Letteratura scientifica selezionata sul tema "Théâtre visuel"
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Articoli di riviste sul tema "Théâtre visuel":
1
Cousins, Rick, e Janine Léopold. "Radio Cargo Cult Liturgy : essai de transposition du théâtre radiophonique dans le visible". L’Annuaire théâtral, n. 56-57 (30 agosto 2016): 175–94. http://dx.doi.org/10.7202/1037337ar.
Abstract (sommario):
Les reprises sur scène de radio-théâtres de ce qu’on appelle l’âge d’or de la radio – qui correspond aux années 1930 et 1940 – prennent souvent des allures parodiques qu’on peut attribuer aux maladresses involontaires de ce type de productions radiophoniques. Cela soulève une question de fond : existe-t-il des éléments caractéristiques de cette esthétique des radio-théâtres qui soient transposables sur scène, dans des productions fondées sur la présence et le visuel? Pour répondre à cette question, l’auteur et une équipe de collègues artistes ont effectué une reprise d’un radio-théâtre phare de cette époque, appuyant l’auralité du radio-théâtre par des mouvements et des gestes scéniques. Il en résulte la création d’un nouveau texte qui fait la satire de cette vénération nostalgique de ce soi-disant âge d’or de la radio.
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Dries, Luk Van den. "Expansion du Regiebuch. Refigurations du carnet du mise-en scène dans le théâtre contemporain". Manuscrítica: Revista de Crítica Genética, n. 34 (8 agosto 2018): 17–29. http://dx.doi.org/10.11606/issn.2596-2477.i34p17-29.
Abstract (sommario):
Cette article examinera l'évolution récente du cahier de metteur en scène ou Regiebuch. Le cahier de mise en scène est l'instrument préféré du metteur en scène, ou « l'auteur » théâtral qui s'est développé le long du dramaturge depuis le début du XXe siècle. Traditionnelement le cahier se situe littéralement entre le texte dramatique et la mise en scène. C'est le carnet de croquis du réalisateur qui enregistre ses idées, ses intentions, ses rêves autour d'une production. En même temps, c'est aussi un journal du processus de répétition. Dans les développements du siècle dernier, souvent regroupés comme l'évolution vers un « théâtre des metteur en scènes » (plutôt qu'un théâtre de dramaturges), l'importance du Regiebuch a augmenté de façon spectaculaire. Dans l'histoire de la scène moderne, le texte devient moins important ou même disparaît au profit de l'imaginaire visuel et auditif du réalisateur. Avec l'émergence de nouveaux médias, tels que les enregistrements numériques et les applications informatiques pour l'édition audio et vidéo, la médialité du Regiebuch évolue également. De son statut initial de carnet de croquis et de journal, il se transforme en une sorte de « storyboard ». L'hypothèse de cet article est que la structure narrative, ou plutôt le récit visuel sur scène, est co-dirigé et déterminé par les techniques de composition visuelle utilisées pendant le processus de répétition. Afin d'élaborer et de tester cette théorie, les carnets de Jan Fabre et Romeo Castellucci seront discutés.
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Devlaeminck, Marielle. "Représenter les sens en scène, xive-xvie siècles". Bien Dire et Bien Aprandre, n. 37 (10 ottobre 2022): 57–80. http://dx.doi.org/10.54563/bdba.1718.
Abstract (sommario):
Le théâtre est avant toute chose un média audio-visuel de masse à l’époque nous occupant. Il n’est, dès lors, pas surprenant que les sens qui soient les plus difficiles à y représenter soient précisément le toucher, le goût et l’odorat. Par le recours à des topoï littéraires et aux personnages allégoriques, toutefois, les auteurs médiévaux on put mettre en scène à la fois ces trois sens et les discours moraux et sociaux les entourant.
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Saraczynska, Maja. "Théâtre otobiographique*. Entendre le récit de soi sur les scènes au XXe siècle". Mnemosyne, n. 3 (11 ottobre 2018): 10. http://dx.doi.org/10.14428/mnemosyne.v0i3.12093.
Abstract (sommario):
À partir des théories d’Antonin Artaud, en passant par la mise en scène directe de Tadeusz Kantor et par le récit de soi d’Evguéni Grichkovets, jusqu’aux adaptations scéniques (Vis au long de la vie de Michèle Albo)… Autant d’exemples pour illustrer le phénomène paradoxal du théâtre autobiographique. Mon étude s’interrogera sur la place de l’oralité, de la voix du comédien et de l’ouïe du spectateur, de la musique et des effets sonores dans les spectacles réalisés à l’ère du théâtre visuel caractérisé par le rôle prépondérant de l’image. Je m’intéresserai à cet espace scénique particulier afin de démontrer l'impact des éléments sonores (voix, enregistrements, musique, sons, amplifications, figures de style, choralité, silence), sur la création d'un spectacle autobiographique, sur l’importance de la mémoire sensorielle (auditive), ainsi que sur le rôle que jouent des souvenirs sonores dans la reconstitution de l’histoire (personnelle et générale) sur scène.
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Kulcsár, Viktória, e Katalin Hajós. "De la vision théâtrale au théâtre visuel. Ou le rôle changeant du costume sur la scène hongroise contemporaine". Ligeia N° 85-88, n. 2 (2008): 232. http://dx.doi.org/10.3917/lige.085.0232.
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Léger, Danielle. "Théâtre à Montréal, 1825-1930 : un récit visuel mettant en scène des documents patrimoniaux". Archives 48, n. 1 (2019): 89. http://dx.doi.org/10.7202/1060816ar.
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Temenuga, Trifonova. "La Nouvelle Manga et le cinéma". ALTERNATIVE FRANCOPHONE 1, n. 10 (22 settembre 2016): 100–115. http://dx.doi.org/10.29173/af28212.
