Bibliografie tematiche / Théâtre composé

Letteratura scientifica selezionata sul tema "Théâtre composé"

Autore: Grafiati

Pubblicato: 22 giugno 2024

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Articoli di riviste sul tema "Théâtre composé":

Jubinville, Yves. "Trajectoire du romanesque : la scène sous le charme du roman (Diderot, Stanislavski, Pirandello)". Dossier — Théâtre/Roman : rencontres du livre et de la scène, n. 33 (6 maggio 2010): 46–60. http://dx.doi.org/10.7202/041521ar.

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Abstract (sommario):

Notre hypothèse est qu’à travers trois « textes de théâtre » traversés par la référence romanesque s’élabore le récit d’un nouvel imaginaire théâtral dont l’intrigue aurait pris naissance au XVIIIe siècle pour se conclure au XXe. Le premier épisode, celui de Diderot, décrit la rencontre d’un auteur et d’un spectateur dans un cadre qui s’apparente à celui de la lecture solitaire; il s’agit du roman liminaire composé de la Préface et des Entretiens sur le Fils naturel. Le second épisode, signé Stanislavski, développe l’idée que le jeu de l’acteur repose sur sa capacité à s’inscrire dans le double mouvement narratif de sa propre vie et celui de son personnage. La formation de l’acteur, ouvrage mythique imprégné de l’atmosphère du XIXe siècle, n’est pas seulement un roman dialogué; fidèle à l’enseignement de l’auteur, le texte se compose des récits-leçons qui constituent la base de la création du personnage. Le dernier enfin, dû à Pirandello, parle de la mise en scène comme tentative d’adapter aux dimensions de la scène un matériau étranger au théâtre. Ces Six personnages en quête d’auteur, laissés en rade par un romancier désabusé, posent une énigme au Directeur, qui se voit forcé de repenser son rôle. Trois textes-clés d’une modernité théâtrale en devenir : trois moyens pour mesurer le degré de pénétration de l’esprit du roman au coeur d’une nouvelle vision du théâtre.

Abensour, Gérard. "Théâtre russe au passé, simple et composé..." Revue des études slaves 74, n. 2 (2002): 577–87. http://dx.doi.org/10.3406/slave.2002.6825.

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حفيظة, بلقاسمي. "ترجمة النص الشكسبيري". Traduction et Langues 4, n. 1 (31 dicembre 2005): 90–100. http://dx.doi.org/10.52919/translang.v4i1.334.

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Abstract (sommario):

Le théâtre de Shakespeare est une source qui a marqué de son empreinte les caractéristiques artistiques du théâtre anglais en particulier et du théâtre mondial en général. Il a composé la plupart de ses pièces sous forme de poésie transmise, et le théâtre poétique s'appuie principalement du côté du dialogue sur la musique, le rythme, et la manipulation des mots. Shakespeare aimait les évasions et la manipulation des mots et des expressions, qu'il remplissait d'émotions intenses et d'idées lumineuses pour exprimer dans sa langue distincte les vérités profondes de l'âme humaine.Il est donc inévitable de reconnaître que la traduction du texte théâtral est un processus épineux et complexe, car le théâtre est une forme d'art distincte qui a ses propres particularités, en ce sens qu'il s'agit d'un texte lié au théâtre, écrit pour être entendu par le public, et non écrit pour être lu uniquement. La chose se complique si le théâtre se transmet de poésie, comme c'est le cas pour les pièces de Shakespeare.Cela signifie que quiconque prend la peine de traduire ces chefs-d'oeuvre de l'art dans une langue autre que l'anglais doit préserver cette quantité abondante d'images esthétiques et prendre en considération le langage poétique.C'est ce qu'a réalisé en réalité le traducteur Jabra Ibrahim Jabra, qui a réussi dans une large mesure à transmettre la plupart des pièces de Shakespeare, dont la pièce "Hamlet", selon la mécanique de la traduction littéraire dans ses normes stylistiques. Il est regrettable que le traducteur Muayyad Al-Kilani ait cité le texte shakespearien, ce qui l'a amené à glisser dans de nombreuses abberations qui l'ont éloigné du contenu du texte original. Nous reconnaissons au traducteur sa tentative de préserver les techniques des personnages, de l'intrigue, du temps et de l'espace, mais il a déformé le texte en excluant les différences culturelles de la pièce, perdant ainsi sa charge esthétique créative.En conséquence, nous reconnaissons que le génie de Shakespeare mérite plus qu'une pause dans d'autres aspects. Nous l'avons traité dans la pièce "Hamlet" basée sur deux traductions différentes à un moment et intégrées à un autre moment, mais la recherche reste grande ouverte pour les chercheurs qui portent l'obsession shakespearienne de faire des folies de la vaste mer de Shakespeare et d'étudier le reste de ses chefs-d'oeuvre du monde qui a inspiré ses contemporains, et a ébloui tout le monde avec un sens et un goût artistique dans toutes les époques qui l'ont suivi.

