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Lemay-Perreault, Rébéca. "Apport des sciences de l’éducation au concept et aux pratiques de médiation culturelle". Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, nr 12 (25.05.2017): 93–114. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i12.602.
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Cette réflexion s’appuie sur le constat d’un déplacement du centre de gravité des musées des objets de collection vers les visiteurs. Ce passage est marqué tant par l’augmentation que la diversité des formes de la participation des publics au sein de l’institution. Le concept de médiation suggère une démarche holistique qui accueille sous sa coupole une constellation de pratiques, prenant en considération toutes les fonctions muséales et toutes les dimensions – physiologiques, affectives, ludiques et cognitives – de l’expérience muséale vécue avant, pendant et après la visite dans l’espace réel ou virtuel. Toutefois, le flou définitionnel qui caractérise la médiation culturelle en milieu muséal rend difficile son opérativité pratique. Pour cette raison, elle nécessite un support théorique permettant d’encadrer davantage les stratégies d’intervention auprès des publics. D’où la question : les approches théoriques des sciences de l’éducation, notamment le constructivisme et le socioconstructivisme, facilitent-elles la normalisation des pratiques de médiation en milieu muséal sans pour autant en corrompre la nature ?
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Lachapelle, Richard, Thibault Zimmer i Anita Sinner. "The Professional Training of Museum Educators in Canada / La formation professionnelle en éducation muséale au Canada". Canadian Review of Art Education / Revue canadienne d’éducation artistique 46, nr 1 (29.01.2019): 101–12. http://dx.doi.org/10.26443/crae.v46i1.64.
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Abstract: A review of museum training programs was undertaken to assess the current state of professional museum education training in Canada. Out of 18 post-secondary museum studies programs, four programs include one museum education course and two programs include two courses. We found no evidence of museum education content in any of the eight Canadian curatorial practice programs. In terms of specialized programs, a Masters of Museum Education program has existed at UBC since 2012. Another Canadian university is currently examining the possibility of setting up a program. We conclude that the offer of professional museum education training in Canada is slowly improving. Keywords: Museum Education; Museum Education Training; Post-secondary Professional Education; Professionalization of Museum Education. [1] This research has been made possible by a grant from the Social Sciences and Humanities Research Council of Canada.Résumé : Une analyse des différents programmes de formation muséale a été menée pour déterminer l’état actuel de la formation muséale professionnelle au Canada. Quatre des dix-huit programmes d’études muséales postsecondaires proposent un seul cours d’éducation muséale tandis que deux programmes en offrent deux. Nous n’avons trouvé aucune trace de contenu d’éducation muséale parmi les huit programmes canadiens de pratique des conservateurs. En ce qui concerne les programmes spécialisés, l’Université de la Colombie-Britannique propose depuis 2012 un programme de maîtrise en éducation muséale. Une autre université canadienne étudie présentement la possibilité de mettre sur pied un tel programme. Il semblerait donc que la formation professionnelle en éducation muséale offerte gagne lentement du terrain.Mots-clés : éducation muséale, formation à l’éducation muséale, formation professionnelle postsecondaire, professionnalisation de l’éducation muséale.[1]Cette recherche a bénéficié d’une subvention du Conseil de recherches en sciences humains du Canada.
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Provencher St-Pierre, Laurence. "Le contemporain : objet de collection et de réflexion dans les musées de société". Muséologies 7, nr 2 (7.05.2015): 19–30. http://dx.doi.org/10.7202/1030248ar.
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Comment définir l’objet au centre des pratiques actuelles de collecte dans les musées ? Outre son caractère hétérogène et pluriel qui rend ses contours difficiles à cerner, l’objet de collection pourrait-il être qualifié de contemporain ? C’est la piste qu’a choisi d’explorer Laurence Provencher St-Pierre qui démontre dans cet article de quelles manières la collecte du contemporain s’est graduellement développée au cours des dernières décennies de manière à faire du contemporain à la fois un objet de collection et un objet de réflexion pour les musées de société. Sans être une nouvelle pratique, sa collecte occupe une place grandissante dans la communauté muséale et est en train de s’imposer comme une tendance. Un nombre croissant d’institutions manifestent leur désir de s’engager dans une collecte organisée des objets appartenant à un passé récent, voire au présent, et de théoriser sur le sujet. Cette préoccupation s’est imposée comme un enjeu sur le plan de la muséologie internationale, comme en témoigne la création récente du Comité international pour le développement des collections (COMCOL) dont un des groupes de travail s’intéresse spécifiquement à la collecte de l’actuel. Leurs travaux participent à la création d’un discours réflexif sur cette pratique. D’ailleurs, les membres du COMCOL, qui tentent de positionner le présent comme un champ de recherche à part entière pour les muséologues, ont rapidement élargi leur intérêt initial pour la collecte du contemporain à l’objectif plus général de documenter la société contemporaine sous tous ses aspects. Ce passage de la collecte à la documentation du présent semble caractéristique des pratiques muséales actuelles. Cherchant à matérialiser l’intangible qui renvoie à son propre présent, le musée fait de la société le véritable objet au centre de ses pratiques. En conservant les traces de l’aujourd’hui, il s’accorde un rôle d’observateur et témoigne de cette préoccupation marquée de la société pour sa propre époque.
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Théberge, Mariette. "Éducation artistique à la formation à l’enseignement : autoévaluation de l’apprentissage réalisé lors d’une visite au Musée des beaux-arts du Canada". Articles 24, nr 3 (17.10.2007): 515–40. http://dx.doi.org/10.7202/031970ar.
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Résumé Cet article porte sur la pratique pédagogique mise en oeuvre en éducation artistique dans un contexte particulier de formation. À l'automne 1996, 137 étudiantes et étudiants francophones, inscrits à la formation à l'enseignement élémentaire de la Faculté d'éducation de l'Université d'Ottawa, ont procédé à une autoévaluation de ce qu'ils ont appris en visitant les sections d'art moderne et contemporain du Musée des beaux-arts du Canada. L'analyse des réponses montre une compréhension accrue du sens personnel et professionnel qui ressort d'une expérience esthétique et l'importance à accorder au contexte social dans la réalisation d'une oeuvre artistique. Emergent également la nécessité d'encadrer toute visite au musée de manière à faciliter une ouverture d'esprit devant la nouveauté et la nécessité de reconnaître le bien-fondé de collaborer avec une institution muséale.
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Rodriguez, Véronique. "La collection muséale et la variabilité de l’oeuvre : échantillon de pratiques et rôle de l’artiste". Muséologies 5, nr 1 (8.10.2015): 108–34. http://dx.doi.org/10.7202/1033524ar.
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Pour de nombreux artistes, les années 1960 marquent un tournant dans leur pratique au cours duquel ils choisissent de délaisser les médias de création traditionnels : gravure, peinture ou sculpture pour se tourner vers de nouveaux médiums au caractère variable : la performance, l’installation ou la vidéo. L’entrée de ces oeuvres dans les collections muséales entraîne son lot de changements. En analysant et comparant les pratiques au sein de deux institutions nationales, l’une au Québec (MBAQ) et l’autre en Suisse (Mamco), Rodriguez démontre que l’authenticité de l’oeuvre ne repose plus uniquement sur sa matérialité, mais bien sur l’intention de l’artiste, devenue une valeur culte.
