Artykuły w czasopismach: „Représentation musicale”

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Couprie, Pierre. "Prolégomènes à la représentation analytique des musiques électroacoustiques". Circuit 25, nr 1 (16.04.2015): 39–54. http://dx.doi.org/10.7202/1029475ar.

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Partant de la pratique de la transcription dans l’analyse des musiques électroacoustiques, cet article pose les fondements d’une nouvelle forme de représentation. Inscrite au coeur même des méthodes d’analyse musicale, la représentation analytique permet de tisser un ensemble de formes symboliques dans des visualisations complexes associant des données acoustiques et musicales sur les oeuvres. Son caractère modulaire et ouvert en fait un outil très intéressant pour la recherche musicale, que ce soit dans le domaine de l’analyse musicale ou de la création artistique.

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Guillotel-Nothmann, Christophe. "Les signes musicaux et leur étude par l’informatique. Le statut épistémologique du numérique dans l’appréhension du sens et de la signification en musique". Revue musicale OICRM 6, nr 2 (24.03.2020): 45–72. http://dx.doi.org/10.7202/1068385ar.

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Cet article examine les possibilités apportées par l’informatique pour l’étude d’unités sémiotiques musicales. Il dresse une cartographie des logiciels et projets d’analyse musicale assistée par ordinateur qui ont été réalisés au cours des dernières décennies, étudie différents aspects sémiotiques qui ont trait à la représentation des unités et mène sur ces bases une réflexion sur les enjeux épistémologiques, heuristiques et méthodologiques du numérique dans l’appréhension du sens et de la signification en musique.

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3

Roquais-Bielak, Katia. "Danielle Cohen-Levinas, dir., Récit et représentation musicale". Questions de communication, nr 4 (1.12.2003): 437–39. http://dx.doi.org/10.4000/questionsdecommunication.5876.

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4

Stiegler, Bernard. "L’armement des oreilles : devenir et avenir industriels des technologies de l’écoute". Circuit 16, nr 3 (29.01.2010): 33–42. http://dx.doi.org/10.7202/902410ar.

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L’auteur explore les conséquences pour la musique de son entrée dans l’ère machinique du son, qui comprend, entre autres, la désinstrumentalisation des oreilles, et la possibilité d’une écoute analytique, menant vers les moyens numériques qui permettent une nouvelle projection graphique du temps musical. Se basant sur des textes fondamentaux, notamment de Bartók et d’Adorno, sur les conséquences de la reproduction analogique du son sur les habitudes d’écoute, sur l’analyse musicale et sur le concept d’écriture même, l’auteur s’interroge sur les façons dont la science de la musique en général, ou son intelligence globale, a été et sera transformée par la numérisation, et notamment par une nouvelle représentation du temps musical.

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Chevalier, Jean-Marie. "Peut-il exister une logique de la notation musicale?" Recherches sémiotiques 36, nr 3 (20.09.2018): 53–74. http://dx.doi.org/10.7202/1051396ar.

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Que fait-on lorsqu’on note un morceau de musique? Quelles sont les conditions de possibilité de la notation musicale? Que voit-on au juste sur une partition? Quelques éléments d’analyse de l’écriture de la musique sont proposés ici dans le sillage de la sémiotique peircienne. Une analogie entre notation musicale et notation logique révèle un réquisit d’iconicité des partitions. On peut distinguer trois niveaux d’iconicité de la musique correspondant à la trichotomie des hypoicônes : si les sons sont analogues à des images, la partition constitue une représentation en partie diagrammatique de rapports et d’intervalles, tandis que la signification musicale et l’interprétant émotionnel ont une nature métaphorique.

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Dubé, Francis. "L’utilisation de repères microstructuraux dans la mémorisation de pièces pour piano". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 12, nr 1-2 (3.12.2018): 91–101. http://dx.doi.org/10.7202/1054205ar.

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Cette étude exploratoire porte sur l’apprentissage mnémonique de partitions de piano à l’aide de repères microstructuraux. Ce type de repères s’acquiert en prenant conscience de différentes micro-informations, tant sur le plan de la notation musicale que de sa réalisation instrumentale. Ils permettent d’identifier les singularités de la partition et de son jeu instrumental afin de mieux s’en souvenir. Deux objectifs sont poursuivis : 1. répertorier les divers types de microstructures utilisés par les pianistes pour mémoriser une partition ; 2. catégoriser les microstructures. Ensuite, ces repères font l’objet d’analyses de fréquence afin d’illustrer les préférences d’utilisation des pianistes ayant participé à l’étude. Les résultats obtenus ont permis d’observer que les pianistes ont utilisé sept types de repères microstructuraux pour mémoriser leur répertoire. Trois sont liés à la représentation de la notation musicale; deux sont responsables de la représentation de la réalisation instrumentale; puis les deux derniers favorisent la prise de conscience d’associations lors du travail mnémonique.

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Bougeret, Gérard. "Harmonie, contrepoint, représentation : prélude à une didactique de l’écriture musicale". Spirale. Revue de recherches en éducation 4, nr 1 (2005): 51–68. http://dx.doi.org/10.3406/spira.2005.2025.

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8

Godin, Jean Cléo. "« Le texte est sur la table… » : Chaurette et la primauté du texte". L’Annuaire théâtral, nr 50-51 (17.07.2013): 115–24. http://dx.doi.org/10.7202/1017316ar.

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À partir d’une indication scénique de Provincetown Playhouse — « Le texte est sur la table »—, cet article analyse les multiples aspects de la primauté du texte, souvent posé comme hypotexte de sa propre représentation, dans l’oeuvre de Normand Chaurette, dont l’écriture « musicale » engendre des récits se développant selon une étrange logique et dont la genèse réserve des surprises.

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Solomos, Makis. "L’écoute musicale comme construction du commun". Circuit 28, nr 3 (3.01.2019): 53–64. http://dx.doi.org/10.7202/1055194ar.