Abstract (sommario):
Cet article montre que concevoir des bandes dessinées (BD) est fondamentalement un processus narratif. Par conséquent, le tournant pris par la BD pour s’éloigner de la littérature en direction des arts visuels comme le cinéma a aussi été le fait des bédéistes qui ont adapté leur esthétique visuelle en recourant à des récits innovants: le "tournant visuel" n’est pas simplement un rejet du littéraire et des aspects textuels de la BD, mais également un réajustement vers de nouveaux récits non séquentiels (comme ceux de la nouvelle vague). C’est seulement de cette façon que l’on peut expliquer le paradoxe selon lequel l’intérêt autoproclamé de la nouvelle manga pour la narration plutôt que l’illustration ne s’aligne pas sur le postulat critique du "tournant visuel" depuis le début des années 1990. Dès lors, qualifier la nouvelle manga de « cinématique » revient à faire référence à la fois à des techniques visuelles particulières qui sont généralement associées au cinéma, mais aussi à un type particulier de narration qui est caractéristique de la nouvelle vague et du cinéma japonais. Il y a des similarités indéniables entre la structure narrative en épisode de la nouvelle vague et ce que David Desser appelle « le paradigme classique » du cinéma japonais, dont le meilleur exemple est le cinéma d’Ozu. Desser compare son mode narratif à ceux du théâtre Kabuki et des romans japonais. Les films d’Ozu perturbent la linéarité narrative, soulignent les manipulations spatiales, recourent à des ellipses temporelles, emploient une structure épisodique et évite les moments paroxystiques afin d’explorer la banalité de la vie quotidienne. Frédéric Boilet, auteur du manifeste de la Nouvelle Manga, préconisait l’utilisation par la nouvelle manga d’histoires ordinaires de la manga japonaise pour contrebalancer l’emphase excessive sur l’illustration qu’il trouvait typique de la BD française. Paradoxalement, cependant, l’incorporation d’histoires de la vie quotidienne n’a pas résulté en un surcroît d’importance accordée à l’histoire; bien au contraire: en fait, la narration relâchée et épisodique de la nouvelle manga, voire sa quasi-absence, a servi à recentrer l’attention sur le plan visuel.
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Fontaine, Kathryne. "Image à lire : pour une éthique contemporaine du récit de guerre". Voix Plurielles 15, n. 2 (9 dicembre 2018): 179–91. http://dx.doi.org/10.26522/vp.v15i2.2083.
Abstract (sommario):
Cet article explore la relation que les récits de guerre de fiction établissent avec la mise en images de la guerre, dans la perspective debordienne d’un monde en proie à une spectacularisation qui aliène les individus et les collectivités de la réalité de l’expérience. Romans et pièces de théâtre de Wajdi Mouawad, Maïssa Bey et Mathias Énard sont interpellés pour voir comment la littérature contemporaine produit un discours éthique au sujet de la représentation visuelle de la guerre, recomplexifie la réalité des événements en réponse à une certaine tendance actuelle à banaliser les images, interroge les modes d’interaction avec l’expérience de la guerre qui procèdent surtout de l’exploitation du visuel, et accomplit tout ceci en maintenant, par les recours que permettent la langue littéraire et le registre fictionnel, une distance critique par rapport à leur propre pratique.
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Beauchamp, Hélène. "Theatre of Commitment in Francophone Canada". Canadian Theatre Review 108 (ottobre 2001): 83–85. http://dx.doi.org/10.3138/ctr.108.014.
Abstract (sommario):
It is not a new festival, but it has changed its name from the rather descriptive “Les 15 jours de la dramaturgie des régions” (reviewed in CTR 102) to the more catchy “Festival du Théâtre des Régions” (FTR). Founded by the Association des Théâtres francophones du Canada (ATFC) and the Théâtre français of the National Arts Centre (NAC), the Festival exists to bring together those professional companies and artists who write, create and produce theatre in French from Vancouver to Moncton and Caraquet. The Festival provides a showcase for selected productions, as well as precious time for discussions between companies and artists on co-producing and touring and official meetings with groups like the Canada Council, the National Theatre School and the Centre des auteurs dramatiques. In addition, Ontario’s Théâtre Action (TA), the West’s Association des Théâtres francophones de l’Ouest (ACTO) and the Association des Théâtres francophones du Canada hold their general meetings and elect their officers at the Festival; this year Guy Mignault of the Théâtre français de Toronto was elected president of ATFC for a two-year mandate.
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Mundel, Ingrid. "Radical Stroytelling: Performing Process in Canadian Popular Theatre". Theatre Research in Canada 24, n. 1 (gennaio 2003): 147–70. http://dx.doi.org/10.3138/tric.24.1.147.
Abstract (sommario):
Cet article explore la possibilité de recourir au «conte radical» au sein du théâtre populaire canadien contemporain, s’intéressant principalement aux rapports entre les prestations des conteurs, mais s’étendant aussi aux processus historiques et matériaux plus vastes à l’intérieur desquels ces histoires sont produites.Alimenter la discussion de ce qui constitue, définit ou mine le «récit radical» dans le théâtre populaire au Canada, c’est s’intéresser à la façon dont les théâtres populaires au Canada (Kalevala, PUENTE Theatre et Ground Zero, par exemple) cherchent à se servir de récits pour contester les idées reçues sur la canadianité; c’est aussi voir comment certaines représentations du théâtre populaire peuvent reproduire à leur insu les récits hégémoniques canadiens. En minant le lien entre les histoires que nous racontons et les récits-maîtres qui encadrent inévitablement «nos histoires,» les théâtres populaires peuvent en fait décontextualiser la différence – mettant en scène «nos histoires» comme si elles constituaient des expressions détachées, autonomes, produites par des «oprimés« qui isolent plutôt que déstabilisent les discours dominants sur la canadianité.
Tesi sul tema "Théâtre visuel":
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Prud'homme, Chantal. "Cycles repère et handicap visuel : les rôles du facilitateur dans le contexte d'une création théâtrale". Master's thesis, Université Laval, 2008. http://hdl.handle.net/20.500.11794/20558.
Abstract (sommario):
Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009Cet essai témoigne de mon expérience dans l'animation et l'adaptation d'un processus de création collective suivant les Cycles Repère, et impliquant des participants handicapés visuels non spécialistes du théâtre. En introduction, il présente les méthodologies empruntées pour la création du spectacle Dodo tititit manman, d'une part, et, d'autre part, pour l'étude de mes interventions en tant que facilitatrice dans le contexte de ce projet. Il relate ensuite les grandes lignes de notre parcours créateur avant de définir les différents rôles que j'y ai endossés. En passant par la description des fonctions assumées à titre de facilitatrice et de l'approche privilégiée, illustrées d'exemples concrets tirés de mon expérimentation, je tente de faire ressortir les principaux enjeux reliés à l'utilisation des Cycles Repère auprès d'un groupe de personnes peu expérimentées en théâtre et vivant avec une déficience visuelle.