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Gauvin, Jean-François. "Les musées de sciences, la « présence » des objets et les défis pédagogiques de l’habitus". Éducation et francophonie 43, nr 1 (1.05.2015): 29–44. http://dx.doi.org/10.7202/1030179ar.
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L’objectif de ce texte est de jeter les bases théoriques et pratiques pour la création d’une approche complémentaire à la visite conventionnelle des musées de sciences et de techniques. Le point de vue proposé cherche à (re)centrer, à (re)focaliser encore plus la pédagogie et la didactique muséale sur l’objet. Comment, en effet, redonner à ces objets froids et inertes, généralement placés derrière d’austères vitrines, leur « présence » originelle, qui éveillera en nous non seulement le sens de la vue (la « beauté » esthétique et pratique de l’objet), mais tous les autres, sans lesquels les objets de notre quotidien perdent toute leur signification – leur sens. La clé d’analyse se trouve dans trois concepts : profondeur, procédé et participation. Et au coeur de ces concepts se cache l’habitus, l’apprentissage structuré et structurant de toute connaissance.
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Blanchet-Robitaille, Ariane. "Le mentefact au musée : la mémoire mise en scène". Muséologies 6, nr 1 (31.07.2012): 55–75. http://dx.doi.org/10.7202/1011532ar.
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Considérant la préoccupation grandissante qui existe quant au lien entre l’individu et son patrimoine immatériel en nouvelle muséologie, Ariane Blanchet-Robitaille précise la notion de mentefact et révèle comment l’intégration progressive de ce nouvel « objet muséal » au sein des collections énonce le rapport qui existe entre la mémoire et le musée. Envisageant les possibilités multiples qu’instaure cette nouvelle réalité pour le musée, dont la mise en valeur des contenus d’exposition, l’auteure souligne la nécessité pour l’institution muséale de se doter d’outils visant à faciliter l’acquisition, la documentation et la conservation des mentefacts. S’inspirant à la fois de la typologie du patrimoine immatériel élaborée par l’UNESCO et de la Grille des pratiques culturelles de Jean Du Berger qui classifie le patrimoine ethnologique, elle propose une typologie des mentefacts déclinée en cinq catégories, ainsi qu’une grille de sélection visant à encadrer leur intégration au sein des collections muséales. Son article fait également état de certaines mises en garde associées à l’intégration au musée des mentefacts, notamment en ce qui concerne le fait qu’ils doivent permettre la production d’un discours qui reflète la diversité caractéristique de notre réalité et qu’ils doivent aussi permettre de révéler le changement et le dynamisme inhérents à toute société, à travers le temps.
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Lemay-Perreault, Rébéca. "L’Educational Turn. L’éducation comme média artistique: À la recherche d’une interactivité nouvelle". Canadian Review of Art Education: Research and Issues / Revue canadienne de recherches et enjeux en éducation artistique 43, nr 1 (17.10.2016): 40. http://dx.doi.org/10.26443/crae.v43i1.16.
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Abstract: “Educational Turn”, an expression used for a decade by museology and various contemporary art environments, by artists as well as curators (Rogoff, 2008; O’Neill & Wilson (Eds.), 2010; Wilson & O’Neill, 2010; Wesseling (Ed.), 2011). Derived from artistic avant-garde tendencies of the second half of the 20th Century, including institutional critique and relational aesthetics, it immediately brings forward the issues of interactive modalities of the exhibited artwork, public participation, and knowledge dissemination. But this expression actually goes further since the concept of “educational turn” is not only rooted in the artwork as a mediation tool, but to cite Podesva (2007), in education as an artistic medium, fudging the disciplinary limits of art, museology, and museum education. What is new about this turn and how does it transform museum practices? This essay aims to define a new interaction mode embodied by these productions by analyzing the historiographical corpus theorizing the movement. KEYWORDS: Educational Turn; contemporary art; interactivity; museum; postmodernismRésumé: « Educational turn », un terme qui, depuis dix ans, a su se faire connaître dans différents milieux de l’art contemporain et de la muséologie, tant chez les artistes que chez les conservateurs (Rogoff, 2008; O’Neill & Wilson (Eds.), 2010; Wilson & O’Neill, 2010; Wesseling (Ed.), 2011). Issu des avant-gardes artistiques de la deuxième moitié du 20e siècle, notamment de la critique institutionnelle et de l’esthétique relationnelle, il pose d’emblée la question des modalités d’interactivité de l’objet d’exposition, de la participation des publics et de la transmission des savoirs. Mais l’expression va plus loin puisque l’idée d’un « educational turn » prend non seulement ancrage dans une conception de l’œuvre d’art comme dispositif de médiation, mais aussi, pour reprendre l’expression de Podesva (2007), de l’éducation comme un médium artistique, brouillant les frontières disciplinaires de l’art, de la muséologie et de l’éducation muséale. En quoi ce tournant est-il nouveau et quelles transformations apporte-il à la pratique muséale ? À travers une analyse du corpus historiographique théorisant le mouvement, cet essai vise définir un nouveau mode d’interactivité incarné dans ces productions.MOTS CLES: Eductional Turn; art contemporain; interactivité; musée; postmodernité
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Dine, Susan. "Critique, dialogue et action. La représentation des musées dans Black Panther". Muséologie et cinéma : perspectives contemporaines 43 (2024): 90–112. http://dx.doi.org/10.4000/11rah.
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Au cours des dernières décennies, le monde des musées a consacré du temps et des ressources à l’étude des opinions et des actions de leurs visiteurs ; cependant, il est beaucoup plus difficile d’accéder aux perspectives d’un public plus général qui comprend les non-visiteurs. Cet article présente la culture visuelle populaire comme une forme d’engagement entre les professionnels des musées et le public. En analysant la scène muséale du film Black Panther des studios Marvel ainsi que les réactions qu’elle a suscitées, puis en les replaçant dans le contexte de l’histoire et de l’actualité du secteur muséal, il identifie les moyens par lesquels la culture visuelle populaire peut susciter des changements dans d’autres industries culturelles – en créant des critiques productives qui peuvent évoluer vers un dialogue et une action percutants pour modeler une recherche réactive et des pratiques muséales plus inclusives.
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Maugez, Lucille, i Agnès Clerc-Renaud. "expérience de muséologie collaborative". Museologia & Interdisciplinaridade 10, nr 19 (31.05.2021): 140–62. http://dx.doi.org/10.26512/museologia.v10i19.34586.
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Cet article a pour objectif d’explorer les transformations engendrées par la collaboration entre représentants autochtones et muséologues sur les pratiques muséales. Nous verrons comment les activités développées dans un tel cadre permettent de repenser le statut et la catégorisation de l’objet muséalisé ainsi que ceux de l’espace muséal. Nous aborderons également les bénéfices et les significations d’une telle entreprise pour les groupes autochtones impliqués. Nous nous appuierons sur les résultats d’une expérience de terrain ethnographique réalisée au sein du Musée d’Archéologie et d’Ethnologie de l’Université de São Paulo et des villages des groupes Kaingang, Guarani Nhandewa et Terena du Centre-Ouest de l’État de São Paulo.
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Provencher St-Pierre, Laurence. "Ethnologie en contexte muséal". Ethnologies 40, nr 2 (26.02.2019): 51–73. http://dx.doi.org/10.7202/1056383ar.
