Rozprawy doktorskie na temat „Humanities -> music -> musicals”
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1
Dvorin-Spross, Miriam. "Tune, tot and kin : constructing music praxis in a humanities course for undergraduate nonmusic majors /". Thesis, Connect to this title online; UW restricted, 2005. http://hdl.handle.net/1773/11405.
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2
Walker, Seth. "Musical Spirituality: The Transformative Power of Popular Music". Honors in the Major Thesis, University of Central Florida, 2007. http://digital.library.ucf.edu/cdm/ref/collection/ETH/id/1050.
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This item is only available in print in the UCF Libraries. If this is your Honors Thesis, you can help us make it available online for use by researchers around the world by following the instructions on the distribution consent form at http://library.ucf.edu/Systems/DigitalInitiatives/DigitalCollections/InternetDistributionConsentAgreementForm.pdf You may also contact the project coordinator, Kerri Bottorff, at kerri.bottorff@ucf.edu for more information.Bachelors
Arts and Humanities
Humanities
3
Mariottini, Filippo. "The Passacaglia by Johann Sebastian Bach Interpretation perspectives : How the Bach score can lead to such different musical results". Thesis, Kungl. Musikhögskolan, Institutionen för klassisk musik, 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:kmh:diva-2874.
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4
Stedman, Kyle D. "Musical Rhetoric and Sonic Composing Processes". Scholar Commons, 2012. http://scholarcommons.usf.edu/etd/4229.
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This project is a study of musical rhetoric and music composition processes. It asks the questions, "How does the nature of music as sound-in-time affect its rhetorical functions, production, and delivery?" and "How do composers approach the task of communicating with audiences through instrumental music?" I answer these questions by turning to the history of musical rhetoric as practiced in the field of musicology and by interviewing composers themselves about their composition practices--approaches that are both underused in the rhetoric and composition community.
I frame my research participants' responses with a discussion of the different degrees to which composers try to control the eventual meaning made from their compositions and the different ways that they try to identify with their audiences. While some composers express a desire to control audiences' emotions and experiences through the use of forms and careful predictions about an audience's reactions to certain genres and influences, other composers express a comfort with audiences composing their own meanings from musical sounds, perhaps eschewing or transforming traditional forms and traditional performance practices. Throughout, I argue for the importance of considering all of these perspectives in the context of actually hearing music, as opposed to taming and solidifying it into a score on a page.
These composers' insights suggest the importance of understanding musical rhetoric as an act based in sound and time that guides meaning but can never control it. They also suggest new ways of teaching English composition courses that are inspired by the experiences and practices of music composition students. Specifically, I argue that English composition courses should better rely on the self-sponsored literacies that students bring to classrooms, stretch the ways these courses approach traditional rules of composing, and approach digital tools, collaboration, and delivery in ways that mirror the experiences of music students.
5
Shea, Nicholas Jordan. "Ecological Models of Musical Structure in Pop-rock, 1950–2019". The Ohio State University, 2020. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=osu158755665247824.
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6
Stervinou, Adeline. "La perception structurelle et temporelle d'extraits de musiques contemporaines par les adolescents musiciens et non-musiciens". Phd thesis, Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00664451.
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Ce travail propose d'observer l'effet de différentes structures musicales, extraites du courant musical minimaliste, sur la perception auditive temporelle d'adolescents musiciens et non-musiciens. Pour entreprendre cette recherche, nous avons dû d'abord définir notre conception du temps musical ainsi que son impact supposé sur la perception auditive.Une fois le corpus d'œuvres minimalistes sélectionné, une analyse musicale des extraits sonores retenus pour l'élaboration de deux expérimentations a été réalisée. Elle est destinée à justifier le choix de ces extraits et à définir les procédés d'écriture mis en œuvre, susceptibles d'altérer la perception de la durée chez les sujets. Deux expériences, une tâche de catégorisation libre et une tâche d'évaluation de durées, sont présentées sous la forme de protocoles expérimentaux, permettant d'exposer le déroulement de chacune, de commenter les résultats obtenus et d'expliquer les méthodes de calcul afin de formuler une interprétation des résultats.D'après les résultats observés, seulement certains procédés d'écriture utilisés par les compositeurs minimalistes semblent avoir un effet sur la perception des structures musicales et sur l'estimation de leur durée. Ces résultats sont valables pour les deux groupes de sujets, ce qui prouve que l'expérience musicale antérieure n'a pas d'effet majeur sur la perception de la durée dans un contexte musical.
7
Clark, Alan. "Brown study an original musical recording". Honors in the Major Thesis, University of Central Florida, 2012. http://digital.library.ucf.edu/cdm/ref/collection/ETH/id/673.
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For a year and a spring semester, I have been in the works of a school music project. I set out to make a record of ten self-penned songs. Along the length of the project, I would discover musicians and recording artists. I notated my songs on a staff and recorded demos to assist players of drums, electric bass, French horn, and violin. I play guitar, percussion, synthesized instruments, and do all of the singing on Brown Study, the record's title. The technology used to create the songs include a Tascam 2488 (home digital recording device), computers, printers, cell phones and i-phones, amplifiers, microphones and headphones, and a drum machine. This is my first attempt at collaborating with other musicians. At the defense I will be presenting 4 songs: "Runaway," "Lonely Heart," "Topsy Turvy," and "Friendliest Advice." Each song has a particular history and story to tell containing influences and aesthetic philosophies. My gift is to be shared with whoever will listen upon completing and distributing the full-length album.B.A.
Bachelors
Arts and Humanities
Music Education
8
Pendley, James. "Visualizing sound : a musical composition of aural architecture". [Tampa, Fla] : University of South Florida, 2009. http://purl.fcla.edu/usf/dc/et/SFE0003152.
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9
Eriksson, Karin. "Sensing Traditional Music Through Sweden's Zorn Badge : Precarious Musical Value and Ritual Orientation". Doctoral thesis, Uppsala universitet, Institutionen för musikvetenskap, 2017. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:uu:diva-319842.
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This thesis investigates the multiple and contested spaces of belonging that may be evoked by ritualised musical performance. It makes an ethnographic case study of the Zorn Badge Auditions in Sweden, in which musicians play before a jury in the hope of being awarded a Zorn Badge and a prestigious but also contested title: Riksspelman. Building on theories of ritual and performance in combination with Sara Ahmed’s theorisation of orientation, the thesis attends to sensory ways of experiencing and knowing music while tracing the various ways in which Swedish traditional music is performed, felt, heard, sensed and understood in audition spaces. It draws on interviews with players and jury members, participant observations of music auditions and the jury’s deliberations, showing how musical value is negotiated through processes of inclusion and exclusion of repertoires, instruments and performance practices. The study also illuminates how anxiety and uncertainties are felt on both sides of the adjudication table. The auditions trigger feelings of belonging and harmony, but also rupture and distance. A brimming of felt qualities contributes to the sensing of history, tradition, memory, place and geography, as well as close emotional connections between music and individual performers. The thesis reveals how gradual adaptation, and the lived experiences of time within tradition, allow the Zorn institution to negotiate change and thereby maintain its position within Swedish society.
10
Henry, Lucas Aaron. "Freedom Now!: Four Hard Bop and Avant-Garde Jazz Musicians' Musical Commentary on the Civil Rights Movement, 1958-1964". [Johnson City, Tenn. : East Tennessee State University], 2004. http://etd-submit.etsu.edu/etd/theses/available/etd-1110104-224112/unrestricted/HenryL121004f.pdf.
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Thesis (M.A.)--East Tennessee State University, 2004.Title from electronic submission form. ETSU ETD database URN: etd-1110104-224112 Includes bibliographical references. Also available via Internet at the UMI web site.
11
Esporrín, Pons Maria Montserrat. "Societat i espectacles musicals a Barcelona (1881-1936)". Doctoral thesis, Universitat Rovira i Virgili, 2016. http://hdl.handle.net/10803/399567.