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Patts, Anastasia. "L’inconscient en images : le théâtre de la Compagnie Philippe Genty". Electronic Thesis or Diss., Amiens, 2015. http://www.theses.fr/2015AMIE0036.
Abstract (sommario):
Cette thèse analyse le procédé de construction du sens dans le théâtre visuel de la Compagnie Philippe Genty, un thème jusque-là très peu étudié en France et à l’étranger. La Compagnie emploie la dramaturgie visuelle comme une écriture scénique, qui se caractérise par l’utilisation de différents arts sans support littéraire. Ainsi, la production du sens s’opère par la succession d’images scénographiques dans l’esthétique visuelle globale. L’œuvre met en scène un univers de l’inconscient qui prend sa source dans les souvenirs, les traumatismes et les rêves personnels des créateurs de la Compagnie. Le sujet majeur des spectacles est le voyage voué à la recherche de la cause d’un traumatisme. Pendant son voyage, le personnage rencontre des obstacles qu’il doit surmonter et qui aboutissent à la prise de conscience et à l’apaisement de son conflit central. Afin de relever et d’interpréter les images scéniques, nous analysons la fonction des éléments constituants de ce théâtre (marionnettes, matières, objets, danse, mouvement, paroles et voix) par des approches psychanalytique, phénoménologique et sémiologique. L’examen détaillé de ces derniers a permis de révéler l’existence de motifs et de thèmes récurrents appartenant au domaine de l’inconscient, qui apparaissent dans la plupart des spectacles. Il s’agit par exemple de concepts tels que le morcellement du corps, le complexe d’Œdipe, la dissociation de la personnalité, les peurs de l’enfance, les sentiments refoulés, la culpabilité, les expressions de l’anima, du soi et de l’ombre. L’analyse a également mis en valeur des procédés techniques et métaphoriques que la Compagnie utilise pour la création de ses spectacles (théâtre noir, manipulation à vue, confrontation avec des matières, changement d’échelles, détournement fonctionnel d’éléments). Ces éléments récurrents constituent un ensemble que nous considérons comme le langage scénique de ce théâtreThe aim of this dissertation is to analyse the process connected to the theatrical scenery of the theatre company created by Philippe Genty, previously not so frequently studied in France and overseas. The company uses the visual dramaturgy as a scenery writing characterized by the use of different arts without the support of literature. Therefore, production of meaning occurs through binding of scenery images to theatrical aesthetics. This particular theatrical work represents a universe of the unconscious mind filled in with memories, traumas and personal dreams of the creators of the Company. The main subject of these spectacles is about the journey, which has as key purpose the search for the reasons of a traumatic event. The central figure faces different obstacles during his journey which he must go through and ends up into the awareness and the quietness of his internal conflict. In order to point out and interpret scenic images, we do analyse the function of the elements met in this particular theatre art (puppets, natural elements, dances, movements, voices and words) through psychoanalytical, phenomenological and semiotic approaches. A careful survey of these themes has demonstrated the existence of scene subjects and recurring themes of the world of the unconscious coming up into most of the spectacles. These themes, for example, are as follows: fragmented body, Oedipus complexes, dissociation of the character’s mind, childhood fears, remoted and oppressed feelings, sense of guilt, expressed images of the anima, of oneself and shadows of the personality. This detailed analysis has also shown light on the technical and metaphorical means used by the Company in the creation of the following spectacles (black shadows theater, hand-moved puppets by sight, confronting scenes with natural elements, change of visual scales, distortion of the scenic elements). All these repeated elements are joined together into the whole which we consider as scenic language of this particular theatre
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Nilsson, Birgitta. "L’apprentissage par l’expérience esthétique : Utilisez-vous l’audio-visuel, la musique et le théâtre dans l’enseignement du français ?" Thesis, Linnéuniversitetet, Institutionen för didaktik och lärares praktik (DLP), 2018. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:lnu:diva-84902.
Abstract (sommario):
With the implementation of the 2011 guidance documents (Lgr11), the aesthetic perspective was strengthened in the Swedish secondary school, according to Marie-Louise Hansson Stenhammar (2015: 60). The purpose of this thesis is to examine whether there are differences in the extent to which some teachers use learning through aesthetic experience, and to identify possible advantages and obstacles in this respect. After a brief overview of four major theoretical perspectives of learning, we present a minor quantitative study that we relate to previous research. Anne Bamford (2009 : 11) and Hélène Trocmé-Fabre (Jedrzejak 2012 : 24) show in their research how tools relating to aesthetic activities can improve learning. The main finding in our survey, covering a few teachers over the country, is that the use of these tools varies greatly, and that the degree of interest and motivation for this area of activity differs from teacher to teacher. Advantages for the pupils, mentioned by participants in our study, are motivation, variation, use of several senses, consolidation of knowledge, activation of the photographic memory and easier learning of the language. While research, by Hansson Stenhammar (2015), points out teacher’s interpretation of regulatory frames as an obstacle to the use of aesthetic activities, in our study the perceived obstacles are the teacher’s lack of motivation, time and teaching material. Our participants are randomly sampled, from across the country, and findings from our small study cannot be extended to a wider population. Our recommendation for further research would be a study on how the pupils’ attitudes and motivation is affected by aesthetic experiences.
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Camenen, Gersende. "Écrire au temps de l'image : les enjeux du visuel chez Roberto Arlt". Paris 8, 2009. http://octaviana.fr/document/152360425#?c=0&m=0&s=0&cv=0.
