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K Dick, Jennifer. "Dépaysement : Le cas de from UNINCORPORATED TERRITORY [Lukao] par Craig Santos Perez". ALTRALANG Journal 4, nr 02 (30.12.2022): 28–47. http://dx.doi.org/10.52919/altralang.v4i02.201.
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Change of Scenery: The Case of from UNINCORPORATED TERRITORY [Lukao] by Craig Santos Perez
ABSTRACT: This study focuses on Craig Santos Perez, author of the tetralogy from Unincorporated Territory (1. [Hacha], 2. [Saina], 3. [Guma’] et 4. [Lukao]). In this work, Perez attempts to decode a place for the territory of Guam—this almost forgotten island, quasi-erased from maps, whose existence has been troubled a series of colonizations (Spainish, Japanese, American). The cultural disorientation (for the author, a brutal uprooting by the erasure of his ancestral culture and language as well as the destruction of the natural environment on his island) is born out of the radical mutation of this « home » beginning with the name of the place itself : Guam, Guma, Guåhan... Taking as example for this study from Unincorporated Territory [Lukao], the final book in Perez’s tetralogy, the following article explores the elements which connect the real (autobiographical) landscapes of Guam and d’O’ahu in Hawaii to the imaginary landscapes (metaphoric, mythic and poetic) in order to demonstrate how this book, in its resistance to cultural displacement and colonialism for its author creates a kind of displacement (linguistic, cultural) for its readers. Through a process of back and forth (in time and languages), we find ourselves, assemble, reassemble, come back together.
RÉSUMÉ : Cette étude se porte sur Craig Santos Perez, l’auteur de la tétralogie from Unincorporated Territory (1. [Hacha], 2. [Saina], 3. [Guma’] et 4. [Lukao]). Dans cette œuvre, Perez tente de déchiffrer la place pour le territoire de Guam—cette île qui demeure quasi-oubliée, effacée du monde et qui a été colonisé à plusieurs reprises. Le dépaysement (qui représente pour l’auteur un déracinement brutal de par l’effacement de sa culture d’origine et la destruction de la nature) est né de la mutation radicale de ce « chez lui », en commençant par le nom même du lieu : Guam, Guma, Guåhan... En étudiant from Unincorporated Territory [Lukao], le dernier livre de la tétralogie de Perez, l’article suivant explore les différents aspects qui relient les paysages réels (autobiographiques) de Guam et d’O’ahu à Hawaii aux paysages imaginaires (métaphoriques, mythiques et poétiques) pour montrer comment cette œuvre qui lutte contre le dépaysement (linguistique et culturel) pour son auteur, crée un dépaysement pour son lecteur. Par un processus de va et vient, on se retrouve, se rassemble, ensemble
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Cardinal, Jacques. "L’oreille enchantée. Le corps imaginaire de la parole chez Claude Gauvreau". Études 21, nr 3 (29.08.2006): 520–43. http://dx.doi.org/10.7202/201262ar.
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Résumé L'auteur analyse ici la poétique du texte gauvrien à partir d'une théorie psychanalytique du langage et du nom. Il cherche à montrer le lien entre une textualité de la destruction et de la réinvention de la langue et un imaginaire du corps chimérique.
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Furtado Rahde, Maria Beatriz. "Visualités poétiques, symboliques et imaginaires chez Albert Lamorisse". Sociétés 113, nr 3 (2011): 97. http://dx.doi.org/10.3917/soc.113.0097.
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Batt, Noëlle. "Jeux de langage philosophiques. Jeux de langage poétiques. Wittgenstein et Ponge". Revue de métaphysique et de morale N°104, nr 4 (2019): 323. http://dx.doi.org/10.3917/rmm.194.0323.
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Touret, Michèle. "Manipulations poétiques". Études françaises 41, nr 3 (11.01.2006): 109–25. http://dx.doi.org/10.7202/012058ar.
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L’enseignement de la poésie doit-il s’orienter vers la perception de la « réussite » singulière, celle de la spécificité des textes et de leurs procédés propres ? Doit-il se fonder sur l’admiration et l’approbation ? Ou, au contraire, ne peut-il pas passer par la perception des conditions externes d’existence d’un langage qui procède par manipulation des possibles, s’y prêtant lui-même, à l’occasion ? Le présent article essaie de montrer la pertinence de la dernière option, en étudiant La guerre au Luxembourg (1916) de Blaise Cendrars, long poème narratif qui se démarque des discours sur la guerre de 1914, en les déplaçant, en transformant les regards sur l’événement. Les paroles des enfants se mêlent avec celles d’anonymes (combattants ou gens de l’arrière) et s’y fondent, rendant incertaine l’interprétation. On verra, par ailleurs, que les formes les plus répandues alors de la littérature sur la guerre s’y mirent, inversées. Un exemple d’utilisation immédiate et tronquée de ce poème dans un livre à la gloire des combattants donne toute la mesure de l’ironie latente du poème. Enfin, de ces « manipulations », que le texte opère et subit, peut se déduire une lecture poétique qui « peut être comprise non en soi, comme une essence, mais comme un moment de mise à l’épreuve du degré de vérité ou de validité des discours disponibles, comme une manière de contourner un objet de parole, de signaler le poids des conventions […] et que sa valeur tient en effet aussi à la circonstance ».
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French, French. "Le roman postcolonial francophone et la refondation des imaginaires : les voix / voies féminines". Voix Plurielles 17, nr 2 (12.12.2020): 109–25. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2604.
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À l’instar de Kasereka Kavwahirehi, d’Achille Mbembe et d’Alain Mabanckou, les auteurs postcoloniaux soulignent depuis quelques années la nécessité de déconstruire et de dépasser les crises des sociétés africaines postcoloniales. Au niveau de la critique littéraire francophone, cela se traduit par des travaux qui s’intéressent aux moyens symboliques et /ou aux poétiques de la refonte des imaginaires. Toutefois, le rôle des femmes n’est pas encore suffisamment souligné, même si les personnages féminins sont parfois mis en exergue par les critiques. Dans cet article, je voudrais montrer que les voix féminines fortement au renouveau souhaité des sociétés africaines postcoloniales et que, par leurs paroles contestataires, elles donnent un souffle nouveau au projet réformateur desdites sociétés.
Mots-clés : Voix /voies féminines - refondation des imaginaires – crises postcoloniales – auteurs postcoloniaux
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Charest, Nelson. "Traduction et art poétique, de Valéry à Bonnefoy". Tangence, nr 113 (5.06.2017): 87–100. http://dx.doi.org/10.7202/1040009ar.
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Cet article tente de tracer un départage des poétiques du xxe siècle, entre ce que nous proposons d’appeler une ère poïétique et une ère herméneutique. Ces deux poétiques sont particulièrement visibles dans les oeuvres critiques de Paul Valéry, d’une part, et d’Yves Bonnefoy, d’autre part. Leurs traductions respectives, et tout particulièrement les réflexions qu’elles leur permettent d’établir sur leurs créations propres, semblent un lieu privilégié où ils élaborent des poétiques qui se veulent d’emblée comparatives et générales. Ainsi se comprennent mieux, à notre sens, leurs visions respectives de l’oeuvre mallarméenne et de sa philosophie du langage. Alors que Valéry considère la traduction et la création poétique comme un moyen d’accéder aux sources du travail poétique, maintenu constamment dans ses exigences, Bonnefoy les considère plutôt comme une tentative, toujours ouverte et a posteriori, de questionner le poème et de relancer sa précarité, son espérance.
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Jasionowicz, Stanisław. "Crier la crise, nier la crise : solitude et solidarité dans l’expérience poétique de Michel Houellebecq et de Colette Nys-Mazure". Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Romanica 17, nr 1 (12.08.2022): 181–94. http://dx.doi.org/10.18778/1505-9065.17.1.15.
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L’article a pour but de confronter deux variantes de « l’imaginaire de la crise » se manifestant dans les pratiques poétiques de deux écrivains francophones contemporains, Michel Houellebecq et Colette Nys-Mazure. L’examen de quelques traits caractéristiques de leurs univers imaginaires, représentés entre autres par les figures du Père et de la Mère, permet de réfléchir sur les motivations profondes de leurs attitudes artistiques et existentielles. Il s’avérera que les stratégies poétiques qu’ils adoptent face aux problèmes existentiels fondamentaux restent en correspondance plus ou moins directe avec les vertus chrétiennes (la foi, l’espérance et l’amour), même si le point de départ pour Houellebecq (athée ou agnostique) est la « part sombre » de l’existence alors que Nys-Mazure (chrétienne, catholique) choisit sa « part claire », tous deux préfèrent construire que démolir. L’intuition d’une transcendance qui émane de leur soif d’harmonie poursuivie dans le monde chaotique contemporain permet de constater que la poésie, contredisant la crise du sujet et celle de la société, détient les moyens qui permettent de s’opposer – non sans succès – à la fameuse « crise de vers ».
