Rozprawy doktorskie: „Photographie – Cambodge – 19e siècle”

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Saint-Ours, Édouard de. "Cοnjuring Empire : Ρhοtοgraphy and Ρlace During the Early Υears οf French Cοlοnialism in Ιndοchina (1845-1879)". Electronic Thesis or Diss., Normandie, 2024. http://www.theses.fr/2024NORMLH32.

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La thèse analyse les liens entre la photographie et le projet colonial français en Asie du Sud-Est continentale des premières photographies du Vietnam (1845) jusqu'à la fin du gouvernement des Amiraux en Cochinchine française (1879). En Indochine, comme dans la plupart des territoires en situation coloniale, la photographie a été de plus en plus mobilisée pour soutenir le projet impérial français, recueillir des renseignements sur le territoire et les populations, informer les décideurs sur les progrès de l'expansion et de l'exploitation, contribuer à l'avancement des sciences coloniales, promouvoir des actions prospectives, légitimer les structures de domination ou renforcer le sentiment colonialiste parmi le public métropolitain. Reconnaissant la nature performative de la représentation photographique et l'importance des contextes historiques et sociopolitiques, la thèse démêle les liens existants entre des photographies des territoires Vietnamien et Cambodgien et le projet colonial dans quatre études de cas illustrant des moments clés de la période pré-coloniale et des premières années de la colonisation : la création et la circulation des premières photographies du Việt Nam (1845-53), les usages de la photographie pendant la campagne de Cochinchine (1858-60), le rôle central de l'Exposition universelle de Paris pour la diffusion des photographies d'Angkor (1866-67) et l'utilisation de l'appareil photographique au Cambodge pendant les dernières années de la gouvernance navale française (années 1870). Tout au long des quatre chapitres, la thèse aborde la manière dont la photographie a contribué à des efforts militaires, scientifiques et commerciaux concrets et examine les processus par lesquels des idéologies du pouvoir et de l'altérité ont souvent investi ces images. Considérant que l'appropriation visuelle a souvent facilité des formes de contrôle plus tangibles, elle propose une réévaluation de la contribution de la photographie à la domination coloniale française en Indochine avant 1880
This thesis analyses photography’s ties with the French colonial project in Mainland Southeast Asia from the earliest photographs of Vietnam (1845) to the end of naval rule in French Cochinchina (1879). In Indochina, as in most regions undergoing colonization, photography was increasingly mobilized in support of the French imperial project, to collect intelligence on the landscape and populations, inform decision makers on the progress of expansion and exploitation, contribute to the advancement of colonial sciences, promote prospective action, legitimize structures of domination or boost colonialist sentiment among the metropolitan public. Acknowledging the performative nature of photographic representation and the importance of historical and sociopolitical contexts, the thesis disentangles existing ties between photographs of Vietnamese and Cambodian lands and the colonial project in four case studies illustrating key moments in the pre- and early colonial periods: the creation and circulation of the first photographs of Việt Nam (1845–53), uses of photography during the Cochinchina Campaign (1858–60), the pivotal role of the Paris Universal Exposition for the dissemination of photographs of Angkor (1866–67) and uses of the camera in Cambodia during the final years of French naval rule (1870s). Throughout these four chapters, the thesis addresses how photography assisted concrete military, scientific and commercial efforts and examines the processes by which ideologies of power and otherness often infused these images. Considering that visual appropriation often facilitated more tangible forms of control, it proposes a reevaluation of photography’s contribution to French rule in Indochina before 1880

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Gunthert, André. "La conquête de l'instantané : archéologie de l'imaginaire photographique en France (1841-1895)". Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0001.

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Contribution a l'histoire culturelle de la france contemporaine, la these examine le projet de conquete de l'instantane photographique, entre 1841 (date de la premiere formulation d'un programme d'iconographie rapide) et 1895 (date de l'invention du cinematographe lumiere). Proposant l'hypothese d'un paradigme de l'instantane, comme un motif ayant fortement contribue a structurer l'imaginaire des photographes du xixe siecle, cette etude etablit une revision substantielle de la chronologie des technologies photographiques, sur la base d'un corpus en grande partie inedit. Elle permet de distinguer, par des criteres clairs, deux genres proprement dits, jusqu'a present confondus et mal caracterises : la photographie rapide (1841-1882), et la photographie instantanee (a partir de 1882). Elle met notamment en lumiere l'apport de daguerre dans la naissance du projet photographique, l'importance de la formation de schemas interpretatifs pour l'apprehension des images, le role du developpement dans la reduction du temps de pose, ou encore l'influence des modeles issus de l'iconographie scientifique sur la production des amateurs, qui annonce le photo-reportage. La these remet enfin en perspective l'invention de l'instantane dans le "roman de l'acceleration", constitutif de l'imaginaire du progres au xixe siecle.

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Abelé, Christine. "La photographie de paysage en France au XIXe siècle". Paris 10, 1994. http://www.theses.fr/1994PA100163.

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Le but de cette thèse est d'étudier les quarante premières années d'existence de la photographie en France, de 1839 à 1878, pendant lesquelles une certaine pratique de la photographie de paysage éclot, se répand, puis décline, tandis qu'apparaissent diverses applications de la photographie de paysage à un stade expérimental ou préindustriel. La présentation de l'intervention capitale de la technique photographique-procédés et appareils et des éléments naturels dans le choix et l'esthétique d'images réalisées en extérieur introduit leur étude. La composition des photographies, leur réception par les critiques et les peintres, et les relations de la photographie de paysage avec les beaux-arts sont envisagées de pair avec les théories esthétiques photographiques et la formation artistique des photographes et des critiques. Les différentes fonctions de la photographie de paysage sont ensuite définies. Enfin, un répertoires des photographes comprend les notices biographiques de près de deux cents photographes.

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Tachou, Frédéric. "Aux origines d'une industrie : photographie "obscène" et cinéma pornographique primitif". Paris 1, 2010. http://www.theses.fr/2010PA010590.

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Dans Le cinéma ou l'homme imaginaire, Edgar Morin résumait l'expérience anthropologique du cinéma au fait que ce qu'il y a de plus subjectif, le sentiment, se serait infiltré dans ce qu'il y a de plus objectif: l'image photographique, la machine. Mais l' analyse du cinéma pornographique primitif pourrait nous conduire à retourner ce raisonnement: par lui, ce qu'il y a de plus objectif, l'image produite par la technique, ne s'immisce-t-il pas dans ce qu'il y a de plus subjectif? Autrement dit, la rationalité à l’œuvre dans une production d'images qui deviendra vite industrielle n'acquiert-elle pas un pouvoir de pénétration tel de la sphère de la subjectivité, qu'elle finit par en modeler les contours? A partir de là, s'ouvre pour la pensée un vaste espace spéculatif.

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Cristini, Corinne. "Émergence et rôle de la photographie dans la littérature espagnole de 1839 au début des années 1870". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040147.

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Ces travaux de thèse ont trait aux rapports entre l'univers de la photographie et la littérature espagnole marquée par le sceau du costumbrismo, de 1839 au début des années 1870. Il a été nécessaire, au préalable, de voir comment la littérature a exploité les instruments d'optique avant l'avènement de la photographie. Dans ce panorama littéraire, nous avons retenu des œuvres collectives comme Los españoles pintados por sí mismos (1843-1844), d'autres œuvres de deux auteurs considérés comme proprement costumbristas : Mesonero Romanos et Antonio Flores. Nous avons étudié aussi des écrits moins connus, des textes provenant de l'Almanach d'Eusebio Juliá et des articles extraits de journaux et de revues. Cette thèse a pour objectif de montrer comment ce système de représentation photographique émerge dans la littérature espagnole profondément imprégnée du modèle pictural. Il est intéressant de voir comment les nouvelles images littéraires créées par le médium traduisent le regard ambivalent des écrivains sur la photographie, considérée à la fois comme fascinante et repoussante. Le rôle de la photo apparaît aussi à travers un nouveau thème littéraire symbolisé par un nouveau personnage : le photographe. Enfin, nous avons confronté le texte et l'image (lithographies et gravures d'après photos) dans deux ouvrages : Crónica del viaje de Sus Majestades y Altezas Reales a las Islas Baleares, Cataluña y Aragón en 1860 d'Antonio Flores et Diario de un testigo de la guerra de África d'Alarcón
These thesis works deal with the links between the universe of photography and Spanish literature marked by costumbrismo, from 1839 to the beginning of the seventies. First, it was necessary to study how literature resorted to optical instruments before the advent of photography. In this literary context, we have selected collective works such as Los españoles pintados por sí mismos (1843-1844), others works from two authors regarded as really costumbristas : Mesonero Romanos and Antonio Flores. We have also studied less famous writings, some texts extracted from the Almanac of Eusebio Juliá, or articles taken from newspapers and magazines. This thesis aims at showing how the photographic representation system appeared into Spanish literature deeply imbued with pictorial model. It is interesting to see how the new literary images created by photography express the ambivalent vision of authors towards photography they find both fascinating and contemptible. The role of photography is also perceptible through a new literary theme symbolised by a new character : the photographer. Finally, we have confronted text and illustrations (lithographs and plates from photographic model) in two books : Crónica del viaje de Sus Majestades y Altezas Reales a las Islas Baleares, Cataluña y Aragón en 1860 by Antonio Flores and Diario de un testigo de la guerra de África by Alarcón

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Corcy, Marie-Sophie. "Techniques photographiques de prise de vue, formes et applications scientifiques et industrielles de la photographie en noir et blanc en France (1839-1920)". Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040233.

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Il s'agit de retracer l'évolution des techniques photographiques de prise de vue (chambre photographique, optique, système d'obturation, châssis mais aussi procédés sensibles) de 1839 (date de la promulgation de la loi sur la photographie) à 1920 (passage à un autre système technique base sur la miniaturisation et l'intégration des éléments constitutifs de l'appareil photographique) et d'appréhender cette évolution conformément à l'histoire des techniques. Nous avons mis en évidence le moteur de cette évolution (la recherche de l'instantanéité illustrée par les progrès en matière de sensibilité des procédés chimiques). Nous avons élargi cette problématique en démontrant l'existence de systèmes techniques périphériques, qui se sont progressivement constitués autour du système technique photographique générique, et qui sont illustrés par les formes de la photographie mais également par ses applications scientifiques et industrielles. Nous avons d'autre part démontré le rôle de l'amateur (confirmé ou néophyte) dans ce processus évolutif. Enfin, nous avons illustré ce propos par l'analyse d'une centaine de clichés stéréoscopiques, œuvre d'un amateur de la fin du XIXème siècle
Relating the development of photographic shooting techniques (photographic chamber, optics, closing system, frames but also sensitive processes) from 1839 (date of promulgation for the law concerning the photography) to 1920 (transition to another technical system based on the miniaturization and the integration of the elements making the camera up) and understand this development in accordance with the history of these techniques. We have emphasized the motor of this development (the research on the instantaneous illustrated by the progress made on the sensitivity of chemical processes). We have expanded this problematic by demonstrating the existence of periplural technical systems, that have progressively formed around the generic photographic technical system, and which are illustrated by the forms of photography but also by its scientific and industrial applications. We have on another hand, demonstrated the part of the amateur (confirmed or novice) in this evolutionary process. Finally, we have illustrated this intention by the analysis of a hundred “stereoscopic” pictures, an amateur's work at the end of the XIXth century

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Mondenard, Anne de. "La colonie de Passy : un cercle d’amateurs aux origines de la photographie". Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040038.