Abstract (sommario):
L'œuvre de Roberto Arlt (1900-1942) est contemporaine de l'affirmation de nouveaux médias (photographie et cinéma) dans le champ culturel argentin. L'objectif de cette thèse est d'évaluer l'influence de l'image sur l'écriture arltienne. À travers ses notes sur le cinéma, ses réflexions et sa pratique de la photographie, on découvrira ainsi le discours que l'écrivain tient sur la transformation des dispositifs de représentation et du statut de l'écriture qu'entraînent les nouveaux médias. Cette mutation culturelle suscite en outre des réponses poétiques diverses dans les romans, les pièces de théâtre et les écrits de voyage arltiens. Au miroir de l'image, ce sont trois périodes qui se dégagent dans l'œuvre arltienne. Arlt entre en littérature en élaborant dans son premier roman une puissante figure d'auteur à partir du rôle donné à l'image dans la formation de la subjectivité et l'apprentissage de l'écriture. Cette construction conditionne sa relation avec la tradition et l'avant-garde, définissant sa place dans le champ littéraire d'une façon tout à fait subversive. Puis l'époque des grands romans et des "Eaux-fortes portègnes" révèle l'impact décisif du cinéma sur l'art narratif arltien, imposant une nouvelle lecture du sujet, du rythme narratif et finalement des pouvoirs de la littérature, concurrencée par ce nouvel art du récit qu'est le cinéma. Enfin, une dernière étape s'ouvre avec le théâtre et l'expérience du voyage. Une origine visuelle et une forme de confrontation à l'autre semblent réunir ces pratiques d'écriture très différentes. La scène, art visuel et autre du texte puis l'autre culturel, appréhendé à travers un réseaux d'images à la fois anciennes et nouvelles, à mi-chemin entre le réel et l'imaginaire bouleversent le rapport de l'écriture à l’imageRoberto Arlt's work (1900-1942) is contemporaneous with the increasing importance of new media (photography and cinema) in the Argentinian cultural field. The aim of this dissertation is to assess the influence of image on Arlt's writing. By examining his notes on cinema, his reflections on and pratice of photography, I analyse Arlt's views on the transformation of modes of representation and of the status of writing entailed by the new media. This cultural change also provokes different poetic responses in Arlt's novels, plays and travel writings. The relation to images in Arlt's work goes through three different periods. Arlt makes his literary "début" by elaborating in his first novel a powerful author-figure and giving a major role to images in the formation of subjectivity and the apprenticeship of writing. This construction conditions his relation to tradition and "avant-garde", defining his place in the literary field in a particularly subversive way. Then the period of the great novels and of "Aguasfuertes porteñas" reveals the decisive impact of cinema on Arlt's narrative art, imposing a new lecture of the subject, the narrative rhythm and finally of the powers of literature, challenged by the new narrative art that is cinema. Finally, a last stage opens with the theatre and the experience of travelling. A visual origin and a form of confrontation to the other seem to link together these very different writing pratices. The theatre, visual art and textual other, then the cultural other perceived through a web of both old and new images, half-way between reality and imagination dramatically change the relation of writing to image
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Gobbé-Mévellec, Euriell. ""Habiter l'image" : jeux et enjeux du visuel dans l'album de jeunesse illustré et le théâtre jeune public contemporains en Espagne". Toulouse 2, 2010. https://acces.bibliotheque-diderot.fr/login?url=https://doi.org/10.15122/isbn.978-2-8124-2937-8.
Abstract (sommario):
La littérature pour la jeunesse actuelle témoigne de la prédominance d’une logique iconique et balaie la conception ancienne d'une illustration asservie au texte. Aujourd'hui, le livre tout entier se présente comme un objet visuel et demande à être analysé comme tel. Ce phénomène, loin d'être isolé, gagne à être pensé en lien avec l'évolution des usages médiatiques dans la vidéosphère postmoderne, et fait écho à certains questionnements de l'art contemporain. Comment le livre réagit-il face aux images mobiles, multimédias, interactives que notre société propose à l'enfant ? La littérature pour la jeunesse, de plus en plus consciente des spécificités psychologiques de son lectorat, explore les possibilités d'un contact toujours plus direct, immédiat et chaleureux avec l'enfant. Elle n'hésite pas pour cela à s'inspirer des modes de représentation d'autres pratiques, et emprunte notamment au théâtre ses dispositifs. L'album se révèle être un support particulièrement apte à investir ces dispositifs étrangers et à les adapter à ses propres codes, cherchant à optimiser la communication. Ses pages dévoilent le monde à l'enfant tout en reflétant son expérience et ses émotions, et l'invitent à visiter et à investir l'image. L'image s'offre ainsi comme un paysage mental, une enveloppe protectrice qui filtre le rapport entre le moi et le monde et dont les contours s'ajustent à la mesure de l'enfant. Paradoxalement, c'est dans l'altération du visible, dans l'organisation de sa propre disparition, que l'image puise son efficacité visuelle. Elle donne ainsi naissance à de nouvelles écritures : celles de l'empreinte, de l'indice, sollicitant toute l'attention du petit lecteur-enquêteurChildren's literature nowadays asserts the predominance of an iconic logic and clears away the former conception of the illustration subjected to the text. Today the whole book presents itself as a visual object and requires to be analyzed as such. This is no episodic characteristic, but rather a phenomenon to be linked with the evolution of media practices in the post-modern videosphere, and an echo of certain questionings in modern art. What are the direct consequences within the book of the several moving, multimedia and interactive images society targets at children? In becoming more and more aware of the psychological specificities of its readers, children's literature explores the ways to get an even more direct, immediate and attractive contact with children, re-using the modes of representation of other artistic fields, notably theater's apparatus. Picture books thus turn out to be a perfectly apt base to adjust to such alien apparatus and adapt it to their own codes, always highlighting the importance of communication. Their pages show the world to the children while mirroring their personal experience and emotions, and invite them to explore and people the image. The image thus becomes a mental landscape, a protective frame screening the relationship between the self and the world, and adapting its shape to the children. Paradoxically, the image is most visually powerful when its visibility is slightly altered and its own disappearance carefully staged. It thus gives birth to new forms of writing such as traces and clues, requiring great attention from the young investigator-reader
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Fernandez, Laure. "Cadre et écarts : un théâtre hors du théâtre (de la théâtralité dans les arts visuels) : 1960-2010". Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030136.