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Parisse, Christophe, Sophie de Pontonx i Aliyah Morgenstern. "L’imparfait dans le langage de l’enfant". Language, Interaction and Acquisition 9, nr 2 (31.12.2018): 183–225. http://dx.doi.org/10.1075/lia.18004.par.
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Résumé Pour faire référence à des événements passés ou futurs, l’enfant doit parler d’objets et de situations qui ne sont ni visibles ni audibles, mais mémorisées, imaginaires, ou désirées. L’imparfait est l’un des temps grammaticaux qui permet d’exprimer cette « déconnexion » avec l’ici et maintenant. Notre étude repose sur un suivi longitudinal de deux enfants en situation d’interactions familiales spontanées qui permet d’analyser l’usage des formes de l’imparfait par rapport au présent et au passé composé, en lien avec la déconnexion, l’aspect lexical des verbes utilisés, les situations d’emplois à la fois chez les enfants et les adultes du corpus. Les résultats de nos analyses montrent que les productions d’imparfait de l’enfant sont tardives mais qu’elles se révèlent fortement liées à la déconnexion et aux verbes d’état. Ceci différencie l’imparfait des autres temps analysés. Son usage serait la marque d’une nouvelle étape dans le développement langagier et cognitif de l’enfant.
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Frighetto, Aurélie. "L’appropriation romantique des clichés de langue : Lamartine, Hugo et la langue des dictionnaires poétiques". Revue de littérature comparée 388, nr 4 (29.01.2024): 440–50. http://dx.doi.org/10.3917/rlc.388.0058.
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Les premières années du XIX e siècle sont marquées par la publication de nombreux dictionnaires poétiques, ouvrages destinés aux versificateurs de tous horizons et se proposant d’offrir, en un volume, l’essentiel du langage poétique. Ces dictionnaires contiennent, outre une classification des rimes, des listes d’épithètes ou de locutions figées qui tendent à circonscrire tel ou tel mot poétique dans des phrases « prêtes à l’emploi » et prêtes, aussi, à devenir autant de clichés. Cet article se propose donc d’étudier le rôle des dictionnaires poétiques dans l’élaboration des clichés romantiques, pour voir comment deux poètes du premier XIX e siècle (Lamartine et Hugo) ont pu tout à la fois utiliser cette langue poétique considérée comme stéréotypée, en faire bouger les lignes et créer, à partir de ce fonds, de nouvelles tournures destinées à devenir elles aussi et bien plus tard, des clichés.
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Chehab, May. "De la Flaque Méditerranéenne à l’Océan du Tout-Monde: Imaginaires et Identités Poétiques Transatlantiques". Cadernos de Literatura Comparada, nr 40 (2019): 119–37. http://dx.doi.org/10.21747/21832242/litcomp40a5.
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Flack, Patrick. "Andrej Belyj lecteur de Potebnja : un jalon néo-kantien de l’approche poétique du langage en Russie". Cahiers du Centre de Linguistique et des Sciences du Langage, nr 46 (9.05.2016): 79–92. http://dx.doi.org/10.26034/la.cdclsl.2016.485.
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Cet article place le compte-rendu du livre d’Aleksandr Potebnja La pensée et le langage [Mysl’ i jazyk] publié par Andrej Belyj en 1910 dans le contexte du développement des approches poétiques originales du langage menées par le poète symboliste et, à sa suite, les formalistes russes. Il s’agit ainsi d’apporter des éléments précis à une hypothèse générale qui postule que l’élaboration d’une nouvelle poétique et d’une «théorie de la littérature» en Russie s’est faite pour une part importante sur la base d’une critique méthodologique du paradigme psychologiste fortement inspirée par l’épistémologie néo-kantienne. Les références explicites à Rickert et àl’école de Bade dans le texte de Belyj – lui-même un jalon essentiel entre le psychologisme de Potebnja et la théorie formaliste – éclairent de façon déterminante leur rôle dans ce processus de critique et de transformation épistémologique.
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CYR, CATHERINE. "MOUVANCES IDENTITAIRES ET INFLEXIONS CORPORELLES DE LA PAROLE DANS YUKONSTYLE DE SARAH BERTHIAUME ET NACRE C DE DOMINICK PARENTEAU-LEBEUF". Dossier 43, nr 1 (5.02.2018): 79–92. http://dx.doi.org/10.7202/1043152ar.
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« Le corps est le bougé de l’âme », écrit le philosophe Jean-Luc Nancy dans ses 58 indices sur le corps et Extension de l’âme. Au théâtre, cette mouvance d’une intériorité qui affleure sur le corps trouve sur la scène, dans le jeu et la présence de l’acteur, sa pleine incarnation. Or, en amont de celle-ci préexiste souvent au corps de chair un corps de papier. En effet, entre les pages du texte dramatique que préoccupe la corporéité y a-t-il souvent un « déjà-là » du corps qui s’énonce. Tissé de mots, ce corps est à la fois tout entier tendu vers la scène et indépendant de toute actualisation scénique (dont il pourra, néanmoins, se révéler un ressort important). Porteur de différents discours — souvent noués à la question de l’identité —, le corps qui se déploie sur la page se donne à lire à travers différentes poétiques d’énonciation qui, peu à peu, en tracent les contours. Cet article analyse les rapports qui se nouent entre ces poétiques énonciatives et les imaginaires du corps rencontrés dans les pièces Yukonstyle, de Sarah Berthiaume, et Nacre C, de Dominick Parenteau-Lebeuf. Il s’agit d’étudier la dynamique établie entre l’imaginaire corporel et l’énonciation, et de voir comment, par le biais de poétiques énonciatives différentes — mécanique dissociative et narrativité mobile chez Sarah Berthiaume, abolition du « Je » énonciatif chez Parenteau-Lebeuf —, chaque pièce propose, à travers la trajectoire de la parole, un parcours extatique, soit une échappée hors de soi, et parfois hors du monde. Cyr observe comment cette parole, dissociée, inassignable ou fractionnée, rend compte d’un corps désinvesti, provisoirement ou définitivement étranger à lui-même.
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Kundert, Smiljan. "L'(in)traduisibilité du langage poétique de Boris Vian". Acta Neophilologica 42, nr 1-2 (30.12.2009): 171–77. http://dx.doi.org/10.4312/an.42.1-2.171-177.
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Dans le cadre de cette étude l'auteur suit comme ligne de conduite l'idée que seule une théorie de réunion du langage et de la littérature peut établir le propre du traduire, son im-manence. Avec la traduction du poeme, "Chanson" de Boris Vian, offerte pour la premiere fois en Slovene, l'auteur tente de voir si, en effet, les ennuis de la traduction peuvent être éclaircis davantage. La constatation que les traductions ainsi que les oeuvres littéraires existent bien au sein de l' "institution" littéraire oblige l'auteur à se poser la question de l'(in)traduisibilité du poeme ˝Chanson˝ de Boris Vian. Apres un bref aperçu historique et théorique sur la traduction cette étude procédant par induction relie les particularités poétiques de ˝Chanson˝, qui se mettent à jour au cours du proccessus de la traduction même, à des question théoriquesfondamentales sur la traduisibuilité. Somme toute lćauteur nous présente la façon propre de penser un discours poétique au cours de sa traduction.
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Turk, Boštjan Marko. "Les apories du surréalisme". Acta Neophilologica 52, nr 1-2 (17.12.2019): 183–98. http://dx.doi.org/10.4312/an.52.1-2.183-198.
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La présente étude se propose de répondre à la question des apories qui concernent la conception surréaliste du langage et de ses outils poétiques. Les surréalistes démettaient du premier rang la disposition d’esprit d’après laquelle ce qui existe possède sa raison d’être et peut – par conséquent – être considéré comme intelligible. Ils postulaient qu’il y avait une sphère au-delà de la réalité dans laquelle la raison n’était pas capable de pénétrer. Or, tous les outils que les surréalistes proposaient afin d’atteindre la surréalité étaient conçus sur les modalités du raisonnement. Ainsi, ils se sont laissés piéger par leur propre piège.
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Lemieux, Raymond. "Le loup dans la bergerie". Thème 10, nr 2 (25.08.2004): 25–53. http://dx.doi.org/10.7202/008882ar.