Koroleva, Elena. "L’Aventurière apprivoisée : Néronès l’audacieuse du Perceforest à Clyomon and Clamydes". Visages de femmes dans la littérature bourguignonne (XIVe-XVIe siècles), n. 36 (1 ottobre 2021): 315–26. http://dx.doi.org/10.54563/bdba.340.

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Abstract (sommario):

Dans le présent article, je me propose d’analyser l’évolution de Néronès, personnage du Perceforest, un roman-fleuve composé à la cour Valois de Bourgogne. Ses aventures furent transposées sur scène par l’auteur de Clyomon and Clamydes (vers 1570-1580) qui remania le texte de sa source en cherchant à mieux l’adapter aux besoins du théâtre. Les contraintes dont il devait tenir compte l’amenèrent à réécrire certaines scènes afin de leur conférer une efficacité maximale sur le plan dramaturgique, mais aussi pour satisfaire aux critères du genre et aux règles de bienséance.

Croft, Marie-Ange. "Les « favoris de Mars1 ». Gens d’épée et comédie fin de règne (1680-1715)". Tangence, n. 111 (23 dicembre 2016): 113–29. http://dx.doi.org/10.7202/1038509ar.

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Abstract (sommario):

Véritables phénomènes de société en raison des nombreuses guerres que mène Louis xiv tout au long de son règne, les gens de guerre ne pouvaient espérer demeurer à l’écart de la critique théâtrale. Dès la décennie 1670, ils s’invitent sur les planches, notamment chez les Italiens, et connaissent une grande fortune littéraire à partir de 1680. Rarement identifiés comme tel dans la liste des personnages — ce qui explique par ailleurs l’absence de travaux sur le sujet —, ils apparaissent sous diverses appellations : cadet, capitaine, chevalier, dragon, fantassin, homme de guerre, major, militaire, mousquetaire, officier, sergent, soldat, spadassin et, par extension parfois, Gascon. La mise en scène du soldat dans la comédie dite fin de règne, les préjugés et les valeurs qu’il incarne attestent des représentations ambivalentes que s’en fait la société fin de règne. En s’appuyant sur un corpus composé d’une quarantaine de comédies tirées du théâtre italien et français, qui mettent en scène un ou des hommes de guerre, cet article entend mieux cerner les caractéristiques et les fonctions dramaturgiques de cette figure complexe.

Martinez Thomas, Monique, Agnès Surbezy e Fabrice Corrons. "Le théâtre quantique : ordre et désordre dans l’Espagne postmoderne". L’Annuaire théâtral, n. 43-44 (25 maggio 2010): 59–76. http://dx.doi.org/10.7202/041706ar.

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Abstract (sommario):