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La colonie de Passy est constituée d’hommes et de femmes issus du même cercle familial qui ont pratiqué la photographie, seuls ou de façon collective, depuis le début des années 1840 jusqu’au début des années 1860 : Léon de Laborde, Valentine de Laborde, Benjamin Delessert, Cécile Delessert, Edouard Delessert, Edouard Bocher… Au moins six praticiens amateurs, sans compter les modèles, sont identifiés au sein d’un cercle qui appartient à l’aristocratie ou à la haute bourgeoisie éclairée. Leur production, demeurée dans sa plus grande partie inédite jusqu’à notre découverte, révèle une pratique précoce du portrait. La liberté de pose affichée par les modèles ranche avec les premiers portraits, pour le moins figés, que l’on connaissait jusqu’ici. L’étude de cette production familiale incite même à réécrire l’histoire du portrait photographique, et à réévaluer la notion de « portrait intime » dont Félix Nadar passe pour être l’inventeur. Le cercle de Passy doit son nom à la commune située alors en périphérie de Paris où ses membres habitaient, sur les hauteurs de la Seine. Ce cercle joue également un rôle central – et méconnu – dans la promotion de la photographie juste après son invention : commandes publiques, créations de sociétés, projets de diffusion des oeuvres d’art, participations à des jurys, etc. L’étude des images et des archives familiales, toutes inédites, montre enfin que les traits d’une pratique amateur, telle que nous l’envisageons aujourd'hui – recherches ludiques, expériences et inventions, échanges d'images, constitution d’albums qui tiennent la chronique familiale – sont déjà en place au lendemain de l'invention de la photographie
The Passy Circle consisted of men and women photographers from the same family circle who worked alone or collectively from the early 1840s to the early 1860s: Léon de Laborde, Valentine de Laborde, Benjamin Delessert, Cécile Delessert, Edouard Delessert, and Edouard Bocher…. No fewer than six photographers, plus models, can be identified in this group of upper-middle class, wealthy bourgeoisie. Their oeuvre, unknown until this current research, reveals some of the earliest existing works in portrait photography. The free, casual nature of the poses contrasts sharply with previously known portraits of the period, which were much more stiff. Knowledge of this family-based production may lead historians to rewrite the history of portrait photography, as well as to reassess the notion of the “intimate portrait,” thought to be an invention of Felix Nadar. The Passy Circle, which owes its name to the city where its members lived along the Seine (Passy was then situated on the Paris outskirts), also played a central but previously undiscovered role in promoting photography: public commissions, society foundations, projects for distributing artworks, jury participation, etc. Finally, their images and family archives, which have never before been investigated, reveal that the characteristics of amateur photography, as it is currently perceived, were already in place soon after photography’s invention: its members regularly exchanged photographs, created albums chronicling family history, and in their practice were daring, playful, experimental and inventive

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Miane, Florent. "Images d'architecture et imaginaires photographiques, l'oeuvre d'Alphonse Terpereau (1839-1897) dans le Midi de la France". Bordeaux 3, 2009. http://www.theses.fr/2009BOR30029.

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Petitjean, Joël. "Recherches sur la photographie et la Commune". Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1995PA040075.

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Des photographies de la commune de paris (1871) sont tres souvent reproduites a des fins d(illustration dans des publications historiques. Depuis quelques annees, il est question regulierement de ces images dans des ouvrages consacres a la photographie. Cependant, il n'existait encore aucun ouvrage de reference. La lecture de commentaires contradictoires justifie une analyse ouyverte. D'ordre esthetique, sociologique, s'appuyant sur un inventaire methodique des images. Pour la premiere fois, ce travail direct dans des collections publiques (bibliotheque nationale, etc. ) a ete veritablement entrepris. Ce memoire comprend une etude selon trois approches: une analyse typologique et thematique, une situation des photographies par rapport a d'autres moyens de representation (gravure) et d'expression (ecriture), une analyse des diverses appropriations de la photographie suscitees par les evenements. L'etude est suivie d'une chronologie, d'un important catalogue de tirages et d'albums, qui comprend des notices biographiques de photographes, d'une bibliographie, et d'un choix de reproductions. Dans une situation extreme, la photographie prend une place plus grande et fort revelatrice. Certains de ses usages sont systematises (communication, propagande, identification policiere). Antidote a l'eloignement spatio-temporel, la photographie vehicule certains aspects de la realite. Elle se cherche dans sa relation a l'evenement. Elle enregistre les lieux et les personnages, dans un rapport de proximite croissant. A la peinture d'histoire se substitue la "photographie historique". La photographie transmet des symboles, contribue au conditionnement. Elle est utilisee et censuree par les pouvoirs publics
Photographies on paris commune (1871) are very often reproduced for illustration purposes in historical publications. For many years, it is regularly question of theses pictures in works dedicated to photography. Nevertheless it odes not exist yet any reference book. The reading of contradictory commentaries justify an open analysis, of aesthetic, historical and sociological nautre, based on a methodical inventory of pictures. For fhe first time, this work direct in public collections (paris, bibliotheque nationale, etc. ) has been made. This report includes a study accordingy to three approaches : a typological and thematic analysis, a situation of the pictures in comparison with other means of representation (endgraving) or expression (writting), an analysis of the various photography appropriations created by the events. The stidy is followed up of a chronology, of an important catalogue of printings and albums, including biographical notes, of a bibiliography, and of a choice of reproductions. In an extreme historic situation, the photography takes a wider place and is revealing. Some of its uses are systematized (communication, propaganda, police identification). Antidote against spacio-temporal distance, photography is a vehicle for some aspects of reality. It searches its identity in its relation to the event, it registers the sites and the characters, in an increasing proximity report "historical photography" is syubstituating to history painting. Photography transmits symbols, contributes to conditioning. It is used, and censored by authorities

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Forget, Zoé. "Le corps hors norme dans la photographie contemporaine". Paris 8, 2013. http://www.theses.fr/2013PA083925.

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Les enjeux de l’étude de la représentation du corps hors norme dans la photographie contemporaine se déploient dans la perspective d’un espace réflexif, construit en rapport à certaines iconographies nées dans le milieu institutionnel français dans la seconde partie du XIXème siècle. Prolongement du dispositif, ruptures et redisposition du regard photographique face au corps hors norme en sont les principaux mouvements. La monstration du corps différent constitue un premier lieu de la représentation photographique et l’une des possibilités du discours contemporain ; mais ce dernier en opère un détournement qui, tout en conservant les codes de la monstration originelle, en construit une version positive ou vise une transcendance des corps et des significations. Les ruptures d’avec ce premier langage photographique provoquent un déplacement des corps et du regard, menant le passage du corps objet au corps sujet ; elles nécessitent également d’interroger le lieu de celui qui regarde, mais aussi de celui qui est regardé, questionnant ainsi la possibilité d’une parole qui serait propre au corps hors norme. L’époque contemporaine voit aussi le corps hors-norme, devenir expression de formes plastiques. La figure du corps hors norme voit son image travaillée par la photographie numérique, mais surtout par l’émergence de pratiques de modifications corporelles, bouleversant la notion même de hors-norme. De nouvelles iconographies apparaissent, où les auteurs sont à la fois créateurs d’un corps et d’une image photographique, revendiquant ainsi un espace de la parole et de l’image novateur, et bouleversant profondément le principe de monstration
The challenges of the study of the representation of the “extraordinary” (or non-standard ; “hors norme” in french) body in contemporary photography unfold in the context of a reflexive space, built in relation to some iconographies born in the French institutional environment in the second half of the 19th century. Continuation of the apparatus, breaks and rearrangement of the photographic gaze facing the extraordinary body are the main movements. The demonstration of a different body is a first lieu of photographic representation and one of the possibilities of contemporary discourse, but it operates in a diversion, while retaining the original codes of demonstration, and build a positive version or a transcendence of the body and meanings. The ruptures with the first photographic language cause a shift of the body and look, leading the passage from the body object to body subject; they also need to question the place of the beholder, but also one that is looked at, questioning the possibility of a speech which is the extraordinary body's own. The contemporary era also saw the unconventional body, becoming an expression of plastic forms. The figure of the extraordinary body is elaborated by the digital photograph, but also by the emergence of practices of body modification, shattering the notion of non-standard. New iconographies appear where the authors are both creators of a body and a photographic image, and claiming an innovative space of speech and image, deeply upsetting the principle of demonstration

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Parise, Maddalena. "Du portrait ressemblant à l'excès de détails : le daguerréotype, une technique à l'épreuve de l'art". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010591.

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Dans quelle mesure la question de la ressemblance est-elle essentielle à la formation d'une esthétique de la photographie à l'ère de son invention? Quels en sont les enjeux à une époque où le nouveau médium expérimente une technique inédite dans le genre artistique du portrait? Nous partons de l'hypothèse que les premières épreuves photographiques se caractérisent par une dichotomie fondamentale entre un art de la représentation et un art de l'enregistrement. À cette époque, esthétique et technique sont étroitement liées et si les photographes se révèlent conscients des possibilités offertes par le nouveau médium, ils sont aussi continuellement confrontés à la tradition picturale. Notre approche cherche ainsi à croiser théorie et histoire, technique et esthétique dans le but d'examiner la construction de la ressemblance sous ses multiples aspects. Le portrait daguerréotype (1830-1855) matérialise la réflexion contemporaine sur la question de la ressemblance qui se présente construite autant qu'exacte. Le rôle crucial des détails dans la construction des portraits daguerréotypes nous a conduits à l'analyse des photographies et à l'étude des textes, de la production à la réception des images. La fonction paradoxale que ces détails exercent au sein des épreuves est symptomatique de la dualité de la ressemblance photographique, scindée entre un excès de précision et une extrême composition des images. La fonction du détail à l'intérieur de la composition des images, aléatoire ou participant à leur construction, ouvre une question plus vaste : celle du paradoxe de la représentation ressemblante et pourtant enregistrée.

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Estèbe, Claude. "Le premier âge d'or de la photographie au Japon (1848-1883 : constitution et analyse d'une base de données iconographique de la fin de la période Edo (période Bakumatsu) au milieu de la période Meiji". Paris, INALCO, 2006. http://www.theses.fr/2006INAL0017.

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Edwards, Paul. "Littérature et photographie : la tradition de l'imaginaire (1839-1939, Royaume-Uni et France)". Université Paris-Est Créteil Val de Marne (UPEC), 1996. http://www.theses.fr/1996PA120051.

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Une histoire des relations entre litterature et photographie en france et en angleterre (1839-1939) peut etre ecrite, contrairement aux idees recues fondees sur une definition limitee de la photographie. Les rencontres majeures entre ecri et photographes revelent une tradition photo-litteraire ou la photographie renvoie non au monde reel objectivement trans par l'appareil-photo, mais a l'imaginaire, conformement a certains courants de pensee idealistes (neo-platonisme, christianisme), et montrent l'insuffisance des theories contemporaines, centrees sur "l'ontologie" de l'image-photograph et sur la photographie, rappel de la mort. En angleterre, la photographie litteraire (robinson, cameron, coburn) donne lieu non pas a de simples illustrations, mai a partir d'une interpretation globale de l'oeuvre dans laquelle les photographies s'inserent - interpretation mal compri jusqu'ici - a des lectures subjectives,ou la photographie represente ce que voient les personnages, ou cree sa propre fiction. L'apport en france de la nouvelle chronophotographie de marey incite valery a se servir d'une photographie objective, scientifique, pour s'eloigner du temps immobile du symbolisme et pour s'approcher du temps vecu subjectivement ; par la psychanalyse de freud et, encore plus, par les restes de l'idealisme chretien, breton est amene investir la photographie ordinaire des pouvoirs du reve. Le roman-photo populaire sert a illustrer, au contraire, le mau usage de l'effet de reel en photographie. L'oeuvre mesestimee de rodenbach sert, quant au regne du silence, a montrer, par ses metaphores tirees de la photographi et des operations du photographe, l'idealisme suspect de la "theorie des spectres", et quant a bruges-la-morte, a sugger dans un roman ou, singulierement, texte et photographies constituent ensemble une nouvelle forme d'oeuvre - revelee par une premiere analyse des negatifs, des variantes et des retouches - , la nature pathologique de l'association de la photographie avec la melancolie et la mort
It is possible to trace the history of relations between literature and photography in england and france (1839-1939) de received opinion grounded on a narrow definition of photography. The major encounters between writers and photographers reveal a photo-literary tradition where photography leads not to the real world objectively transcribed by the camera bu the imaginary, in accordance with idealist preoccupations (neoplatonism, christianity), and show the inadequacy of contemporary theory, centred on the supposed "ontology" of the photographic image that makes it a reminder of death. In england, literary photography (robinson,cameron,coburn) gives rise not to simple illustration but, when interpreted in the context of the whole work in which they are inserted - an interpretation till now unattempted -, to subjective readings, where the photographs create their own fictions or represent what the characters see. In france, marey's chronophotography led valery to use an objective, scientific photography to relinquish the immobile time of symbolism and approach subjective time ; whilst breton, using freudian psychoanalysis and, even more, the remains of christian idealism, invests ordinary photography with all the powers of dream. The popular photo-novel reveals, on the contrary,a misuse of photography's reality-effect. Rodenbach's undervalued work serves to demonstrate, in le regne du silence, through the use of photographic metaphors and situations, the suspect idealism of the "theory of spectres", and to suggest in bruges-la-morte, where text and photographs together constitute a totally new kind of novel - revealed by the first ever analysis of the negatives, vari and retouching -, the pathological nature of the association between photography on the one hand, and melancholy and the reminder of death on the other

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Minervini, Fausto. "Photographie et peinture entre Italie et France dans la seconde moitié du XIXème siècle : production, édition et dynamiques de marché". Thesis, Paris 4, 2016. http://www.theses.fr/2016PA040065.