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Résumé Psychanalyse et théologie s’entretiennent du rapport à l’Autre, posé comme condition de possibilité de parole et de vérité. Deux regards différents que l’auteur tente de cerner à même leur étrangeté réciproque. L’Autre de la psychanalyse comme instance logique, lieu vide et irréductible se trouve de connivence avec l’impossible du réel, c’est-à-dire un réel jamais rencontré autrement que par un rapport de fiction. Si l’Autre révèle le sujet comme assujetti au langage, il est aussi ouverture à sa dimension éthique comme sujet du désir. À son tour, l’Autre de la théologie s’inscrit comme l’irréductible d’un réel qui échappe. L'acte de foi cependant y rencontre le désir pour prendre le risque de figurer cet Autre, de le faire advenir au langage, tout en reconnaissant le caractère aléatoire des consistances imaginaires qu'il peut en produire. Il se met alors à l'écoute de ce qu'il peut en entendre pour y fonder l'éthique de ses productions humaines.
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Arcos-Garcia, Francisco. "On Translating Figurative Language from English into Spanish". Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 42, nr 3 (1.01.1996): 158–65. http://dx.doi.org/10.1075/babel.42.3.04arc.
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Abstract The purpose of the present article is to provide a future translator with an organized procedure to tackle the rendering of poetic figures of speech. It first analyses and arranges the different figures, then it suggests the possibilities for their translation. There are enlightening examples that explain step by step what is being said theoretically. There is a brief summary of how translators affront the task of translating figures of speech and what falls within translation proper and outside it. Finally, it sets up the range and margins for the translation of figurative language and presents the scope for the rendition of poetic diction. Résumé Le but du présent article est d'offrir aux futurs traducteurs une procédure organisée, leur permettant de rendre les figures poétiques de la langue parlée. Dans un premier temps, l'auteur analyse et arrange les différentes figures, et en suite, il présente des possibilités de traduction. Il fournit des exemples révélateurs qui expliquent, étape par étape, ce qui est dit en théorie. Il s'agit d'un résumé de la manière dont les traducteurs abordent la traduction des figures de langage et de ce qui relève spécifiquement ou non de la traduction. Enfin, cette procédure établit le champ et les limites de la traduction du langage figuratif et du langage poétique.
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Tchougounnikov, Sergueï. "Le formalisme russe". Protée 31, nr 2 (9.08.2004): 83–98. http://dx.doi.org/10.7202/008757ar.
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Résumé On examinera ici les « affinités électives » qui relient le modèle organique de l’« absolu littéraire » du romantisme allemand aux concepts linguistiques et poétiques du formalisme russe. Ce modèle, extrêmement important dans le contexte russe, est fondé sur la métaphore de l’organisme vivant qui fait écho aux théories de l’idéalisme allemand. Cette figure épistémologique est définie dans cette tradition organiciste comme un passage de la forme à la structure par le biais fonctionnel des organes. On trouve cet analogon organique au fondement du projet structuraliste (R. Jakobson) issu des écrits du formalisme russe et de la tradition organiciste dans le discours russe sur le langage et la littérature.
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Zimmermann, Marie-Claire. "Figuras y ritmos de la voz poética en "El libro, tras la duna"". Tropelías: Revista de Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, nr 29 (31.01.2018): 121–31. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_tropelias/tropelias.2018292553.
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En este artículo titulado «Figuras y ritmos de la voz poética en El Libro, tras la duna» de Andrés Sánchez Robayna, se analizan el lenguaje del locutor que toma la palabra, las imágenes poéticas del cosmos, la paradoja que es «la nube del no saber» y, por fin, el ritmo y la música del verso. Dans cet article intitulé « Figures et rythmes de la voix poétique dans Le livre, derrière la dune, d’Andrés Sánchez Robayna », sont analysés le langage du locuteur qui prend la parole, les images poétiques du cosmos, le paradoxe qu’est « le nuage du non-savoir » et, enfin, le rythme et la musique du vers.
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Zhao, Wenjing. "Le jeu du « je » : l’écriture poétique dans L’âge d’homme de Michel Leiris". Quêtes littéraires, nr 13 (30.12.2023): 131–42. http://dx.doi.org/10.31743/ql.16865.
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Dans cet article, nous proposons d’examiner, à partir d’une série d’exemples concrets, les traits poétiques de L’âge d’homme de Michel Leiris, en s’interrogeant sur le fonctionnement de la mise en scène du « je » dans son expérimentation autobiographique. En rejetant le modèle classique de l’autobiographie, l’auteur place l’histoire de sa personnalité dans un cadre constitué d’images récurrentes où s’entremêlent des jeux sur le lexique, des liaisons analogiques et des associations apparemment arbitraires. Dans l’intention de se liquider, il repousse les limites du langage conventionnel et exploite une dimension lyrique au sein de son ouvrage narratif, en effectuant, dans le même processus, la constitution de sa genèse.
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Ducroux, Amélie. "Écritures poétiques modernes et dépaysements dans la langue". Textures, nr 24-25 (1.01.2018): 65–86. http://dx.doi.org/10.35562/textures.246.
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Cet article tente d’aborder la question du dépaysement dans la langue opéré par l’écriture. La tension possible entre volonté de dire et nécessité d’inventer un nouvel idiome, entre volonté illusoire de se désassujettir de la langue et impossibilité de se départir de la langue, est analysée à la lumière de certaines pratiques d’écriture à même de révéler cette tension. À partir d’une lecture de La Poésie comme expérience, de Philippe Lacoue-Labarthe, et de son commentaire sur Paul Celan, l’article se propose d’interroger ce que la poésie peut faire subir au langage, lorsqu’émerge une parole poétique singulière qui vient creuser son « abîme ». Les possibilités d’émergence d’une parole poétique singulière sont alors interrogées, plus spécifiquement, à la lumière de certaines écritures modernistes anglo-américaines capables de déplacer le sujet de l’écriture dans sa propre langue et de dépayser le lecteur en le confrontant à cette altérité ou en créant un espace où la discontinuité et la dissonance du « discours » mettent en péril toute forme d’ancrage. Une brève analyse d’un texte de Gertrude Stein extrait de Tender Buttons, tente de mettre en évidence une tension entre attention portée à la grammaire et désir d’un rapport au signifiant en tant que pur matériau. Les modalités, différentes, de l’expérience du dépaysement que peut faire le lecteur de The Waste Land, de T.S. Eliot, sont ensuite abordées en termes d’arrachement à tout « pays », de rupture et d’écart. Cet article n’entend nullement rassembler ces poétiques aussi diverses, ni même les comparer, mais simplement esquisser des pistes de réflexion, à partir de la question du dépaysement dans la langue, en s’intéressant notamment à la référentialité, aux possibilités de réinvention et de subversion de la langue et à leurs effets sur le lecteur, ou à l’hermétisme, problématiques liées à la modernité poétique au sens large.
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Tomasi, Franco. "I diversi volti della lirica italiana del Cinquecento. Appunti su Petrarchismo e rappresentazione del sé". Pétrarquismes européens (XVIe-XVIIe siècles) 50 (2023): 47–64. http://dx.doi.org/10.4000/11z28.
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En s’appuyant sur les études critiques de ces cinquante dernières années sur le pétrarquisme italien, l’article s’attache à démontrer l’importance capitale des expériences poétiques menées durant les trois premières décennies du xvie siècle. Leur ambition de proposer un langage lyrique coercitif, classique par son style, mais capable d’exprimer une subjectivité profonde, apparaît tangible non seulement à travers le nombre croissant de livres d’auteurs autour des années 1530 mais aussi dans les manières de lire et d’interpréter Pétrarque, à partir surtout du commentaire d’Alessandro Vellutello (1528). Cette conjoncture « littéraire » a pour effet, d’une part de transformer la poésie lyrique en code linguistique et stylistique partagé, d’autre part d’offrir les conditions d’une expression plurielle d’expériences singulières.
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Dupas, Solenn. "Entre dire et voir : offrandes poétiques aux “Maîtres” du symbolisme pictural". Revista Texto Poético 15, nr 28 (15.10.2019): 218. http://dx.doi.org/10.25094/rtp.2019n28a631.
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Durant la période symboliste, Puvis de Chavannes, Moreau et Rops inspirent de nombreux vers d’hommage. Ces offrandes à la croisée des arts sont révélatrices des liens que les poètes et les artistes tissent alors. Elles favorisent également le déploiement d’un dialogue fécond entre le texte et l’image, qui enrichit et renouvelle l’écriture de la dédicace. Par-delà la diversité des formes et des manières, les dons de poèmes entre le dire et le voir reflètent un questionnement sur la création poétique et sur les pouvoirs suggestifs du langage.----------------------------------------------------------------------------ENTRE DIZER E VER: POEMAS DEDICADOS AOS “MESTRES” DO SIMBOLISMO PICTÓRICODurante o período simbolista, Puvis de Chavannes, Moreau e Rops inspiram inúmeros versos de homenagem. Permeando artes distintas, esses poemas que os autores lhes dedicam são reveladores dos elos que os poetas e artistas estabelecem entre si naquele momento. Essas dedicatórias favorecem também o estabelecimento de um diálogo fecundo entre o texto e a imagem, que enriquece e renova a escrita encomiástica. Para além da diversidade de formas e maneiras, esses poemas dedicados a artistas plásticos se firmam entre o dizer e o ver, refletindo um questionamento sobre a criação poética e sobre o poder sugestivo da linguagem.
