Rozprawy doktorskie: „Mise en abyme”

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Allegue, Fuschini Ludivine. "Mise en abyme de l'oeuvre et perception esthétique." Paris 1, 2003. http://www.theses.fr/2003PA010542.

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Streszczenie:

La mise en abyme est une mise en scène de la perception esthétique qui implique le spectateur dans le processus de création artistique. Une union naît ainsi entre l'artiste, l'oeuvre, le spectateur et aboutit souvent à une ambigui͏̈té quant à leur distinction et celle des réalités. Nous examinons d'abord la transgression du cadre par l'image peinte dans la miniature persane, qui a pour particularité de mettre le spectateur face à la création picturale et ce qui lui précède: la page blanche. Puis nous étudions l'improvisation dans la musique tzigane, car ce procédé nous permet d'assister à une composition musicale en temps réel. Nous interrogeons là le rapport entre l'espace-temps et l'art. Enfin nous entrons dans les sculptures de Jaume Plensa et expérimentons la perception de l'oeuvre, au moyen de la réalisation d'un court-métrage: a propos de chaos-saliva. Dans la mise en abyme culmine un mouvement introspectif, à travers un fait physique: la perception de l'image ou du son.

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Mundler, Helen Esther. "Le texte dans le texte dans l'oeuvre d'a. S. Byatt (1978-1996)." Strasbourg 2, 1998. http://www.theses.fr/1998STR20023.

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Streszczenie:

L'oeuvre d'a. S. Byatt (nee 1938), auteur prolifique et erudite, a ete etonnamment negligee par les etudes du roman britannique contemporain, ne suscitant que quelques aticles. Cette these constitue une premiere longue etude de sa fiction. Notre corpus se compose de la fiction entre 1978 et 1996. Notre etude porte sur les procedes auto-reflexifs romanesques intertextuels et intratextuels, que nous cherchons a examiner a travers l'analyse du 'texte dans le texte' afin d'etablir une poetique de l'oeuvre byattienne et de la situer dans l'ethique et l'esthetique postmodernes. Byatt double les niveaux diegetiques, inclue la mise en abyme du personnage- ecrivain, utilise toute une gamme de textes intercalaires fictifs et authentiques, et invente de nouvelles formes hybrides, en faisant preuve notamment d'un pastiche brillant neo-victorien dans possession, son ouvrage le plus applaudi. Ce travail se divise en trois parties, correspondant approximativement a ce que nous avons nomme l'intertextualite canonique, aux formes d'intertextualite autres que canoniques (tels le conte, le tableau, que nous avons reunis en analysant leur aspect emblematique dans le romanesque), et a l'innovation dans le deploiement du texte dans le texte dans le dernier roman de byatt, babel tower, ou la nature du texte et les limites de la textualite sont remises en question. La structure de cette these est donc chronologique, et suit l'evolution naturelle de l'oeuvre de byatt. Dans chaque chapitre nous etablissons dans un premier temps les rapports entre les diverses parties du texte afin d'eclairer le projet de l'ouvrage entier; ainsi se definit l'etude hermeneutique, etude qui s'etend, se complique et se complete par l'etude d'une seconde categorie de 'texte dans le texte', que nous nommons 'la forme double', se composant des modes tels l'ironie et la parodie, ainsi que des tropes rhetoriques tels la metaphore, l'allegorie, ou, ce qui represente un depart de la rhetorique traditionnelle et une etape vers l'innovation postmoderne, l'illustration 'intersemiotique' The work of a. S. Byatt (born 1938) has been surprisingly neglected by many studies of the contemporary british novel. This thesis constitutes the first full-length study of her fiction. I have concentrated on the self- reflexive processes used by byatt, particularly tne intertextual and the intratextual, which are examined in order to establish a poetics of byatt's work, and to situate this in the postmodern ethic and esthetic. Byatt multiplies diegetic levels, includes the mise en abyme of the writing character, uses a wide range of inserted texts, real and fictional, and invents new hybrid forms, making a particular feature of brilliant neo- victorian pastiche in possession her most acclaimed work. The thesis falls into 3 parts, corresponding approximately to what have termed (1) canonic intertextuality, (2) forms of intertextuality other than the canonic (such as reference to the fairy tale or to the painting, which i have united by analysing their emblematic aspects in the novel), and (3) the degree of innovation in the deployment of the text in the text in byatt's most recent novel, babel tower. The structure of the thesis is thus roughly chronological, and follows the natural evolution of byatt's work. In each chapter i have begun at the hermeneutic level, establishing the relationship between the various levels of the text in order to elucidate the project of the work as a whole. This basic analysis is then rendered more complex and is completed by the study of what i have termed the 'double form', which consists of modes such as irony and parody, as well as rhetorical tropes such as metaphor and allegory, or - representing amn innovation - intersemiotic illustration

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Merrison, Jonathan Paul. "Mise en abyme in three novels by Claude Simon." Thesis, University of Exeter, 2005. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.421554.

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Snow, Marcus. "Into the abyss : a study of the mise en abyme." Thesis, London Metropolitan University, 2016. http://repository.londonmet.ac.uk/1106/.

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Streszczenie:

As no single English study of the mise en abyme with its examples in our late-modern world has been undertaken, this thesis concerns the mise en abyme in English literature. In approximately the last third of the twentieth century, the concept has increasingly been associated with ‘postmodernism’ and the essential groundlessness of all claims to general or universal truth. In this thesis, I argue that the mise en abyme has become such a broad staple of character and narrative study that its meaning is diffuse in the extreme. First celebrated in the 1980s and 1990s, by several literary thinkers as a figure capturing the spirit of postmodernism, the eventual symptomatic dissipation of the mise en abyme in literary studies resulted from critical suggestions that the mise en abyme was after all, perhaps, bogus. It subsequently became associated with aesthetic phenomena far beyond its initial characterisation by André Gide in 1893. I argue that it has now become a trope of things wider than Gide’s initial allusion and has become a metaphor for abyssal - and abysmal - things. This thesis seeks to consider the history of the mise en abyme and to offer a contemporary account of what it might mean: it does this by uncovering the latent rhetorical figures which preceded the name ‘mise en abyme’. Formal readings of the play within the play in Hamlet and the gothic story read in The Fall of the House of Usher are both starting points to relink Gide’s idea to its, more common, metaphorical applications. Thus, metaphors of the abyss, the dark, the occulted, the uncanny and, most precisely, the ‘sinister’ are examined in this dissertation. The thesis first evaluates the theoretical inheritance of Gide’s work and then, in the second part, applies, through close reading, the meaning of Gide’s idea to recent, and representative literary examples. The thrust of the argument is that the reason many definitions, and applications, of the mise en abyme are such a source of problems, is because the mise en abyme, as an English literary phenomenon supporting the broad thesis of postmodern Gothic aesthetics, is concerned with representing abyssal metaphors. A clear delimitation of the mise en abyme is difficult whenever connotations of the abyss, the dark, the occult and the sinister are overlooked. So, this dissertation gives a circumspect view of what is designated as mise en abyme, and argues that, in late-modernity, its meaning is closest to the rhetorical figures named ekphrasis, metalepsis, and epanalepsis. This study concludes that, realistically, there is probably no such thing as the mise en abyme and instead, there are only rhetorical figures and metaphors of the sinister and of the abyss.

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Fortin, Martine. "L'expérience du divertissement, ou, Mise en abyme : autoportrait d'un personnage /." Thèse, Chicoutimi : Universite du Quebec à Chicoutimi, 1995. http://theses.uqac.ca.

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Streszczenie:

Mémoire (M.A.)--Université du Québec à Chicoutimi, 1995. Accompagné d'une vidéocassette, sous la cote +N-16038. Le titre de la vidéocassette varie. Martine Fortin et Guy Bonneau ont utilisé le même film dans la rédaction de leur communication. CaQCU CaQCU CaQCU Document électronique également accessible en format PDF. CaQCU

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Schleicher, Harald. "Film-Reflexionen : autothematische Filme von Wim Wenders, Jean-Luc Godard und Federico Fellini /." Tübingen : M. Niemeyer, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb357437462.

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Alonso, Mariângela [UNESP]. "Da receita à paixão: a mise en abyme em Clarice Lispector." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2015. http://hdl.handle.net/11449/126607.

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Made available in DSpace on 2015-08-20T17:10:14Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2015-05-04. Added 1 bitstream(s) on 2015-08-20T17:25:44Z : No. of bitstreams: 1 000841117_20221210.pdf: 437353 bytes, checksum: fe6bacedf416f1739e5e2228aefc34f6 (MD5) Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico (CNPq) Résumé: Les récits de Clarice Lispector s'étendent au-delà des espaces fictifs et se caractérisent par le refus du récit fermé et achevé, en quête de formes liquides et inconcluses qui perpétuellement se rompent pour de nouveau se rétablir, dans un mouvement circulaire et scorpionique, l' auteur ne devant que tisser et détisser le texte dans un entrelacement continu. Aussi la masse textuelle signale-t-elle l' intersection en abyme d' enchaînements significatifs divers, c'est-à-dire un jeu narratif spéculaire dans lequel chaque oeuvre qui se termine, tend à fermer un cycle qui sera repris par l' oeuvre suivante, et ainsi de suite, comme les éternelles poupées russes ou les emblématiques boîtes chinoises. C'est dans ce sens que cette recherche propose l' étude de l' écriture moderne de Clarice Lispector, en utilisant comme corpus les récits de Meio cômico, mas eficaz; Receita de assassinato (de baratas); A quinta história et A paixão segundo G.H. L'objectif du travail c' est d' examiner les relations entre les textes mentionnés qui s' insèrent dans les études d' intertextualité, processus défini comme la reprise d'un texte par un autre et, ainsi, les relations entre des textes différents d'auteurs divers. Toutefois, cette investigation est centrée sur des textes d' un même auteur et se fonde sur ce que Gérard Genette a conçu comme autotextualité ou intratextualité, phénomène caractérisé par la remise de l'auteur à son oeuvre même. Pour cela, on cherche d'entreprendre une voie possible d' analyse des textes mentionnés à travers les études de Lucien Dällenbach (1979), Gérard Genette (1982), Jean Ricardou (1978), parmi d'autres As narrativas de Clarice Lispector expandem-se para além dos espaços ficcionais, caracterizando-se pela recusa à narrativa fechada e acabada ao buscar formas líquidas e inconclusas, que perpetuamente se desmancham para novamente se construir, num movimento circular e escorpiônico, restando à autora tecer e destecer o texto num contínuo entrelaçamento. Assim, a massa textual assinala a intersecção en abyme de encadeamentos significativos diversos, isto é, um jogo narrativo especular no qual cada obra que se encerra tende a fechar um ciclo que será retomado pela obra seguinte e assim sucessivamente, como as eternas bonecas russas ou as emblemáticas caixas chinesas. Nesse sentido, a presente pesquisa propõe o estudo do processo de escrita moderna de Clarice Lispector, utilizando como corpus as narrativas de Meio cômico, mas eficaz; Receita de assassinato (de baratas); A quinta história e A paixão segundo G.H. O escopo do trabalho é examinar as relações entre os textos mencionados, inserindo-se nos estudos de intertextualidade, processo definido como a retomada de um texto por outro e, assim, as relações entre diferentes textos de autores diversos. Porém, esta investigação centra-se em textos de um mesmo autor, pautando-se no que o teórico Gérard Genette concebeu como autotextualidade ou intratextualidade, fenômeno caracterizado pela remissão à própria obra. Para tanto, buscamos empreender um caminho possível de análise aos textos mencionados, guiando-nos pelos estudos de Lucien Dällenbach (1977), Gérard Genette (1982), Jean Ricardou (1978), entre outros Clarice Lispector's narratives expand beyond the fictional spaces, characterized by refusal to closed and finished narrative to seek liquid and unfinished forms, which perpetually fall apart to be built again in a circular motion, then the author weaving and unweaving the text in a continuous entanglement. Thus, the textual mass en abyme indicates the intersection of several major chains, i.e., a narrative mirror game in which each work ending tends to close a cycle, resuming the next operation and so on, as the eternal Russian dolls or flagship Chinese boxes. In this sense, this research proposes the study of modern writing of Clarice Lispector process, using as corpus the narratives Meio cômico, mas eficaz; Receita de assassinato (de baratas); A quinta história and A paixão segundo G.H. The scope of work is to examine the relationships between the above texts, according to studies of intertextuality. The process indicated before is defined as the resumption of a text on the other and thus the relationships between different texts by different authors. However, this research focuses on texts by the same author, basing on what the theoretical Gérard Genette conceived as autotextuality or intratextuality, a phenomenon characterized by reference to the work itself. Therefore, we seek to undertake a possible way of analysis of the mentioned texts, guiding us by Lucien Dällenbach (1977) studies, Gérard Genette (1982), Jean Ricardou (1978), among others