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Dans la tradition musicale idéaliste, l’écoute s’apparente à la plongée dans l’univers singulier de l’oeuvre musicale, conçue comme monade où chaque élément de la réalité a sa représentation : écouter signifie s’immerger dans une intériorité qui forme un monde en soi. La conséquence de cette forme d’écoute est une relative surdité à son environnement immédiat. Certaines formes actuelles d’addiction aurale, bénéficiant notamment du productivisme consumériste, renforcent jusqu’à la caricature cette surdité. C’est sans doute pourquoi de nombreux artistes d’aujourd’hui, et notamment ceux gravitant autour de l’écologie acoustique ou sonore, renversent la perspective et pensent l’écoute comme manière de se mettre en relation avec le monde. Cela passe souvent par une relative disparition de l’oeuvre (au profit de processus) et par un recentrement sur l’acte même d’écouter. Ce renversement n’est pas seulement un choix esthétique, il est aussi politique : il met en avant l’idée que l’écoute peut êtreconstruction du commun.

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Boudreault-Fournier, Alexandrine. "Ateliers hip-hop et double morale à Cuba". Cahiers de recherche sociologique, nr 49 (28.03.2011): 95–121. http://dx.doi.org/10.7202/1001413ar.

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Cet article se penche sur le récent phénomène du reggaetón à l’intérieur de la société cubaine contemporaine et révolutionnaire en offrant une compréhension qui va au-delà d’une représentation de la culture hip-hop en tant que modèle dichotomique de résistance versus subordination. Pourquoi les éducateurs en arts et des promoteurs naturels s’impliquent-ils auprès des jeunes rappeurs et reggaetoneros ? Quels sont les principes de base de leurs enseignements à l’intérieur d’ateliers musicaux offerts par deux Maisons de la culture de Santiago de Cuba ? Ces questions clés nous permettent de constater la présence de forces dominantes, alternatives et émergentes dans le discours des intervenants. Tout en encourageant les jeunes rappeurs et reggaetoneros à développer une forme d’expression authentiquement cubaine, ils rêvent silencieusement que leurs efforts porteront fruits dans l’industrie musicale commerciale. Voilà la double morale exprimée par les intervenants de l’État, une articulation idéologique représentative des dynamiques exprimées par la population cubaine en général.

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Imberty, Michel. "Formes de la répétition et formes des affects du temps dans l'expression musicale". Musicae Scientiae 1, nr 1 (marzec 1997): 33–62. http://dx.doi.org/10.1177/102986499700100104.

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Cet article se propose de montrer ce que la psychologie récente du développement peut apporter pour la compréhension des phénomènes affectifs de nature temporelle qui sous-tendent l'écoute musicale et ses effets sur l'auditeur. L'article part de l'analyse du phénomène de répétition, tant dans les situations interactives chez le nourrisson que dans les structures les plus élémentaires des langages musicaux. La répétition, dans un cas comme dans l'autre, engendre le temps, la durée, mais y introduit une régularité qui permet au sujet l'anticipation et la maîtrise du futur. Cette régulatité et cette prévisibilité rendent possible la Variation, principe générateur du développement psychologique par les adaptations successives à une réalité changeante, mais aussi principe créateur du développement musical. Cette analyse conduit alors aux concepts centraux développés ici à partir des travaux du psychologue et psychanalyste, Daniel Stern. L'hypothèse est que l'unité d'une expérience interpersonnelle ou interactive chez le très jeune enfant est sa structure temporelle. Sur elle, par la suite, se greffent les expériences sensorielles, motrices et affectives pour construire des représentations intériorisées. Mais ce qui caractérise fondamentalement une expérience affective, c'est sa courbe temporelle, le rythme d'alternance des moments de tension et des moments de détente, c'est sa ligne de tension dramatique, ce que Daniel Stern appellera trame temporelle du ressenti… L'expérience affective, dans la vie relationnelle comme dans la musique, est partagée, communiquée, sur la base d'un accordage affectif qui n'est autre qu'une interrégulation temporelle, cellelà měme qui régit les rapports des musiciens dans le quatuor par exemple. L'article s'achève enfin par des considérations sur la sémiotisation du temps musical et la notion d'enveloppe proto-narrative: celle-ci est définie comme sens d'une trame temporelle du ressenti, orientée par une motivation ou un désir vers un but. La musique apparaî;trait alors comme la représentation de la matrice originelle de toutes les formes symboliques, de toutes les formes de langage, c'est-à-dire de toutes les formes de mise en ordre du temps dans la vie humaine.

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Lebrat, Soizic, i Raphaël Godeau. "Ope 1000, genre opéra-chantier. Contribution à la réflexion sur la recherche-création musicale". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 10, nr 2 (28.11.2018): 37–45. http://dx.doi.org/10.7202/1054090ar.

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En amont de la mise en relation concrète du droit avec la musique improvisée se pose la question de la représentation de l’une et de l’autre, et de l’une par rapport à l’autre à l’intérieur d’un lieu et d’une temporalité circonscrite aux conditions d’une recherche et d’une création publique. L’intérêt d’un tel rapprochement réside dans la tension intellectuelle que cette collaboration fait naître, et qui inscrit l’improvisation dans une temporalité plus spéculative.

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Markman, Eliel. "De l'identité musicale à la représentation politique : le rock argentin pendant la dictature". Sociétés 117, nr 3 (2012): 73. http://dx.doi.org/10.3917/soc.117.0073.

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Leclerc, Catherine. "Radio Radio à Montréal : « la right side of the wrong »". Articles 47, nr 2 (6.11.2017): 95–128. http://dx.doi.org/10.7202/1041778ar.

