Rozprawy doktorskie: „Littérature dans l'art”

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Rutily, Aline. "Tapis-jardin. Migration, mutation, transculturalité : entre Orient et Europe, arts visuels et littérature". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010654.

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Notre thèse s'articule autour de trois notions : la migration, la mutation, la transculturalité. Ces notions sont analysées à partir d'un corpus d'œuvres personnelles réalisées entre 1992 à 2011, autour d'un thème commun: le Tapis-Jardin. Ces notions permettent de confronter une démarche artistique aux prises avec des déplacements et des territoires d'enfance, en relation avec un espace de références articulant les arts du tapis et du jardin, aux champs de la littérature et des arts visuels. Les problématiques sont liées à des évolutions de pratiques au sein du thème récurrent, d'installations in situ, puis des Carnets de chemins, de carnets virtuels, d'installations in process, jusqu'à la notion d' « installation virtuelle» en ligne. Les questionnements portent également sur des expériences pédagogiques réalisées sur le même sujet. Les dialectiques entre l'ancrage et le déplacement, entre le réseau et le territoire permettent de fonder une démarche de « paysage migrant», de « paysage mutant» et d'une transculturalité construite à partir du Tapis-Jardin comme pluralité de cultures au croisement des singularités

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2

Buffet, Laurent. "Les pratiques intinérantes dans la littérature et l'art contemporains". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010597.

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Nous désignons par «pratiques itinérantes» des activités artistiques intégrant ou consistant en une occupation cinétique de I'espace, ces dernières pouvant faire I'objet de représentations littéraires ou plastiques, mais de manière dérivée. Si la marche en représente la forme I'a plus courante, cette notion intègre aussi les voyages en train, en voiture et par tout autre moyen de transport. Les deux premières parties de ce travail ont ainsi pour objet de répertorier, de classer et d'interpréter les formes les plus significatives de pratiques itinérantes apparues dans le champ de I'art depuis le début des années 1950 et jusqu'a la fin des années 1970. La première partie est consacrée a la dérive situationniste et aux vagabondages de la Beat Génération. La deuxième partie traite plus directement de démarches artistiques appartenant a la Catégorie traditionnelle dite des « beaux-arts ». Les troisième et quatrième parties de ce travail font retour sur certains des mouvements ou démarches artistiques évoques précédemment, pour en interroger plus spécifiquement les dimensions sociale et politique·. La troisième partie" développe une analyse de la relation que les pratiques itinérantes de l'lnternationale situationniste, de Fluxus et de la Beat Génération entretiennent avec ces territoires Autres que sont I'utopie, I'heterotopie et la dystopie. La dernière partie, intitulée « Politiques de la mobilité », aborde, toujours a travers les exemples des acteurs de I'Internationale situationniste et des écrivains de la Beat Génération, les pratiques itinérantes comme une forme révolutionnaire de vie, puis leur récupération idéologique a partir du tournant des années 1980. La question se pose des lors de savoir si ces dernières ont encore aujourd'hui la capacité de jouer un rôle critique au sein du champ de I'art et du monde dans lequel nous vivons. Ainsi, nous passons pour finir en revue quelques exemples significatifs de démarches artistiques apparues depuis les années 1980 dans lesquelles le déplacement représente un élément essentiel.

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3

Guyon, Delphine. "La conception de la mort à travers la littérature et l'iconographie macabres médiévales". Cergy-Pontoise, 2001. http://www.theses.fr/2001CERG0118.

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Pla, Soline. "L'art magique dans la littérature des années 50 à 70". Toulouse 2, 1999. http://www.theses.fr/1999TOU20109.

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De 1950 a 1970, des écrivains s'intéressent au domaine artistique. Les guerres, l'absurdité, le mensonge les poussent à rejeter la vieille société et à repenser les fondements de l'art basé sur l'esthétique. Au début du siècle, le cubisme, dada, l'abstraction ont fait exploser le monde des formes. La littérature est au centre des débats, racontant, analysant cette métamorphose du regard. Passionnés de tous les arts du monde, Malraux et surtout Breton, avec l'Art magique, en 1957, ainsi que quelques autres, nous font partager leurs affections et expliquent comment l'art est au cœur de toutes les questions fondamentales de l'homme et peut y répondre. Cette thèse tente de faire le point sur ces questions, notamment à travers de ce que Breton a nommé l'art magique, qui élargit son acception. Il se fait fort, ainsi, de mettre au jour les possibilités totales de l'art dans le but de changer la vie, projet qui fut de tous temps le sien comme celui des surréalistes qui le suivirent. Enrichissant sa recherche de l'avis de tous ceux dont la pensée compte, ainsi que de multiples apports venant d'autres domaines comme celui de la psychanalyse, et sur la base de la philosophie occulte, Breton nous explique, des arts préhistoriques à l'art moderne, comment toute création a la magie pour origine. Selon lui, tout art serait magique et seul compte celui qui réengendre la magie qui l'a engendré. Au cœur de toutes les métamorphoses de l'art, de la littérature et de l'homme, un point émerge, déjà identifié par les romantiques dont l'influence est ici prépondérante. Dans ce que les œuvres montrent ou taisent, et forte des annonces plus ou moins explicites de la mort de Dieu, une absence de plus en plus complète est déclarée, symbolique ou réelle. Elle s'appuie sur les anciennes traditions et fait converger tous les axes de la recherche en peinture. Elle illustrera ce que la littérature a nommé l'absence de livre.

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Gabion, Denhez Caroline. "Les danses macabres et leurs métamorphoses (1830-1930)". Lyon 2, 2000. http://theses.univ-lyon2.fr/documents/lyon2/2000/gabion_c.

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Ce travail s'appuie sur les danses macabres médiévales et porte sur les oeuvres auxquelles elles ont donné naissance. Le macabre redevient un sujet à la mode avec le romantisme noir, il sera également exploité pour dénoncer les horreurs de la Première Guerre mondiale. Notre corpus de textes couvre donc les années 1830-1930. En mettant en relation les danses anciennes et contemporaines nous cherchons à définir et à comprendre la spécificité de chaque oeuvre. Nous étudions les textes mais nous faisons parfois référence à la peinture, à la musique, à la danse et au cinéma. L'étude des oeuvres médiévales nous permet de cerner l'origine des danses et d'en donner une définition. Le succès de ces oeuvres, alliant différents arts, s'explique par l'universalité de leur message : égalité de tous devant la mort et puissance de cette dernière. Certains auteurs (Thierry, Hoyau. . . ) reconstituent les oeuvres originelles. D'autres (Jouve, Mac Orlan, Spire. . . ) s'en inspirent pour dresser un portrait satirique de la société. Les squelettes des premières danses se fondent en un seul personnage, la mort devient peu à peu spectatrice de la folie meurtrière des hommes. Sous la plume de Gautier, Cazalis, Baudelaire. . . La mort se pare de caractéristiques féminines et allie l'horreur à la beauté. S'inspirant du sabbat, des légendes populaires et de la "Ballades des pendus" de Villon, la danse macabre change de couleur. Dans une atmosphère fantastique les morts se lèvent pour danser seuls, un personnage est témoin de leurs ébats. Cultes sataniques et légendes populaires sont à l'origine d'un nouveau sabbat qui pose le problème du repentir et la question de l'existence de Dieu. Fagus, Gautier, Nerval, Flaubert. . . Ont ainsi exploité le motif chorégraphique, il leur a permis de faire défiler des figures mythiques qui nous font part de leurs expériences. Transposant cette vision de l'Enfer dans notre vie, Poe, Balzac, Musset, Verlaine. . . Font entrer la Mort au bal et l'invitent à participer au Carnaval. Beauté, amour et richesse sont mis à mal par la maladie et la mort. En effet, le masque permet aux hommes de farder la réalité alors que le jeu des inversions leur montre des vérités cachées. Lorsque la mort quitte la farandole pour s'approcher de lui ou qu'il surprend le ballet des ombres, le spectateur ne sait plus si le monde qu'il côtoie appartient au rêve ou à la réalité.

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Quentel, Cécile. "Les pouvoirs de la souffrance féminine au Moyen Âge : l'utilisation politique et symbolique des femmes douloureuses dans les manuscrits français de littérature et d'histoire (1380-1500)". Paris, EHESS, 1994. http://www.theses.fr/1994EHES0338.

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Le developpement des images de souffrance aux xiveme-xveme siecles concerne non seulement les oeuvres religieuses, mais aussi les images et les textes des livres d'histoire et de litterature. Or l'etude du dolorisme conduit a accorder une part importante a la feminite du discours et de l'iconographie. Dans les bibliotheques des cours princieres de berry , d'orleans et de bourgogne, neuf textes ont ete choisis : au total, cinquante-quatre manuscrits. Il s'agit "des cas" et "des cleres femmes" de boccace, l'histoire ancienne jusqu'a cesar, les faits et dits memorables de valere maxime, le roman de la rose et le livre du cuer d'amours esprits de rene d'anjou. A partir de quarante-deux heroines de l'antiquite et de onze allegories, trois cent cinquante images inedites constituent la base de cette etude. Cette these comprend trois parties : une presentation des sources et des heritages culturels; une etude des mises en situation de la souffrance feminine et de l'expression douloureuse de ces figures; une analyse de la signification de cette souffrance a travers les allegories feminines de la douleur. Les princes utilisent les femmes comme exutoire de la remise en question de leur pouvoir. . . La souffrance feminine est la consequence d'un pouvoir familial, conjugual ou politique. A travers le regard princier s'etablit une relation entre le pouvoir politique et le pouvoir feminin de procreation
The development of the pictures of suffering during the xivth and xvth centuries concerns religious art, but also the texts and illustrations of books of history and literature. The study of dolorism shows us the major part taked by feminity in both writings and paintings. In the berry, orleans and bourgogne courts's libraries, fifty-four manuscripts of nine texts hab been selected. These are : boccacio's "des cas" and "des cleres femmes", histoire ancienne jusqu'a cesar, valere maxime's faits et dits memorables, roman de la rose and rene d'anjou's livre du cuer d'amours espris. With forty-two women from antiquity and eleven allegories of vices, three hundred and forty unpublished pictures formed the base of this study. This analysis is built in three parts : one about sources and their cultural inheritance; one about the scenography of female suffering and the grievous expressions of these figures; the last one is an analysis of the signification of suffering through female allegorical figures of pain. Princes use women as a way to express their own doubts about power. Through princely vizualisation, a link is established between political power and female power to give birth

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Vidal, Éric. "Les rapports entre la peinture surréaliste et l'inconscient dans la littérature européenne". Toulouse 2, 1995. http://www.theses.fr/1995TOU20027.

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Le romantisme allemand s'est affirme comme une sacralisation de l'art investi d'une fonction ontologique. Cette sacralisation s'est accompagnee d'une reduction des arts non verbaux au paradigme de la poesie en tant qu'essence de l'art, principe commun permettant de rapprocher des domaines artistiques entre eux. Cette theorie de la creation poetique a recentre le debat sur le langage; un langage que freud et les surrealistes ont situe dans l'inconscient, ses mecanismes, ses manifestations. L'assimilation de la poesie (en tant que langage du desir) aux mecanismes de l'inconstient a conduit la modernite artistique et le surrealisme en particulier a s'interroger sur les rapports entre la subjectivite et la creation, par le biais de l'automatisme, de la metaphore et du principe analogique (constitutif de l'activite inconsciente). L'emancipation correlative des techniques, des materiaux, des signifiants et du sujet a clairement pose le probleme du role de l'individu et de l'inconscient au sein de la creation. C'est ainsi que la peinture surrealiste, a la fois tributaire de la theorie romantique de l'art et des revolutions picturales du debut du vingtiele siecle, s'est trouvee tiraillee entre sa fonction representative et le jeu sur les signifiants plastiques, les materiaux. La meme situation apparait dans l'ecriture automatique ou logique du recit et dynamisme des formes coexistent. Ce tiraillement constitue la surrealite elle-meme et seul le preconscient semble pouvoir realiser la synthese de ces tendances a travers le principe analogique, cle de l'art moderne
The german romantic movement asserted itself as art as being mad sacred and vested with an ontological function. That process of regarding art as sacred was accompanied by the reduction of non verbal arts to the paradigm of poetry as being the essence of art, a common principle that allows to bring artistic fields nearer to each other. That theory of poetic creation focused the debate on language, a guenuine language that both freud and the surrealists situated in the inconscious, its mechanisms, its expression. Assimilating poetry (as the language of desire) to the mechanisms of the inconscious caused artistic modernity and particulary surrealism to wonder about the relations between subjectivity and creation, by means of automatism, the metaphor and the principle of analogy (wich is a constituent part of inconscious activit) the correlative liberation of the techniques, the materials, the signifiers and the subjhect clearly set the problem of the role of the individual and of the inconscious within creation. Thus, surrealistic painting, wich is tributary both of the romantic theory of art and of the pictorial revolutions of the early twentieh century, found itself torn between its representative function and the play on the plastic signifiers, the materials. The same situation can be found in automatic writing, with the coexistence of the narrative reasoning and the dynamism of shapes. That conflict makes up the surreality itself, and only the preconscious seems able to achieve the synthetis of those tendencies throughthe analogical principle, wich is the dey to modern art

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Vienne-Guerrin, Nathalie. "L'art de l'injure dans le théâtre de Shakespeare". Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1997PA040300.