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Dans la seconde moitié du XIXème siècle, comme dans les autres arts visuels, la France, et plus particulièrement Paris, a été une référence fondamentale quant à la réception des nouveautés provenant du domaine photographique des cercles artistiques italiens. La production photographique française et ses protagonistes ont offert aux communautés italiennes des modèles à suivre, des vecteurs pour la diffusion et l’accueil de leurs productions à l’étranger ainsi qu’un support fonctionnel aux dynamiques qui régulèrent le marché international de leurs œuvres. Cette recherche s’interroge tout d’abord sur le paradigme que la photographie française a pu représenter pour les artistes de la péninsule. Cependant, dans ces dynamiques d’échanges réciproques et profondes entre les deux pays, la photographie de provenance italienne a également joué un rôle décisif pour la maturation de certains mouvements artistiques européens. Ces réflexions mettent l’accent sur l’ampleur de la diffusion de la photographie tout au long du XIXème siècle qui lui permit de devenir une base commune pour des écoles artistiques profondément différentes entre elles
During the second half of Nineteenth century, as in the other visual arts, France, and particularly Paris, was a fundamental reference point for the reception of the innovations of the photographic domain in the Italian artistic circles. French photography and its protagonists offered to the Italian communities eminent models and vectors for the circulation and the reception of their production abroad, as well as functional medium in the dynamics which regulated the international market of their works. The aim of this research is to investigate the influence of French photography on Italian artists. However, in these deep and mutual exchanges between the two countries, Italian photography also played a decisive role for the development of several European artistic movements. These considerations emphasize the large photography’s circulation throughout the Nineteenth century that allowed it to become a common basis for some deeply different artistic schools

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Brunet, François. "La Collecte des vues : explorateurs et photographes en mission dans l'Ouest américain : 1839-1879". Paris, EHESS, 1993. http://www.theses.fr/1993EHES0026.

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Notre enquete prend pour objet les archives photographiques issues de l'exploration de l'ouest americain au xixe siecle. Il s'agit d'etudier la genese et les modalites d'une collaboration entre savants et photographes. En premier lieu, nous reconsiderons le statut d'invention de la photographie, et les conditions de son acclimatation aux etats-unis. Puis nous examinons sa penetration progressive dans l'exploration americaine, en distinguant quatre etapes. 1) la periode de l'exploration "humboldtienne". 2) l'exploration de la californie. 3) l'experience des reportages photographiques sur la guerre de secession. 4) la periode des "great surveys", qui s'accompagne d'une production photographique massive. Enfin, nous posons la question des enjeux de ce qui apparait comme une politique photographique. Celle-ci echappe largement a la rationalite scientifique, et tend plutot a constituer une archive pittoresque et ethnographique. Susceptible de multiples exploitations. Ainsi, plutot que dans la perspective aujourd'hui dominante de l'histoire de l'art, nous replacons le corpus considere dans le champ des etudes americaines, et d'une histoire des pratiques de l'image encore a constituer
Our inquiry takes for its objet the photographic archives produced by the exploration of the american west in the xixth century. Our purpose is to study the genesis and different aspects of a collaboration between scientists and photographers. In the first place, we reconsider the status of photography as an ivnention, and the conditions of its acclimatisation in the u. S. Then we examine its progressive penetration into american exploration, distinguishing four stages. 1) the period of "humboldtean" exploration. 2) the geological survey of california. 3) the experience of photographic reporting during the civil war. 4) the era of the "great surveys", which included a massive photographic production. Finally, we put into question the goals of what appears to be a photographic policy. This policy largely escapes scientific rationality, and tends rather to consitute a picturesque and ethnographical archive, open to many exploitations. Thus, rather than following the currently dominant perspective of art history, we situate our corpus in the field of american studies, and in a yet to be founded history of practices of visual media

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Masanès, Fabrice. "Portrait et travestissement entre peinture et photographie de Gustave Courbet à Cindy Sherman". Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010601.

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Nous esperons contribuer a l'etude du travestissement en proposant une reflexion sur quelques antecedents a travers la peinture et la photographie, sur leur evolution depuis le xixeme siecle, sur la place prise par l'artiste dans la construction de l'image travestie et la propagation de certains stereotypes ou images communes. Le sujet est ancre dans l'histoire de l'art mais aussi dans l'histoireculturelle. Les outils d'analyse semiotique et psychanalytique, nous ont permis d'en demontrer l'unite et la coherence. Des lors, tout en considerant la nature des transformations operees par les artistes, d'abord dans le champ du portrait, puis dans celui du travestissement, nous ne pouvions isoler les oeuvres de leur contexte factuel, ethnologique et ideologique. Cette recherche devrait permettre d'eclairer d'autres processus a l'oeuvre pour des artistes comme gustave courbet, egon schiele ou cindy sherman. Car si l'image du saltimbanque ou l'image christique sont devenues les paradigmes auxquels on se refere, la pratique du travestissement tend a se deplacer vers un modele critique. Elle utilise ainsi au present les vecteurs que le travestissement a elabores au cours de son histoire enprocedant par redite et reevaluation de nombreux procedes attaches a la pratique du portraitiste. Nous avons ainsi cherche a comprendre les diverses figures du portrait travesti, leur modification dans le temps, en isolant trois grands ensembles successifs. Le premier concerne le procede de l'identification, le deuxieme est articule autour de la notion de jeu ; le troisieme enfin interroge l'evolution de cette forme ludique devenue une forme reflexive dans ce que nous pourrions appeler l'ere du portrait.

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Bocard, Hélène. "Les expositions de photographie à Paris sous le Second Empire et leur réception par la critique". Paris 4, 2004. http://www.theses.fr/2004PA040010.

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Streszczenie:

La première partie de notre étude traite des expositions qui montraient des photographies : " musée des rues " (marchands d'estampes, ateliers de photographes), expositions universelles et expositions des produits de l'industrie ; celles organisées à partir de 1855 par la Société française de photographie témoignent des enjeux pour le nouveau médium à s'exposer dans un contexte autre que commercial et industriel ; après un lent processus d'institutionnalisation, la photographie est finalement acceptée aux côtés du salon des beaux-arts (1859). La deuxième partie évoque les photographes qui y participaient et ce qu'ils montraient, le rapport entre leur présence aux expositions et leur carrière, entre la production globale et les œuvres présentées. La troisième partie analyse le discours critique à partir d'un corpus de 85 comptes rendus ; elle montre la difficulté des critiques, face à un nouveau type d'image, à trouver un langage approprié, distinct de celui qu'ils employaient pour la peinture, et à faire entrer la photographie dans le champ de l'art
The first part of our study deals with exhibitions which showed photographs : " street museums " (print dealers, photographers' studios), world fairs and exhibitions of industrial products; those organized from 1855 by the Société française de photographie (French Photographic Society) reflect the importance for the new medium of being viewed in non-commercial and non-industrial contexts; after slowly establishing itself, photography was finally accepted alongside the Salon des beaux-arts (Fine Arts Exhibition) (1859). The second part of this study addresses the photographers who took part in those exhibitions and the work they showed, the relationship between their presence at the exhibitions and their career development, and that between the overall production and the pieces exhibited. The last part analyses critical discourse as it appears in 85 contemporary reviews ; it shows how difficult it was for critics, when confronted with a new type of image, to find an appropriate language - distinct from that used for painting - and to bring photography into the realm of art

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Séguy, François. "Le sens et l'origine du vocabulaire technique en photographie dans les ouvrages techniques de langue française traitant de photographie, publiés entre 1840 et 1922". Toulouse 2, 1998. http://www.theses.fr/1998TOU20034.

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La thèse se fixe pour buts la création originale d'un dictionnaire sémantique du vocabulaire technique français extrait des ouvrages les plus significatifs de photographie de la période étudiée. La première partie est un rappel des informations indispensables au positionnement de la photographie dans son époque : son histoire, son évolution jusqu'en 1922, la part qu'elle prend dans les industries graphiques et photomécaniques, son apport aux sciences, aux arts et à la communication. Une part est faite à la physique du XIXe, à la connaissance de la lumière et de la couleur. L'analyse traite des emprunts ou apports faits à la grammaire et aux discours d'autres techniques et pratiques professionnelles. La seconde partie composée de 5992 articles, est le dictionnaire expliquant tes expressions, mots ou termes présents dans les ouvrages analysés. Le principe est de bien détailler ce qui, dans un discours professionnel en train de s'élaborer, fait sens pour sa communication particulière. Seul l'extrait contextuel reste la préoccupation majeure de l'étude de l'article, d'où la présence obligatoire de la citation et de la source bibliographique datée. Dans tous les cas, le mot utilisé dans l'appel alphabétique est présent, dans les discours communs ou qu'il soit propre au discours photographique. La rédaction des articles se donne pour principes d'observer, de définir ou de fixer : - les mots ou ensembles de mots du vocabulaire technique et les créations terminologiques nouvelles qui font sens comme indicateurs particuliers, parfois dans une polysémie originale ; - l'origine culturelle ou technique, l'invention ou le détournement des mots ou ensembles de mots du vocabulaire technique ; - l'utilisation des souches nouvelles et la formation de nouveaux groupes terminologiques ; - l'apparition, l'évolution, la fixation ou la disparition des mots ou ensembles de mots de la terminologie photographique
The aim of this thesis is to compile the first French semantic dictionary of the technical vocabulary of photography, based on the most significant works published during that period. The first part of the thesis is a recapitulation of all information necessary to assess the position of photography at the time: its history, its evolution up to 1922, its function in the graphic and photomechanical industry, its contribution to science, art and communication. A section is devoted to the 19th-century knowledge of physics, optics and chromatics. The analysis examines how this vocabulary borrowed from and contributed to the grammar and language of other techniques and professions. The second part, comprising 5,992 entries, is the actual dictionary, in which are defined all expressions, words and terms used in the publications. Our aim has been to characterize in detail all words and expressions beginning to assume a specific meaning in an evolving professional vocabulary. As the entries are essentially studied in their context, the complete quotes and their dated sources are included. In each case, the word in the references, given in the alphabetical order, was used in the common language or in a specifically photographic sense. The entries have been composed with the objective of observing, defining or establishing - the words or groups of words in the technical vocabulary and the newly created terminology which have assumed a specific meaning, sometimes in an originally polysemic situation; - the technical or cultural origin of the words or groups of words in the technical vocabulary, the way they were invented or devised through a twisting of the sense; - the use of new roots and the formation of new terminological groups; - the emergence, evolution, establishing or disappearance of words or groups of words in the terminology of photography

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Pallas, Basile. "De la vue au regard : littérature et photographies au XIXe siècle". Thesis, Bordeaux 3, 2017. http://www.theses.fr/2017BOR30055.