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Le présent article étudie les chansons du groupe rap d’origine acadienne Radio Radio et leur réception au Québec. Il s’intéresse au rôle que ce groupe a joué dans l’évolution du débat québécois sur la langue, et fait l’hypothèse qu’un déplacement en cours dans les représentations linguistiques affecte le rapport de force entre le Québec et l’Acadie. Ce déplacement, Radio Radio y a participé et en a tiré profit. De manière performative, le groupe a mis en place au fil de ses albums une représentation festive du contact entre le français et l’anglais, ce qui lui a permis de se dégager de l’association entre contact des langues et disparition collective. Bien que ce soit le Québec qui définisse habituellement la norme artistique et culturelle, Radio Radio a donc pu influencer cette norme. Le groupe a pris place au coeur de la scène musicale québécoise et invité son auditoire à s’approprier un nouveau rapport aux langues. Entre exotisme et identification, le Québec s’est familiarisé avec ses usages linguistiques, de même qu’avec les nouvelles connotations que Radio Radio y insufflait. Qu’elles suscitent l’enthousiasme ou la réprobation, ces nouvelles connotations font désormais partie du discours québécois sur la langue.

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Chabrol, Marguerite. "Représentation de la composition musicale dans Amadeus : l’héritage de la peinture du XVIIIe siècle". Ligeia N° 77-80, nr 2 (2007): 150. http://dx.doi.org/10.3917/lige.077.0150.

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Deslauriers, Rosaline. "Le procès d’Oreste de Farid Paya : pour une persistance de la mémoire". L’Annuaire théâtral, nr 40 (7.05.2010): 143–57. http://dx.doi.org/10.7202/041659ar.

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Dans cet article consacré au Procès d’Oreste créé par Farid Paya et le Théâtre du Lierre, la chercheure étudie la façon dont cet auteur et metteur en scène français d’origine iranienne puise dans ce qu’Edgar Morin nomme une « Arkhe-Pensée » pour ordonner, à coups de mots, une ingénieuse allégorie de la folie. En s’interrogeant sur la représentation de la mania et de l’hybris, des termes grecs généralement traduits par « folie » et « démesure », elle montre comment l’univers dépeint par Paya se présente comme l’écho de sa propre conception musicale du théâtre, voire comme un carrefour de mémoires où texte, chorégraphies et polyphonies vocales sont des matériaux scéniques étroitement associés.

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Trottier, Danick. "La poïétique d’Yves Daoust : entre représentation socioculturelle et questionnement identitaire". Circuit 15, nr 2 (9.02.2010): 13–36. http://dx.doi.org/10.7202/902354ar.

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Cet article consacré à la poïétique d’Yves Daoust a pour objectif de délimiter un terrain heuristique et herméneutique pour appréhender son oeuvre musicale. À travers une investigation musicologique et sociologique de la présence de références historiques et d’artefacts sonores au sein de l’oeuvre de Daoust, il s’agit de questionner les processus poïétiques que met en place le compositeur pour favoriser une association à des lieux communs et la reconnaissance de repères symboliques pour les mélomanes partageant une expérience socioculturelle similaire. Il sera possible ensuite de se demander en quoi ce travail se révèle significatif du point de vue individuel et dans quelle mesure un sens précis s’en dégage à l’écoute. La notion d’identité deviendra essentielle à ce moment pour saisir pleinement la dialectique qui se joue dans son oeuvre entre mémoire et distance, entre identification et dépassement critique face aux lieux et événements interpellés. De sorte qu’à la fin de l’article, le lecteur pourra avoir une meilleure idée des niveaux de compréhension auxquels renvoie la musique de Daoust et du questionnement identitaire qui fonde son oeuvre tout en la transportant dans des avenues riches de sens.

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Hautbois, Xavier. "La Mélodie Solide Ou le Mythe de la Caverne Revisité". Musicae Scientiae 2, nr 2 (wrzesień 1998): 171–97. http://dx.doi.org/10.1177/102986499800200205.

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Cet article traite d'une approche de l'écriture qui développe l'hypothèse du principe d'organicité de la mélodie. A la différence des precédés habituels d'ecriture qui différencient le traitement des notes de celui du rythme, la prise en compte de ce principe se caracterise par une structuration forte régissant les notes et leurs positions respectives dans le temps. Son application se révèle par une représentation dans l'espace géométrique d'objets mélodiques, appelés mélodies solides par analogie avec notre espace visuel. Ces objets peuvent alors être observés et exploités par des outils de transformation mathématiques qui respectent leur structure interne ou, au contraire, la rompent. Une des fonctions particulièrement riche pour tirer profit de ce matériau musical sans le détériorer est la rotation. Son intérèt est multiple dans le cadre compositionnel. D'une part, elle généralise les quatre mouvements symétriques des cellules du contrepoint traditionnel. D'autre part, elle permet une connaissance minutieuse des objets mélodiques facilitée par la simplicité des processus mis en ceuvre. De cette fonction, enfin, découle la possibilité d'aborder une cinématique musicale á travers la succession d'images obtenues par des rotations d'un mème objet de base.

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Becker, Sander. "Debussy et son goût de la poésie : la représentation musicale des figures de style de Baudelaire". RELIEF - REVUE ÉLECTRONIQUE DE LITTÉRATURE FRANÇAISE 6, nr 1 (9.10.2012): 136. http://dx.doi.org/10.18352/relief.766.

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Tshiala, Lay. "De la représentation du vécu à la thérapie musicale: À propos du mfung-a-miti et du nkir des Ding du Zaïre". Cahiers de musiques traditionnelles 7 (1994): 121. http://dx.doi.org/10.2307/40240197.

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Chemillier, Marc. "Représentations musicales et représentations mathématiques". L Homme, nr 171-172 (3.01.2004): 267–84. http://dx.doi.org/10.4000/lhomme.1381.

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Chemillier, Marc. "Représentations musicales et représentations mathématiques". L Homme, nr 171-172 (1.12.2004): 265–83. http://dx.doi.org/10.4000/lhomme.24913.

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Migliore, Olivier. "Analyser l’interprétation vocale des musiques populaires avec le logiciel AudioSculpt : chronique d’une pratique de l’analyse musicale assistée par ordinateur". Musurgia Volume XXIX, nr 3 (11.09.2023): 7–25. http://dx.doi.org/10.3917/musur.223.0007.