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Le propos de cette étude est de montrer comment Shakespeare fait de l'injure un art non seulement poétique mais aussi dramatique. Pour ce faire, nous aborderons l'injure sous divers angles, en nous efforçant toujours d'étudier l'injure dans son contexte spécifique. Après avoir décrit la politique de l'injure élisabéthaine à travers une approche tour à tour religieuse, historique, sociale et juridique, le théâtre shakespearien apparaitra comme un espace de liberté, un chef-lieu de l'injure au sein d'une société qui fait tout pour dompter la langue des hommes. Dans le monde élisabéthain, l'injure est péché, délit, crime ou atteinte à l'honneur. Shakespeare sait réécrire les injures de son temps pour en faire un art qui frappe par sa diversité thématique, par sa richesse métaphorique et par son ambivalence rhétorique. Economique, l'injure est aussi inflationniste et excessive. Elle peut aussi se cacher derrière le mot d'esprit ou encore se faire cannibalisme verbal. Mais Shakespeare exploite également le potentiel spectaculaire et dramatique de l'injure, lorsqu'il la représente en actes et en gestes ; lorsqu'il explore les décalages entre son émission et sa réception ; et enfin lorsqu'il fait de l'injure ou du "flyting" tantôt un déclencheur d'action, tantôt un prélude au combat physique, tantôt un jeu, tantôt un spectacle à part entière. Tout l'art de Shakespeare est de savoir exploiter le potentiel injurieux de n'importe quel mot, geste ou acte. A chaque étape de notre réflexion l'injure apparaitra dans toute son ambivalence. Elle s'inscrira dans une dialectique de liberté et de contrôle, de convention et de création, de violence et de jeu. Appréhender la beauté et la richesse de l'art shakespearien par le biais de l'injure, tel est le défi paradoxal que nous nous sommes efforcés de relever
We intend to show how Shakespeare turns insults into an art which is both poetic and theatrical. To do so, we will examine insults from various angles and try throughout to consider each insult in its context. After having described the political, religious, historical, social and legal status of swearing in Elizabethan England, we will see how the Shakespearean stage stands out as a monument to insults in a world which tried to "tame the tongue" by all means. In the Elizabethan society, swearing is a sin, a tort, a crime, or a blow to one's honor. Shakespeare knows how ro rewrite the insults of his time, to make an art which is striking for its thematic diversity, its metaphorical richness and its rhetorical ambivalence. The insulter's rhetoric combines thrift and extravagance, measure and excess. But insults can also be expressed through wit and be based on verbal cannibalism, when the insulter uses his opponent's words as ammunition. Shakespeare also makes the most of the spectacular and dramatic potential of the insults, when he represents them in gestures and actions, when he explores the gaps between its emission and its reception, and when he uses flyting as a trigger for the action, as a ritual prelude to the action, as a game, or as a spectacle in itself. Shakespeare's art consists in knowing how to exploit the insulting potential of every word, action or gesture. At each stage of our study, swearing will appear in all its ambivalence. It will mean both freedom and control, convention and creation, violence and games. Grasping the beauty and richness of Shakespeare’s art through insults: such is the challenge we have attempted to take up

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Bazile, Sandrine. "Le saltimbanque dans l'art et la littérature de 1850 à nos jours". Bordeaux 3, 2000. https://extranet.u-bordeaux-montaigne.fr/memoires/diffusion.php?nnt=2000BOR30025.

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Entre la deuxième moitié du 19e s. Et la première moitié du 20e, la figure du saltimbanque est récurrente dans l'art. Son évolution coïncide avec la transformation de la figure de l'artiste et l'entrée dans la modernité. Le saltimbanque apparaît d'abord dans la littérature romantique ; simple représentation pittoresque et manichéenne, il devient chez Musset, Hugo, Sand, une figure allérorique de l'artiste. Alter ego idéalisé chez Banville, double distance du poète chez Baudelaire ou Mallarmé, sa présence s'assortit d'une réflexion sur le sens d'une parole poétique que le poète pressent menacée. Le poète n'est d'ailleurs qu'un pitre méprisé par le public qui se livre a un art dérisoire et vénal. Ce questionnement s'amplifie avec la fin du siècle : chez les symbolistes et les décadents la récurrence du thème de la pantomime et l'engouement pour les arts populaires résonnent comme la chronique d'une mort annoncée de la littérature et des mythes. Les décadents trouvent alors dans la figure du Pierrot et dans l'imaginaire de la foire un reflet déformé et parodique de leurs propres hantises. Or, c'est ce Pierrot moribond, par l'importance qu'il accorde conjointement aux arts populaires et à l'inconscient, qui va servir de tremplin à l'émergence d'un art nouveau. Chez Apollinaire comme chez Picasso, corps et spiritualité se retrouvent unis dans la même vision messianique du poète/ saltimbanque à qui incombe la tâche -légère- de révéler au peuple la modernité du monde. La reconstruction de nouveaux mythes se réalise alors, dans un syncrétisme de fantaisie. Dès lors, l'artiste, le plasticien (Léger, Calder. . . ), poète (Mc Orlan, Prévert. . . ), dramartuge ou comédien se fait saltimbanque en reprenant à son compte les outils et la fantaisie du cirque. Ainsi, cet art vivant qui se réclame du cirque a, comme lui, partie liée avec le danger et la mort ; la création s'assimile alors à la piste circulaire en devenant un lieu de tentatives, de péril et d'exposition

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Lee, Sin-Ja. "L'art dans la poétique d'Yves Bonnefoy". Paris 8, 2004. http://www.theses.fr/2004PA082413.

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Bonnefoy se rapproche, dans ses poèmes et ses récits, des œuvres d’artistes, du XVème siècle au XXème siècle, tels que Piero della Francesca et Alberto Giacometti. Bonnefoy écrit avec son regard intérieur, se souvenant des œuvres d’art qu’il a autrefois observées, il écrit avant ou après ses rencontres avec les artistes en regardant les œuvres d’art. Selon ces modes d’écriture, l’affectivité des sujets d’énonciation dans ses textes a un très fort pouvoir. La vue des œuvres d’art renvoie alors à l’âme des artistes. L’expérience esthétique des artistes s’identifie également à l’expérience poétique des sujets. Au moment de cette correspondance réciproque entre les sujets et les artistes, ces sujets se rapprochent du mode de production des artistes. Durant leur création, les mains des artistes traitent, en suivant leur vue, des matières plastiques et construisent une palpabilité matérielle. Leur perception (assurée ou non) des facteurs du monde change avec le temps. Ces conditions, liées à l’activité créatrice des artistes, sont influencées par le discours rythmique toujours novateur des sujets qui circulent entre l’ « ici » et l’ « arrière-pays ». La « signifiance » de ce discours fonde la possibilité de l’échange de communication créatrice, de sensibilité et de culture entre les sujets et les artistes. Les œuvres d’art deviennent ainsi les textes
It is a question of the observation of the varied contexts in which Bonnefoy’s works were created. This author approximates, in his poems and in his recitals, the works of such artists as Nicolas Poussin and Piet Mondrian. In the texts that Bonnefoy wrote before and after his meetings with the artists and looking at their works, the subjects fix their itineraries. The language of these subjects is the tongue. This isn’t positive and it does not demonstrate anything learned by some facts. According to the modality of their rhythmic tongue and discourse, the works of art take on value. The interpretation of the subjects concerning the artistic works and these works interpreted by the subjects are therefore placed into relation. Bonnefoy’s literary works and the works of art are also able to have something in common. In the two domains, the world is characterized by two places : the « here » and the « back country ». Particularly, the more the subjects approach the « back country », the more the « back country » moves away from them. Namely, the frontier between the « here » and the « back country » is prolonged frequently. This aspect is the preparation for the union of the interior and of the exterior. The notion of space determines then this one of « threshold »

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Chalard-Fillaudeau, Anne. "Rembrandt dans l'histoire de l'art, la littérature et la philosophie européennes depuis 1669". Paris, EPHE, 2002. http://www.theses.fr/2002EPHE4032.

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L'existence d'une mythologie Rembrandt et l'importance des significations rattachées au nom et à l'œuvre de l'artiste hollandais soulèvent la question de son inscription dans le paysage culturel européen ou encore la question de ses représentations en Europe. Aussi l'étude des références à Rembrandt dans l'histoire de l'art, la littérature et la philosophie européennes permet-elle de comprendre en quoi et pourquoi Rembrandt est un symbole culturel, et, partant, de comprendre dans quelle mesure le mécanisme de valorisation symbolique des artistes et des œuvres est déterminé par les différents champs culturels et par les différentes aires culturelles. Mais plus encore elle permet de dégager un phénomène culturel majeur, à savoir la reconnaissance et la représentation du génie en Rembrandt, et de faisant d'éclairer l'existence en Europe d'un univers de représentations culturelles qui s'articulent précisément autour des idées de création, de liberté, d'être et d'universalité
The existence of a Rembrandt-mythology and the importance of the meanings related to the name and work of the Netherlandish artist arouse a certain number of questions about his belonging to the European cultural landscape, and more specifically about his representations. Thus, studying the way Rembrandt is referred to in European art history, literature and philosophy enables us to understand why Rembrandt is a cultural symbol; but it also reveals the extent to which the phenomenon of the symbolical -valorization of the artists and works is determined by the different cultural fields and by the different cultural areas; and, last but not least, it enables us to grasp the acknowledgment and representation of genius through Rembrandt, a major concept as it expresses a European specificity, a universe of cultural representations that revolves around the ideas of creation, freedom, being and universality

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Marinescu, Alina-Daniela. "Reflets : les fonctions de la représentation du miroir en peinture et en littérature". Lyon 3, 2010. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/in/theses/2010_in_marinescu_a.pdf.

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Cette étude se propose la recherche d'un paradigme anti-mimétique de l'art dans les expressions du miroir déformant et des cas particuliers de la réflexion non-mimétique depuis l'Antiquité jusqu'à la fin du XVe siècle. Nous avons choisi de situer notre recherche dans les espaces culturels grec et romain pour l'Antiquité et dans la culture italienne et française pour le Moyen Age et la première Renaissance. Comme il s'agit d'une étude pluridisciplinaire, nous avons analysé les occurrences du miroir déformant dans la littérature, la philosophie, la théorie de l'art, la peinture, mais aussi dans les sciences: l'optique et la catoptrique, en privilégiant surtout le dialogue entre le texte et l'image. En considérant le miroir déformant comme le symbole du paradigme anti-mimétique de l'art, nous avons suivi ses expressions selon quatre niveaux. Le premier est consacré à l'importance accordée par l'optique et la catoptrique à l'instrument spéculaire et en particulier à l'étude des lois de la réflexion dans les miroirs déformants. Le deuxième niveau, le niveau symbolique, est représenté par l'analyse des occurrences du miroir déformant et des cas particuliers de la réflexion non-mimétique dans la philosophie, la littérature et la peinture, en fonction de quelques thèmes et motifs liés à la spécularité. Le troisième niveau, celui esthétique, repose sur l'analyse des théories artistiques en suivant les deux paradigmes de l'art: la mimésis et l'anti-mimésis. Les fonctions de la représentation spéculaire en peinture constituent le dernier niveau de cette recherche où nous avons insisté surtout sur la déformation de l'image reflétée et sur son rôle méta-pictural
This is a study of the anti-mimetic paradigm of art using the expressions of the distorted mirror and the specific cases of the non-mimetic reflection since Antiquity until the end of the 15th century. We have decided to place our research of the Antiquity in the Greek and Roman cultural spaces and of the Middle Ages and Early Renaissance in the Italian and French cultural spaces. In accordance with our multidisciplinary study, we have analysed the various occurrences of the distorted mirror in the areas of literature, philosophy, art theory, and painting, as well as in sciences, such as optics and catoptrics. By considering the distorted mirror as the symbol of the anti-mimetic paradigm of art, we have followed its expressions according to four perspectives. The first perspective considers the importance given by optics and catoptrics to the specular instrument and, in particular, to the study of the laws of reflection for the distorted mirrors. The second perspective, the symbolic one, is represented by the analysis of the occurrences of the distorted mirror and of the specific cases of the non-mimetic reflection in philosophy, literature and painting, and more specifically of some of the themes and motives related to the mirror. With the third perspective, the aesthetical one, we analysed the artistic theories, in particular the ones that consider the specular metaphor, by following the two paradigms of art: mimesis and anti-mimesis. The functions of the specular representation in paintings constitute the last level of our research where we have focused especially on the distortion of the reflected image and on its meta-pictorial role

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Albert, Nicole G. "Saphisme et décadence dans l'art et la littérature en Europe à la fin du XIXe siècle". Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040054.

