Letteratura scientifica selezionata sul tema "Valises – Fiction"

Nuestra contribución se centrará en la certificación del género de la novela autobiográfica para una posible recepción. Desde que Philippe Gasparini teorizó sobre este género literario (2004) y se puso de manifiesto su principal característica, a saber, la “ambigüedad genérica” que la define, las teorías abundan sin que se haya logrado aún postular en cuanto a su recepción. Mezclando ficción y realidad, este género desafía en cierto modo la lógica a la vez que incita a la intriga. Es teniendo cuenta de esta mezcla contra natura que se origina nuestra argumentación. Se trata de poner de manifiesto esta ambigüedad mediante la interpretación artística ante todo, sin pretender imponer alguna validez práctica con semejante propuesta. Eso mismo es lo que invocamos con el tercer pacto de lectura del género, a través de la redefinición de los términos ficción y realidad en el ámbito literario. This contribution will focus on the confirmation of the genre of the autobiographical novel and stakes a case for its possible reception. Since the theorisation of this literary genre by Philippe Gasparini (2004), and the identification of its main characteristic, namely its defining "genre-related ambiguity", theories abound yet continually fail to postulate as to its reception. Mixing fiction and reality, this genre challenges logic whilst also provoking intrigue. It is by tackling this unnatural amalgam that our argument stems. It is above all a question of valuing this ambiguity through an artistic interpretation, without claiming the practical validity of such a proposal. This is what we are claiming in the third reading pact of the genre, through the redefinition of the terms fiction and reality in the literary field. Notre contribution insistera sur l’attestation du genre roman autobiographique et sur une proposition pour une possible réception. Depuis la théorisation de ce genre littéraire par Philippe Gasparini (2004), et la mise évidence de sa principale caractéristique à savoir son « ambiguité générique » qui le définit, les théories abondent et n’arrivent toujours pas à postuler quant à sa réception. Mêlant fiction et réalité, ce genre défit dans un certain sens la logique et incite en même temps à l’intrigue. C’est en tenant compte de cet amalgame contre-nature que notre propos prend sa source. Il s’agit de valoriser cette ambiguïté par le biais d’une interprétation artistique avant tout, sans prétendre à une validité pratique d’une telle proposition. C’est ce que nous invoquons par le troisième pacte de lecture du genre, en passant par la redéfinition des termes fiction et réalité dans le champ littéraire.

Durante la preparación del Sínodo sobre “Los desafíos pastorales de la familia en el contexto de la evangelización”, el cardenal Kasper ha planteado si no es, en la actualidad, una fictio iuris la praesumptio iuris que considera válidos los matrimonios de los que se casan sin fe. Los papas Benedicto XVI y Francisco, y los cardenales Müller y Ouellet, han pedido que se estudie cómo la falta de fe en los fieles puede influir en el contrayente y provocar la nulidad del matrimonio por exclusión del matrimonio o de las propiedades esenciales. De la propuesta genérica de la posible nulidad hay que pasar a la valoración concreta de cada caso por parte de los Tribunales Eclesiásticos. Sin embargo, millones de fieles católicos divorciados vueltos a casar nunca se han planteado la posible nulidad de su matrimonio. El can. 1100 establece un principio jurídico que puede ayudar a afrontar esta problemática, manteniendo la presunción de la validez del matrimonio, pero admitiendo la posibilidad de probar en sede procesal la nulidad por exclusión del consentimiento en el caso concreto.

L’Atlas Group Project de Walid Raad (1989–2004) élabore une contre-histoire des guerres civiles libanaises à partir de la création d’archives picturales qui interrogent les discours existants et perturbent les normes historiques établies. Raad a oeuvré pendant plus de dix ans sur ce projet, créant un corpus aux multiples facettes qui illustre les façons dont les récits historiques sont assemblés, autorisés et validés. Il dévoile la logique interne de l’archive et met en doute la préséance associée à certains types de discours d’autorité, en particulier la valeur témoin accordée à la photographie. Il souligne la faculté de persuasion de ce discours documentaire et le peu de résistance avec lequel il est accepté. De plus, Raad emploie l’humour et la fiction, examinant leur capacité à communiquer des connaissances utiles et la comparant à celle des faits historiques traditionnellement acceptés. Cette analyse du projet de Raad porte sur ce qui constitue la validité d’une archive, les protocoles auxquels l’archive est soumise, et, en particulier, le rôle de l’historien / archiviste dans le maintien de ces protocoles. En fin de compte, il s’agit de savoir si une contre-histoire est possible. La question devient alors : est-ce que la façon innovatrice dont Raad utilise les protocoles d’archives permet un nouveau type de récit historique, ou est-ce que les protocoles se réinscrivent subtilement dans son travail afin de le normaliser ?

