation, n'ayant pas affecté l'écriture du théâtre en Grèce, l'édition - ni systématique ni subventionnée - y maintient sa fonction traditionnelle : seule est reconnue sa contribution à la sauvegarde du répertoire, non à l'émergence d'auteurs nouveauxThe development of specialized theatre publishers in France is the symptom and at the same time, the driving force of a tendency to "go back to the text" in the theatre of the 80's-90's. This allows a discussion on contemporary drama as well as on the status of the playwright and the contribution of specialized publishers in researching, promoting and diffusing "new dramatic texts". Confronting this practice, which has favored the emergence of a generation of "author-actors", to the edition of theatrical texts in Greece, aims at putting forward the following hypothesis : theatre editing directly reflects the evolution of stage practices. As the crisis of representation has not affected playwriting in Greece, the edition of dramatic texts, which is not systematic nor subsidized by the state, maintains its traditional function. The editor is primarily interested in safeguarding the repertoire, not facilitating the emergence of new authors
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Margnac, Geraldine. "Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain : étude de pièces de répertoire au Tamil Nadu de 2000 à 2020". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080045.
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Cette thèse de doctorat est consacrée à « Devī : figure(s) du féminin dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporain ». Les artistes de Bharata-nāṭyam (un art de la scène majeur en Inde) s’intéressent de plus en plus à des figures féminines comme les nāyikā (héroïnes) et Devī (terme générique regroupant les divinités féminines). Sujettes à de multiples controverses en tant que figures du féminin, elles n’avaient pas encore été étudiées sur la scène du Bharata-nāṭyam. La richesse de pièces mettant en scène des déesses douces comme Lakṣmī, Sarasvatī ou Pārvatī, des déesses puissantes comme Durgā ou Kālī ou encore l’androgyne divin, Ardhanārīśvara, n’interroge-t-elle pas les principes esthétiques de la scène ? Une approche contemporaine des pièces de répertoires de 2000 à 2020 au Tamil Nadu permettra d’en étudier le processus de création. Puisqu’elles entraînent différents points de vue, ces figures semblent pertinentes pour l’étude esthétique d’un art vivant, nourrissant sa vivacité et le processus de réactualisation du sens à l’œuvre. La pluralité des hypothèses interprétatives ne reflète-t-elle pas la fonction poétique du Bharata-nāṭyam ? Ce style donne à entendre un texte de deux façons : par le chant et par le jeu de l’artiste qui l’interprète à travers l’expression gestuelle et émotionnelle. La partition, les ornements, le corps et l’expression des émotions contribuent à provoquer une « saveur », une « émotion esthétique » ou rasa en sanskrit. Notre problématique interrogera dans quelles mesures les formes et représentations de Devī participent au processus d’élaboration du rasa dans la poétique du Bharata-nāṭyam contemporainThis PhD thesis is devoted to "Devī: figure(s) of the feminine in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam". The artists of Bharata-nāṭyam (a major art form in India) are increasingly interested in female figures such as nāyikā (heroines) and Devī (a generic term for female deities). Subject to multiple controversies as figures of the feminine, they had not yet been studied on the bharata-nāṭyam stage. Does not the richness of plays featuring gentle goddesses like Lakṣmī, Sarasvatī or Pārvatī, powerful goddesses like Durgā or Kālī or the divine androgynous, Ardhanārīśvara, question the aesthetic principles of the stage? A contemporary approach to repertory plays from 2000 to 2020 in Tamil Nadu will allow to study the process of creation. Since they involve different points of view, these figures seem relevant to the aesthetic study of a living art, its liveliness and the process of updating meaning at work. Does not the plurality of interpretative hypotheses reflect the poetic function of Bharata-nāṭyam ? This style gives a text to be heard in two ways: by singing and by the play of the artist who interprets it through gestural and emotional expression. The score, the ornaments, the body and the expression of emotions contribute to provoke a "flavor", an "aesthetic emotion" or rasa in Sanskrit. Our problematics will question to what extent the forms and representations of Devī participate in the process of elaborating the rasa in the poetics of contemporary Bharata-nāṭyam
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Kim, Sunga. "Le retournement du regard : le spectateur regardé dans les oeuvres théâtrales contemporaines depuis les années 2000". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080067.