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Cette thèse porte sur l'imaginaire saphique à la fin du XIXe siècle elle se divise en 6 chapitres. Le premier est consacré à la poésie de Sappho, telle qu'elle fut traduite et interprétée à la fin du XIXe siècle. Nous y démontrons que les entreprises philologiques menées par les hellénistes et les poètes lièrent étroitement sexualité et poétique. A la délimitation de cet espace linguistique, il faut adjoindre la délimitation d'un espace imaginaire. Aussi, dans le but de baliser une véritable topographie du vice lesbien le second chapitre fait le tour de Lesbos et des villes maudites. Les chapitres III et IV se penchent sur la figure saphique sous l'angle de la pathologie et de la déviance. Les discours médicaux engendres par la lesbienne y sont toutefois considérés parallèlement à la littérature, la parole scientifique étant profondément imbriquée, au tournant du siècle, à la parole romanesque, comme champ d'étude voire d'expérimentation. A ce titre, la médicalisation de la lesbienne se révèle inséparable de la notion de troisième sexe qui devient, à l'époque, l'expression d’un corps et d'une écriture dissidente, comme nous le démontrons au chapitre IV. Cette dissidence sexuelle alimenta l'image de la femme damnée, qui fait l'objet de notre cinquième chapitre, où sont analysées toutes les subversions dont se rend coupable la lesbienne et le châtiment que lui réserve le texte décadent. Cette approche permet ainsi de saisir la complexité et la nature du défi que le personnage lance non seulement à la nature et a l'espèce, mais aussi à l'écrivain. Enfin, dans un chapitre conclusif consacre à la poétisation de la lesbienne, la figure saphique est abordée sous l'angle d'une esthétique du double et de l'artifice, miroir de la décadence. Or, en s'interrogeant sur le discours que l'homme peut encore tenir sur ce corps qui lui échappe, l'art et la littérature fin-de-siècle jettent les bases d’une véritable poétique
This dissertation is divided into six chapters. My first chapter is concerned with the mythical figure of Sappho as she was constructed and sexualized through philology and the new translations of her poetry at the end of 19th century. As Sappho is linked to the island on which he lived, my second chapter focuses on Lesbos and other doomed cities, which decadent artists used to elaborate a topography of vice. Sapphism was turned into not only a vice but also a malady. The pathologisation of the lesbian was then delineated through the medium of artistic expression or through the clinical categorization of sexual deviance, both explored in chapter three. Unsurprisingly, sapphism was also involved in the emerging third sex, which i deal with in chapter four, which covers transvestism and transsexualism. From this perspective, the lesbian, who not only looks and dresses like a man but also encroaches upon the male sexual role, can be seen as the epitome of the decadent androgyny. As she becomes the locus of fears of degeneration and worldwide sterility, the “damned woman”, as she is outlined in my fifth chapter, is punished for her sexual subversion to which satanic motives are attached. Therefore, in claiming virginity and sterility as the icons of her sexual freedom and independence from men, she not only challenges nature but decadence itself. Nevertheless, the lesbian was eventually poeticized by fin de siècle artists. Indeed my last chapter shows how the narcissistic Sapphic figure was linked to a poetic of the double that simultaneously enables and questions the voyeuristic attitude of the male artist towards her. But the lesbian also symbolizes an artificial quest for a beauty outside of nature that mimics the aesthetic and stylistic researches of decadence. Utilizing a wide variety of artistic and literary works as well as medical reports, this dissertation thus tries to demonstrate the recurrence of a character and a motif that shaped the decadent era

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Violin-Savalle, Maryse. "Images croisées de la femme romantique à travers la littérature et la peinture, en France, de 1765 à 1833 : esquisse, genèse et développement d'une typologie imaginaire". Paris 3, 1997. http://www.theses.fr/1997PA030065.

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Cette recherche a pour objet d'etudier a la fois les personnages feminins d'oeuvres de la litterature francaise de 1765 a 1833 et les figures feminines de tableaux d'histoire ou de scenes de genre a la meme epoque, de les confronter, de les mettre en relation, afin de tenter de degager leurs caracteristiques communes et d'esquisser, si possible, la typologie d'une image feminine romantique, de definir sa place et de montrer son importance dans l'imaginaire des artistes et des ecrivains d'alors, ainsi que l'originalite de cette femme revee en regard des epoques qui precedent et qui suivent
The object of this research work is to study feminine characters in french literature and figures in history or genre painting between 1765 and 1833 ; it compares and links them together so that their common specific features are brought out in order to define a romantic woman type, its significance in artists' and writers' imagination of that period, as well as the originality of this dreamed woman if compared to feminine images in previous and following centuries

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Geyssant, Aline. "Jardins d'Orient et d'Occident : étude d'un "topos" dans la littérature et l'iconographie médiévales : XIe-XVe siècles". Paris 3, 1999. http://www.theses.fr/1999PA030007.

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Ce travail est une etude du topos du jardin et des espaces qui s'en approchent en orient et en occident, dans la litterature et l'iconographie au moyen age, de la fin du xieme siecle au xveme siecle. Nous nous attachons a la formation et a l'evolution de cette forme rhetorique et picturale, en mettant l'accent avant tout sur la litterature et les representations picturales de la france et de l'espagne medievales, envisagees dans leur relation avec les formes arabo-musulmanes du topos. Pour cela on considere d'abord les origines de cet espace. Cellesci sont aussi bien religieuses que profanes. Le topos se constitue en s'opposant a des formes antithetiques, et en affinant progressivement ses denominations. Par ailleurs le topos du jardin est le lieu ou s'expriment les relations conflictuelles de l'image et du texte au cours du moyen age. C'est dans ce cadre que se mettent en place les fonctions du jardin. C'est un lieu social ou s'affirme le pouvoir, par le jeu des focalisations. C'est aussi par le biais du topos que se construit l'espace, a l'interieur de la cloture de l'hortus conclusus , et a l'exterieur, puisque le jardin jalonne l'univers sauvage. A ce titre, il joue aussi un role dans la constitution du recit. Enfin, lieu d'election du poete, il est un espace metaphorique ou s'expriment les enjeux de la representation au moyen age. C'est justement lorsque, au debut de la renaissance, on assiste a une deconstruction de cette image, que la forme medievale du jardin s'eteint
This work is a study of the topos of the garden and of the open spaces which are reminiscent of it, in eastern and western countries, in medieval literature and iconography, from the end of the eleventh century to the fifteen century. We are dealing with the formation and evolution of this rhetorical and pictorical form, while focusing above all on the literature and pictorial representations, in medieval france and spain, as seen through relationsphip with the arabislamic forms of the topos. For that purpose we will first be considering the origin of that space. They are religious as well as secular. The topos comes into being by opposing itself to antithetical forms and by gradually refining its denominations. Besides, the topos of the garden is the place where the conflictual relationship between text and pictures are expressed in the course of the middle age. It is a social place where power is strenghened through focalisations. Though, the topos space is structured both within the enclosure of hortus conclusus and without, since the garden marks out the wild universe. Thus, it plays a part in the making of the narration. Lastly, as the poet's favorite place, it is a metaphoricla space, where the complexity of images in the middle age is expressed. It's precisely when a deconstruction of that image comes about in early renaissance, that the medieval form of the garden disappears

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Soulillou, Jacques. "La représentation du crime dans l'art aux 19ème et 20ème siècles". Paris 1, 1994. http://www.theses.fr/1994PA010631.

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La reconnaissance d'une autonomie pénale de la création artistique au cours de la période moderne constitue l'énoncé central de cette thèse. Cette autonomie ne revêt cependant pas la forme d'un énoncé légal. La loi ne peut en effet, par principe, avaliser la prétention de l'art à vouloir échapper à son domaine de juridiction. La représentation du crime dans l'art et la littérature est posée en relation a ce chiasme : d'un cote l'art revendique et exerce de fait une autonomie pénale, de l'autre il voudrait voir cette différence avalisée endroit. C'est à l'intérieur d'une relation triangulaire entre l'art, le crime et la loi que la notion de représentation fait l'objet d'une réévaluation permanente. Au cours du 19eme siècle, l'émergence d'un ensemble de dispositions - élaboration de la juridiction moderne, formation de la notion d'avant-garde, consolidation de la fonction d'auteur - donnent à ces recherches leur profil théorique spécifique. Le plan veut refléter l'une des orientations théoriques principales mettant en exergue la valeur de fiction de la loi en ce sens que pour appréhender son objet elle doit préalablement le rabattre sur le fil d'une histoire.

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Elisabeth, Cécile. "L'image de l'homme noir dans l'art de l'espagne et de ses vice-royautes du xve au xviiie siecle. Iconographie et references litteraires". Paris 4, 1997. http://www.theses.fr/1997PA040177.

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Nous avons voulu definir l'image de l'homme noir dans l'art de l'espagne et de ses vice-royautes, du xv0 au xviiie siecle, en comparant les visions pas toujours concordantes de l'iconographique et de la litterature, afin de proposer la perception du noir la plus complete possible. Nous decouvrons une image de caractere evolutif, tant dans le temps que du fait du passage de l'ancien au nouveau monde, selon un processus de " peninsularisation ", puis de " depeninsularisation ", allant jusqu'a une " americanisation ". En cette periode contre-reformiste, les themes religieux dominent, tel le cas privilegie du roi mage noir. Personnage positif -oppose a une longue tradition associant noir et malignite, ainsi qu'aux remanences du contact conflictuel avec les maures-, mais imaginaire, il introduit un processus de + negroisation ;, reproduit par la suite chez d'autres personnages-types comme les bourreaux, alors que nous relevons en amerique un phenomene inverse de " blanchiment ", ou plus simplement de " brunissement ". Apres les premiers contacts entre non pas deux, mais trois mondes : blanc, indien et noir, mis en valeur par les codex et les chroniques, il faudra pres d'un siecle pour qu'une image reelle de l'homme noir soit proposee grace aux metissages tant biologiques que culturels. L'opposition chromatique binaire : blanc/noir, utilisee dans l'art peninsulaire n'est plus de mise en amerique, car trop pauvre, face au creuset du metissage et a l'art " ethnologique " qui en decoule. Ce theme etonnament vivant dans l'art hispanique, oscillant entre l'attrait et le rejet, nous offre le parcours de l'homme noir, element exogene qui parvient a une progressive assimilation en tant qu'indigene; ainsi que le cheminement mediterraneen via la voie espagnole, face a l'empire germanique
Our aim is to show how the black man has been depicted in the art of spain and its vice- royalties from the xvth century to the xviiith century, by confronting the various views of the black man supplied in iconography and litterature, views at times not quite concordant, to convey a much thorough picture. What we notice is an evolution in the way depicting the black man, due to the parsing of time and the + peninsularization-depeninsularization- americanization ; that ensued. In those time of counter-reformation, religious themes were prevailing and the black magus is an excellent example. He stands as a positive figure, in opposition to a long tradition considering black as synonym of malice as well as the reminder of the conflicting contacts with the moors. As an imaginary figure, he initiates a process of " negroization " reproduced later in other figure-types such as the executioner. In america, a quite different whitening or simply tanning phenomenon is recorded. After the white people had first come into contact with the indians and the blacks, thus making not only two, but three worlds to meet, fact duly highlighted in codices and chronicles, it will take almost a whole century for a genuine picture of the black man to emerge, thanks to biological and cultural crossbreeding. The black-white binary chromatic opposition in use through the iberian peninsular is no longer ad hoc for america. It is far too limited in comparison with the melting- pot of crossbreeding and its ethnological art. This typical theme so striking in hispanic art, wavering between attraction and rejection, pictures the route followed by the black man. At first exogenous, he manages to blend himself progressively into an indigenous being. The theme also provides us with matter related to the mediterranean development via the spanish way, at the door of the german empire

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Conant, Chloé. "La littérature, la photographie, l'hétérogène : étude d'interactions contemporaines : C. Boltanski, W. Boyd, S. Calle, G. Davenport, J. Roubaud, W.G. Sebald". Limoges, 2003. http://www.theses.fr/2003LIMO2008.

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La rencontre interartistique entre littérature et photographie, manifestant l'hétérogénéité d'un medium traditionnel et d'un medium technologique, pose à la fin du XXe siècle des questions spécifiques. Cette période qualifiée de postmoderne, vit sur le mode de la multiplicité, mais aussi de la perte, la relation au réel. C'est ce qu'expriment plusieurs artistes (plasticiens et écrivains) à travers des oeuvres hybrides que l'on peut qualifier d'expérimentales au sens propre du terme : elles permettent aux créateurs et aux lecteurs/spectateurs d'appréhender le monde de façon ludique et interconnectée. Le premier temps de l'étude, qui concerne l'hétérogénéité interne de l'oeuvre, rend compte de la relation antagonique qu'ont longtemps entretenu l'écriture et la photographie, cette dernière n'ayant accédé que difficilement à la dignité de medium artistique à cause de son lien très fort avec le réel. Les oeuvres jouent sur cet écart, tout en parvenant à mettre en place une dynamique d'échange et d'interactions entre les composantes. Mais l'hétérogénéité des mediums crée des liens, des traversées de frontières qui ouvrent l'oeuvre sur l'extérieur. La deuxième étape de l'analyse s'attache donc à définir ces oeuvres comme poreuses vis-à-vis du réel. Celui-ci s'y inscrit de façon massive, ce qui entraîne leur décanonisation en termes de statut artistique. Pourtant, on observe finalement que l'oeuvre d'art hétérogène met en place toutes sortes de stratégies d'appropriation de ce réel, qui se retrouve alors contaminé, malmené par la fiction. Le monde de référence est tout d'abord mis en doute dans l'oeuvre, qui parvient à dépasser les répartitions traditionnelles de la littérature et de la photographie en ce qui concerne leur fidélité au réel. Il est ensuite mis en scène, ce qui constitue sur le mode du jeu une opération radicale, analysable comme la création d'une interface entre ces deux éléments, les plus hétérogènes sans doute, que sont l'être et le monde

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Le, Naour Sandrine. "Ulysse dans la littérature et les arts en France de la Renaissance à 1730". Rouen, 1995. http://www.theses.fr/1994ROUEL199.