O presente trabalho foi originado a partir das reflexões suscitadas por uma pesquisa de pós-doutorado que investiga como os jogos eletrônicos podem contribuir para a produção e o compartilhamento de representações, de imagens e de um imaginário sobre o passado, atuando como suporte para a memória coletiva. O artigo propõe uma reflexão sobre as relações entre simulação digital, o conhecimento do passado e a história pública com base na discussão da produção bibliográfica recente de historiadores norte-americanos que tratam do tema. O artigo critica a dicotomia entre jogos digitais educativos comerciais conclui que os elementos ficcionais presentes em simulações e jogos digitais oferecem a oportunidade para o exercício de exploração da história contrafatual. Essa característica, aliada à possibilidade de expressão de dados e conhecimentos históricos complexos, tornam as simulações e jogos digitais valiosas para o campo da história pública.Palavras-Chave: História Pública, Simulação Digital, VideogameABSTRACTThis study originated from the thinking generated by a post-doctoral research that investigates how computer games can contribute to the production and representations sharing, pictures and an imaginary about the past, acting as support for the memory collective. The article proposes a study of the links between digital simulation, knowledge of the past history and the public based on the discussion of recent literature production of American historians on the same matter. The article criticizes the dichotomy between commercial educational digital games concludes that the fictional elements present in simulations and digital games offer the opportunity to exercise exploitation of counterfactual history. This feature, combined with the possibility of data expression and complex historical knowledge, make the simulations and valuable digital games to the field of public history.Keywords: Public history, Digital simulation, Video gameRESUMENEste trabajo surgió del pensamiento generado por una investigación post - doctoral que investiga cómo los videojuegos pueden contribuir a la producción y representaciones que comparten , imágenes y un imaginario sobre el pasado , que sirve de soporte para la memoria colectiva. El artículo propone una reflexión sobre las relaciones entre la simulación digital , el conocimiento de la historia pasada y pública sobre la base de la discusión de la literatura reciente producción de historiadores estadounidenses que tratan el tema . El artículo critica la dicotomía entre los juegos educativos digitales comerciales llega a la conclusión de que los elementos de ficción presentes en simulaciones y juegos digitales ofrecen la oportunidad para que el ejercicio de la explotación de la historia contrafactual . Esta característica, junto con la posibilidad de expresión de los datos y el conocimiento histórico complejo , hacer las simulaciones y juegos digitales valiosos en el campo de la historia pública.Palabras clave: Public history, Digital simulation, Video game

This article analyzes the television science-fiction show Doctor Who as a cultural forum within the context of British eco-activism of the 1970s. It examines four serials which aired during the 1970s during the first wave of eco-activism in the UK: "The Green Death" (1973), "The Invasion of the Dinosaurs" (1974), "The Seeds of Doom" (1976), and "Nightmare of Eden" (1979). Two environmentalist concerns-pollution and species conservation-put forward by the early British eco-activist movement as underscored in texts such as The Blueprint for Survival from 1972 are evident in these serials. While affirming the validity of some elements of environmentalist concerns, each serial also proposes that the ends do not always justify the means. The Doctor, although a supporter of eco-activism, rejects seemingly utopian approaches to reset the Earth's ecosystems. Rather than presenting viewers with a guide to sustainability, these Doctor Who serials offer dystopian visions of future realities steeped in ecological transgressions – these are the blueprints for destruction. Resumen En este artículo se analiza la serie de ciencia ficción Doctor Who como foro cultural en el contexto del eco-activismo británico de la década de 1970. Se examinan las cuatro series que se emitieron en los años 1970 durante la primera ola del eco-activismo en el Reino Unido: " The Green Death" (1973), "The Invasion of the Dinosaurs" (1974), "The Seeds of Doom" (1976) y "Nightmare of Eden" (1979). Dos preocupaciones medioambientales, la contaminación y la conservación de especies, propuestas en los principios del movimiento eco-activista británico y destacadas en textos como The Blueprint for Survival (1972), son evidentes en estas series. Mientras que se afirma la validez de algunos elementos de las preocupaciones medioambientales, cada serie también propone que el fin no siempre justifica los medios. El Doctor, aunque partidario del eco-activismo, rechaza los planteamientos aparentemente utópicos para restablecer los ecosistemas de la Tierra. En lugar de presentar a los espectadores una guía para la sostenibilidad, estas series de Doctor Who ofrecen visiones distópicas de realidades futuras llenas de transgresiones ecológicas – estas son las directrices de la destrucción.