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Au XIXe siècle, la photographie est vue comme une image vraie. Produite mécaniquement, elle serait la copie fidèle de la réalité, ce qui justifie la croyance en la vérité de ses images. Dès les premiers discours tenus à son égard, la photographie apparaît comme une image transparente, ne donnant rien d’autre à voir que la réalité, ce qui explique notamment les postures de rejet généralement adoptées par les écrivains et les artistes face à cette image, antithèse de l’art. Notre travail s’efforce de montrer comment, à l’inverse, la photographie a été, dans les textes littéraires en particulier, rendue à sa visibilité, c’est-à-dire à sa nature de vraie image. Pour cela, nous déterminons comment le phénomène optique de l’aberration, qui suppose une déformation de l’image plus ou moins visible, rend compte d’une pensée s’attachant à concevoir la photographie comme vectrice de troubles dans sa représentation. Nous examinons alors différentes manifestations de ces phénomènes dans la littérature, qui sont liées à une conscience de la matérialité des images, de leur mode de fabrication particulier, mais aussi de leurs défauts, opacifiant ce qu’elles représentent. L’attention de certains écrivains portée à ce que nous appelons la dimension photographique des photographies ouvre des pistes multiples sur la poétique des textes et situe le modèle photographique dans un ailleurs du réalisme. La réflexion sur la photographie dans les textes permet également de mesurer les conséquences d’une croyance en la vérité des images, croyance qui se révèle, à différents niveaux, comme aberrante. En effet, le fantasme d’une visibilité parfaite n’a pas seulement été appréhendé comme un moyen de mesure rationnelle du monde. La visibilité accrue et excessive de la photographie révèle au contraire ce que la réalité a de plus étrange et de plus inquiétant. Dans les textes, le modèle photographique éclaire alors une représentation fantastique du monde, lorsque celui-ci s’ouvre aux fantasmes et aux hallucinations. Nous tentons de cerner, à travers des œuvres littéraires et photographiques variées (Nerval, Champfleury, Nadar, Maupassant, Geffroy, Rachilde, Bonnetain, etc…) les différents phénomènes qui apparaissent comme les principaux agents de déréalisation de l’image photographique
In the nineteenth century, photographs are first seen as true images. Produced mechanically, they would be the faithful copy of reality. This justified the belief in the truth of photographic images. From the earliest speeches made about it, photographs appeared as transparent images, giving nothing more to see than reality. This explains the postures of rejection generally adopted by writers and artists in the face of the photographic image, seen as the antithesis of art. Our work tries to show how, on the contrary, photography has been rendered in literary texts, to its visibility, that is, to its nature as a true image. To do this, we determine how the optical phenomenon of aberration, which is a deformation of the image, accounts for a line of thought which tries to conceive of photography as a vector of disturbances in its representation of reality. We then examine different manifestations of this phenomenon in literature. They are linked to a growing awareness of the materiality of the images and their particular mode of manufacture, but also of the defects opacifying what they represent. The attention given by certain writers to what we call the “photographic dimension” of photographs opens up multiple avenues to the poetics of texts and situates the photographic model beyond realism. The inquiry on photography in texts also makes it possible to measure the consequences of a belief in the truth of images, a belief that reveals itself, at different levels, as aberrant. Indeed, the fantasy of perfect visibility has not been apprehended only as a means of rational measurement of the world. The increased and excessive visibility of photography reveals, on the contrary, what is strangest and most disturbing in reality. The photographic model illuminates a fantastical representation of the world’s fantasies and hallucinations. The different phenomena studied then appear as the principal agents of derealization of the photographic image

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Jarjat, Philippe René. "Les fresques de Michel-Ange à l'épreuve de la photographie : production et diffusion de nouveaux clichés (1839-1944)". Paris, EHESS, 2008. http://www.theses.fr/2008EHES0074.

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Pour faire l'histoire des différentes manières de représenter les fresques de Michel-Ange, par la photographie et par l'illustration, il faut d'abord étudier les images qu'elles concurrencèrent jusqu'à la fin du XIXe siècle: il s'agit des estampes d'interprétation (ch. 1) et des gravures figurant dans des livres illustrés (ch. 2). Certains modèles de représentation, hérités des techniques précédentes, furent repris, tandis que d'autres furent abandonnés. C'est grâce à ces images que les fresques de la chapelle Sixtine et de la chapelle Pauline furent connues et analysées par un public plus vaste. Sans connaître les avantages et les inconvénients liés à l'usage de tels ou tels procédés photographiques et photomécaniques (ch. 3), il est impossible de comprendre pourquoi leur acceptation par les historiens et critiques fut ralentie (ch. 4). C'est la substitution de ces procédés techniques aux précédents et la généralisation de leur usage qui présidèrent à la naissance de nouveaux modèles de représentation en leur donnant une légitimité nouvelle, liée à l'image technique. Ces modèles furent marqués par une évolution. Deux entreprises, celle fondée par Adolphe Braun (ch. 5) et celle fondée par James Anderson (ch. 6), jouèrent un rôle déterminant dans l'invention de ces "nouvelles manières de voir, entre 1869 et 1911. Sous l’effet de la concurrence d'autres acteurs (ch. 7), et grâce au relais des imprimés illustrés, celles-ci devaient contribuer à la formation d'un standard de représentation, valable jusqu'au terme de la période considérée par notre recherche (ch. 8). Ces ensembles de fresques possédaient alors une "image" spécifiquement photographique et photomécanique
To write the history of the different ways that (1615 caractères) Michelangelo's frescos have been represented through photography and illustration, one must first study the images that they competed with until the end ofthe 19th century which were interpretative prints (Ch. L) and engravings depicted in iHustrated books (Ch. 2). Certain models ofrepresentation from earlier techniques were used while others were abandoned. It is thanks to these images that the frescoes ofthe Sistine Chapel and the Pauline Chapel are better known and have been studied by a larger audience. Without knowing the advantages and disadvantages involved in the use ofcertain photographic and -substitution ofthese processes and the generalization of their use that prevailed during the creation ofthe new models of representation giving them a new legitimacy, linked to the technical image. These models are marked by an evolution. Two enterprises, one founded by Adolphe Braun (Ch. 5) and one founded by James Anderson (Ch. 6), played a fundamental role in the invention of these "new ways of seeing", between 1869 and 1911. Under the influence of the competition of other players (Ch. 7) and thanks to the shift to illustrated printed matter, the enterprises had to contribute to the development of a standard of representation, valid until the end of the time considered in our research (Ch. 8). These collections of frescoes hence have a specifically photographic and photomechanical "image"

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Paschou, Io. "Vers une archéologie des images : la représentation de l'homme dans la photographie en Grèce du XIXème au XXème siècle". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010639.

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Les voyageurs qui se pressent en Grèce dès le XIXème siècle et encore de nos jours recherchent d'abord les traces de la Grèce ancienne. La photographie semble être «l'outil» le plus adapté pour sauvegarder la mémoire des lieux historiques et des monuments. L'analyse de cette recherche, Vers une archéologie des images: la représentation de l'homme dans la photographie en Grèce du XIXème au XXeme siècle s'intéresse ici à la fois historique et anthropologique de la photographie. A travers la photographie, l'homme présente la conception qu'il se fait du monde et qu'il en veut donner à ses contemporains. L'idée essentielle de cette recherche est donc d'essayer de s'interroger sur la représentation humaine dans les ruines historiques de Grèce, de mettre en valeur les éléments les plus significatifs, de comprendre les intentions du photographe (et du modèle), de s'interroger sur les conditions de la prise de vue. Mais c'est aussi de chercher les liens entre l'histoire de la photographie et les monuments antiques: la photographie est un instant arrêté dans l'éternité alors que les ruines sont, en quelque sorte, une version de l'éternité fixée à jamais. Ce temps figé de la ruine nous semble justement l'un des principaux paradigmes de la photographie. Une photographie ancienne porte la marque du temps et les ruines, et porte aussi en elle le passé du monument. Avec l'aide des archives des institutions, grecques ou françaises, mais aussi avec l'aide des collections privées et de photographies inédites, l'envie naît de constituer (ou pourquoi pas de re-constituer) un portrait du monde grec, un portrait historique, archéologique en s'interrogeant sur la place de ruines dans la vie des hommes (voyageurs ou habitants)

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Fatet, Jérôme. "Les recherches d'Edmond Becquerel sur la nature de la lumière entre 1839 et 1843 : histoire d'une interaction réussie entre science et photographie". Lyon 1, 2005. http://www.theses.fr/2005LYO10237.

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Si l'invention de la photographie relève tout d'abord du domaine de la technique, la communauté scientifique s'y intéresse très rapidement. Tout d'abord utilisés dans leur fonction initiale, l'obtention d'image, ses procédés se sont peu à peu adaptés aux besoins de la recherche. Le physicien Edmond Becquerel (1820-1891) est seulement âgé de 18 ans en 1839, quand les principes de la photographie sont publiés en France. Il s'y intéresse immédiatement. Comme photographe il réalise des vues de Paris, en tant que physicien il utilise les procédés chimiques de cette nouvelle technologie pour ses recherches. Dans cette thèse, nous analysons ce transfert de compétences de la communauté des techniciens vers la communauté scientifique, en étudiant la construction par Edmond Becquerel d'un instrument, qu'il nomme actinomètre électrochimique, utilisant les procédés chimiques de la photographie, mais sans obtention d'image, pour l'analyse du spectre solaire. Avec cet instrument, Edmond Becquerel obtient des résultats qu'il considère comme la preuve que les rayons " au-delà du violet " sont de la lumière. Notre exploration de la naissance de cet instrument est basée, tout d'abord, sur l'analyse des descriptions, dans plusieurs communications à l'Académie des sciences, de trois appareils successifs, construits par Edmond Becquerel, qui le conduisent à l'invention de l'actinomètre électrochimique. Nous utilisons de plus les informations que nous avons pu collecter lors des réplications que nous avons réalisées de ces instruments, et des expériences qu'Edmond Becquerel mène avec ceux-ci. Nous étudions comment un instrument à été inventé, construit et transformé par Edmond Becquerel entre 1839 et 1843. Nous analysons aussi quels paramètres ont influencés cette évolution. Nous étudions particulièrement l'influence d'une controverse engendrée par ces inventions, entre Edmond Becquerel et Jean Baptiste Biot. Cette controverse semble essentiellement basée sur des désaccords expérimentaux, mais Biot est connu pour sa défense indéfectible de la théorie corpusculaire de la lumière. Ceci nous conduit à étudier si des considérations théoriques concernant la nature de la lumière influencent les recherches de Becquerel

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Sarreau, Jérôme. "Le sublime et la représentation photographique de l'ouest américain au XIXè siècle [(1840-1912)]". Pau, 2008. http://www.theses.fr/2008PAUU1013.

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Au cours du 19è siècle, les Etats-Unis ont considérablement agrandi leur territoire. La partie occidentale du continent américain a progressivement été peuplée et industrialisée. Alors que des villes et usines étaient construites, la place de la nature régressait inexorablement. C'est dans ce contexte que des photographes sont partis vers l'Ouest afin de représenter les paysages encoresauvages mais aussi les merveilles technologiques qui commençaient à envahir cette région. Cette entreprise démontre l'attitude ambivalente des Américains du 19è siècle, à la fois éblouis par la beauté de la nature sauvage et attirés par le progrès technique. Il est donc significatif qu'ils aient considéré comme sublimes aussi bien les paysages sauvages crées par Dieu que les oeuvres des ingénieurs. On peut véritablement parler de transfert des valeurs au cours du siècle. La Nature, qui fut l'un des piliers dans la construction d'une authentique identité nationale, fut tout de suite associée au genre sublime, mais plus tard, ses caractéristiques furent transmises à l'Homme et l'idée de sublime fut alors associée aux machines. Une nouvelle forme de sublime est donc apparue en Amérique : le sublime technologique. Cette étude analyse le rôle des photographes dans cette évolution, qui pourrait être conçue comme une popularisation du sublime, mis à portée du plus grand nombre. Le corpus est principalement constitué de photographies réalisées par William Henry Jackson et Carleton E. Watkins. Les analyses de ces images permettent de mettre en évidence les éléments typiques du sublime. Ces photographies représentent tous les aspects de l'Ouest américain dans la deuxième moitié du 19è siècle : aussi bien les paysages sauvages que les tribus indiennes et l'industrialisation
During the 19th century, the territory occupied by the United States was significantly enlarged. The Western part of the American continent was progressively populated and industrialized. While towns and factories were built, the place of nature inexorably decreased. At that time, some photographers left for the West in order to represent the landscapes which were still in their pristine condition but also the technological wonders which were invading this area. Their undertaking shows the ambivalent attitude of 19th century Americans, who were both dazed by the beauty of the wilderness and lured by technical progress. It is thus significant that they considered as sublime not only the wild landscapes created by God but also the works of the engineers. We can really speak about a transfer of values during the century. Nature, which had been a pillar in the building of a genuine national identity, was associated with the sublime straightaway, but later, its characteristics were transferred to Man and the idea of sublime was then associated with the machines. A new form of sublime appeared in America : the technological sublime. This study analyzes the part played by photographers in this evolution, which could be seen as a popularization of the sublime, thus put within the reach of every American citizen. The corpus consists mainly of photographs taken by William Henry Jackson and Carleton E. Watkins. The analysis of these pictures emphasizes the typical characteristics of the sublime. These photographs represent all the aspects of the American West in the second half of the 19th century : the wilderness as well as the Indian tribes and the industrialization of the region

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Makino, Kanako. "Louis Figuier et la vulgarisation de la photographie". Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20042/document.