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Cet article est une chronique d’une pratique singulière de l’analyse musicale portant sur l’interprétation vocale au sein des musiques populaires. Au carrefour de la musicologie, de la linguistique et des sciences informatiques, cette étude rend compte des aménagements méthodologiques nécessaires à l’investigation scientifique et présente une utilisation du logiciel AudioSculpt visant à extraire et soumettre à l’analyse des éléments absents de la partition. Les apports méthodologiques et analytiques sont exposés, accompagnés des modélisations et des interprétations qu’ils permettent. Ainsi, l’article présente une pratique contemporaine de l’analyse musicale, de l’analyse du contenu acoustique aux représentations symboliques ouvrant l’accès au sens, au sein de répertoires peu étudiés pour leur dimension musicale. Le contenu acoustique des œuvres musicales y est pressenti comme format commun de l’analyse musicale, et des perspectives stylistiques et esthétiques de cette pratique de l’analyse sont proposées.

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Vaggione, Horacio. "Composition musicale : représentations, granularités, émergences". Intellectica. Revue de l'Association pour la Recherche Cognitive 48, nr 1 (2008): 155–74. http://dx.doi.org/10.3406/intel.2008.1244.

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Bardelmann, Claire. "Une anatomie du désordre : métaphores musicales du corps dans le théâtre élisabéthain". Moreana 43 & 44 (Number, nr 4 & 1-2 (marzec 2007): 132–49. http://dx.doi.org/10.3366/more.2007.43-44.4_1-2.8.

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Résumé La conception arithmético-musicale de l’univers à la Renaissance, connue sous le nom de musique des sphères, informe par analogie les représentations du corps. Par analogie encore, la musique instrumentale est une expression symbolique privilégiée du corps harmonieux, reproduisant dans le microcosme les proportions parfaites de l’architecture du monde. Les métaphores musicales sont donc, dans la littérature théorique, des codifications fréquentes de la dialectique de l’ordre et du désordre, reflétée par les images du corps harmonieux ou, au contraire, «dissonant». Cette métaphore du corps instrumentalisé est importante au théâtre, où elle traduit particulièrement l’idée de désordre, dans le microcosme, mais aussi le corps politique, comme le montre notamment l’étude de la métaphore des cloches. Les métaphores musicales du corps sont également intégrées à la structure dramatique, comme le montre l’exemple de Péricles et de Richard II.

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Andreatta, Moreno. "Une introduction musicologique à la recherche « mathémusicale » : aspects théoriques et enjeux épistémologiques". Circuit 24, nr 2 (13.08.2014): 51–66. http://dx.doi.org/10.7202/1026184ar.

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Cette contribution se propose de présenter certains aspects théoriques et discuter quelques enjeux épistémologiques des recherches menées par l’auteur dans le domaine des rapports entre mathématiques et musique. Après une introduction générale sur le contexte de la recherche « mathémusicale » à l’Ircam et la place du projet misa (Modélisation informatique des structures algébriques en musique) au sein des activités de recherche de l’équipe Représentations musicales, nous discutons le problème de la formalisation algébrique de la théorie des ensembles de classes de hauteurs (Set Theory) et de la théorie transformationnelle (Transformational Theory), deux paradigmes analytiques dont nous avons étudié les aspects théoriques et computationnels à travers une démarche de modélisation informatique des structures et processus musicaux. L’analyse musicale basée sur les ensembles de classes de hauteurs et leurs transformations soulève des questions philosophiques intéressantes, notamment dans ses rapports avec la phénoménologie et les sciences cognitives. En particulier, en confrontant notre point de vue musicologique avec la phénoménologie, nous pouvons avancer l’hypothèse d’une pertinence de la catégorie de « structuralisme phénoménologique » dans une relecture/réactivation de la tradition structurale en analyse musicale.

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El Sakka, Abaher. "Revendication identitaire et représentations sociales : émergence d’un nouveau mode d’expression artistique de groupes de jeunes Palestiniens". Cahiers de recherche sociologique, nr 49 (28.03.2011): 47–62. http://dx.doi.org/10.7202/1001411ar.

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Le mouvement artistique rap et hip-hop palestinien est un support de revendications, conscientisation ou moralisation, informatif, pédagogique, parfois politique ou religieux. Il aspire à l’élaboration et la reconnaissance d’une identité plurielle et particulière. La surcharge de sens, caractéristique du travail symbolique, se situe aussi au niveau émotionnel. La communication sociale, en effet, n’est pas toujours purement instrumentale ni froidement fonctionnelle. Les symboles, socialement efficaces, ont pour caractéristique de mobiliser l’attention sur divers registres affectifs. « Il y a donc symbole là où se manifeste une capacité à provoquer chez les agents sociaux des projections émotionnelles, positives ou négatives, ou des mécanismes d’allégeance identitaire ». Elles paraissent essentielles à la promotion de la cohésion d’un groupe et pour la diffusion de ses valeurs et des éléments centraux de son idéologie. Le phénomène hip-hop est devenu incontournable dans le paysage musical et culturel contemporain palestinien. Le hip-hop n’est pas seulement un genre musical, il est aussi un art de vivre, une mode vestimentaire, une philosophie, une posture sociale. Les interviewés se voient comme créateurs de nouvelles formes d’expression musicale. Véritable culture de rue, le hip-hop a un langage, un état d’esprit, des signes de reconnaissance, une mémoire, un sentiment d’appartenance revendiquée ou attribuée.

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PERROT, Sylvain. "Citharodie et rhapsodie sur un pilier funéraire de Chios (IIIe siècle av. J.-C.) : de l’image au contexte culturel". Revista M. Estudos sobre a morte, os mortos e o morrer 7, nr 14 (30.07.2022): 375–99. http://dx.doi.org/10.9789/2525-3050.2022.v7i14.375-399.