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Alonso, Mariângela. "Da receita à paixão : a mise en abyme em Clarice Lispector /." Araraquara, 2015. http://hdl.handle.net/11449/126607.

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Orientador: Guacira Marcondes Machado Leite Banca: Maria das Graças Gomes Villa da Silva Banca: Silvana Vieira da Silva Banca: Arnaldo Franco-Júnior Banca: Aparecida Maria Nunes Resumo: As narrativas de Clarice Lispector expandem-se para além dos espaços ficcionais, caracterizando-se pela recusa à narrativa fechada e acabada ao buscar formas líquidas e inconclusas, que perpetuamente se desmancham para novamente se construir, num movimento circular e escorpiônico, restando à autora tecer e destecer o texto num contínuo entrelaçamento. Assim, a massa textual assinala a intersecção en abyme de encadeamentos significativos diversos, isto é, um jogo narrativo especular no qual cada obra que se encerra tende a fechar um ciclo que será retomado pela obra seguinte e assim sucessivamente, como as eternas bonecas russas ou as emblemáticas caixas chinesas. Nesse sentido, a presente pesquisa propõe o estudo do processo de escrita moderna de Clarice Lispector, utilizando como corpus as narrativas de Meio cômico, mas eficaz; Receita de assassinato (de baratas); A quinta história e A paixão segundo G.H. O escopo do trabalho é examinar as relações entre os textos mencionados, inserindo-se nos estudos de intertextualidade, processo definido como a retomada de um texto por outro e, assim, as relações entre diferentes textos de autores diversos. Porém, esta investigação centra-se em textos de um mesmo autor, pautando-se no que o teórico Gérard Genette concebeu como autotextualidade ou intratextualidade, fenômeno caracterizado pela remissão à própria obra. Para tanto, buscamos empreender um caminho possível de análise aos textos mencionados, guiando-nos pelos estudos de Lucien Dällenbach (1977), Gérard Genette (1982), Jean Ricardou (1978), entre outros Abstract: Clarice Lispector's narratives expand beyond the fictional spaces, characterized by refusal to closed and finished narrative to seek liquid and unfinished forms, which perpetually fall apart to be built again in a circular motion, then the author weaving and unweaving the text in a continuous entanglement. Thus, the textual mass en abyme indicates the intersection of several major chains, i.e., a narrative mirror game in which each work ending tends to close a cycle, resuming the next operation and so on, as the eternal Russian dolls or flagship Chinese boxes. In this sense, this research proposes the study of modern writing of Clarice Lispector process, using as corpus the narratives Meio cômico, mas eficaz; Receita de assassinato (de baratas); A quinta história and A paixão segundo G.H. The scope of work is to examine the relationships between the above texts, according to studies of intertextuality. The process indicated before is defined as the resumption of a text on the other and thus the relationships between different texts by different authors. However, this research focuses on texts by the same author, basing on what the theoretical Gérard Genette conceived as autotextuality or intratextuality, a phenomenon characterized by reference to the work itself. Therefore, we seek to undertake a possible way of analysis of the mentioned texts, guiding us by Lucien Dällenbach (1977) studies, Gérard Genette (1982), Jean Ricardou (1978), among others Résumé: Les récits de Clarice Lispector s'étendent au-delà des espaces fictifs et se caractérisent par le refus du récit fermé et achevé, en quête de formes liquides et inconcluses qui perpétuellement se rompent pour de nouveau se rétablir, dans un mouvement circulaire et scorpionique, l' auteur ne devant que tisser et détisser le texte dans un entrelacement continu. Aussi la masse textuelle signale-t-elle l' intersection en abyme d' enchaînements significatifs divers, c'est-à-dire un jeu narratif spéculaire dans lequel chaque oeuvre qui se termine, tend à fermer un cycle qui sera repris par l' oeuvre suivante, et ainsi de suite, comme les éternelles poupées russes ou les emblématiques boîtes chinoises. C'est dans ce sens que cette recherche propose l' étude de l' écriture moderne de Clarice Lispector, en utilisant comme corpus les récits de Meio cômico, mas eficaz; Receita de assassinato (de baratas); A quinta história et A paixão segundo G.H. L'objectif du travail c' est d' examiner les relations entre les textes mentionnés qui s' insèrent dans les études d' intertextualité, processus défini comme la reprise d'un texte par un autre et, ainsi, les relations entre des textes différents d'auteurs divers. Toutefois, cette investigation est centrée sur des textes d' un même auteur et se fonde sur ce que Gérard Genette a conçu comme autotextualité ou intratextualité, phénomène caractérisé par la remise de l'auteur à son oeuvre même. Pour cela, on cherche d'entreprendre une voie possible d' analyse des textes mentionnés à travers les études de Lucien Dällenbach (1979), Gérard Genette (1982), Jean Ricardou (1978), parmi d'autres Doutor

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Goes, Alan Eduardo dos Santos. "O cinema nos filmes de David Lynch: uma anÃlise sobre a reflexividade e mise en abyme em Mulholland Drive e Inland Empire." Universidade Federal do CearÃ, 2016. http://www.teses.ufc.br/tde_busca/arquivo.php?codArquivo=18659.

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Streszczenie:

CoordenaÃÃo de AperfeÃoamento de Pessoal de NÃvel Superior Este trabalho se propÃe a analisar os modos de agenciamento do cinema reflexivo proposto pelo artista estadunidense David Lynch, com atenÃÃo maior para as obras Mulholland Drive e Inland Empire. Para isso, serÃo resgatadas discussÃes sobre o dispositivo cinematogrÃfico, desde a proposiÃÃo por Baudry, passando por atualizaÃÃes como as propostas por Metz e noÃÃes mais recentes como as apresentadas por AndrÃ Parente. As perspectivas sobre o dispositivo sÃo relacionadas com o conceito de mise en abyme; operacionalizado por AndrÃ Gide, posteriormente desenvolvido por DÃllenbach, e aplicados aos filmes de David Lynch por FÃtima Chinita; bem como os de reflexividade metacinematogrÃfica e reflexividade metafÃlmica, apresentados por Metz. SÃo ainda trabalhadas algumas questÃes que costumam orbitar a filmografia do cineasta e as pesquisas referentes ao tema, sendo estes: a desterritorializaÃÃo das linguagens artÃsticas, os conflitos entre um cinema de gÃnero e um cinema independente e o surrealismo. Estas discussÃes nos ajudam a compreender traÃos secundÃrios de nossa pesquisa que perpassam tanto a trajetÃria do autor quanto os filmes em observaÃÃo. As anÃlises dos filmes sÃo fundamentadas nos percursos apresentados acima e, quando possÃvel, articuladas com pensamentos transdisciplinares que nos possibilitem explorar aspectos especÃficos, principalmente com estudos da cibercultura, das teorias cinematogrÃficas e da psicanÃlise. A relaÃÃo dessas diferentes correntes teÃricas nos munem de artifÃcios para aprofundar instÃncias narrativas, tÃcnicas e estÃticas de Mulholland Drive e Inland Empire. O ordenamento desses aspectos aparentemente fragmentados, na teoria e nas obras do cineasta estadunidense, traduzem-se na prÃpria estrutura do trabalho, com capÃtulos referentes a cada tema e nÃo-cumulativos e sequenciais. Por fim, as operaÃÃes conceituais propostas Ã anÃlise das imagens em movimento do corpus escolhido nos permitem defender que a reflexividade Ã um elemento estruturante nos trabalhos do cinema de David Lynch e, de modo geral, em partes do cinema contemporÃneo. This study aims to analyze the agency modes of reflective films proposed by the north-american artist David Lynch, with greater attention to both movies Mulholland Drive and Inland Empire. Besides, some discussions will be redeemed on cinematic apparatus, since its conceptual proposition by Baudry, through updates as proposed by Metz and some recent notions such as those presented by AndrÃ Parente. The outlook on the cinematic apparatus are related to the concepts of mise en abyme, operated by AndrÃ Gide and subsequently developed by DÃllenbach, and applied to the films of David Lynch by the work of Fatima Chinita; and the metacinematographic reflectivity and metafilmic reflectivity, presented by Metz, as well. It will present another issues that orbit the filmography of the director and researches on the topic oftenly, namely: the dispossession of artistic languages, conflicts between a genre cinema and an independent film and the surrealistic art movement. These discussions help us to understand some secondary traits of our research that pervade both the trajectory of the author as the films under our observation. The analyze of both movies are based on the routes listed above and, where possible, articulated with transdisciplinary thoughts that allow us to explore specific aspects, especially with cyberculture, studies of film theory and psychoanalysis. The relationship of these different theoretical perspectives endow the artifices to deepen narrative, technical and aesthetic instances of Mulholland Drive and Inland Empire. The management of those aspects apparently fragmented, in theory and in the works of the north-american filmmaker, are reflected in the structure of this work, with noncumulative and non-sequential chapters for each treated subject. Finally, the conceptual operations proposed to analyze the chosen corpus of moving images allow us to defend that reflectivity is a structural element in the David Lynch film works and, in general, in some parts of contemporary cinema.