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Dans son ouvrageLe Québec pour terrain. Itinéraire d’un missionnaire du patrimoine religieux(2004), l’ethnologue Jean Simard relevait la richesse du patrimoine immatériel des Augustines de l’Hôtel-Dieu de Québec dans un contexte d’abandon généralisé de la pratique religieuse. Quinze ans plus tard, les Augustines de la province proposent aux ethnologues un terrain de recherche renouvelé. Héritières d’un patrimoine culturel immense, elles ont choisi d’assurer la transmission de celui-ci par la création d’un complexe patrimonial novateur incluant un hôtel, un centre d’archives et un musée. En retraçant le développement de la collection du Monastère et les différents types d’objets patrimoniaux qu’on y conserve, cet article propose de s’éloigner de l’image de l’ethnologue « missionnaire du patrimoine » et d’adopter une approche ethnologique du musée en s’intéressant aux pratiques muséales contemporaines et à ses divers acteurs.
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Paquin, Maryse. "Médiation culturelle au musée : essai de théorisation d’un champ d’intervention professionnelle en pleine émergence". Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, nr 8 (12.05.2015): 103–15. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i8.493.
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La médiation culturelle s’impose dans les sociétés industrialisées en rapprochant les citoyens de l’art et de la culture. Le musée n’échappe pas à ce mouvement de démocratisation et de démocratie culturelles qui souffle sur les institutions culturelles, tant au Québec qu’ailleurs dans le monde. À ce titre, les services d’éducation des musées québécois intègrent de plus en plus la médiation culturelle à leur registre de pratiques et les universités québécoises offrent dorénavant des programmes de formation allant de pair avec les exigences de professionnalisation du domaine. Mais qu’est-ce que la médiation muséale ? En quoi se distingue-t-elle de la médiation culturelle ? Quels en sont les fondements théoriques et conceptuels ? Répondre à ces questions s’avère crucial puisque le fait de mieux connaître et comprendre les fondements du domaine constitue la première étape vers la professionnalisation du métier de médiateur muséal, une profession en pleine émergence.
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Basso Fossali, Pierluigi, i Julien Thiburce. "« C’est nous qui punissons. ». Quels enjeux d’un discours muséal sur les prisons ?" SHS Web of Conferences 78 (2020): 01023. http://dx.doi.org/10.1051/shsconf/20207801023.
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Dans le cadre de l’exposition internationale et itinérante Prison, co-produite par le Musée International de la Croix-Rouge et du Croissant- Rouge de Genève, le musée des Confluences de Lyon et le Deutsches Hygiene-Museum de Dresde, des institutions muséales élaborent un discours sur les pratiques carcérales dans l’espace occidental contemporain, à l’attention d’un large public. Pour ces institutions, il s’agit de gérer les connaissances et les sensibilités des publics auxquels elles s’adressent, à travers la constitution d’un parcours d’exposition selon une trame narrative tissée par une diversité de médiations et de textes. En nous situant dans le premier axe du congrès, nous articulons une perspective sémiotique aux perspectives de l’analyse des interactions et de l’analyse du discours pour étudier les enjeux socio-pragmatiques de ce discours en espace muséal. Nous nous focalisons sur l’interprétation d’une phrase qui tient presque le rôle de fronton dans cette exposition Prison : « C’est nous qui punissons. ». Nous nous attardons de manière privilégiée sur les formes d’engagement instaurées à travers cet énoncé, aussi bien pour les institutions que pour les publics.
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Schmitt, Céline. "La scénographie, de l’espace au regard". Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 18, nr 1 (2010): 199–208. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2010.904.
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Depuis plusieurs décennies, la scénographie connaît un engouement tel qu’elle ne sait plus très bien où elle en est ni qui elle est. Elle a passé la rampe, elle est descendue de la scène et est sortie des théâtres pour s’exposer à un monde où tout espace peut devenir, le temps d’un regard, le lieu d’un événement spectaculaire. Au cours de son émancipation comme art spécifique, elle a dû s’adapter aux transformations des dispositifs techniques et à l’évolution du regard qu’ils engendrent. Il lui a aussi fallu apprendre à lutter contre un certain nombre d’atavismes coriaces qui n’ont pas manqué de laisser de profondes cicatrices. La scénographie s’est libérée de la structure matérielle de la scène en emportant avec elle le dynamisme scénique, c’est-à-dire, une mise en tension du regard, un rythme de l’oeil dans l’espace qui active la représentation. Cependant, quand la représentation tend à se confondre avec la consommation, la scénographie oscille entre l’activation du regard et des stratégies de manipulation. Et on voit que ce n’est pas tellement en tant que pratique que la scénographie connaît une période de crise, mais d’une part, en tant que discipline strictement définie et d’autre part, comme objet d’analyse pour les théories de l’art. La scénographie provoque une crise de la pensée, car ses formes actuelles d’exposition ne sont pas seulement le signe de la transformation de la culture muséale, elles nous renseignent sur le processus de représentation dans son ensemble dans la mesure où elles questionnent l’étrange articulation entre voir et faire-voir. Elles révèlent également l’influence du fonctionnement de l’espace sur le statut de l’image et sur l’identité du spectateur que nous sommes aujourd’hui. Or, ce fonctionnement échappe à toute rationalisation et à toute planification car on ne saurait prévoir ce qui attend le regard au détour de l’image.
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Bernardot, Hélène. "Le Musée Huron-Wendat". Ethnologies 43, nr 1 (5.10.2021): 151–69. http://dx.doi.org/10.7202/1082163ar.
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Cette étude muséologique sur le Musée Huron-Wendat explore les enjeux impliqués dans la gouvernance autochtone d’une institution muséale. Elle examinera comment la culture et l’identité de la Nation Huronne-Wendat est représentée par le musée, et comment les visiteurs la comprennent et interagissent avec elle. Cet article vise ainsi à combler des lacunes dans l’étude des musées des Premières Nations au Québec, qui ont jusqu’à aujourd’hui peu retenu l’attention des chercheurs. Il comprendra une présentation du musée lui-même, qui sera suivie des résultats d’une étude de terrain visant à comprendre quelles sont les pratiques de représentation du patrimoine Wendat au sein de leur musée et comment la communauté ainsi que les visiteurs du musée dialoguent avec celles-ci.
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Passebois-Ducros, Juliette, i Guergana Guintcheva. "Communautés d’amateurs et création de valeur pour les musées". Décisions Marketing N° 60, nr 4 (1.12.2010): 33–42. http://dx.doi.org/10.3917/dm.060.0033.
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Cet article porte un regard sur l’organisation et le fonctionnement des Sociétés des Amis des Musées (SAM) étudiées en tant que communautés d’amateurs. Il analyse à travers seize études de cas (dyade président SAM/responsable musée) les pratiques collectives des amateurs adhérents. Il propose également des lignes de recommandations pour les managers de la sphère muséale soucieux d’intégrer l’énergie créative des communautés de passionnés dans le processus de création de valeur.
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Yelles, Hédia. "Un musée de l’Immigration au palais des Colonies : de la rupture muséologique au défi de la cohabitation". Hommes & migrations 1346-1347 (2024): 124–27. http://dx.doi.org/10.4000/12mai.
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Le choix d’installer une institution muséale dédiée à l’histoire de l’immigration en France au sein du principal vestige de l’Exposition coloniale de 1931 ne cesse de poser question depuis la création de la Cité nationale de l’histoire de l’immigration en 2007 au sein du Palais de la Porte Dorée. Dans un musée où s’entrechoquent les histoires portées par le bâtiment et les collections, les pratiques muséographiques invitent au questionnement et au dialogue.