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Dubosson, Anne-Sophie. "Black-Label et une flèche pour un pays à l’encan : marronnages et écopoésies chez Léon Gontran Damas et Elie Stephenson". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 3, nr 3 (15.12.2023): 138–49. http://dx.doi.org/10.29173/af29479.
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Faire « marronner » des textes poétiques pour y relever les différents tissages et lignes de fuite qu’offrent ces mêmes œuvres : Voici ce que tente d’explorer cet article à travers deux auteurs guyanais, Leon-Gontran Damas et Ellie Stephenson. D’un côté, Black Label de Damas, où se déploie cet « imaginaire de l’enchevêtrement » proposé par Sandrine Bédouret-Larraburu et David Bérouret et de l’autre, Ellie Stephenson, dans son œuvre poétique Une flèche pour le pays à l’encan. Faire dialoguer ces œuvres entre elles participe du désir de forger des géographies intentionnelles de marronnage, d’inscrire celles-ci dans cette « dynamique de lyannaj » que nous propose Dénètem Touam Bona à travers cette question, formulée par Gramsci : « Que faire, comment riposter, comment créer des alliances face à la fragmentation de forces subalternes qu’opère toute hégémonie ? ». Il nous faudra ainsi concevoir cette réflexion autour du territoire mouvant et contestataire de ces œuvres marron, selon les frontières imaginaires toujours renouvelées de l’exil et de la quête de soi.
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Sylvos, Françoise. "Poésie et utopie en France, au XIXe siècle". Quêtes littéraires, nr 11 (30.12.2021): 60–75. http://dx.doi.org/10.31743/ql.13310.
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Cet article oppose les textes de propagande positive et ouvrière en vers français du XIXe siècle (Du Camp) à la prose lyrique et visionnaire des saint-simoniens (Duveyrier). À partir du jugement de Baudelaire sur l’incompatibilité entre poésie et didactisme, on s’interroge sur le statut et l’artialité de la poésie sociale. Du côté de la poésie ouvrière (Cent et une petites misères, Œuvre sociale), on découvre la verdeur de la langue populaire, la vis comica et la fantaisie tandis que la fable socialiste (Lachambeaudie) est remarquable par la compassion. Sous la plume des prophètes du progrès (Enfantin), les disciplines – religion, architecture, poésie, mathématiques – loin d’être cloisonnées, sont objets analogues et langages convertibles. Le poème, l’image et la cité idéale elle-même changent leurs caractéristiques et se correspondent. L’innovation sociale ne peut se dire qu’à travers la forme novatrice du poème en prose urbain et la Révolution industrielle appelle une révolution des formes poétiques. La poéticité de ces textes, inversement proportionnelle au réalisme et à la spécialisation du lexique employé, tient à un art de la suggestion et à l’essor d’un imaginaire renouvelé par la modernité technique, citadine et scientifique.
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St-Amand, Isabelle. "La crise d’Oka dans les récits de Myra Cree et d’Yves Boisvert". Recherches amérindiennes au Québec 39, nr 1-2 (3.12.2010): 147–55. http://dx.doi.org/10.7202/045007ar.
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Cet article s’intéresse aux représentations de la crise d’Oka dans les récits de l’auteure mohawk Myra Cree et du poète québécois Yves Boisvert, tout particulièrement à la délimitation des perspectives auxquelles donne lieu le conflit. Il montre que si les écrits de Cree circonscrivent une perspective politique définie et communiquent une prise de position sans équivoque, les poèmes de Boisvert tiennent quant à eux davantage d’une déstabilisation du langage et du sens, tout en étant caractérisés par une certaine esthétisation de la révolte contre l’ordre établi. La symbolisation de la crise d’Oka dans les récits littéraires permet de mieux appréhender la façon dont l’événement – dont on commémore le vingtième anniversaire cette année – a marqué les imaginaires québécois et autochtones.
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Brunetière, Valérie. "Des normes imaginaires linguistiques à l’œuvre dans les reformulations du langage des enseignant.e.s de yoga". Cahiers de praxématique, nr 52 (1.01.2009): 173–202. http://dx.doi.org/10.4000/praxematique.1371.
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McKinley, Maxime. "Faisceaux imaginaires et cool medias : This Will Not Be Televised de Nicole Lizée". Circuit 23, nr 2 (25.09.2013): 49–77. http://dx.doi.org/10.7202/1018450ar.
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L’imaginaire de la compositrice Nicole Lizée transforme en les rapprochant des éléments hétéroclites provenant principalement du cinéma, de la philosophie, des arts visuels, ainsi que de médias et de musiques populaires, avec un goût marqué pour les années 1960 à 1980 et l’effet fantomatique de ces emprunts. Cet article illustre ce processus de création à partir d’une des oeuvres marquantes de Lizée : This Will Not Be Televised (2005-2007), pour DJ et sept instruments. L’analyse s’attache à illustrer comment les faisceaux imaginaires de la compositrice se réifient au sein d’un même langage musical, basé ici sur une partie de DJ précisément notée et prolongée par l’ensemble instrumental, et qui fait appel à des stratégies de traitements d’objets culturels, de déploiements répétitifs, de montages par juxtapositions et superpositions, et à une forme continue où les rappels assurent la cohésion. Par cette approche, la compositrice s’intéresse aux liens tissés par la mémoire et la subjectivité de l’auditeur, au « blanc à remplir » caractéristique des cool medias de McLuhan.
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Ramaut-Chevassus, Béatrice. "« L’évolution historique » et ses marges : éléments pour une lecture critique de Cinquante ans de modernité musicale de Deliège". Circuit 16, nr 1 (1.02.2010): 65–72. http://dx.doi.org/10.7202/902384ar.
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Célestin Deliège, en témoin de son temps, livre un monument, une source première, une histoire des grammaires où se croisent aussi esthétique et politique. Le concept central d’évolution historique se rapporte à la « recherche musicale », à la « recherche sur le code », aux « efforts de recherche de langage ». Écrire l’histoire revient alors à établir un « recensement de théories intentionnelles, prescriptives, et de poétiques nouvelles ». Les marges quant à elles évoquent la glose musicologique mais surtout les nombreux compositeurs placés en marge de cette évolution historique, de ce trajet fléché, de Darmstadt à l’Ircam. Cette dichotomie reflète donc celle que C. Deliège pose lui-même. L’article essaie de montrer qu’il existe une diversité plus grande de forces en présence dans la modernité musicale de la seconde moitié du siècle dernier.
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Bombard, Françoise. "Jeux et enjeux dans Le Cocu magnifique de Crommelynck". Quêtes littéraires, nr 13 (30.12.2023): 107–19. http://dx.doi.org/10.31743/ql.16863.
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Le personnage principal, Bruno, sans raison ni indice, se pense cocu au point de vouloir l’être vraiment pour échapper au doute. Son égarement produit des paroles et des actes qui mettent en jeu sa raison et sa relation aux autres. Mais dans Le Cocu magnifique, le statut du jeu est plurivoque. S’il est attesté dans la diégèse, il a aussi partie liée avec la dramaturgie. Nous verrons comment Crommelynck se joue de la mimèsis, en ce qui concerne la notion même de personnage, par les jeux de doubles et de masques. Par ailleurs, sur le plan esthétique, les jeux sur le langage rencontrent les recherches de la poésie moderne ; les jeux intertextuels avec les références poétiques et théâtrales les subvertissent par le pastiche et le dramaturge, jouant des registres, bouscule les catégories esthétiques.
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ATOUGA, Jean Pierre. "Traduction et créativité langagière dans la littérature orale eton". Linguistique du développement, Volume 1, Numéro 6 (22.12.2022): 237–48. http://dx.doi.org/10.17184/eac.2571.
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La constitution de la littérature orale africaine en domaine d’étude à part entière a bénéficié de l’apport de la linguistique et de la traductologie. Si la science du langage a rendu possible la transcription et l’analyse totale des textes oraux, la science de la traduction, elle, a contribué au transfert du sens d’une langue à l’autre. Dans cette opération, le traducteur reste confronté aux défis de la restitution des éléments culturels et des non-dits. Aussi l’exercice soulève-t-il la question de l’apport de la traduction dans le champ d’études de la littérature orale. Comment le traducteur déblaye-t-il les arcanes et dénoue-t-il l’enchevêtrement des poétiques orales africaines ? L’analyse des stratégies déployées par ce médiateur linguistique amène à observer que la réussite de cette entreprise passe par une créativité langagière. Ici, la pertinence de la Skoposthéorie et de la théorie interprétative est mise en évidence.