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En aquest estudi, emmarcat entre finals del s. XIX fins abans de la Guerra Civil, volem analitzar la relació que hi ha entre la societat barcelonina i els espectacles musicals als quals assistirà. Partim de la base que ens trobem dins d’un període convuls pel replantejament de les idees i els valors, fet que no solament trasbalsarà la vida quotidiana d’aquesta societat, sinó que també es farà patent un canvi que desembocarà en la creació de nous locals d’oci i diversió, els quals oferiran espectacles més d’acord amb la nova forma de pensar i viure i també més adients als gustos musicals i, en general, artístics que aquesta societat demana; tot això sota la influència de les noves tendències artístiques que marcarà París. També els estils musicals seran diferents, perquè harmonies trencadores provinents del Nou Continent confluiran a Europa i canviaran l’estètica musical fins llavors existent. Amb tot, volem arribar a demostrar que aquesta marea pertorbadora dins de l’àmbit social i musical acabarà interrelacionant-se i fusionant-se amb els models artístics ja existents, dels quals en sortirà una concepció musical nova, sense oblidar allò que anomenem “clàssic”.El principal objetivo del presente estudio consiste en analizar la relación existente entre la sociedad barcelonesa y los espectáculos musicales a los que ésta asistirá, dentro del período de tiempo comprendido entre finales del s. XIX y el inicio de la Guerra Civil española. Se trata de un período convulso debido a un replanteamiento de las ideas y valores existentes y que, no solamente trastocará la vida cotidiana de esta sociedad sino que también se hará patente en la creación de nuevos locales de ocio y diversión que ofrecerán espectáculos que estarán más en consonancia con las nuevas formas de pensar y vivir y, también, con los gustos musicales y artísticos que la sociedad demanda. Todo ello bajo la influencia de las nuevas tendencias artísticas que marcará, principalmente, París. También los estilos musicales serán diferentes debido a armonías transgresoras que provendrán del Nuevo Continente; que confluirán en Europa y que cambiarán la estética musical predominante. En definitiva, se quiere llegar a demostrar que esta marea perturbadora, en el ámbito social y musical, acabará interrelacionándose y fusionándose con los modelos artísticos ya existentes, dando lugar a una nueva concepción musical sin, por ello, olvidar lo que se consideraba como “clásico”.
This study from the late nineteenth century to right before the outbreak of the Civil War aims to analyse the relationship between Barcelonese society and the musical performances they attended. It must be borne in mind that this is a particularly turbulent period marked by the reconsideration of existing ideas and values. Not only did these changes have a deep impact on the day-to-day life of Barcelonese society, but they also paved the way for the emergence of new leisure and entertainment venues which hosted shows more in line with a new way of thinking and living, and which met the musical, and more generally, the artistic demand of society. And all under the influence of new artistic trends determined by Paris. Musical styles changed because ground-breaking harmonies from the New World amalgamated in Europe, thus reshaping existing musical aesthetics. This study attempts to prove that this disruptive wave in the social and musical scene eventually interacted and merged with existing artistic models, resulting in a new musical conception, without putting aside what is considered ‘classic’.
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Clemen, Hannah E. "The use of principles and techniques derived from meditation for the design and creation of co-participatory musical systems". Thesis, Edith Cowan University, Research Online, Perth, Western Australia, 2005. https://ro.ecu.edu.au/theses/644.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
For this thesis, a detailed study was undertaken to determine whether techniques derived from traditional meditation systems can be applied to "co-participatory" music systems in order to enhance their accessibility, interactivity, and experiential impact, In order to adequately address this subject, a number of investigative steps have been taken. First, a workable list of definitions for what meditation actually is was made by comparing the practices and philosophies of a number of traditional meditation forms. The conclusions derived from this stage of the discussion served to create a definitive "blueprint" for meditation and served as a theoretical foundation for the rest of the dissertation. The second stage was to see how these definitions manifest in the meditation form; of the modem world. This approach provided insight into how changed cultural perspectives exert a major influence on the effectiveness andlor appropriateness of certain traditional techniques. In addition to modern meditation practices, the definitions from chapter two were also examined from the perspective of modem science, another important aspect of modern culture. The observations from this chapter served as the basis for chapter four, in which the experiential, symbolic and conventional features of Western Art Music were examined. This was to provide some points of reference with which to consider the possibility of using meditation techniques to enhance the "musical experience". In chapter five, an examination was made of a number of composers and artists and their relevant works who have devised methods by which some of the more "restrictive" aspects of West em Art Music can be overcome or bypassed, so as to gain access to the full potential of that "musical experience". This stage of the discussion provided a practical framework with which to discuss the background, design and realization of my own wod. ~ connected to this research, collectively called the Wheel of Life project. One of the main aims of this creative project has been to subvert many of the "anachronistic" conventions of Western Art Music, particularly conventions such as performer/audience separation and overly rigid or ambiguous musical structures. By doing this, it is hoped th3t musical systems can be created that allow the participant to engage in a much more personally meaningful and actively creative experience.
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Bahr, Mickey. "...and then, Claire an indie-rock monologue; integrating the independent music scene into American musical theatre". Honors in the Major Thesis, University of Central Florida, 2012. http://digital.library.ucf.edu/cdm/ref/collection/ETH/id/653.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
For more than fifty years, the Independent (indie) Music Scene has existed as an evolving business model, allowing indie artists to develop a wealth of progressive musical ideas while creating a sustainable audience base. American Musical Theatre has an already-established rich history of adapting styles to fit concurrent trends in popular music while maintaining the story as the core of a show. While some indie artists (The Lisps, The Mountain Goats, Stephin Merritt, and Stew) and some musical theatre composers (David Yazbek, Doug Crossley, and Michael Friedman) have created crossover works, there is currently an overall dearth of musical theatre pieces infused with the indie style and a lack of indie albums with an actable musical theatre storyline. The intent of this thesis is to prove that although American Musical Theatre and the Independent Music Scene are two vastly different art forms, they can be combined to create a viable and unique form that appeals to both audiences. The indie-rock monologue ...and then, Claire was composed, recorded, and performed to test the viability of this thesis. In addition to presenting research on the history of American Musical Theatre and the Independent Music Scene, an analysis of the already-successful artists mentioned above is presented to provide context for ...and then, Claire. This context along with the original indie-rock monologue proves successful combinations of American Musical Theatre and the Independent Music Scene as well as the potential for more attempts in the future.B.F.A.
Bachelors
Arts and Humanities
Theatre
14
Gómez, Muns Rubén. "La World Music en el Mediterráneo (1987-2007): 20 años de escena musical, globalización e interculturalidad". Doctoral thesis, Universitat Rovira i Virgili, 2016. http://hdl.handle.net/10803/386401.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
El terme de world music, en moltes ocasions, està associat amb la comercialització de la diferència ja que ofereix la possibilitat de promocionar, principalment, a Europa i als E.E.U.U., músiques i musics procedents de països no occidentals. Músiques que molt sovint són adaptades als gustos occidentals, un procés que les descontextualitza i que afavoreix la seva manipulació. A més a més, aquesta etiqueta acostuma a fixar músiques i pràctiques socio-musicals, negant d’aquesta manera la seva capacitat d’evolució i transformació.
El context contemporani caracteritzat per la globalització i la intensitat de la circulació dels fluxos culturals, és l’escenari ideal per la world music. Les qüestions relacionades amb el nexe global-local, amb la modernitat, amb la hibridació, amb la interculturalitat, etc., també afecten a la world music ja que la música inclou al mateix temps pràctiques musicals i pràctiques extra-musicals. La capacitat que tenen els fenòmens musicals per construir i expressar imaginaris i narratives, els converteixen en una excel•lent eina de comunicació i evocació. La música entesa en aquest sentit, posa en contacte diferents actors (músics, públic, productors musicals, etc.), que articulen una escena musical. En aquest cas concret, la world music ha posat en contacte músics i musiques de tota la Mediterrània, marcada històricament per encontres i desencontres constants entre diferents cultures i pobles, així com a molt més agents. Tots ells han articulat una escena musical on es reflecteixen relacions desiguals de poder i que és, al mateix temps, testimoni directe de diferents narratives sobre la identitat, la interculturalitat i la hibridació.El término de world music, en muchas ocasiones, está asociado con la comercialización de la diferencia ya que ofrece la posibilidad de promocionar, principalmente, en Europa y en los E.E.U.U., músicas y músicos procedentes de países no occidentales. Músicas que en muchas ocasiones son adaptadas a los gustos occidentales, un proceso que las descontextualiza y favorece su manipulación. Además, esta etiqueta acostumbra a fijar músicas y prácticas socio-musicales, negando de esta manera su capacidad de evolución y transformación. El contexto contemporáneo caracterizado por la globalización y la intensidad de la circulación de los flujos culturales, es el escenario ideal para la world music. Las cuestiones relacionadas con el nexo global-local, con la modernidad, con la hibridación con la interculturalidad, etc., también afectan a la world music ya que la música incluye al mismo tiempo prácticas musicales y prácticas extra-musicales. La capacidad que tienen los fenómenos musicales para construir y expresar imaginarios y narrativos, les convierten en una excelente herramienta de comunicación y evocación. La música entendida en este sentido, pone en contacto diferentes actores (músicos, público, productores musicales, etc.), que articulan una escena musical. En este caso concreto, la world music ha puesto en contacto músicos y músicas de todo el Mediterráneo, marcado históricamente por encuentros y desencuentros constantes entre diferentes culturas y pueblos, así como a muchos más agentes. Todos ellos han articulado una escena musical donde se reflejan relaciones desiguales de poder y que es, al mismo tiempo, testimonio directo de diferentes narrativas sobre la identidad, la interculturalidad y la hibridación.