Cet article expose les premières pistes d’une réflexion sur la dramaturgie espagnole récente à partir de la notion de « quantique ». L’hypothèse de départ est la suivante : la physique quantique aurait joué un rôle fondamental dans le « désordre » de la postmodernité et aurait servi de terreau fertile à l’élaboration des grandes théories (philosophiques, historiques, sociologiques, esthétiques et dramaturgiques) du siècle dernier et du XXIe siècle. La physique quantique, en remettant en cause les principes de la physique classique, l’électromagnétisme de James Clerk Maxwell et la mécanique newtonienne principalement, oppose le discontinu au continu, le hasard à la causalité, l’interdépendance des atomes à la séparabilité et à l’objectivité. Dans le domaine des arts, l’association des oeuvres à l’esthétique quantique semble un phénomène surtout espagnol. Non seulement l’adjectif « quantique » réapparaît comme épithète pour désigner des formes artistiques diverses, mais le quantique, comme esthétique et comme éthique, devient le fer de lance d’une association internationale créée à Grenade en 1994 et connue sous le nom de Salon des Indépendants. Un des cofondateurs, Gregorio Morales, journaliste et écrivain, a publié en 1998 un essai intitulé Le cadavre de Balzac : une vision quantique de la littérature et de l’art, qui synthétise les débats qui ont eu lieu à Valence, au cours des différentes rencontres entre les membres fondateurs. Y sont réunis des articles théoriques qui étudient les différentes applications du quantique au cinéma, à la poésie, au roman, à partir d’exemples tirés des oeuvres d’Henry James, d’Antonio Enrique et de Rubén Darío. Les auteurs de cet article analysent les formes dramaturgiques contemporaines à partir de certains concepts propres à la physique quantique et particulièrement adaptés à l’étude de l’évolution du théâtre (sans pour autant, bien sûr, qu’ils soient exclusifs à l’étude du genre dramatique) : le vide quantique rempli d’énergie potentielle, la modification de l’objet observé par l’observateur, la mise en scène de l’espace-temps quantique. Le corpus de pièces quantiques sera principalement composé d’oeuvres tirées de la collection « Nouvelles scènes hispaniques », élément clef du chaînage toulousain autour du théâtre espagnol contemporain.

Guay, Hervé. "La fin de l’âge des pères? La réception du théâtre de Dumas fils, de Brieux et de Bernstein dans les salles « françaises » de Montréal de 1900 à 1918". L’Annuaire théâtral, n. 43-44 (25 maggio 2010): 167–80. http://dx.doi.org/10.7202/041714ar.

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Abstract (sommario):

Au début du XXe siècle, le répertoire des salles « françaises » de Montréal est principalement composé de pièces qui glorifient l’image du bon père de famille. Oscar Wilde assimile d’ailleurs cette vision du monde à une sorte d’« âge des pères ». Ce paternalisme commence toutefois à être remis en question par un petit nombre d’auteurs. Ainsi, les drames d’Alexandre Dumas fils, d’Eugène Brieux et d’Henri Bernstein sont fréquemment représentés dans la métropole de 1900 à 1918. Ces « semeurs de désordre » en viennent à modifier l’horizon d’attente du public montréalais grâce à des oeuvres dramatiques controversées qui divisent la critique francophone naissante. Sont alors débattus dans les journaux des problèmes sociaux habituellement bannis de la discussion publique. L’analyse de la réception du théâtre de ces trois auteurs montre qu’avant la Première Guerre mondiale, la montée du mélodrame social fait reculer les limites du socialement représentable, contribue à lézarder le conservatisme d’une fraction de l’élite canadienne-française et ouvre la voie à un nouveau réalisme.

Perron-Brault, Alexis. "De l’ONF à Télé-Québec : le parcours de Pierre F. Brault, compositeur de musique de film et de télévision". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 15, n. 2 (13 aprile 2016): 9–21. http://dx.doi.org/10.7202/1036116ar.

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Abstract (sommario):

Le compositeur québécois Pierre F. Brault (1939-2014), surtout connu pour la musique de la populaire série télévisée Passe-Partout, a principalement oeuvré dans les milieux télévisuels et cinématographiques. Il a composé 86 trames sonores, notamment pour les films Rouli-Roulant (Claude Jutra, 1966), Red (Gilles Carle, 1970), LeVent (Ron Tunis, 1972) ainsi que La faim (Peter Foldès, 1973). Au début de sa carrière, Brault a également mis en musique les textes des chansonniers Robert Charlebois, Clémence Desrochers et Claude Gauthier. Il a par la suite touché à l’enseignement de la musique (École nationale de théâtre, 1971-1975) et à la production d’albums (Tout l’monde est malheureux, 1975). Dans ses oeuvres, le compositeur a exploré plusieurs genres, dont le jazz, le rock psychédélique et la musique électroacoustique. Sa trajectoire met en évidence certaines réalités propres aux musiciens de l’image et les compromis auxquels ils doivent faire face. Malgré tout, Brault a pu bénéficier d’une diffusion à grande échelle propre au cinéma et à la télévision ainsi que de conditions salariales avantageuses. Dans cet article sont résumées, en grande partie à l’aide de sources inédites, les principales étapes de la vie professionnelle de Pierre F. Brault et est proposée une réflexion sur le rôle de la musique de film et de télévision dans sa carrière.