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Louis Figuier (1819-1894) est un scientifique français qui s’est orienté vers la publication d’ouvrages de vulgarisation destinés au grand public du XIXe siècle. Parmi les inventions scientifiques qu’il a traitées dans ses publications depuis la fin des années 1840, figure à plusieurs reprises la photographie. Le corpus principal de notre réflexion porte sur des ouvrages de Figuier publiés entre les années 1840 et 1880, et à des publications d’autres auteurs de cette époque, abordant chacune la photographie. Notre recherche vise d’abord à analyser comment Figuier a envisagé la relation entre l’art et la photographie. Elle examine ensuite l’influence des idées de Figuier sur le regard porté sur la photographie par la société de son époque. Puis elle étudie l’impact de son analyse concernant la valeur artistique de la photographie, sur une nouvelle façon d’aborder la vulgarisation de la science. La première partie porte sur l’étude approfondie des ouvrages de Figuier et d’articles de revues, à partir de l’invention de la photographie jusqu’au début des années 1850. Elle a pour but de décrire les impacts sociaux de cette invention et d’étudier les remarques de Figuier sur ce procédé, dans ses premières publications. La deuxième partie examine la controverse sur la valeur artistique de la photographie dans les années 1850 et la contribution des ouvrages de Figuier à cette discussion. La troisième partie aborde des ouvrages de Figuier publiés à partir des années 1870 et analyse la manière dont Figuier a cherché à dépasser le cadre traditionnel de la science et à lui donner une nouvelle définition
Louis Figuier (1819-1894) is a French scientist and scientific popularizer who published many works for the general public in nineteenth-century France. Since the late 1840s, one invention in particular with which Figuier involved himself was photography. The main corpus of our research covers Figuier’s works printed between the 1840s and 1880s, along with publications on photography by contemporary writers. First, our research aims to analyze how Figuier envisioned the relationship between art and photography. Second, it examines Figuier’s opinions and their influence on society’s views of photography, and how his analyses concerning the artistic value of photography influenced him in his own efforts to revitalize the notion of science.The first section examines Figuier’s works and journal articles written by his contemporaries, starting from the invention of photography and leading up to the 1850s. It also considers the social impact of photography at the time, and Figuier’s early works in which he remarks about the process.The second section explains the controversy surrounding the artistic value of photography during the 1850s, and the works Figuier contributes to this discussion. The third section explores Figuier’s works published since the 1870s, and explains how Figuier aimed to exceed the traditional definition of science and offer a new interpretation

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Yelles, Anissa. "Reproduire les ruines au XIXe siècle : pour une approche comparative de la représentation photographique des sites archéologiques en Méditerranée : l'exemple de l'Algérie et de l'Italie". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H108.

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Notre recherche entend déterminer les éléments constitutifs de la photographie de ruines au XIXe siècle pour tenter de définir ce modèle de représentation de la trace archéologique. Cette étude s'attache à comprendre comment les sites archéologiques de la Méditerranée ont été reproduits à travers une photographie d'archéologie dont les règles scientifiques ne sont pas encore fixées au XIXe siècle. Pour conduire cette recherche, nous nous sommes proposés d'appliquer une méthode comparative, en analysant la production réalisée par les photographes dans deux contextes géographiques et géopolitiques différents, dans le cadre de fouilles, de voyages personnels ou de voyages d'explorations archéologiques. Compte tenu de critères historiques et socio-culturels pertinents, nous avons sélectionné deux pays des deux bords méditerranéens, l'Italie et Algérie. Deux destinations scientifiques mais aussi touristiques propices à la découverte physique de l'expérience archéologique pour les photographes de la période étudiée, et ce du simple fait de la richesse et de la diversité de leur patrimoine archéologique. Deux destinations qui ont également connu une histoire de l'archéologie, et un développement des fouilles distincts sur bien des aspects. À partir d'un corpus relativement important, la démarche comparatiste que nous avons choisie d'appliquer nous a permis d'observer, de décrire et de comprendre la manière dont les photographes ont contribué à la structuration et à la circulation des imaginaires relatifs aux sites archéologiques entre l'Europe (en particulier l'Italie) et l'Afrique Nord (l'Algérie) au XIXe siècle. Aussi, par l'intermédiaire d'un protocole bien défini , et d'une sélection de corpus (principalement centrée sur la production des photographes français), nous avons pu souligner un ensemble de systèmes de représentations de la ruine lié à un imaginaire commun des pays Méditerranéens
Our thesis wishes to determine the components of the photography of ruins in the 19th century and to try to define this model of representation of the archaeological trace. This study aims to understand how the archaeological sites of the Mediterranean sites have been reproduced through a photograph of archeology whose scientific rules are not yet predefined in the nineteenth century. In order to produce this research, we propose to apply a comparative method, analyzing the production produced by photographers in two different geographical and geopolitical contexts, in the context of excavations, persona) travels or archaeological explorations. Taking into account relevant historical and socio-cultural criteria, we selected two countries on the two Mediterranean shores, Italy and Algeria. Two scientific but also tourist destinations conducive for the physical discovery of the archaeological experience for photographers of the period studied, simply because of richness and diversity of their archaeological heritage. Two destinations that also experienced a history of archeology, and a history of their separate excavations on many aspects. Based on a relatively large corpus, the comparative approach we have chosen to apply has enabled us to observe, describe and understand the way in which photographers have contributed to the structuring and circulation of the imaginary Archaeological sites between Europe (especially Italy) and North Africa (Algeria) in the nineteenth century. Thus, by means of an established protocol and a selection of corpus (mainly centered on the production of French photographers), we have been able to highlight a set of systems of representations of the ruin linked to a common imaginary of the countries Mediterranean countries

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Meizel, Laureline. "Inventer le livre illustré par la photographie en France : 1867-1897". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H045.

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Cette thèse traite des rapports noués entre le livre et la photographie en France au cours du dernier tiers du XIXe siècle. Elle dégage les enjeux recouverts par cette association pour les acteurs collaborant à sa réalisation, à la croisée desquels a été progressivement inventé un objet inédit : un livre dont le discours s’élabore à partir de la combinaison de textes et de photographies entre ses plats de couverture au moins, mais aussi sur ses pages si l’envie ou le besoin le commande. Pour cela, elle circonscrit les contours et les tendances de la production moyenne entre 1867 et 1897, en construisant un corpus qui en reflète l’étendue et les ambitions. De type systémique, son analyse démontre que le livre n’a été ni le berceau, ni le foyer, non plus que le vecteur de diffusion principal des images photographiques en France au XIXe siècle. En révélant l’extrême diversité de la production, elle prouve par contre que le livre a constitué un laboratoire d’expérimentations des modalités de l’association des textes et des images photographiques, dans le but de formaliser un discours pour le pérenniser. Par ce biais, les auteurs et les éditeurs ont progressivement défini les spécificités de la photographie dans le champ des moyens disponibles pour l’illustration. Permettant notamment aux imprimeurs-éditeurs de réaffirmer leur position dominante sur un monde de l’édition en mutation, les processus de cette appropriation se distinguent toutefois par la très faible implication de la communauté photographique. Dès lors, cette thèse propose une périodisation des liens des photographes au livre, lorsque celui-ci est utilisé comme un levier dans leurs réclamations statutaires
This thesis is about the relationship between books and photography in France during the last three decades of the 19th century. It reveals what was at stake in this specific association for the diverse actors involved in its creation. Articulating multiple issues, a new object was gradually invented: the photographically illustrated book, that is a book discursively produced through combining texts and photographic images between its covers, if not on the very pages themselves. To this end, the thesis charts the boundaries and tendencies of the average production of photographically illustrated books between 1867 and 1897, building a corpus that reflects its extent and its ambitions. Through a systemic analysis, it demonstrates that books were neither the breeding grounds nor the main sites nor the main vehicles for the dissemination of photographic images in 19th century France. By showing the extreme diversity of the production, it argues that books have constituted an experimental ground where modalities of texts’ and photographic images’ associations were tested. Through this process, authors and editors progressively defined what would become the specific characteristics of photographic images as means available for illustration. Allowing publishers and printers to reaffirm their dominant position in the world of publishing, the processes of this appropriation is particular because of the very low involvement of the photographic community itself. Therefore, the thesis proposes a periodization of the links of photographers to the book, analysing its role in the statutory claims they made through time

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Gleeson, William. "Les lieux de la désolation : évènement, espace et destruction dans la photographie de la guerre civile américaine (1861-1865)". Paris 7, 2012. http://www.theses.fr/2012PA070033.

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Cette thèse porte sur la photographie de la Guerre Civile américaine (1861-1865), notamment sur sa relation à l'environnement. Il s'agit de remettre les images de ce conflit dans un contexte culturel et de les analyser comme des éléments issus d'une rhétorique non-discursive. On s'attache ainsi à des questions concernant la difficulté de photographier la Wilderness de la Virginie mais aussi la possibilité de faire un portrait en substituant le paysage à un corps absent. L'utilisation de ces images après la guerre, les débats autour de la mémoire et de la vérité photographique sont également abordés. Un dernier chapitre est consacré aux ruines dans les photographies et essaie d'appréhender comment ces ruines établissent, d'une manière durable, une façon de scruter la destruction
This dissertation examines American Civil War photography, notably its relationship with the environment. The images from the conflict are placed into their cultural context and are considered as elements of non-discursive rhetoric. One part looks at the difficulty of photographing the Wilderness region of Virginia. Another chapter looks at the possibility of making a portrait by substituting a landscape for an absent body. The dissertation also investigates the use of these images after the war, raising issues of memory and photographic truth. A final chapter concerns the photography of ruins and tries to understand how these ruins establish a lasting manner of looking at destruction

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Gervais, Thierry. "L'illustration photographique : naissance du spectacle de l'information (1843-1914)". Paris, EHESS, 2007. http://www.theses.fr/2007EHES0143.

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Entre 1843 et 1914, la photographie devient en France le principal mode d'illustration dans la presse et donne forme à de nouveaux objets. La production photographique se massifie, la reproduction photomécanique permet d'associer les caractères typographiques aux images argentiques et la presse s'empare de ce nouveau tandem pour illustrer ses pages. Du journal L'Illustration créé en 1843 à La Vie au grand air qui se développe à la Belle Époque, la photographie passe du statut de support iconographique pour le graveur au vecteur principal de l'illustration de l'information. La publication d'images se multiplie dans la presse et, sous la houlette d'un directeur artistique qui agence texte et photographies, le récit de l'actualité en image se déploie sur l'espace de la page, transformant le journal illustré en magazine. Entre ces deux dates, les protocoles de l'illustration photographique sont établis et produisent une information visuelle spectaculaire
Between 1843 & 1914, photography became the main means of illustrating stories in the French press, paving the way for many new kinds of publications. Photo-mechanical printing methods made it possible to combine typecast letters and silver print images and newspaper editors rushed to use this new tandem to illustrate their pages. From the magazine L'Illustration, created in 1843 to La Vie au grand air, which appeared during the Belle Époque, photography's importance increased enormously. Initially used by engravers and not published themselves, photographs soon became the main medium for illustrating news stories. The press began using more and more photographie images. Under the guidance of artistic directors, skilled in the art of marrying words and images, picture stories began to cover newspaper pages, transforming illustrated journals into magazines. Between these two dates, the protocols of photographie illustration were established, producing a spectacular form of visual news

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Schincariol, Andrea. "Naturalisme et photographie : l'influence invisible du dispositif photographique sur le roman d'Emile Zola, Guy de Mautpassant, Joris-Karl Huymans et Henry Céard". Toulouse 2, 2010. http://www.theses.fr/2010TOU20097.

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La présente étude consiste en une analyse des rapports entre le dispositif photographique et cinq parmi les œuvres les plus significatives du mouvement littéraire Naturaliste. Dans la première partie de sa thèse, le doctorant a analysé deux textes liés au genre fantastique: la nouvelle Le Horla (1887) de Guy de Maupassant et le roman Là-bas (1891) de Joris-Karl Huysmans. La deuxième partie est entièrement consacrée à l'étude de Nana (1880), d'Émile Zola, et de l'influence du dispositif photographique sur la question du « dénudement » du corps du personnage éponyme. La troisième partie consiste en une analyse photo-littéraire de certains des aspects poétiques et esthétiques dans les romans d'Henry Céard Une belle journée (1881) et Terrains à vendre au bord de la mer (1906). Le candidat a opéré une analyse minutieuse des œuvres, en focalisant l'attention d'abord sur les indices textuels renvoyant au médium photographique pour ensuite développer son étude photo-littéraire sur le plan profond de l'énonciation littéraire, à la recherche du travail profond et structurant du dispositif photographique. Le doctorant a proposé en outre, à partir des textes étudiés, une série de références iconographiques significatives de la production photographique contemporaine aux auteurs pris en considération ainsi que de l'époque actuelle
This study consists in an analysis of the relationships between the photographic dispositive and five of the most significant works of the literary movement of Naturalism. In the first section of his thesis, the PhD student has analyzed two texts related with the literary genre of the “Fantastic”: the short story Le Horla (1887), written by Guy de Maupassant and Joris-Karl Huysmans's novel Là-bas (1891). The second section is entirely dedicated to the study of Nana (1880), by Émile Zola, and the influence of the photographic dispositive on the theme of “nude” with respect to the heroin of the novel, Nana. The third section consists in a photo-literary analysis of some of the poetic and aesthetic aspects characterizing the novels of Henry Céard, Une belle journée (1881) and Terrains à vendre au bord de la mer (1906). The candidate has operated a meticulous analysis of those literary works, with a focus, in the first place, on those textual marks suggesting the presence of the photographic medium; secondly, he has developed his photo-literary study trying to explore, on the deeper level of the literary enunciation, the function of the photographic dispositive with respect to the construction of the text. Besides, the candidate has proposed, starting from the novels that he has studied, some iconic references reflecting the photographic production contemporary to the authors of his corpus and also some photographic examples of present time

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Blin, Marie-Christine. "Art et écologie dans l'Amérique du dix-neuvième siècle, 1820-1890 : artistes pionniers et exploration visuelle". Le Havre, 2013. http://www.theses.fr/2013LEHA0013.

