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Masset, Delphine. "Eclectisme dans l’art et éducation artistique". Emulations - Revue de sciences sociales, nr 3 (11.09.2018): 41–48. http://dx.doi.org/10.14428/emulations.003.002.
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Dans cet article, Delphine Masset nous présente suite à la réalisation de son mémoire de licence en sociologie une problématisation sociologique de la question de l’enseignement de l’art contemporain. Les questions qu’elle formule se caractérisent par la volonté de mettre aux jours les enjeux interactionnels, communicationnels et normatifs qui se jouent dans la transmission de savoirs artistiques dans les écoles d’art à l’heure actuelle. L’originalité de sa problématique repose sur l’adoption d’un regard politique sur cette question, c’est-à-dire, par l’incorporation des théories délibérative de l’espace publique dans ce champ. Il s’agira alors pour étudier les processus de socialisation artistique de comprendre comment se construisent des espaces de communication interacteurs qui permettront le développement de normes et d’un monde commun unifiant les artistes dans un référent propre.
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Turbet Delof, Yohann. "La polémique artistique, arme de communication massive". Hermès 82, nr 3 (2018): 148. http://dx.doi.org/10.3917/herm.082.0148.
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Loisier, Jean, i Claire Meunier. "Les fonctions communicationnelles des systèmes médiatiques : conception et critères de choix". Articles 19, nr 2 (10.10.2007): 307–26. http://dx.doi.org/10.7202/031616ar.
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Résumé Dans le domaine éducatif, les médias ont été traditionnellement analysés et classés selon les langages naturels qu'ils supportaient (sons et images), les canaux de perception auxquels ils s'adressaient (audioscripto- visuels) ou leur mode de présentation. À partir de l'analyse des dispositifs médiatiques mis en oeuvre lors de trois expériences pédagogiques se proposant de rapprocher les institutions artistiques et scolaires afin de sensi- biliser les jeunes à la création artistique en relation avec leur environnement quotidien, on tente ici de dégager les principales fonctions communication- nelles qui devraient être prises en compte lors de l'élaboration de tout design pédagogique afin de sélectionner, voire de concevoir les systèmes médiatiques les plus adéquats à un projet pédagogique particulier.
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Caune, Jean. "De l'influence de la communication sur la diffusion artistique". Études de communication, nr 12 (1.05.1991): 97–114. http://dx.doi.org/10.4000/edc.2795.
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Nasri, Achref. "La médiation artistique au profit des clubs scientifiques". Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, nr 23 (25.06.2023): 77–86. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i23.1835.
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La relation entre art et culture scientifique est une entrée inédite pour l’étude d’une communication bilatérale recadrée au sein d’une méthodologie pédagogique de l’animation culturelle au sein des institutions de la jeunesse. Il s’agit de l’éveil et de la mise en évidence de la compréhension et l’interprétation scientifique nées des œuvres d’art et même des simples talents en matière artistique. Deux facettes intimement liées l’une à l’autre, l’art et la culture scientifique se nourrissent des nouvelles perspectives quant à la réflexion sur la médiation artistique et la diffusion de la culture scientifique à partir des clubs d’activités scientifiques.
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Lafrenière, Darquise, i Susan M. Cox. "Comparaison de deux méthodes de dissémination de résultats de recherche dans le domaine de la santé : les arts et le café scientifique". Sociologie et sociétés 42, nr 2 (20.01.2011): 117–38. http://dx.doi.org/10.7202/045358ar.
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Un nombre croissant de chercheurs du domaine de la santé se tournent vers des formes novatrices de recherche alliant les méthodologies des sciences sociales et des arts performatifs, littéraires et visuels. Cet article compare et analyse deux méthodes de dissémination de résultats de recherche dans le domaine de la santé : le café scientifique et la performance artistique (arts visuels, chant, poésie, théâtre). L’analyse de questionnaires remplis par 78 répondants et d’entrevues menées auprès de ces personnes indique que la performance artistique est plus efficace dans la communication de résultats de recherche selon trois des quatre critères d’évaluation utilisés : elle suscite davantage d’émotions chez les membres de l’auditoire, suscite plus de questions sur le sujet couvert et influence un plus grand nombre de personnes à modifier leur point de vue et leurs pratiques. Tant le café scientifique que la performance artistique aident les participants à comprendre la problématique exposée. Les arts permettent cependant une compréhension différente.
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Mazel, Quentin. "À la marge du secteur cinématrographique". Réseaux N° 242, nr 6 (14.12.2023): 239–72. http://dx.doi.org/10.3917/res.242.0239.
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Pour les cinéastes français qui œuvrent sur la marge du secteur cinématographique, le financement participatif (ou crowdfunding) a souvent été envisagé comme une solution permettant de combler un déficit de moyens. Pour les jeunes impétrants, il a parfois été considéré comme une nouvelle voie d’accès au circuit « traditionnel ». Cet article analyse les conséquences du crowdfunding sur l’organisation du travail artistique, en interrogeant la manière dont il favorise le maintien des acteurs à des positions marginales. L’enquête repose sur 20 entretiens, menés avec des réalisateurs et porteurs de projets, publiés entre 2010 et 2019, visant le financement de long-métrage de fiction. En décrivant concrètement les effets du crowdfunding sur l’activité artistique, ce travail met notamment à jour un phénomène qui associe un mécanisme de désavantages cumulatifs à des coûts d’opportunité importants.
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Beuscart, Jean-Samuel. "Sociabilité en ligne, notoriété virtuelle et carrière artistique". Réseaux 152, nr 6 (2008): 139. http://dx.doi.org/10.3917/res.152.0139.
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Caune, Jean. "Pratiques culturelles, médiation artistique et lien social". Hermès 20, nr 2 (1996): 169. http://dx.doi.org/10.4267/2042/14921.
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Bouchardon, Serge, Clarisse Bardiot i Hélène Caubel. "Recherche, ingénierie, création artistique : processus, prototypes, productions". Hermès 72, nr 2 (2015): 187. http://dx.doi.org/10.3917/herm.072.0187.
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Paysant, Jean-Jacques. "Enseigner les arts et la culture". Diversité 148, nr 1 (2007): 125–28. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2007.2719.
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L’éducation artistique et culturelle est aujourd’hui dans une situation paradoxale. Personne ne semble remettre en cause son bien-fondé, les avancées dont le système éducatif a bénéficié en son nom. Mais, dans le même temps, les priorités ont changé, d’autres questions éducatives ont émergé dans le champ de la communication et du débat politique.
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Bongiovanni, Pierre. "L’art et le soin procèdent de la même vision et du même mouvement". Hegel N° 1, nr 1 (28.03.2024): 57–60. http://dx.doi.org/10.3917/heg.141.0057.