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Marchais, Bénédicte. "L'ombre et la lumière dans les arts à la jonction des XIXe et XXe siècles : éléments de réflexion pour associer les arts entre eux". Paris 4, 1999. http://www.theses.fr/1999PA040143.

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La question essentielle de notre recherché est de savoir comment associer des œuvres d'art entre elles à partir de l'ombre et de la lumière. Nous essaierons de répondre à cette question par l'intermédiaire d'une sélection significative d'exemple établie à partir de notre sensibilité, de notre faculté de ressentir ce qui unit les œuvres entre elles, afin d'en dégager des constantes. Le rapprochement entre les disciplines artistiques est un thème qui a été souvent traité. Ainsi avons-nous choisi d'étudier l'ombre et la lumière parallèlement en musique, en peinture et en littérature, car ces éléments expriment les contrastes de nuances, de reflets, de transparence ou d'opacité. La période étudiée partira de l'Impressionnisme pour nous centrer sur le Symbolisme, entre 1880 à 1930 environ. Nos références seront prises en France, en Europe du Nord, de L'Est et exceptionnellement aux Etats-Unis. Notre recherche montrera que l'ombre et la lumière constituent des propriétés importantes communes à ces trois disciplines. Elles témoignent d'une convergence esthétique, tout en laissant à chacune d'elles leurs caractéristiques et leur liberté d'expression
The essential question of our research is to know how to associate works of art together on the basis of shadow and light. We will try to answer this question through a significant selection of examples made out from our sensibility, our faculty to feel what links the works together and by trying to draw constants. The comparison of artistical disciplines is a theme that has often been treated. Thus we have chosen a parallel study of shadow and light in music, painting, and literature, for these elements express contrats, shades, reflections, transparencie or opaqueness. The period studied will start from impressionism to focus on Symbolism between 1880 and 1930 approximately. Our references will be taken from France, Northern Europe, Eastern Europe, and in particular instances, from the USA. Our research will show the shadow and light thus constitute important properties, common to theses three disciplines which reveal an aesthetic convergence while leaving each of them their characteristics and freedom of expression

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Padovani, Simona. "« Un sentiment inconnu » : L'art italien dans l'Arrière-pays et dans les écrits d'art d'Yves Bonnefoy". Caen, 2014. http://www.theses.fr/2014CAEN1030.

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Dans ses Entretiens sur la poésie, Yves Bonnefoy parle de l'Italie comme du lieu où réside « l’arrière-pays » et où son démon de la création se réveille. L’objet de mon étude est de mettre au jour l’espace qui se dessine à partir de l’art italien dans les écrits critiques et fictionnels du poète. À cette fin nous avons adopté une méthode inspirée de la critique phénoménologique et de la sémiotique de l’art. Tout le système de figuration des arts plastiques est soumis, dans l’écriture critique d’Yves Bonnefoy, à un acte second, à une mise en perspective poétique, par un mouvement de réflexion médiateur. Dans une visée ontologique, pour éclairer la création artistique, Yves Bonnefoy travaille sur le questionnement de l’être et le désir d’être. Notre projet s’attache à un paradigme cognitif que le poète appelle « le rêve du désir d’être », le « désir ontologique de sens » qui serait incontestablement le signe métaphysique du grand art italien
In his Dialogues on Poetry, Yves Bonnefoy refers to Italy as the country where the mirage of the « arrière-pays » (« the back country ») takes place and his aesthetic haunting is elicited. This study aims to elucidate the relevance of Italian art in the poet’s critical and fictional writings. Dealing with the topic, we chose a theoretical and phenomenological approach and focused our research on the semiotics of art. Yves Bonnefoy’s critical and poetical writings engage visual semiotics in the fine arts through a complex relationship: a dialectic second act in the thought process. Yves Bonnefoy provides a background for looking at art criticism by questioning the ontological distinction between being and desire theories. Our research project investigates a cognitive paradigm inasmuch as, in the poet’s terms, « the dream of the desire for being », « the ontological desire for meaning » is unquestionably assumed to be the metaphysical concern of great Italian art

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Franceschi, Élisabeth de. "Pulsion de mort et sublimation : la création littéraire et artistique". Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1994PA040085.

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Ce travail etudie l'incidence de la pulsion de mort sur la sublimation, et plus particulierement son role dans l'acte createur et dans l'esthetique, dans la creation du beau. Les domaines d'exploration : la litterature, la musique, les arts plastiques. La methode d'analyse : la psychanalyse. Une premiere partie plus specifiquement theorique s'interesse au concept de pulsion de mort, et a son rapport avec la sublimation (symbolisee par le personnage d'osiris) et la creation (incarnee par orphee). Puis on examine la "passion" subie par le sujet createur au cours de son acte propre : mise a mort du moi, absence a soi, metamorphose du sujet, mort et transfiguration du createur ; un chapitre est alors consacre a la psychose et a la source de la creativite. La disparition, le desir de rien, peuvent apparaitre comme la "fin" de l'oeuvre et du createur. Enfin l'on s'attache a la "passion" que le createur inflige a l'objet (l'objet princeps dont la modification ou la metamorphose produit l'objet cree, l'oeuvre), et a ses consequences, les differentes "releves" (aufhebung) possibles apres le "meurtre" ou la corrosion inevitable subis par l'objet : resurrection, incarnation fictive, transfiguration ou enfin aphanisis de l'objet dans le rien ou dans l'abstraction. Les exemples choisis vont de l'antiquite (la bible, platon, euripide, le mythe d'helene) a aujourd7hui (pierre jean jouve, les peintres abstraits) en passant par montaigne, mozart, kafka, clarice lispector
The aim of this research is to study the impact of death instinct on sublimation, particularly its influence on the act of artistic creation ; the fields of exploration are literature, music, plastic arts ; the method of investigation is psychoanalytical. The first part is focalized on the concept of death instinct in psychoanalytical theory, referring to sublimation (symbolized by osiris) and creation (symbolized by orpheus) ; then the "passion" suffered by the subject (the creator) during his proper act is examined : death or absence of the ego, metamorphosis, transfiguration of the creator ; one chapter in devoted to psychosis and the root of sublimation. The vanishing, the desire of nothing, can be considered as the end (termination or aim) of the creation and of the creator. Finally occurs the study of the passion inflicted by the creator to the object (the original object, the modification or the metamorphosis of products the created object - the work of art) and of its consequences : the various kinds of relief (aufhebung) after the "murder" or the normal corrosion of the object - resurrection, fictitious incarnation, transfiguration and vanishing in the nothing or in the abstraction. The example were chosen as well in ancient times (the bible, plato, the myth of helen) as in nowadays (pierre jean jouve, abstract painters)

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Journeau, Alexandre Véronique. "La pensée du geste dans les arts du lettré". Paris 7, 2005. http://www.theses.fr/2005PA070017.

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Les liens entre poésie, calligraphie-peinture, et musique sont étroits : une étude comparée du geste artistique, de la pensée esthétique et de la perception sensible dans ces arts semble révéler un ordre esthétique commun fondé sur la nature comme source et finalité. Une double approche pratique puis théorique vise à dégager des similitudes entre les arts musical et pictural : des métaphores poétiques sont le support du geste, au cœur de l'apprentissage du lettré, et l'apport de cette image mentale au geste technique est étudié dans le premier chapitre ; des principes esthétiques généraux, érigés au Vème siècle, se perpétuent depuis l'antiquité et sont éclairés par une mise en correspondance mutuelle dans le second chapitre après l'étude des préceptes de base dans chaque art. La poésie, expression métaphorique antérieure au geste, et retour d'une perception sensible postérieure au geste, est un facteur idéal de la transmission entre geste et pensée : l'analyse d'œuvres à trois facettes - poétique, musicale et picturale - montre dans le troisième chapitre que la nature est au cœur de cette double représentation-communication (pensée-intériorité et geste-extériorité)
In China, between poetry, calligraphy-painting and music, there is a close relationship: they are compared. From the points of view of artistic gesture, aesthetic thought and sensitive receptivity of which this study reveals a common aesthetic order based on Nature as a source as well as an ending. A double approach, practical then theoretical, aims to focus on the similarity points between musical and pictorial arts: some poetical metaphors are helpful to accomplish appropriate gestures, at the centre of the literati apprenticeship, and their contribution to the practice by the way of mental imagery is the subject of the first chapter; some broad principles in aesthetics, set up during the fifth century, have been perpetuated since the ancient times and are enlightened by mutual comparisons in the second chapter after a preliminary study of basic precepts in each art. As a metaphorical expression prior to the gesture and echoes of a sensitive perception posterior to the gesture, poetry is an ideal factor for the transmission between gesture and thought: the analysis of some tri-facet art-works - poetical, musical, pictorial - shows in the third chapter that Nature is in the heart of this double representation-communication (thought-interiority and gesture-exteriority)

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Joly, Jehanne. "Le Graal, réécriture et représentation : étude des variations d'un motif littéraire (fin du XIIe siècle-XIIIe siècle) et iconographique". Paris 4, 1995. http://www.theses.fr/1995PA040073.

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Margossian, Cecile. "Mode et littérature au vingtième siècle : une éthique de l'esthétique". Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040220.

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La mode, activité qui reste aux yeux de beaucoup dérisoire, pèse fortement sur les représentations et influe conséquemment sur les destinées de l'individu. Le vêtement peut en outre modeler des comportements collectifs ; cette fonction, la mode la partage avec bien d'autres formes de création : littéraire, artistique, cinématographique. L'objet de cette thèse est justement de mettre à mal ces préjugés par la mise en exergue des rapports que la mode entretient avec les arts en général et la littérature en particulier. En pensant la mode, non pas seulement en terme de vêtement mais en terme de style et de langage, pourrons-nous tenter d'expliquer cette contigui͏̈té entre mode et art, et, le cas échéant, d'identifier la démarche du couturier à celle de l'artiste ou de l'écrivain. Pour ce faire, nous verrons en premier lieu la mode à travers la littérature et les chroniques du vingtième siècle. Puis apprécierons les liens entre la mode et les arts, qu'il s'agisse d'inspiration ou de collaboration. Enfin, en partant d'une perspective diachronique du dandysme et de l'esthétique, et, d'analyses psychologiques, sociologiques, linguistiques et philosophiques sur la mode et le paraître, penserons-nous une éthique de l'esthétique
People have always been prejudiced regarding fashion, considering it as a shallow activity, whereas its consequences on human fates are quite obvious. Moreother, clothes trigger social behaviours, fashion shares this role with many others creative activities such as literature, art and cinema. This thesis will try to enlighten the relationship between fashion and art, and mostly literature. If we think fashion in terms of style and language, we will attempt to explain the proximity between fashion and art, and furthermore identify the demarche of the fashion designer and the one of the artist or the writer. For that sake, we will first see fashion through the twentieth century literature and chronicles. Then we will notice the links between fashion and art whether it is inspiration or collaboration. Eventually, after having adopted an historical point of view regarding dandyism and aestheticism, and rich of some psychological, sociological, linguistic and philosophical analysis, we will attempt to think an ethic of aestheticism

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Rey, Mimoso-Ruiz Bernadette. "Le mythe du merveilleux barbare : aspects mythocritiques de Pasolini à Lounguine". Paris 4, 1998. http://www.theses.fr/1998PA040092.