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Sandri, Eva. "Quelles utilisations des images de l’exposition sur les sites Internet de musées ? Congruence et incohérence entre objets et images numériques". Article cinq 7, nr 2 (7.05.2015): 95–109. http://dx.doi.org/10.7202/1030252ar.
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Dans cet article, l’auteure observe la relation entre les objets d’une collection muséale tels qu’ils sont disposés dans l’exposition et tels qu’ils sont valorisés sur les sites Internet des institutions muséales. L’objectif étant d’évaluer le degré de congruence entre ces deux lieux, il s’agira de comparer les deux médias que sont l’exposition et le site Internet afin de mettre au jour la relation qui les unit et de comprendre s’il y a un rapport de subordination ou de complémentarité entre les deux. Cette analyse sera menée à l’aide des outils descriptifs du webdesign avec les exemples de trois institutions muséales visitées en mai 2013 : Boréalis Centre d’histoire de l’industrie papetière de Trois-Rivières, le Centre d’histoire de Montréal et le musée Grévin de Montréal. À travers l’analyse de la place des substituts numériques de ces objets sur les sites Internet de ces institutions se dessine une typologie de ces sites : ceux qui expliquent l’image et ceux qui donnent simplement à voir le lieu d’exposition. On observera que la majorité des sites Internet étudiés n’accordent pas une place centrale à leurs objets de collection. Le contenu des sites semble davantage focalisé sur l’évocation du lieu et les informations pratiques. Il y aurait donc un décalage dans la façon dont les objets de musée (notamment des musées d’histoire et d’ethnographie) sont exposés dans les deux médias. En outre, cette circulation de l’objet de collection entre le statut d’expôt, de document, de source et d’oeuvre, complexifie la mise en place d’un site Internet qui distingue clairement ce qui relève de la collection et ce qui relève de la description de la collection. À l’heure où le document et l’archive tendent à faire partie des collections, les sites Internet observés rendent compte de cette indécision. En observant le parti pris de ces sites, on remarque que les images numériques montrent les lieux de l’exposition (notamment l’organisation spatiale de l’espace) plus que leurs objets.
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Dubé, Philippe. "Oeuvre muséale et patrimoniale du collège de Sainte-Anne-de-la-Pocatière". Domaines d'action I (Canada français), nr 24-25-26 (31.10.2013): 302–16. http://dx.doi.org/10.7202/1019140ar.
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Paul-André Leclerc, directeur-fondateur du Musée François-Pilote à La Pocatière créé en 1974, a joué un rôle important dans le domaine de la patrimonialisation d’un héritage traditionnel qui a su magnifier le passé rural du Québec. Cette valorisation d’un temps révolu à travers le musée a eu tendance à figer en une image idéalisée « le bon vieux temps » qui vient filtrer tout regard curieux ou studieux voulant le scruter. C’est cette dimension qui est ici explorée à travers l’oeuvre muséale de l’abbé Leclerc qui a tenté de ressusciter une société qui n’est plus. Une vision tronquée est mise en scène dans son musée qui se veut la réincarnation d’un espace-temps définitivement disparu. Témoigner résume en quelque sorte le programme discursif du Musée François-Pilote. Nous pourrions définir son projet comme relevant d’une doctrine de la renaissance paysanne. Arrêter le temps qui file à toute vitesse ou comment pratiquer la contre-révolution avec son musée en réaction à un mouvement pourtant irréversible.
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Soulier, Virginie. "Analyser la reconnaissance du point de vue autochtone dans une exposition muséale". Éducation et francophonie 43, nr 1 (1.05.2015): 97–115. http://dx.doi.org/10.7202/1030183ar.
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La recherche porte sur les pratiques collaboratives entre les peuples autochtones et les professionnels des musées canadiens. Plus spécifiquement, elle concerne l’interprétation du point de vue autochtone dans les expositions. Comment des visiteurs autochtones et allochtones s’approprient-ils le point de vue autochtone inscrit dans le dispositif expositionnel et le patrimoine autochtone en contexte de décolonisation? Le média exposition qui combine plusieurs points de vue d’origine à la fois muséale et autochtone est qualifié de polyphonique dans notre travail. L’article décrit la démarche mise en place pour analyser la réception d’une exposition muséale qui met en valeur les voix des communautés autochtones, en juxtaposition avec celles de l’artiste Edward Curtis et d’un conservateur de musée. L’enquête est réalisée sous forme d’activité pédagogique. Les observations et les entretiens menés dans le cadre de l’activité permettent de mettre au jour les logiques de reconnaissance à l’oeuvre entre les visiteurs et le média exposition.
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Turgeon, Catherine. "Musées et hôtels historiques, lieux de convergence ?" Muséologies 4, nr 2 (8.10.2015): 48–75. http://dx.doi.org/10.7202/1033539ar.
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Les Pousadas Históricas, chaîne portugaise d’hôtels historiques, et les institutions muséales partagent de nombreuses caractéristiques communes liées à l’histoire et à la mémoire, mais également au tourisme et au divertissement. L’éclosion de ces nouvelles identités patrimoniales, similaires par plusieurs aspects aux musées, porte à une réévaluation de ces derniers. En s’appuyant sur la définition du musée de l’ICOM, Catherine Turgeon, dans une réflexion et une analyse critique, propose de faire de l’expérience sensible directe du visiteur l’un des premiers critères théoriques et pratiques de redéfinition de celui-ci.
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Lafaille, Madeleine. "L’utilisation des langages documentaires dans les musées". Documentation et bibliothèques 52, nr 2 (20.04.2015): 131–37. http://dx.doi.org/10.7202/1030016ar.
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L’utilisation des langages documentaires est examinée ici en regard de l’organisation de l’information portant sur les collections de musées. La nature de ces langages documentaires et leur utilisation sont reliés à l’état de la documentation des collections muséales. Un regard préliminaire sur le contexte de la pratique documentaire et sur l’état d’avancement de cette pratique dans les institutions muséales permet de mieux comprendre comment les langages documentaires sont utilisés. Quelques langages documentaires en usage sont présentés, puis est abordée leur exploitation en vue d’améliorer la compréhension des objets de collections muséales et leur mise en valeur.
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Robertson, Carmen. "Land and Beaded Identity: Shaping Art Histories of Indigenous Women of the Flatland". RACAR : Revue d'art canadienne 42, nr 2 (25.01.2018): 13–29. http://dx.doi.org/10.7202/1042943ar.
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Le territoire constitue une force déterminante dans la création artistique. Les prairies austères, notamment, exigent des artistes actuels comme de ceux qui les ont précédés une adaptation constante, déterminée par l’accès aux ressources et la nécessité de mobilité. Cet article s’intéresse à l’impact du territoire sur la pratique du perlage telle qu’exercée par les femmes autochtones. Il met en relation des exemples de perlage traditionnel conservés dans les collections muséales de la Saskatchewan avec les oeuvres de trois artistes contemporaines autochtones des plaines, soit Ruth Cuthand, Judy Anderson et Katherine Boyer. La comparaison vise à mieux comprendre le processus intergénérationnel de transmission des pratiques ancestrales et ainsi révéler comment s’exprime le territoire dans les objets et oeuvres ornés de perles, qui contribuent à façonner le récit des plaines.