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La thèse porte sur l’étude d’un phénomène de renversement de l’attention du spectateur vers lui-même, observé dans les œuvres contemporaines à forte théâtralité et nommé le « retournement du regard ». Survenant ponctuellement ou traversant une œuvre comme principe conceptuel, le retournement du regard remet en question la hiérarchie des présences théâtrales et les enjeux de responsabilité liés au regard induits par la fonction spectatorielle. Ce phénomène, transversal et imprégnant beaucoup de pratiques artistiques actuelles, peut être compris à la fois comme un lien entre des modes d’expression hétérogènes et souvent transdisciplinaires, dont la classification générique devient de plus en plus difficile, mais aussi comme un outil dramatique pour introduire dans les œuvres un des sujets qui y semble aujourd’hui récurrent : le spectateur lui-même. L’étude sera composée de trois mouvements pensés pour une approche progressive et chronologique de l’ensemble du phénomène. Une analyse contextuelle d’abord, une définition du retournement ensuite, passant par un point théorique sur le regard, une catégorisation des différents déclencheurs du retournement et l’analyse d’exemples issus des pratiques artistiques contemporaines (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), et une projection enfin des hypothétiques conséquences du retournement, sur les créations théâtrales, la figure du spectateur et la nature même du théâtre. Cette thèse se veut donc à la fois un état des lieux de la fonction spectatorielle au début du XXIe s., mais aussi une analyse des modalités selon lesquelles le théâtre s’adresse à lui et prend en compte les problématiques de son époqueThe thesis focuses on the study of a phenomenon of the reversal of the spectator's attention towards himself, as observed in contemporary works with strong theatricality and called the "gaze's turnaround". Occurring punctually or spanning throughout work as a conceptual principle, the gaze's turnaround questions the hierarchy of theatrical presence and the issues of responsibility related to the gaze induced by the spectator's function. This phenomenon, transversal and impregnating many contemporary artistic practices, can be understood both as a link between heterogeneous and often transdisciplinary modes of expression, whose generic classification is becoming increasingly difficult, but also as a dramatic tool for introducing into works one of the subjects that seems to be recurrent in them today: the spectator himself. The study will be composed of three movements designed for a progressive and chronological approach to the whole phenomenon. First, a contextual analysis, then a definition of the reversal, passing through a theoretical point on the gaze, a categorization of the different triggers of the reversal and the analysis of examples from contemporary artistic practices (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), and finally a projection of the hypothetical consequences of the reversal, on theatrical creations, the figure of the spectator and the very nature of the theater. This thesis is therefore intended to be both an overview of the spectator function at the beginning of the 21st century, but also an analysis of the ways in which the theater addresses the spectator and takes into account the problems of his time
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Roux, Louise. "Les utopies pragmatiques : étude du "collectif" théâtral à partir de trois processus de création du XXIème siècle : Collectif F 71, D'ores et déjà, Spectacle-Laboratoire". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080016.