ResumenEn el ámbito de los estudios irlandeses se ha estudiado con profusión el inesperado fracaso del fenómeno teatral encabezado por W.B. Yeats y en el que John Millington Synge se llevó la peor de las partes. La subversión que sus personajes implicaban a todos los niveles explica el rechazo de los mismos por parte del público que acudía en masa al Abbey Theatre solo para silbar y patalear durante alguna de sus representaciones (Kilroy 1971). Un análisis detallado de la forma en la que hace que se expresen apunta en esta dirección. La incorrección verbal es una seña característica del teatro de esta figura clave de la literatura irlandesa. Partiendo de ahí, en el presente trabajo se aplica el principio de cortesía lingüística (Brown y Levinson 1987) a tres de las obras más destacadas de este dramaturgo: In the Shadow of the Glen, The Tinker’s Wedding y The Well of the Saints. Con la intención de refutar los resultados de trabajos anteriores (Hidalgo-Tenorio 1999) y demostrar la validez de este modelo en la investigación de textos de ficción, se comprueba que esas mujeres, que rompen con la norma social y conversacional una y otra vez, en casos muy excepcionales hacen un uso magistral de todas las estrategias posibles de cortesía. Las razones son tan diversas como las que se darían en cualquier transacción conversacional del mundo real. Este artículo se proponer desgranarlas como uno de sus objetivos.Palabras clave: Pragmática, principio de cortesía, género, teatro irlandés, J.M. Synge.English title: “Good Evening to You, Lady of the House”: Considerations on the Politeness Principle in J.M. Synge’s DramaAbstract: In the field of Irish studies, scholars have considered extensively the failure of the theatrical experience led by W.B. Yeats and J.M. Synge, who bore the brunt of popular criticism. The subversion embodied in Synge’s characters explains their rejection by the public, who flocked to the Abbey Theatre just to whistle and stamp their feet during some of his performances. One in January 1907 caused a particularly furious reaction from the press and political nationalists (Kilroy 1971). Since verbal impropriety (Bousfield and Locher 2008, Culpeper 2011) is their most outstanding characteristic, the analysis of how this major literary figure makes them express themselves can shed light on a phenomenon of much sociological relevance. Accordingly, here I apply the politeness principle (Brown and Levinson 1978, 1987) to four of his most well-known plays: The Well of the Saints, The Tinker’s Wedding, In the Shadow of the Glen and The Playboy of the Western World. Apart from demonstrating the validity of this model in the exploration of fiction, I will show that those women, who regularly break social and conversational norms, make use of all politeness strategies in very exceptional cases. The reasons are as diverse as those articulated in any real-world transaction, and this article aims to disentangle them. Thus, it will be easier to tackle the issue of gender role construction (Holmes 1995, Weatherall 2002, Litoselitti 2006), which is definitely one of the grounds on which Dublin’s dismissal of the Irish Dramatic Movement was based (Hidalgo-Tenorio 1999).Keywords: Pragmatics, politeness theory, gender, Irish Theatre, J.M. Synge.