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Craciun, Marinela-Denisa. "La technique de la mise en abyme dans l'oeuvre romanesque d'Umberto Eco." Thesis, Clermont-Ferrand 2, 2016. http://www.theses.fr/2016CLF20006/document.

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À la fois procédé artistico-littéraire et réflexion intellectuelle, la mise en abyme est une des stratégies de création favorites du romancier Umberto Eco. Certains auteurs ont utilisé cette technique uniquement pour de créer de « simples » jeux de miroirs (comme c’est le cas des Nouveaux Romanciers). Chez Umberto Eco, la mise en abyme est destinée à faire saillir aussi bien l’intelligibilité que la structuration de l’oeuvre. Elle est un principe récursif de la génération de figures et de formes narratives fractales : elle est pour ainsi dire le raisonnement servant comme base dans la création d’un univers romanesque par excellence autoréflexif. Selon une représentation très succincte (mais essentielle), la mise en abyme est ce dispositif narratif consistant à insérer un (ou plusieurs) récit(s) dans le Récit, qui, en reproduisant les caractéristiques de ce dernier va (vont) l’illustrer, l’expliquer et mettre en évidence le/les thème(s) de l’oeuvre An artistic and literary procedure and, at the same time, an intellectual reflexion, mise en abyme is one of the favorite strategies of creation of the novelist U. Eco. Certain authors have used this technique just to create "simple" games of mirrors (such as the French writers called "Nouveaux Romanciers"). In the case of Umberto Eco, mise en abyme is destined to emphasize both the intelligibility of his work, as well as its being structured in multiple layers of narrativity. We reckon that this is the recursive principle, serving at the generating of fractal shapes and characters: this is therefore the reasoning laying at the foundation of creating a fictional universe self-reflective par excellence. If we want a very concise (but essential) representation, we will say that the mise en abyme is that device consisting of the insertion of one or many more stories into The Story, which, by reproducing the characteristics of the latter, provides us with an explanation and will shed light on the theme / themes of the work

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Waller, Kathleen Clare. "Mise-en-abyme in Wayne Wang's New York and Hong Kong films." Thesis, The University of Hong Kong (Pokfulam, Hong Kong), 2011. http://hub.hku.hk/bib/B46631203.

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Pelletier, Nicole. "L'exploration et l'application du procédé de mise en abyme dans la création d'un recueil de nouvelles /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 2001. http://theses.uqac.ca.

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Piedade, Nicolas. "Fictions ventriloques : mise en abyme et narrations subjectives dans le roman moderniste européen." Electronic Thesis or Diss., Limoges, 2023. https://aurore.unilim.fr/theses/nxfile/default/3c706b9e-ca59-4015-b434-c8bcc5f50dde/blobholder:0/2023LIMO0014.pdf.

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La littérature moderniste est communément définie par la critique autour de la notion de crise. Elle s'étend sur une période dont l'échelle varie selon les critiques, mais qu'il est néanmoins possible de circonscrire vulgairement des débuts du symbolisme (Baudelaire, Rimbaud, Mallarmé) aux débuts la seconde guerre mondiale. On comprendra dès lors que le modernisme a fait l'objet d'une circulation entre les différentes ères culturelles, d'abord européennes puis américaines, ce qui en fait un mouvement aux contours certes fluctuants, mais dont l'unité déborde très largement les limites des frontières. Dès lors, que penser d'une crise généralisée de la littérature, qui plus est à une échelle aussi large ? Si la question est souvent traitée à propos de la poésie, il est néanmoins nécessaire pour la critique de s'intéresser aux autres genres, sachant que le modernisme se caractérise aussi par une forte hybridation des formes, la prose contaminant la poésie et inversement. La littérature de cette période développe alors un langage qui est appelé à examiner sa propre portée, sa propre capacité à signifier dans l'élan même qui organise sa forme. On observe alors l'apparition presque systématique, au cœur des productions modernistes, de constructions permettant aux œuvres d'examiner et de penser leur propre matière en même temps qu'elles la développent. Le modernisme se caractérise donc par un recours fondamental à la réflexivité. Dès lors, travailler sur le roman moderniste implique nécessairement de s'intéresser aux éléments de mise en crise de ce qui constitue la condition même du récit et forge son essence : la narration. À l'unité du roman réaliste, les romanciers ont préféré des formes disloquées, hybrides, au déroulement discontinu, voire paradoxal. Parce que le sujet du roman moderniste devient le roman lui-même ainsi que les conditions qui ont présidé à son apparition, le récit se concentre de manière manifeste autour des problématiques et des figures liées à l'écriture. On observe alors une recrudescence de personnages d'artistes et de romanciers confrontés aux apories de la création. Or, le corpus romanesque moderniste possède cela de remarquable qu'il intègre nombre de figures en abyme de ces personnages de créateurs. Par ce moyen, les romanciers procèdent à une sorte de détournement figuré de l'origine de l'écriture, attribuée à un personnage d'auteur intégré à la fiction. Le narrateur du roman sert en quelque sorte de relais à l'écriture et à la voix qui la porte, s'attribuant ainsi figurément la paternité du texte. Ces œuvres ne sont dès lors plus de simples « romans du romancier », mais constituent plutôt de véritables réflexions sur la capacité du récit à dire le monde, sur l'unité du roman et l'impossibilité d'une prétention à la narration objective, produisant ainsi une matière textuelle aux contours mouvants, fluctuants. Le regard subjectif du narrateur, seul prisme de la réalité représentée, devient la source de déformations qui mettent en tension les codes traditionnels du roman, contaminant certes les conditions de la narration, mais aussi de manière substantielle l'espace et la temporalité du récit, son unité, de même que ses conditions de réception. Le roman laisse donc une grande place au doute, à la confusion, à la distorsion voire au mensonge d'un regard subjectif nécessairement incomplet, incertain, voire victime de ses propres manques. La narration devient relativiste, sorte de révolution copernicienne qui va nous permettre de nous demander au cours de notre travail en quoi les représentations en abyme des figures de l'écrivain permettent au roman moderniste de se définir comme un espace fondamentalement réflexif, impliquant par là un renouvellement des systèmes de la narration classique par l'intégration et le développement de logiques narratives et herméneutiques propres à la modernité This work of comparative literature explores the profusion of novelistic forms based on the representation of embedded writer characters during the modernist period. This structure of fictionalized literary enunciation is employed on a large scale by authors of the late nineteenth and early twentieth century in Western Europe. We recognise these occurrences as “ventriloquial fictions”, following Max Saunders’s work. Our hypothesis considers this specific kind of narration as a particularly active paradigm of the modernist formal revival. It allows the writers to deconstruct narrative mediation devices, and to set up reflexive matrices for a renewal of the representation of subjectivity. Our comparative study of the subject is set through a novelistic corpus from five different linguistic areas (France, England, Spain, Portugal and Italy), gathered around the period which is described as “Early Modernism” by the English-language critical tradition. This body of texts is composed of Luigi Pirandello’s Il fu Mattia Pascal (1904), Alfred Jarry’s Gestes et opinions du docteur Faustroll, pataphysicien (1911), Mário de Sá-Carneiro’s A confissão de Lúcio (1914), Miguel de Unamuno’s Niebla (1914) and Ford Madox Ford’s The Good Soldier (1915). The first stage of our study is diachronic. It makes use of literary history in order to draw the ways of sedimentation of fictional biographical writing within European literature. We then apply a narratological approach for enlightening the issue. It allows to define, in a synchronic way, the mechanisms used for the constitution of the modernist ventriloquial reflexivity. The third and last part of this work offers to outline concrete elements of novelistic poetics through three scales of analysis, articulated around the possible worlds theories. The ventriloquial fictions thus appear as an exemplary modality of the modernist renegotiation of the hermeneutic categories at the beginning of the twentieth century

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Rioux, Caroline. "Étude de la mise en abyme dans le roman le voyeur d'Alain Robbe-Grillet /." Thèse, Chicoutimi : Université du Québec à Chicoutimi, 2002. http://theses.uqac.ca.

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Raus, Tonia. "La mise en abyme chez Georges Perec [avec application des résultats théoriques à un corpus d'écrivains francophones luxembourgeois Jean Sorrente et Jean Portante]." Thesis, Paris 3, 2010. http://www.theses.fr/2010PA030106.