Frequently, the term world music is associated with the marketing of the difference because it offers the possibility of promoting, mainly in Europe and the USA, music and musicians from non-Western countries. Usually, in world music’s market, the non-western music adopts Western commercial music patterns. This process promotes the fixation of musical genres and socio-musical practices and, at the same time, denies the experimentation and innovation. The contemporary context characterized by globalization and the intensity of the circulation of cultural flows, is perfect for the world music. Issues relating to the questions about global-local, modernity, hybridization and multiculturalism, etc., also they affect the world music because music includes musical and extra-musical practices. The music has the ability to build and to express, at the same time, different imaginaries and narratives. Music is an excellent tool of communication. Music understood in this sense, contacted different actors (musicians, audience, music producers, etc.) which articulate a musical scene. In this case, the world music has connected musicians and music from the Mediterranean area, historically characterized by encounters of different intensity between different cultures and peoples, as well as many more agents. All they have articulated a musical scene where unequal power relations are reflected and, at the same time, this musical scene is a direct testimony of different narratives about identity, intercultural processes and hybridization.
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LeHuray, Joshua R. "The Development and Gentrification of Musical Commerce in Williamsburg, Virginia, 1716-1775". VCU Scholars Compass, 2013. http://scholarscompass.vcu.edu/etd/576.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
This thesis explores the burgeoning musical commerce industry in Williamsburg, Virginia between approximately 1716 to 1775. It especially focuses on the gentrification of this industry and the ways in which elite Virginians made use of music to establish themselves as inheritors of British culture and musical entertainment. A diversity of musical businesses appeared in Williamsburg during the eighteenth century, including instrument sellers, music and dancing teachers, and two theaters utilized by theatrical troupes, to name a few. Drawing on evidence from the Virginia Gazette, as well as journals, letters, playhouse reports, and account books, the thesis concludes that music provided an important means for the formation of an elite colonial identity in a time and place heavily influenced by an American consumer revolution and a desire for refinement.
16
Branstetter, Leah Tallen. "Women in Rock and Roll's First Wave". Case Western Reserve University School of Graduate Studies / OhioLINK, 2019. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc_num=case1555003265733456.
Pełny tekst źródła
17
Troum, Julie F. "Empowered for Practice: The Relationship Among Perceived Autonomy Support, Competence, and Task Persistence of Undergraduate Applied Music Students". Scholar Commons, 2010. https://scholarcommons.usf.edu/etd/1795.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
The purpose of this study was to investigate the relationships among undergraduate applied music students' perceptions of autonomy support, competence, and task persistence. One assumption of self-determination theory was that competence would increase when social environment supported self-organization. A motivational-cognitive framework designed to promote sustained motivation in undergraduate applied music students was proposed.
Three self-report scales administered in the form of a web survey were completed by undergraduate applied music students (N = 366) at six Florida universities. The scales were designed to measure perceived autonomy support, perceived competence, and perceived persistence in practice in the applied music studio setting. Internal consistency reliability estimates as measured by Cronbach's alpha were high for all three measures: perceived competence (alpha = .89), perceived autonomy support (alpha = 92), and perceived task persistence of musical practice (alpha = .87). All three constructs-perceived competence, perceived autonomy support, and perceived task persistence showed a significant positive correlation with each other.
The use of perceived competence as a mediating variable in a hypothesized path model helps to illuminate the nature of the relationships among the three constructs. In the path analysis model, perceived autonomy support was found to have a significant direct effect on perceived task persistence. Thus, students who perceived that they had strong autonomy support in the applied studio setting were more likely to perceive themselves as more highly task persistent than students who perceived that they had less autonomy support. Also, in the path model, student perceived competence was found to moderately mediate the effect of their perceived autonomy support on perceived task persistence. Thus, in the investigation of the relationship between perceived autonomy support and task persistence, the path analysis also revealed that something in addition to perceived autonomy support, namely perceived competence, served to explain the relationship between perceptions of autonomy support and task persistence. It is hoped that this study may promote further understanding of the optimal conditions in higher education for the persistence of practice for applied music study.
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Murillo, Ribes Adolf. "Escultors del so: creació musical col·laborativa i aprenentatge informal". Doctoral thesis, Universitat Jaume I, 2014. http://hdl.handle.net/10803/667036.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
Al s. XXI l’escola necessita amb urgència transformacions en profunditat que ens
permeten adaptar-la a les necessitats que la societat en general i el nostre alumnat
en particular reclamen. A l'aula, l’educació musical respon en el moment present a
models que res tenen a veure amb les maneres de fer música que trobem fora de
l’escola.
Les noves revolucions tecnològiques aplicades al camp de la música han permès
emergir amb força altres formes de fer i de col·laborar que ofereixen una nova
cartografia de l’aprenentatge musical en totes les seues dimensions.
Per aquest motiu, aquest estudi, amb una metodologia etnogràfica, situa el focus
en les pràctiques col·laboratives en la creació musical que s’ubiquen en el context
informal i que són desenvolupades per músics sense formació musical acadèmica.
Els resultats de l’estudi ens mostren algunes de les claus que haurem de tenir en
compte a l’hora de transformar i adaptar les pràctiques musicals que habiten les
nostres aules cap a contextos més permeables entre l’escola i la societat amb
la qual conviu, afavorint i potenciant uns aprenentatges musicals més creatius i
col·laboratius.Twenty first century School urgently needs profound transformations that allow teachers to adapt the school to the needs that our students and the society in general are claiming. Musical education is now using models that have nothing to do with the ways of doing music that we can find outside of the school. The new technological revolution applied to the field of music has allowed other ways of doing music to strongly emerge that collectively offer a new cartography of musical learning in all its dimensions. It is for that reason that this study, through an ethnographic methodology, focuses on the collaborative practices in music creation occurring in informal contexts and that are developed by musicians without formal musical training. The results of this study show some guidelines that have to be taken into account in order to transform and to adapt the musical practices in our classrooms towards more permeable contexts between school and society by encouraging and fostering collaborative and creative musical learning.
En el s. XXI la escuela necesita con urgencia transformaciones en profundidad que nos permitan adaptarla a las demandas que la sociedad en general y nuestro alumnado en particular reclaman. En el aula, la educación musical responde en el momento presente a modelos que nada tienen que ver con las maneras de hacer música que encontramos fuera de la escuela. Las nuevas revoluciones tecnológicas aplicadas al campo de la música han permitido emerger con fuerza otras formas de hacer y de colaborar que ofrecen una nueva cartografía del aprendizaje musical en todas sus dimensiones. Por este motivo, este estudio, con una metodología etnográfica, sitúa el foco en las prácticas colaborativas en la creación musical que se ubican en el contexto informal y que son desarrolladas por músicos sin formación musical académica. Los resultados del estudio nos muestran algunas de las claves que deberemos tener en cuenta a la hora de transformar y adaptar las prácticas musicales que habitan nuestras aulas hacia contextos más permeables entre la escuela y la sociedad con la que convive, favoreciendo y potenciando unos aprendizajes musicales más creativos y colaborativos.
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Darcey, Stephanie J. "An immersive study of the artistry of Gilbert Biberian —guitarist, composer, and pedagogue— and creative responses from a musical apprenticeship". Thesis, Edith Cowan University, Research Online, Perth, Western Australia, 2024. https://ro.ecu.edu.au/theses/2764.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
This project examines the music of Istanbul-born British classical guitarist and composer Gilbert Biberian (1944-2023) and the potential of this music to stimulate original composition using an intuitive approach. Biberian is recognized as one of the most original and creative guitar composers from the second half of the twentieth century. His musical language embraces and integrates traditional tonality, jazz, post-tonal idioms, and the music of the Middle East. There are three strands to this project: an overview of Biberian’s life, philosophy, and music; a musical apprenticeship with Biberian on technique and musicianship; and also on my compositions. There will be three outcomes: an introduction to the guitar music of Biberian; a performance of selected works by Biberian; and scores and recordings of my original compositions inspired by an immersive study of Biberian’s music and enriched by his guidance
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Saläng, Martin. "Gitarrelevers instuderingsmetoder : En kvalitativ studie om fem gymnasieelevers föredragna instuderingsmetoder vid gitarrspel och hur deras uppväxt påverkat deras musicerande". Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för musik och bild (MB), 2020. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-97912.