« Les prophètes ont toujours tort d’avoir raison. » Boris Vian Une prophétie autoréalisatrice peut être définie comme une assertion qui induit des comportements de nature à valider cette assertion. Plusieurs mythes illustrent ce concept : OEdipe, Pygmalion, Dédale, etc. Si comme prévu OEdipe devint un parricide incestueux, si Icare, fils de Dédale, mourut en faisant fondre la cire de ses ailes en s’approchant trop près du soleil, la prophétie autoréalisatrice de Pygmalion fut quant à elle positive. Célibataire endurci, choqué par les moeurs de ses contemporaines, Pygmalion sculpte Galatée si belle qu’il en tombe éperdument amoureux. Il prie Aphrodite de lui donner vie, afin qu’il puisse l’épouser. Ce mythe qui a inspiré à Rodin une statue des plus sensuelles est aussi à l’origine d’un concept pédagogique proche de la prophétie autoréalisatrice : l’effet Rosenthal et Jacobson (appelé aussi effet Pygmalion). Ces chercheurs après avoir mesuré le QI d’enfants transmettent « par accident » aux enseignants les résultats. En réalité, les résultats ont été attribués de manière aléatoire avec 20 % des notes surévaluées. À la fin de l’année scolaire, Rosenthal et Jacobson mesurent à nouveau les QI : les élèves dont les enseignants pensaient qu’ils étaient plus doués obtiennent effectivement de meilleurs résultats1. Le numéro 204 d’exercer vous propose de réfléchir à l’intérêt du dépistage du cancer du poumon par tomodensitométrie faible dose2. Tudrej et al., après avoir résumé les essais comparatifs randomisés ayant testé ce dépistage, nous proposent une analyse classique et précisent des bénéfices (réduction de la mortalité spécifique par cancer du poumon) et les risques (faux positifs, surdiagnostics inhérents aux dépistages). Ils nous proposent aussi une analyse médico-économique très importante avec en France la fameuse enveloppe globale, 11,9 % du PIB en 20223… Ils posent la question de la faisabilité avec un système de santé français où l’instauration d’un tel dépistage pourrait ralentir la réalisation d’autres examens, augmentant encore les tensions éthiques liées à la démographie médicale. Et, plus original, les auteurs nous proposent de réfléchir à la santé planétaire et à l’impact de ces nouvelles tomodensitométries puisqu’en France 8 % des gaz à effets de serre sont attribuables au système de santé. Enfin, ils posent la question de l’acceptabilité par les personnes et par les professionnels de santé2. Si la question de l’acceptabilité par les personnes se pose avec par exemple un taux de participation au dépistage organisé du cancer du côlon de 34,2 % en 2023… la question pour les professionnels me paraît moins prégnante. Certes, en 2016, Huas et al. (tous membres du conseil scientifique du CNGE) publiaient dans exercer : « Dépister ou ne pas dépister : comment s’y retrouver ? »4. Mais force est de constater que la plupart du temps, quel que soit l’âge de votre interlocuteur, s’il ne lit pas exercer ou une autre revue favorisant la réflexivité, vous risquez d’entendre une assertion débutant par « il faut dépister plus tôt…». Cette assertion explique le comportement des médecins très proactifs en termes de dépistages et leur déception quand le « patient » ne fait pas ce qu’ils disent. Le patient, cible idéale et compliante, est en réalité fictive, comme nous l’expliquent les sociologues et le concept d’Homo medicus5. Ces soignants méconnaissent les concepts d’information en santé, d’approche centrée sur le patient, et de décision partagée. Le dépistage est toujours positif et toujours à réaliser : une véritable prophétie autoréalisatrice… parfois décrite comme un biais cognitif. En attendant, qu’Asclépios exauce leur voeu et leur sculpte un dépistage parfait et un Homo medicus, je vous propose, amis lecteurs, d’être les messagers d’exercer et de doucement déconstruire leur prophétie dans l’intérêt des personnes qu’ils soignent. Nous pourrions leur rappeler l’importance de la prévention primaire, ici la lutte contre le tabac, probablement plus facile à mettre en oeuvre et probablement moins onéreuse. À moins que ce ne soit ma prophétie autoréalisatrice…