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Legassie, Treva Michelle. "Keepers of the Bio Art Laboratory: Mangling Methods and Curating Critically". RACAR : Revue d'art canadienne 43, nr 2 (14.12.2018): 73–88. http://dx.doi.org/10.7202/1054384ar.
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Cet article se concentre sur la pratique en plein essor du bio-art, afin d’envisager les possibilités de faire du commissariat au sein de deux sphères de productions culturelles en apparence disparates, celles du laboratoire scientifique et du musée. Dans une analyse des oeuvres du Tissue Culture & Art Project (TC&A), de Kathy High et de Jennifer Willet, il décortique les méthodes commissariales qui s’attachent à relocaliser le laboratoire dans le musée et vice-versa. En explorant ce phénomène de transversalité à travers les figures du « mangle » et du « biotheatre », le texte fait valoir que les pratiques du bio-art font intrinsèquement appel à des stratégies créatrices et commissariales qui ébranlent la perception de stérile objectivité des laboratoires et qui permettent de critiquer les paradigmes de la culture scientifique.
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Thiburce, Julien, Justine Lascar i Isabel Colón de Carvajal. "Étudier les représentations des prisons au musée, entre sémiotique des pratiques et analyse des interactions". SHS Web of Conferences 78 (2020): 11002. http://dx.doi.org/10.1051/shsconf/20207811002.
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Les musées constituent le lieu de pratiques et l’objet d’études d’une diversité de disciplines en sciences sociales. De manière privilégiée, les recherches menées en muséographie portent sur la confrontation entre les dispositifs scénographiques et l’expérience des visiteurs, entre les médiations qui tendent à garantir la prise sur l’exposition et les actions des visiteurs par lesquelles s’ajustent des savoirs et des sensibilités. À partir d’une perspective en sciences du langage, on problématise la constitution de données audiovisuelles de visites guidées pour l’étude des représentations des prisons en contexte muséal, dans le cadre d’un projet en partenariat avec le MICR (Genève), le Musée des Confluences (Lyon) et le Mémorial national de la prison Montluc (Lyon). Après avoir présenté les questions qui se sont imposées dans la prise en compte des spécificités de ces trois sites, on argumente la pertinence d’une méthode transversale à la sémiotique des pratiques et à l’analyse des interactions pour le recours aux vidéos dans un matériau d’enquête plus vaste.
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Millery, Edwige, i Léa Garcia. "Loisirs des villes, loisirs des champs ?" Culture études 5, nr 5 (6.12.2023): 1–32. http://dx.doi.org/10.3917/cule.235.0001.
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Les loisirs des urbains et ceux des ruraux sont-ils de nature et d’intensité comparables ? En d’autres termes, vivre en ville ou à la campagne dessine-t-il des univers de loisir différents ? L’enquête sur les pratiques culturelles de la population menée en 2018, croisée avec la grille communale de densité qui caractérise les territoires, permet d’approcher des caractéristiques selon le lieu de résidence de la population. Celles-ci sont établies à partir de l’observation d’une quinzaine de pratiques relevant des loisirs culturels (sorties au musée, au spectacle, en festival, à la bibliothèque ou encore au cinéma), médiatiques (écouter la radio, des podcasts ou regarder la télévision) et ordinaires (activités d’autoproduction comme bricoler, tricoter, jardiner ou cuisiner). L’étude mobilise également des indicateurs de proximité des personnes aux équipements culturels selon le type de territoire où ils résident. Ainsi, les habitants de l’urbain dense et ceux du rural dispersé et très dispersé se distinguent par les activités de loisir qu’ils pratiquent pendant leur temps libre. La sortie culturelle au musée ou au spectacle, liée en partie à un effet d’équipement, est ainsi moins prisée des habitants du rural, lesquels sont plus nombreux à écouter la radio et à regarder la télévision que ceux de l’urbain dense. Bien que les bibliothèques et les cinémas soient les premiers équipements culturels de proximité, leur fréquentation reste liée au niveau de diplôme et à la catégorie socioprofessionnelle, cumulés à un net effet territorial. À l’inverse, la fréquentation de festivals, présents sur l’ensemble du territoire, n’a pas d’effet territorial discriminant pour les ruraux. Tout comme pour les autres activités d’autoproduction que sont le bricolage, le jardinage ou les travaux d’aiguille, les ruraux et les cadres sont, dans l’ensemble, plus engagés dans la pratique que les urbains ou les ouvriers. Aux caractéristiques sociales des individus s’ajoute donc un effet territorial plus ou moins marqué selon les activités. L’éloignement des centres urbains, où se concentrent l’offre culturelle et les services, explique en partie cet effet territorial, qui concerne cependant moins les cadres et les diplômés du supérieur.
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Dussart, Françoise. "« Mise en intrigue »". Anthropologie et Sociétés 38, nr 3 (11.03.2015): 179–206. http://dx.doi.org/10.7202/1029024ar.
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Lorsque les oeuvres artistiques des Aborigènes d’Australie sont exposées dans des musées ou des galeries commerciales, elles sont trop souvent décontextualisées, sans aucune référence explicite au contexte sociohistorique de leur production. J’examine ici les pratiques muséales de deux expositions d’art aborigène australien (1988 et 2012) qui allièrent une collaboration entre musées, artistes autochtones et conservateurs. En analysant les différentes formes d’indexicalité déployées par les conservateurs, les musées et les artistes autochtones impliqués dans des expositions temporaires, j’interroge des façons de repenser les pratiques vers une décolonisation des mises en scène muséales.
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Fourcade, Marie-Blanche. "Partager le patrimoine numérique, construire le territoire en ligne". Muséologies 6, nr 2 (21.10.2013): 35–50. http://dx.doi.org/10.7202/1018928ar.
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Les expositions virtuelles fleurissent sur la toile. Les inventaires patrimoniaux et les collections muséales en ligne se structurent et s’enrichissent, tissant de denses réseaux de connaissances dans le cyberespace. Des projets de musées virtuels de plus en plus audacieux voient progressivement le jour. Le champ de la cybermuséologie se construit ainsi dans l’entrecroisement d’un héritage institutionnel fort et de pratiques en constant développement. Si l’on s’intéresse de prime abord à la frénésie technologique qui justifie le renouvellement des pratiques et l’intérêt des publics, il faut cependant, pour quelques instants, abandonner la forme pour tenter de comprendre les projets qui sous-tendent de tels déploiements. Les expériences de collaboration citoyenne et communautaire qui visent la conservation et la diffusion d’un petit patrimoine tantôt matériel, tantôt immatériel, offrent à cet égard un terrain remarquable pour saisir les dynamiques sociales, identitaires à l’oeuvre dans le virtuel. À travers l’étude de trois projets associés à la collecte de mémoires – Dane Wajich. Contes et chants : les rêveurs de leur terre (2007), le Musée de Toronto en ligne (2011) et Sacrée montagne (2011) –, nous tenterons de dégager quelques contributions possibles de la cybermuséologie à la mise en valeur d’un patrimoine parfois méconnu, voire invisible, et de saisir les effets sur la constitution de territoires alternatifs d’appartenance.
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Ramírez-Blanco, Julia. "« Donnez-nous du pain, mais donnez-nous aussi des roses ! » Esthétiques militantes, de la temporary autonomous zone à la zone d’autonomie définitive (1990-2020)". Autonomie 1 (2024): 241–56. http://dx.doi.org/10.4000/11ryz.