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The purpose of this study is to investigate whether the students' upbringing environment has influenced their will to play music and which their method of preferable choice is when learning a new piece of music playing guitar. Previous research shows that children growing up in a musical environment often start playing music themselves and that their motivation to play is depending on support and stimulation from family members and teachers. Research also shows that children usually start making or playing music with their hearing, but by learning to read sheet music they further develop their musical skills. The method of study is semi structured interviews with five students in the aesthetic program in music in the upper secondary school. As a complement to the interviews, the students have been given a musical piece and asked to learn it before the interviews. The study has been analysed from a sociocultural perspective largely based on Vygotsky's view of the environment’s impact on children's upbringing. The study shows that all students in the study have started playing guitar at an early age because of there being musicians around them growing up. The results also show that most of the students prefer to learn new pieces playing their guitar using hearing instead of sheet music.Syftet med studien är att undersöka ifall informanternas uppväxtmiljö har påverkat deras vilja att musicera och vilka instuderingsmetoder de föredrar när de lär sig spela något nytt på gitarren. Tidigare forskning visar att barn som växer upp i en miljö där musik är centralt ofta själva börjar musicera och att deras motivation är beroende av stöttning och stimulans från familj och lärare. Forskning visar också att barn oftast börjar musicera med hjälp av sitt gehör men genom att lära sig läsa noterad musik så utvecklar de deras musikaliska färdigheter. Studiens metod är semistrukturerade intervjuer med fem elever på det estetiska programmet i musik på gymnasiet. Som ett komplement till intervjuerna har eleverna fått ta del av ett instuderingsmoment i form av ett stycke musik de blivit ombedda att lära sig spela inför intervjuerna. Studien har blivit analyserad ur ett sociokulturellt perspektiv till stor del utifrån Vygotskijs syn på omgivningens påverkan av barns uppväxt. Studien visar att samtliga elever i studien har börjat spela gitarr i tidig ålder till följd att det funnits musicerande människor i deras omgivning när de vuxit upp. Resultatet visar också att majoriteten av eleverna föredrar att lära sig nya stycken på gitarren med hjälp av sitt gehör över noter.
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Thörling, Simon. "Måltider till musik - en studie om hur musikdidaktik kan främja förskolans måltider". Thesis, Malmö universitet, Fakulteten för lärande och samhälle (LS), 2020. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:mau:diva-35198.
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This present study is a qualitative observative study. The aim with the study was to iden-tify the potential or possibility applying musical activities in preschool through a music didactic perspective. The collection of the empirical research took place at the time for the meal in the preschool. The most important observations were the meetings between children and background music. The main thesis of this study was that background music at preschool’s pedagogic meals can contribute to make teachers notice what, when and where musical education could be applied for either a prepared or spontaneous educa-tional situation. To test the thesis, the meeting between children in preschool and back-ground music through a musical didactic perspective was observed. The main concepts used in the study were as follows: didactic, musical didactic, pedagogic meals and back-ground music. The observations showed that in the meeting of background music not only did the children interact with each other, but also shows interaction with the music as well. The children showed interaction by moving their bodies, both in the same rhythm and not in the same rhythm as the background music. There was an example of a child who moved along with the music and then paused to eat the food. To conclude adding background music to the pedagogic meals within the preschool environment could help preschool teachers exploring the possibilities combining pedagogic meals together with pedagogic musical activities. Hopefully, this study could start discussions about children, background music and esthetic education.
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Bradley, Katie Claire. "Choreographing Cabaret: A Guide to Storytelling through Dance and Movement". VCU Scholars Compass, 2008. http://scholarscompass.vcu.edu/etd/816.
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American Musical Theatre is one of the unique American methods of storytelling that exists in performance. In a musical, text, song, movement, and dance tell a story. In Music Theatre, when a character can no longer express what they desire in words, they sing. If singing cannot satisfy the need, the element of dance comes into play. Richard Kislan states, "What sets dance apart is the universality in movement and gesture which is not bound like language to nationality or culture. Dance transcends geography in a way that language cannot. Dance humanizes expression in a way that music cannot."(237) In American Musical Theatre History, dance was, at first, purely used for dance sake. The spectacle of dance was the interest of the public. Choreographers George Balanchine and Agnes De Mille helped to change dance in music theatre, by using dance numbers to further the plot of the story. They believed a musical number should enhance the tone, energy, and rhythm of the entire piece. Influenced by my mentors at VCU, I have discovered the important lesson of "telling a story." A musical number needs to take the audience on a truthful and emotional journey and aid in the flow of the play. Through the many projects that I have worked on with Patti D'Beck, I have learned a way to choreograph that is efficient and, to me, the best way to go about revealing a story to the audience. Using the musical Cabaret, I will highlight these important steps. I was the associate choreographer for the VCU Mainstage production of Cabaret. I assisted in all pre- production work and aided in the creation of all musical numbers. As part of my thesis, I was also in charge of teaching the choreography to all who were involved in the musical. Spacing and polishing the musical numbers once we arrived in the space was also a part of my job as the associate choreographer.The first part of this thesis is a guide for those who have an interest in the world of musical theatre choreography. It outlines a step by step process on how to go about choreographing a dance within a musical. Whether one has choreographed many dances or never choreographed at all, this guide will aid in their creative process as a choreographer. The second part of this thesis is a case study on Cabaret.. All the steps that are outlined in the first part of this thesis are reiterated within the analysis of VCU's Main Stage production.
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Saidel, Deborah J. "Women in Music: Letting a Long Story Be Long Contemplating Women’s Sonic, Musical, and Spiritual Experiences in Prehistory". VCU Scholars Compass, 2018. https://scholarscompass.vcu.edu/etd/5635.
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Situated within deep history, this study explores the auditory and spiritual lives of Paleolithic women. It considers their personal agency in mediating the spiritual power of sound and how doing so contributes to a multifaceted musicality. The theoretical framework involves a wide spectrum of topics, from ways of rethinking the writing of history and reckoning with time, to sound studies and the study of acoustics in ancient sites, to a critical examination through a feminist lens of normative disciplinary scholarship in anthropology and archaeology, religious studies, and musicology. I explore potential audio-visual-lithic relationships for their implications for deepening an understanding of the spiritual aspects of Paleolithic life. Drawing from this interdisciplinary literature, integrative discussions are constructed which when considered collectively, not only provide different types of role models and different criteria pertaining to women's experiences of music-making, but also facilitate the emergence of a more nuanced understanding of Paleolithic spiritual practices. In this women-centric narrative innumerable generations of women's participation as spiritual healers within the shamanic musical paradigm are acknowledged and valued, broadening the parameters of women's cultural heritage and spiritual experience. This expansion can help women today turn away from a compensatory music history perspective that is oriented toward figuring out how to fit into a prescribed androcentric narrative of Western art music and turn towards a more holistic narrative in which women can better consider their lineage(s) on their own terms. It fosters re-conceptualizations of women's musical and spiritual identities by reorienting the timeline, contexts, and definition of women's experiences of music-making as sound-producers and sound-interpreters. This project is intended to provide one possible starting point for new conversations about women in music regardless of one's positionality. From a more inclusive gynocentric vantage point, the toxic self-perpetuating loop which has affected how musicology has thus far been shaped, namely through the undervaluing of women’s musical experiences and the ways that they think and feel about music, is being contested. Ultimately, it is a matter of ownership.
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Debaecker, Jean. "De l'usage des métadonnées dans l'objet sonore". Phd thesis, Université Charles de Gaulle - Lille III, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00916150.
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La reconnaissance des émotions dans la musique est un challenge industriel et académique. À l'heure de l'explosion des contenus multimédias, il devient nécessaire de concevoir des ensembles structurés de termes et concepts facilitant l'organisation et l'accès aux connaissances. Dans les bibliothèques musicales, l'analyse des sentiments et la classification par émotion sont très émergentes et demeurent un objet de recherche ambitieux. La gestion des contenus d'un objet sonaore numérisé répond à une indexation documentaire à trois niveaux : " contenu - auctorialité - matérialisation ". Ce triptyque nous semble tomber en désuétude et ne correspond plus aux attentes de l'usager. L'information musicale appelle ainsi à une production et représentation nouvelle. Notre problématique est la suivante : est-il possible d'avoir une connaissance a priori de l'émotion en vue de son élicitation ? Autrement dit, dans quelles mesures est-il possible de bâtir une structure formelle algorithmique permettant d'isoler le mécanisme déclencheur des émotions? Est-il possible de connaître l'émotion que l'on ressentira à l'écoute d'une chanson, avant de l'écouter ? Suite à l'écoute, son élicitation est-elle possible ? Est-il possible de formaliser une émotion dans le but de la sauvegarder et, ou, de la partager ? Dans ce travail de thèse, nous proposons d'abord un aperçu de l'existant et du contexte applicatif. Plusieurs scénarios très concrets sont envisageables, parmi eux : un répondeur téléphonique triant les messages enregistrés en fonction de leur humeur ; recherche de musique apaisante après une journée de travail ; recherche de musique excitante pour accompagner une activité sportive ; recherche d'opinions sur les réseaux sociaux, etc. ; Dans une seconde partie nous proposons une réflexion sur les enjeux épistémologiques intrinsèques et liés à l'indexation même de l'émotion. La " mise en œuvre d'une solution d'indexation automatique fait appel à de nombreux domaines scientifiques ".1 Afin de saisir la complexité de l'indexation de l'émotion pour l'enrichissement des métadonnées, nous allons adopter une méthodologie exploratoire interdisciplinaire. En effet, à travers une démarche psychologique, physiologique et philosophique, nous proposerons un cadre conceptuel de cinq démonstrations faisant état de l'impossible mesure de l'émotion, en vue de son élicitation. Une fois dit, à travers notre cadre théorique, qu'il est formellement impossible d'indexer les émotions ; il nous incombe de comprendre la mécanique d'indexation cependant proposée par les industriels et académiques. La réalité du terrain est telle que plusieurs interfaces web ou logicielles proposent des services d'expérience de moteur de recherche fouillant une base de données, avec des métadonnées sur les émotions. Dans la dernière partie, nous proposerons, via des enquêtes quantitatives et qualitatives, une analyse afin de soumettre une matrice algorithmique basée sur le web social capable de faire des préconisations d'écoute d'œuvres musicales eu égards aux émotions.