Abstract (sommario):
La théâtralité, idée apparue avec les avant-gardes théâtrales au début du XXe siècle puis théorisée dans les années 1960, connaît un net regain d'intérêt chez nombre d'artistes contemporains : si la notion naît chez les praticiens et théoriciens du théâtre pour distinguer celui-ci de la littérature ou du cinéma et le fonder comme un art autonome, c'est dans le champ des arts visuels que sa vitalité est aujourd'hui la plus remarquable, qu'elle soit utilisée comme une référence positive au théâtre ou dans une optique "théâtrophobique". Thématiques ou structurels, ces emprunts montrent que la théâtralité ne peut plus être pensée à l'intérieur du strict champ du théâtre comme elle l'était à ses origines. Traçant tant un historique des emplois de la notion chez les théoriciens et critiques qu'un panorama de ses manifestations dans des créations actuelles, le présent travail entend examiner la façon dont une partie de l'art contemporain, c'est-à-dire des pratiques non théâtrales au sens strict, est devenue une autre scène pour le théâtre - comme si les artistes trouvaient en ce "non-art" archaïque et tout à fait particulier un paradigme ou un anti-paradigme permettant de repenser à la fois leur propre médium, les modes de représentation et la place du spectateur. Nous souhaiterions aller ainsi à l'encontre des discours proclamant la fin des spécificités artistiques et la mort (incessante) du théâtre en montrant la pérennité manifeste de celui-ci dans d'autres champs, non pas nécessairement en tant que forme pure mais parce qu'il fournit un schème solide - cette théâtralité, aussi labile qu'essentielle, qui fonderait aujourd'hui, par un intéressant jeu de va-et-vient entre les pratiques qui l'engagent, un axe fort pour penser la contemporanéité du théâtreThe idea of theatricality appeared in the context of avant-garde theater at the beginning of the XXth century, was theorised in the 1960s, and has recently been a subject of renewed interest for numerous contemporary artists. The notion was originally created by theater practitioners and theorists to distinguish it as an autonomous art form, different from literature or film. Currently, it is in the field of visual art that theatricality is most vital, explored either as a positive reference to theater or a more negative "theatrophobic" stance. These allusions, whether thematic or structural, illustrate that theatricality can no longer be strictly confined to the field of theater. Taking into account the notion's historical applications and elaborating a panorama of its manifestations, this study examines how several non-theatrical contemporary art practices have become another stage for the theater. It is as if certain artists found in this archaic and unique "non-art" a paradigm or an anti-paradigm, stimulating new approaches vis à vis their own mediums, representational modalities and the spectator's position. This study challenges discourses that ignore each art's defining characteristics and that claim the (incessant) death of theater by illustrating the continual appearance of the later in other artistic domains. Pure theatrical form is not necessarily questioned in these works; however, theater provides a solid model. This "famous" theatricality is as mutational as it is fundamental and establishes - through an interesting play between the different practices that engage it - a key field for reflecting the contemporaneity of theater
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Gueguen, Robin. "Virtualisation architecturale visuelle et auditive du théâtre antique d'Orange". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUS163.
Abstract (sommario):
Ce projet pluridisciplinaire initié par Sorbonne Université vise à apporter des solutions mathématiques et informatiques à des problèmes archéologiques. Il s’articule autour du théâtre antique d’Orange. Une étude documentaire poussée a permis de restituer ce monument sur le logiciel Blender. La maquette virtuelle du théâtre est composée de formes brutes, auxquelles sont affectés des éléments de détail non permanents, ce qui la rend très facilement modulable. En plus de pouvoir visualiser virtuellement le monument, ce projet vise à étudier son acoustique. Ainsi, un outil de calcul spécialement conçu pour ce cas d’application complexe a été développé en C++ en partenariat avec le CMAP de l’École polytechnique. L’algorithme est développé à l’aide de méthodes géométriques en se plaçant dans l’approximation hautes fréquences. À partir d’une source sonore, il s’agit de propager des faisceaux portant une certaine quantité d’énergie dans toutes les directions et de calculer leurs réflexions sur les parois du bâtiment. La méthode permet simuler la réverbération d’une salle sur huit bandes de fréquence en prenant en compte les coefficients d’absorption des matériaux et du milieu de propagation. L’algorithme est optimisé par une approche de Divide and Conquer utilisant des octrees. Cela permet de réduire la complexité quadratique de l’interaction rayons/éléments à quasi-linéaire ce qui améliore considérablement le temps de calcul. C’est avec ce simulateur qu’est finalement menée l’étude acoustique du théâtre d’Orange. Il est alors possible de qualifier l’impact de certaines configurations du théâtre : présence de décor ou de toit, position des spectateurs ou des sources acoustiquesThis multidisciplinary project initiated by Sorbonne University aims to provide mathematical and computing solutions to archaeological problems. It deals with the ancient theater of Orange. An extensive literature review allowed to restore this monument thanks to the software Blender. In addition to the visualization part, this project also aims to study the acoustics of the monument. Thus, a numerical simulation tool especially designed for this significant size numerical problems has been developed in C++ in partenership with the CMAP (École polytechnique). The algorithm uses geometric methods thanks to the high frequency approximation. From a sound source, beams carrying a certain amount of energy are propagated in all directions and reflected on the building walls. The method provide the reverberation curve of a room for eight octave bands by considering the materials properties and the propagation medium. The algorithm is optimized by using a Divide and Conquer approach with a hierarchical octree structure. This allow to reduce the quadratic complexity of the ray/element interactions to near-linear and significantly improves computation time. The algorithm is validated by comparison with theoretical test cases. The study of the Orange theater is eventually carried out with this acoustic simulator. Thanks to different output data, it is possible to qualify the acoustic impact of certain theater configurations : presence of ornament or roof, position of spectators or sound sources
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García, Martínez Manuel. "Réflexions sur la perception du rythme au théâtre". Paris 8, 1995. http://www.theses.fr/1995PA081036.