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L'expression de "merveilleux barbare", selon Pasolini, ouvre des perspectives de réflexion sur la remise en cause du concept de barbarie. Dans une approche comparatiste (littérature/cinéma) à travers les œuvres romanesques et filmiques, nous nous interrogeons sur une possible définition mythique du barbare et de sa représentation à partir des études mythocritiques réalisées ces dernières années. La figure du barbare s'impose à la fois dans le temps et l'espace, ce qui nous conduit à un rappel des conceptions antiques, et plus particulièrement helléniques des écarts entre "civilisé" et "barbare". Nous examinons les composantes de l'espace romanesque figuré dans le roman de Le Clézio (Procès-verbal) et dans ceux de Burgess (A clockwork orange) et de Quignard (La frontière) puis, nous étudions les caractéristiques particulières à la narration filmique de l'espace du barbare dans les films qui nous occupent (Accattone, Mamma Roma, Luna Park) dont nous avons réalisé les découpages plan par plan. Nous avons considéré en particulier les problèmes spécifiques de la transposition du roman de Burgess au film homonyme de Kubrick. En nous appuyant sur les irradiations mythiques d’Orphée dans ses composantes transgressives envers les lois de la cité, nous établissons des relations entre les personnages romanesques et filmiques et le mythe dont nous parvenons à démontrer dans une troisième partie les modalisations et les variantes. Ensuite, dans une quatrième partie nous nous penchons sur l'analyse des perceptions entre le masculin et le féminin qui conduisent à un réseau iconoclaste et transgressif vers une nouvelle poétique proche de Rimbaud. Enfin, dans une cinquième partie, nous nous interrogeons sur les prolongements contemporains du merveilleux barbare et de sa nécessaire existence comme instance dénonciatrice des idéologies destructrices. Nous en venons à établir un rapprochement entre le mythe du merveilleux barbare et la figure de l'artiste dans sa vocation éclairante
The expression of the “marvelous barbarian” according to Pasolini opens to a reflection about the concept of barbarity. The novels and films of our corpus are examined in a comparative prospect. The mythic definition of the barbarian and its representation in literature and cinema is analyzed from the mythocritic essays of our days. The barbaric figure imposes itself in time and space. We quoted the antic conceptions, particularly in Greece where divergences appear between the civilized and the barbarians. The space of the novels (le Clezio's Procès-verbal, Aa clockwork orange by A. Burgess, Quignard's La frontière) are examined (part i) we study the particular characteristics of the filmic narration and the space of the barbarian in the films quoted (Accattone,Mamma Roma,Luna Park) through a shooting script presented shot by shot. We considered particularly the special problems of the adaptation from the novel of a. Burgess to the homonymous film of Kubrick. (part ii). Basing our analysis on the mythical irradiations of Orpheus according to his transgressive components towards the city, we correlated the characters of the novels and of the films to the myth which we demonstrated the modelisations and variations (part iii). We analyzed the peculiar perceptions of masculine and feminine linked to an iconoclast and transgressive network and a new poetic approach to Rimbaud (part iv). At last we examine the contemporary extensions of the marvelous barbarian and we ask the necessity of his existence which appears like a telltale proceeding of the destructive ideologies. We conclude with a links between the myth of the marvelous barbarian and the figure of the artist's enlightened vocation

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Dupas, Pierrard Solenn. "L'art du déconcertement dans l’œuvre poétique du second Verlaine (1880-1896)". Rennes 2, 2009. http://ezproxy.normandie-univ.fr/login?url=http://www.classiques-garnier.com/numerique-bases/garnier?filename=sdsMS01.

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Généralement considérée comme le fruit d’un déclin voire d’un renoncement créatif, l’œuvre poétique du second Verlaine tend à être mise entre parenthèses par les éditeurs et les commentateurs. Cet ensemble hétérogène témoigne pourtant d’une réflexion continue sur les enjeux de l’expression et de la réception littéraires. À partir de la publication de Sagesse en 1880, le poète exacerbe la culture du déconcertement qu’il a mise en place dans ses premières compositions. Non content de déployer une écriture du contre-temps à rebours des normes et des conventions de la doxa, il cultive un art de la contradiction qui exploite à la fois les ressorts explicites et implicites des textes. Cette recherche propose de montrer comment Verlaine élabore une parole instable, palinodique et polyphonique, afin de surprendre les lecteurs en quête d’une image unifiée du sujet poétique, tout en les confrontant de façon malicieuse à leur liberté et à leur responsabilité interprétatives
Generally considered to be the result of poetic decline, or even creative renunciation, the later poetry of Verlaine tends to be forgotten by publishers and critics. This corpus, albeit heterogeneous, offers a constant reflection on literary expression and reception. From the publication of Sagesse in 1880, the poet emphasizes the art of disconcerting the reader created in his earlier poems. He writes outside of his time, against the standards and conventions of public opinion, but also uses explicit and implicit self-contradictions. This thesis proposes to show how Verlaine elaborated unstable, contradictory and polyphonic poetry, to surprise readers and confront them with their freedom and their responsibility with regard to the interpretation of texts

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Minami, Asuka. "La figure de l'artiste et la question de l'art dans la littérature du Japon moderne". Paris, INALCO, 2003. http://www.theses.fr/2003INAL0020.

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Le milieu des beaux-arts institutionnalisé après la Restauration de Meiji en 1868 changea la conception de l'art dans l'Archipel. La nouvelle esthétique ainsi que la conception de l'art et de l'artiste introduites de l'Occident influencèrent plus particulièrement les hommes de lettres qui recherchaient des sujets modernes et des façons originales de décrire. Nous examinerons l'évolution de la perception de l'art ainsi que celle de l'image de l'artiste à l'époque moderne au Japon en divisant notre recherche en cinq parties dans lesquelles une dizaine d'écrivains représentatifs seront étudiés. La première partie est consacrées à la problématique du nu à l'ère Meiji: comment les critiques d'art ainsi que les hommes de lettres japonais acceptent ou refusent le nu, une valeur artistique venue de l'Occident. La seconde partie concerne les difficultés de réadaptation des peintres japonais à leur pays après qu'ils ont profondément assimilé les valeurs artistiques de l'étranger. Les lieux décrits fonctionnent comme un dispositif destiné à apaiser les angoisses des protagonistes. Dans la troisième partie, nous abordons les problèmes liés à la perception de l'art: la traduction de certaines notions d'art plastique et la mise en pratique de ces notions dans les oeuvres littéraires. Dans la quatrième partie, nous traitons de la représentation de scènes fantastiques à travers les figures de peintres. Chacun des artistes tisse un récit relatif en se référant habilement à des textes multiples, étrangers et japonais. La cinquième partie est consacrée à l'analyse de l'attitude qui consiste à dépasser l'influence de l'art occidental, à travers deux personnages qui illustrent la vie de peintres japonais en Europe au tournant des années 1930. Ainsi, ce travail touche aussi bien à l'histoire de la littérature japonaise qu'à histoire de l'art, autour de la représentation des personnages d'artistes et de la description de scènes picturales
Western art, introduced in Japan after the country opened in 1853, changed the prevailing conceptions about art in the country. New aesthetics and new visions of art and of the artist exerted a very strong influence upon literati who sought in Western art modern subjects and original ways of describing things. This study is a reappraisal of the evolutions in ways of perceiving art and in conceptions about the artist's image of the modern period of Japan. Our research is divided into five parts in which about ten representative writers are studies. The first part deals with the question of the nude in the Meiji era: the way art critics and literati accepted or rejected the nude as new art form imported from the West. The second part is about the various difficulties Japanese painters were confronted to when they had to readapt themselves to their native soil after a deep and prolonged period of assimilation of Western art. Places described in an original way acted as a device to soothe the protagonists' anguishes. In the third part, we deal with the various problems of perception engendered by Western art. Problems such as the way of translating notions and concepts inherited from the Western tradition of the plastic arts or of putting into practice such notions in literary works. In the fourth part, we focus upon new attempts among painters to create fantastic scenery. We observe the emergence of mature conceptions concerning the art and its modes of representation. This evolution towards maturity comes from images as well as from texts, both Japanese and Western. The last part is a survey of various discourses advocating a resistance to Western art in its morals and in its techniques of description. This part focuses around two Japanese writers who had an intimate knowledge of the community of Japanese painters living in Paris. This study belongs at the same time to art history (the way writers envisioned art and artists) and to studies in Japanese literature (techniques of depiction in narrative texts based on the notions inherited from the visual arts)

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Cavazza, Francesca <1983&gt. "Salomé et Jean Baptiste. Réinvestissements symboliques et récritures d'un mythe dans la littérature et dans l'art (1870-1914)". Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2014. http://amsdottorato.unibo.it/6609/1/Cavazza_Francesca_Tesi.pdf.

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La publication de nombreuses œuvres, à la fois littéraires et picturales, entre 1870 et 1914, inspirées par l’épisode biblique du meurtre de Jean Baptiste par Salomé, s’inscrit dans une crise qui touche à cette époque, en Europe, aussi bien le sujet que la notion de représentation. Le mythe de Salomé permet de poursuivre une réflexion de nature littéraire, historique et esthétique concernant le processus d’autonomisation de l’art. À partir des sources bibliques et antiques, dans lesquelles Salomé et Jean Baptiste incarnent respectivement le monde païen en conflit avec le monde chrétien, ces deux personnages font graduellement leur entrée dans l’univers de la fiction. Ils sont au cœur de la transition d’une lecture transcendante — reliée particulièrement à la tradition catholique — de l’épisode tragique qui les unit, à une lecture immanente qui en fait deux instances purement esthétiques. La danseuse et le dernier des prophètes émergent dans la littérature et dans l’art occidentaux comme deux pôles symboliques, liés l’un à l’autre par différents types de relation, susceptibles d’être librement réinvestis par de nouvelles significations et à l’écart des conventions. Si, dans la première partie du XIXe siècle, Salomé et Jean Baptiste sont encore liés à leur sens orthodoxe, au tournant du siècle ils finissent par s’autonomiser de l’Écriture et donnent lieu à de multiples récritures et à des adaptations inattendues. Celles-ci ressortissent alors moins du blasphème à proprement parler que d’un témoignage emblématique d’une transformation du rapport que l’artiste entretient avec son œuvre. Celui-ci, en s’identifiant avec le prophète décollé, se mesure à l’œuvre d’art, qui est incarnée par Salomé. La relation entre Salomé et Jean Baptiste, dans ces diverses représentations, exprime et reflète le moment où art et littérature se reconnaissent comme fictions.
The publication, between 1870 and 1914, of numerous literary and pictorial works inspired by the Biblical story of the murder of John the Baptist by Salomé reflects a wider crisis that affected both the subject and the concept of representation at that time in Europe. The myth of Salomé permits us to pursue a literary, historical and aesthetic reflection concerning the progressive autonomy of art. From Biblical and ancient sources, in which Salome and John the Baptist respectively embodied the pagan world and its conflicting relationship with the Christian world, these two characters gradually entered the world of fiction. They are indeed at the heart of a transition from a transcendent reading – especially related to the Catholic tradition – to an immanent reading of the tragic episode that unites them, which turns them into two purely aesthetic objects. The dancer and the last of the prophets thus emerge in Western literature and art as two symbolic extremes, which can be linked to each other by different kinds of relationships, which can have new changeable meanings, and which are far away from all convention. If, in the first part of the nineteenth century, Salome and John the Baptist are still bound to their orthodox interpretation, at the turn of the century they eventually gain independence from the Scriptures, and this gives rise to multiple rewritings and unexpected adaptations. These adaptations, however, prove less blasphemous, as they symbolically provide the proof of the very transformation of the relationship between the artist and their work. The artist, who identifies himself with the prophet, is measured with his artwork, represented by Salome. The relationship between Salome and John the Baptist, throughout the various representations, thus expresses and reflects the very moment when art and literature began to think themselves as fiction.

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Cavazza, Francesca <1983&gt. "Salomé et Jean Baptiste. Réinvestissements symboliques et récritures d'un mythe dans la littérature et dans l'art (1870-1914)". Doctoral thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2014. http://amsdottorato.unibo.it/6609/.

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La publication de nombreuses œuvres, à la fois littéraires et picturales, entre 1870 et 1914, inspirées par l’épisode biblique du meurtre de Jean Baptiste par Salomé, s’inscrit dans une crise qui touche à cette époque, en Europe, aussi bien le sujet que la notion de représentation. Le mythe de Salomé permet de poursuivre une réflexion de nature littéraire, historique et esthétique concernant le processus d’autonomisation de l’art. À partir des sources bibliques et antiques, dans lesquelles Salomé et Jean Baptiste incarnent respectivement le monde païen en conflit avec le monde chrétien, ces deux personnages font graduellement leur entrée dans l’univers de la fiction. Ils sont au cœur de la transition d’une lecture transcendante — reliée particulièrement à la tradition catholique — de l’épisode tragique qui les unit, à une lecture immanente qui en fait deux instances purement esthétiques. La danseuse et le dernier des prophètes émergent dans la littérature et dans l’art occidentaux comme deux pôles symboliques, liés l’un à l’autre par différents types de relation, susceptibles d’être librement réinvestis par de nouvelles significations et à l’écart des conventions. Si, dans la première partie du XIXe siècle, Salomé et Jean Baptiste sont encore liés à leur sens orthodoxe, au tournant du siècle ils finissent par s’autonomiser de l’Écriture et donnent lieu à de multiples récritures et à des adaptations inattendues. Celles-ci ressortissent alors moins du blasphème à proprement parler que d’un témoignage emblématique d’une transformation du rapport que l’artiste entretient avec son œuvre. Celui-ci, en s’identifiant avec le prophète décollé, se mesure à l’œuvre d’art, qui est incarnée par Salomé. La relation entre Salomé et Jean Baptiste, dans ces diverses représentations, exprime et reflète le moment où art et littérature se reconnaissent comme fictions.
The publication, between 1870 and 1914, of numerous literary and pictorial works inspired by the Biblical story of the murder of John the Baptist by Salomé reflects a wider crisis that affected both the subject and the concept of representation at that time in Europe. The myth of Salomé permits us to pursue a literary, historical and aesthetic reflection concerning the progressive autonomy of art. From Biblical and ancient sources, in which Salome and John the Baptist respectively embodied the pagan world and its conflicting relationship with the Christian world, these two characters gradually entered the world of fiction. They are indeed at the heart of a transition from a transcendent reading – especially related to the Catholic tradition – to an immanent reading of the tragic episode that unites them, which turns them into two purely aesthetic objects. The dancer and the last of the prophets thus emerge in Western literature and art as two symbolic extremes, which can be linked to each other by different kinds of relationships, which can have new changeable meanings, and which are far away from all convention. If, in the first part of the nineteenth century, Salome and John the Baptist are still bound to their orthodox interpretation, at the turn of the century they eventually gain independence from the Scriptures, and this gives rise to multiple rewritings and unexpected adaptations. These adaptations, however, prove less blasphemous, as they symbolically provide the proof of the very transformation of the relationship between the artist and their work. The artist, who identifies himself with the prophet, is measured with his artwork, represented by Salome. The relationship between Salome and John the Baptist, throughout the various representations, thus expresses and reflects the very moment when art and literature began to think themselves as fiction.