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Domingo, Belando M. Carme. "La música en la pintura en contextos educatius.Una mirada didàctica del classicisme musical a les avantguardes històriques". Doctoral thesis, Universitat Rovira i Virgili, 2016. http://hdl.handle.net/10803/399236.
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La tesi que exposem es basa en una aproximació a la música a través de les arts plàstiques, concretament amb una mirada a la pintura. Es treballa en diferents nivells educatius amb el propòsit d’integrar pedagògicament ambdues àrees mitjançant la pràctica activa amb els recursos pedagògics adients; és, per tant, una recerca interdisciplinària entre la Història de la Música i la Història de l’Art.
Partint de l’estat de la qüestió i la hipòtesi inicial, s’ofereix una primera part de la investigació, a tall de mostra, sobre la relació entre la música i la pintura a partir d’instruments musicals, temàtiques universals i compositors i pintors destacats que van tenir un ressò en l’art del classicisme, romanticisme i avantguardes artístiques del segle XX.
La segona part de la tesi exposa el treball pedagògic dut a terme, com ara l’activitat “L’Art en la recerca: treballem amb l’Art, eduquem per la Pau”, que inclou la preparació i la realització d’un concert en el Museu d’Art Modern de la Diputació de Tarragona (MAMT) a càrrec de l’alumnat d’un Institut, interpretant obres de creació pròpia relacionades amb obres d’art del museu. També es mostra el treball realitzat en diferents contextos educatius sobre la comprensió de la música en relació amb la pintura, partint del classicisme i romanticisme musical fins a les avantguardes artístiques del segle XX, amb l’aplicació pedagògica dels continguts tractats en els capítols II, III i IV.
La investigació aporta la valoració per part de l’alumnat i professorat de la metodologia d’ensenyament-aprenentatge proposada, reflectida en les conclusions. Es considera important que l’alumnat arribi a assolir al llarg dels respectius cursos acadèmics el coneixement i la valoració d’obres d’art relacionades amb els diferents estils musicals de la història de la música d’Occident.La tesis que exponemos está basada en una aproximación a la música a través de las artes plásticas, concretamente en una mirada a la pintura. Se trabaja en diferentes niveles educativos con el propósito de integrar pedagógicamente ambas áreas mediante la práctica activa con los recursos pedagógicos adecuados; es, por tanto, una investigación interdisciplinar entre la Historia de la Música y la Historia del Arte. Partiendo del estado de la cuestión y la hipótesis inicial, se ofrece una primera parte de la investigación, a modo de muestra, sobre la relación entre la música y la pintura a partir de instrumentos musicales, temáticas universales y compositores y pintores destacados que han tenido un eco en el arte del clasicismo, romanticismo y vanguardias artísticas del siglo XX. La segunda parte de la tesis expone el trabajo pedagógico realizado, como la actividad "El Arte en la investigación: trabajemos con el Arte, eduquemos para la Paz", que incluye la preparación y la realización de un concierto en el Museo de Arte Moderno de la Diputación de Tarragona (MAMT) a cargo de los alumnos de un Instituto, interpretando obras de creación propia relacionadas con obras de arte del museo. También se muestra el trabajo realizado en diferentes contextos educativos sobre la comprensión de la música en relación con la pintura, partiendo del clasicismo y romanticismo musical hasta las primeras vanguardias artísticas del siglo XX, y la aplicación pedagógica de los contenidos tratados en los capítulos II, III y IV. La investigación aporta la valoración por parte del alumnado y profesorado de la metodología de enseñanza-aprendizaje propuesta, reflejada en las conclusiones. Se considera importante que el alumnado llegue a alcanzar a lo largo de los respectivos cursos académicos el conocimiento y valoración de obras de arte relacionadas con los diferentes estilos musicales de la historia de la música de Occidente.
This thesis is based on an approach to music through visual arts, more specifically through painting. It works at different educational stages in order to integrate pedagogically both areas, music and painting, through active practice with appropriate educational resources; therefore, it is an interdisciplinary research between Music History and Art History. Starting from the state of affairs and the initial hypothesis, the first part of the investigation provides examples of the relationship between music and painting based on musical instruments, on universal themes and also on composers and painters that are prominent in classicism, romanticism and avant-garde twentieth century. The second part of the thesis introduces the pedagogical work that has been elaborated, for instance the activity "The art in the research: let us work with Art and educate for Peace". This work includes the preparation and implementation of a concert in the Modern Art Museum of Tarragona (MAMT) lead by students of an institute, in which the students performed musical works created by them, works that were related to the artworks of the museum. In this part it is also introduced the work that has been done in different educational contexts concerning the understanding of music in relation to painting from the classical and romantic music to the twentieth century avant-garde, and also the pedagogical application of the content covered in chapters II, III and IV. In its conclusions, this research provides the assessment done by students and teachers of the teaching-learning proposal. It is considered important that during the respective academic courses the students achieve the knowledge and the appreciation of works of art related to the different musical styles of the history of Western music.
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Canova, Nicolas. "L'imaginaire géographique à l'épreuve du phénomène musical : L'exemple du flamenco en Andalousie". Phd thesis, Université de Grenoble, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00913534.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
Au cours du 20e siècle, la musique s'est affirmée comme un objet pertinent pour les géographies francophones et anglophones. Bien que ce constat s'accompagne aujourd'hui de publications nombreuses et variées, le sujet continue d'étonner à l'intérieur même de la discipline. Ce travail explore les causes d'un tel blocage. L'hypothèse suppose que l'affirmation de la musique comme objet géographique est responsable du paradoxe constaté. Si cette idée se vérifie lorsque la justification élaborée par les music geographers est à la source d'une forme d'inertie, elle montre surtout que l'enfermement d'un objet dans un sous-courant porte atteinte à sa liberté de circulation intradisciplinaire. Affirmer la pertinence du sujet sans pour autant restreindre l'objet à une sous-discipline implique alors la généralisation disciplinaire de la musique, puis sa pluridisciplinarisation. En guise de terrain, le flamenco illustre la complexité géographique d'un phénomène musical. La flamencologie historique s'est construite sur des oppositions et des incertitudes, principalement parce qu'elle a cherché à spécifier les caractéristiques de son objet. En travaillant le flamenco dans tous ses espaces, lieux et territoires, nous voyons qu'il fait converger divers points de vue, dans la tension ou dans la continuité. L'analyse des relations interspatiales permet de mieux saisir l'objet dans l'espace géographique. Ainsi, ses différentes dimensions (socioculturelle, économique et politique principalement) peuvent être réunies pour aborder les principes d'une action flamenca.
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Perreau, Dominique. "La musique de Chambre d'Ernest Chausson". Phd thesis, Université Jean Monnet - Saint-Etienne, 2010. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00676951.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
La présente étude se propose d'établir une connaissance plus approfondie de la musique de chambre d'Ernest Chausson. Celle-ci tient compte à la fois de l'environnement musical, culturel et esthétique de l'auteur. Cette production permet de réactualiser la sensibilité d'un musicien,. qui apparaît comme une personnalité incontournable du renouveau mwical français en cette fin de XDr' siècle. La première partie est consacrée à des analyses purement formelles ducorpus, explicitant une réalité objective du phénomène sonore. La seconde partie, s'attache à la mise en valeur d'une plus grande exigence unitaire, à travers l'utilisation de la fonne cyclique. Une troisième partie, étudie les modalités de fonctionnement dialogique des différentes oeuvres, dans le but de sonder plus profondément, la pensée musicale de Chausson. Enfin. une denùère partie, inscrit cette recherche dans un courant esthétique de l'époque :le symbolisme, quia pu influencer certains gestes musicaux du compositeur. Ces différents points, ont été jalonnés par des écrits de l'époque, tout en s'appuyant également sur des travaux musicologiques contemporains.