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Les relations entre les arts et le soin sont traditionnellement envisagées comme deux domaines distincts, susceptibles d’être unis en raison des bénéfices que l’art peut apporter aux patients souffrant de diverses maladies. Le rapport de l’OMS de novembre 2019 souligne que l’art contribue positivement à la santé physique et mentale, appuyé par des preuves issues de plus de 900 publications. Contrairement à cette approche, notre perspective débute non pas avec la maladie, mais avec la nature de l’art et de l’activité artistique, considérés comme essentiels au développement individuel et sociétal. L’art ne se destine pas uniquement aux malades mais touche l’ensemble du corps social, englobant chacun sans distinction de son état de santé. Robert Filliou, figure du mouvement Fluxus, concevait l’art comme rendant la vie plus intéressante que l’art lui-même, mettant l’accent sur l’art comme moyen de communication et d’échange culturel à travers les âges et les sociétés. Bien que l’incorporation de l’art dans les traitements médicaux soit valorisée pour son apport en bien-être et qualité de vie, il est crucial de rappeler que l’art et les pratiques artistiques concernent toute personne, malade ou non. L’art transcende les typologies de soins et reflète une diversité de visions et de pratiques selon les origines et convictions des artistes, incarnant un éternel dialogue entre affirmation et rupture avec les pouvoirs établis, la quête de notoriété ou l’engagement social. La notion d’« artiste » comme entité générique est dénuée de sens face à la multiplicité des pratiques artistiques personnelles et des approches créatives. L’engagement artistique, souvent décrit comme une « nécessité intérieure », peut être une stratégie de survie personnelle face au mal-être. L’affirmation de Filliou que l’art amplifie la vie souligne son importance pour l’enrichissement de l’existence humaine dans toutes ses dimensions. La relation entre l’art et le spectateur, libre de tout jugement, peut révéler des perspectives inattendues et enrichir la compréhension de l’œuvre. L’art, en tant que soin, requiert une ouverture à toutes les formes d’expression pour nourrir le bien-être individuel et collectif, respectant ainsi la vie sous toutes ses formes. L’art et le soin, intimement liés dans les civilisations orientales, offrent une voie d’apprentissage continue pour l’amélioration du vivre ensemble et du soin de soi et des autres.
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Bozhinova, Krastanka. "Expériences interculturelles universitaires et extracurriculaires : le cas d’une université américaine d’arts libéraux en Bulgarie". Alterstice 9, nr 2 (14.10.2021): 91–103. http://dx.doi.org/10.7202/1082531ar.
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Cette étude vise à présenter des actions orientées vers le développement des compétences interculturelles d’étudiants internationaux dans une université située en Bulgarie, au sein de laquelle ils se voient confrontés au besoin d’une double intégration : à l’éducation de style américain et à l’environnement local. L’étude prend en compte des recherches sur les mobilités universitaires centrées sur des notions telles que l’internationalisation de l’enseignement supérieur, la communication interculturelle et l’intégration grâce au curriculum formel et informel. Elle repose sur l’approche interventionniste « critique, intersubjective et socio-constructionniste » selon Dervin et rassemble deux études empiriques fondées sur cette approche dans le domaine de l’enseignement-apprentissage des langues vivantes et de l’activité artistique extrascolaire. L’analyse qualitative des données est centrée sur les épisodes de prise de conscience de particularités culturelles, d’ouverture à l’autre et de distanciation des participants par rapport à leurs attitudes et valeurs, ainsi que la perception des objectifs, des enjeux et de l’impact social de l’action artistique par les acteurs concernés. L’étude se termine par une évaluation du potentiel des expériences interculturelles pour favoriser à la fois la décentration et l’adaptation au milieu institutionnel et à la communauté locale dans le contexte des valeurs de l’éducation en arts libéraux.
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Benghozi, Pierre-Jean, i Thomas Paris. "Évolutions économiques et nouveaux modèles de protection de la propriété littéraire et artistique". Réseaux 16, nr 88 (1998): 11–23. http://dx.doi.org/10.3406/reso.1998.3222.
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Veloso, João. "Peut-on apprendre la variété?: Autour de quelques dimensions de la fixation et la transmission d'une norme phonétique et du rôle des linguistes (Ahoskera jardunaldia)". Euskera ikerketa aldizkaria 60, nr 2 (30.09.2016): 477–98. http://dx.doi.org/10.59866/eia.v60i2.129.
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Nous examinerons différentes questions impliquées dans la fixation et l’enseignement d’une norme phonétique. Il sera question du rôle des linguistes dans les travaux apparemment prescriptifs. Entre les arguments en faveur de cette approche on invoquera (i) la connaissance détaillée du linguiste sur les variations historiques, géographiques et sociales de la langue, (ii) la possibilité de travailler aussi les normes non standard, (iii) la légitimation de l’utilisation des normes non standard dans beaucoup de situations de communication. Outre le contexte éducatif, on présentera des données sur l’entraînement articulatoire y compris le contexte artistique. Les contextes d’illustration sont relatifs au portugais, au mirandais et au français.
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Pedler, Emmanuel. "En quête de réception : le deuxième cercle. Approche sociologique et culturelle du fait artistique". Réseaux 12, nr 68 (1994): 85–104. http://dx.doi.org/10.3406/reso.1994.2622.
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Morand, Louise. "Élèves difficiles : récompenser ou punir ? Une stratégie d’intervention pour les enseignants basée sur le dessin et le jeu". Notes from the Field 48, nr 1 (19.09.2013): 243–51. http://dx.doi.org/10.7202/1018411ar.
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Cet article relate une expérience menée par une enseignante en musique au primaire pour améliorer le comportement d’élèves qui perturbent la classe. Il s’agit d’une activité de dessin à la récréation présentée comme sanction pour les élèves ayant contrevenu aux règles du groupe dans le cours de musique. Cette expérience s’est avérée positive, car elle a permis à l’enseignante d’acquérir une meilleure compréhension des élèves difficiles et d’apaiser les tensions découlant des conflits vécus en classe. L’auteure démontre que le plaisir partagé de la création artistique et du jeu social ont permis d’établir une meilleure communication avec les élèves et d’éviter le recours à la violence et la coercition, tout en incitant les jeunes à coopérer davantage à l’école.
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Zadora, Edwige. "Les établissements d'enseignement supérieur artistique et culturel relevant du ministère de la Culture et de la Communication". Culture chiffres 5, nr 5 (2008): 1. http://dx.doi.org/10.3917/culc.085.0001.
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Laguarda, Alice. "Art et Politique". Emulations - Revue de sciences sociales, nr 9 (10.09.2018): 57–68. http://dx.doi.org/10.14428/emulations.009.004.
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Le développement de pratiques artistiques participatives, relationnelles et contextuelles au sein des sociétés capitalistes démocratiques s’accompagne de multiples modes de relations entre l'artiste et le public. Mais nombre de ces propositions semblent s’être perdues dans la complexité de la matière sociale, propice à la confusion entre animation socio-culturelle, instrumentalisation du public et des artistes ou esthétique compassionnelle. Faut-il en déduire alors que l’artiste est condamné à n’être qu’un professionnel de la communication, qu’un thérapeute des maux de la société ? La poussée des projets et interventions en milieu urbain invite à se demander quelles positions existent aujourd’hui qui permettraient d'évaluer la possibilité d’une fonction critique et polémique de l'artiste. Jochen Gerz nous incite dans Les mots de Paris à réfléchir à la perte de valeur politique de l’espace public. En fondant sa proposition sur la participation d’« exclus » et en ne figeant pas son projet dans une forme conventionnelle, il inverse les règles du jeu artistique et institutionnel, instaure le trouble dans l’appréhension morale de cette « œuvre collective ». Nicolas Simarik et Jean Kerbrat élaborent quant à eux des projets qui cherchent à redéfinir l’autorité de l’artiste, invitant le public à construire un usage actif et critique de l’espace public. L’idée d’une résistance apparaît, contre les logiques de séparations, par l’élaboration de gestes de « profanation ». Ces propositions nous confrontent au sentiment de perte d’appartenance au monde commun, à l’« envahissement du social » et remettent en question, dans leurs processus comme dans leurs partis pris esthétiques, la relation souvent purement fonctionnaliste qu’entretient aujourd’hui le politique vis-à-vis de l’art.