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A travers l’étude comparée de trois processus collectifs de création théâtrale - D’ores et déjà, Collectif F71 et Spectacle-laboratoire - cette thèse tente de comprendre la notion de « collectif » tant au niveau idéologique qu’esthétique, telle qu’elle s’est développée dans le théâtre public français entre 2003 et 2014. Nous montrons qu’en découvrant la disparition de la marge dans l’organisation capitaliste de l’économie culturelle, les collectifs n’ayant pour l’« homme nouveau » aucun programme concret à proposer, ont centré leur résistance au cœur de processus de création politiques parce que collectifs, et accompli une œuvre au diapason de la complexité de leur époque. Ils ont réalisé une « œuvre ouverte » - selon la théorie d’Umberto Eco - au sein de la représentation. Ancrée dans le réel, polyphonique, expérimentale, non-close sur elle-même et en perpétuelle évolution, cette œuvre induit une conception démocratique de l’activité des spectateurs de théâtre et réactive certaines découvertes de la création collective des années 60-70. Cette idée du théâtre comme réalisation par le collectif de l’œuvre ouverte dans la représentation est une utopie pragmatique. Image de l’idéologie de toute une partie de la société en quête de sens et en quête d’action, l’utopie pragmatique permet un renouvellement de l’esthétique théâtrale et une revitalisation du théâtre public : une façon contemporaine et avant-gardiste de renouer avec le « théâtre d’art » comme « théâtre élitaire pour tous »From the comparative study of tree dramatic creation processes - D’ores et déjà, Collectif F71 and Spectacle-laboratoire – this thesis try to understand the concept of “collective” at ideological and esthetical levels, as it been developed in the French public theatre between 2003 and 2014. We show that the collectives, discovering that marge has disappeared in capitalistic organization of cultural economy and without concrete program for the “new man” to propose, focused their resistance in their creation processes, political because collective. They’ve accomplished works in tune with complexity of theirs time, realizing an “open work” - as defying Umberto Eco - in representation itself. Anchored in real, polyphonic, experimental, non-closed and perpetually moving, this work induce a democratic conception of audiences’ activity and reactive some of the sixties’ collective creations’ discoveries. This idea of theatre as realization by the collective of the “open work” in the representation is a pragmatic utopia. Picture of part of society’s ideology, searching of sense and action, the pragmatic utopia allows a renewal of theatrical esthetic and a revitalization of the public theatre: a contemporary and avant-gardist way to revive the “artistic theater” as “exclusive theatre for everyone”
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Dubois, Simon. "De la marge au centre, de Syrie en exil : itinéraires d'un jeune théâtre syrien". Thesis, Aix-Marseille, 2019. http://www.theses.fr/2019AIXM0342.
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Cette thèse a pour objet d’étude la production dramatique syrienne depuis le déclenchement du printemps syrien il y a huit ans, à la mi-mars 2011. En prenant pour objet la trajectoire d’une jeune génération de professionnels du théâtre, elle vise à mettre en évidence les dynamiques de la création scénique et à appréhender plus largement la nouvelle condition de la production artistique syrienne contemporaine. Depuis la révolte populaire, cette production a connu un ensemble de transformations qui reflètent un contexte politique et social en constante évolution. Deux axes jouent un rôle catalyseur : le mouvement contestataire qui ébranle un champ artistique très structuré autour de l’État et de ses institutions ; l’exil, généralisé à tous les niveaux de la société, qui disloque complètement l’ancrage territorial de l’art syrien. L’objectivation de la création contemporaine syrienne requiert alors une approche en plusieurs dimensions capable d’appréhender dans le temps et l’espace les mutations de la scène artistique. Pour cela, les trajectoires de ces jeunes praticiens du théâtre agissent comme un révélateur. Au gré des déplacements géographiques, cette génération, confinée jusqu’alors aux marges du champ artistique national syrien, a atteint une position centrale dans la production dramatique en exil. En identifiant les développements récents et en cours de ce milieu, cette recherche examine les recompositions d’une scène artistique après son éclatement politique et géographique, et contribue ainsi à écrire l’histoire culturelle syrienne depuis le début du XXIe siècleThe purpose of this thesis is to study Syrian theatre creation since the beginning of the Syrian uprising eight years ago, in mid-March 2011. By focusing on the trajectory of a young generation of theatre professionals, it aims to highlight the dynamics of stage creation and gain a broader understanding of the new condition of contemporary Syrian artistic production. Since the popular revolt, this artistic production has undergone a series of transformations that reflect a constantly changing political and social context. Two axes have had a catalytic effect: the protest movement, which is shaking up an artistic field highly structured around the State and its institutions; and exile, widespread at all levels of society, which is completely dislocating the territorial anchoring of Syrian art. As such, the objectification of contemporary Syrian creation requires a multidimensional approach capable of capturing changes in time and space in the artistic scene. To this end, the trajectory of these young theatre artists is very indicative. As geographical shifts have taken place, this generation, previously confined to the margins of the Syrian national artistic field, has reached a central position in theatre production in exile. By identifying recent and ongoing developments in this field, this research examines the reshaping of an artistic scene after its political and geographical fragmentation, in this way contributing to the narrative of Syrian cultural history since the beginning of the 21st century
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Nakhlé-Cerruti, Najla. "La Palestine sur scène. Une approche géocritique du théâtre palestinien (2006-2016)". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2017. http://www.theses.fr/2017USPCF037/document.