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Marull, Mélodie. "Pratiques sexuelles et corps imaginaires dans l’œuvre de Pierre Molinier : l’auto-érotisme comme re présentation de soi". Voix Plurielles 15, nr 2 (9.12.2018): 96–108. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v15i2.2077.
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La vie comme l’œuvre de Pierre Molinier sont liées dans la quête constante d’un état de plénitude assimilé à l’androgynie et à une sexualité libérée de toute contrainte. L’artiste opère incessamment une déconstruction et une reconstruction de son propre corps. Niant réalité anatomique et catégories de genre sexuel, il imagine des créatures désirantes qu’il incarne et raconte. Sa vie et son œuvre s’entremêlent dans une constante recherche de volupté et dans la satisfaction de ses désirs fétichistes, tournés vers les jambes et le travestissement.
En rejetant un système binaire et normatif, tant dans son existence et ses pratiques sexuelles que dans leur mode de représentation, Molinier construit un langage de l’intime et du corps, alliant mascarade et subversion, et érige la fluidité en tant que principe élémentaire. Les images et les discours qu’il produit apparaissent aujourd’hui comme précurseurs d’une conception queer de l’identité, des corps et des sexualités.
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Viart, Dominique. "Les « fictions critiques » de Pascal Quignard". Études françaises 40, nr 2 (25.08.2004): 25–37. http://dx.doi.org/10.7202/008807ar.
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Résumé Les récits de Pascal Quignard font dialogue du critique et du fictif. Ce trait de l’écriture contemporaine ne relève pas simplement d’une investigation des limites génériques de l’écriture mais d’une articulation inédite de l’invention fictive et de la pensée critique qui n’est plus un rapport d’illustration ou de servitude mais de confrontation et de collaboration. Au delà de l’hybridité formelle, l’enjeu est de nature critique, au sens fort du terme, et mêle les considérations littéraires, rhétoriques, biographiques, socio-historiques, anthropologiques, psychanalytiques… Pascal Quignard, très réservé envers les catégorisations de la pensée, se livre ainsi à une archéologie de la prérationalité et active un paradigme archaïque aux confins de la prédation, de la sexualité et du sacré. La rêverie d’un « premier récit prémigratoire » nourrit ses fictions autant que ses méditations, désormais indissociables les unes des autres. Elle s’oppose aux « grands méta-récits » en construisant face à leur téléologie, une archéo-logie ou plus exactement une archéo-pathie. Le langage s’offre à l’écrivain comme l’instrument de cette recherche et le lieu sur lequel elle s’exerce. Quignard retrouve dans le mot le vestige de la chose plus que sa signification. L’explication du mot lui permet de reconstituer son environnement archaïque et produit ainsi un retour au sens ancien, concret, « rude ». Elle accomplit ainsi une désymbolisation du langage. De tels déplacements favorisent les récits : ils sont en puissance de fiction, de représentations imaginaires. Le discours se résorbe alors dans une « raison » fabulante dont la présente contribution étudie les caractéristiques.
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Leclerc, Catherine. "Bilinguisme officiel et traduction au Canada : les interprétations littéraires de Patrice Desbiens et de Jacques Brault / E. D. Blodgett". Meta 59, nr 3 (11.02.2015): 494–516. http://dx.doi.org/10.7202/1028654ar.
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Transfiguration de Jacques Brault et E. D. Blodgett (1998), et L’homme invisible/The Invisible Man (1981) de Patrice Desbiens se situent à la croisée des langues officielles canadiennes. L’un est un échange entre un poète québécois et un poète albertain ; l’autre, le récit de l’expérience entre les langues d’un protagoniste franco-ontarien. Ces textes poétiques empruntent – mais pour les détourner – les codes de l’édition bilingue. Ils ont tous deux été lus comme des parodies du bilinguisme symétrique promu par la Loi sur les langues officielles du Canada. Le présent article veut rendre compte de leur relation, à la fois idéologique et formelle, avec le bilinguisme officiel et avec les pratiques traductionnelles qui lui sont associées. Il s’intéresse autant au cadre commun que le bilinguisme officiel leur procure qu’aux manières, divergentes, dont il s’en démarque. En ce sens, il propose un comparatisme portant non seulement sur les imaginaires respectifs de l’anglais et du français au Canada et sur leurs zones de contact, mais surtout sur les enjeux des différents types de rapports à la traduction émanant de telles zones. D’une tension entre deux espaces sociolinguistiques à la fois séparés et en interaction, il invite à déplacer le regard vers l’hétérogénéité de leurs lieux de rencontre les plus intenses.
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Chénieux-Gendron, Jacqueline. "Les risques du dialogue: Jacques Rivière et les Surréalistes". Revue d'histoire littéraire de la France o 87, nr 5 (1.05.1987): 884–900. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1987.87n5.0884.
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Résumé On propose ici de relire les textes par lesquels se formulent successivement la grande connivence qui surgit entre Jacques Rivière d'une part, et Aragon, et surtout Breton, de l'autre, entre le printemps 1920 et le mois d'avril 1923, puis la rupture brutale entre eux ; on s'interroge sur le fait que succède à ce dialogue manqué un échange épistolaire entre le même Rivière et Antonin Artaud. On suggère qu'une philosophie commune du sujet (ontologique) rapproche quoi qu'ils en aient Antonin Artaud et Jacques Rivière, et que la conception même du sujet et du langage, dans le mouvement dada, permet à Rivière, imprégné de philosophie thomiste, de comprendre avec une intuition extrêmement juste les intentions de cemouvement. Le surréalisme en revanche s'est différencié de Dada en grande partie grâce aux analyses mêmes de Rivière : la philosophie implicite du sujet qui s'y exprime se veut pratique, non ontologique ; un nominalisme absolu semble gouverner la conception qu'on s'y fait du langage. La rupture d'avril 1923 n'est donc si brutale que parce qu'elle n'est pas accidentelle. On peut aujourd'hui la lire mieux grâce à la connaissance des correspondances privées (Breton/Rivière; Aragon/Barrès). Tout cela conduit à réfléchir sur la notion de provocation et sur son rôle dans l'expression de l'avant-garde. Le surréalisme, qui n'est pas une avant-garde comme une autre, exige en tous cas pour subsister de construire un groupe clos, au sein duquel s'exacerbent les sensibilités poétiques et une mentalité qui a quelque chose à voir avec la magie. La rupture avec Rivière représenterait donc, finalement, le meurtre rituel d'un ami qui, aux limites extérieures du groupe, menace sa clôture.
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Fumaroli, Marc. "Entre Athènes et Cnossos: les dieux païens dans Phèdre". Revue d'histoire littéraire de la France o 93, nr 2 (1.02.1993): 172–90. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1993.93n2.0172.
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Résumé Un des lieux classiques de la critique relative à Phèdre (la tragédie de Racine qui met en scène le plus amplement le panthéon païen) est l'étude des rapports que peut avoir cette poésie du paganisme avec le christianisme du poète et de son temps. Cet article reprend la question à la lumière de la Querelle contemporaine du « merveilleux païen » et notamment des thèses de Boileau ( Art poétique et Traité du sublime , 1674). L'analyse sémantique des dieux païens dans Phèdre se porte tour à tour sur Vénus, propriété quasi-exclusive de Phèdre elle-même ; sur le Soleil, ancêtre mythique dont elle s'enorgueillit, et qu'elle veut confondre avec Apollon, dieu de la Lumière ; sur Diane, devenue chez Racine le personnage d'Aricie ; sur Neptune, maître d'équitation d'Hippolyte, et âme damnée de Thésée. S'adressant à des spectateurs pour qui ces dieux sont des universaux de l'imaginaire, mais non des objets de croyance, Racine les fait apparaître dans le langage de personnages qui, eux, y croient. Il leur donne non seulement la fonction poétique (sonore et plastique) prévue par Boileau, mais une fonction morale, dans l'économie passionnelle et pseudo-religieuse des deux époux tragiques, Phèdre et Thésée. La violence des passions qui possède ce couple est exaltée et obscurcie par les miroirs d'une religion imaginaire où elle se projette, se condense, et devient meurtrière. Indemne de cet impur mélange, le couple Hippolyte et Aricie fait d'autant mieux comprendre son illusoire et féroce vanité. Mais les dieux ont encore dans Phèdre une fonction symbolique. Ils résument l'enjeu esthétique et métaphysique de la tragédie : Vénus et Neptune, avec Phèdre et Thésée, sont du côté de la Crète, de son Labyrinthe, de son Minotaure. Apollon, Diane et Minerve avec Hippolyte et Aricie sont du côté de l'Attique et de ses héros vainqueurs de monstres. Le vrai drame n'est pas la tragédie politique cornélienne qui s'esquisse un instant entre Phèdre et Hippolyte pour la royauté athénienne, mais le conflit entre les ténèbres de l'âme païenne, travaillée par de fausses lumières, et la vraie Lumière, interdite à Phèdre jusqu'à l'instant de sa mort, mais qui se reflète indirectement dans la noble humanité d'Hippolyte et d'Aricie, et dans le martyre du jeune héros.