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Beuscart, Jean-Samuel. "Sociabilité en ligne, notoriété virtuelle et carrière artistique. Les usages de MySpace par les musiciens autoproduits". Réseaux 26, nr 152 (31.12.2008): 139–68. http://dx.doi.org/10.3166/reseaux.152.139-168.
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Breuillard, Jean. "Le «Karamzin» d'Èjxenbaum". Modernités Russes 7, nr 1 (2007): 93–115. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2007.1310.
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En 1916, l'article «Karamzin» de Boris Èjxenbaum (1886-1959) fut un événement. Rejetant l'ensemble de la karamzinologie précédente, Èjxenbaum mettait en lumière la richesse intellectuelle et la complexité artistique de l'écrivain russe, en balayant en particulier l'idée que celui-ci avait seulement «rapproché» la langue de la littérature de la langue ordinaire. Èjxenbaum dégageait deux «lignes» chez Karamzin : son intérêt pour la philosophie et son souci de la dimension musicale de la prose. Le présent article est formé de deux parties. La première cherche à préciser l'apport de l'étude d'Èjxenbaum à la karamzinologie de son temps ; la seconde s'applique à la même tâche, mais pour la karamzinologie de notre temps. L'article reconnaît à Èjxenbaum le grand mérite d'avoir rappelé la dimension philosophique de Karamzin, d'avoir attiré l'attention sur sa recension de la grammaire de Jean-Baptiste Maudru (1802) dans laquelle il exposa ses vues sur l'ordre des mots et enfin d'avoir appelé à «lire» Karamzin. L'article montre cependant qu'Èjxenbaum s'est abusé sur l'originalité de Karamzin-philosophe, alors même qu'il n'a pas aperçu la nouveauté et la puissance de ses propositions sur l'ordre des constituants de la phrase. L'articulation concrète, pratique entre la philosophie sensualiste et l'écriture n'est pas vue. On peut donc se demander si l'appareil théorique mis en œuvre par Èjxenbaum, à savoir l'opposition centrale entre l'usage ordinaire de la langue-moyen de communication et l'usage artistique de la langue-matériau, n'a pas contribué à masquer, beaucoup plus qu'à dégager, le cœur de la réforme karamzinienne en matière d'écriture.
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Laval-Jeantet, Marion. "De l’incorporation du sens". Cahiers de recherche sociologique, nr 50 (27.09.2011): 15–32. http://dx.doi.org/10.7202/1005975ar.
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L’artiste, du duo français Art Orienté objet, témoigne ici de la façon dont des expériences vécues vont progressivement modifier sa démarche dans une recherche toujours accrue d’incorporation du sens. Elle retrace ces expériences qui vont de l’art biotechnologique avec la biopsie ou la culture de peau, à l’éthologie et la communication animale, en passant par l’anthropologie avec l’initiation chamanique, et l’initiation aux rites d’approche de la mort des Pygmées du Gaboni, pour finir avec une expérience biotechnologique d’auto-injection de sérum de sang de cheval. Ces expériences radicales, abordées ici d’un point de vue autant artistique que psychologique et anthropologique, interrogent frontalement la question du post-humain à travers la notion d’altérité. Elles proposent un élargissement de la définition de conscience humaine par une tentative de perception de l’extra-humain, animal en particulier.
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Behiery, Valérie. "Discours alternatifs du voile dans l’art contemporain". Sociologie et sociétés 41, nr 2 (18.02.2010): 299–325. http://dx.doi.org/10.7202/039272ar.
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Résumé Le voile musulman demeure un sujet contentieux dans les courants dominants de la culture occidentale et ses médias. Son usage métonymique qui en fait une abréviation visuelle de la musulmane opprimée, et par extension de la misogynie ou de la violence de l’islam, s’oppose de façon nette aux nombreuses illustrations du voile dans la pratique artistique contemporaine des artistes d’origine musulmane qui aujourd’hui exposent et souvent vivent en Europe ou en Amérique du Nord. Cet article se penche d’abord sur cette divergence et sur ses significations sous-jacentes, pour ensuite dessiner trois discours alternatifs du voile que l’on retrouve dans l’art contemporain. Les oeuvres précises analysées et les nouveaux discours sur le voile qu’elles proposent réorientent le regard ; en déplaçant le voile, qui est un site qui tend à être mal traduit, ces discours reconfigurent le monde, et dévoilent des espaces possibles de communication et d’interactions transnationales.
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El Sakka, Abaher. "Revendication identitaire et représentations sociales : émergence d’un nouveau mode d’expression artistique de groupes de jeunes Palestiniens". Cahiers de recherche sociologique, nr 49 (28.03.2011): 47–62. http://dx.doi.org/10.7202/1001411ar.
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Le mouvement artistique rap et hip-hop palestinien est un support de revendications, conscientisation ou moralisation, informatif, pédagogique, parfois politique ou religieux. Il aspire à l’élaboration et la reconnaissance d’une identité plurielle et particulière. La surcharge de sens, caractéristique du travail symbolique, se situe aussi au niveau émotionnel. La communication sociale, en effet, n’est pas toujours purement instrumentale ni froidement fonctionnelle. Les symboles, socialement efficaces, ont pour caractéristique de mobiliser l’attention sur divers registres affectifs. « Il y a donc symbole là où se manifeste une capacité à provoquer chez les agents sociaux des projections émotionnelles, positives ou négatives, ou des mécanismes d’allégeance identitaire ». Elles paraissent essentielles à la promotion de la cohésion d’un groupe et pour la diffusion de ses valeurs et des éléments centraux de son idéologie. Le phénomène hip-hop est devenu incontournable dans le paysage musical et culturel contemporain palestinien. Le hip-hop n’est pas seulement un genre musical, il est aussi un art de vivre, une mode vestimentaire, une philosophie, une posture sociale. Les interviewés se voient comme créateurs de nouvelles formes d’expression musicale. Véritable culture de rue, le hip-hop a un langage, un état d’esprit, des signes de reconnaissance, une mémoire, un sentiment d’appartenance revendiquée ou attribuée.
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Rice, Ryan. "Presence and Absence Redux: Indian Art in the 1990s". RACAR : Revue d'art canadienne 42, nr 2 (25.01.2018): 42–53. http://dx.doi.org/10.7202/1042945ar.