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À partir d’un corpus de six pièces de théâtre produites entre 2006 et 2016 par des Palestiniens, ce travail étudie l’élaboration de la spatialité dans les textes et ses interactions avec l’espace réel dans lequel ils se déploient. En raison des fortes contraintes imposées aux Palestiniens dans leurs mobilités, la pratique du territoire représente d’abord une expérience identitaire quimarque les conditions de création et les choix dramaturgiques. Le théâtre offre un espace pour raconter cette expérience et c’est le témoignage qui occupe la scène, dans diverses formes d’autobiographie scénique. Le texte, support de mémoire devient un objet littéraire où le récit de soi monologué permet aux Palestiniens d’exprimer l’exil qu’ils vivent, dans sa doublenature : géographique et psychologique. Dans ces récits scéniques, les personnages finissent par se confondre avec l’espace qu’ils décrivent ; s’élaborent alors des figures littéraires spécifiques à ce rapport à l’espace. Ainsi, l’image de l’enfermement manifeste les liens entre le texte et la réalité vécue et décrite. Cette poétique de l’espace participe aussi à la remise enquestion du mythe de la Palestine qui occupe les textes de cette décennie, et fournit ainsi un angle privilégié pour analyser les dynamiques identitaires des PalestiniensThis work studies how the spatial dimension is elaborated in six theatre plays produced between 2006 and 2016 by Palestinians and how these texts interact with the real space within which they unfold. Because of the strong constraints imposed on Palestinians’ mobility, the practice of territory embodies an experience. This alters the conditions and choices of production and theatre offers a space to tell this experience. In this body of texts, testimony takes center stage in the form of staged autobiography. The text therefore becomes a literary object, rather than a medium for memory. Self-narrative allows Palestinians to express their exiles in both geographic and psychological terms, by using the form of the monologue. In their stories, the characters are so affected by this experience of territory that they end up being conflated with the space they describe. The spatial dimension in the texts is elaborated from literary figures. The image of imprisonment expresses in a direct manner the links between text and reality. It participates in the questioning of the myth of Palestine that fills the texts of this decade. It is indeed in real and textual space that the identity dynamics of Palestinians are being built
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Ruberry-Blanc, Pauline. "La vision tragi-comique de William Shakespeare et ses précédents dans le théâtre Tudor". Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/ruberry_p.
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La première partie de la thèse fait incursion dans le théâtre médiéval et post-médiéval anglais afin d'explorer la matrice esthétique et culturelle dans laquelle Shakespeare puise sa vision tragi-comique. La focalisation sur le personnage phare de l'aire de jeu Tudor, dénommé le Vice, incarnation de l'esprit tragi-comique anglais, permet de faire ressortir les conventions théâtrales réutilisées et transposées dans la création shakespearienne. La deuxième partie de l'étude se concentre sur les deux personnages Richard III et Falstaff, nécessitant des aller-retour dans le théâtre des prédécesseurs de Shakespeare afin de faire ressortir les continuités diachroniques ainsi que les nouveaux éléments en gestation chez lui. Enfin le troisième volet développe les critères éthico-littéraires et les grandes théories philosophiques et poétiques qui jalonnent l'époque élisabéthaine, les grands mythes de l'antiquité classique et leur ré-utilisation dans le théâtre de cour et dans les théâtres publics de la période 1594-1616. L'exploration s'articule autour des éléments constitutifs d'un nouveau genre, la tragi-comédie de Guarini, qui émerge sur la scène jacobéenne. Cette exploration s'efforce de démontrer l'éclectisme de la vision tragi-comique de Shakespeare tout en faisant ressortir la manière dont les traditions et conventions sont dépassées et transcendéesThis doctoral thesis takes the medieval and late-medieval theatre as a starting-point for its exploration of the aesthetic and cultural matrix which shaped Shakespeare's tragic-comic vision. The character known as the Vice", who appears in many Tudor plays, and who is often considered to be an incarnation of the English tragi-comic spirit, provides a useful pointer to the theatrical conventions which Shakespeare transmutes in the process of creating his own plays. The second part of this study centres on Richard III and Falstaff necessitating frequent comparisons between Shakespeare's dramaturgy and that of his predecessors in order to underline the diachronic continuities as well as the embryonic developments. In the third section, the ethical-literary-philosophical background of the Elizabethan age is explored, along with an examination of the manner in which some of the most prominent myths of classical antiquity are adapted to the aristocratic and public stages from 1594 to 1616. These elements are seen to contribute to the formation of a separate theatrical genre, bearing much resemblance to Guarini's "tragi-comedy," which occupied the Jacobean stage. Throughout this analysis of the eclectic nature of Shakespeare's tragi-comic vision emphasis is laid upon his transcendence of inherited traditions and conventions
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Bernard, Judith. "Rhétorique du discours de mise en scène : mythes et pratiques de la parole dans la répétition de théâtre". Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/bernard_j.