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Fumaroli, Marc. "Entre Athènes et Cnossos: les dieux païens dans Phèdre". Revue d'histoire littéraire de la France o 93, nr 1 (1.01.1993): 30–61. http://dx.doi.org/10.3917/rhlf.g1993.93n1.0030.
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Résumé Un des lieux classiques de la critique relative à Phèdre (la tragédie de Racine qui met en scène le plus amplement le panthéon païen) est l'étude des rapports que peut avoir cette poésie du paganisme avec le christianisme du poète et de son temps. Cet article reprend la question à la lumière de la Querelle contemporaine du « merveilleux païen » et notamment des thèses de Boileau ( Art poétique et Traité du sublime , 1674). L'analyse sémantique des dieux païens dans Phèdre se porte tour à tour sur Vénus, propriété quasi-exclusive de Phèdre elle-même ; sur le Soleil, ancêtre mythique dont elle s'enorgueillit, et qu'elle veut confondre avec Apollon, dieu de la Lumière ; sur Diane, devenue chez Racine le personnage d'Aricie ; sur Neptune, maître d'équitation d'Hippolyte, et âme damnée de Thésée. S'adressant à des spectateurs pour qui ces dieux sont des universaux de l'imaginaire, mais non des objets de croyance, Racine les fait apparaître dans le langage de personnages qui, eux, y croient. Il leur donne non seulement la fonction poétique (sonore et plastique) prévue par Boileau, mais une fonction morale, dans l'économie passionnelle et pseudo-religieuse des deux époux tragiques, Phèdre et Thésée. La violence des passions qui possède ce couple est exaltée et obscurcie par les miroirs d'une religion imaginaire où elle se projette, se condense, et devient meurtrière. Indemne de cet impur mélange, le couple Hippolyte et Aricie fait d'autant mieux comprendre son illusoire et féroce vanité. Mais les dieux ont encore dans Phèdre une fonction symbolique. Ils résument l'enjeu esthétique et métaphysique de la tragédie : Vénus et Neptune, avec Phèdre et Thésée, sont du côté de la Crète, de son Labyrinthe, de son Minotaure. Apollon, Diane et Minerve avec Hippolyte et Aricie sont du côté de l'Attique et de ses héros vainqueurs de monstres. Le vrai drame n'est pas la tragédie politique cornélienne qui s'esquisse un instant entre Phèdre et Hippolyte pour la royauté athénienne, mais le conflit entre les ténèbres de l'âme païenne, travaillée par de fausses lumières, et la vraie Lumière, interdite à Phèdre jusqu'à l'instant de sa mort, mais qui se reflète indirectement dans la noble humanité d'Hippolyte et d'Aricie, et dans le martyre du jeune héros.
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Mamaev, Alexandre. "Через Рембо к Хлебникову". Modernités Russes 8, nr 1 (2009): 179–96. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2009.1463.
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Les destins poétiques d’Arthur Rimbaud et de Velimir Xlebnikov se ressemblent d’une manière frappante. Relevons quelques-unes de ces coïncidences : 1 . Ils surgissent tous les deux au moment de profonds changements sociaux qui ont provoqué des mutations radicales dans les sciences et dans l’art. Tous les deux mènent la vie de poètes-vagabonds toujours en quête d’événements “chauds”. 2. Tous les deux sont des inventeurs de nouvelles formes poétiques. Rimbaud procède par modification de la rythmique de l’alexandrin classique et donne les premiers échantillons en France de vers libres (“Mouvement”, “Marine”). Xlebnikov introduit un rythme libre et “dansant” et élabore la théorie systématique du vers libre. 3. Dans sa révolte linguistique Rimbaud complique le langage, notamment en puisant dans l’argot et en utilisant des néologismes et le patois ardennois. De nombreux travaux ont été consacrés aux néologismes de Xlebnikov (V. Grigor’ev, R. Vroon, N. Percova). Il a inventé approximativement 16 000 néologismes. 4. Un des premiers parmi les poètes, Rimbaud a deviné le volume dans la lettre, il a inventé “les couleurs des voyelles”, il a établi “la forme et le mouvement de chaque consonne”. Tout cela a été repris et développé par Xlebnikov : “La parole disparaît ; il ne reste plus que des mouvements dans l’espace vide ...”, “l’espace parle à travers l’alphabet”. 5. Dans ses derniers poèmes Rimbaud introduit le procédé de la sémantique libre (“Les mots en liberté”), en refusant la syntaxe et en éliminant tout lien logique entre les mots. Ajoutons que chez Xlebnikov les mots se transforment petit à petit en “nombres en liberté”. 6. La langue universelle, recherchée par Rimbaud, a des analogies évidentes avec la “langue stellaire” de Xlebnikov. 7. Le génie novateur de Rimbaud n’a pas trouvé de successeurs au XIXe siècle. Xlebnikov lui aussi est resté un “histrion solitaire”. Rimbaud a tracé la voie à toute la poésie européenne du XXe siècle. Tynjanov dit fort justement que Xlebnikov fut “le ferment” de la poésie contemporaine.
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Gounougo, Aboubakar. "Esthétique de la vitesse pour lire la poésie de Tchicaya U Tam’si". Traduction et Langues 20, nr 1 (31.08.2021): 209–23. http://dx.doi.org/10.52919/translang.v20i1.304.
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La vitesse du langage est un paramètre d’esthétisation poétique essentiel au même titre que toutes les autres ressources langagières sur lesquelles peuvent s’appuyer les analystes pour interroger la poéticité ou la littérarité des textes littéraires. Et pourtant, elle est très peu considérée voire négligée par les lecteurs, du fait de sa complexité mais également du fait de sa très grande relativité. Étudier le phénomène de la vitesse du discours, c’est chercher à comprendre le rapport interne d’un locuteur à son discours, c’est-à- dire sa manière personnelle de dire qui, elle-même est contrainte par le choix du temps du dire ou de la durée nécessaire à l’efficacité énonciative. À toute vitesse de création discursive, lente ou rapide, correspond corrélativement tout un projet esthétique qu’une certaine réception doit décoder au moyen de divers marqueurs internes, décodage soumis à une durée, longue ou brève, pour atteindre à la signifiance. Ainsi, pour appréhender ces marqueurs de la vitesse, la poétique, en tant qu’elle embrasse tous les paramètres d’esthétisation qui transforment le message verbal en œuvre d’art, reste, de ce point de vue, l’approche idéale pour analyser et interpréter les corpus littéraires, mieux, les corpus poétiques qui, eux, possèdent une énonciation plus resserrée.
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Papasogli, Benedetta. "Delphine Reguig-Naya, Le Corps des idées. Pensées et poétiques du langage dans l’augustinisme de Port-Royal. Arnauld, Nicole, Pascal, Mme de La Fayette, Racine". Studi Francesi, nr 153 (LI | III) (1.12.2007): 651. http://dx.doi.org/10.4000/studifrancesi.9518.
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Martins, Karla Patricia Holanda, Maria Celina Peixoto Lima i Teresa Pinheiro. "Le sertâo comme paysage-miroir de la mélancolie". psychologie clinique, nr 54 (2022): 107–15. http://dx.doi.org/10.1051/psyc/202254107.