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Les années 1990 sont une décennie cruciale pour l’avancement et le positionnement de l’art et de l’autonomie autochtones dans les récits dominants des états ayant subi la colonisation. Cet article reprend l’exposé des faits de cette période avec des détails fort nécessaires. Pensé comme une historiographie, il propose d’explorer chronologiquement comment les conservateurs et les artistes autochtones, et leurs alliés, ont répondu et réagi à des moments clés des mesures coloniales et les interventions qu’elles ont suscitées du point de vue politique, artistique, muséologique et du commissariat d’expositions. À la lumière du 150e anniversaire de la Confédération canadienne, et quinze ans après la présentation de la communication originale au colloque, Mondialisation et postcolonialisme : Définitions de la culture visuelle V, du Musée d’art contemporain de Montréal, il reste urgent de faire une analyse critique des préoccupations contemporaines plus vastes, relatives à la mise en contexte et à la réconciliation de l’histoire de l’art autochtone sous-représentée.
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Marcoux, Gabrielle. "Ossements animaux dans l’art autochtone actuel". Recherches amérindiennes au Québec 45, nr 2-3 (15.11.2016): 25–32. http://dx.doi.org/10.7202/1038039ar.
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Les ossements animaux occupent des fonctions pratiques et rituelles extrêmement variées et complexes au sein des cultures ancestrales atikamekw et innue, que ce soit sur le plan spirituel, alimentaire, artistique ou autre. Encore aujourd’hui, en plus d’évoquer le trépas, les ossements font référence aux pratiques de communication avec les esprits animaux – comme la scapulomancie – et à la vision holistique du monde chez les peuples algonquiens. En intégrant des peaux et des fragments de squelettes animaux à leurs oeuvres portant sur des réalités contemporaines de pertes et de négociations intimes et collectives d’ordre culturel et territorial, les artistes Sonia Robertson et Eruoma Awashish parviennent à réactualiser le pouvoir de guérison et de résurgence traditionnellement associé aux ossements. Ainsi, la mise en scène d’os permet à ces créatrices de réécrire l’histoire de lieux chargés de sens et de réaffirmer l’importance actuelle de notions spirituelles, identitaires et culturelles autochtones ancestrales dans un contexte de réaffirmation collective et individuelle.
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Zadora, Edwige. "Les établissements d'enseignement supérieur artistique et culturel relevant du ministère de la Culture et de la Communication Année scolaire 2008-2009". Culture chiffres 6, nr 6 (2009): 1. http://dx.doi.org/10.3917/culc.096.0001.
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Everaert-Desmedt, Nicole. "La pensée iconique". Recherches sémiotiques 33, nr 1-2-3 (22.02.2016): 165–76. http://dx.doi.org/10.7202/1035290ar.
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Nous partons de la distinction que Peirce (C.P. 2.276) établit entre les signes iconiques ou hypoicônes et l’icône pure. Cette distinction nous est apparue fondamentale pour rendre compte du fonctionnement des oeuvres d’art. Dans des travaux antérieurs, nous avons élaboré, à la lumière de Peirce, un modèle de la communication artistique qui met en rapport la production et la réception d’une oeuvre. Nous considérons que l’objectif d’une oeuvre d’art est de capter ce que Peirce appelle des “qualités de sentiments” (de l’ordre du possible, de la priméité), qui, au départ, sont vagues et confuses. L’artiste les rend intelligibles sous la forme de signes iconiques ou hypoicônes. Cependant, les signes ne parviennent jamais à matérialiser complètement la priméité : l’icône pure demeure irreprésentable. Ce que fait essentiellement une oeuvre d’art - sa spécificité, à notre avis -, c’est, par un agencement de signes iconiques, conduire le récepteur au-delà de la limite du représentable, à un niveau de pensée iconique, c’est-à-dire une pensée capable d’envisager une qualité totale et infinie.
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Provencher, Guillaume. "De l’art à la barre ?" Les Cahiers de droit 58, nr 1-2 (17.05.2017): 7–32. http://dx.doi.org/10.7202/1039830ar.
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L’avocat a une responsabilité et une fonction sociale essentielle. Il travaille à faire le bien et à maintenir la paix au sein du groupe. Il reconnaît mieux que d’autres les malaises et les situations injustes dans la société, en plus d’avoir concrètement la possibilité d’agir sur eux en les exposant publiquement au tribunal. L’avocat est un acteur social et la salle de cour constitue la scène sur laquelle il est appelé à se produire juridiquement. Sa performance personnalisée et prophétique s’apparente grandement à celle d’un comédien au théâtre. Affirmer ainsi qu’il peut y avoir effectivement de l’art à la barre, identifier l’avocat à un artiste ou encore assimiler la performance d’un procureur lors d’un procès à une prestation artistique permet de mieux comprendre l’importance du rôle de l’avocat dans la société. L’artiste, tout comme l’avocat, assure une communication entre les individus. Tous les deux sont libres et créatifs. Ils s’adressent à tout le monde et parlent pour tous et au nom de tous. Ils se font tribuns. Ils disent tout haut ce qui ne doit pas rester silencieux. Artiste et juriste se ressemblent et ont en commun bien plus que le même suffixe.
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Lesage, Marie-Christine, i Audrey-Anne Cyr. "Critique théâtralisée des esthétiques marchandes". Dossier 39, nr 1 (24.02.2014): 29–44. http://dx.doi.org/10.7202/1022991ar.
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Cet article traite de Félicité et de Chante avec moi d’Olivier Choinière, deux oeuvres (l’une dramatique, l’autre scénique) au sein desquelles se cristallise l’entreprise artistique de ce créateur atypique, laquelle consiste, entre autres, à effectuer une critique des esthétiques marchandes. La perméabilité des rapports d’influence entre la réalité et le spectacle est au coeur de ces deux créations, dont la forme est inspirée par la pensée de Guy Debord. L’importance accordée au rôle et à la position du spectateur est affirmée, chez Choinière, comme espace de désaliénation nécessaire. Cette traversée est complétée par une réflexion sur la pièce de Guillaume Corbeil, Nous voir nous (Cinq visages pour Camille Brunelle) (2013), qui prolonge autrement la critique d’un art de consommation de masse, en prenant comme modèle les modes de communication des réseaux sociaux. La toute récente dramaturgie de cet auteur s’attaque à l’hyperspectacle de soi dans la société médiatisée qui est la nôtre. Le texte se présente comme un dispositif performatif de paroles qui met en jeu les mécaniques aliénantes qu’il critique. Les créations de Choinière et de Corbeil ont la particularité d’inscrire à même leur architecture dramatique et scénique cette logique médiatique, en l’exacerbant de manière à en montrer le caractère aliénant, voire mortifère.
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Bücken, Véronique. "Bernard van Orley et la peinture à Bruxelles au temps de Pieter Coecke". Studia Bruxellae N° 11, nr 1 (24.08.2019): 47–63. http://dx.doi.org/10.3917/stud.011.0047.