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Barberá, Úbeda José Manuel. "Opciones funcionales y soluciones técnicas en la traducción cantable de canciones del inglés al español: el caso de David Bowie". Doctoral thesis, Universitat Jaume I, 2020. http://hdl.handle.net/10803/669468.
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Esta tesis doctoral pretende contribuir al estudio teórico-metodológico de la traducción cantable de canciones de un subtipo equilibrado entre sus valores musicales y literarios, como son las de David Bowie. La tesis adapta principios traductológicos generales (continuum entre traducción y adaptación; funcionalismo en tres niveles; descriptivismo con referencia en el original), y propios del tipo de texto (traducción poética; prevalencia del ritmo musical; logocentrismo vs. musicocentrismo; pragmatismo; y aceptabilidad en el ajuste músico-textual, foco especial de la tesis).
Se analizan once canciones originales y catorce versiones (estructura; rasgos literarios y musicales). Como resultado, se plantea una tipificación abierta de recursos musicales, acentuales y poéticos de ajuste, y se muestran alteraciones estilísticas y semánticas y tratamientos traductológicos generales. Finalmente, se concluye que, a pesar de las inevitables alteraciones en los valores originales, la traducción cantable facilita la aproximación directa y sincrónica a los mismos, su disfrute y el acceso al original.This doctoral thesis aims to contribute to the theoretical-methodological study of the singable translation of songs of a subtype, balanced between both its literary and musical values, such as those of David Bowie. The thesis adapts translatological principles, both general (continuum between translation and adaptation; functionalism on three levels; descriptivism with reference to the original) and text type specific (poetic translation; prevalence of musical rhythm; logocentrism vs. musico-centrism; pragmatism; and acceptability with regards to musical-textual fit, which is the special focus of this thesis). Eleven original songs and fourteen cover versions are analyzed (structure; literary and musical features). As a result, an open classification of musical, accentual, and poetical adjustment resources is taken into consideration, and stylistic, semantic shifts and general translatological approaches are demonstrated. In conclusion, despite the inevitable alterations to the original values, the singable translation facilitates a direct, synchronous comprehension and enjoyment of them, and access to the originals.
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Nentwig, Anne-Cecile. "Sociologie des musiciens traditionnels amateurs : Pratiques musicales et style de vie". Phd thesis, Université de Grenoble, 2011. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00733932.
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" Musiques traditionnelles", " musiques du monde" ou " musiques tradiporaines " d'aujourd'hui, " musiques folkloriques " d'hier, " musiques de nos racines ", toutes les époques ont été saisies par un intérêt de sauvegarde des musiques populaires, les inscrivant de manière différenciée dans le contexte social. Cette recherche interroge, à partir d'un regard sociologique, l'ordinaire et l'extra-ordinaire des musiciens amateurs, par le prisme leur pratique musicale en tant que moyen de construire une réalité sociale. C'est donc l'articulation de cette pratique avec un ensemble de valeurs et de symboles qui sous-tendra l'ensemble de ce questionnement. A partir de la pratique musicale amateur, il s'agit de comprendre les enjeux sociaux d'un courant musical en pleine expansion. Notre interrogation centrale consiste à savoir si la musique participe à la structuration du monde social, avec ses conventions, son mode de fonctionnement, ses symboles et ses référents. Comment le goût pour un répertoire musical,générateur de symboles et des valeurs va-t-il trouver écho dans des pratiques ordinaires, participant à un processus de bricolage (De Certeau 1990) du quotidien ? En analysant les pratiques musicales en amateur, nous cherchons à décrire les affinités électives (Weber, 1989) existantes entre un courant musical et la construction d'un ordinaire.
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Roth, Raphaël. "Bande originale de film, bande originale de vie : pour une sémiologie tripartite de l'emblème musical : le cas de l'univers Disney". Phd thesis, Université d'Avignon, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00987167.
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Cette thèse présente les résultats d'une recherche sur la musique au cinéma et la prolongation de l'expérience cinématographique en dehors de l'espace et du temps du dispositif cinématographique par l'écoute de la bande originale du film. Plus particulièrement elle aborde la bande originale du film en tant que musique emblématique de l'univers filmique. Elle instruit une réflexion sur la place de la musique dans nos vies et sa capacité à créer et recréer des expériences esthétiques du quotidien. A partir de la tripartition sémiologique développée par Jean Molino, nous proposons d'appréhender la bande originale de l'univers Disney depuis les conditions et le contexte de sa production d'abord, c'est-à-dire au niveau "poïétique ". Nous procédons à l'analyse de l'univers filmique et musical ensuite en nous plaçant au niveau " neutre " de l'œuvre. Enfin, par le biais d'une enquête par questionnaire dans le cadre d'un protocole de recherche expérimental nous analysons la réception de la bande originale de film à son niveau " esthésique ". Le mickeymousing, technique cinématographique définissant la ponctuation narrative des mouvements par la musique, est appréhendé comme une forme d'esthétisation du réel. Entre synchronisation, emblème et réel esthétisé cette recherche porte, in fine, sur l'esthétisation cinématographique du quotidien par la musique. De la bande originale de film à la bande originale de vie, les fonctions emblématiques de la musique sont décrites par une ethnographie de la musique au quotidien (festivals, trains, Disneyland, rayons des disquaires).
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Rochette, Françoise. "Entraînement auditif et musical chez l'enfant sourd profond : effets sur la perception auditive et effets de transferts". Phd thesis, Université de Bourgogne, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00984032.
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Ce travail de thèse porte sur l'entraînement auditif chez des enfants sourds profonds congénitaux. Il a pour objectif d'évaluer non seulement les effets de l'entraînement auditif sur les performances auditives générales mais aussi les effets de transfert sur la perception langagière et la production de la parole. Une période prolongée de déprivation auditive entraîne des difficultés massives de réception et de production du langage, des difficultés cognitives et perturbe la maturation des voies auditives centrales qui limitent les effets de la réhabilitation de la transmission sonore (implants ou prothèses auditives). Il est donc indispensable d'apprendre aux enfants l'acte d'écouter et de développer leur acuité auditive. La première étude de ce travail évalue la méthode d'entraînement auditif le " Son en Mains ", un programme expérimental ludique qui permet la stimulation des opérations auditives générales, telles que l'identification, la discrimination, l'analyse de scènes auditives et la mémoire auditive. L'entraînement se déroule sur une période de 16 semaines à raison d'une séance hebdomadaire. Les résultats sont présentés et discutés dans les quatre premiers articles de la partie expérimentale. Ils montrent que le programme d'entraînement " Son en Mains " permet aux enfants sourds profonds une amélioration de leurs performances auditives mais surtout des effets de transfert vers les tâches non entraînées (discrimination phonétique et production de la parole). Les études 2 et 3 de cette thèse s'intéressent aux effets de l'apprentissage musical chez des enfants sourds profonds congénitaux. Ces études sont basées sur les observations effectuées chez les enfants normo-entendants qui montrent que l'apprentissage de la musique induit non seulement un traitement auditif plus fin mais aussi des effets positifs sur la cognition. Dans l'étude 2, des enfants sourds suivant des leçons de musique depuis 4 ans en moyenne montrent de meilleures performances en discrimination phonétique que les enfants sourds non musiciens issus du même établissement spécialisé. Ainsi, les scores des enfants musiciens semblent comparables à ceux obtenus avec le programme d'entraînement " Son en Mains " chez des enfants non musiciens (article 5). Enfin, la troisième étude de cette thèse explore les effets de leçons musicales sur la perception des émotions musicales et sur les capacités d'apprentissage implicite. Les résultats montrent que les enfants sourds musiciens présentent plus de difficultés que les enfants entendants non musiciens pour identifier les différentes émotions musicales (article 6). En revanche leurs capacités d'apprentissage implicite sont équivalentes (article 7). Les articles 8 et 9 représentent notre contribution méthodologique et théorique. En discussion générale, nous débattons des implications de ces résultats dans la prise en charge des enfants sourds profonds.
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Lecocq, Aurélie. "Génèse et évolution des compétences des élèves à la fin de l'école maternelle : éléments d'analyse à partir de données de panel et d'une expérimentation musicale". Phd thesis, Université de Bourgogne, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00994721.