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C’est surtout à partir des années 1990 que se sont développés les travaux de recherche consacrés aux pratiques des mouvements militants où la créativité tient un rôle prépondérant. Cet article part du principe que l’histoire de l’art fournit un cadre utile pour explorer leur généalogie : non seulement sa méthodologie peut aider à mieux comprendre la dimension esthétique des mouvements sociaux, mais cet objet d’étude lui-même peut à son tour être l’occasion de penser certaines problématiques propres à notre discipline. Le présent article offre un récit chronologique des luttes conduites par divers groupes et mouvements activistes de la gauche autonome, dans lesquelles la dimension créative a acquis une importance particulière. S’y manifestent les tensions entre les notions d’autonomie de l’art et sa fonctionnalité au service d’une expressivité politique ou d’une intensification de la vie quotidienne. Sont notamment examinés le recours au carnavalesque comme métaphore de la protestation, les groupes privilégiant l’action artistique dans leur pratique militante ainsi que les interactions avec les institutions muséales et les intersections avec la culture visuelle, pour former un arc chronologique qui va de la TAZ à la ZAD, des années 1990 à l’été 2023.
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Miranda, Laure. "Une incursion dans la bibliothèque de Jean et de Charles-Joseph Simard". Documentation et bibliothèques 56, nr 3 (11.03.2015): 105–12. http://dx.doi.org/10.7202/1029121ar.
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L’article présente la bibliothèque familiale de Jean Simard (1916-2005), auteur, traducteur, illustrateur et professeur de dessin aux beaux-arts de Montréal, et de son père Charles-Joseph Simard (1817-1931), sous-secrétaire au Secrétariat de la Province de Québec, curateur du Musée provincial et premier directeur de l’École des beaux-arts de Québec. Il met en relief la possibilité d’envisager cette bibliothèque sous trois aspects : espace, mobilier et collection. Cette première étude soulève la perspective de l’existence de cinq espaces, aux fonctions bien définies. En s’appuyant sur l’examen de l’objet-livre, elle met en lumière des pratiques communes au père et au fils : signature, annotations, insertion de documents et, dans une moindre mesure, reliure. Enfin, elle soulève la question de la pratique de la reliure comme moyen de distinction à la fin du XIXe siècle et comme indice d’une conception de la culture livresque.
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Moore, Danièle. "Plurilinguisme au musée : les langues au coeur du développement plurilittératié et des apprentissages en sciences". Éducation et francophonie 45, nr 2 (27.02.2018): 67–84. http://dx.doi.org/10.7202/1043529ar.
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Une étude menée en collaboration avec des institutions muséales comme sites éducatifs dans un milieu hautement plurilingue et multiculturel sert de toile de réflexion pour mieux comprendre comment de jeunes locuteurs plurilingues font sens de leurs langues et des pratiques d’écrit et mobilisent, en situation, des ressources plurilingues pour comprendre et apprendre. Nous présentons quelques réflexions à partir d’exemples tirés d’une étude pilote menée avec de jeunes enfants de 5 ans ayant participé à des ateliers de science organisés au musée. Au cours de ces ateliers, il leur a été demandé de documenter et d’illustrer leurs apprentissages au sujet des animaux et de leurs traces, au moyen du dessin et de la photo (Molinié, 2009 et 2014) et de la création collaborative d’un livre digital à l’aide d’une tablette tactile (Sandvik, Smørdal et Østerud, 2009). La contribution est l’occasion de poser quelques questions sur le rôle du français dans le développement littératié au sein d’un environnement essentiellement anglophone où les langues chinoises sont largement dominantes par rapport à l’autre langue officielle du Canada.
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Ustinov, Clara. "Quel musée pour l’art contemporain ?" Muséologies 1, nr 2 (13.10.2015): 10–40. http://dx.doi.org/10.7202/1033606ar.
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L’auteur démontre comment l’évolution des pratiques artistiques conduit les musées à se remettre en cause. Étudiant le concept de « contemporanéité », elle se penche sur la relation existant entre l’art contemporain et les institutions muséales, s’interrogeant sur les perspectives s’offrant à celles-ci.
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Courvoisier, François H., i Antonia Jaquet. "L’interactivité et l’immersion des visiteurs". Décisions Marketing N° 60, nr 4 (1.12.2010): 67–71. http://dx.doi.org/10.3917/dm.060.0067.
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Les institutions culturelles, à l’instar des musées, n’échappent pas à la déferlante des nouvelles technologies interactives et immersives. Ces dernières correspondent-elles à de nouvelles pratiques culturelles, en particulier celles des jeunes visiteurs ? Ces nouvelles technologies sont-elles une opportunité d’attirer de nouveaux visiteurs, ou la menace de faire passer la forme avant le fond ? Cet article développe la nécessaire coexistence des éléments ludiques et éducatifs dans une perspective de stratégie marketing de transmission de la culture muséale.
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Turgeon, Laurier, i Louise Saint-Pierre. "Le patrimoine immatériel religieux au Québec". Ethnologies 31, nr 1 (9.11.2009): 201–33. http://dx.doi.org/10.7202/038505ar.
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Cette étude présente les résultats d’un projet pilote destiné à mettre sur pied une méthodologie de sauvegarde et de mise en valeur du patrimoine immatériel religieux du Québec, aujourd’hui menacé par l’effondrement de la pratique religieuse, le vieillissement prononcé des communautés religieuses, la fermeture des paroisses et des églises, et la vente forcée d’objets sacrés. À partir de l’étude de huit communautés, nous proposons des méthodes virtuelles novatrices d’inventorisation qui, à l’aide des nouvelles technologies de l’information et de la communication, visent à la fois à conserver et à communiquer efficacement ce patrimoine. La cueillette et la saisie audiovisuelles des récits de lieux, d’objets, de pratiques et de vie permettent de capter les divers aspects de ce patrimoine, de le rendre plus visible et palpable, de bien contextualiser ses usages sociaux et d’intégrer ses dimensions matérielles et immatérielles. Grâce à la grille des pratiques culturelles de Jean Du Berger, nous avons élaboré un système de classement du patrimoine immatériel religieux qui est opératoire dans toutes les communautés religieuses étudiées (catholique, protestante, juive, orthodoxe et amérindienne). Cette première grille de classification pourrait être utilisée dans d’autres cultures et dans d’autres pays en raison de son caractère souple, polyvalent, efficace et universel. Le projet pilote nous a également permis de développer une approche participative pour mettre en valeur ce patrimoine directement sur le terrain en collaboration avec les communautés par des actions culturelles diverses : des sites Web, des expositions muséales, des productions multimédia de DVD, des modules pédagogiques et des publications d’articles et de livres. Une fois numérisé, le patrimoine immatériel religieux s’offre à des adaptations et à des applications diverses, à des appropriations et à des réappropriations par de nombreux acteurs sociaux. La base de données virtuelle devient elle-même un engin d’hybridation et de création sans limites.
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Guzin Lukic, Nada. "Mutations en muséologie et programmes de formation à l’Université du Québec en Outaouais". Éducation et francophonie 43, nr 1 (1.05.2015): 131–45. http://dx.doi.org/10.7202/1030185ar.