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De 1515 à 1541, la peinture à Bruxelles fut dominée par la personnalité de Bernard van Orley, peintre de Marguerite d’Autriche, de Marie de Hongrie et sans doute de Charles Quint. L’artiste était à la tête d’un important atelier qui produisait des retables et des portraits en série et fournissait des modèles pour des suites de tapisseries prestigieuses et d’importantes commandes de vitraux. Si l’on en croit Van Mander, Pieter Coecke fut l’élève de Van Orley. Même si cette information ne peut être vérifiée, il est certain que Coecke entra en contact d’une manière ou d’une autre avec Bernard van Orley et son atelier lorsqu’il travailla pour les tapissiers bruxellois. A travers l’évolution de l’art de Van Orley et les influences qui l’ont marqué, la communication mettre en évidence la richesse du milieu artistique bruxellois et montrera comment l’artiste, tout en restant très ancré dans la tradition des Primitifs Flamands, a été ouvert très tôt aux courant les plus novateurs. Il a bénéficié, entre autres, de la présence de nombreux artistes à la cours de Marguerite d’Autriche, de l’arrivée de cartons de tapisserie envoyés directement d’Italie et de la visite d’Albrecht Dürer. Une diversité à laquelle Pieter Coecke ne fut pas insensible…
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Guellouz, Mariem. "Du devenir anthropologue du sémiologue : pour une anthropo-sémiologie du corps dansant". Cygne noir, nr 2 (26.07.2022): 11–28. http://dx.doi.org/10.7202/1090755ar.
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Cet article s’attache à étudier la pertinence d’une approche ethnographique pour une étude sémiologique du corps dansant. La danse comme pratique sociale et artistique est fortement liée aux structures socioculturelles et aux rapports (alliance, hiérarchie) entre les individus d’une même société. L’application des catégories linguistiques et sémiologiques à la danse la définit d’emblée comme un système de communication, une codification. Le sémiologue ne peut mettre de côté la dimension anthropologique du corps dansant qui est un signe d’affiliation socioculturelle témoignant des rapports instaurés entre les individus mais aussi à l’espace et au temps. Les anthropologues, grâce à leur intérêt pour la sémiotique, ont réussi à faire de la danse un objet anthropologique. Les concepts tels que signifié, signifiant, valeur, opposition sont omniprésents dans leurs travaux. Cependant, la question est de savoir que peut faire le sémiologue face au corps dansant ? Quelles sont les possibles et les limites d’une sémiotisation du geste dansé ? À partir de l’exemple du corps dansant, cet article souhaite étudier les liens entre la sémiologie et l’anthropologie en se posant la question de la compatibilité des concepts et des méthodologies de chacune de ces disciplines. Le sémiologue ayant pour objet de recherche un fait culturel tel que la danse doit forcément se nourrir des concepts et de la méthodologie de l’anthropologie. En ce sens, je propose de penser une anthropo-sémiologie qui lierait les deux disciplines en prenant en compte les ruptures et les continuités qui les caractérisent.
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Miendjiem, Isidore Léopold. "Le Père Noël des créateurs et diffuseurs des oeuvres de l’esprit au Cameroun : La Loi n° 2000/011 du 19 décembre 2000 relative au droit d’auteur et aux droits voisins". Revue générale de droit 32, nr 3 (20.01.2015): 527–82. http://dx.doi.org/10.7202/1028081ar.
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La loi française du 11 mars 1957 sur la propriété littéraire et artistique appliquée au Cameroun jusqu’en 1982 était inadaptée au contexte politico-culturel camerounais, ce qui a provoqué son remplacement par la Loi n° 82-18 du 26 novembre 1982 relative au droit d’auteur. Cette dernière a eu le mérite de protéger le folklore et les oeuvres qui s’en inspirent, mais avait la faiblesse de ne pas protéger les droits voisins du droit d’auteur. La nécessité de protéger les droits voisins a conduit à l’adoption de la Loi n° 90/ 010 du 10 août 1990 relative au droit d’auteur et droits voisins du droit d’auteur. Le développement prodigieux de l’informatique et des nouvelles technologies de l’information et de la communication, à l’origine de l’émergence d’oeuvres nouvelles et de nouvelles possibilités de diffusion, a rapidement révélé l’obsolescence de la loi de 1990. La loi adoptée le 19 décembre 2000 sur le droit d’auteur et droit voisin intègre l’environnement numérique dans lequel l’on vit désormais, élargit les catégories d’oeuvres protégées et améliore la condition matérielle des créateurs et diffuseurs des oeuvres de l’esprit. En droit positif camerounais, de nouvelles catégories d’oeuvres protégées sont venues enrichir l’éventail qui existait déjà. Il s’agit des oeuvres de commande et des oeuvres informatiques comme les logiciels, les bases de données, les oeuvres multimédias. En même temps, les mécanismes de protection des oeuvres de l’esprit ont été simplifiés et améliorés en vue de procurer aux créateurs et diffuseurs des oeuvres des garanties les plus efficaces. C’est ainsi qu’on note un renforcement des attributs moraux des auteurs et artistes et la sécurisation de leur rétribution en vue de les sortir de la précarité des conditions matérielles.
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Hoek, Leo H. "Timbres-poste et intermédialité". Protée 30, nr 2 (9.07.2003): 33–44. http://dx.doi.org/10.7202/006729ar.
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Résumé La classification et l’interprétation de textes intermédiaux, c’est-à-dire des textes combinant le texte avec l’image, dépend du point de vue adopté vis-à-vis de la situation de communication, soit la production, soit la réception de tels textes. La production d’un texte intermédial est, dans certains cas, simultanée (affiches, bande dessinée, pubs) et consécutive dans d’autres cas (critique d’art, ekphrasis, illustrations). La réception d’un texte intermédial est, dans la plupart des cas, simultanée (illustrations, affiches, pubs, bande dessinée) et consécutive dans certains cas particuliers (critique d’art, ekphrasis). À la base de ces deux critères, simultanéité ou consécutivité, on peut distinguer différents degrés d’enchevêtrement du texte et de l’image dans le discours intermédial. Un troisième critère – la distinctivité, c’est-à-dire la possibilité de séparer physiquement le texte de l’image – permet maintenant de distinguer entre quatre degrés d’intrication croissante : transposition, juxtaposition, combinaison et fusion du texte et de l’image. Une telle catégorisation mène à une construction théorique de types virtuels d’enchevêtrement et d’intermédialité. Il s’avère qu’un nombre limité de catégories nous permet de définir toute occurrence de discours intermédial comme une combinaison spécifique de types intermédiaux et que toute occurrence de discours intermédial peut être définie selon les termes de ces catégories. Cela ne veut pas dire que les occurrences se conforment ou se limitent nécessairement aux catégories distinguées. Celles-ci ne constituent en effet pas un nombre limité de types d’intermédialité, car bien d’autres combinaisons sont possibles. Le timbre-poste commémoratif – discours presque toujours intermédial – constitue un exemple parfait à la fois du pouvoir descriptif de la catégorisation proposée et de la créativité artistique spécifique déployée dans chaque timbre. Une analyse des relations entre texte et image dans une série de timbres néerlandais montre l’efficacité de la catégorisation élaborée et la possibilité de combiner différentes catégories de discours intermédial dans un seul timbre-poste.