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L’objectif de cet article est de reconsidérer en détail l’iconographie d’un pilier funéraire trouvé à Chios et daté de la première moitié du iiie siècle avant Jésus-Christ. D’un style typique de Chios, incisé et non sculpté, le décor principal montre une citharode, tandis que sur chacune des deux faces latérales est figurée une Sirène jouant d’un instrument, aulos à gauche et cithare à droite. Ces images, dont la symbolique funéraire est assurée par l’usage de ces piliers comme marqueurs de tombe, peuvent être mieux comprises à l’aune de l’histoire culturelle de Chios, et plus particulièrement celle de ses représentations musicales, dans la mesure où ce pilier a été produit au moment où la cité pouvait se targuer d’avoir donné naissance à une vedette de la scène, la citharode Glaukē. Il convient donc d’évaluer la place que la citharodie occupait dans la cité de Chios afin de mieux cerner le contexte de cette représentation. La présence de sirènes sur les côtés du pilier engage aussi à considérer le cas de la rhapsodie, a fortiori dans une île qui se prétendait lieu de naissance d’Homère. Ces éléments posés, on pourra réévaluer la place du « pilier à la citharode » dans la vie culturelle de Chios au début de l’époque hellénistique.

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Jedrzejewski, Franck. "Nœuds Polychromes et Entrelacs Sonores : Vers de Nouvelles Catégories Musicales". Musicae Scientiae 7, nr 1_suppl (wrzesień 2003): 73–83. http://dx.doi.org/10.1177/10298649040070s104.

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L'article présente deux applications de la théorie des nceuds et des entrelacs à l'univers musical. La première application est une classification des séries de douze sons selon des structures particulières appelées diagrammes de cordes. Cette taxinomie conduit à une nouvelle hiérarchie des structures profondes du lexique dodécaphonique. La chiralité et les degrés de symétrie des formes sérlelles sont directement accessibles sur ces diagrammes qui rŕsument les propriétés intrinsèques de la série, La forme schématique nodale remplit ainsi la double fonction d'integration méronymique et de contrôle combinatoire. La deuxlème application est une approche des problèmes du tempérament musical et de l'analyse des systèmes acoustiques contemporains par coloration des entrelacs. A chaque arc de la représentation planaire d'un nœud est associée une fréquence (appelée aussi couleur) du système acoustique envisagé. Lors du passage d'un arc à un autre par croisement des brins du nœud, la fréquence évolue selon les règles d'une grammaire prédéfinie, L'entrelacs ainsi étiqueté — appelé nœud polychrome — décnt complètement l'accord du système acoustique. Des questions théoriques comme la transposition des échelles tonales dans des univers nontempérés ou les variations micro-intervalliques dans Ie champ compositionnel s'etudient de manière naturelle à l'aide de ces nouvelles catégories musicales.

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Robineau, Anne. "La scène musicale anglo-québécoise : institutionnalisation, mutations et représentations". Recherche 55, nr 3 (2.02.2015): 559–81. http://dx.doi.org/10.7202/1028379ar.

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Cet article interroge le lien entre la plus grande reconnaissance attribuée à une partie de la scène musicale anglo-québécoise et le développement d’institutions et d’organismes artistiques et culturels anglophones au Québec. Certaines représentations sociales quant au mythe des deux solitudes tendent à se reproduire dans le monde des arts, mais à se transformer aussi dans le cas de coproductions franco et anglo-québécoises qui attirent un public nouveau, encore mal circonscrit, un public bilingue et principalement montréalais. Nous abordons ce sujet en traitant de l’identité anglo-québécoise et de son rapport à la culture, en décrivant plusieurs aspects de l’institutionnalisation et de la professionnalisation des artistes anglophones du Québec depuis les années 1960, puis en tentant d’identifier les mutations récentes de la scène musicale anglo-montréalaise en abordant la question de la relève et de la diversité culturelle.

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Lefebvre, Marie-Thérèse. "Le rôle de la musique dans la tradition des fêtes commémoratives à Québec entre 1859 et 1959". Les Cahiers des dix, nr 61 (9.02.2010): 43–59. http://dx.doi.org/10.7202/039147ar.

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Les Fêtes du 400e anniversaire de la ville de Québec en 2008 sont issues d’une longue tradition commémorative qui illustre les tensions dans les représentations de l’histoire, entre le savant et le populaire, et entre l’Église et l’État. Car si ce dernier s’est plu à remémorer l’apport de Champlain à la fondation de la ville et de la civilisation canadienne-française, l’Église a toujours revendiqué, de son côté, l’importance de rappeler la présence de Mgr de Laval dans le développement de la jeune colonie. L’analyse du rôle de la musique dans la tradition des Fêtes commémoratives à Québec entre 1859 et 1959 illustre à la fois l’impossibilité de séparer le tandem de ces deux ﬁgures majeures de la fondation de la ville de Québec et la complémentarité de leur représentation dans l’élaboration des programmes musicaux dont les choix témoignent de l’air du temps. Depuis ces airs d’opéras si en vogue au XIXe siècle et chantés par des artistes américains, les Fêtes ont progressivement fait appel aux musiciens et aux chanteurs locaux, pour ﬁnalement intégrer à leurs programmes des œuvres de jeunes créateurs de la région de Québec. On aura aussi observé que si le souvenir de Champlain est indissociable de celui de Mgr Laval, leur commémoration réciproque a suscité des manifestations musicales diﬀérentes, mais complémentaires, où folklore et chanson côtoyaient des œuvres de création.

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Lebray, Sébastien. "Éléments pour une définition (plus) musicale de la French touch". Musurgia Volume XXX, nr 2 (1.12.2023): 27–54. http://dx.doi.org/10.3917/musur.232.0027.

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L’expression « French touch » désigne un courant de musique électronique parisien qui a connu une grande popularité internationale de la fin des années 1990 au début des années 2000, incluant parmi ses artistes les plus représentatifs Daft Punk, Air, Stardust, Cassius, Motorbass, Étienne de Crécy, St Germain et Mr. Oizo. Alors que la French touch est généralement définie prioritairement sur la base de critères géographiques, historiques et sociaux, le présent article se propose de mettre en évidence ses caractéristiques musicales spécifiques à partir d’une analyse musicale comparative. Réalisée sur un corpus principal de huit œuvres représentatives de la French touch et de la deep house, cette analyse permet de confirmer le rôle prépondérant du filtrage de fréquences, ainsi que l’importance des influences disco passant notamment, mais pas seulement, par l’usage de samples. Elle met également en évidence l’hétérogénéité harmonique de la French touch, son goût prononcé pour les instruments analogiques et sa tendance à désincarner les voix par divers traitements électroniques.