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Cette recherche a pour objet les répétitions de théâtre des années 1980-90, et concerne le théâtre de texte dans des mises en scène francophones. Il s'agit d'observer les principes structurels de la créativité théâtrale à travers les formes et les fonctions de la parole en répétition. Une étude de type interactionniste permet d'abord de dégager les spécificités de la répétition théâtrale comme interaction communicative. Puis, la parole de mise en scène est considérée comme parole sur le texte de théâtre, discours à la fois critique et poétique : le metteur en scène y est vu comme un lecteur verbalisant, et traduisant, sa lecture de la pièce en un langage susceptible d'être figuré à la scène. C'est ensuite l'aspect rhétorique de cette parole qui est envisagé : sa valeur persuasive et figurale est interrogée dans sa capacité à nourrir l'imaginaire des comédiens, afin de stimuler leur force de proposition et de rendre pérenne la vitalité de leur jeu. La parole de mise en scène est enfin abordée dans sa relation avec les signes dans le jeu d'acteur : " miroir " verbal du jeu d'acteur, la parole du metteur en scène cherche à renvoyer l'image de ce qui a été fait sur scène, pour le fixer, l'effacer ou le nuancer ; il faut alors convoquer ou forger des outils sémiologiques en mesure de décrire l'interaction qui se développe entre parole de mise en scène et production de signes dans le jeu d'acteur.
Książki na temat "Théâtre – 2000-"
1
Ian, Herbert, Leclercq Nicole i International Theatre Institute, red. The world of theatre: An account of the world's theatre seasons 1999-2000, 2000-2001 and 2001-2002. Wyd. 2. London: Routledge, 2003.
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2
Delhalle, Nancy. Vers un théâtre politique: Belgique francophone, 1960-2000. Bruxelles: Le Cri, 2007.
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3
Florence, Fix, Toudoire-Surlapierre Frédérique i Burgundy (France) Conseil régional, red. Le choeur dans le théâtre contemporain, 1970-2000. Dijon: Editions universitaires de Dijon, 2009.
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4
Annabel, Poincheval, red. Le théâtre en France de 1968 à 2000. Paris: H. Champion, 2007.
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5
Bricaire, Jean-Jacques. L'autre côté du décor: Chroniques d'un clerc du théâtre, 1940 à 2000. Paris: Quatre-vents, 2001.
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6
Léon, Azatkhanian, red. La brutalité de la chose offerte: Une aventure théâtrale au TNS, 1994-2000. Besançon [France]: Solitaires intempestifs, 2000.
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7
Ginny, Ratsoy, i Hoffman James F, red. Playing the Pacific province: An anthology of British Columbia plays, 1967-2000. Toronto: Playwrights Canada Press, 2001.
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8
Balkaya, Füsun. Tiyatro oyun eleştirileri ve sanatın diğer dallarına dokunuşlarım... 2000 - 2020. Ankara: Arkadaş Basım, 2020.
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9
François, Loyer, red. Ville d'hier, ville d'aujourd'hui en Europe: Entretiens du patrimoine : Théâtre national de Chaillot, Paris, 24, 25, 26 janvier 2000. Paris: Fayard, 2001.
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10
éd, Azama Michel 1947, red. De Godot à Zucco. 3, Le bruit du monde: Anthologie des auteurs dramatiques de langue française, 1950-2000. Paris: Éditions théâtrales, 2004.