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Richter, Antje, i Charles Chace. "The Trouble with Wang Xizhi: Illness and Healing in a Fourth-Century Chinese Correspondence". T’oung Pao 103, nr 1-3 (28.08.2017): 33–93. http://dx.doi.org/10.1163/15685322-10313p02.
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Containing many reports of his own illnesses and attempts at treatment, along with inquiries after the health of correspondents and acquaintances, the letters of Wang Xizhi (303-361) constitute the earliest sizeable corpus of personal health reports in Chinese literature and are thus a valuable source for the study of Chinese epistolary communication and medical history. This article explores the rhetorical strategies of Wang’s medical narratives and the role that writing about illness and healing may have played in the correspondents’ relationships and broader networks. Examining the medical ideas and terminology evident in Wang Xizhi’s letters, the article also seeks to illuminate a section of the multifaceted world of early medieval Chinese healing practices. By allowing us to get closer to the calligrapher’s body, Wang’s illness narratives further help us to heighten our awareness of the circumstances that shape the artistic process. Les lettres de Wang Xizhi (303-361) contiennent de nombreuses informations sur ses propres problèmes médicaux et sur ses façons de se traiter, ainsi que des questions adressées aux destinataires quant à leur santé et celle de leurs connaissances communes. Elles constituent ainsi le plus ancien corpus de taille conséquente au sein de la littérature chinoise traitant de l’histoire médicale d’individus ; elles ont donc une valeur importante comme source tant pour l’histoire épistolaire que médicale. Cet article explore les stratégies rhétoriques dans les récits qu’offre Wang au sujet de la santé, ainsi que le rôle que ses écrits sur les maladies et les guérisons ont pu jouer dans ses rapports sociaux avec ses correspondants et au-delà. En examinant les idées et la terminologie médicale exprimées dans les lettres de Wang Xizhi, cet article ambitionne aussi d’éclairer un pan du monde très varié des pratiques de guérison chinoises médiévales. Ses témoignages sur ses maladies, qui nous permettent d’approcher de près le grand calligraphe dans sa corporalité, nous rendent plus attentif aux conditions les plus physiques de sa production artistique.
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Klimenko, Svetlana. "Playing with Figures". Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 50, nr 3 (31.12.2004): 193–214. http://dx.doi.org/10.1075/babel.50.3.01kli.
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Abstract The paper is based on a corpus investigation of Danish theatre repertoire for the second half of the twentieth century. The discussion opens with a detailed presentation of those genre-specific challenges and even obstacles to a statistically oriented approach that arise the moment an investigation turns from ‘plays as published texts’ to ‘plays as performances and productions’. The main part of the analysis is a discussion of British and Russian theatrical import to Denmark, and the ways in which its development can shed light on the mechanisms of power working through translation politics. Danish repertoire choices reveal egotistic, self-centred motivation behind their treatment of British and Russian sources, respectively, when the English culture emerges as a source of, first of all, light entertainment, while the Russian one, on the contrary, seems to be called on to satisfy the demand for the artistic exploration of the more melancholic, dark side of human character. The analysis is focussed on the uses of Chekhov and Shakespeare in the construction of Danish cultural Self, and framed in a more theoretical discussion of the challenges and signifi cance of the theatre for Translation Studies in the new, culture conscious phase of its development. Resumé L’article est basé sur l’examen du corpus du répertoire théâtral danois pendant la seconde moitié du vingtième siècle. La discussion débute par une présentation détaillée des défi s spécifi ques au genre, voire des obstacles à une approche statistiquement orientée. Ces défi s surgissent au moment où la recherche passe des « pièces sous forme de textes publiés » à des « pièces devant être représentées et produites ». La partie principale de l’analyse est une discussion sur l’importation théâtrale britannique et russe au Danemark et sur la manière dont son développement peut éclairer les mécanismes de force qui agissent dans la politique de la traduction. Les choix du répertoire danois révèlent l’existence d’une motivation égotiste et égocentrique derrière leur traitement des sources britanniques et russes; la culture anglaise apparaît surtout comme une source de divertissement léger, tandis qu’au contraire, il semble qu’on fasse appel à la culture russe pour satisfaire la demande d’une explora tion artistique du côté sombre et plus mélancolique du caractère humain. L’analyse se concentre sur l’utilisation de Tchekhov et de Shakespeare dans la construction du Moi culturel danois, et s’inscrit dans une discussion plus théorique sur les défi s et la signification du théâtre pour la traductologie, dans la nouvelle phase de son développement, consciente de la culture.
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As-Safi, Abdul-Baki, i Inam Sahib Ash-Sharifi. "Naturalness in Literary Translation". Babel. Revue internationale de la traduction / International Journal of Translation 43, nr 1 (1.01.1997): 60–75. http://dx.doi.org/10.1075/babel.43.1.05ass.
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Abstract The present article investigates the concept of naturalness in literary translation. The aim of the investigation is to delineate an integrated approach to 'natural' translation, the essence of which lies in creating a compromise between accurate rendition and literary reproduction. Such a compromise entails attaining an artistic verbal smoothness which transcends the level of ordinary language. To this end, natural translation calls for a utilization of the target language's resources that will make the translation read like an authentic target language (TL) work, while preserving the content intact. The article thus identifies naturalness as the achievement of authentic TL style, and unnaturalness as the hybrid language of literal rendition, i.e. translationese that may be unacceptable or unintelligible. It detects the actualization of an authentic style of Arabic rendition on several levels: lexical, sentential, cohesive and idiomatic. On the lexical level, naturalness is delimited in terms of proper choice of appropriate vocabulary. On the sentential level, well-formedness is posited as the feature of naturalness which outlines a rhetorically natural sentence, besides other concomitant features. On the cohesive level, the features of a natural target text are based on the use of cohesive devices to a greater or lesser degree than the source text in general and on the propriety of their use in particular instances. At the idiomatic level, we mention idioms and proverbs but concentrate, with examples, on collocations. Résumé Cet article examine la notion de naturel dans la traduction des textes littéraires dans le but de cerner une approche intégrée de la traduction 'naturelle' qui consiste essentiellement à obtenir un compromis entre un rendu fidèle et une reproduction littéraire. Ce compromis exige une fluidité verbale artistique qui dépasse le niveau de la langue ordinaire. La traduction naturelle doit donc utiliser toutes les ressources de la langue d'arrivée pour que la traduction se lise comme ouvrage littéraire rédigé dans cette langue d'arrivée, tout en respectant fidèlement le contenu. Dans leur article, les auteurs définissent donc le naturel comme l'obtention d'un style authentique dans la langue d'arrivée, et le manque de naturel comme un langage hybride avec un rendu littéral, c'est-à-dire des traductions susceptibles d'être inacceptables ou incompréhensibles. L'article analyse comment mettre en oeuvre, à différents niveaux, un style authentique en arabe: lexicologie, phraséologie, cohérence et usage d'expressions idiomatiques. En ce qui concerne le niveau lexicologique, le naturel se définit comme étant le choix correct d'un vocabulaire approprié. Au niveau phraséologi-que, des phrases formées correctement sont la caractéristique du naturel qui fait apparaître, à côté d'autres propriétés, la rhétorique naturelle de la phrase. Au niveau de la cohérence, les caractéristiques d'un texte rédigé avec naturel dans la langue cible sont basées sur des mécanismes utilisés plus ou moins intensivement que dans le texte d'origine en général et sur leur utilisation appropriée dans certains cas particuliers. Au niveau des expressions idiomatiques, les auteurs mentionnent de telles expressions ainsi que des proverbes, mais se concentrent, en donnant des exemples, sur des collocations.