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Vinet, Hugues. "Le projet SemanticHIFI : manipulation par le contenu d’enregistrements musicaux". Circuit 16, nr 3 (29.01.2010): 65–74. http://dx.doi.org/10.7202/902413ar.

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Le projet européen SemanticHIFI vise la préfiguration des chaînes hi-fi de demain, proposant aux mélomanes des fonctions inédites de gestion et de manipulation par le contenu des enregistrements musicaux. Les limites des équipements existants sont liées à celles des formats de diffusion de la musique qui, se présentant depuis plusieurs décennies sous la forme de signaux d’enregistrements stéréophoniques, n’autorisent que des modes de manipulation élémentaires. L’extension des supports d’information musicale à des représentations plus riches, issues soit directement de processus de production renouvelés ou d’outils d’indexation personnalisés, rend possible la réalisation de fonctions innovantes : classification personnalisée, navigation par le contenu, spatialisation sonore, composition, partage sur les réseaux préservant les droits liés aux oeuvres, etc. Ces fonctions sont le résultat d’activités de recherche menées dans le cadre du projet et se situant à la pointe de plusieurs disciplines : analyse et traitement des signaux audionumériques, ingénierie des connaissances musicales, interfaces homme-machine, architectures de réseaux distribuées. Le projet prévoit également une phase d’intégration, visant la réalisation de prototypes d’application, permettant de valider l’ensemble de ces fonctions dans un environnement technique unifié et compatible avec les contraintes du marché de l’électronique grand public. L’auteur propose une vue d’ensemble du projet, dont il assure la direction.

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Bigo, Louis, i Antoine Spicher. "Construction et manipulation de collections topologiques pour les représentations musicales". Techniques et sciences informatiques 33, nr 7-8 (30.10.2014): 627–50. http://dx.doi.org/10.3166/tsi.33.627-650.

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Lazzaro, Federico, i Christopher Moore. "Machines et imaginaires musicaux (1900–1950)". Music and Machines 39, nr 2 (30.08.2022): 3–14. http://dx.doi.org/10.7202/1091834ar.

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Le dossier Machines et imaginaires musicaux (1900–1950) / Machines and the Musical Imagination (1900–1950) conçoit une réflexion autour de trois axes sur les rapports entre la musique et les machines au début du XXe siècle : 1) la spécificité de cette époque dans l’histoire de la représentation des machines en musique; 2) les topoï de cette transposition; 3) la complexité des interactions entre machines, musique et société.

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Bonnéry, Stéphane, i Manon Fenard. "Les répertoires musicaux des adolescents – Légitimité et omnivorité au prisme de la socialisation". Diversité 173, nr 1 (2013): 31–38. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2013.3756.

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Cet article constitue une première contribution pour comprendre les relations qui pourraient exister dans le processus de socialisation entre les connaissances musicales que les jeunes ont acquises et leurs goûts et leurs manières d’écouter la musique (en dansant, en parlant de musique, en comparant un morceau à un autre…). Il est fondé sur une enquête par entretiens semi-directifs réalisée entre 2009 et 2011 auprès de 32 jeunes scolarisés en 4e ou 3e dans des collèges socialement différenciés : dans des banlieues homogènes très populaires, comme Sevran, ou dans des collèges hétérogènes de Paris ou de banlieue (Montreuil). Les entretiens, portant sur les connaissances et les goûts, ont été traités qualitativement (identification des occasions et des agents de découverte musicale, des contextes de constitution d’habitudes…) et quantitativement sous Modalisa, pour mesurer les volumes de citations d’artistes, de genres et sous-genres, ainsi que les catégories de perception utilisées. Mais bien que l’analyse quantitative ne conduise pas à évoquer souvent des pourcentages pour une petite population qui n’est pas représentative statistiquement, elle sert à repérer les écarts flagrants selon les types de jeunes, ce que nous détaillons en distinguant trois types d’origines sociales et culturelles : 10 enfants de cadres et professions supérieures, 4 de professions artistiques, et 18 enfants des classes populaires.

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Barnat, Ons. "Hybridité, authenticité et atteinte du succès international ; réflexion sur les processus de commercialisation de disques de world music". Revue musicale OICRM 2, nr 2 (6.06.2019): 133–53. http://dx.doi.org/10.7202/1060134ar.

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Cet article propose une réflexion critique sur les processus d’internationalisation et de commercialisation de disques étiquetés world music. J’y examine la dialectique des représentations croisées opérée entre producteurs et consommateurs de world music, en faisant un examen historique des différents types de maisons de disques qui emploient cette appellation – au demeurant très controversée depuis son invention par l’industrie du disque en 1987. Ultimement, cet article analyse les liens paradoxaux entre respect d’une « authenticité » et création d’une « hybridité musicale » dans la réalisation de disques commercialisés sous la bannière world music.

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Bonjour, Théophile. "La valorisation musicale des grands lacs périalpins : l’ennui ou la fête". Collection EDYTEM. Cahiers de géographie 21, nr 1 (2021): 167–83. http://dx.doi.org/10.3406/edyte.2021.1456.

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Dans la continuité des travaux de Jean-Claude Vernex sur la géographie culturelle des lacs, cet article s’inscrit dans des réflexions récentes sur la notion de limnosystème, définie par Laurent Touchart comme «l’ensemble des interactions naturelles […] et socioculturelles ([ en tant qu’écosystème] possédant une identité culturelle) se produisant sur un territoire centré sur un plan d’eau » . Cette étude propose une description de l’identité culturelle des lacs périalpins sous l’angle sonore. Cette identité sonore a notamment été construite au XIXe siècle par la multiplication des représentations musicales du Bourget et du Léman au moment de l’âge d’or des stations thermales d’Aix-les-Bains et d’Évian-les-Bains. La construction du «son des lacs » est étudiée : d’une part, au moyen de l’analyse d’un corpus de pièces musicales dont les titres évoquent les lacs périalpins ; d’autre part, en faisant la géographie des pratiques musicales thermales dans les territoires lacustres savoyards au XIXe siècle.