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Rouillot, Marchandise Martine. "Figures de la monstruosité". Université Louis Pasteur (Strasbourg) (1971-2008), 1998. http://www.theses.fr/1998STR1PS04.

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A la base de cette recherche: l'équivoque qui fait de la monstruosité, un concept flou entre réalité et fiction et le pari de l'inscrire dans le champ des sciences humaines et plus particulièrement celui de la psychologie. La voie tracée par les évènements du XVIIIe et du XIXe siècle a rendu possible un tel pari en bouleversant totalement l'abord de la question de l'homme. Le monstre renoue avec l'homme en même temps que celui-ci renoue avec son passé. Cette étude met en évidence les ancrages multiples du concept de monstruosité au travers d'éclairages divers comme l'histoire des idées et de la connaissance, la production artistique et la théorie de l'inconscient freudien. Il y apparait que le monstre ouvre la voie à une analyse plus profonde de l'homme.

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Bluteau, Olga. "L'art de la parodie dans les Meslanges de Pierre Certon (1570)". Paris 4, 1994. http://www.theses.fr/1993PA040245.

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Les Meslanges constituent la dernière œuvre connue de Pierre Certon, l'un des compositeurs majeurs du seizième siècle. De ce recueil, édité en six volumes, ne subsiste actuellement qu'un seul exemplaire, incomplet (l'un des volumes a disparu). Ces Meslanges contiennent quatre-vingt-seize pièces de cinq à treize voix, parmi lesquelles quatre-vingt-sept chansons profanes et sept œuvres destinées au culte protestant. La plupart de ces œuvres sont des parodies, c'est-à-dire des adaptations d'œuvres musicales dont la destination - et s'il y a lieu les paroles a été changée (Jacques Chailley). Transcription, reconstitution et analyse musicale montrent que Certon y a utilisé la plupart des techniques d'écriture de son temps pour les adapter à la parodie. Il a également synthétisé les principaux styles musicaux de la renaissance : chanson parisienne, contrepoint franco-flamand et musique italienne. Toutes ces caractéristiques contribuent à faire des Meslanges de Certon un traité de l'art de la parodie par l'exemple et une œuvre majeure de la fin du seizième siècle en France
Les Meslanges are the last known work of Pierre Certon, one of the main French composers of the sixteenth century. This book was published in six volumes. Today only one incomplete exemplary remains. It contains ninety-six pieces from five to thirteen voices. Eighty-seven of them are secular chansons and seven others are psalms or prayers foe the protestant worship. Most works are parodies, that is musical adaptations whose destination - and words if need be - has been changed (translated from Jacques Chailley's definition). Transcriptions and musical analysis show that Certon used all composing technics of his time and adapted them to parody. He also assembled the main styles of the renaissance: Parisian chanson, Franco-Flemish counterpoint and Italian music. All these characteristics make of Pierre Certon's Meslanges a treatise explaining the art of parody through examples and an essential work of the end of the French sixteenth century

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Kim, Hyōn-Suk. "L'art de la description dans Les Thibault de Roger Martin du Gard". Nice, 1991. http://www.theses.fr/1991NICE2008.

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Après une introduction générale sur les idées littéraires de Roger Martin du Gard, nous avons étudié son art de la description en deux grandes parties : la structure de la description et la thématique de la description. Notre étude a montré que les deux parties sont complémentaires et donnent une vision plus complète de l'œuvre. On retrouve, dans l'art de la description, les préceptes, les règles d'écritures que le romancier a exposées dans ses notes, dans ses lettres. Les caractéristiques des descriptions correspondent aux déclarations théoriques du romancier. Dans l'emploi des descriptions, il fournissait beaucoup d'efforts pour condenser ses descriptions, leur donner la plus grande efficacité avec le minimum de mots. Le récit de Roger Martin du Gard, très allégé, est d'une grande force dramatique : la description participe à l'action et la renforce. Toute notre étude tend à montrer que le romancier ne traite pas la description comme un élément secondaire du récit, mais lui accorde autant d'attention qu'aux autres modalités, narration, dialogue, etc. . . Ainsi, à partir de l'analyse des textes descriptifs, nous retrouvons ce qui fait, de façon plus générale, l'originalité et la puissance de l'art romanesque de Roger Martin du Gard

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Fürdös, David. "Priape dans la littérature et l'iconographie du monde gréco-romain". Lille 3, 2011. http://www.theses.fr/2011LIL30009.

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Priape est certes l'un des dieux les plus populaires de l'Antiquité, mais il est aussi le plus mal connu, méprisé et raillé de tout le panthéon gréco-romain. Comment en effet imaginer, à notre époque si partagée en matière religieuse, que les Anciens aient pu croire en une divinité aussi obscène, paillarde, ridicule parfois ? La présente étude s'attache à réhabiliter Priape en montrant comment s'est forgée la complexité de sa représentation selon le lieu, l'endroit et les attentes du commanditaire de la figuration. La garde-robe, particulièrement riche et variée, dont il est revêtu, dément la réputation de nudité agressive qui caractérise ce dieu dont la gestuelle diverse et chargée de symboles contredit un autre préjugé tenace : son attitude exhibitionniste invariable. Originaire d'Asie Mineure, Priape est parvenu à Rome avec tout un bagage culturel dont il s'est doté en traversant les pays et régions où s'est implanté son culte à un point tel qu'il parvient à toucher toutes les couches de la population, devenant l'une des divinités les plus représentées de toute l'Antiquité. Un genre littéraire lui est même consacré, laissant son empreinte dans les légendes construites autour du personnage qu'est Priape. La constitution d'un corpus iconographique considérable permet à cette étude d'établir des comparaisons, constantes et divergences dans les représentations du dieu et de les confronter à la majorité des textes rédigés en langues latine et grecque évoquant Priape. Par l'intermédiaire de trois annexes jamais encore rassemblées et confrontées qui enrichisssent ce travail, nous espérons pouvoir aider à reconstruire la figure de ce dieu qui mérite d'être mieux connu
Priapus is one of the most popular god of antiquity, but he is also the most unknown, scoffed and scorned of all greek and roman gods. Indeed, how is it possible to think, in our so religiously shared times, that the people of Antiquity could have believed in such an obscene, bawdy and sometimes ridiculous god ? The goal of our study is to clear Priapus' reputation showing how complex his representation was, according to the place, and the will of the sponsor of the representation. The particularly rich and various clothing he wears goes against the reputation of aggressive nudity, characteristic of this god whose various body movements, full of symbols, is in contradiction with another strong prejudice : his unvarying exhibitionist behaviour. Coming from Minor Asia, Priapus arrived in Rome with a cultural background, that he constitued going across all the countries and the regions where his cult settled down to such an extent that he managed to reach all the layers of the population, becoming therefore one of the most represented divinity of antiquity. A literary genre is even dedicated to Priapus, giving his footprint in the legends that are built around his character. The making of a considerable iconographical study allows to our study the establishment of comparisons, constants and differences in the representations of the god and to make a confrontation with greek and latin texts about Priapus. Through the three appendices that have never been gathered and that enrich this work, we hope to help restoring the character of this god who should be better known

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Vial, Hélène. "La métamorphose dans les Métamorphoses d'Ovide : étude sur l'art de la variation". Paris 4, 2003. http://www.theses.fr/2003PA040176.

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En exergue de cette étude figurent les vers 13-14 du livre II des Métamorphoses, où Ovide décrit les Néréides : facies non omnibus una, / Non diuersa tamen, qualem decet esse sororum : " sans avoir toutes le même visage, elles ne sont pas non plus très différentes. Elles se ressemblent comme il sied à des sœurs. " Ces vers peuvent être lus comme une définition métaphorique des passages consacrés à la métamorphose dans les Métamorphoses, passages qui, unis par une étroite parenté - due à leur sujet même, le miracle de la mutata forma -, sont pourtant tous différents. Cette étude porte sur l'équilibre subtil entre similitudes et dissemblances dans l'expression ovidienne de la métamorphose et tend, plus précisément, à démontrer l'existence d'un lien profond entre cet équilibre, le phénomène de la métamorphose - fondé, lui aussi, sur la tension entre identité et altérité - et la naissance de l'écriture. Pour cela, elle esquisse une réflexion sur les frontières de la métamorphose ovidienne, puis consacre une analyse individuelle à quatre-vingt-un récits de métamorphoses, avant d'explorer, dans un dernier temps, la relation complexe entre la uariatio, la métamorphose et la vocation poétique d'Ovide
This study bears as an inscription lines 13-14, Book II, from Metamorphoses, where Ovid describes the Nereids as facies non omnibus una, / Non diuersa tamen, qualem decet esse sororum ("although they do not all have the same face, they are not so different either, as befits sisters"). Those lines can be read as a metaphorical definition of passages devoted to metamorphosis in Metamorphoses - passages which are closely related, due to their very subject (the miracle of mutata forma), and yet quite different from one another. This study concerns the subtle balance between similarities and dissimilarities in Ovid's treatment of metamorphosis; and more precisely, attempts to demonstrate a close connection between this balance, the occurrence of metamorphosis (seen as a tension between identity ad otherness), and the emergence of writing. In order to do so, the study reflects on the frontiers of ovidian metamorphosis, then proceeds to an individual analysis of eighty-one stories of metamorphoses, before exploring, in the last part, the complex relationship between uariatio, metamorphosis, and Ovid's vocation as a poet

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Loechel, André. "Le mythe de Venise : texte et image à Venise aux XVe et XVIèmes siècles". Grenoble 2, 1992. http://www.theses.fr/1992GRE29062.

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L'objectif majeur de la these a ete l'analyse des mecanismes figuratifs de la mise en image de venise, ainsi que de l'horizon culturel qui a produit une telle elaboration mythique. Trois grands themes permettent une approche globale du mythe venitien. Le premier niveau pris en compte est celui de l'imagerie religieuse, avec notamment toute la rhetorique de la virginite de la ville : le dogme de l'immaculee conception en constitue une base majeure, de meme que l'image de la sedes apentiae, amenant ainsi certaines representations a montrer venise participant aux mecanismes theologiques du salut. La metaphore venise jerusalem va tout a fait dans le meme sens; les ecrits d'observateurs et de voyageurs etrangers constituent evidemment ici, une source majeure. Un second niveau d'analyses est fourni par l'imagerie politique : la representation de la justicia est l'un des grands modeles de l'auto-representation de venise, de meme que le parallele majeur avec constantinople. Le temps et ses categories semantiques fournissent un troisieme horizon : rien n'est veritablement comprehensible sans la prise en compte de la conception "circulaire" du temps venitien. Le parallele avec rome s'impose a cet egard, de meme que l'utilisation du vocabulaire antique : l'image de venus, elle aussi nee de la mer en est l'une des composantes les plus pertinentes tant au travers de sa banalite que de son paradoxe
The major objective of this dissertation has been the analysis of the figurative mechanisms of the pictural representations of venice, as well as the cultural background which produced such a mythical elaboration. The global approach of the venetian myth is carried through three fundamental themes. The primary level taken into consideration is that of religious imagery, including more specifically the whole rhetoric of the city's virginity : the dogma of the immaculate conception makes up one of its major foundations, as well as the image of the sedes sapientiae inspiring some pictures representating venice directly partaking of the theological mechanisms of salvation. The venice jerusalem metaphor belongs to a similar context, one of the chief sources being of course the writings of foreign observers and travellers. The political imagery constitutes the second tier of our analysis : the representation of justicia is one of the great models of venice self-representation, along with the major parallel with constantinople. Time and its semantic variations are the third aspect of our dissertation : nothing can be properly understood without stressing the venitian notion of "circular" time. A comparison with rome is in this respect of paramount importance, along with the use of vocabulary of ancient rome : image of sea-born venus is one of its

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Milliot, Vincent. "Le peuple travesti : les représentations des petits métiers parisiens du XVIe au XVIIIe siècle". Paris 1, 1991. http://www.theses.fr/1991PA010506.