Abstract (sommario):
La specificite du rythme des mises en scene de theatre et sa perception par le spectateur peuvent etre abordees du point de vue des formes de groupements et de leur hierarchisation dans des structures superieures. Face a une definition prealable du rythme fondee sur une structure precise ou sur un type de groupement, les attentes differentes qui apparaissent des le debut de chaque mise en scene, les cadres rythmiques, s'averent fondamentales pour comprendre le deroulement rythmique. L'analyse concrete de ces aspects au theatre permet une appriche dynamique dy rythme visuel, du rythme prosodique de la voix des comedien analyse realisee grace a une etude phonetique-, du rythme des mouvements; elle revele des caracteristiques specifiques au deroulement temporel d'un spectacle de theatreThe specificity of the rhythm of a theatrical production and his perception are extremely complex. Among the more important aspects are groups and the inclusion of these groups within larger groups of theatrical elements which create a rhythmic hierarchy. The initial expectations that arise for every spectator at the begining of a production, which i call rhythmical frames are essential to understand the rhythm. These aspects are first applied to the actor's voice, - this thesis focus specially on the prosodic rhythm using a phonetic analysis of pitch and speed- , secondly to the movement realized by the actors, and finally to the whole of the prodution. This analysis reveals specific characteristics of theatrical developement
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Boscher, Nicolas. "Marcel Achard et le cinéma : dramaturge, critique, producteur, dialoguiste, réalisateur". Thesis, Normandie, 2020. http://www.theses.fr/2020NORMC012.
Abstract (sommario):
Marcel Achard rencontre d'abord le succès comme dramaturge, à partir des années 1920, avant d'entamer une longue carrière dans l'industrie cinématographique, puis de tomber dans un relatif oubli. Cette thèse retrace son parcours de réalisateur, ambitionnant de participer à la création d'un musical français (La Valse de Paris (1950)), ainsi que la genèse et les enjeux des films à l'écriture desquels il a collaboré. Plusieurs d'entre eux constituent des jalons essentiels dans l'histoire du cinéma : Jean de la Lune (1931), La Veuve joyeuse (1934), L’Étrange Monsieur Victor (1938), Le Déserteur (1939), Félicie Nanteuil (1942-1945) ou Madame de.... (1953). En s'appuyant sur l'exploration de plusieurs fonds d'archives, plus particulièrement le fonds Achard déposé à la BnF, et sur les trente-huit films actuellement disponibles, elle examine le rôle joué par cet auteur-relais occupant le plus souvent une position intermédiaire (critique, co-réalisateur, adaptateur ou dialoguiste) au sein d'un territoire traversé de tensions historiques, génétiques et esthétiques.L'absence de toute étude approfondie de son activité dramatique impose de commencer par un rappel des caractéristiques et de la démarche du dramaturge, dont l'écriture est déjà tournée vers le cinéma, repoussoir ou tentation. Après avoir tenté de cerner le discours du critique cinématographique – le plus souvent instable tant sa conception du cinéma, du dialogue cinématographique ou de l'auctorialité varie en fonction du contexte et des œuvres auxquelles il s'applique –, je retrace le parcours ambitieux d'Achard au sein de l'appareil de production cinématographique, entre la France, Berlin, et Hollywood. Enfin, j'examine la manière dont émergent des représentations nationales, auctoriales et genrées au sein des scénarios et des films, dans le cadre d'un processus complexe et collectif. La part prise par Achard au cours de celui-ci demeure variable, voire difficile à discerner, mais parfois essentielle pour le pire (les inflexions réactionnaires ou un stéréotypage sans nuance) ou pour le meilleur (la complexité des représentations et des sentiments, une connaissance approfondie des potentialités du dialogue cinématographique)From the 1920s, Marcel Achard produced successfull dramatic works and then established a long cinematographic career, before falling into relative obscurity. This thesis investigates not only his activity as an director ambitious to create a french musical (La Valse de Paris/The Paris Waltz (1950)), but also the genesis and objectives of several films constituting important milestones in the history of cinema : Jean de la Lune (1931), La Veuve joyeuse/The Merry Widow (1934), L’Étrange Monsieur Victor/The Strange Monsieur Victor (1938), Le Déserteur/The Deserter (1939), Félicie Nanteuil/Twilight (1942-1945) ou Madame de..../The Earrings of Madame De... (1953). It is based on the exploration of several archive collections, more particularly the Achard archives deposited at the BnF, and thirty-eight films currently available. It examines the rôle played by this « author-relay », typically occupying an intermediate position (i.e. critic, co-director, adapter or dialoguist) operating within a creative territory shaped by historical, genetic and aesthetic contradictions.The absence of any in-depth study of its dramatic activity makes it necessary to start with a reminder of the playwright's characteristics and approach, in order to envisage the way in which theatrical writing can be adopted by cinema (foil or temptation). In addition, this study tries to define the unstable discourse of the film critic : his conceptions of cinema, cinematographic dialogue and authorship vary according to the context and the works to which it applies. It then retraces the ambitious course of Achard in the film production industry, working in France, Berlin and Hollywood. Finally, it examines the way in which national, authoritative and gendered representations emerge within scenarios and films. This is in the context of a complex and collective process, in which Achard's contribution remains variable and sometimes difficult to discern. However, this variable contribution can be essential for the film ; for the worst (reactionary inflections or stereotyping without nuance), or for the best (the complexity of representations and feelings, a thorough knowledge of the potentialities of cinematographic dialogue)
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Aragonès, Riu Núria. "Iconographie des Petits Théâtres en France au XVIIIe siècle". Paris 3, 2008. http://www.theses.fr/2008PA030028.