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La présente thèse propose d’aborder l’oeuvre perecquienne sous le prisme de la mise en abyme, procédé a priori éculé de la littérature du XXe siècle, dont l’efficacité narrative semble toutefois avoir séduit un écrivain préoccupé à la fois à fonder son écriture dans un système et à entretenir le plaisir illusoire de la fiction. En raison de l’aporie d’une apparition pure du procédé, le champ d’étude est élargi aux mouvements plus amples qu’il implique : l’inclusion et la répétition. Ces deux mouvements, qui stimulent une tension entre le tout et ses parties, peuvent également servir à décrire le geste d’écriture de Perec, profondément animé par une recherche d’adhésion au monde. Un horizon narratif spécifique se profile, complété de l’imaginaire du procédé en soi. D’une part, la mise en abyme est considérée dans sa proximité avec la dimension métatextuelle des récits, aux effets souvent métaleptiques. D’autre part, par la figurabilité du procédé, lui permettant d’agir comme sujet et objet d’une réflexion, l’écriture perecquienne est appréhendée dans sa plasticité. Enfin, cet horizon narratif est confronté à l’idée que Perec formule autour d’un possible « narratème », une unité narrative minimale qui contiendrait en germe un univers de fiction. L’effet local de la mise en abyme s’ouvre à la dynamique générale des récits, entre condensation et extension. Des seuils narratifs ou textuels émergent où se négocie l’inscription de l’auteur dans ses récits : raconter et se raconter. Outre le corpus perecquien, la pertinence de cet élargissement de la mise en abyme est vérifiée au sein des oeuvres des écrivains francophones luxembourgeois : Jean Portante et Jean Sorrente This PHD thesis approaches Perec’s work through the prism of the mise en abyme, an a priori overused process of 20th century literature, whose narrative efficiency seems nevertheless to have attracted a writer set on basing his writing in a system and maintaining the illusory pleasure of fiction. Due to the aporia of a pure appearance of the process, the area of the study is broadened to the more wide et #8208;ranging movements it implies: inclusion and repetition. These two movements, which initiate a tension between the whole and its parts, can also be used to describe Perec’s gesture of writing, animated by the wish to be part of the world. A specific narrative horizon emerges. On the one hand, the mise en abyme is considered in its closeness to the metatextual dimension of the narratives, whose effects are often metaleptical. On the other hand, because of the process’ figurability, which enables it to act as subject as well as objet of a reflection, Perec’s writing can be apprehended in its plasticity. Finally, this narrative horizon is confronted with the idea that Perec voices about a possible “narratheme”, a minimal narrative unit that would contain the seeds of a fictional world. The local effect of the mise en abyme opens to a more general dynamic of the narratives, between condensation and extension. Narrative or textual thresholds appear, where the inclusion of the author in his writings is negotiated: to narrate and to narrate oneself. Besides the perecquian corpus, the relevance of the enlargement of the mise en abyme is demonstrated in the works of Luxembourgish authors writing in french: Jean Portante and Jean Sorrente

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Setterfield, Diane. "Mise en abyme, retroaction and autobiography in the early works of Andre Gide." Thesis, University of Bristol, 1993. http://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.386000.

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Takeda, Kiyoshi. "Archéologie du discours sur l'auto-réflexivité au cinéma." Paris, EPHE, 1986. http://www.theses.fr/1986EPHEA003.

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Makkonen, Anna. "Romaani katsoo peiliin : mise en abyme -rakenteet ja tekstienvälisyys Marko Tapion Aapo Heiskasen viikatetanssissa /." Helsinki : SKS, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb376696849.

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Blüher, Dominique. "Le Cinéma dans le cinéma : Film(s) dans le film et mise en abyme." Paris 3, 1996. http://www.theses.fr/1997PA030021.

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Streszczenie:

Cette etude propose les premiers jalons d'une approche semio-narratologique d'ensemble et systematique de ce que l'on a pris l'habitude de considerer comme film(s) dans le film. Apres avoir donne un apercu de l'etat des recherches concernant la reflexivite au cinema, elle procede a une classification visant a cerner l'ensemble des films ayant trait au cinema. Puis elle se limite deliberement a l'etude du film dans le film proprement dit, c'est-a-dire a cette configuration particuliere de l'insertion d'extraits de film dans un film. Elle analyse cette figure en ayant recours 1 aux notions descriptives empruntees a la narratologie litteraire, 2 aux recherches concernant l'enonciation filmique et 3 au concept de scenario issu de la pragmatique cognitiviste. Puis, elle propose un modele d'analyse du fonctionnement multiplan du film dans le film, developpe en s'inspirant librement d'etudes linguistiques de la paraphrase. Ce modele d'analyse est ensuite illustre et soumis a l'analyse de trois films (respectivement de fassbinder, leenhardt et fellini). Enfin, elle opere un retour sur une forme plus specifique du film dans le film, la mise en abyme, degageant certaines caracteristiques de cette figure vertigineuse et paradoxale.

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Blüher, Dominique Odin Roger. "Le cinéma dans le cinéma : film(s) dans le film et mise en abyme /." Lille : Atelier national de reproduction des thèses, 1996. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39264624t.

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Blüher, Dominique. "Le cinéma dans le cinéma film(s) dans le film et mise en abyme /." Lille : A.N.R.T, Université de Lille III, 1996. http://bibpurl.oclc.org/web/30507.

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Bizzi, Elena. "Uno sguardo riflesso dal cinema al teatro Mise en abyme e sottotitolaggio nel cortometraggio Mouettes." Bachelor's thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2014. http://amslaurea.unibo.it/7120/.

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Streszczenie:

L’un des buts de ce mémoire est de définir le concept de « mise en abyme » appliqué au court-métrage Mouettes, réalisé en 2013 par le cinéaste belge Zeno Graton. Un autre but est celui de présenter une version sous-titrée en langue italienne de ce même court-métrage tout en explorant le monde de la traduction audiovisuelle et notamment du sous-titrage. Ce mémoire est divisé en trois chapitres. Le premier chapitre porte principalement sur la mise en abyme, sur les différents types de mise en abyme, à savoir pictural, littéraire et filmique, sur les études réalisées et les théories conçues à propos de ce procédé, à partir d’André Gide jusqu’à Lucien Dällenbach en passant par Jean Ricardou. Ce chapitre se penche également sur les différences entre la mise en abyme filmique et d’autres modes de réflexivité cinématographique, pour ensuite se concentrer sur le court-métrage Mouettes, décrire le procédé de la mise en abyme hétérogène utilisée dans Mouettes et présenter les thèmes abordés dans le court-métrage. Parmi les thèmes exposés, l’un des plus évocateurs est celui de la figure de l’acteur qui ne sait plus distinguer, parfois, ses passions et ses sentiments réels de ceux ressentis dans le rôle du personnage qu’il doit jouer. Ensuite, le deuxième chapitre est consacré aux différents procédés utilisés dans la traduction audiovisuelle, du doublage, au voice-over au respeaking, en analysant surtout la technique du sous-titrage, la théorie et les problèmes liés. Enfin, le dernier chapitre propose mon travail de sous-titrage à travers un tableau avec le time code, le texte de départ transcrit, la traduction et, si nécessaire, l’adaptation. Dans le troisième chapitre, il y a également un commentaire sur les difficultés rencontrées pendant le travail de sous-titrage, dans la traduction ainsi que dans l’utilisation du logiciel Jubler.

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Grimard, Carl. "La mise en abyme de la représentation. Essai sur l’abîme de l’œuvre et de l’ipséité." Thesis, Université Laval, 2011. http://www.theses.ulaval.ca/2011/28330/28330.pdf.

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Grimard, Carl. "La mise en abyme de la représentation : essai sur l'abîme de l'oeuvre et de l'ipséité." Doctoral thesis, Université Laval, 2011. http://hdl.handle.net/20.500.11794/22847.

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Streszczenie:

André Gide est le premier à avoir introduit l'expression « en abyme » en littérature. Comparant trois de ses oeuvres à la figure héraldique du blason dans le blason - le premier blason étant « en abyme » dans le second -, l'écrivain évoque un art de l'autoreprésentation caractérisé par un effondrement spéculaire infini et « sans fond ». Nous soutenons dans notre thèse que cet art de la mise en abyme renvoie à deux réflexivités distinctes : celles de l'oeuvre et de l'ipséité. Selon notre hypothèse de recherche, les réflexivités respectives de l'oeuvre et du soi ont ceci en commun qu'elles recèlent la forme abyssale de l'autoreprésentation : chacune d'elles a le pouvoir de se représenter son propre monde. De la même façon qu'une oeuvre renvoie incessamment à elle-même, le soi est toujours capable de se représenter lui-même à nouveau pour mieux se saisir. Il devient donc possible d'établir une profonde affinité entre notre capacité de se penser soi-même et de se constituer justement comme soi à travers ce cogito - capacité qui s'exprime éminemment dans la recherche philosophique -, et la spécularité même de l'oeuvre d'art, qui vise à la clarté de la représentation. En l'occurrence, l'oeuvre est susceptible de devenir le miroir du soi, et le soi, le miroir de l'oeuvre. Considérées sous cet angle, l'ipséité et l'oeuvre d'art partagent un même univers ambigu, que nous approfondirons à la lumière d'une mise en abyme définie comme la représentation de la représentation. Le premier chapitre situe notre problématique à partir de l'expression « en abyme » qui figure dans la page du Journal d'André Gide. Le deuxième chapitre, qui porte sur Homère, présente la perspective esthétique de la mise en abyme et établit la relation entre la fonction de clarté du procédé d'autoreprésentation et l'apparaître de l'oeuvre d'art. Le troisième chapitre, consacré à Platon, présente la perspective psychologique de la mise en abyme et développe la problématique de l'ipséité à la lumière de l'impératif du « connais-toi toi-même ». Enfin, le quatrième chapitre envisage le perspectivisme chez Nietzsche comme un jeu de masques en abyme au sein duquel le soi se métamorphose.

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MELO, NETO Moisés Monteiro de. "Os Abismos da poeticidade em Jomard Muniz de Brito do Escrevivendo aos Atentados poéticos." Universidade Federal de Pernambuco, 2011. https://repositorio.ufpe.br/handle/123456789/7755.

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Made available in DSpace on 2014-06-12T18:35:28Z (GMT). No. of bitstreams: 2 arquivo8561_1.pdf: 6955929 bytes, checksum: 9983ffd2046ab9035aff734f44bef4d4 (MD5) license.txt: 1748 bytes, checksum: 8a4605be74aa9ea9d79846c1fba20a33 (MD5) Previous issue date: 2011 Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior Na psicanálise selvagem da cultura brasileira, reaproximando arte e vida, cidade e cosmos, economia libidinal e economia política, intuição e rigor, crítica cultural e poeticidade, encontra-se a produção literária do pensador Jomard Muniz de Britto: a desmitificar, através do veneno do novo , a fazer crítica da alienação, sugerir estratégias para uma nova visão do fazer cultural, do ser e estar no mundo. Trata-se, em alguns momentos, de uma negação positiva por uma existência melhor. É uma poeticidade-experiência cristalizando no mesmo texto humor e horror em voz cosmopolita, de constituição firme, político-humanista, verso em crise, invenção constante que não coloca em primeiro plano rigorosas concepções racionais de estrutura, mas aposta em plurivalência semântica, estrutura poemática de linha construtiva. O sujeito-objeto assim não quer ser sozinho, não quer simplesmente produzir sentido, mas o traço de união, o registro múltiplo de tempo e espaço, buscando o sentido seguinte e não objetivando a última palavra. O óbvio e o abismo enfrentam-se numa linguagem sem garantias, onde se encontra o dessujeitamento em relação à opressão promovida pelos discursos do poder. A transformação do que se é: eis o que esta produção literária solicita como condição para o ser verdadeiro; não a morte do sujeito, mas o seu desaparecimento diante de singularidades plurais

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Pelletier, Nicole. "L'exploration et l'application du procédé de mise en abyme dans la création d'un recueil de nouvelles." Thesis, National Library of Canada = Bibliothèque nationale du Canada, 2001. http://www.collectionscanada.ca/obj/s4/f2/dsk3/ftp04/MQ62003.pdf.