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Beaucage, Réjean. "Le courant électrique dans Montréal/Nouvelles Musiques". Circuit 14, nr 2 (15.02.2010): 29–34. http://dx.doi.org/10.7202/902310ar.

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L’auteur explore le versant électronique de la programmation du Festival Montréal/Nouvelles Musiques. La place que les directeurs artistiques ont choisi d’offrir aux musiques électroniques, électroacoustiques ou mixtes dans cette programmation est-elle proportionnelle à celle qu’elles occupent dans la création contemporaine? Cette programmation est-elle, en d’autres mots, représentative de notre environnement musical? C’est à ces questions que le texte veut répondre.

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Panitz, Lucas Manassi. "Pratiques musicales, représentations et transterritorialités en réseau entre l’Argentine, le Brésil et l’Uruguay". Géographie et cultures, nr 88 (1.12.2013): 149–68. http://dx.doi.org/10.4000/gc.3072.

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Raibaud, Yves. "MUSIQUE ET TERRITOIRE : CE QUE LA GEOGRAPHIE PEUT EN DIRE, VUE DE FRANCE". Espaço e Cultura, nr 50 (20.12.2021): 209–25. http://dx.doi.org/10.12957/espacoecultura.2021.65173.

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Lorsqu‟un géographe s'invite à des débats généralement investis par d‟autres sciences sociales, on lui demande souvent : « Que vient faire la géographie dans cette affaire? ». Il doit alors se justifier en rappelant que la géographie n‟est pas une simple description de la terre mais une science sociale à part entière, traitant de l'espace des sociétés, de la position des hommes dans le monde et des représentations qu'ils s'en font. L‟association musique et territoire en est un exemple : partir du son et de l'environnement sonore comme d‟une source d'information sur l‟espace, envisager la musique et les pratiques musicales comme géo-indicateurs de l‟organisation des lieux, les politiques musicales comme modes de gouvernance etc. permet de construire une connaissance fine des territoires et aide à comprendre la manière dont les humains se les approprient et comment ils les transforment.

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Perrot, Thomas. "Bordeaux et les expressions musicales d'origines africaines : le cosmopolitisme urbain en question". Sud-Ouest européen 22, nr 1 (2006): 41–52. http://dx.doi.org/10.3406/rgpso.2006.2923.

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Les contacts interculturels dans les métropoles occidentales se sont considérablement accélérés depuis une trentaine d'années. La musique dite « africaine » en France traduit ce phénomène et constitue une entrée pour leur étude. Comprendre par l'espace, dans ses attributs tant matériels que symboliques, comment s'insèrent et se vivent aujourd'hui ces musiques, largement globales, dans la métropole régionale bordelaise, incite à l'exploration des manières dont se construisent nos cités désormais multiculturelles et à saisir les enjeux qui les traversent. Dans ce cadre, la relation « musiques métisses » et espace est à replacer à la fois dans une approche anthropologique globale qui fait la part belle aux représentations de l'altérité et aux logiques d'intégration, et dans une approche plus pointilleuse des sociabilités urbaines en mouvement dans des lieux qui recèlent toujours une forte dimension politique.

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Veit, Patrice. "Bach à Berlin en 1829: une « redécouverte »?" Annales. Histoire, Sciences Sociales 62, nr 6 (grudzień 2007): 1345–86. http://dx.doi.org/10.1017/s0395264900036234.

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RésuméEn 1829 à Berlin est rejouée une œuvre qui n’avait plus été entendue depuis la mort de son auteur: laPassion selon saint Matthieude Johann Sebastian Bach. Cette audition acquiert une dimension historique, considérée dès cette époque comme l’acte de naissance de la « redécouverte » de Bach et de sa musique, et fait entrer du même coup la capitale prussienne dans l’histoire de la musique occidentale. À partir d’une démarche d’histoire urbaine et culturelle, cet article se propose d’étudier cet événement en reconstruisant notamment les sociabilités musicales berlinoises, en interrogeant le caractère de la référence à Bach au début du XIXesiècle, en examinant les conditions de l’œuvre et de son exécution ainsi que son interprétation cent ans environ après sa première représentation.

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Aquatias, Sylvain. "L'influence des pairs sur le goût musical des jeunes". Diversité 173, nr 1 (2013): 56–62. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2013.3760.

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La malléabilité des jeunes et l’emprise des médias sur leurs goûts restent une interprétation fortement récurrente et les groupes de pairs semblent avoir une faible autonomie. Entre conformisme (aux médias, aux pairs, aux parents, etc.) et affirmation de soi, la construction du goût adolescent mérite que l’on s’y attarde davantage. C’est ce que nous allons faire ici en explorant la question du goût musical à partir d’une recherche articulant données quantitatives et qualitatives. L’enquête quantitative portait sur les activités de loisirs des jeunes scolarisés et a été menée en 2009 auprès d’une population représentative d’élèves du Limousin, échantillonnée aux quotas des établissements (collège, LGT, LP ; milieu rural ou urbain) et des élèves (classe et sexe). 1 114 questionnaires ont été validés, provenant de cinquante classes réparties proportionnellement entre 5e (20 classes), 3e (15 classes), 1re générale et technologique (10 classes) et LP (5 classes). L’enquête qualitative correspond à une vague d’entretiens avec des jeunes nés en 1994, en filière générale ou professionnelle, garçons et filles, et portant sur la construction des goûts (30 entretiens).

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Dragani, Amalia. "Le genre du rêve". Anthropologie et Sociétés 42, nr 2-3 (5.10.2018): 361–83. http://dx.doi.org/10.7202/1052651ar.

