Gotowa bibliografia na temat „Castiglione-Colonna”

Die Rosina (1869) oder die "charakterisierte Silhouette". Eine Annäherung an die weibliche skulptierte Figur von "Marcello" Während ihres Aufenthaltes in Rom im Jahre 1869, steht die Schweizerin Adèle d'Affry (1836-1879), Herzogin Castiglione Colonna alias "Marcello" vor einem entscheidenden Wendepunkt ihrer Karriere : anerkannt als Spezialistin für Büsten, schickt sie sich an, sich durchzusetzen "als Bildhauer von Formen, Armen, Beinen und dem Rest". Sie verbindet diese skulpturale Herausforderung mit einer expressiven Auffassung des Körpers als Spiegel des Charakters und emotionaler Erregung. Als Gegensatz zur monumentalen und prophetischen Pythie, wozu sie die Sibyllen Michelangelos inspiriert haben, modelliert Marcello die gleichfalls emblematische Figur der Liebhaberin des Barbier von Sevilla: Die Rosina. Trotz ihrer geringen Größe und ihrer offensichtlichen Frivolität, vervielfältigt diese Statuette den Einsatz: spanische Art nach Fortuny, theatralische Dramaturgie, Evokation eines verliebten Gefühls durch die "charakterisierte Silhouette". Basierend auf der Korrespondenz, die Marcello mit ihrer Mutter sowie mit dem Schriftsteller Prosper Mérimée pflegte, rekonstruiert dieser Beitrag die Geschichte der Rosina sowie das dichte kulturelle Netzwerk innerhalb dessen sie geschaffen wurde.

‘Grace’ emerges as a keyword in the culture and society of sixteenth-century Italy. This book explores how it conveys and connects the most pressing ethical, social and aesthetic concerns of an age concerned with the reactivation of ancient ideas in a changing world. The book reassesses artists such as Francesco del Cossa, Raphael, and Michelangelo and explores anew writers like Castiglione, Ariosto, Tullia d'Aragona, and Vittoria Colonna. It shows how these artists and writers put grace at the heart of their work. The book argues that grace came to be as contested as it was prized across a range of Renaissance Italian contexts. It characterised emerging styles in literature and the visual arts, shaped ideas about how best to behave at court and sparked controversy about social harmony and human salvation. For all these reasons, grace abounded in the Italian Renaissance, yet it remained hard to define. The book explores what grace meant to theologians, artists, writers, and philosophers, showing how it influenced their thinking about themselves, each other and the world. It portrays grace not as a stable formula of expression but as a web of interventions in culture and society.

This chapter discusses the work and poetic correspondence (1538–1547) of Michelangelo and Colonna. It shows that both eschew the kind of grace espoused by Castiglione and Pietro Bembo and perfected by Raphael and Ariosto. Instead, Michelangelo and Colonna cultivate an image of the artist as hardworking and intense. Their desire to reveal — rather than conceal — the labour behind their art can be compared in the Pietàs through which the artist and the poet articulate an alternative aesthetics of grace: one that resists humanist connotations, criticises courtly abuses of the term, and promotes a more Christian vision of the artist as the receiver rather than the giver of what is essentially God's gift. Restored here to the domain of religious experience, grace acts as a reminder that art and literature should praise God, not the artist, and in so doing reflects an age of Reformation and Counter-Reformation in Italy.