Vladislavs Nastavševs is one of the leading contemporary Latvian theatre directors. Nastavševs’ stage productions are constructed by combining elements of psychological theatre, performance art and postdramatic theatre, deliberately expanding the traditional boundaries between the stage and the audience, actors and spectators. Nastavševs’ performances usually contain visually impressive stage metaphors that generate both emotional and psychophysical influence on the spectators, thus exploring new types of performance perception and blurring the boundaries between life (reality) and theatre (fiction). Vladislav Nastavševs (1978) on üks tänapäeva läti teatri juhtivaid lavastajaid, kes alustas tegevust 21. sajandi teisel aastakümnel. Ta omandas teatrialase hariduse välismaal (Peterburis Vene Riiklikus Etenduskunstide Instituudis ja Londonis St. Martin’s College of Arts and Design, Drama Centre’is). Psühholoogilise teatri, performance’i ja postdramaatilise teatri elemente ühendades on ta välja töötanud väga erilise kunstnikukäekirja. Artikkel vaatleb piiride hägustumist lava ja vaatajate vahel Nastavševsi lavastustes ja uurib, kuidas elu (tegelikkuse) ja teatri (fiktsiooni) vahelise eraldusjoone kadumine väljendub tema lavastuste diskursuses. Nastavševsi lavastajategevust võib seostada tänapäeva teatri mitme tendentsiga. Esiteks, alates 1960. aastate lõpu performatiivsest pöördest on teater nihkunud aktiivsema vaatajatega suhtlemise poole, võttes teatrit osana „tegelikust elust“ ja muutes vahe teatri kui fiktsiooni ja elu kui tegelikkuse vahel segasemaks. Vladislavs Nastavševs vaidlustab oma lavastustes pidevalt piire tegeliku elu ja kunstimaailma vahel, püüdes uurida eri võimalusi ja aspekte teatri kui illusiooni (fiktsionaalse kunstimaailma) ja tegeliku elu vahelistes suhetes. Teiseks, nüüdisaegseid teatritendentse järgides sulatab Nastavševs oma lavastustes ühte eri kunstivorme (teater, tänapäeva tsirkus, visuaalne kunst, muusika, tants, performance, jne.), kaldudes seega interdistsiplinaarse esituskeele poole. Kolmandaks, nagu paljud tänapäeva Läti ja Euroopa teatritegelased, näiteks Alvis Hermanis (Läti), Ivo van Hove (Belgia), Frank Castorf, Thomas Ostermeier (Saksamaa), Katie Mitchell (Ühendkuningriik) ja teised, seob ka Vladislavs Nastavševs oma etendustes keeruka etendusesteetika loomiseks ühte tugevad visuaalsed, füüsilised ja auditiivsed teatrimärgid. Antonin Artaud’ „julmuse teatri“ idee mõjul kalduvad Nastavševsi lavastused tekitama vaatajas füüsilisi aistinguid – kasutatud lavametafoorid on niivõrd pingsad ja mõnikord naturalistlikud, et publik ei taju etendust mitte ainult emotsionaalselt või ratsionaalselt, vaid ka psühhofüüsiliselt (näiteks võib tekkida tugevaid reaktsioone nagu hirm või vastikustunne). Vaatajate tõeline elav reaktsioon muutub enamasti Nastavševi etenduste oluliseks osaks, luues lava ja publiku vahel sideme ja hägustades teatri ning elu vahelist piiri. Neljandaks, vastavalt postdramaatilise teatri ideele, mille tõi sisse saksa teatriteadlane Hans Thies-Lehmann, kasutab Nastavševs keeruliste lavametafooride ülesehitamiseks tihti näitleja keha, luues sellega füüsilisuse esteetikat. See tähendab, et toimub nihe dramaatilistelt (tekstipõhistelt) teatrivormidelt, kus tähendust (rolli) kannab näitleja postdramaatilise märgisüsteemi poole, kus näitleja keha pole lavale toodud etenduse iseseisva elemendina. Elu ja teatri, näitlejate ja lavastaja, lava ja publiku vaheliste piiride hägustumise teema on muutunud üheks Nastavševsi lavastuste juhtmotiiviks, mida on võimalik näidata kolmest peamisest aspektist. Esimene aspekt: oma lavastustes mängib Vladislavs Nastavševs ettekavatsetult ideega elust kui teatrist ja teatrist kui elust. Kõik tema uusimad lavastused põhinevad printsiibil „teater teatris“ ehk „metateater“, kus