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On attribue souvent aux œuvres des peintres Albert Bierstadt et Thomas Moran et des photographes Carleton Watkins et William H. Jackson un impact certain sur la création des parcs nationaux de Yosemite et Yellowstone. Plutôt que de rechercher des preuves de leur influence sur les hommes politiques – preuves qui se révèlent ténues et appartiennent plus à la légende qu’à la réalité – cette thèse se propose d’étudier comment la représentation du paysage a pu progressivement, au cours de la période 1820-1890, façonner les esprits américains au point qu’ils puissent admirer cette nature sauvage qu’ils redoutaient depuis longtemps et en venir à prôner ou à accepter qu’on la préserve. Dans une première partie, nous aborderons l’évolution de l’image de la nature et de l’art depuis l’arrivée des premiers colons et leurs destins croisés. Dans la seconde partie, nous nous intéresserons aux facteurs qui firent des artistes des pionniers de l’esthétique et de la préservation, les envoyant en mission d’exploration pour étudier les éléments naturels et recréer les scènes observées. Puis nous analyserons les écrits de certains artistes où transparaît une sensibilité écologique précoce et les actions concrètes de ceux qui luttèrent pour préserver certains sites. Enfin, dans la troisième partie, nous examinerons les innovations technologiques ou artistiques et l’adaptation des traditions picturales européennes qui favorisèrent l’appropriation visuelle de la nature : panorama et stéréographie, alliance de la vision de loin et de haut et de la précision télescopique ou pastoralisation par une présence humaine, animale ou par l’alliance du sublime et du beau
The works of painters Albert Bierstadt and Thomas Moran and photographers Carleton Watkins and William H. Jackson are often credited with having been instrumental in the creation of the Yosemite and Yellowstone National Parks. Rather than look for evidence of their influence on politicians – evidence which turns out to be flimsy and the stuff of legend more than reality –this dissertation aims to study how landscape representation between 1820 and 1890 progressively shaped American mentalities so that people came to admire the wilderness they had dreaded for a long time and to advocate or accept its preservation. In the first part we will deal with the evolution of the image of nature and art since the arrival of the first settlers and their shared destinies. In the second part, we will look at how artists were made into aesthetic and environmental pioneers, sent on a mission of exploration to study the elements of nature thoroughly and recreate the scenes they had observed. Then we will analyze the writings of some artists which show a precocious ecological sensitivity and the concrete actions of those who fought for the preservation of certain sites. Finally, in the third part, we will examine the technological or artistic innovations and the adaptation of European pictorial conventions that favored the visual appropriation of nature : the panorama and the stereography, elevated vision from a distance and telescopic precision, as well as its pastoralization by human, animal presence or by the union of the sublime and the beautiful

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Yeo, Mun-Ju. "Kitsch et photographie : étude historique du kitsch et de son statut dans la photographie (XIXe et XXe siècles)". Thesis, Paris 10, 2013. http://www.theses.fr/2013PA100037.

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Apparu vers le milieu du XIXe siècle comme jargon dans les cercles artistiques munichois désignant une image de piètre qualité, bon marché, le mot kitsch s’utilise aujourd’hui non seulement dans le monde de l’art mais aussi dans la vie quotidienne toujours avec un sens fortement péjoratif. Considéré en général comme « mauvais goût », « art sans valeur », « camelote artistique », ou « art vulgaire », le kitsch n’est pourtant pas un concept qui demeure seulement dans une dimension esthétique ou artistique. Les divers phénomènes historiques du kitsch, émergés dans le contexte de la modernité, comme « la bib[e]lotomanie », « le roman-feuilleton », « l’art pompier » en France au XIXe siècle, ou encore « la peinture de salon de coiffure » en Corée au XXe siècle, trahissent tous que le kitsch est en effet une attitude que l’homme adopte vis-à-vis de son existence et du monde dans la réalité. L’essentiel de ce concept réside donc dans sa négation ou mieux dans sa fuite de la réalité. Voilà pourquoi la photographie se présente comme un médium qui mérite d’être étudié en rapport avec le kitsch. Médium qui a un lien spécifique par excellence avec le réel, elle ne cesse de faire ontologiquement le va-et-vient entre le présent et le passé, l’instantanéité et l’éternel, l’ici et l’ailleurs, le sujet et l’objet, la vie et la mort, etc. C’est en effet à cause de cette ontologie paradoxale que la photo peut devenir, selon « l’acte photographique », non seulement de l’art mais aussi du kitsch. Ainsi, l’attitude envers ce dernier que les artistes laissent apercevoir à travers leur œuvre photographique s’avère extrêmement variée, et ambiguë, voire même contradictoire tout comme chez Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado et Oliviero Toscani
Appeared in the mid-nineteenth century as a jargon in the artistic circles of Munich designating a cheap image of poor quality, the term “kitsch” is used today not only in the art world, but also in everyday life, always with strongly pejorative sense. Generally considered as “bad taste”, “worthless art”, “artistic junk” or “vulgar art”, kitsch, however, is not a concept that remains only in aesthetic or artistic field ?. Various historical phenomena of kitsch which had been all emerged in the context of modernity, such as “bib[e]lotomanie”, “serialized novel”, “academic art” in France in the nineteenth century, or “barbershop’s painting” in Korea in the twentieth century, show that kitsch is indeed an attitude of human being toward his own existence and the world. The essence of this concept lies therefore in his negation of reality, or better in his escape from reality. That’s why photography deserves to be studied in relation with the kitsch. Having a specific link with the reality, the medium oscillate ontologically between the present and the past, the instant and the eternity, the here and the elsewhere, the subject and the object, the life and the death, etc. It is indeed because of this paradoxical ontology that the photography can become, according to the “acte photographique” not just art but also kitsch. Thus, the attitude to the latter the artists let reveal through their photographic work turn out extremely varied and ambiguous, even contradictory such as it does in the work of Pierre et Gilles, Vik Muniz, Sebastião Salgado and Oliviero Toscani

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Mottet, Jean. "Cinéma et paysage : de la représentation à l'expérience paysagère". Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010539.

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En Amérique, le problème de la relation avec le territoire vierge est d' abord redéfini dans le courant du 19e siècle par des hommes qui ne sont pas des artistes au sens traditionnel du terme. Des grands photographes de paysage (Jackson, Watkins, Russel. . . ) aux premiers opérateurs de cinéma, ce sont des techniciens ou des entrepreneurs qui inventent et diffusent les premiers paysages américains. Dès le début du 20e siècle, le spectacle de la nature cède la place à la multiplication des visions médiatiques : lanterne magique, panorama, photo, cinéma. Dans ce nouveau contexte, les courts métrages de D. W. Griffith tournés entre 1908 et 1915 sont l'occasion d'analyser les rapports originaux qui s'élaborent entre représentations populaires et scène américaine. De nouveaux schèmes organisationnels se diffusent, en prise directe avec les processus ordinaires de la vie quotidienne, selon les nécessités sociales du moment plutôt qu' en rapport avec une invention réfléchie du paysage dans le cadre d'une esthétique. Cette expérience historique détermine une nouvelle manière d'être à l'espace qui permet de penser les relations du cinéma aux paysages contemporains (naturels et urbains) selon d'autres logiques, intégrant les notions de lieu et non-lieu, sans dissociation. Recroiser le langage du cinéma et du monde conduit par ailleurs à envisager de nouvelles formes d'échanges avec ce qui nous entoure/

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Ducos, Laure. "Alfred-Nicolas Normand (1822-1909) Ou les leçons de Rome". Thesis, Tours, 2014. http://www.theses.fr/2014TOUR2002/document.

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L'architecte Alfred-Nicolas Normand est un oublié de l'histoire. Après quatre années d'études aux Beaux-Arts, il obtient le Grand Prix de Rome en 1846. Pensionnaire à la Villa Médicis durant les cinq années suivantes, il se confronte aux canons de l'Antiquité. Il réalise cinq Envois d'une grande qualité, parmi lesquels une étude de la maison du faune à Pompéi, et la restauration du Forum romain en un travail mêlant art, érudition et archéologie. Il sillonne l'Italie et la Grèce, constituant un portefeuille de modèles qui nourrira sa pratique architecturale. S'y ajoute un beau corpus de calotypes influencé par les modalités du dessin. De retour en France, Normand réalise un hötel pompéien pour le prince Jérôme Napoléon. Il y voit l'occasion d'appliquer les leçons reçues de Rome, élaborant une juste synthèse entre archéologie, modèles canoniques et vie moderne. Puis il se verra confié la réedification de la Colonne Vendôme, effaçant ainsi le traumatisme mal assumé de la Commune. Sa carrière se diversifie, entre architecture privée et construction édilitaire : chäteaux, hötels particulier, halle métallique, maison centrale de Rennes. Il représente ces générations brillantes mais sans relief qui répondent aux exigences institutionnellles; Alfred Normand, en tant que banal modèle de l'excellence, incarne une histoire des strates, une figure du transitoire
The architect Alfred-Nicolas Normand is forgotten by the history. After four year at the Beaux-Arts, he obtains the Grand Prix de Rome in 1846. He is student at the villa Medici for the five next years. He makes five Envois in high quality. One of them is the house of the Faun in Pompeii. He realizes a great Restoration of the Roman Forum. His works proposes a synthesis of art, erudition and archaeology. During his pension he is travelling acrosss Italy and is given a recent authorization to reach Greece. the boarding school is opportunity for Normand to find out and to experience all the forms of his art which are well abovethe competences taught by the Institute. He will feed upon all these influences his architectural skills. In 1851, he discovers the calotype process, and after that he is taking photographs of the monuments in their context. The observer would remark a relative ressemblance between his practice as drawer and as a photographer. As he wants the process to be clearly documentary, the shooting process is drastically influenced by the drawing codes and method standards. Back in France he realizes a antique style Villa for the Prince Jérôme Napoléon. Normand finds here the opportunity to apply the lessons learned from Roma : monumentality and sense of decor. He does a good mix between archaeology, canonical models and modern lifestyle. A few years after, he is been given the maintenance of the Colonne Vendôme. As this monument has been thrown down during the Commune events, the State puts him in charge of its restoration in order to erase this painful episode from the popular memory. Throughout his career he will be required to build private prestigious residences (castles and private mansions) for which he will request a varied vocabulary : medieval, neo-Renaissance or XVIIIth century. He also achivied numbers of tombs and honorific monuments. Thereafter he turns to work on the penal institution architecture. He is appointed to be responsible for the conception of the Maison Centrale of Rennes, a prison for a thousand women serving a long sentence. He turns the panoptical system into a wide central courtyard to which converge all the windows of the prison building. Alfred Normand, as recognized as he could be in his time, is one of the history's forgotten people. He is a good representative of these generations : brilliant, but whitout relief, that could fit perfectly the institutional needs. He personifies the inertia of a professional corps facing the modern societies' individualistic conception

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Orain, Hélène. "Pure Photography : la photographie pure en Grande-Bretagne, matière à discours (1860-1917)". Thesis, Paris 1, 2018. http://www.theses.fr/2018PA01H058.