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Postolachi, Iulia. "Specificity and levels of artistic excellence of teaching staff in primary education". Acta et commentationes: Științe ale Educației 30, nr 4 (grudzień 2022): 175–81. http://dx.doi.org/10.36120/2587-3636.v30i4.175-181.
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The article presents the description of the results of the experimental pedagogical research of the artistic excellence of primary education teachers carried out in the continuous training courses in the field of professionalization. The content of the article includes the experimental data at the ascertainment stage regarding the levels of formation of artistic excellence of teaching staff and the particularities of their affirmation through values (artistry, expressiveness, communicative assertiveness, enthusiasm and choreographic mastery, etc.) and specific components (theatrical, artistic communication, deontology pedagogical and professional identity) affirmed in the intrapersonal area and the social area in deontological conduct.
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Dahan, Chantal. "La recomposition des pratiques expressives/artistiques des adolescents". Diversité 173, nr 1 (2013): 97–102. http://dx.doi.org/10.3406/diver.2013.3769.
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Le développement des nouvelles technologies recompose, voire redéfinit, la nature même des pratiques artistiques et culturelles des adolescents. Le net est pour eux un espace de liberté et d’expression qui leur est commun et dont ils se sont largement emparés. Cette activité s’inscrit dans un temps informel, non institutionnalisé qui leur permet d’échapper en partie au contrôle parental. C’est cette dynamique, qui rend la culture désormais solidaire des notions de divertissement et de communication, que nous voudrions explorer. En effet, quelles conséquences a ce changement par rapport aux hiérarchies et aux légitimités culturelles ? Nous essayerons de préciser la nature de ce bouleversement en étudiant la façon dont les adolescents, dans leurs pratiques expressives, «jouent» avec la musique grâce aux multiples possibilités combinatoires qu’offre la numérisation.
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Gendron-Blais, Hubert. "S’exposer aux aléas. Essai sur les risques du rapport esthétique et politique". Cahiers d'histoire 33, nr 1 (8.04.2015): 81–99. http://dx.doi.org/10.7202/1029363ar.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
La notion de risque occupe une place fondamentale dans les créations artistiques soucieuses des manifestations politiques qui les bordent, les transforment et qu'elles engendrent. Il s'agit en ce sens de comprendre le risque à travers les rapports qui viennent lier esthétique et politique, en faisant du même coup appel à la philosophie, à la sociologie, aux communications et à l'histoire. Dans cette perspective, le risque sera d'abord abordé sous ses dimensions intersubjectives : risque d'affronter le chaos, risque de destruction sans bornes, voire même d'autodestruction, mais aussi risque d'égocentrisme et d'incompréhension. Par la suite, une attention soutenue sera accordée au risque inhérent au hasard, à l'imprévisibilité constitutive des effets politiques de l'oeuvre : risques de récupération, d'instrumentalisation propagandiste ou pédagogique, etc. Ainsi, nous tenterons de voir, à travers cet essai, en quoi le risque vient périlleusement lier art et communication, et donc comment une compréhension des risques encourus en art comme en politique peut contribuer aux diverses démarches d'émancipation.
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Chiapello, Eve. "Les organisations et le travail artistiques sont-ils contrôlables ?" Réseaux 15, nr 86 (1997): 77–113. http://dx.doi.org/10.3406/reso.1997.3113.
Pełny tekst źródła
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Schmitt, Laurie, Chloë Salles i Manuel Dupuy-Salle. "Les parcours professionnels entre journalisme et communication". Revue Communication & professionnalisation, nr 8 (21.10.2019): 13–35. http://dx.doi.org/10.14428/rcompro.v0i8.1063.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
Cette recherche interroge les allers et retours des parcours de journalistes et de communicants. Elle se situe d’une part dans la continuité des travaux issus de la sociologie du journalisme (Ruellan, 2007 ; Charron, De Bonville, 1996) et s’appuie d’autre part sur des études relevant de la sociologie des professions, notamment culturelles ou artistiques (Lizé, 2014, De Verdalle, 2011 ; Becker, 1963 ,1982). Son originalité est de montrer comment les parcours professionnels entre journalisme et communication sont à la fois des stratégies de professionnalisation et des tactiques de légitimation de carrières individuelles. Tout au long d’une carrière, la diversité des expériences est tour à tour une ressource pour l’entrée dans un territoire professionnel convoité et une capacité d’adaptation face aux contraintes tant professionnelles et personnelles qui pèsent sur un individu. Notre démarche empirique repose sur les monographies de quatre professionnels, français, britannique et franco-canadien, aux profils révélant des atypies mais ayant pour point commun de jouir à un ou plusieurs moments donnés d’une légitimité journalistique : un blogueur de cinéma devenu critique pour Les Cahiers du Cinéma, un journaliste devenu réalisateur de webdocumentaires au Québec et un architecte des systèmes d’information ayant exercé au sein de plusieurs grands médias devenu “éditeur de réseaux sociaux et de nouveaux formats” au sein d’un grand quotidien britannique, et un chef d’entreprise spécialisé dans l’analyse de données, devenu référence internationale du data-journalisme.
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Lutinier, Bruno, Bruno Dietsch i Marie-Françoise Sotto. "Formations artistiques, culturelles et en communication en 2009 : 155 000 étudiants dans des filières très diversifiées". Culture chiffres 5, nr 5 (2011): 1. http://dx.doi.org/10.3917/culc.115.0001.
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Dospinescu, Liviu. "Interfaces et interférences dans la communication théâtrale moderne. De l’espace vide… et son archétype beckettien". L’Annuaire théâtral, nr 37 (6.05.2010): 197–216. http://dx.doi.org/10.7202/041603ar.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
L’article propose une révision du modèle de la communication théâtrale dans le contexte des changements artistiques de la deuxième moitié du XXe siècle lorsque les processus de production et de réception se sont avérés beaucoup plus complexes que ne le suggérait le modèle traditionnel hérité de la linguistique. Le concept d’espace vide est défini comme lieu de négociation entre le sens que porte le message produit par l’artiste (énonciateur) et les significations produites par la réponse du spectateur (énonciataire et auto-énonciateur). Il est une sorte d’interface entre la théâtralité, domaine du symbolique, et la performativité, domaine des formes primaires non encore investies de sens. L’article propose une analyse d’une pièce courte de Samuel Beckett pour mettre en lumière les stratégies de la mise en scène et la réponse du spectateur et un jeu d’interférences très particulières entre les domaines de la théâtralité et de la performativité, générées par plusieurs mises en abyme successives de la figure du présentateur, du narrateur ou même du metteur en scène.