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La recherche en muséologie et la mutation des pratiques muséales continuent à nourrir et à modifier les formations en ce domaine, notamment au Québec. La prolifération des institutions muséales, depuis leboomdes années 1980, le développement de la muséologie et, en parallèle, l’évolution des professions des musées ont pour résultat d’accroître leur offre. La plupart des formations en muséologie sont proposées aux cycles supérieurs. En revanche, les études de 1er cycle universitaire, tant au Québec qu’au Canada, ont tardé à faire leur apparition. Seule l’Université du Québec en Outaouais (UQO) offre un programme en muséologie au 1er cycle. Les études préalables à l’ouverture du programme ont montré que plusieurs postes demandent des compétences en muséologie, mais sans exiger nécessairement des études de maîtrise ou de doctorat. De plus, le fait d’enseigner les bases de la muséologie au 1er cycle permet l’approfondissement des connaissances aux cycles supérieurs. Cette approche se veut cohérente avec la mise sur pied du programme de maîtrise en muséologie et pratiques des arts, dont la concentration en muséologie dispose d’un profil avec mémoire. Enfin, les formations offertes en muséologie à l’UQO soulèvent plusieurs questions sur l’enseignement de la muséologie, son contenu, ses approches, ses méthodologies et son aboutissement.
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Make, Jennifer Boum. "Décryptage de l’exposition ‘Le Modèle Noir’ au Musée d’Orsay, ou interroger l’évitement du passé colonial français par le biais de l’anonymat des corps noirs". Francosphères 10, nr 1 (1.06.2021): 27–42. http://dx.doi.org/10.3828/franc.2021.3.
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“Le modèle noir, de Géricault à Matisse’ est une exposition organisée par Cécile Debray, Stéphane Guégan et Isolde Pludermacher, au musée d’Orsay entre le 26 mars et le 21 juillet 2019. Cet article se propose d’interroger les discours muséaux produits dans le contexte de l’exposition française, notamment les stratégies de neutralisation des termes racisants utilisés à l’époque et de visibilisation des modèles noirs rendus anonymes par la réattribution du nom. Cette interrogation suggère de faire le diagnostic des discours muséaux autour de l’exposition ‘Le modèle noir’, notamment dans leurs manières de dire l’histoire, et plus précisément les aspects sociaux, culturels, politiques et économiques des systèmes esclavagiste et colonial dans le contexte français, ou plutôt de pratiquer le non-dire. Ainsi, en quoi la muséographie du ‘Modèle noir’ reflète-t-elle le traitement, ou encore l’évitement, du passé colonial français ? Qu’est-ce que cela suppose pour la formulation d’un retour réflexif sur le rapport à l’Autre et ses représentations ? Cet article nous permet donc de questionner la mise sur la ligne de touche, consciente ou non, de l’histoire coloniale française à la lumière d’une ambivalence irrésolue entre la recherche d’une continuité historique et la reconnaissance du passé colonial français et de ses effets. L’impératif de continuité historique prend selon nous la forme d’une inclusion des corps noirs dans le canon de l’art moderne européen jusqu’à les réduire à l’anonymat, et suspend la reconnaissance d’une rupture épistémologique face à des sujets noirs qui interrogent le canon moderniste comme véhicule de codes esthétiques et culturels profondément ancrés dans les réalités coloniales de l’époque.
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Zaouche Gaudron, Chantal. "Les nourritures artistiques". Spirale N° 109, nr 1 (14.08.2024): 19–25. http://dx.doi.org/10.3917/spi.109.0019.
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Les nourritures artistiques permettent de sensibiliser l’enfant à voir, entendre, sentir, parler, toucher, de s’approprier de multiples formes sensorielles et des modalités émotionnelles plurielles. Elles lui offrent tout un feuilleté d’affects, de cognition, d’émotions. Les pratiques artistiques, la fréquentation des œuvres, les expériences muséales…, induisent chez l’enfant tout autant un processus de réception qu’un processus de création. Les œuvres, les artistes qui entrent en résonance avec l’enfant participent à sa construction identitaire par le biais de « traces identitaires » engrammées et intériorisées que l’enfant gardera en lui comme ressources remobilisables en d’autres lieux et d’autres circonstances.
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French, French. "Réanimer le musée. Récit et analyse d’une expérience de recherche-création". Voix Plurielles 17, nr 2 (12.12.2020): 66–85. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2601.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
Cet article se propose de revenir sur une expérience de recherche-création menée dans un musée d’art et d’histoire de la région parisienne entre 2017 et 2018. Marionnettiste, performeuse mais aussi chercheuse, l’autrice s’y interroge, à la première personne, sur la confrontation des désirs et des fantasmes théoriques à leur réalisation pratique. S’agissait-il vraiment de « faire entrer les arts vivants au musée » comme l’annonçait certains médias locaux ? D’occuper l’espace, de se saisir du lieu, des œuvres ? A quels prix et pour quels effets ?
Retraçant presque chronologiquement ce parcours, cet article se fait le portrait sinueux d’une recherche qui se (re)trouve en actes et se transforme à l’œuvre.
Mots clés : recherche-création, théâtralité, musée, marionnette, performance
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Bellin, Stéphane. "L’art contemporain en ligne : éditorialisation de la documentation, triple médiation des images et hyper-œuvre". Études de communication 63 (2024): 51–72. https://doi.org/10.4000/12uyd.
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Cet article questionne les fonctions de l’image dans la documentation de l’art contemporain et la relation qui s’instaure entre image, documentation et œuvre. Ces enjeux sont abordés à travers le terrain Documents d’artistes Auvergne-Rhône-Alpes, une documentation de l’art contemporain régional nativement numérique, émancipée des pratiques documentaires muséales normatives. La documentation numérique produite aboutit à une collection d’images éditorialisées, dans laquelle il est possible de naviguer grâce à l’image numérique transformée en « signe-passeur ». Les images numériques assurant une triple médiation offrent la vue d’une représentation documentaire numérique composite rendant compte cognitivement de la complexité de l’hyper-œuvre.
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Colardelle, Michel. "La vocation démocratique d’un musée. Le musée des Civilisations de l’Europe et de la Méditerranée". Diversité 148, nr 1 (2007): 61–68. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2007.2704.
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Tout musée est par principe un lieu de partage de la connaissance et de la beauté. Pourtant, les enquêtes sur les pratiques culturelles des Français révèlent la permanence des inégalités d’accès à la culture en général et notamment à ce lieu dont l’essence même est pourtant démocratique. Il faut donc réinventer le musée, selon deux principes fondateurs : donner la priorité au public et moderniser la problématique scientifique patrimoniale qui l’anime.
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Lanquetin, Jean-Christophe. "De « Kinshasa Chroniques » à la bibliothèque". Multitudes 87, nr 2 (31.05.2022): 177–81. http://dx.doi.org/10.3917/mult.087.0177.
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Ce texte témoigne de questions et enjeux partagés avec D. Malaquais pendant la création de l’exposition Kinshasa Chroniques (2018-2021) : comment s’inscrire dans le contexte impérial d’un musée, peut-on le déconstruire de l’intérieur ? Existe-t-il des échappatoires ? Et au-delà, quels possibles pour une pratique de scénographe et d’artiste en lien avec le monde multiple et crépusculaire dans lequel nous vivons.
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Bigolin, Ricarda, Hazel Clark, Marco Pecorari, Jonathan Michael Square i Elisa van Joolen. "Pratiques curatoriales, archivistiques et muséales dans le domaine de la mode". Perspective, nr 2 (16.11.2023): 79–98. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.29963.