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Cette étude est une analyse de l’évolution de la notion de photographie pure, dans les discours en Grande-Bretagne, entre 1860 et 1917. Définie comme une image non retouchée ni manipulée, la photographie pure est envisagée en miroir de la retouche et des interventions sur les négatifs et positifs. Une exploration des journaux britanniques a mis en lumière cette préoccupation constante pour la définition et la légitimité des moyens de la photographie. Premièrement, la question des combination printings, de la notion de vérité comme essence de la photographie ainsi que l’aspect des images photographiques sont source de débats. Les discours d’acceptation et de rejet des pratiques de ciels rapportés, de coloriage et de la retouche apportent un éclairage sur la genèse de la retouche. Ces points, corrélés à la présence de la photographie pure dans les expositions, soulignent l’émergence d’une volonté puriste dès les années 1860. Enfin, les discours sur la photographie pure de Peter Henry Emerson et de Frederick H. Evans sont mis en parallèle et contextualisés au sein du pictorialisme, pour mieux en dessiner la définition. Ainsi se relient, dans ces débats sur la pureté, les limites de l’expérimentation et les aspects de la photographie, les figures d'Alfred H. Wall, Oscar Gustav Rejlander, Julia Margaret Cameron, Robert Demachy, Alvin Langdon Coburn et Alfred Stieglitz. Leurs discours et leurs recherches éclairent un idéal à atteindre, difficilement applicable, un mythe plus qu’une réalité
This study is an analysis of the evolution of the notion of pure photography, in discourses happening in Great Britain between 1860 and 1917. Defined as a photograph that is neither retouched nor manipulated, pure photography is envisaged in regard to retouching and negative and positive interventions. An exploration of British periodicals has brought to light the constant preoccupation for the definition and legitimacy of the photographic tools. First, the question of combination printings, the notion of truth as the essence of photography and the aspect of photographic images are a source of debate. The discourses of acceptance and rejection of practices such as printing-in clouds, colouring and retouching shine light on the genesis of retouching. These aspects, paralleled with the presence of pure photography in exhibitions, highlight the emergence of a purist aspiration as early as 1860. Finally, the discourses of Peter Henry Emerson and Frederick H. Evans on pure photography are confronted and contextualized within pictorialism, to further its definition. Thus, through these debates on purity, the limits of experimentation and the aspects of photography, the figures of Alfred H. Wall, Oscar Gustav Rejlander, Julia Margaret Cameron, Robert Demachy, Alvin Langdon Coburn and Alfred Stieglitz are connecting. Their discourses and research put forth an ideal, out of reach, impractical, a myth more than a reality

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Guerra, Diego Fernando. "In articulo mortis : el retrato fotográfico de difuntos y los inicios de la prensa ilustrada en la Argentina, 1898-1913". Thesis, Rennes 2, 2016. http://www.theses.fr/2016REN20025/document.

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Le sujet de la présente thèse est le portrait photographique post-mortem à Buenos Aires et, spécialement, son développement dans le cadre de l'insertion de la photographie dans la presse de masse du début du XXe siècle. En ce sens, l'objectif principal de ce travail est de contribuer à la connaissance des rapports entre mort et représentation visuelle dans le début de la culture de masse. L'analyse d'un corpus hétérogène - des photographies, des peintures, des photogravures, des caricatures, des images aussi journalistiques que publicitaires - essayera donc de rendre compte de quelques problèmes fondamentaux de la présence de l'image et le portrait dans les rites funéraires et les pratiques de deuil modernes. On a aussi le propos de mettre en relief le rôle des pratiques mortuaires dans le processus argentin de modernisation et ses liens avec le développement de la culture visuelle de masse
The subject of this thesis is the postmortem photographic portrait in Buenos Aires and, especially, its development in the context of the insertion of the photography in the early twentieth century massmedia. In this sense, the main objective of this work is to contribute to the knowledge of the relationship between death and visual representation in the beginning of the mass culture. The analysis of a heterogeneous corpus - the photographs, paintings, photo-engravings, cartoons, journalistic images and advertisings - therefore tries to study some fundamental problems of the presence of the image and the portrait in modern funerary rites and mourning practices. Its intention is also to highlight the role of mortuary practices in the Argentine modernization process and its links with the development of visual mass culture
El sujeto de la tesis presente es el retrato fotográfico post-mortem a Buenos Aires y, especialmente, su desarrollo en el marco de la inserción de la fotografía en la prensa de masa de principios del siglo XX. En este sentido, el objetivo principal de este trabajo es contribuir al conocimiento de los relaciones entre muerto y representación visual en el principio de la cultura de masa. El análisis de un corpus heterogéneo - fotografías, pinturas, fotograbados, caricaturas, imágenes tan periodísticas como publicitarias - tratará pues de dar cuenta de algunos problemas fundamentales de la presencia de la imagen y el retrato en los ritos funerarios y las prácticas modernas de duelo. Tenemos también la intención de poner de relieve el papel de las prácticas mortuorias en el proceso argentino de modernización y sus lazos con desarrollo de la cultura visual de masa

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Ponrouch, Julia. "La présence cambodgienne en France depuis le protectorat (1863-1953) jusqu'à aujourd'hui : des étudiants aux réfugiés en passant par les soldats et travailleurs pendant les guerres, une immigration en constante mutation : un cas d'étude : la ville de Toulouse". Paris 7, 2010. http://www.theses.fr/2010PA070078.

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Ce travail retrace l'histoire de l'immigration cambodgienne en France depuis la venue d'étudiants sous le protectorat français, à la fin du XIXe siècle. Cette immigration a connu de nombreuses formes. Les séjours temporaires d'étudiants et les renforts de guerre sous le protectorat n'ont jamais concerné plus de quelques centaines d'individus. L'immigration massive et définitive de réfugiés, à la fin du XXe siècle, a par contre amené plus de 50 000 Cambodgiens en France. À présent, les regroupements familiaux et les mariages viennent s'ajouter à l'immigration étudiante. Des associations politiques cambodgiennes ont existé en France dès les années 1940. Elles ont évolué au fil du temps, suivant l'histoire du Cambodge. On observe aujourd'hui des associations principalement culturelles, existant au sein d'une communauté beaucoup plus nombreuse et structurée. L'accueil de cette population par l'État et les Français, plutôt hostile durant les guerres, a été favorable par la suite, jouant un rôle non négligeable dans l'intégration des réfugiés. Leur réception a été organisée par des dirigeants soucieux de ne pas commettre les mêmes erreurs qu'avec d'autres populations. Les Cambodgiens ont ainsi été dispersés dans tout le pays, accueillis pour plus des deux tiers dans des centres provisoires d'hébergement. La politique d'accueil, les réactions des Français, la culture des Cambodgiens sont autant de facteurs qui ont induit leur stratégie d'intégration. Cette histoire a été illustrée par l'étude de la ville de Toulouse, ville d'accueil depuis le début de cette immigration dont la communauté cambodgienne a connu ces trois dernières décennies une vie associative dynamique
This study details the history of Cambodian immigration in France since the French Protectorate became established, at the end of 19th century. This immigration took many forms. Students' and military troops' temporary stays during the Protectorate concerned a few hundred people ail together. This was followed by a massive and permanent immigration in France of more than 50,000 Cambodian refugees at the end of the 20th century. Nowadays, Cambodian student immigration is supplemented with people settling in by family entry and through marriage. Cambodian political associations have been present in France since the 1940's. These associations have evolved over time, depending on Cambodia's situation. These days, Cambodian associations are mainly cultural and operate within a much bigger and more structured community. The French state and population were rather hostile to Cambodian immigrants during wars, but they became welcoming later on, which played a significant positive role in the integration of refugees. These refugees were then received by institutions paying attention not to repeat the mistakes made with other nationalities. Thus Cambodian people were scattered ail around the country, more than two thirds of them being taken care of in temporary housing centers. Reception policy, reactions of French people, and Cambodian people's culture concurred to the integration strategy of these immigrants. This history has been detailed through the specific study of Toulouse, a city that has welcomed this immigration since its beginning and whose Cambodian community has been characterized for the past three decades by a lively social life through associations

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Su, Ying-Lung. "Taïwan vue par les étrangers : illustrations photographiques de Taïwan dans les publications étrangères, 1843-1945". Thesis, Paris, EHESS, 2021. http://www.theses.fr/2021EHES0015.

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L’objectif de cette thèse est d’explorer une source d’images de Taïwan pour la plupart ignorées jusqu’à maintenant : les illustrations photographiques parues dans des publications étrangères, entre 1843 et 1945. Ce sont les nombreuses photographies faites par des étrangers séjournant à Taïwan depuis le XIXème siècle, ou commanditées par le gouvernement japonais de l’île après 1895, afin d’être publiées dans des périodiques ou des ouvrages à l’étranger, qui sont devenues la seule archive consultable. Dans les 108 publications étudiées, près de 2000 images ont été recensées, pour beaucoup photographiées sur la publication originale, toutes reproduites, légendées et référencées dans un volume annexe. La période considérée (1843-1945) est scindée en deux temps par l’annexion de Taïwan par le Japon en 1895, une mutation politique qui a un impact majeur sur l’activité économique, l’urbanisation, l’organisation sociale, et par conséquent, sur les images qui rendent compte de l’état du pays. L’étude cerne d’abord l’histoire des relations des nations étrangères avec Formose-Taïwan, puis expose avec précision l’ensemble des sources éditoriales recueillies, les informations qu’elles contiennent, et analyse les liens avec les pays étrangers par l’identité des éditeurs, des auteurs, et des langues utilisées, et ensuite l’activité de différentes catégories de photographes produisant les images, ceux-ci étant souvent des amateurs également auteurs des textes. Les techniques de la photographie et de l’illustration imprimée sont prises en compte pour saisir les possibilités de l’illustration photographique, avec la césure importante de la photogravure qui apparaît ici en 1893. L’étude de l’ensemble des images recueillies dégage les principaux thèmes des illustrations, et la manière de s’inscrire dans les objectifs éditoriaux des articles ou ouvrages, de la topographie à l’exploitation du camphre, et aux développements des écoles. Deux grandes questions dominent ce corpus d’illustrations, toutes deux prenant corps avec la colonisation japonaise : la reconnaissance des tribus aborigènes, souvent qualifiées de « sauvages », objet de curiosité, de bienveillance ethnologique, de peur ou d’hostilité, et soumises à de véritables investigations photographiques qui représentent un tiers de l’illustration globale ; la modernisation, l’urbanisation, le développement économique, les transformations sociales qui s’ensuivent, sous le contrôle japonais. L’étude met en avant la diversité et l’ambigüité des points de vue « sur Taïwan », des attitudes « étrangères » à l’égard de Taïwan, mais aussi la valeur visuelle et esthétique d’une archive en majeure partie inédite, dispersée, et désormais disponible sous forme numérique
This thesis aims to explore a source of images of Taiwan, most of which have been neglected up to now : photographic illustrations which appeared in foreign publications between 1843 and 1945. The numerous photographs taken by foreigners living in Taiwan since the 19th century or financed by the Japanese colonial government after 1895, in order to be published abroad in periodicals or books have become the only archive available for consultation. Almost 2000 images have been inventoried in the 108 publications analysed in the thesis. Most of them have been photographed in the original publications. All of them have been reproduced, captioned and referenced in an additional volume. The timeline chosen for analysis (1843-1945) is split into two separate periods by the Japanese annexation of Taiwan in 1895. This political mutation had a major impact on the economic activity, the urbanisation, the social organisation and consequently on the images documenting the state of the country. The study first focuses on the history of the relationships between foreign nations and Formosa-Taiwan. It then minutely describes all the collected editorial sources, the information they contain and offers an analysis of the island’s links with foreign countries by looking into the identities of the editors and writers as well as the languages used. Next, the study investigates the practice of the different categories of photographers who provided the images, these often being amateurs who were also the authors of the texts. This study examines the techniques of photography and printed illustrations in order to grasp the possibilities of the photographic illustration, including the turning point represented by the emergence of photoengraving in 1893. The study of all the collected images highlights the main themes of the illustrations and the ways in which they align with the editorial objectives of the articles or books, from topography to the exploitation of camphor and the development of schools. Two main questions dominate this corpus of illustrations, both emphasizing with the Japanese colonisation. On the one hand, the recognition of Aboriginal tribes, often deemed ‘savages’. Objects of curiosity, they triggered ethnological benevolence, fear or hostility and were subjected to real photographic investigations which represent a third of all the illustrations. On the other hand, the modernisation, the urbanisation, the economic growth and the ensuing social transformations of the island under Japanese control. The study underlines the diversity and the ambivalence of the points of view ‘on Taiwan’ and of the ‘foreign’ attitudes towards Taiwan but also the visual and aesthetic value of a major archive, for the most part never seen before, scattered and, from now on, digitally available

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Boissarie, Delphine. "La maison Denis Frères (1862-1954) : trajectoire d'un réseau commercial et social entre Bordeaux et l'Extrême-Orient". Thesis, Bordeaux 3, 2015. http://www.theses.fr/2015BOR30073.