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Rodrigues, Manuel J. "A Obra como Facto Comunicativo". Philosophica: International Journal for the History of Philosophy 5, nr 9 (1997): 189–205. http://dx.doi.org/10.5840/philosophica19975911.
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Cet essai se présente comme une réflexion sur le processus historique de génération et de gestion des re ssources artistiques (et culturelles), dans une perspective centrée dans l'activité communicative. Visée comme facteur de communication résistant aux usures de l'acte communicatif, elle est interprétée comme un trafic de sens canalisé par des intêrets sociaux mais culturellement mobilisée par un intêret excentrique. Produisant l'estime, l'oeuvre d'art, se présente comme une antécipation d'avenir, réussie dans la reconnaissance de la valeur de la présence et dans l'éxigence de "meilleur" par rapport au mode de faire; ainsi, elle manifeste une intentionalité transsistémique qui prépare la sensibilité à sa supération en humanité et dessine un temps à venir qui refuse les idéaux directeurs, terminaux ou provisoires.
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Oussama, Amrani, i El Arbi El Bakkali. "COMMUNICATION DE LA VIOLENCE AU CINÉMA". Conhecimento & Diversidade 15, nr 39 (6.11.2023): 451–63. http://dx.doi.org/10.18316/rcd.v15i39.11128.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
La violence est inhérente à l’existence de l’homme. Elle est créatrice et destructive. De la violence surgit une vie, une âme et une œuvre d’art. Et c’est la violence qui subvertit l’ordre, sème le chaos et disloque les liens. La violence est la justification d’un acte impétueux. Elle peut en être à la fois la cause et l’effet. Par ailleurs, la violence peut transmettre un message de colère, d’insatisfaction, de rébellion, d’amour et d’autres, comme elle peut être elle-même un message. Cette notion, vu son importance, figure parmi les centres d’intérêt de plusieurs disciplines artistiques et ce depuis l’art rupestre jusqu’à l’art moderne. Le septième art, lui, ne fait pas exception et fait de la violence un sujet à traiter et un moyen pour traiter d’autres sujets. Comme le cinéma est un moyen de communication audiovisuelle, il fait de l’image, des techniques de mises en scènes, et des nouvelles technologies tout un arsenal communicationnel pour attaquer la notion de la violence. Or, quand on entend da la violence au cinéma, on pense en prime abord aux films d’action américains, des films d’horreur ou des films d’aventures épiques qui illustrent le combat entre le bien et le mal à travers les violences physiques, verbales et psychologiques. Ainsi, la communication de la violence dans l’art cinématographique se met devant un heurt : on relie la violence et la contreviolence selon un lien de causalité constituant un cercle vicieux où l’action produit une réaction qui devient à son tour une action stimulant une réaction. Abdelhaï LARAKI dans son film Les Ailes de l’Amour fait de la violence non pas seulement le produit des injustices régnant dans la société, mais aussi un moyen de communication qui fait de l’image, de la musique, du hors-champ, et de l’éclairage des canaux permettant la diffusion du message du réalisateur. Entre la communication violente dans l’intrigue, la communication des violences au sein d’une microsociété représentée par le cadre spatial et le message que communique le réalisateur aux spectateurs ne devons-nous pas nous interroger sur les formes de la communication violente au sein de l’œuvre de LRAKI ? L’image ne transmet-elle pas un message violent au spectateur ? Les différentes crises ne sont-elles pas le produit d’une communication de crise ratée ? Telles sont les questions auxquelles nous tenterons de répondre dans notre intervention intitulée : Communication de la violence au cinéma: Le cas du film les Ailes de l'Amour d'Abdelhaï LARAKI.
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Bodo, Carla. "Le peintre d’enseignes de 1830 à 1870, un précurseur des arts appliqués au Québec ?" Rabaska 22 (2024): 35–63. http://dx.doi.org/10.7202/1114166ar.
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L’Encyclopédie canadienne (1842) souligne l’importance des peintres d’enseignes entre 1820 et 1860, essentiels à la ville moderne, mais souvent négligés. La pratique de la peinture d’enseignes, remontant au Moyen Âge et évoluant jusqu’au xixe siècle, a joué un rôle crucial dans la communication visuelle urbaine. Reconnu comme un artisan qualifié, le peintre d’enseignes devait acquérir des compétences artistiques élevées, le distinguant du simple peintre en bâtiment. La transmission des connaissances se faisait de maître à apprenti, souvent au sein des familles à Montréal et Québec. Bien que ce travail ne soit pas revendiqué comme un art, il exigeait des techniques complexes, telles que la dorure et l’imitation de textures. Cet article vise à éclairer l’histoire des peintres d’enseignes, que nous considérons comme les précurseurs des arts appliqués au Québec.
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Boukrissa, Aïcha. "Les pratiques interactives d’animation socioculturelle auprès de la jeunesse urbaine en Algérie". Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, nr 8 (12.05.2015): 73–78. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i8.490.
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Les cultures de proximité des villes en Algérie ont un grand besoin d’être interactives, c’est pourquoi l’animation de ces actions sociales nécessite sur le terrain un accompagnement par des bénévoles. Le texte qui suit insiste sur la participation et l’ouverture au pluralisme de tous pour travailler la responsabilité à la citoyenneté. La problématique abordée touche à l’absence d’une culture de communication relative aux jeunes et à leurs quartiers urbains. L’auteure estime qu’il faut penser en société un mode type pour les pratiques socioculturelles de proximité homogènes visant l’amélioration des territoires qui réponde aux valeurs et aux besoins de l’évolution sociale récente. Cette démarche consiste à rassembler les jeunes autour de projets artistiques, de manière à dynamiser l’interaction culturelle, à apprendre aux jeunes à dialoguer et à enrichir le débat en société dans le respect des différences.
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do Nascimento Gonçalves, Fernando. "Art, activisme et le transpolitique : étude sur des utilisations artistiques des technologies de la communication en France et au Brésil". Sociétés 104, nr 2 (2009): 115. http://dx.doi.org/10.3917/soc.104.0115.
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French, French. "Les nouveaux défis du théâtre du vingt-et-unième siècle". Voix Plurielles 17, nr 2 (12.12.2020): 5–11. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v17i2.2596.
Pełny tekst źródłaStreszczenie:
L’essor des nouvelles technologies et la diversité des média représentent une nouvelle étape dans l’évolution permanente du théâtre. Dès la seconde moitié du vingtième siècle le domaine des arts s’inspire de procédés techniques innovants et multiplie les performances expérimentales qui redéfinissent la théâtralité, la scène, le hors-scène et la réception. Les fondements du théâtre sont-ils pour autant remis en question ? D’autre part, l’ère numérique, tout en inspirant de nouvelles expressions artistiques, offre des outils de communication qui vont modifier la réception, favoriser l’interactivité et l’implication du spectateur et mettre au jour de nouveaux challenges. Dans cet article nous porterons notre attention sur les nouveautés technologiques de l’ère numérique, les éléments constitutifs des nouvelles formes de théâtre et les attentes ainsi que le rôle du récepteur en essayant de redéfinir les stratégies et objectifs de l’art théâtral.
Mots clés : Technologies, performance, interactivité, multimédia, postdramatique