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Cet article a pour objet les représentations et les pratiques oniriques et divinatoires à la lumière du genre. La narration du rêve revêt un caractère de parole confidentielle chez les poètes touaregs qui, à la différence des auteures féminines, n’en font pas un thème poétique. Les pratiques oniriques, associées au monde des morts, des génies et à la sexualité, sont d’ordinaire perçues comme appartenant à la sphère féminine. Cependant, elles font discrètement l’objet de pratiques masculines, mais de nuit et en toute discrétion. Les tensions récemment introduites par les islamistes au Nord du Mali, lesquels condamnent les pratiques mantiques, musicales et poétiques, font que les hommes et les poètes se montrent de plus en plus discrets sur leur vie onirique et leur processus créateur.

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Dratwicki, Alexandre. "Influences de la symphonie concertante sur la musique de la Cour parisienne sous l'Empire et la Restauration (1800-1830)". Anuario Musical, nr 58 (30.12.2003): 219. http://dx.doi.org/10.3989/anuariomusical.2003.58.75.

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[fr] La vogue du concert public à Paris, à la fin du XVIIIe siècle, fut à l'origine de l'essor phénoménal que connut la symphonie concertante. Le répertoire de la musique de la Cour - entre 1800 et 1830 - est particulièrement représentatif de cette mode : il révèle une place encore insoupçonnée laissée à la virtuosité. Agrémentant les messes de la Chapelle ou les bals donnés lors de fastueuses soirées, ce « style concertant décoratif » devint un élément constitutif de l'apparat gouvernemental sous l'Empire et la Restauration. Une sorte d'académisme officiel que les événements politiques de 1830 et l'essor du romantisme musical feront définitivement disparaître.

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Dubé, Francis, Ursula Stuber, Mathieu Boucher, Marie-Claude Dumoulin, Christian Martin i Malinalli Peral Garcia. "Représentations d’attitudes posturales saines de professeurs de piano enseignant à des élèves du précollégial : étude exploratoire". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 12, nr 1-2 (3.12.2018): 103–13. http://dx.doi.org/10.7202/1054206ar.

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Cette étude visait à s’informer de quelle manière des professeurs de piano enseignant au pré-collégial décrivent des attitudes posturales qu’ils jugent saines d’enseigner à leurs élèves afin d’éviter qu’ils se blessent en jouant. Les réponses reçues ont été classifiées en fonction de leur possibilité à mener aux postures et aux positions saines expliquées dans la littérature scientifique. L’analyse qualitative effectuée à partir des données récoltées à l’aide d’un questionnaire (38 professeurs) a révélé que seulement 24 % des réponses obtenues avaient une forte probabilité de mener aux postures et aux positions jugées adéquates. Ces résultats sèment donc un doute réel sur l’aptitude des professeurs de piano à travailler efficacement, sur le plan postural, à la prévention de troubles musculosquelettiques liés à l’exécution musicale auprès de leurs élèves. D’autres recherches devront être menées afin d’infirmer ou de confirmer les résultats préliminaires obtenus par cette étude.

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Ferrand, Laure. "Bruce Springsteen, sociologie d’un rocker". Articles 30, nr 2 (18.11.2011): 25–40. http://dx.doi.org/10.7202/1006376ar.

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Dans cet article, nous proposons d’étudier la place qu’occupe Bruce Springsteen dans la culture rock à la lumière d’une sociologie des amateurs et des représentations sociales. Professionnel du rock — en opposition à la figure du pionnier et du décadent — il incarne l’héritage et la poursuite du rock en étant messager et en perpétuant le mythe de l’origine sociale. Pour saisir la structuration de son imaginaire, les notions d’enracinement dynamique, d’authenticité, de présentéisme et de pacte fraternel serviront de fil conducteur à notre argumentation. Nous verrons que le rôle du rocker est notamment d’affermir le lien social et par ainsi cimenter et perpétuer la culture et la tribu rock. Le répertoire musical, les paroles de chansons, le traitement journalistique et les discours des amateurs illustreront cette perspective.

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Schepping, Wilhelm. "La critique du régime et de la guerre dans les chansons de l’époque hitlérienne". Chroniques allemandes 10, nr 1 (2003): 135–52. http://dx.doi.org/10.3406/chral.2003.1871.

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Cette contribution rend compte, en les commentant, des résultats d’un projet de recherche de longue haleine dirigé par l’auteur à l’Institut d’ethnologie musicale de l’université de Cologne : il s’agissait d’étudier les chants d’opposition au nazisme durant le IIIe Reich. Conformément au sujet du colloque «La guerre en chansons», notre texte montre à partir d’exemples représentatifs qu’en Allemagne, parmi les multiples manifestations de critique ou de résistance, le fait de chanter des textes d’opposition, textes originaux, mais aussi parodies d’hymnes nationaux, de chants partisans, de chants d’église, de chansons du mouvement de jeunesse ou de chansons de variétés alors en vogue, représenta un moyen fréquent d’expression connotative et annotative de critique ou de résistance, et ainsi un instrument efficace de lutte contre le régime et la guerre, exposant ceux qui l’utilisèrent à une répression impitoyable.

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White, Kimberly. "Les débuts et les débutantes à l’Opéra de Paris sous la monarchie de Juillet (1830-1848)". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 12, nr 1-2 (3.12.2018): 9–18. http://dx.doi.org/10.7202/1054196ar.

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Cette étude présente le système des « débuts » à l’Opéra de Paris pendant la monarchie de Juillet, des premières auditions aux premières représentations, et s’intéresse en particulier aux expériences des débutantes. En France, au XIXe siècle, les courants de pensée sexistes influençaient le jugement du public et des critiques; en effet, les artistes étaient jugés différemment selon leur sexe. Les nouvelles chanteuses subissaient des pressions pour se conformer à l’image idéale de la débutante transmise par les anecdotes, les romans et même la critique musicale. L’objectif de cet article est d’étudier les efforts ainsi que les ambitions des chanteuses qui se sont essayées à des carrières professionnelles à l’Opéra, bravant ainsi les difficultés de l’époque. La première partie décrit les débuts; la deuxième partie s’intéresse à la perception des débutantes proposée par la presse; et enfin, la troisième partie se concentre sur les débuts de deux jeunes artistes, Cornélie Falcon et Noémie de Roissy.

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