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Le présent article délimitera les interfaces entre la psychanalyse, l’histoire et la littérature, provoquées par l’idée que le paysage du sertâo brésilien, décrit par les récits historiques et littéraires du Brésil au milieu de la deuxième décennie du XIXe siècle et du début du XXe siècle, formalise une sorte de visage-paysage analogue à celui que nous trouvons dans les descriptions faites par les sujets mélancoliques de leurs environnements affectifs présents dans leurs relations inaugurales de vie. Il vise également, à travers une recherche théorique et bibliographique, à démontrer l’actualité des propositions freudiennes de 1915/1917, présentées notamment dans le texte « Deuil et Mélancolie », comme aussi ses conséquences pour une théorie de la culture. Nous comprenons que la mélancolie peut être comprise comme une figure qui met en jeu les luttes pour délimiter des espaces imaginaires de frontières Moi-Autre dans une tentative belliqueuse de dénoncer les impostures identitaires, dans la croyance en une vérité à assurer dans le langage. Nous signalerons, à la fin de l’article, les conséquences pour le travail analytique de la position stratégique prise dans la mélancolie, à partir du visage-sertâo. Avec la fonction de délimiter les frontières du Moi-Autre, le travail analytique semble suivre, sous la forme de ce qui avait été indiqué par Freud en 1913, comme une description de paysages, avec une sincérité aiguë, configurant une sorte de texte imagé, caractérisé par la formalisation minutieusement descriptive d’un scénario, à la recherche du mot exact qui annulerait sa valeur polysémique.
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PINSON, GUILLAUME. "LE QUÉBEC DANS LE SYSTÈME FRANCOPHONE DE L’INFORMATION AU XIXe SIÈCLE". Dossier 42, nr 3 (21.09.2017): 13–24. http://dx.doi.org/10.7202/1041044ar.
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À Québec et en Louisiane, dans le dernier tiers du xviiie siècle, sont fondés les premiers journaux de langue française d’Amérique du Nord, tandis que le lancement du Journal de Paris en 1777 fait entrer la France dans le temps de la quotidienneté médiatique. Progressivement se constituent, de Paris à Bruxelles et à Genève, de Montréal à la Nouvelle-Orléans en passant par New York, de grands axes de circulation de journalistes, de corpus et d’imaginaires, à la source du premier mouvement de mondialisation médiatique dans sa dimension francophone, qui culmine au milieu du xixe siècle. Ce que nous appellerons la « francosphère médiatique » a ainsi reposé sur des traits culturels et littéraires (par la conscience d’user d’une langue commune prestigieuse — le français — avec ses oeuvres, ses auteurs et ses imaginaires collectifs), historiques (par la dynamique d’une « destinée » commune qui unit les deux façades atlantiques) et technologiques (par le développement des réseaux télégraphiques continentaux, du chemin de fer, des lignes maritimes et, en 1866, du premier câble transatlantique). Cet article posera ainsi l’hypothèse qu’il a existé, au milieu du xixe siècle et au coeur de ce système interconnecté, une littérature-journal de la francophonie qui s’est manifestée poétiquement sous la forme de certains genres journalistiques. Le genre de la chronique en a constitué le pivot central (nous en proposerons la synthèse avec ses grands praticiens, en France, en Belgique et au Québec), mais notre réflexion s’ouvrira également au reportage, qui émerge dans le dernier tiers du siècle de part et d’autre de l’Atlantique, et qui traduit les grandes mutations qui affectent le journalisme avec les nouveaux protocoles de l’écriture de l’information. Notre article se terminera sur les grands éléments poétiques du reportage au Canada français, domaine encore peu fouillé par la recherche, et qui a pourtant vu des journalistes — Lorenzo Prince, Auguste Marion, Jules Fournier ou encore Gilbert Larue — connaître de grands succès populaires.
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James-Raoul, Danièle. "L’ annominatio en question dans quelques textes arthuriens en vers (xiie -xiiie siècles): généralités et applications à l’étude des rimes". Journal of the International Arthurian Society 12, nr 1 (29.08.2024): 87–109. http://dx.doi.org/10.1515/jias-2024-0004.
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Résumé L’annominatio est une figure de rhétorique qui met en jeu la forme sonore, voire graphique, d’un mot en lien avec un ou d’autres mots selon de multiples modalités: elle est fondamentalement une figure de diction mais, dans la mesure où la répétition en est un élément constitutif essentiel, elle tient aussi d’une figure de construction. À l’époque médiévale, l’annominatio conditionne l’esthétique littéraire en général, l’écriture des vers en particulier, leur récitation ou leur lecture; elle n’est évidemment pas spécifique de la littérature arthurienne, mais la coloration et le dynamisme qu’elle apporte à ces textes permet d’entrer dans le style de leurs auteurs, de particulariser leur plume, voire, sur certains points, de l’identifier. Elle fait entendre le caractère très sonore de la langue française de cette époque. Comme toute figure de style, elle a un rôle argumentatif (elle insiste, souligne, établit des liens implicites et symboliques entre ce qui, a priori, semble ne pas en avoir, elle aide à la mémorisation) et un rôle ornemental (elle est plaisante, elle induit la variation ou la surprise, conduit le rythme, elle creuse des sillons sonores, graphiques et sémantiques dans la platitude du texte). Dans la succession de mètres courts comme les octosyllabes à rimes suivies, elle possède une importance particulière, parce qu’elle investit par prédilection la rime, en exemplifie les possibles réalisations et c’est sur ce sujet que je concentrerai mon attention dans la seconde partie de cette étude. S’intéresser à l’annominatio aux xii e et xiii e siècles dans quelques textes jalonnant la littérature arthurienne, c’est attirer l’attention sur l’histoire littéraire, l’esthétique et les considérations grammairiennes sur le langage telles qu’on peut les trouver dans les arts poétiques, autant que sur l’art de la versification dans nos romans, trop souvent laissé pour compte.
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Chavoz, Ninon. "LÜSEBRINK (Hans-Jürgen), MADRY (Henning), PRÖLL (Julia), dir., Médecins-écrivains français et francophones : imaginaires, poétiques, perspectives interculturelles et transdisciplinaires. Würzburg : Königshausen & Neumann, 2018, 386 p. – ISBN 978-3-8260-6250-6". Études littéraires africaines, nr 47 (2019): 229. http://dx.doi.org/10.7202/1064784ar.
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Doudet, Estelle. "Florence BOUCHET, Le discours sur la lecture en France aux XIVe et XVe siècles : pra- tiques, poétique, imaginaire , Paris, Champion, 2008 ; 1 vol., 392 p. ( Bibliothèque du XVe siècle , 74). ISBN : 978-2-7453-1725-4. Prix : € 70,00." Le Moyen Age Tome CXIV, nr 3 (23.02.2009): XLIX. http://dx.doi.org/10.3917/rma.143.0647zw.
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Montalbetti, Mario. "On intervals". Les Pages du laa 12, nr 34 (24.08.2023): 1–19. http://dx.doi.org/10.14428/lpl.v12i34.75893.
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Le 15 avril 2019, la cathédrale Notre Dame de Paris prend feu ! L’incendie provoque, on le sait, un énorme émoi proportionnel à la charge des mémoires qui habitent l’édifice : le christianisme, les maîtres bâtisseurs du gothique, la Nation hypostasiée, la littérature et d’autres. Le président Macron et les très grandes fortunes de France tentent de transformer la catastrophe en effet d’aubaine et d’y capter quelques fragments de la hauteur morale qui leur manque.
Le 26 avril, 11 jours plus tard, Alain Badiou donne une conférence à l’Université de Louvain. Il revient sur l’incendie et analyse patiemment les multiples échos et effets de ce qu’il nomme un « accident architectural ». Il conclut sa conférence en énonçant abruptement, au titre de définition : “L’Architecture devrait être … comme une espèce d’intervalle violent entre le Réel et le Symbolique.” Le 20 février 2020, 10 mois plus tard, Mario Montalbetti donne une conférence à l’Université de Louvain qui s’arrime à la déclaration d’Alain Badiou qu’il commente à partir de ses propres positions, celle de poète et celle de linguiste.
Mario Montalbetti est linguiste, poète et essayiste. Docteur en linguistique (MIT, avec Noam Chomsky), il est professeur principal au Departamento de Humanidades de la Pontificia Universidad Catolica del Peru (PUCP). Il est membre fondateur de la revue Hueso Humero. Ses œuvres poétiques ont été réunies dans Lejos de mi decirles (Aldus, 2013). Il a publié également lacan arquitectura, avec Jean Stillemans (PUCP, 2009), Cualquier hombre es une isla (Fondo de Cultura Economica, 2014), El mas crudo invierno (Fondo de Cultura Economica, 2016), Cajas (Colecion Decir Arquitectura, PUCP, 2017), Epiciclos, avec Marc Belderbos ( Colecion Decir Arquitectura, PUCP, 2018), Notas para un seminario sobre Foucault (Fondo de Cultura Economica, 2018), El pensiamento del poema(Marginalia Editores, 2019). Les pages du laa ont publié en 2009 « Ce que Lacan n’a pas dit (sur l’architecture) est aussi organisé comme ce qu’il a dit (sur le langage) ».
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Melay, Alexandre. "[TIMESCAPES]". HYBRIDA, nr 5(12/2022) (27.12.2022): 176. http://dx.doi.org/10.7203/hybrida.5(12/2022).25383.