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En 1859, la prise de Saïgon par le corps expéditionnaire français donne aux milieux du négoce de l’Hexagone l’espoir de concurrencer la colonie britannique de Singapour en Extrême Orient. Étienne Denis, capitaine au long cours bordelais envoie ses fils en Cochinchine pour sonder les potentialités de ce nouvel horizon commercial. Fondée en 1862 à Saïgon, la maison Denis Frères développe des activités industrielles, de négoce, de cabotage, s’intéresse au riz et devient en quelques décennies l’une des affaires les plus prospères de la colonie indochinoise, notamment par le développement de son réseau commercial dans la « Méditerranée » Est asiatique. Dans le même temps, la famille Denis s’intègre aux élites saïgonnaises et bordelaises et participe aux réseaux de sociabilités locaux. La consultation des archives privées de la maison Denis Frères d’Indochine, de la famille Denis, d’anciens employés de la Maison complétée par l’étude des archives publiques concernant l’entreprise permet d’envisager à la fois la stratégie de développement de la Maison mais aussi la gestion d’une entreprise en milieu colonial. Cette double implantation, entre Bordeaux et Extrême Orient, invite le chercheur à pratiquer les jeux d’échelles. Elle pose la question de l’adaptation de l’entreprise aux spécificités du marché asiatique, traditionnellement dominé par les Chinois, et de son rôle dans la mise en valeur de la colonie. De fait, la structure de l’entreprise reflète la société coloniale indochinoise et l’évolution de ses mentalités. En métropole, la maison Denis Frères s’inscrit dans un réseau de défense des intérêts coloniaux et permet d’apprécier l’influence du négoce ultramarin
In 1859, the catch of Saïgon by the French gives in the circles of the trade of France the hope of competing with the British colony of Singapore in Extreme East. Étienne Denis, fully-licensed captain of Bordeaux, sends his sons to Cochinchina to poll the potentialities of this new commercial skyline. Founded in 1862 in Saïgon, the Denis Frères company develops industrial activities, trade, coastal shipping, is interested in the rice and becomes one of the most prosperous business of the Indochinese colony, notably by the development of its commercial network in the Asiatic « Mediterranean Sea ». The consultation of archives of the Denis Frères company, of the family Denis, of the ancient employees of the company, supplemented by the study of the public archives concerning the firm and his leaders in France and in Indochina allows to envisage the strategy of developpement but also the management of a firm in colonial background. This double establishment, between Bordeaux and Extreme East, invites the researcher to play the games of ladders. It asks the question of the adaptation of the firm the peculiarities of the Asiatic market, traditionally dominated by the Chineses, and of his role in the emphasizing of the colony. Indeed, the structure of the firm reflects the Indochinese colonial society and the evolution of its mentalities. In France, the Denis Frères company registers in a network of defence of colonial interests and allows to appreciate the influence of ultramarine trade

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Sotteau, Stéphanie. "Appert, photographe parisien (1860-1890) : atelier et actualité". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040113.

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E. Appert (1831-1890) est un photographe essentiellement connu pour ses portraits d’insurgés dans les prisons versaillaises après la Commune de Paris et pour ses photomontages des Crimes de la Commune. Cependant, sa carrière débuta à Paris bien avant 1871 et se poursuivit sur une trentaine d’années. Ce photographe se révéla être un véritable « reporter » attentif à illustrer l’actualité. Tissant des liens utiles avec la Justice et la Préfecture de Police, ses portraits et ses photomontages se firent l’écho des événements politiques. Alors réputé pour être un photographe partisan de Thiers ou proche des bonapartistes, Appert photographiait en fait l’élite politique, religieuse et militaire sans parti pris. Il mit rapidement en pratique un portrait dépouillé de décor, où l’homme politique, à l’instar du détenu, posait assis sur une chaise devant un fond uni. Ses photomontages réalisés avec beaucoup de soin étaient principalement des portraits de groupe reflétant l’actualité politique et judiciaire. Le photographe développa des liens étroits avec la presse illustrée et publia dès le début des années 1860 des portraits dans le Monde Illustré et dans l’Illustration. Cette collaboration suivie lui donna l’occasion de faire connaître sa production au grand public. Issu d’un milieu modeste, la photographie permit à Appert de s’élever dans la société. Son opportunisme commercial fut un moyen de survivre aux aléas politiques de la fin du Second Empire, du siège de Paris, de la guerre civile et de l’instabilité de la Troisième République
E. Appert (1831-1890) is a photographer known for his prisoners’ portraits after the Commune of Paris and for his photomontages of Crimes de la Commune. Meanwhile, he has begun his career before 1871 and for nearly thirty years. This photographer was in fact like a “reporter” looking after events of the moment. Weaving useful links with the Justice and the Paris police headquarters, his portraits and montages reflected political occurrences. Considered as a supporter of Thiers and closed to imperial family, Appert photographed above all the pick of Politic, Army and of the Church without choosing any side. He made a type of portrait, pure without any ornament: the model, politic or prisoner, seated on a simple chair in front of a plain background. His photomontages made carefully were mostly group portraits for political and judiciary actuality. The photographer developed narrowed links with illustrated press and has published portraits as early as the beginning of 1860 portraits in Le Monde Illustré and L’Illustration. This followed collaboration was an opportunity to be known by the public. From a modest social sphere, photography was a way for Appert to rise himself into the society. His commercial opportunism allowed the photographer to survive to economic and political difficulties throw the end of the Second Empire, siege of Paris, civil war and Third Republic

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Marcus, Gustaf. "Paria : Brottslingen och normaliseringen av människan i Strindbergs, Hanssons och Geijerstams författarskap". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL139.

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Cette étude traite de la représentation du criminel et de la normalisation de l’homme dans les œuvres d’August Strindberg, Ola Hansson et Gustaf af Geijerstam. La question de l’identité et de la spécificité de l’homme criminel attira une attention considérable à la fin du 19ème siècle. Elle fut explorée dans des sciences prestigieuses qui employaient de nouvelles techniques photographiques et statistiques pour surveiller et définir les anormaux. Dans les œuvres littéraires examinées, le criminel représente un thème privilégié : à travers ce thème, des questions fondamentales concernant la déviance, le déclin et la dégénérescence pourraient être exprimées et discutées par les auteurs. Pourtant, le criminel reste une figure complexe qui à la fois était perçue comme un homme malade ou déviant qu’il faut normaliser et un homme supérieur qui exprime sa propre liberté et individualité. Ce processus ambiguë est décrit, avec un terme emprunté à Michel Foucault, comme une forme de « gouvernementalité », ou une élaboration continue d’un champ de liberté et individualité situées
This study explores the representation of the criminal and the wider question of the normalization of man seen through the works of August Strindberg, Ola Hansson and Gustaf af Geijerstam. The question of the identity of the criminal attracted considerable attention at the end of the 19th century. It was explored in new, prestigious scientific fields that relied upon cutting-edge photographic technology and statistics as forms of surveillance for defining types of human beings. In the literary works, the criminal thus functions as an appealing topic through which deeper cultural anxieties about deviance, decline and degeneration could be voiced and discussed. However, the criminal is a complex figure who at the same time tended to be seen as a sick, deviant or abnormal individual in need of normalization, and as a superior being who expresses his personal freedom and individuality. This ambivalent process, called a “game of normality”, is in turn understood in post-Foucauldian terms as a form of “governmentality”, or as a continuous shaping of a field of situated freedom and individuality

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Zogovska, Elena. "L'enseignement du Français Langue Étrangère en Macédoine à partir de textes littéraires des XIXe et XXe siècles sur Paris". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA045.

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Le texte littéraire avec sa puissance artistique, historique, linguistique, culturelle et sociologique est un support privilégié pour la classe de Français Langue Étrangère. S’appuyer sur la littérature pour enseigner différents aspects de la langue et de la culture françaises – telle est l’idée principale de notre travail de recherche. Mais quel type de texte littéraire choisir ? Paris – la capitale mondiale de l’art et de la culture, Paris – la patrie des écrivains, des poètes et des artistes, Paris – l’endroit le plus visité sur Terre, Paris – le nid des amoureux et des romantiques, Paris rêvé, Paris adoré, Paris fantasmé : avec cette série d’attributs, la Ville-lumière inspirait hier, et inspire encore aujourd’hui, les écrivains et les poètes des quatre coins du monde. C’est un Paris magique, poétique et festif, mais aussi un Paris infortuné et malheureux qui les inspire, les fascine et les pousse à écrire. Un héritage littéraire exceptionnel s’est donc constitué au fil des siècles. Dans cette optique, un corpus littéraire des XIXe et XXe siècles sur Paris, très varié, composé de romans, de chroniques, de recueils de poèmes et de pièces de théâtre, est au cœur de notre thèse. Trois dimensions sont évoquées : linguistique, littéraire et culturelle. L’étude de plusieurs éléments propres à la langue, puis la découverte des spécificités des genres littéraires français, ainsi que la mise en perspective de nombreuses questions relatives à Paris et à ses habitants – tout cela constitue les enjeux de notre travail. Nous démontrons aussi que la littérature ne s’enferme pas sur elle-même, mais qu’elle s’ouvre, va plus loin et embrasse les autres arts tels que la peinture, la photographie et le cinéma. La littérature perce ainsi de nouvelles voies vers la culture française et rend l’enseignement/apprentissage du FLE encore plus dynamique et plus créatif. Différentes approches et techniques sont mises en œuvre afin que ce bagage linguistique, littéraire et culturel soit acquis de la manière la plus efficace possible par les apprenants de FLE
The literary text with his artistic, historical, linguistic, cultural and sociological power is privileged medium for the class of the French as a Foreign Language. Relying on the literature to teach various aspects of the French language and culture is the main idea of this research. But what type of literary text to choose? Paris – the world capital of art and culture, the home of writers, poets and artists, the most visited place in Earth, the nest of lovers and romantics, Paris dreamed, Paris loved, Paris fantasized: with this series of attributes, the City of light in the past has been and today still is an inspiration for writers and poets from around the world. It is magical Paris, poetic and festive, but also Paris unfortunate and unhappy that inspires, fascinates and drives them to write. An exceptional literary heritage has therefore built up over the centuries. In this context, a literary corpus of nineteenth and twentieth centuries in Paris - very diverse, consisting of novels, chronicles, collections of poems and plays - is at the heart of this thesis. Three dimensions are mentioned: linguistic, literary and cultural. The study of many facts about the language, then the discovery of the specificities of French literary genres, as well as putting into perspective numerous questions on Paris and his inhabitants – all these are topics of my work. I also demonstrate that the literature does not lock in on itself, but opens, goes further and embraces the other arts such as painting, photography and cinema. The literature pierces a new path to French culture and makes teaching/learning of the French as a Foreign Language more dynamic and more creative. Different approaches and techniques are implemented so that linguistic, literary and cultural skills are acquired in the most efficient way possible by the learners of French as a Foreign Language

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Lahaie, Andréann. "William Notman et les imaginaires photographiques de la chasse au XIXe siècle à Montréal". Mémoire, 2013. http://www.archipel.uqam.ca/5829/1/M13153.pdf.

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Ce mémoire propose d'analyser trois séries photographiques que le photographe canadien William Notman consacre au thème de la chasse. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, Notman ouvre un studio de photographie à Montréal et connaît rapidement un franc succès. Chasseurs, guides et bêtes posent dans de multiples circonstances liées à cette activité. Les photographies de Notman ont cette particularité d'avoir été entièrement réalisées en studio. Tout y est mis en œuvre pour créer l'illusion de scènes se déroulant dans un cadre naturel, de manière à favoriser un mode de réception qualifié d'immersif, selon le terme de Jean-Marie Schaeffer. Une attention particulière sera accordée aux comptes rendus qu'Edward Wilson, un contemporain de Notman, réalise de ces séries photographiques. Ceux-ci permettent en effet de jeter les bases d'une analyse de la participation du spectateur à l'élaboration narrative des séquences photographiques à l'étude. Ce mémoire propose également d'examiner les stéréotypes et les mythes véhiculés par les représentations de Notman. Contemporaines de la Confédération, la circulation et la diffusion de ces images procèdent de l'élaboration d'un imaginaire national. Ce contexte historique est déterminant, puisque la jeune nation en instance de définition a recours à la production culturelle afin de promouvoir sa singularité à travers le monde. Par ailleurs, l'intérêt croissant pour les colonies encourage le développement du tourisme en Amérique de Nord. Or, l'attrait premier du Canada est la chasse et ses étendues sauvages. Ce mémoire propose en définitive une analyse des catégories identitaires mises en scène dans les œuvres de Notman (l'Autochtone, le Canadien anglais et le Canadien français) à travers une interrogation sur la symbolique du « wilderness ». ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : imaginaire, William Notman, photographie, chasse, fiction, XIXe siècle, Canada

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Rozprawy doktorskie na temat „Photographie – Cambodge – 19e siècle”

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