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La Rochelle, Réal. "L’opéra audiovisuel dans le cinéma québécois : vecteur de l’expérimentation sonore". Circuit 19, nr 3 (8.10.2009): 66–76. http://dx.doi.org/10.7202/038259ar.
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Résumé Le cinéma québécois, depuis les années 1950, a été l’objet d’un assez grand nombre d’expérimentations sonores filmiques. Les principales ont été produites à l’ONF grâce, au départ, aux travaux de Maurice Blackburn, Norman McLaren et Arthur Lipsett. Au fil des décennies, les semences de ce mouvement d’avant-garde ont poussé dans un nombre assez important de films, plusieurs au studio d’animation, d’autres par une intervention significative dans le cinéma direct. À l’heure actuelle, ces filmopéras se pratiquent surtout dans la vidéo d’art et s’inscrivent dans des performances multimédias et des installations muséales.
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McEwen, Frank. "Le Musée national de Salisbury et son école pratique". Museum International (Edition Francaise) 16, nr 3 (24.04.2009): 174–81. http://dx.doi.org/10.1111/j.1755-5825.1963.tb01655.x.
Pełny tekst źródła
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Côté, Julie-Anne. "De la danse au musée : mémoires de l’oeuvre chorégraphique contemporaine". Muséologies 7, nr 2 (7.05.2015): 55–70. http://dx.doi.org/10.7202/1030250ar.
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La notion de patrimoine culturel s’est élargie ces dernières années. Traditionnellement associée aux monuments et aux sites sous l’angle de leurs valeurs esthétiques et historiques, elle englobe maintenant les traditions et les pratiques sociales, mais aussi les arts du spectacle, dont la danse. L’élargissement de la notion de patrimoine pose la question des nouveaux objets patrimoniaux et muséaux dont les aspects vivants, contemporains, intangibles ou immatériels sont régis par des valeurs qui s’opposent aux valeurs traditionnelles des musées. Ainsi, quoique la conservation et la valorisation du patrimoine de la danse apparaissent nécessaires, elles n’en restent pas moins complexes, particulièrement en ce qui touche l’oeuvre chorégraphique contemporaine en Occident. La danse contemporaine requiert des modes singuliers de mémoire qui supposent diverses perspectives de transmission et de mise en mémoire. Après avoir situé la danse par rapport à la notion de patrimoine culturel immatériel, ce texte présente le double registre de la mémoire de la danse contemporaine : une mémoire documentaire et matérielle et une mémoire vivante et créative. L’étude du Musée de la danse de Boris Charmatz montre comment cette mémoire vivante et créatrice de la danse est mise en oeuvre et l’examen du projet d’exposition virtuelle de la Fondation Jean-Pierre Perreault présente la mise en valeur d’une mémoire documentaire et matérielle. Ces deux formes de mise en mémoire d’oeuvres chorégraphiques contemporaines illustrent de nouvelles perspectives de sauvegarde et de muséalisation d’un patrimoine vivant.
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Chatzimanassis, Alice. "Regarder et lire". Article cinq 6, nr 2 (21.10.2013): 117–31. http://dx.doi.org/10.7202/1018931ar.
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Une évaluation a été menée en avril 2010 au musée d’Ixelles, à Bruxelles. Au moyen d’entretiens conduits à la sortie du musée, il s’agissait d’identifier et de comprendre les modes d’appropriation et le comportement des visiteurs envers le dispositif textuel dans deux expositions en cours, à savoir EL CUBISMO. Cubism and its Context from the Fundación Telefónica Art Collection et Henri de Toulouse-Lautrec : La collection complète des affiches. Si l’importance du texte en tant qu’aide à l’interprétation dans les musées est aujourd’hui largement reconnue, l’enquête qualitative a permis de développer une réflexion sur les spécificités de l’écrit quand il est confronté à des oeuvres d’art et sur ses fonctions dans la pratique de contemplation et d’interprétation chez les visiteurs.
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Lankauskas, Gediminas. "Souvenirs sensoriels du socialisme1". Anthropologie et Sociétés 30, nr 3 (17.04.2007): 45–69. http://dx.doi.org/10.7202/014925ar.
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RésuméEn insistant sur l’importance des sens dans la pratique de la remémoration sociale, le présent article prend ses distances avec les méthodologies logocentriques qui, dans les recherches sur la mémoire, privilégient le récit et le texte. Prenant pour objet d’analyse ethnographique un musée en plein air consacré à la commémoration de l’histoire soviétique de la Lituanie, il examinera comment la vue et le goût sont mobilisés pour déclencher des souvenirs qui agissent comme trait d’union entre le passé socialiste du pays et son présent « capitaliste ». Cet article démontrera, par ailleurs, que ce musée constitue un lieu ethnographique approprié pour formuler une critique des approches simplistes et unilinéaires appliquées aux changements systémiques qui, après la fin du régime communiste, continuent de se produire en Europe orientale.
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Rodriguez, Véronique. "L’atelier et l’exposition, deux espaces en tension entre l’origine et la diffusion de l’oeuvre". Sociologie et sociétés 34, nr 2 (29.04.2004): 121–38. http://dx.doi.org/10.7202/008135ar.
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Résumé Cet article présente une partie des résultats d’une étude sur les transformations de l’atelier d’artiste. L’atelier demeure le lieu multifonctionnel de la pratique artistique jusqu’au milieu du xixe siècle. Son rôle change lorsque l’exacerbation de l’exposition lui retire sa fonction de diffusion, celle-ci s’effectuant désormais dans la galerie ou le musée. Devenu alors le lieu d’origine de l’oeuvre, l’atelier induit une pratique artistique particulière, la production d’objets entreposés dans cet espace de création fixe, qui seront ensuite choisis et manipulés par des acteurs autres que l’artiste, pour sortir du domaine privé. Au cours des années 1970, des artistes remettent en question les contraintes du lieu de création en pratiquant un art in situ, ce qui transforme l’atelier en un moment immatériel du processus de création et réintroduit l’artiste comme médiateur actif de la diffusion de son oeuvre.
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Seiderer, Anna. "Pratiques muséales au regard de l'esclavage et de la traite au Bénin". Africultures 91, nr 1 (2013): 127. http://dx.doi.org/10.3917/afcul.091.0127.
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Midal, Alexandra. "Un langage pour le design. La « folie photographique » de Charles et Ray Eames". Transbordeur 5 (2021): 30–39. http://dx.doi.org/10.4000/12gz2.
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À partir des années 1950, la passion de Charles Eames, qualifiée par son ami le cinéaste Billy Wilder de « folie photographique », croît exponentiellement pour atteindre une production de plus de 750 000 négatifs, désormais conservés à la Library of Congress. La photographie de Charles et Ray Eames s’avère centrale à leur pratique de designers (cadrage, vision, valeur de plans, rythme, etc.) et leurs prises de vue constituent les éléments d’une grammaire visuelle se substituant peu à peu au langage. Plus encore, les Awareness Shows, du nom de leur production multimédia, délivrent aussi une surprise ; au fil des années, face aux injonctions de rentabilité du marché, qui sacrifient la qualité d’un design accessible, et surtout face à l’échec du design industriel à engager une réforme sociale, les Eames opèrent un déplacement du design de produit vers le design d’information et du marché vers les institutions muséales.