Connan-Pintado, Christiane. "Enfances transplantées. La migration des personnages dans les réécritures de contes". Ondina - Ondine, n. 8 (22 dicembre 2022): 15–30. http://dx.doi.org/10.26754/ojs_ondina/ond.202286040.

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Abstract (sommario):

Comme l’a montré Umberto Eco, les personnages littéraires célèbres, et en l’espèce les personnages de contes, deviennent des migrants qui vivent « en dehors de leurs partitions originales ». Tel est le phénomène que nous proposons d’aborder dans le champ de la littérature de jeunesse contemporaine. Alors qu’ils viennent d’un passé lointain et du monde de la « forêt profonde », ces personnages subissent les effets d’un exode rural qui situe désormais leurs aventures dans le cadre urbain. En les confrontant aux représentations sociales d’un nouveau contexte spatio-temporel, cette transplantation peut faire l’objet d’une étude socio-poétique, et elle en représente même l’exemple le plus accompli d’après le théoricien de cette approche critique, Alain Montandon. En effet, les variations entraînées par la transposition diégétique des contes ne manquent pas d’affecter leurs différentes composantes : le cadre de l’aventure, sa représentation esthétique, son orientation narrative et ses enjeux idéologiques. Sans nous interdire de convoquer d’autres contes, nous tenterons d’étudier ce changement de paradigme à partir des réécritures des deux contes de Perrault dont les personnages sont des enfants : « Le Petit Chaperon rouge » et « Le Petit Poucet », ainsi que celles du conte des Grimm voisin du second, « Hänsel et Gretel ». Il arrive que le cadre urbain trouve sa justification dans l’adoption du genre littéraire du polar, mais le corpus réuni, composé pour l’essentiel d’albums, plus rarement de romans et de pièces de théâtre, révèle un certain nombre de constantes : le choix de grandes métropoles, comme New-York ; la modernisation urbaine et ses travers : concentration de l’habitat, embouteillages, pollution ; les contrastes entre luxe et misère ; les lieux interlopes, la banlieue, la « jungle des villes ». Revisités à cette aune, les contes renouvellent le discours sur l’enfance, sur les dangers auxquels elle est confrontée, sur les espoirs dont elle reste porteuse. Mots-clés : contes, réécritures, urbanisation, enfance, famille, écologie

Chupin, Maxime. "Nénufar — collection de classiques mis en page avec LuaLaTeX". La Lettre GUTenberg, n. 48 (2 dicembre 2022): 16–18. http://dx.doi.org/10.60028/lettre.vi48.100.

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Thomas Savary, un de nos adhérents, est un travailleur indépendant qui met en page, compose et relie essais, romans, nouvelles et pièces de théâtre. Il crée aussi des livres électroniques aux formats .epub, .kepub et .mobi. Pour plus de détails sur son activité professionnelle, vous pouvez consulter : https://compo85.fr/ Il a récemment présenté sur la liste gut@ens.fr le lancement de sa nouvelle collection de textes classiques : Nénufar.

Più fonti

Tesi sul tema "Théâtre composé":

Demoz, Héloïse. "Les musiques visibles de Dieter Schnebel". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2021. http://www.theses.fr/2021PA080024.

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Abstract (sommario):

La musique visible de Dieter Schnebel se situe au croisement de la musique, de la danse et du théâtre. Elle incarne parfaitement une problématique artistique née au début du 20e siècle: l’émergence progressive de la catégorie du geste et de l’espace. Élaboré au tournant des années soixante, au moment des expérimentations scéniques de l’avant-garde, son processus de composition ne cesse d’évoluer jusqu’à sa mort en 2018 mais reste toujours centré sur l’interprète en tant qu’Homme. Le corps devient alors le matériau central de la composition, son origine et son but : la musique visible est composée pour et avec le geste. Le but de cette étude est de mieux cerner l’influence qu’a eue l’œuvre de Schnebel sur la création et l’essor du répertoire de théâtre « composé » européen entre 1960 et 1990, à travers trois œuvres visible music, Maulwerke et Körper-Sprache
Dieter Schnebel’s visible music stands between music, dance, and theater. It perfectly embodies an artistic research from the beginning of the 20th century: the progressive development of gesture and space notions. Created in the sixties, during the staging experimentations of the avant-garde, his composition process continues to evolve until his death in 2018, but always still focus on the performer as a human being. The body becomes the first material for the composition, its origin, and its purpose: the visible music is composed for and with gesture. The aim of this study is to determine the influence of Schnebel’s works, on the European composed theater between 1960 and 1990, analyzing three scores: visible visible music, Maulwerke et Körper-Sprache

Mocek, Jan. "Teorie intermediality v kontextu díla Heinera Goebbelse". Master's thesis, 2012. http://www.nusl.cz/ntk/nusl-305055.