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Pendant plus de trois siècles, les représentants du peuple urbain ont inspiré des œuvres littéraires, musicales, et d'abondantes interprétations iconographiques, tant "communes" que "savantes". La permanence de l'engouement suscité par les cris de Paris, la diversité des modes de traitement de ce thème - du texte à l'image, de l'imprimé à la céramique - ne peut s'expliquer uniquement par l'omniprésence d'une population "flottante" dans la ville d'ancien régime. Ces imprimés et ces objets furent susceptibles de réceptions et d'usages très diversifiés. Ces derniers sont repérables à travers la variété des dispositifs de présentation matérielle et grâce à la reconstitution des conditions de fabrication et de diffusion des cris de Paris. Loin d'être le reflet fidèle de la vie quotidienne urbaine, les cris de paris traduisent plutôt les évolutions des imaginaires sociaux suscites par le peuple et par la ville. De la renaissance à la fin des lumières, plusieurs modèles de mise en scène des petits métiers se succèdent qui traduisent le poids grandissant des stéréotypes liés aux pratiques et aux représentations sociales venues des élites ; l'idéalisation croissante des figures du peuple constitue le corollaire des préjugés sociaux et du mépris qui frappent les "basses classes" de la société urbaine; après les troubles révolutionnaires, ce petit peuple idéalise, élément essentiel du pittoresque urbain au temps d'une industrialisation croissante, sert de contre- point rassurant face aux véritables "classes dangereuses": le prolétariat industriel
During more than three centuries, representatives of the urban masses have been a source of inspiration for many a "common" - as well as "erudite"- literary, musical and pictural work. The persistent fashion raised up by the street-cries of Paris, the various ways that subject has been developed - through writing or picturing ptinting or ceramic - cannot only be explained by the omnipresence of a non-settled population in the city of the old regime. Those pamphlets and objects have been per- ceived and usedin many ways socially speaking. The uses can be detected through a great variety of presentation and through the reconstitution of the conditions of making and diffusion of the street crise of paris. Far from being a faithful image of everyday life in paris, the street cries of Paris rather reflect the evolution of the social imaginary representations raised by the masses and the city. From renaissance to the end of enlightment, several ways of setting the small street-trades have followed one another, each of them reflecting the growing impor- tance of stereotypes linked to the comportments and social representations from the elite. The rising idealisation of the image of the masses is a direct consequence of the social prejudice and contempt in which are held the lower classes of the urban society

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Tufano, Antonella. "Les paysages volcaniques : les mythes, la science, l'art". Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0097.

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Calle, Calle Francisco Vicente. "Les representations du diable et des etres diaboliques dans la litterature et l'art en france au xiie siecle". Caen, 1997. http://www.theses.fr/1997CAEN1221.

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Ce que cette these se propose d'etudier, ce sont les idees et les images qui existaient a propos du diable au xiie siecle. Le terme "representation(s)" doit etre compris dans un sens tres large : il fait reference autant aux idees sur le diable existant dans la mentalite des hommes de cette periode et qui se refletent surtout dans certains traites theologiques qu'aux descriptions concretes du diable et des etres diaboliques qui apparaissent dans les oeuvres litteraires et dans l'iconographie de cette periode. Dans notre titre, a cote du diable apparaissent mentionnes les "etres diaboliques". Cette expression nous l'utilisons in senso lato. Pour nous les "etres diaboliques" sont des personnages aussi varies que les paiens, les juifs, les traitres, les geants ou certains animaux en rapport avec le monde diabolique comme les serpents et meme des monstres. Les representations du diable et des etres diaboliques sont etudiees par "genres" c'est-a-dire, dans les differentes formes d'ecriture car chacune de ces formes d'ecriture a des particularites, des caracteristiques, des publics qui lui sont propres et, il est evident que, elles vont revetir des formes differentes selon les "genres" et les publics
This thesis in intended to study ideas and images related to the devil which existed in the 12th century. The term "representation(s)" has to be understood in a broad sense : this term refers not only to ideas about devil existing in the mentality of men that time, ideas which are reflected especially in some treatises on theology, but to specific descriptions of devil an diabolical beings which appear in the literary works and the iconography of that time. In our title, apart from devil, there is a mention to "diabolical beings". We use this expression in senso lato. According to our opinion "diabolical beings" are some characters as varied as pagans, jews, traitors, giants or some animals related to the diabolical world, as snakes and even monsters. Representations of devil and diabolical beings are studied through "genres" - that is to say in the differents forms of writing because each form of writing has different characteristics according to the "genres" and the audience

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Zeitz, Anne. "(Contre-)observations : les relations d'observation et de surveillance dans l'art contemporain, la littérature et le cinéma". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080051.

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Jamais les enjeux de la surveillance dans la société n’ont été autant mis en avant dans les discours politiques et la presse internationale que depuis les divulgations d’Edward Snowden sur les programmes de surveillance américains, durant l’été 2013. Plus d’une dizaine d’années auparavant, l’exposition CTRL [SPACE] au ZKM de Karlsruhe avait montré comment, depuis longtemps, les mécanismes de la surveillance, des médias de masse et la convergence de leurs fonctionnements se reflétaient dans l’art contemporain. Peter Weibel pointait dès les années 60, dans ses installations et ses écrits, les comportements contradictoires qui se développent dans une société de surveillance. De la société de surveillance à la société de contrôle, la société spectaculaire, puis post-Spectaculaire, jusqu’à l’actuelle société de sousveillance, c’est-À-Dire de la cybersurveillance et de la dataveillance, l’influence de ces mécanismes a toujours fait controverse. Alors qu’une approche artistique s’attache avant tout à la manipulation, voire à l’effacement de l’individu et de sa réalité, une autre approche se concentre sur les possibilités de créativité et d’inventivité qui se présentent à l’individu au sein d’une société caractérisée par la surveillance et les médias de masse. La présente recherche se situe dans la tension qui émerge entre ces deux positions. Le point de départ est le terme observer, qui renvoie à la fois à un acte perceptuel et à un acte d’adaptation. En même temps, tout acte d’observation s’insère nécessairement dans une « relation » d’observation. Et il faut envisager la réversibilité potentielle de la relation. En effet, l’art contemporain révèle des tactiques de contre-Surveillance et de contre-Observation, cette dernière étant révélatrice de la façon dont nous vivons les changements socio-Politiques – notamment depuis le 11 septembre 2001. Une théorie et une pratique de la (contre-)observation sont nécessaires afin d’analyser l’esthétique qui apparaît ainsi
He matter of surveillance has never been as present in political discourse and the international press as much as since the divulgence of the American surveillance programs by Edward Snowden in the summer of 2013. Nonetheless, more then 10 years earlier, the exhibition CTRL [SPACE] at the ZKM in Karlsruhe had widely shown how the mechanisms of surveillance and mass media and the convergence of their functioning had, for a long time, been reflected in contemporary art. Since the 1960s, Peter Weibel had already pointed to the contradictory modes of behaviour that develop in a society of surveillance in his installations and writings. From the society of surveillance to the society of control, the spectacular society, and then post-Spectacular society, to the current society of “sousveillance”, that is of cyber-Surveillance and dataveillance, the influence of these mechanisms has always been discussed with controversy. While one artistic approach focuses mainly on the manipulation, or even disappearance of the individual and their reality, another approach concentrates on the possibilities of creativity and inventiveness that present themselves to the individual in a society characterized by surveillance and mass media.The present doctoral thesis situates itself in the tension that emerges between these two positions. The point of departure is the term to observe that signifies a perceptual act as well as an act of adaptation. At the same time, every act of observation necessarily takes part in an observational “relationship”. Therefore, the potential reversibility of the relationship has to be taken into account. Effectively, contemporary art reveals tactics of counter-Surveillance and counter-Observation. The latter give insight into the way we deal with socio-Political changes – especially since the 11th of September 2001. A theory and a practice of (counter-)observation are necessary to analyze the aesthetics that have appeared in this regard

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Zeitz, Anne. "(Contre-)observations : les relations d'observation et de surveillance dans l'art contemporain, la littérature et le cinéma". Thesis, Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA080051.

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Jamais les enjeux de la surveillance dans la société n’ont été autant mis en avant dans les discours politiques et la presse internationale que depuis les divulgations d’Edward Snowden sur les programmes de surveillance américains, durant l’été 2013. Plus d’une dizaine d’années auparavant, l’exposition CTRL [SPACE] au ZKM de Karlsruhe avait montré comment, depuis longtemps, les mécanismes de la surveillance, des médias de masse et la convergence de leurs fonctionnements se reflétaient dans l’art contemporain. Peter Weibel pointait dès les années 60, dans ses installations et ses écrits, les comportements contradictoires qui se développent dans une société de surveillance. De la société de surveillance à la société de contrôle, la société spectaculaire, puis post-Spectaculaire, jusqu’à l’actuelle société de sousveillance, c’est-À-Dire de la cybersurveillance et de la dataveillance, l’influence de ces mécanismes a toujours fait controverse. Alors qu’une approche artistique s’attache avant tout à la manipulation, voire à l’effacement de l’individu et de sa réalité, une autre approche se concentre sur les possibilités de créativité et d’inventivité qui se présentent à l’individu au sein d’une société caractérisée par la surveillance et les médias de masse. La présente recherche se situe dans la tension qui émerge entre ces deux positions. Le point de départ est le terme observer, qui renvoie à la fois à un acte perceptuel et à un acte d’adaptation. En même temps, tout acte d’observation s’insère nécessairement dans une « relation » d’observation. Et il faut envisager la réversibilité potentielle de la relation. En effet, l’art contemporain révèle des tactiques de contre-Surveillance et de contre-Observation, cette dernière étant révélatrice de la façon dont nous vivons les changements socio-Politiques – notamment depuis le 11 septembre 2001. Une théorie et une pratique de la (contre-)observation sont nécessaires afin d’analyser l’esthétique qui apparaît ainsi
He matter of surveillance has never been as present in political discourse and the international press as much as since the divulgence of the American surveillance programs by Edward Snowden in the summer of 2013. Nonetheless, more then 10 years earlier, the exhibition CTRL [SPACE] at the ZKM in Karlsruhe had widely shown how the mechanisms of surveillance and mass media and the convergence of their functioning had, for a long time, been reflected in contemporary art. Since the 1960s, Peter Weibel had already pointed to the contradictory modes of behaviour that develop in a society of surveillance in his installations and writings. From the society of surveillance to the society of control, the spectacular society, and then post-Spectacular society, to the current society of “sousveillance”, that is of cyber-Surveillance and dataveillance, the influence of these mechanisms has always been discussed with controversy. While one artistic approach focuses mainly on the manipulation, or even disappearance of the individual and their reality, another approach concentrates on the possibilities of creativity and inventiveness that present themselves to the individual in a society characterized by surveillance and mass media.The present doctoral thesis situates itself in the tension that emerges between these two positions. The point of departure is the term to observe that signifies a perceptual act as well as an act of adaptation. At the same time, every act of observation necessarily takes part in an observational “relationship”. Therefore, the potential reversibility of the relationship has to be taken into account. Effectively, contemporary art reveals tactics of counter-Surveillance and counter-Observation. The latter give insight into the way we deal with socio-Political changes – especially since the 11th of September 2001. A theory and a practice of (counter-)observation are necessary to analyze the aesthetics that have appeared in this regard

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Florea, Vladimir. "L'art littéraire de Guy de Maupassant dans ses Contes, ou la mimesis et sa. . . TVA". Paris 4, 1996. http://www.theses.fr/1996PA040103.

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La première partie de la thèse dégage quelques grands traits de la pensée théorique de Maupassant écrivain: elle est le fruit d'un héritage littéraire (Flaubert et Tourgueniev), elle fait la part belle à la reproduction de la situation réelle de communication. Maupassant rejette le terme de réaliste et préfère celui d'illusionniste. La deuxième partie détaille quelques moyens de créer l'illusion: les déictiques et l'effacement du narrateur derrière les personnages qu'il fait parler (au style direct ou indirect libre, très rarement au style indirect); l'emploi de diverses formes de la répétition (phonétique, métrique, lexicale) crée un effet de séduction du lecteur. La troisième partie étudie le fonctionnement de l'interrogation dans les contes - elle montre le désemparèrent et la solitude des personnages, mais aussi du narrateur. Enfin, l'étude des noms des personnages montre d'une part le souci de créer l'illusion (des noms "normaux"), d'autre part des distorsions nombreuses qui permettent un autre niveau de lecture de certains contes
The first part of the thesis draws some main outlines of Maupassant’s theoretical thought as a writer: we know that it is the incoming of a literary inheritage (from Flaubert and Tourgueniev); his thought attaches a great importance to the replication of the real-life situation of speaking. Maupassant throws out the term of realistic, he prefers being called illusionist. The second part lists some means of making illusion: the shifters, the self-effacement of the narrator beyond the dramatis personnae who are promoted to talk (direct speeches, discours indirect libre, and a few reported speeches); by using some forms of repetition (phonetical, metrical or lexical), he obtains a seductive effect in the reader. The third part studies how questions work - the characters feel alone and distraught and the narrator shares their distress and ignorance. The thesis lastly shows that in addition to the use of "normal" proper names, there are much distortion that allows other mays of meaning Maupassant’s short stories

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Venayre, Sylvain. "L'avènement de l'aventure : les figures de l'aventure lointaine dans la France des années 1850-1940". Paris 1, 2000. http://www.theses.fr/2000PA010643.