Abstract (sommario):
À l’opposé de l’histoire des arts picturaux qui part de l’existence matérielle de son objet d’étude, l’histoire des arts du spectacle – dont l’objet est une œuvre d’art éphémère par définition – s’élabore par le rassemblement de sources documentaires (textes et images) à partir desquelles l’historien étudie l’objet absent. L’iconographie théâtrale s’inscrit dans un domaine d’études nécessairement interdisciplinaire où la méthodologie de l’histoire du théâtre s’associe à celle de l’histoire des arts picturaux. Notre hypothèse de départ soutient que l’analyse formelle et stylistique de l’image peut fournir bien des interprétations plausibles pour l’histoire du théâtre. Par ailleurs, le rapprochement de l’image de théâtre et le contexte socioculturel de l’époque (les questions de production, fonction et destination de l’image) permettra de revisiter l’interprétation d’images connues et de proposer une interprétation pour les images inédites que cette étude met à la lumière. L’échantillon d’analyse est constitué d’images ayant pour sujet les « petits » spectacles français – et notamment parisiens – du XVIIIe siècle, à savoir les théâtres des foires, du boulevard du Temple, du Palais-Royal et les spectacles de rue (marionnettes, charlatans, vendeurs de chansons, montreurs de curiosités) qui composent la scène non officielle du XVIIIe siècle. Par le biais de l’analyse iconographique, nous découvrirons une image pluri-forme et pluri-fonctionnelle, dynamique et transformable, qui appelle à l’actualité théâtrale en utilisant bien souvent des modèles figuratifs traditionnels. Les champs d’étude qu’ouvre l’iconographie théâtrale sont multiples et variés et ne font que confirmer la nécessité des études transdisciplinaires pour mieux cerner l’histoire du théâtreDiffering from the history of painting which is based on the physical existence of the studied object, theatre art history – where the object of study is by definition an ephemeral piece of art – is elaborated by the assembly of documental sources (images and texts) that the theatre historian uses to analyse the missing object. Theatre iconography has to be studied through an interdisciplinary approach in which the methodology of theatre historians is combined with that of painting historians. Our departing hypothesis is that the analysis of form and style of the image can provide many plausible interpretations for theatre history. In addition, the consideration of the social and cultural context of the epoch (issues on the production, function and destination of the image) will allow the reinterpretation of known images as well as an interpretation for previously unknown images. The analysed sample is made of images having as subject “petits spectacles” in eighteenth-century France (mainly in Paris), that is to say fair theatres, theatres of the boulevard du Temple, Palais-Royal spectacles and other kind of street theatre (puppets, charlatans, singers, etc. ) that composed the non-official theatre life of the eighteenth-century. Through the iconographic analysis we will find a dynamic and transformable image, with multiple forms and functions, that covers current theatre events by using in some occasions traditional pictorial records. The interdisciplinary approach of theatre iconography opens new multiple fields of study that will advance our knowledge on the theatre of the past
Libri sul tema "Théâtre visuel":
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Carola, Hähnel-Mesnard, Liénard-Yeterian Marie e Marinas Cristina, a cura di. Culture et mémoire: Représentations contemporaines de la mémoire dans les espaces mémoriels, les arts du visuel, la littérature et le théâtre. Palaiseau: Ecole polytechnique, 2008.
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Carola, Hähnel-Mesnard, Liénard-Yeterian Marie e Marinas Cristina, a cura di. Culture et mémoire: Représentations contemporaines de la mémoire dans les espaces mémoriels, les arts du visuel, la littérature et le théâtre. Palaiseau: Ecole polytechnique, 2008.
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International Federation for Theatre Research. Théâtre: Espace sonore, espace visuel = Theater : sound space, visual space : actes du colloque international organisé par l'Université Lumière-Lyon 2, 18-23 septembre 2000 : conférence annuelle de la FIRT/IFRT. Lyon: Presses universitaires de Lyon, 2003.
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Dubé, Jasmine. La couturière: Parcours théâtral à la rencontre des arts visuels et des générations : théâtre. Outremont, Québec: Lanctôt, 2004.
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Baillet, Florence. Le regard interrogé: Lulu, ou, La chair du théâtre. Paris: Honoré Champion éditeur, 2013.
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Contrucci, Jean. Marseille culture[s]: Arts visuels, musique, danse, théâtre, architecture, cinéma, photographie, littérature et poésie. Paris: HC éditions, 2012.
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l'éducation, Ontario Ministère de. Éducation artistique (arts visuels): Le curriculum de l'Ontario copies types de 10e année. Toronto, Ont: Ministère de l'éducation, 2002.
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l'éducation, Ontario Ministère de. Éducation artistique (arts visuels): Le curriculum de l'Ontario copies types de 9e année. Toronto, Ont: Ministère de l'éducation, 2000.
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Rochester, Joanne. Staging spectatorship in the plays of Philip Massinger. Burlington, VT: Ashgate, 2010.
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Perrot, Edwige, e Josette Féral. Le réel à l'épreuve des technologies: Les arts de la scène et les arts médiatiques. Rennes: Presses universitaires de Rennes, 2013.
Capitoli di libri sul tema "Théâtre visuel":
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ANGO MEDJO, Martin Paul. "Le signe au théâtre". In Sous le signe du signe ou l’art d’être sémioticien, 29–46. Editions des archives contemporaines, 2022. http://dx.doi.org/10.17184/eac.4799.
Abstract (sommario):
Pour signifier la valeur sémiologique des objets, Kowzan (1968 : 77) indique : « une multitude pratiquement illimitée d’objets existant dans la nature et dans la vie sociale peuvent se transformer en accessoires de théâtre ». Au théâtre justement, tout est signe, tout fait signe. L’article élucide, dans les détails, l’ordre du spectacle et les éléments qui, dans les pièces considérées, permettent le passage du texte à la scène. La scène étant un espace qui se construit au fil des actes, une attention nouvelle sera accordée aux signes visuels et auditifs dotés d’une existence scénique ou extra-scénique. Seront appréciées pour les différencier, leur fonction sociale ou utilitaire et leur fonctionnalité singulière ou fonction sémiologique. Un intérêt majeur sera accordé au langage qui signifie, structure et permet de décrire la théâtralité des textes/scènes. On prospectera ainsi une sémiologie du décor, des costumes, des lumières, etc.
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"Silencing and Sounding the Voice in Transition-Era French Cinema". In Voicing the Cinema, a cura di Hannah Lewis, 34–53. University of Illinois Press, 2020. http://dx.doi.org/10.5622/illinois/9780252043000.003.0003.