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Nous nous proposons d'étudier, dans cette thèse, une question essentielle et relativement peu traitée dans les recherches françaises en sciences de l'éducation, elle concerne la genèse des acquisitions des élèves et leur évolution au cours de la scolarité. En nous appuierons sur la mobilisation des données longitudinales (panel 1997) ainsi que sur la mise en œuvre d'une expérimentation musicale à l'école maternelle, nous chercherons à répondre à ces questions : Comment se structurent et évoluent les premiers apprentissages des élèves dans le contexte scolaire et socioéconomique ? En quoi les capacités cognitives des élèves ont un impact sur leurs performances scolaires ? Est-ce que des activités spécifiques peuvent avoir un effet positif sur les compétences scolaires, via un accroissement des capacités cognitives ? Des analyses implicatives menées sur les données du panel ont mis en évidence la hiérarchisation des compétences des élèves et l'importance des capacités cognitives sur leur rendement scolaire. La revue de littérature regorge d'exemples probants qui attestent qu'il est possible d'accroitre les performances scolaires des élèves en développant certaines de ces capacités cognitives, et que la musique est un outil particulièrement efficace en ce sens. Nous avons donc cherché à tester empiriquement l'impact de la musique sur les capacités cognitives et sur les performances scolaires des élèves en effectuant une recherche expérimentale. Elle repose sur une méthodologie robuste qui garanti la validité des résultats qui en sont issus. Si les résultats des analyses de différence de différences, confirmés par les modèles de réponse à l'item, sont peu concluants quant à l'impact de la musique sur les progressions des capacités cognitives, nous avons montré et vérifié via le modèle d'Heckman que le traitement expérimental a un effet sur les performances scolaires des élèves.
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Cheippe, Emmanuelle. "La voie musicale pour remédier aux difficultés de prononciation des voyelles de l'allemand dans des textes lus : expérimentation dans une classe bilingue : analyse acoustique". Phd thesis, Université de Strasbourg, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00781335.
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Dans cette étude, nous analysons dans quelle mesure l'exploitation d'un chant populaire, pourrait aider les élèves francophones dans la lecture de textes en allemand. L'exercice musical peut-il contribuer à faciliter la prononciation des voyelles de la langue allemande et ainsi permettre de remédier aux nombreuses difficultés mentionnées dans la littérature et repérées en classe ? L'expérimentation décrite ici a été menée dans une classe bilingue de Strasbourg. Vingt élèves d'une même classe ont été répartis en deux groupes. Le premier groupe avait pour objectif l'apprentissage de la chanson " La Belle au Bois Dormant " tandis que le deuxième s'est focalisé sur la lecture et la compréhension du même texte, sans usage du chant. Les sujets ont été enregistrés pendant la lecture du texte en amont (test T1) et en aval (test T2) de l'expérimentation. Nous avons également examiné l'impact d'un support multimédia élaboré en 2008. Cet outil est supposé pouvoir constituer une aide à l'apprentissage de la lecture par le biais d'exercices adaptés et d'une version chantée dite " karaoké ". La spécificité des résultats des tests T1 et T2 dans chacun des groupes (éléments musicaux, accents d'intensité, premiers et seconds formants) ainsi que la comparaison de deux séquences incluant /a/ d'une part et /a:/ d'autre part, confortent les hypothèses issues de la psycholinguistique, des neurosciences, de la sociolinguistique et de la pédagogie ainsi que d'expériences antérieures : la musique a effectivement un impact sur la qualité vocalique d'une langue accentuelle comme l'allemand.
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Bachir-Loopuyt, Talia. "Une musique du monde faite en Allemagne ? : les compétitions Creole et l'idéal d'une société plurielle dans l'Allemagne d'aujourd'hui". Phd thesis, Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00927409.
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Ce travail vise à rendre compte des relations entre création musicale, politiques de la diversité et mondialisation dans l'Allemagne d'aujourd'hui en partant d'un cas : creole, un cycle de compétitions organisé selon un principe fédéral, qui donne lieu à des festivals dans différentes villes et débouche tous les deux ans sur un prix récompensant trois ensembles de " musiques du monde d'Allemagne ". Selon les textes des programmes, cette manifestation est censée illustrer la créolisation du monde et les connexions émergeant entre différentes cultures et genres musicaux présents en Allemagne. Lorsque l'on se penche sur le processus d'émergence de ce projet et les dynamiques de mobilisation des participants, il s'avère cependant que le spectre des attentes est plus complexe et que ces événements, plutôt qu'illustrer une réalité univoque, fabriquent en des versions plurielles tout un monde de musiques d'Allemagne. L'étude de ce cas n'est pas une fin en soi mais un moyen pour appréhender divers aspects de l'Allemagne contemporaine. Les débats qui ont cours dans l'intimité du secteur des " musiques du monde " (" die Nische Weltmusik ") manifestent plus largement des tensions traversant la société allemande d'aujourd'hui : en tant que terre d'immigration partagée entre l'idéalisation du métissage et la mise en avant de cultures distinctes, en tant que " pays de musique " connu pour la richesse de son patrimoine savant et en même temps désireux de promouvoir des artistes " populaires " ou " modernes ", en tant que système politique fédéral devant composer avec les diverses instances locales et les cadres mondialisés du marché et de la politique culturelle. Autant l'arrière-plan considéré dans ce travail est large, autant l'attention portée aux situations d'interaction se veut précise : pour rendre compte du processus de fabrique des festivals et des environnements différenciés dans lesquels ils s'inscrivent, des logiques de sélection et des dynamiques de délibérations des jurys, des cadres organisant chaque épreuve ainsi que des débats qui surgissent parmi les spectateurs sur " l'esprit " des festivals creole.
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Curtet, Johanni. "La transmission du höömij, un art du timbre vocal : ethnomusicologie et histoire du chant diphonique mongol". Phd thesis, Université Rennes 2, 2013. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00949955.
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Cette thèse est une étude ethnomusicologique à dimension historique portant sur la transmission globale du höömij en Mongolie. Pour expliquer l'évolution de cette technique vocale, sont explorés les légendes, les conceptions autochtones, l'histoire des années 1950 au début des années 2010 et la mise en patrimoine pour l'avenir.La première partie montre comment le chant diphonique prend forme dans sa culture. Perçu comme un art du timbre par ses détenteurs, il entretient des relations avec la nature, ainsi qu'un ensemble de techniques vocales et instrumentales issues des contextes rituel et pastoral. Ces fondements du höömij sont ensuite examinés à la lumière de l'histoire de la Mongolie. Entre les périodes soviétique etcontemporaine, la deuxième partie brosse les changements survenus dans la pratique, entre la scène et l'enregistrement. À côté de l'usage rural, se développe une nouvelle forme professionnelle. Tous ces apports ont façonné le chant diphonique mongol dans son état actuel. La troisième partie étudie la transmission à travers l'enseignement et la patrimonialisation. Les maîtres évoluent entre deux pôles : un village de l'Altaï perçu comme le lieu des origines, et une université d'Ulaanbaatar, qui académise la pratique et diffuse son modèle au niveau national. Tout cela participe au processus de patrimonialisation du höömij, desa constitution en emblème musical sous la période soviétique à son inscription sur la liste du Patrimoine Culturel Immatériel de l'Unesco. Le höömij mongol apparaît dans toute sa contemporanéité
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Hammond, Rachel. "Rhythmic and metric structure in Alberto Ginastera's piano sonatas". Master's thesis, University of Central Florida, 2011. http://digital.library.ucf.edu/cdm/ref/collection/ETD/id/4912.
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Alberto Ginastera (1916-1983) was one of the leading South American composers of the twentieth century. Born in Argentina at a time when his country was striving to achieve a national identity and culture, Ginastera was recognized for combining the techniques of Western European art music with elements of Argentine folk music. His piano sonatas, composed during both his early and late periods, serve as excellent examples of this cultural synthesis throughout the course of his career. The Sonata No. 1 for Piano Op. 22 (1954), Sonata No. 2 for Piano Op. 53 (1981), and Sonata No. 3 for Piano Op. 54 (1982) have been analyzed and discussed in recent scholarship. Theorists have identified Western techniques such as sonata-rondo form, serialism, and symmetry in his compositions. Yet, when addressing rhythm, scholars have focused primarily on highlighting the Argentine dance or Amerindian rhythm that the music exemplifies and have neglected to apply Western analytical tools for analyzing rhythm. The goal of this paper is to approach rhythm and meter in the piano sonatas from a new perspective in order to identify Ginastera's Western European musical techniques. Attention will be given to Ginastera's use of and denial of metric hierarchy and periodicity. The paper will also focus on consonant and dissonant rhythms in the piano sonatas, as well as additive and subtractive rhythms. Because any discussion of rhythm and meter in Ginastera's music cannot ignore its nationalistic origins, the paper provides an introductory chapter that discusses Argentine dance rhythms. However, the bulk of the paper aims to provide analyses from a Western art music viewpoint that illustrate Ginastera's compositional manipulation of rhythm and meter.ID: 030422756; System requirements: World Wide Web browser and PDF reader.; Mode of access: World Wide Web.; Thesis (M.A.)--University of Central Florida, 2011.; Includes bibliographical references (p. 70-71).
M.A.