näitlejad mängivad tegelasi, kes käituvad ka oma elus nagu näitlejad. Valides lavastamiseks vene nn hõbedase ajajärgu modernistide teoseid (näiteks Mihhail Kuzmini romaan „Rändurid merel ja maal“ – esimene osa Riia Uues Teatris (2014), teine osa Daile Teatris (2016)), kujutab lavastaja seda vene kultuuri üht kunstirohkeimat perioodi tegevuspaigana, kus teatraalsus polnud ainult kunstniku loominguline väljendusvahend, vaid ka tema elulaad. Teine aspekt: oma lavastustes käsitleb Nastavševs teatristrateegiana enesepeegeldust ise oma lavastustes kohal olles. Suurema osa lavastuste puhul on ta totaalne autor (lavastaja, lava- ja kostüümikunstnik, helilooja, koreograaf, mõnikord ka näitleja) ning näiteks „Lootuse järve“ („Cerī bu ezers“ 2015, Riia Uus Teater) puhul ka lavastuse peategelane, luues sel viisil autobiograafilise lavateose. Kolmas aspekt: ühes oma kõige silmapaistvamas lavastuses, Federico Garcia Lorca „Verepulmas“ (2016, Läti Rahvusteater), uurib Nastavševs elu ja teatri vahelisi piire, muutes tavalist ruumilist tegevuspaika. Ta asetab vaatajad lavale, kust avaneb täisvaade kogu publikualale, ja kasutab kõiki nähtaval olevaid ruumipindu saalipõrandast kuni teise rõduni. Lavaline tegevus on üles ehitatud nii täpselt, et see mõjutab vaatajaid kõikvõimalikel tasanditel nii intellektuaalselt, emotsionaalselt kui psühhofüüsiliselt, võimaldades nii hägustada lava ja publiku vahelisi piire. Artiklis mainitud suundumused lubavad asetada Vladislavs Nastavševsi lavastajatöö nüüdisaegse Euroopa teatri raamistikku.

Within the science fiction genre, utopian as well as dystopian experiments have found equal representation. This balanced treatment of two diametrically opposed social constructs results from a focus on the future for which this particular genre is well known. Philip K. Dick’s VALIS, Neal Stephenson’s Snow Crash, Samuel R. Delany’s Babel-17, and Chuck Palahniuk’s Lullaby, more aptly characterized as speculative fiction because of its use of magic against scientific social subjugation, each tackle dystopian qualities of contemporary society by analyzing the power that language possesses in the formation of the self and propagation of ideology. The utopian goals of these texts advocate for a return to the modernist metanarrative and a revision of postmodern cynicism because the authors look to the future for hopeful solutions to the social and ideological problems of today. Using Slavoj Žižek’s readings of Jacques Lacan and Theodor Adorno’s readings of Karl Marx for critical insight, I argue these four novels imagine language as the key to personal empowerment and social change. While not all of the novels achieve their utopian goals, they each evince a belief that the attempt belies a return to the modernist metanarrative and a rejection of postmodern helplessness. Thus, each novel imagines the revision of Žižek’s big Other through the remainders of Adorno’s inevitably failed revolutions, injecting hope in a literary period that had long since lost it.

Cet article explore les sentiers ardus suivis depuis les années 80 par un intellectuel impliqué dans divers domaines scientifiques, embarqué dans la création des mondes imaginaires et dans le décryptage des pratiques signifiantes : Jacques Fame Ndongo. Avec sa proposition d’une sémiotique appliquée au fonctionnement arithmétique du nom comme désignateur rigide chargé de sens, Jacques Fame Ndongo contribue de manière décisive à l’extension du champ de la science des signes, en même temps qu’il approfondit sa quête personnelle d’approches endogènes des textes et des discours. On montre ici la singularité d’une odyssée intellectuelle, rythmée par une abondante production d’œuvres de fiction et d’ouvrages critiques, avant de souligner sa contribution au renouvellement de la pensée critique à travers deux propositions de grande amplitude épistémologique, valides et opérationnelles : la géométrie circulaire et la sémiotique arithmétique.