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Macris, Anthony. "Capital, volume one, part two : a novel ; The generative Mise en abyme : an accompanying theoretical essay /." View thesis View thesis, 2001. http://library.uws.edu.au/adt-NUWS/public/adt-NUWS20030505.145103/index.html.

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Streszczenie:

Thesis (Ph.D.) -- University of Western Sydney, Hawkesbury, 2001. A thesis presented to the University of Western Sydney, in fulfilment of the requirements for the degree of Doctor of Philosophy, March, 2001. Bibliography : leaves [278]-282.

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Paananen, Annika. "Spegel, spegel på texten där : – En studie i mise en abyme som dekonstruktiv praktik i skönlitteraturen." Thesis, Karlstads universitet, Institutionen för språk, litteratur och interkultur, 2014. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kau:diva-31145.

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Streszczenie:

I den här uppsatsen undersökts hur greppet mise en abyme kan användas som ett dekonstruktivt verktyg i fiktionen. De tre romanerna som ligger till grund för uppsatsen är Montecore - en unik tiger av Jonas Hassen Khemiri, Sara Stridsbergs Drömfakulteten: tillägg till sexualteorin samt If on a Winter’s Night a Traveler av Italo Calvino. Gemensamt för romanerna är att de alla genom att kommentera sin egen tillkomst och låta boken uppträda i boken skapar en osäkerhet i frågan om vad som är sanning och inte i de respektive berättelserna. Sanningen rubbas och dekonstrueras om vartannat genom användandet av mise en abyme.

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Grévy, Fabienne. "Les figurations de l'acte pictural et de la peinture dans le pop art et le nouveau réalisme." Paris 1, 1999. http://www.theses.fr/1999PA010535.

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Ile, Michael Christian. "Ut pictura thesis. : Thème et variations pour figures peintes. Atelier, peinture, scène totale." Thesis, Saint-Etienne, 2011. http://www.theses.fr/2011STET2152.

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Streszczenie:

Comment mettre en représentation une thèse de doctorat ? L’objet de la thèse sera le doctorat-même. Sa mise en peinture, la picturalité d’un doctorat. Quel peut être le visage d’une thèse ? Au lieu d’attendre qu’un sujet de recherche vienne dans l’atelier de l’université, comme une idée qui procéderait de loin, je me suis dit que sous mes yeux, se trouvait, peut-être, la possibilité d’une scène totale. À partir d’objets qui entourent les séminaires de recherche, ainsi que les ateliers de mes pratiques picturales, à partir d’un imaginaire et d’une réalité très concrète, entamer une exploration vaste, ayant comme support la peinture. Ou comment figurer, comment mettre en représentation la scène doctorale par la figuration, tout en proposant une plasticité constante ? Plus généralement, quelles sont les conditions de naissance d’un monde de peinture ? C’est, en quelque sorte, la manière dont la forme peinte advient, au fur et à mesure de son avancée dans les toiles. Par trois approches différentes, il y aura successivement un regard sur la peinture comme sédimentation. Il y aura les articulations de la peinture dans notre espace de recherche, la venue au monde d’un atelier à travers un thème et ses variations. Et finalement, comme la mise en représentation d’une scène totale. L’atelier, printemps et apothéose d’un parcours pictural, sera ici exploré, décrit, tel un espace accompagné d’un rythme majeur dominant, rythme dont résultent toutes les formes tracées par le pinceau. Au bout de cette traversée, il n’y a pas seulement l’odyssée d’un atelier qui est mis en représentation, il y a la mise en peinture de la recherche-même. Ici, la thèse est comme la peinture, elle devient peinture. Ut pictura thesis. Le doctorat, ses visages, ses peintures, ses images How to represent a thesis, a doctorate dissertation? The object of the thesis is the doctorate itself. The subject of the thesis is the doctorate itself, its representation in painted form. What could be the face of a doctorate thesis ? Instead of waiting for a research subject – an idea to come into shape, whilst researching in my studio at the university, I told myself that perhaps right in front of my eyes was laid the possibility of a “total scene”. From the objects which are surrounding the research seminars, as well as the studios of my pictorial practices, from an imaginary and a concrete reality, I began a vast exploration, having the painting medium as support. In other words, how to represent the doctoral scene through figurative depiction, whilst developing a constant material dimension ? Further more, what are the circumstances of the painting process coming into the world ? It is,somehow, the way that a painted form occurs and evolves and develops, how and when the mental projection becomes reality on canvas. There will be three different and successive approaches: there will first be a look on the painting as sedimentation. There will be the articulations of the painting in our research space, the birth of a studio through a theme and its variations. And finally, the painting as a representation of a “total scene”. The studio, spring and apotheosis of a pictorial course, will be here explored and described, like a space accompanied by a major dominant rhythm, a rhythm form which all the forms drawn by the paintbrush originate. At the end of this tour, one can find not only (or there is not only) the odyssey of a studio set into representation, but also of the research itself captured in a painted form. The thesis is like the painting, the thesis becomes the painting. Ut pictura thesis. The doctorate, its faces, its paintings, its images

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Boston, Nicholas Andrew. "Digitizing 'aspirationalism' : magazine-to-new-media work in the mediatic mise en abyme at Condé Nast, Inc." Thesis, University of Cambridge, 2014. https://ethos.bl.uk/OrderDetails.do?uin=uk.bl.ethos.707944.

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Limoges, Jean-Marc. "Entre la croyance et le trouble : essai sur la mise en abyme et la réflexivité depuis la littérature jusqu'au cinéma." Doctoral thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/19587.

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Guimarães, Lealis Conceição [UNESP]. "A ironia na recriação paródica em novelas de Moacyr Scliar." Universidade Estadual Paulista (UNESP), 2005. http://hdl.handle.net/11449/103690.

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Made available in DSpace on 2014-06-11T19:32:49Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2005Bitstream added on 2014-06-13T19:03:26Z : No. of bitstreams: 1 guimaraes_lc_dr_assis.pdf: 833311 bytes, checksum: 4d7622827843bbea4bf2bc6349e90034 (MD5) O universo da criação literária de Moacyr Scliar (1937 - ) funda-se na recriação paródica do insólito filtrado pela visão irônica do escritor, que emprega o recurso da mise-en-abyme para estruturar sua poética. Para comprovar essa afirmação, selecionamos três novelas: Mês de cães danados: uma aventura nos tempos de Brizola (1977), A mulher que escreveu a Bíblia (1999) e Os leopardos de Kafka (2000). Nas obras citadas, enfatizamos a ironia como princípio da carnavalização na relação paródica entre a ficção e a história do Brasil, a Bíblia e a Revolução Russa, respectivamente. A intensidade da ironia scliariana é característica de uma espécie de parábola contemporânea, que combina a fantasia com a tragicômica realidade. Quanto ao aspecto estrutural das novelas, trata-se da especularidade narrativa, configurada pela mise-en-abyme, como postula Dällenbach (1977), uma vez que tal processo constitui um dos sustentáculos de apropriação do insólito pela ironia da paródia. Moacyr Scliar's literature is based on the parody of the unusual filtered by the ironic author's view that uses the mise-en-abyme technique to organize his art of writing poems. In order to support this statement, three novels were analysed: Mês de cães danados: uma aventura nos tempos de Brizola (1977), A mulher que escreveu a Bíblia (1999) and Os leopardos de Kafka (2000). In these works, irony was concerned as principle of caranivalization in the relation between fiction and Brazilian history, the Bible and the Russian Revolution respectively. The intensity of the author's irony is the characteristic of a kind of contemporary parable that matches fantasy with the tragicomic reality. The organization of the novels is focused on the narrative refletion, formed by mise-en-abyme, as Dällenbach (1977) postulates, since such process is considered one of the supports of the unusual appropriateness by the irony of parody.

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Riboni-Edme, Marie-Noëlle Gille Pierre. "Ecrire la division Une lecture de la trilogie d'Agota Kristof /." Nancy : Université Nancy 2, 2004. http://cyberdoc.univ-nancy2.fr/htdocs/docs_ouvert/doc211/2004NAN21018.pdf.

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Pitallier, Alexis. "Le réel et ses doubles : Puissances métaphoriques de la mise en abyme fantastique : films de fictions, 1990-2006." Amiens, 2011. http://www.theses.fr/2011AMIE0014.

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BORGES, Ronaldo Elias. "Personagens e escrita diante do espelho: a questão do duplo em quatro romances de Roberto Drummond." Universidade Federal de Goiás, 2009. http://repositorio.bc.ufg.br/tede/handle/tde/2842.

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Made available in DSpace on 2014-07-29T16:29:28Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Tese Ronaldo Elias Borges.pdf: 1411235 bytes, checksum: 9b7a3b117dc4afbd6b13ca78731aac31 (MD5) Previous issue date: 2009-09-14 This study aims at analyzing the theme of the double in four novels written by Roberto Drummond: Ontem à noite era sexta-feira (1988), Hilda Furacão (1991), Inês é morta (1993) and O Cheiro de Deus (2001). Based on the examination of the procedures used by the author to constitute the double in the works previously mentioned, we verified that this element was mostly used by characters who were either their own double or twin brothers. When it comes to the first case, we can observe it in Inês é morta; the second one, in Ontem à noite era sexta-feira as well as in O cheiro de Deus. In addition to this, it is relevant to point out that in our study, we found out that Roberto Drummond duplicated both his characters as his own writing, constituting what we call, in this study, as the double of the writing. We analyzed such narrative strategy in the following novels: Hilda Furacão, Ontem à noite era sexta-feira and O cheiro de Deus. For the development of this study, we learned on the studies carried out by the following authors: Nicole Bravo, Yves Pélicier and Ana Maria Lisboa de Mello as far as the myth of the double is concerned and in the considerations made by Sigmund Freud, Otto Rank and Clément Rosset in relation to the splitting of the Self, as well as in Lucien Dällenbach s and Linda Hutcheon s reflections about the narrative procedures concerning mise en abyme and metafiction respectively. Este trabalho examina o tema do duplo em quatro romances de Roberto Drummond: Ontem à noite era sexta-feira (1988), Hilda Furacão (1991), Inês é morta (1993) e O Cheiro de Deus (2001). A partir do exame dos procedimentos formais utilizados pelo autor, para configurar o duplo em tais obras, verificamos que esse elemento foi representado, principalmente, por personagens sósias e gêmeos. O primeiro caso ocorre em Inês é morta; o segundo, em Ontem à noite era sexta-feira e em O Cheiro de Deus. Além disso, constatamos que Roberto Drummond duplica não apenas personagens, mas também a própria escrita, constituindo o que denominamos, neste estudo, duplo da escrita. Analisamos tal estratégia narrativa nos romances: Hilda Furacão, Ontem à noite era sexta-feira e O Cheiro de Deus. Esta pesquisa apóia-se nos escritos de Nicole Bravo, Yves Pélicier e Ana Maria Lisboa de Mello, no que diz respeito à conceituação do referido tema, nas considerações de Sigmund Freud, Otto Rank e Clément Rosset com relação ao tema da cisão do Eu, e nas reflexões de Lucien Dällenbach e Linda Hutcheon no que concerne aos procedimentos narrativos da mise en abyme e da metaficção, respectivamente.