Abstract (sommario):
This essay examines two contrasting aesthetics of the voice in early 1930s French cinema and the role that music played in each. Filmed theater, or théâtre filmé, emerged from the conception that sound cinema was primarily a recording medium. In French theatrical adaptations, the speaking voice took precedence over all other elements of the soundtrack. The author argues, however, that in théâtre filmé, speech takes on almost musical qualities, folding music and sound effects into the voice itself. Avant-garde filmmakers took a contrasting approach, rejecting the restriction of camera movement imposed by the theatrical model and hoping to recapture some of the visual freedom characteristic of silent cinema. These filmmakers told their stories with as little spoken dialogue as possible, incorporating music prominently into their soundtracks in order to silence the speaking voice. Though the intent may have been to strip the voice of its dominance within the soundtrack, these directors’ strategic denial of the voice often granted it a much greater significance. By examining early experiments with the voice on the soundtrack in the transition years—including those by Jean Renoir, René Clair, and Jean Grémillon—the author’s analysis expands the concept of “vococentrism,” as articulated by Michel Chion and David Neumeyer, to include different models of understanding the voice in cinema beyond those found in classical Hollywood and helps shed light on competing conceptions of the voice’s role in cinema before practices became codified.
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GROS-DÉSORMEAUX, F. "Diversité et propriétés des principales armes chimiques utilisées lors de le Première Guerre mondiale". In Médecine et Armées Vol. 45 No.1, 41–46. Editions des archives contemporaines, 2017. http://dx.doi.org/10.17184/eac.7453.
Abstract (sommario):
La Première Guerre mondiale fut le théâtre de la première utilisation d’armes chimiques avec une visée de destruction de masse. Auparavant, les belligérants utilisaient des lacrymogènes pour le maintien de l’ordre. Les Allemands, malgré la signature de la convention de La Haye en 1899, mirent en œuvre la première arme chimique à visée de destruction de masse, le chlore, en Belgique près d’Ypres en 1915. Il s’ensuivit une course dans le développement, d’une part d’armes chimiques de plus en plus destructrices telles que le phosgène et l’ypérite et d’autre part d’équipements de protection de plus en plus performants. Ainsi, une grande diversité d’armes chimiques a été utilisée lors du premier conflit mondial. Ces armes à fort impact psychologique se sont surtout révélées être des moyens de harcèlement et d’usure de l’ennemi. Cet article s’attache à présenter la diversité et les propriétés des principales armes chimiques utilisées lors de la Première Guerre mondiale. Bien que de nombreuses associations entre ces divers composés aient été réalisées, cet article présentera les agents de façon indépendante.
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Marceau, Carole. "Le théâtre comme point de départ pour la socialisation et l’inclusion sociale". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, 173–210. Presses de l'Université Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv2qnx60r.9.
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Marceau, Carole. "Le théâtre comme point de départ pour la socialisation et l’inclusion sociale". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, 173–209. Les Presses de l’Université de Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.1515/9782763753478-007.
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Simpson, Hannah. "The Aesthetic of the Anaesthetic". In Samuel Beckett and the Theatre of the Witness, 78–100. Oxford University Press, 2022. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780192863263.003.0004.
Abstract (sommario):
This chapter introduces the concept of the ‘aesthetic of the anaesthetic’—a refusal to explicitly voice or stage physical suffering that anaesthetises the witness’s awareness of that pain—theorised through Samuel Beckett’s Endgame (1957) and Pablo Picasso’s Le Désir attrapé par la queue (Desire Caught by the Tail, 1944) and Les Quatre petites filles (The Four Little Girls, 1949). This chapter examines how, by refusing any clear expression of physical pain to spectators, these three plays negotiate the postwar epistemological and ethical anxieties regarding art’s capacity to engage with an unthinkable degree of suffering. Following his brother Frank Beckett’s death, Beckett erases most explicit verbal or visual articulations of pain from Endgame, yet leaves an unsettling undercurrent of veiled suffering. Picasso’s plays achieve a comparable effect by counterpointed dramatic means; superficially closer in scope to the bloody théâtre de la cruauté-inspired plays of the 1940s and 1950s, and seemingly at odds with Theodor Adorno’s ideal of postwar art which avoids the appropriative gesture of purported comprehension, Le Désir attrapé and Les Quatre petites filles in fact foster a similar sense of pain’s incomprehensibility, destabilising the linguistic grounds for pain’s expression. In refusing any clear articulation of physical pain, these plays establish an epistemological rift between sufferer and witness to suffering. We are left with a discomfiting intimation of pain throughout the scenes we witness, but denied the possibility of drawing any deeper redemptive ‘meaning’.
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PÉCHOUX, F., V. JUANES-TARANCO, C. CONSTANTINI, J. BOMPARD e K. COCQUEMPOT. "Les évacuations aériennes stratégiques para-médicalisées". In Médecine et Armées Vol. 46 No.4, 339–42. Editions des archives contemporaines, 2018. http://dx.doi.org/10.17184/eac.7323.
Abstract (sommario):
Le Service de santé des armées déploie une chaîne unique, complète et interarmes depuis le lieu de prise en charge initiale du blessé jusqu’aux hôpitaux d’instruction des armées métropolitains. Le soutien médical des forces françaises en opération repose sur la triade médicalisation à l’avant, chirurgicalisation et réanimation à l’avant et évacuation médicale stratégique systématique et précoce. Le contexte actuel d’engagement des forces, majoritairement déployées dans la bande sahélosaharienne, impose le vecteur aérien comme un moyen incontournable pour le retour en métropole de l’ensemble des patients. Plusieurs centaines de militaires bénéficient ainsi chaque année d’une évacuation médicale aérienne stratégique depuis les théâtres et lieux de stationnement outre-mer. Unité singulière au sein des armées françaises, l’Escadrille aérosanitaire 6/560 est armée par des infirmiers convoyeurs de l’armée de l’Air dont la principale mission est d’accompagner, surveiller et soigner les blessés et malades lors des évacuations médicales stratégiques. Cet article vise à rappeler l’histoire de ces infirmiers spécialisés, décrire leur formation actuelle et expliquer leur activité lorsqu’ils sont les seuls personnels de santé à bord de l’avion.
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Trudelle, Sylvie, e Pierre Lauzon. "Les arts en soutien au rétablissement :". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, 31–66. Presses de l'Université Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv2qnx60r.5.
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"Front Matter". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, I—VI. Presses de l'Université Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv2qnx60r.1.
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Fortin, Sylvie. "Être là, danser ensemble, après avoir connu l’itinérance". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, 101–48. Presses de l'Université Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv2qnx60r.7.