Masters
Music
Arts and Humanities
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Adam, Karen. "“The Nonmusical Message Will Endure With It:” The Changing Reputation and Legacy of John Powell (1882-1963)". VCU Scholars Compass, 2012. http://scholarscompass.vcu.edu/etd/2692.
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This thesis explores the changing reputation and legacy of John Powell (1882-1963). Powell was a Virginian-born pianist, composer, and ardent Anglo-Saxon supremacist who created musical propaganda to support racial purity and to define the United States as an exclusively Anglo-Saxon nation. Although he once enjoyed international fame, he has largely disappeared from the public consciousness today. In contrast, the legacies of many of Powell’s musical contemporaries, such as Charles Ives and George Gershwin, have remained vigorous. By examining the ways in which the public has perceived and portrayed Powell both during and after his lifetime, this thesis links Powell’s obscurity to a deliberate, public rejection of his Anglo-Saxon supremacist definition of the United States.
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Nolet, Marlene Jennifer. "Toward musical independence: metacognitive strategies employed by young choristers engaged in notational reading tasks". Thesis, 2007. http://hdl.handle.net/1828/277.
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The purpose of the study was to explore metacognitive strategy usage in young choristers engaged in notational literacy tasks. Constructivist approaches encouraging metacognition are used in many subject areas, but have not been studied within a music context. Music-specific strategies (Killian & Henry, 2005) and metacognitive self-regulatory strategies (Zimmerman & Pons, 1986) were sought to learn how students become musically independent.
Ten extra-curricular honour choir participants were studied using a collective case design. Participants completed a background questionnaire, a notational reading session, a performance of the piece studied in the reading session, and an interview describing their learning, which was recorded, analysed and transcribed. Processes of analysis included case aggregation, direct interpretation, and triangulation. Results indicate 1) learning is an individual process, 2) all students used strategies deliberately, though none evaluated the effectiveness of their choices, 3) students using the most strategies achieved the highest accuracy, and 4) students seemed to enjoy and benefit from discussing metacognitive processes.
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Percival, Graham Keith. "Computer-assisted musical instrument tutoring with targeted exercises". Thesis, 2008. http://hdl.handle.net/1828/1081.
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Learning to play a musical instrument is a daunting task. Musicians must execute unusual physical movements within very tight tolerances, and must continually adjust their bodies in response to auditory feedback. However, most beginners lack the ability to accurately evaluate their own sound. We therefore turn to computers to analyze the student's performance. By extracting certain information from the audio, computers can provide accurate and objective feedback to students.
This thesis lays out some general principles for such projects, and introduces tools to help practicing rhythms and violin intonation. There are three distinct portions to this research: automatic exercise creation, audio analysis, and visualization of errors. Exercises were created with Constraint Satisfaction Programming, audio analysis was performed with amplitude and pitch detection, and errors were displayed with a novel graphical interface. This led to the creation of MEAWS, an open-source program for music students.
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Ishiguro, Maho A. "The affective properties of keys in instrumental music from the late nineteenth and early twentieth centuries". 2010. https://scholarworks.umass.edu/theses/536.
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The concept of key characteristics deals with the particular moods which different tonalities are believed to provide to music. Discussions regarding their existence and the validity of the phenomena have always been controversial because of a lack of fundamental reasons and explanations for them. Nevertheless, references to key characteristics have appeared in various fields of study and over many centuries: the Greek doctrine of ethos, writings of Guido d’Arezzo, Jean-Philippe Rameau’s Traité de l’harmonie, scribbles in Beethoven’s sketches, and several passages in Hermann von Helmholtz’s On the Sensations of Tones.
The attitudes and opinions towards key characteristics have varied in each period of its history. Among the ancient Greeks and Romans, the characteristics of modes were discussed among philosophers, namely, Plato, Aristotle, Lucianus and Cassiodorus. They were believed to affect moral development but were also associated with mysticism. In the Middle Ages and Renaissance, references to key characteristics can be found in the writings of numerous theorists, including Gioseffo Zarlino, Ramos de Pariea and Heinrich Glarean. The studies and discussions of key characteristics in those periods became so well explored as to result in the first appearance of a list of the characteristics of each mode.
In Germany and France especially, the discussion of key characteristics reached its peak in the first half of the eighteenth century, when it was studied as a part of Rhetoric. Theorists and composers equally showed their interest in the elements each key could offer to music and how to use keys advantageously in order to enrich the musical experience of the listener.
While key characteristics were studied commonly as a vital subject by composers in the eighteenth century and as a fundamental of musical education by many young musicians in the early nineteenth, this tradition had all but disappeared by the middle of the twentieth. The concept of key characteristics is no longer commonly taught in our musical institutions, and this desertion from such a traditionally significant discipline is ever puzzling and particularly interesting to me. In my thesis, I will focus on writings from the last half of the nineteenth century and the first half of the twentieth to determine the various paths taken in the study of key characteristics. I will investigate the writings and discussions of three scholarly groups—music theorists, composers and scientists—from late nineteenth and early twentieth centuries and discuss how the survival of the study of key characteristics was influenced by aspects of the time: popular aspects and aims in the fields of music theory; cultural and social expectations in the validity of phenomena; pronouncements of composers (Arthur Bliss, Alexander Scriabin, Olivier Messiaen, Arnold Schoenberg and Vincent D’Indy) in their musical styles; the rise of a naturalistic view of physical reality as a field and changes it brought to music and societies. I will also include a comparative summary of the status of key characteristics in various periods.
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Dalby, Susan E. "Electric, eclectic, Canadian: issues of genre and identity in the music of the Guess Who". Thesis, 2009. http://hdl.handle.net/1828/1751.
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Conducting musical analyses over three case studies, Electric, Eclectic, Canadian: Issues of Genre and Identity in the Music of the Guess Who considers issues of genre, culture, and identity in the music of Canadian rock band the Guess Who. The first case study discusses soft rock transformations in the songs “These Eyes” (1968), “Laughing” (1969), and “Undun” (1969). The second case study examines changes in audience identification with the song “American Woman” (1970), performing comparative analyses of the Guess Who original release to Lenny Kravitz’s version (1999). The final case study discusses ideas of authenticity in the folk rock-inspired protest songs “Hand Me Down World” (1970), “Share the Land” (1970), and “Guns, Guns, Guns” (1972), comparing them to the iconic songs “For What It’s Worth” (Buffalo Springfield, 1967), “Big Yellow Taxi” (1970), “Ohio” (Neil Young, 1970 and “Southern Man” (Young, 1970). The conclusions summarise various musical and socio-political aspects of the Guess Who’s output and places it in relation to questions of national identity.
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Kapur, Ajay. "Digitizing North Indian music: preservation and extension using multimodal sensor systems, machine learning and robotics". Thesis, 2007. http://hdl.handle.net/1828/202.
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This dissertation describes how state of the art computer music technology can be used to digitize, analyze, preserve and extend North Indian classical music performance. Custom built controllers, influenced by the Human Computer Interaction (HCI) community, serve as new interfaces to gather musical gestures from a performing artist. Designs on how to modify a Tabla, Dholak, and Sitar with sensors and electronics are described. Experiments using wearable sensors to capture ancillary gestures of a human performer are also included. A twelve-armed solenoid-based robotic drummer was built to perform on a variety of traditional percussion instruments from around India. The dissertation also describes experimentation on interfacing a human sitar performer with the robotic drummer. Experiments include automatic tempo tracking and accompaniment methods. A framework is described for digitally transcribing performances of masters using custom designed hardware and software to aid in preservation. This work draws on knowledge from many disciplines including: music, computer science, electrical engineering, mechanical engineering and psychology. The goal is to set a paradigm on how to use technology to aid in the preservation of traditional art and culture.
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Jones, Randall Evan. "Intimate control for physical modeling synthesis". Thesis, 2008. http://hdl.handle.net/1828/1378.
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Physical modeling synthesis has proven to be a successful method of synthesizing realistic
sounds, but providing expressive controls for performance remains a major challenge.
This thesis presents a new approach to playing physical models, based on multidimensional
signals. Its focus is on the long-term research question, “How can we make a computermediated
instrument with control intimacy equal to the most expressive acoustic instruments?”
In the material world, the control and sounding properties of an instrument or
other object are intimately linked by the object’s construction. Multidimensional signals,
used as connections between a gestural controller and a physical model, can in principle
provide the same intimacy. This work presents a new, low-cost sensor design capable of
generating a 2D force signal, a new implementation of the 2D digital waveguide mesh,
and two experimental computer music instruments that combine these components using
di erent metaphors. The new instruments are evaluated in terms of intimacy, playability
and plausibility. Multidimensional connections between sensors and a physical model are
found to facilitate a high degree of control intimacy, and to reproduce as emergent behavior
some important phenomena associated with acoustic instruments.