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Jeune, Francois. "Dia : le déplacement dans la peinture comme méthode." Paris 1, 2004. http://www.theses.fr/2004PA010569.

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Le Corpus de cette recherche en Arts Plastiques est une série de deux cent trois peintures, titrée DIA, traversée (DIA : à travers) qui s'est déroulée sur neuf années de 1991 à 2000. Un diagramme a été établi pour faire apparaître les déplacements dans la série. Le déplacement physique dans l'espace, le voyage des peintres, a été abordé dans une géographie artistique. Le déplacement dans le temps des structures visuelles et mentales dans l'image, a été traité dans l'histoire de l'art par confrontation avec d'autres oeuvres, notamment l'atelier rouge de Matisse en 1911. Au concept de mise en abyme, proposé par Gide et mis en oeuvre dans la série DIA par le procédé du tableau dans le tableau s'est substitué progressivement dans l'analyse le mode nouveau d'une sortie de l'abyme; une image accueillant le spectateur à l'avant d'elle-même. Ce changement s'est accompli par le travail du négatif - Diabole - dont on a montré le rôle productif en Art. La conclusion situe la méthode entre condensation et déplacement, métaphore et métonymie.

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Tsonis, Fotios. "L'ambiguïté salvatrice et destructrice dans l'œuvre romanesque d'André Gide." Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL110.

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La présente étude vise à démontrer que l’ambiguïté qui tourmente l’existence de l’écrivain est, à la fois, salvatrice et destructrice, tout en explorant l’impact de celle-ci sur l’œuvre gidienne et les mœurs contemporaines. En étudiant les écrits de Gide, on a l’impression d’assister à un dialogue où s’affrontent des opinions opposées. L’ambiguïté qui émane du caractère ambivalent de Gide et qui laisse entrevoir ses expérimentations stylistiques à la quête du renouvellement de l’écriture classique, y est examinée. Dans L’Immoraliste, Gide pose la question de la liberté individuelle face à la contrainte sociale. Ensuite, La Porte étroite constitue la critique du protestantisme d’une part, et la critique de l’impuissance virile de l’autre. Quant aux Caves du Vatican, le catholicisme s’y trouve attaqué. Gide y assimile la puissance religieuse à l’argent et théorise l’acte gratuit. La Symphonie pastorale oppose la cécité physique à la cécité morale ; christianisme et paganisme s’y trouvent liés et confrontés à travers un amour impie et aberrant. Suivent les quatre dialogues socratiques de Corydon, un vrai plaidoyer en faveur de la pédérastie. Les Faux-Monnayeurs sont en quelque sorte la conclusion de l’œuvre romanesque et la somme de ses inquiétudes, donc le comble de son ambivalence. Un ensemble de thèmes qui touche à l’intégralité de la vie sociale y est abordé, mettant en relief la fausseté de ses contemporains. Enfin, Gide se livre à travers Si le grain ne meurt et revendique l’inscription de sa perversion dans la normale, tout en avouant que les autobiographies ne peuvent être qu’à demi-sincères The present study aims to demonstrate that the ambiguity which torments the writer's life is both redeeming and destructive, while exploring the impact of the latter on Gide's work and contemporary mores. By studying Gide's writings, we have the impression of attending a dialogue in which opposing opinions confront one another. The ambiguity that emanates from Gide's ambivalent character and enables to reveal his stylistic experiments in the quest for the renewal of classical writing, is also examined herein. In The Immoralist, Gide raises the question of the individual freedom towards the social constraint. Furthermore, Strait Is the Gate is the critique of Protestantism on the one hand, and the critique of virile powerlessness on the other. As for The Vatican Cellars, Catholicism is attacked. Gide likens the religious power to money and theorizes the gratuitous action. In The Pastoral Symphony physical blindness opposes to moral blindness; Christianity and paganism are bound therein and confronted through an impious and aberrant love. The four Socratic dialogues of Corydon follow, a real plea in favor of pederasty. The Counterfeiters are in a way the conclusion of the novel and the sum of his worries, therefore the summit of his ambivalence. An ensemble of themes touching the entirety of social life is also approached, highlighting the falsity of his contemporaries. Finally, Gide opens himself up through If the seed doesn’t die and claims the inscription of his perversion in the normal, while admitting that the autobiographies can only be half-sincere

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Mussard, Alice. "Intertextualité et intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion : vers un métacinéma postmoderne." Thesis, La Réunion, 2010. http://www.theses.fr/2010LARE0012.

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L'étude des ressorts de l'intertextualité et de l'intermédialité dans l'œuvre de Jane Campion met en relief les enjeux d'un métacinéma postmoderne, tout d'abord à travers la question de l'adaptation. Illustrant le processus de novellisation, le roman Holy Smoke (1999) se clôt avec une mise en abyme fictionnelle qui, en proposant une fin alternative au roman au carrefour entre fiction policière et pastiche de texte biblique, place la question de l'écriture au centre de l'œuvre. Dans In the Cut [2001], les multiples citations littéraires du récit constituent des points névralgiques qui remettent régulièrement en question le devenir de l'œuvre et de l'héroïne. Enfin, dans An Angel at my Table [1991], le leitmotiv du cheminement et les fuites répétées d'une insaisissable protagoniste, combinés à l'utilisation d'une caméra aérienne dans le prologue et l'épilogue filmiques, se rapportent à une dimension réflexive du projet biographique. Dans le droit prolongement de ces dispositifs métatextuels, la mise en abyme des modes d'expression artistique permet à la fiction campionienne de faire retour sur elle-même. Le flash de dessin animé illustre la force de l'hypotypose en déployant des micro-fictions enchâssées, tandis que l'utilisation du tableau comme instrument métatextuel, l'allusion au conte ou encore la mise en scène du geste créatif transcendant donnent au film les moyens de se sonder lui-même. Pour finir, dans une démarche typiquement lacanienne qui distingue irrémédiablement le réel de sa représentation symbolique, Campion place sur un même plan fiction et documentaire. L'insert du documentaire botanique, du reportage sur les sectes ou des images d'archives dans la fiction dessinent des formes spécifiques de rencontres médiatiques, à travers lesquelles peuvent être identifiées l'anamorphose, la métalepse ou l'homologie intermédiales. Dans ce jeu permanent avec la frontière, l'iconographie fictionnelle emprunte les codes de représentation du réel comme avec Peel [1982], le biopic réalistico-magique, Passionless Moments [1984], le pastiche de documentaire, ou encore l'imitation d'images d'archives associées à des motifs surréalistes dans le travelogue de Portrait of a Lady. Dans cette confrontation des images documentaires et fictionnelles, le film engage à nouveau une réflexion métafilmique où le réel se donne comme l'impossible horizon de toute représentation The study of intertextuality and intermediality in Jane Campion’s artistic creations casts light upon the mechanism of postmodern metacinema, an issue that is raised first through the question of adaptation. Holy Smoke (1999) ends with a mise en abyme through which the writing process is put at the core of the novel. With In the Cut [2001], the literary quotations are landmarks that regularly put into question the destiny and destination of the heroïn and of the fiction. Finally, in An Angel at my Table [1991], the recurrent images of Janet’s itinerary and the use of aerian tracking shots can be viewed as autoreferential devices. The embedding of other artistic genres within the movie also allows the fiction to comment on itself. The cartoon sequences bring about the essence of hypotyposis. The use of paintings as referential material, the allusions to fairy tales and the shooting of transcending creative moments give to the movie the tools to speak about itself. Lastly, in a typically lacanian approach, Campion puts fictions and documentaries on the same level when contrasted to the real. The botanical documentary footage, the report on sects or the archives shed light upon specific types of intermediality : the anamorphosis, the metalepsis and the homological structure. Moreover, the fiction borrows the codes of representation to the informational genres with the magical-realistic biopic, the imitation of the documentary footage or archives sometimes combined with surrealistic developments. In contrasting the fictional and the informational, the movie leads to a metafilmic reflection, in which the Real stands for the unreachable horizon of any form of representation

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Limoges, Jean-Marc. "Entre la croyance et le trouble : essai sur la mise en abyme et la réflexivité dans la littérature jusqu'au cinéma." Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25113/25113.pdf.

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Genin, Christophe. "Essai sur l'autoréférence en art : logique de la réflexion esthétique." Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010660.