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Le discours francais sur l'aventure, elabore entre 1850 et 1940, enregistre certaines modifications fondamentales. L'emergence d'une nouvelle figure de l'aventurier, des le milieu du xixe siecle, la multiplication du discours sur l'aventure sous toutes ses formes (recits d'aventures vecues, romans, presse) s'accompagnerent d'une homologie nouvelle entre l'idee d'aventure et la representation d'espaces lointains, inconnus et sauvages. A partir des annees 1890-1920, l'aventure devint nettement le siege d'un certain nombre de vertus supremes, au point qu'il est legitime de parler alors d'une mystique de l'aventure. Le tournant des xixe et xxe siecles fit en effet de l'aventure un but en soi. L'aventure pour l'aventure devint un theme dominant, dont les implications ideologiques et politiquesetaient loin d'etre negligeables. Ce basculement historique est en rapport etroit avec une nouvelle representation dominante des confins de la planete, qui en fit des espaces en voie de disparition. L'aventure acquit ainsi une dimension ontologique au moment meme ou etaient censees disparaitre les conditions spatiales qui autorisaient son existence. La mystique de l'aventure qui s'inaugura alors,de meme que les pratiques qui s'en reclamerent, sont des lors a interpreter comme autant de reactions nostalgiques.

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Desbals, Marie-Anne. "La Thrace et les thraces dans l'imaginaire grec aux époques archaïque et classique : littérature et iconographie". Paris 10, 1997. http://www.theses.fr/1997PA100157.

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La thrace et les thraces tiennent une place particulierement importante aussi bien dans la mythologie que dans l'histoire grecque. Cette etude a pour but de mettre en evidence les stereotypes qui les concernent, dans la litterature, depuis l'epopee homerique jusqu'au ive siecle, et dans l'iconographie des vases attiques et italiotes. Tout d'abord, la thrace est etudiee en tant qu'espace geographique, politique et mythique. Ensuite, a partir d'une conception homogene de l'humanite, on s'attache a montrer comment les thraces sont opposes de plus en plus radicalement a l'ideal grec et sont victimes d'une xenophobie de plus en plus affirmee. Le perse et le thrace deviennent les deux poles d'une barbarie qui permet aux grecs de penser leur propre ethnicite. L'iconographie des musiciens, des rois, des dieux thraces, en revanche, ne reflete nullement de tels prejuges. Les peintres exploitent l'aspect exotique du costume et des tatouages thraces. Bien plus, l'image du grec et du thrace se confondent. La conclusion de cette etude met donc en evidence une conception schizophrenique des thraces. Si, au ve siecle, elle se resout dans l'opposition entre litterature politique et iconographie, au ive siecle, les philosophes et les orateurs tentent de reduire cette polarite par differents artifices rhetoriques, en particulier en reecrivant les mythes. _________________

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Pineau, Guylaine. "Des secrets de l'art au silence éloquent : les statégies discursives dans les Oeuvres d'Ambroise Paré". Paris 4, 2005. http://www.theses.fr/2005PA040183.

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Les Œuvres d'Ambroise Paré (1585) invitent à interroger les conditions d'émergence d'une idéologie nouvelle, privilégiant l'expérience et prônant la diffusion du savoir en langue française. La réorganisation dans le texte des topoï nourrissant la pensée médicale et religieuse permet de réévaluer, dans le discours de la miseria hominis, le statut réservé au corps. Les Œuvres engagent une réflexion sur la valeur des autorités et le fonctionnement rhétorique des citations, comparaisons et synecdoques. L'énoncé de certaines conclusions audacieuses requiert l'application de la " méthode de prudence " théorisée par Ramus et l'élaboration de stratégies énonciatives mobilisant différentes figures de l'allusion et de l'ambiguïté (ironie, litote, enthymème, réticence). L'ambition de produire une œuvre pérenne, malgré l'inévitable péremption des contenus scientifiques, accentue dans l'écriture des tentations égotistes et littéraires conférant à Paré un véritable statut d'auteur
Ambroise Paré's Oeuvres (1585) call for an investigation into the conditions in which a new ideology emerges, privileging experience and calling for the promulgation of knowledge in French. The reorganization within the text of the topoi fundamental to medical and religious thought allows a reevaluation of the status of the body in the discourse on the miseria hominis. His Oeuvres open a reflection bearing upon the value of authorities and the rhetorical functioning of quotations, comparisons and synecdoches. To state certain daring conclusions, Paré is forced to apply the "prudence method" theorised by Ramus and to elaborate enunciatory strategies mobilizing different figures involving allusion and ambiguity (ironie, litote, enthymeme, reticence. . . ). The ambition to produce a work which will last, despite the fact that its scientific content will inevitably become obsolete, accentuates the egotistical and literary temptations within his writing, giving Paré a genuine authorial status

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Dingremont, François. "La mètis dans l'Odyssée, ou l'art d'être efficace". Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0035.

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Cette étude est un prolongement, dans le domaine poétique, de la réflexion sur la métis engagée par Marcel Detienne et Jean-Pierre Vernant. En tant que récit d'épreuves, l'Odyssée est le cadre idéal pour une expression poétique de la métis. Ulysse et Pénélope sont rusés, ils partagent une homophrosunè, une égalité et une complicité d'intelligence. Ils sont, également, polukerdeièsin, ils ont un penchant, un tropisme, pour les astuces. Ils ne font qu'un quand il s'agit de tirer un profit. Le terme qui nous a semblé le plus approprié pour rendre compte de l'intelligence d'Ulysse et de Pénélope est kerdosuné, l'astucieuse efficacité, la recherche du profit (kerdos). L'enjeu des épreuves épiques est le rétablissement de la reconnaissance, de la charis. Ulysse ruse pour retrouver sa place au sein de l'oikos, pour être reconnu par les siens. Le chant épique participe à cette entreprise de protection et de maintien de la charis. Il est un expédient, un pharmakon epistrophon qui « fait tourner » (traduction d'epistréphein) les cœurs vers l'euphrosuné, l'état joyeux. L'étude de la métis dans l'Odyssée révèle l'importance de la fonction poétique du jeu dans la Grèce archaïque
This study is an extension of Marcel Detienne and Jean-Pierre Vernant's reflexion on métis in poetic's field. As a narrative of contests, Odyssey is the ideal setting for a poetic expression of métis. Odysseus and Penelope are crafty, they share a homophrosuné, an egality and a compliticity of cunning. They are also, polukerdeièsin, they have a penchant, a tropism, for the tricks. They are one when it cornes to making a profit. The term that we thought most appropriate to account for Odysseus and Penelope's intelligence is kerdosuné, the clever efficiency, the profit (kerdos) motive. The challenge of epic contests is the restoration of the recognition, the charis. Odysseus tricks to find his place in the oikos, to be acknowledged by his relatives. The epic song participates in this project of charis protection and preservation. Il is an expedient, a pharmakon epistrophon wich « turns » (translation of epistréphein) the hearts toward the euphrôn, the cheer. The study of métis in the Odyssey reveals the importance of the poetic function of the game in the Ancient Greece

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Abraham, Bénédicte. "L'ironie ou l'art de la transgression : étude de l'oeuvre narrative d'Arthur Schnitzler". Aix-Marseille 1, 1999. http://www.theses.fr/1999AIX10027.

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On connait l'ironiste schnitzler mais lui a t-on jusqu'a present accorde la place qu'il merite au sein de ce que l'on pourrait appeler une "histoire de l'ironie" ? cette etude tente de montrer, a partir des uvres narratives de l'auteur, en quoi schnitzler impose une nouvelle conception de l'ironie comme ecriture de la transgression. Loin de souligner le cynisme et le scepticisme dont on le taxa souvent, ce travail vise bien plutot a rehabiliter en schnitzler le restaurateur du sens dans un monde en pleine dereliction qui donne une orientation nouvelle a la transition que constitue la decadence en l'integrant dans une problematique du sens. On a souvent dit que schnitzler s'etait fait le miroir de son epoque ; or, un miroir non seulement reflechit mais fait reflechir et il faut envisager le terme dans sa double acception optique et intellectuelle. Ce travail voudrait dire combien schnitzler se fait le miroir de la crise d'identite qui caracterise son epoque malade et qu'en la reflechissant, il invite le lecteur a reflechir sur les procedes ironiques de sa representation qui constituent, en derniere instance, le plus sur moyen de la depasser.

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Dauchot, Jean-Luc. "L'art et les plantes : plantes et remèdes du temps de Pline l'ancien". Paris 5, 1994. http://www.theses.fr/1994PA05P088.

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Vieillard-Baron, Elsa. "La jungle entre nature et culture : un imaginaire socio-spatial de l'antimonde". Paris 7, 2011. http://www.theses.fr/2011PA070029.

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Cette thèse vise à requalifier la notion de jungle, peu appréciée des géographes, alors qu'elle suscite l'engouement du grand public. L'enjeu est de montrer que la jungle ne doit pas être appréhendée seulement comme une formation végétale floue, mais qu'elle est plutôt la représentation occidentale d'un paysage de l'Ailleurs ou plus largement un antimonde sauvage et naturalisé. S'appuyant sur un corpus de représentations artistiques - picturales, cinématographiques, littéraires -, sur des questionnaires et des entretiens, cette thèse propose de reconstruire une approche géographique de la jungle. 1. Dans le registre biogéographique, la jungle se présente comme un milieu naturel tropical difficile à cerner, tant en Inde, d'où le terme est originaire, que dans l'ensemble des Tropiques. 2. Sous couvert de naturalité, elle est en fait une représentation culturelle occidentale de l'Ailleurs tropical, initiée au tournant du 19e au 20e siècle, par le biais de la colonisation britannique en Inde. 3. Représentation fabriquée en Occident, la jungle s'apparente à un paysage tropical fantasmé, décor fantaisiste qui sert de support à l'expression de fantasmes inavouables en Occident. 4. Reflet inversé et primitif de l'Occident, la jungle atteint le rang d'autre monde géomythique et rejoue les origines sauvages du monde. 5. Le mythe de jungle induit des effets de réel et fait de la forêt tropicale humide un territoire sous influence, dont la gestion est marquée par une ingérence occidentale de dimension postcoloniale. 6. Enfin tes jungles de l'Occident, souvent urbaines, rendent sensible l'assimilation de la jungle à un antimonde, quelles que soient son échelle et sa localisation
The aim of this thesis is to reconsider the concept that the word jungle gives rise to, a concept that has been criticised by geographers, while, at the same time, it has aroused the attention of the public at large. The aim is to show that the jungle should not be approached solely as an ill-defined natural entity, but that it should be seen more as the Western idea of an otherworldly landscape. This thesis will be drawing on a large collection of artistic representations - pictures, films or books - and on the answers given to a number of questionnaires. It will build a geographical approach to the jungle. 1. Looking at it from a biogeographical angle, the jungle appears to be a natural tropical environment, the borders of which are not easy to specify, be it in India, or more generally under the tropics. 2. Under cover of a reference to something natural, it is in fact a Western cultural idea of a tropical otherworld that emerged at the end of the 20th century on the back of the British colonisation of India. 3. As an idea that sprang in the West, the jungle can be seen as an illusory tropical landscape,that is more imaginary than real and that expresses feelings that would be deemed shameful in the West. 4. As a reversed and primitive reflection of the West, the jungle reaches the rank of another geomythic worid and plays the part of the wild origins of the world. 5. The jungle myth induces some real effects and makes the rainforest an area subject to influence - its environmental management featuring Western postcolonial interference with a dimension. 6. Finally, the urban jungles of the West give credence to the jungle as a counter-world, whatever its scale and location

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Vladova, Tania. "De Pouchkine à Pirandello : vers une poétique de l'improvisation". Paris, EHESS, 2004. http://www.theses.fr/2004EHES0139.

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En art, l'improvistion connaît un destin controversé. Elle est habituellement considérée comme événement concret qui se déroule dans un contexte approprié. Mais que fait-on au juste en improvisant? Ou, mieux, qu'improvise-t-on : l'art, la pensée, le geste? Quel intérêt pourrait avoir une poétique de la création immédiate? Peut-on y parler d'un acte créatif? Ces questions valent, en effet, pour toute pratique inventive. La pratique improvisée offre, cependant, un point de vue privilégié : elle fait voir le moment même de l'invention. Efficace par définition, elle nous force à considérer l'oeuvre d'art avec sa genèse. Mais, peut-on parler d'oeuvre? De Pouchkine à Pirandello et de Bach à l'ère du jazz, la recherche proposée ici est orientée vers la construction d'une théorie qui soit capable de rendre compte des implications concrètes de l'activité improvisatrice. Pratique courante dans la vie artistique de l'humanité, l'improvisation est aussi mode de penser qui enclenche une progression au cours de laquelle peuvent se former autant de configurations heureuses que d'incohérences. Les discours théoriques et fictionnels sur l'improvisation attestent cette tension
Improvisation in art : that's the general topic of this invesitgation. What are we doing when we improvise? What do we improvise - a work of art? -our thoughts?- our gestures? - a specific utterance? Can it be considered a creative act? of wich interest can a theory of improvisational activity be? These are relevant questions in any kind of creative activity. Improvisation offers a unique possibility : by looking at someone improvising, we have the chance to see the process of artistic creation itself. Tjis creation takes place at the most banal and fascinating site : the human body. Improvisation transforms the artist's body into a part of the artistic activity and it should thus be conceived as a part of the creation of a work of art. But, can the product of improvisational activity be called a work of art? From Poushkin to Pirandello, from Bach to the beginnings of Jazz, this thesis proposes a theory of spontaneous artistic creation. It considers it as a mode of thinking, analysing the way in which the question is discussed in both theory and fiction

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Rozprawy doktorskie na temat „Littérature dans l'art”

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