Znajdź pełny tekst źródłaCzęści książek na temat "Théâtre – 2000-"
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Neuschäfer, Anne. "„Gerechtigkeit ist mein Begehr“ — Herrschaft und Recht in den Aufführungen des Théâtre du Soleil". W Frankreich-Jahrbuch 2001, 173–88. Wiesbaden: VS Verlag für Sozialwissenschaften, 2001. http://dx.doi.org/10.1007/978-3-663-10091-1_11.
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2
Pradier, Jean-Marie. "La Nostalgie au théâtre". W La Nostalgie au théâtre, 27–45. Hermann, 2024. http://dx.doi.org/10.3917/herm.burgh.2024.01.0027.
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La nostalgie présuppose l’existence d’un lieu idéal de référence. Dans le discours occidental sur l’origine religieuse du théâtre ce topos originel est le sacré. L’article « Le théâtre ou le rite perdu » examine le contexte politique, culturel et artistique dans lequel l’ethnopsychiatre Louis Price-Mars (1906-2000), partant de la réhabilitation du vaudou comme religion, a élaboré la théorie de sa coalescence avec le drame grec.
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"Porosité des frontières et défis de transmission (2000-2015)". W Le théâtre contemporain au Québec, 1945-2015, 455–576. Les Presses de l’Université de Montréal, 2020. http://dx.doi.org/10.1515/9782760642539-008.
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4
Houdart-Merot, Violaine. "13. Catharsis et réconciliation : le retour du théâtre depuis l’an 2000". W La France et l'Algérie en 1962, 215. Editions Karthala, 2013. http://dx.doi.org/10.3917/kart.fort.2013.01.0215.
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5
Bouillon, Serge, i Danielle Mathieu-Bouillon. "Le relevé de mise en scène témoin de l’évolution du théâtre, de 1950 à 2000". W Les archives de la mise en scène. Hypermédialités du théâtre, 365–78. Presses universitaires du Septentrion, 2014. http://dx.doi.org/10.4000/books.septentrion.6127.
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6
"Entretiens Avec Koffi Kwahulé (Paris, 2005-2008)". W Le Théâtre de Koffi Kwahulé, 231–84. Brill | Rodopi, 2014. http://dx.doi.org/10.1163/9789401211789_017.
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7
Pellet, Éric, i Benoît Weiler. "Fragments d’une aventure théâtrale Gengis Khan d’Henry Bauchau par le Théâtre de l’Estrade (2003-2007)". W Le médiéval sur la scène contemporaine, 261–66. Presses universitaires de Provence, 2014. http://dx.doi.org/10.4000/books.pup.19754.
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8
RONDOU, Katherine. "La tragédie des Labdacides dans l’œuvre de Jacqueline Harpman : le rejet du fatum antique". W Théâtre Mythologique, 29–38. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4711.
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Mes Œdipe (2006) constitue la seule œuvre théâtrale de la romancière belge Jacqueline Harpman (1929-2012). Cette tragédie en trois parties s’inscrit dans la seconde phase créatrice de l’écrivain, postérieure à ses études en psychologie, et concomitante à son activité de psychanalyste. Alors qu’elle laisse délibérément de côté les exploitations psychanalytiques du mythe oedipien, Harpman se réapproprie les personnages, et propose au spectateur une relecture profondément féministe du texte de Sophocle, qui prolonge sa nouvelle de 1992, Comment est-on le père des enfants de sa mère ? Après une brève synthèse des représentations passées du mythe, condition nécessaire à la définition des traits originaux de la pièce de 2006, nous démontrerons en quoi le texte d’Harpman s’inscrit dans les préoccupations actuelles liées aux libertés de la femme.
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"Théâtre médiéval". W Bibliographie de la littérature occitane: trente années d’études (1977-2007), 234–37. Turnhout: Brepols Publishers, 2011. http://dx.doi.org/10.1484/m.paieo-eb.4.00079.
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10
David, Dominique. "Du théâtre vivant, sans scénario identifié". W Ramses 2020, 36–39. Dunod, 2019. http://dx.doi.org/10.3917/dunod.ifri.2019.01.0034.
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