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L'artiste est-il un menteur qui joue des apparences du monde sensible pour donner vie au non-être ? Pour que cela ne fut douteux il eut fallu qu'il référat à un "monde" imaginé. Or, nous observons, à partir d'exemples tirés des beaux-arts ou des arts appliqués, la pauvreté d'une telle conception, car dans le rapport entre l'oeuvre et son référent supposé, l'artiste interfère de sorte que l'oeuvre devient une communication entre son public et lui-même. Par cette interpolation apparait l'autorité de l'artiste, donc son identité comme médiateur entre une instauration et une attention. L'oeuvre porte donc la reflexivité du médiateur qui s'en sert pour se connaître, se faire reconnaître en déliant l'esprit de son interlocuteur par des clés. Par conséquent l'oeuvre elle-même se met en abyme et réfère à elle-même. Dès lors l'autoréférence produit dans l'oeuvre un ensemble de dédoublements, d'inversions et d'indécidabilités analogues aux paradoxes autoréferentiels de la logique. Analogie d'où nous tirons que ces problèmes de l'intelligence d'une oeuvre sont, plus qu'un effet de symétrie, d'inclusion, de répétition, les corrélats d'une réflexion de l'artiste sur son oeuvre et en elle: le modus operatum livre son modus operans. Dès lors que l'oeuvre donne à voir elle se réflechit comme truchement. Et sa vérité est dans cette logique de l'ambiguité, de la réversibilité. Ainsi son identité est réfractaire : nulle part car éclatée dans toutes sortes de décalages (veduta, incrustation, abime), partout car ces déplacements sont le jeu d'une vérité de l'oeuvre qui dénonce son ambiguïté quand elle l'institue, ambiguïté formatrice: une maïeutique, par l'humour, du jugement libre. Plus fondamentalement encore, ces réfractions, ou réflexion de l'oeuvre par elle-même, signifient, plus qu'une amusette, la constitution et l'affirmation d'une intelligence immanente au monde sensible Is the artist a liar, making up works to trifle with us, playing upon the reflections of the perceptible world ? It might be probable if he were referring to a fancied land. But this state of delusion is a conception that we do not observe, too restrictive considering all kinds of works of art in which the artist owns up to having done his work, interfering between it and its supposed denotation, so that the work becomes a relationship between the public and himself. This intervention grounds the artist's authority, hence his identity as an intermediary between instauration and awareness. So the work mentions the gobetween's reflexivity who uses it to know himself and to be recognized, giving his interlocutor clues to unlock his mind. Therefore the work includes itself and self-refers. So self-reference generates all kinds of splits, reversals and undecidabilities, analogous to self-referential logical paradoxes. From this analogy we can infer that these questions about the intelligibility of a work of art are -more than a symetrical view, or a self-inclusion in self-doubling, or a recurrence-, the correlatives of an artist's reflexion about his work and in it: the modus operatum exhibits its modus operans. As soon as the work is ostension it involves a reflexive process as a go-between. Its truth is in this logic of ambiguity and alternate inconsistency. Therefore its identity is refractory : it's both nowhere as it is splitted up into unwedged parts (veduta, encrusting, abysm), and everywhere because these variations are nothing but the play of work-truth which denies its ambiguousness while it self-asserts. This is a wit-sharpening ambiguity : a humoristic heuristic of free-thinking. Basically these refractions, or the self-reflexion of the work, don't mean tricks but the foundations of an intelligence immanent in the perceptible world

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Tremblay, Roseline. "Le poète et le porte-parole : sociogramme de l'écrivain dans le roman québécois (1960-1995)." Paris 8, 1999. http://www.theses.fr/1999PA081596.

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L'etude de la representation de l'ecrivain condense les preoccupations individualistes de l'epoque moderne et postmoderne. Cette these l'illustre en proposant le sociogramme de l'ecrivain. Il s'agit de la premiere application systematique de l'outil sociogrammatique, qui s'y trouve jumele a d'autres notions, comme le discours social, la mise en abyme, l'autobiographie, le polyphonisme, l'espace textuel et l'institution litteraire. A partir de l'hypothese selon laquelle le roman de l'ecrivain traduirait un complexe discursif essentiel a la comprehension de la vision que la litterature a d'ellememe, nous avons constitue un corpus d'une trentaine de textes et une typologie du personnage. La premiere partie presente notamment l'historique du mot <<ecrivain>> et de ses hyponymes, <<auteur>>, <<poete>> et <<romancier>>. On voit que la charge semantique autour du mot <<ecrivain>> s'est accrue par rapport au mot <<auteur>> et s'est ainsi eloignee du sens original de scribe (scriba). La deuxieme partie dessine la typologie a travers l'analyse des textes. La troisieme partie prend en compte les liens entre representation de l'ecrivain et mimesis. Le sociogramme met en scene une lutte entre l'ecrivain-ecrivain et l'ecrivain porte-parole. Le premier, dont la figure ideale est le poete, revendique la liberte absolue de l'ecriture, et le second, qui s'aligne sur le modele de l'intellectuel, parle au nom des siens. Alors que le poete est designe comme etant l'ecrivain national, il est celui qui resiste a l'embrigadement ideologique. Jusque vers 1980, la liberte fait probleme pour l'ecrivain dont le portrait-robot exclut le feminin. C'est alors que l'iconoclaste vient bouleverser le roman avec ses personnages d'ecrivaines. Les visions divergentes de l'ecriture chez l'homme et la femme representent une premiere piste ouverte par cette recherche. Une autre avenue serait de poursuivre l'analyse de ce qui apparait comme une quete de sens et d'autorite de la part de l'artiste.

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Castagné, Esther. "L'espace dans l'oeuvre de Luchino Visconti." Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030055.

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Appréhender l’oeuvre de Luchino Visconti à partir de la notion d’espace, alors même que l’homme et le corps de l’acteur semblent être au centre de l’art du metteur en scène, permet de dégager aussi bien les correspondances existant entre théâtre, cinéma et opéra et les spécificités de chacun de ces arts que le dialogue qui s’établit entre les éléments et les influences de chaque création. La polysémie du terme “espace” autorisera en outre à l’envisager tant d’un point de vue matériel (espace scénique, espace(s) cinématographique(s))que temporel (inscription dans un espace-temps caractérisable d’un point de vue historique et/ou social, imbrications de temporalités multiples), tant sous l’angle philosophique(spatialité relative à la perception et à l’idée de finitude, espace mental) qu’artistique(influences littéraires, picturales, musicales notamment). L’espace apparaît ainsi comme une donnée sensible à partir et à l’intérieur de laquelle naît la représentation : il permet alors non seulement de contextualiser l’intrigue à travers des lieux réels se référant à un espace-temps déterminé mais encore de poser une atmosphère propice à l’apparition du personnage et au surgissement d’un monde imaginaire dont l’intensité favorise l’explosion de “vérité”. De cet ensemble se dégagera une esthétique faite de jeux de reflets et d’interpénétration visant à l’établissement d’un spectacle total, en un dialogue des arts toujours renouvelé The apprehension of the oeuvre of Luchino Visconti from the perspective of the concept of space –when the actor as man and his corporal presence would seem to lie at the very heart of the director’sart – throws light on both the relations which obtain between theater, cinema and opera and the factors specific to each of these arts, as well as the dialogue which is established between the elements and the influences of each creation. The polysemic nature of the term “space” moreover justifies an approach considering it from both a material point of view (stage space, cinematographic space(s)) and a temporal perspective (as an component part of a space-time identifiable from an historical and/orsocial point of view, the interweaving of multiple temporalities), from both a philosophic angle (a spaciality relative to perception and to the idea of finiteness, mental space) and an artistic perspective(notably literary, pictorial and musical influences). Space thus appears as a perceptible factor ordonnée out of which, and inside which, the performance is born: it allows not only the contextualization of the plot through the real settings referring to a given space-time, but equally thecreation of an atmosphere conducive to the appearance of the character and to the bringing intoexistence of an imaginary world whose intensity furthers the explosion of “truth”. Out of this composite whole emerges an esthetic vision composed of the play of reflections and interpenetrationaspiring to the creation of a total spectacle, in a constantly renewed dialogue of the arts

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Savy, Nicole. "Le couvent, la femme, le roman : étude de l'épisode du Petit-Picpus des "Misérables"." Paris 7, 1985. http://www.theses.fr/1985PA070117.

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Runólfsson, Halldór Björn. "Les limites de l'art et l'oeuvre de Steina Vasulka." Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010605.

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La thèse qui s'intitule Les limites de l'art et l'œuvre de Steina Vasulka traite les grandes questions de la théorie de l'art actuel, telles que la fin de l'art et les limites de l'art, en relation avec des œuvres majeures de Steina Vasulka, vidéaste islandaise, qui vit et travaille à Santa Fe au Nouveau-Mexique. Avec son mari, Woody Vasulka, d'origine tchèque, Steina fut fondatrice du Kitchen, la salle expérimentale légendaire de l'art audio et vidéo à New York, au début des années 1 g]O. Dès lors son art n'a pas cessé de se développer dans le domaine de la vidéo et de la musique. Comme une pionnière dans l'élaboration des systèmes à circuit fermé, elle à créé des dispositifs complexes, omnivoyants, basés sur l'idée de vision totale comme extension de nos facultés de perception. Violiniste à l'origine, Steina a aussi développé un système interactive de sons et d'images, qui lui permet de contrôler et modifier des séances entiers avec sa performance. Ici ses œuvres sont examinées en liaison avec les écrits philosophiques de Derrida, Kant et Hegel, pour voir dans quelle mesure elles esquivent les limites de l'art. Les mots clefs sont: Parergon, synesthésie, mise en abîme, physis et tekhnè.

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Góes, Alan Eduardo dos Santos. "O cinema nos filmes de David Lynch: uma análise sobre a reflexividade e mise en abyme em Mulholland Drive e Inland Empire." reponame:Repositório Institucional da UFC, 2016. http://www.repositorio.ufc.br/handle/riufc/21925.