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Les photographies de la série [TIMESCAPES] portent un regard engagé vers la soif de domination que l’être humain produit sur son environnement, et qui ne cesse de définir ce début de XXIe siècle. Ces questionnements demeurent propres à l’extrême contemporain, avec l’impossibilité du paysage et la crise de l’urbanité, l’émergence de non-lieux et la tentative pour inventer des lieux où vivre, face à l’implacable déconstruction structuraliste du sujet. Le capitalisme, né de l’ère Anthropocène, ce « Siècle de l’Homme » initié avec la Révolution industrielle, a investi notre langage visuel dans lequel tout un imaginaire urbain s’est structuré, construit, architecturé, et où s’institue un système ayant recours à la réalité et à la fiction, entre réalité sociale et imaginaire poétique, entre documentaire et fiction. Un système dont les espaces-mondes créent des formes particulières, des formes esthétiques qui deviennent les cadres privilégiés de fictions représentatives de l’espace contemporain. En d’autres termes, cet extrême urbain contemporain né du Capitalocène se traduit par une urbanisation galopante de la planète, où les villes-mondes finissent par définir à elles seules de nouvelles formes de l’urbain. Tous ces non-lieux photographiques désignent des espaces-mondes, ce sont des images de territoires qualifiés d’intermédiaires ou d’intercalaires. À la fois constructions ou déstructurations démultipliées de l’environnement urbain, ces images donnent à voir un système particulier, celui d’un appareil de capture et de distribution des flux. Il s’agit de l’illustration de la technosphère qui désigne la partie physique de l’environnement affecté par les modifications d’origine anthropique, c’est-à-dire la totalité des constructions d’origine humaine, des premiers outils jusqu’aux dernières avancées technologiques, en passant par les infrastructures, les marchés industriels, les différents moyens de transport et l’ensemble des produits transformés. C’est ainsi que les changements de la Terre deviennent le reflet des changements de nos socie?te?s humaines.
Ces espaces en mouvement perpétuel illustrent aussi le phénomène de l’accélération du temps et de ces dérives, sur des territoires en transformation constante, où l’éternité se manifeste uniquement à travers le changement ; puisque sans mouvement, il semble qu’à l’ère du Capitalocène, il n’y a point de devenir. Les effets extrêmes de la mondialisation redessinent ainsi aujourd’hui des centaines de villes ; vitrine du capitalisme débridé, ce qui surprend, c’est ce chaos constant dans chaque ville ; une révolution urbaine faite de constructions qui imposent une ségrégation socio-spatiale, entre densité et verticalité de l’urbanisme. Vision d’une croissance urbaine incontrôlée et abstraite, où chaque ville devient globale, mouvante et en perpétuel changement, prit dans le rythme effréné incontrôlable de l’urbanisation imposée par la globalisation du capitalisme. Les photographies aux compositions à la domination géométrique tendent vers l’abstraction, où les conditions de définition de l’abstrait sont la caractéristique même de l’accélération du monde ; car l’abstraction de la mondialisation et la rationalité du capitalisme représentent l’abstraction de la réalité matérielle associée aux échanges mondiaux dans laquelle le capital a atteint sa dématérialisation ultime. Une abstraction et une géométrisation de l’espace qui révèlent la prédominance de la pensée rationalisée, la grille étant un point d’appui dans une économie axée sur des procédures standards optimisées ; un dispositif formel qui devient l’un des symboles des principes de la raison instrumentale et de l’efficacité économique. En effet, la grille structure et (ré)actualise les relations avec les environnements, et ce faisant les rapports au monde. En installant un espace plat, lisse et infini, et alors même que l’e?tre humain ne semble toujours pas s’inquie?ter de son destin catastrophique dont il est l’obstine? ba?tisseur, les distances disparaissent, chaque position en vaut une autre, les différences culturelles s’estompent, l’individu finit par être aliéné et sa sociabilité appauvrie. Face à cela, l’urgence est de stopper les logiques de destruction qui sont à l’œuvre sur la planète, afin de réinventer la cohabitation du vivant à travers des mondes multiples et enchevêtrés, pour ainsi dépasser la tension entre l’environnement et l’être humain.
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Lloze, Évelyne. "KASSAB-CHARFI (Samia) et BAHI (Mohamed), dir., Mémoires et imaginaires du Maghreb et de la Caraïbe. Paris : Honoré Champion, Coll. Poétiques et esthétiques xx-xxi siècles, n°15, 2013, 332 p. – ISBN 978-2-7453-2531-0". Études littéraires africaines, nr 36 (2013): 192. http://dx.doi.org/10.7202/1026362ar.
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Lloze, Évelyne. "KASSAB-CHARFI (Samia) et BAHI (Mohamed), dir., Mémoires et imaginaires du Maghreb et de la Caraïbe. Paris : Honoré Champion, coll. Poétiques et esthétiques xx-xxie siècles, n°15, 2013, 332 p. – ISBN 978-2-74532-531-0". Études littéraires africaines, nr 38 (2014): 199. http://dx.doi.org/10.7202/1028710ar.
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Campanile, Enrico. "Réflexions Sur La Reconstruction De La Phraséologie Poétique Indo-Européenne". Diachronica 10, nr 1 (1.01.1993): 1–12. http://dx.doi.org/10.1075/dia.10.1.02cam.
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SUMMARY Indo-Iranian poetic phraseology has been the subject of quite a number of contributions which have resulted in the identification of numerous formulas of poetic language. These results have effectively been facilitated by the fact that not only Vedic and Gathic culture, but also the lexicon of the texts are extremely conservative, so much so that their comparison permits the reconstruction of entire verbal strings which could be attributed with certainty to the common phase of Indo-Iranian. The present study attempts to show that, among these formulas, there are a great number which could be traced back to the poetic lexicon of Indo-European, and this to the extent where they are attested not only in Vedic and Avestan, but in other Indo-European languages as well. This presupposes that one considers at the same time the phenomena of lexical renewal and lexical variation which manifest themselves in the history of every language and even in Indo-European. All this means that the reconstruction of the poetic formulas of Indo-European should be based not on the identity of signifiers, but on that of the signifieds. RÉSUMÉ La phraséologie poétique de l'indo-iranien a fait l'objet de bien des contributions, qui ont abouti à l'identification de nombreuses formules du langage poétique; et cela a été objectivement facilité par le fait que non seulement la culture, mais aussi le lexique des textes védiques et gathiques sont extrêmement conservateurs, si bien que leur comparaison permet de reconstruire sans difficulté des séquences verbales que l'on peut attribuer avec certitude à la phase commune de l'indo-iranien. Notre étude se propose de montrer que, parmi ces formules, nombreuses sont celles qu'on peut faire remonter au lexique poétique de l'indo-européen, dans la mesure où elles sont attestées non seulement en védique et en avestique, mais aussi dans d'autres langues indo-européennes, pour peu que l'on prenne en compte les phénomènes de renouvellement lexical et de variation lexicale qui se sont manifestés dans l'histoire de chaque langue et même dans l'indo-européen. Cela signifie que la reconstruction des formules poétiques de l'indo-européen doit se fonder non pas sur l'identité des signifiants, mais sur celle des signifiés. ZUSAMMENFASSUNG Indo-iranische poetische Phraseologie ist bisher schon Objekt vieler Bei-trage gewesen, die zur Identifikation einer groBen Anzahl von Formeln poeti-scher Sprache geführt haben. Diese Ergebnisse sind nicht zuletzt dadurch mög-lich geworden, daB nicht nur die vedische und gathische Kultur, sondern auch das Lexikon dieser Texte ziemlich konservativ sind, und zwar so sehr, daB deren Vergleich ohne Schwierigkeit die Rekonstruktion ganzer Verbalfolgen erlaubt, die mit Sicherheit der gemeinsamen indo-iranischen Phase zugeschrie-ben werden konnen. Die vorgelegte Arbeit versucht zu zeigen, daB unter diesen Formeln sich eine groBe Anzahl befindet, die auf das poetische Lexikon des Indo-Europaischen zurückgeführt werden können, und dies soweit sie nicht nur fur das Vedische und Avestische, sondern auch für andere indoeuropaische Sprachen attestiert sind. AU dies setzt freilich voraus, daß man ebenfalls Phä-nomene lexikalischer Erneuerung und lexikalischer Variation mitberücksichtigt, die sich in der Geschichte einer jeden Sprache manifestieren, sogar im Indo-Europäischen. All dies bedeutet, daß sich die Rekonstruktion poetischer Formeln des Indo-Europäischen nicht auf die Identität der Bezeichnenden, sondern der Bezeichneten stützen muß.