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GÓES , Alan Eduardo dos Santos. O cinema nos filmes de David Lynch: uma análise sobre a reflexividade e mise en abyme em Mulholland Drive e Inland Empire. 2016. 154f. – Dissertação (Mestrado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, Fortaleza (CE), 2016. Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-02-08T14:13:59Z No. of bitstreams: 1 2016_dis_aesgoes.pdf: 13267754 bytes, checksum: e316ec7dca161b11554b762c35da5509 (MD5) Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-02-09T10:51:04Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_dis_aesgoes.pdf: 13267754 bytes, checksum: e316ec7dca161b11554b762c35da5509 (MD5) Made available in DSpace on 2017-02-09T10:51:04Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_dis_aesgoes.pdf: 13267754 bytes, checksum: e316ec7dca161b11554b762c35da5509 (MD5) Previous issue date: 2016 This study aims to analyze the agency modes of reflective films proposed by the north-american artist David Lynch, with greater attention to both movies Mulholland Drive and Inland Empire. Besides, some discussions will be redeemed on cinematic apparatus, since its conceptual proposition by Baudry, through updates as proposed by Metz and some recent notions such as those presented by André Parente. The outlook on the cinematic apparatus are related to the concepts of mise en abyme, operated by André Gide and subsequently developed by Dällenbach, and applied to the films of David Lynch by the work of Fatima Chinita; and the metacinematographic reflectivity and metafilmic reflectivity, presented by Metz, as well. It will present another issues that orbit the filmography of the director and researches on the topic oftenly, namely: the dispossession of artistic languages, conflicts between a genre cinema and an independent film and the surrealistic art movement. These discussions help us to understand some secondary traits of our research that pervade both the trajectory of the author as the films under our observation. The analyze of both movies are based on the routes listed above and, where possible, articulated with transdisciplinary thoughts that allow us to explore specific aspects, especially with cyberculture, studies of film theory and psychoanalysis. The relationship of these different theoretical perspectives endow the artifices to deepen narrative, technical and aesthetic instances of Mulholland Drive and Inland Empire. The management of those aspects apparently fragmented, in theory and in the works of the north-american filmmaker, are reflected in the structure of this work, with noncumulative and non-sequential chapters for each treated subject. Finally, the conceptual operations proposed to analyze the chosen corpus of moving images allow us to defend that reflectivity is a structural element in the David Lynch film works and, in general, in some parts of contemporary cinema. Este trabalho se propõe a analisar os modos de agenciamento do cinema reflexivo proposto pelo artista estadunidense David Lynch, com atenção maior para as obras Mulholland Drive e Inland Empire. Para isso, serão resgatadas discussões sobre o dispositivo cinematográfico, desde a proposição por Baudry, passando por atualizações como as propostas por Metz e noções mais recentes como as apresentadas por André Parente. As perspectivas sobre o dispositivo são relacionadas com o conceito de mise en abyme; operacionalizado por André Gide, posteriormente desenvolvido por Dällenbach, e aplicados aos filmes de David Lynch por Fátima Chinita; bem como os de reflexividade metacinematográfica e reflexividade metafílmica, apresentados por Metz. São ainda trabalhadas algumas questões que costumam orbitar a filmografia do cineasta e as pesquisas referentes ao tema, sendo estes: a desterritorialização das linguagens artísticas, os conflitos entre um cinema de gênero e um cinema independente e o surrealismo. Estas discussões nos ajudam a compreender traços secundários de nossa pesquisa que perpassam tanto a trajetória do autor quanto os filmes em observação. As análises dos filmes são fundamentadas nos percursos apresentados acima e, quando possível, articuladas com pensamentos transdisciplinares que nos possibilitem explorar aspectos específicos, principalmente com estudos da cibercultura, das teorias cinematográficas e da psicanálise. A relação dessas diferentes correntes teóricas nos munem de artifícios para aprofundar instâncias narrativas, técnicas e estéticas de Mulholland Drive e Inland Empire. O ordenamento desses aspectos aparentemente fragmentados, na teoria e nas obras do cineasta estadunidense, traduzem-se na própria estrutura do trabalho, com capítulos referentes a cada tema e não-cumulativos e sequenciais. Por fim, as operações conceituais propostas à análise das imagens em movimento do corpus escolhido nos permitem defender que a reflexividade é um elemento estruturante nos trabalhos do cinema de David Lynch e, de modo geral, em partes do cinema contemporâneo.

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Guimarães, Lealis Conceição. "A ironia na recriação paródica em novelas de Moacyr Scliar /." Assis : [s.n.], 2005. http://hdl.handle.net/11449/103690.

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Orientador: Heloisa Costa Milton Banca: Lea Mara Vallese Banca: Antônio Roberto Esteves Banca: Adelaide Caramuru Cezar Banca: Frederico Augusto Garcia Fernandes Resumo: O universo da criação literária de Moacyr Scliar (1937 - ) funda-se na recriação paródica do insólito filtrado pela visão irônica do escritor, que emprega o recurso da mise-en-abyme para estruturar sua poética. Para comprovar essa afirmação, selecionamos três novelas: Mês de cães danados: uma aventura nos tempos de Brizola (1977), A mulher que escreveu a Bíblia (1999) e Os leopardos de Kafka (2000). Nas obras citadas, enfatizamos a ironia como princípio da carnavalização na relação paródica entre a ficção e a história do Brasil, a Bíblia e a Revolução Russa, respectivamente. A intensidade da ironia scliariana é característica de uma espécie de parábola contemporânea, que combina a fantasia com a tragicômica realidade. Quanto ao aspecto estrutural das novelas, trata-se da especularidade narrativa, configurada pela mise-en-abyme, como postula Dällenbach (1977), uma vez que tal processo constitui um dos sustentáculos de apropriação do insólito pela ironia da paródia. Abstract: Moacyr Scliar's literature is based on the parody of the unusual filtered by the ironic author's view that uses the mise-en-abyme technique to organize his art of writing poems. In order to support this statement, three novels were analysed: Mês de cães danados: uma aventura nos tempos de Brizola (1977), A mulher que escreveu a Bíblia (1999) and Os leopardos de Kafka (2000). In these works, irony was concerned as principle of caranivalization in the relation between fiction and Brazilian history, the Bible and the Russian Revolution respectively. The intensity of the author's irony is the characteristic of a kind of contemporary parable that matches fantasy with the tragicomic reality. The organization of the novels is focused on the narrative refletion, formed by mise-en-abyme, as Dällenbach (1977) postulates, since such process is considered one of the supports of the unusual appropriateness by the irony of parody. Doutor

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Monpetit-Merel, Marie-Claire. "Jeux de miroirs dans les romans d'Antonia Susan Byatt." Orléans, 2005. http://www.theses.fr/2005ORLE1065.

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L'expression auto-réflexive 'jeu de miroirs' attribuée par l'écrivain britannique A. S. Byatt au personnage principal de Possession est le sujet de ce travail qui étudie les relations spéculaires dans ce roman indépendant et la tétralogie A Virgin in the Garden, Still Life, Babel Tower et A Whistling Woman publiés entre 1978 et 2003. La problématique consiste à chercher à déterminer la portée de cette expression qui fait retour sur l'ensemble de l'oeuvre romanesque de A. S. Byatt. En première partie, sont examinés les jeux spéculaires obtenus par redoublement entre le paratexte - épigraphe, sous-titre, image - et le corps du texte ; la seconde partie étudie la construction en miroir produite par dédoublement - double niveau diégétique, inclusion de micro-récits ; enfin, la troisième partie est consacrée à la constitution d'une image spéculaire déformée, par l'imitation et la parodie, par la description d'une vision anamorphique, par l'inversion du rêve utopique en dystopie The self-reflective phrase 'mirror-games' uttered by A. S. . Byatt's protagonist in her novel Possession has provided the subject for this thesis which studies specular relations in this novel and the Frederica quartet, The Virgin in the Garden, Still Life, Babel Tower and A Whistling Woman, published between 1978 and 2003. To what extent is this self-mirroring phrase valid for Byatt's novels ? The first part examines the specular effects which appear as a result of an operation of reduplication between the paratext - epigraphs, subtitles, images - and the text itself ; the second part concentrates on the mirror-structure produced by splitting the narrative into two levels and including fiction-within-fiction ; the final part studies the deformed mirror-image obtained through imitation, parody, anamorphic visions as well as transformation of Utopia into Dystopia

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Shim, Eun Jin. "L'image numérique dans le film : comment le cinéma pense-t-il le numérique ?" Paris 10, 2005. http://www.theses.fr/2005PA100005.

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Le changement que le numérique opère sur le cinéma pose la question de l'identité du cinéma. Le film commence déjà à refléter l'image numérique qui est intégrée en lui. En exhibant un personnage-spectateur doté d'un œil inutile ou anormal, les films sur l'image numérique proposent leurs représentations du concept de l'image numérique. Les films sur l'image numérique explorent aussi un rapport à l'espace totalement novateur puisqu'ils ne proposent pas seulement un nouveau concept spatial, mais permettent aussi aux spectateurs de percevoir ce nouvel espace, et même d'évoluer à l'intérieur de cette dimension, en tant que personnages-spectateurs de l'image virtuelle. Les films sur l'image numérique traitent également du bouleversement que subit le spectateur dans sa perception temporelle des nouvelles images The use of digital media in making recent movies questions the identity of cinema. Recent movies have already begun to reflect on the digital image that is embedded into it. By showing a spectator-character with a useless or abnormal eye, movies about the digital image suggest a representation of the concept of digital image. Those movies also explore a new type of relation with space since they don't only suggest a new concept of space but also allow the spectator to experience the new space and to evolve within these new dimensions, as a character would do in the virtual world. Movies about the digital image also deal with disruption in the temporal perception of the digital image that the spectator may be subjected to

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Messa, Wambe Caroline Flore. "Femmes auteures, femmes publiques : mise en abyme de l'écrivaine par les romancières d'Afrique subsaharienne et du monde insulaire d'expression française, dans leurs productions littéraires contemporaines." Limoges, 2012. http://www.theses.fr/2012LIMO2006.

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La littérature féminine depuis son véritable envol dans les années 1980, en Afrique subsaharienne comme dans le monde insulaire d'expression française est de plus en plus prolifique. Les écrivaines entrent dans l'histoire et marquent les esprits. Leurs procédés narratifs impliquent et imposent une liaison étroite avec les lecteurs. Le sujet écrit et s'écrit. En effet, ainsi que le titre de cette thèse l'exprime, il s'agit d'observer le statut de l'écrivaine dans les productions contemporaines des romancières d'Afrique et du monde insulaire d'expression française. Outre la langue, le genre littéraire, les thématiques et les idéologies, ces écrivaines ont un passé historique commun, l'esclavage et la colonisation notamment, qui renforcent et justifient les différents rapprochements réalisés. La condition féminine dans cette étude, reste importante voire prioritaire, car c'est bien de cela qu'il s'agit : étudier le statut de la femme écrivaine tel qu'illustré dans leurs romans. Femmes, elles s'interrogent sur le devenir de la femme dans leurs sociétés respectives, notamment sur celui de la femme écrivaine, d'où l'émergence du livre-enfant et du livre-témoin, pour ne citer que ces exemples. Il est question d'analyser "les visions romanesques" que les écrivaines ont de leur métier, d'observer le regard des autres, l'attention, la légitimité et le crédit qu'ils leur accordent. Il s'agit par conséquent d'etudier les conditions de création du livre produit par la femme, les possibilités de publication, de promotion et de diffusion de ce livre, dans une approche comparatiste et une méthode analytique The women's literature since its true take-off in the 1980s, in sub-Saharan Africa as in the island world of French speaking is more and more prolific. The women writers are making history and mark the minds. Their narrative processes imply and require a close link with readers. The written subject writes about herself. In fact, as well as the title of this thesis expresses, it is to observe the status of the woman writer in the contemporary productions of Africa's novelists and those of the island world of French speaking. Further to the language, the literary style, themes and ideologies, these women writers have a common history, especially slavery and colonization which reinforce and justify the various reconciliations made. The status of women, in this study, remains important and is even a priority, because it is all about this : investigate the woman writer's status as shown in their novels. Women, they question themselves on the future of the woman in their respective society, in particular on that of the woman writer, from which the book child and the testimony book emerge, just to mention those examples. The point is to analyze "the fictional visions" that the women writers have in regard to their job, to observe other's consideration, attention, legitimacy and the credit granted to them. It is therefore about studying in the condition in which the women produce their novels, the publication's possibilities, promotion and distribution of the book, in a comparative approach and analytical method

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Rozprawy doktorskie na temat „Mise en abyme”

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