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Abstract (sommario):

The goal of the Master Thesis is to analyse the performance Eraritjaritjaka created by the leading director of German experimental theatre Heiner Goebbels. The first part exposes the new theatrical genre Théâtre musical as a theoretical framework. The following text focuses on Goebbels's theoretical views and the basics characetrs of his theatre poetics. The main part of this study is devoted to analysis of performance Eraritjaritjaka. The analysis itself focuses on the functioning of basic components of the performance, its principles and shifts in overall structure.

Libri sul tema "Théâtre composé":

Répertoire Général du Théâtre Français: Composé des Tragédies, Comédies et Drames des Auteurs du Premier et du Second Ordre, Restés Au Théâtre Français; Avec une Table Générale ... Creative Media Partners, LLC, 2018.

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Bibliothèque des Théâtres, Vol. 10: Composée de Plus de 530 Tragédies, Comédies, Drames, Comédies-Lyriques, Comédies-Ballets, Pastorales, ... (Classic Reprint) (French Edition). Forgotten Books, 2018.

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Capitoli di libri sul tema "Théâtre composé":

Megevand, Martin. "Théâtre, terreur et mémoire en contexte postcolonial". In Le postcolonial comparé, 125. Presses universitaires de Vincennes, 2014. http://dx.doi.org/10.3917/puv.joub.2014.01.0125.

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Rebstock, Matthias. "‘Ça devient du théâtre, mais ça vient de la musique’:". In Composed Theatre, 223–42. Intellect Books, 2012. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv36xvhfw.15.

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Manning, Jane. "HUW WATKINS (b. 1976)Three Auden Songs (2008)". In Vocal Repertoire for the Twenty-First Century, Volume 2, 223–25. Oxford University Press, 2021. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780199390960.003.0069.

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Abstract (sommario):

This chapter explores Welsh composer Huw Watkins’s Three Auden Songs (2008). Written for the flexible high-lying voice of the tenor Mark Padmore, these three settings of W. H. Auden constitute an attractive and well-varied cycle which will sit well amongst more established pieces, and should prove a valuable addition to the tenor repertoire. It was commissioned by the Théâtre Royale de la Monnaie in Brussels. The musical language is chromatic, quasi-tonal, and highly accessible, and, as to be expected, the composer’s writing for piano is idiomatic, achieving a distinctive character for each song. Vocal lines are rewardingly lyrical and words are set with care for clarity and ease of attack. The music is phrased naturally to match the flow of the text, so the singer should have no difficulty in planning breaths. The ability to launch and sustain an even tone will be shown to full advantage.

GROS-DÉSORMEAUX, F. "Diversité et propriétés des principales armes chimiques utilisées lors de le Première Guerre mondiale". In Médecine et Armées Vol. 45 No.1, 41–46. Editions des archives contemporaines, 2017. http://dx.doi.org/10.17184/eac.7453.

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Abstract (sommario):

La Première Guerre mondiale fut le théâtre de la première utilisation d’armes chimiques avec une visée de destruction de masse. Auparavant, les belligérants utilisaient des lacrymogènes pour le maintien de l’ordre. Les Allemands, malgré la signature de la convention de La Haye en 1899, mirent en œuvre la première arme chimique à visée de destruction de masse, le chlore, en Belgique près d’Ypres en 1915. Il s’ensuivit une course dans le développement, d’une part d’armes chimiques de plus en plus destructrices telles que le phosgène et l’ypérite et d’autre part d’équipements de protection de plus en plus performants. Ainsi, une grande diversité d’armes chimiques a été utilisée lors du premier conflit mondial. Ces armes à fort impact psychologique se sont surtout révélées être des moyens de harcèlement et d’usure de l’ennemi. Cet article s’attache à présenter la diversité et les propriétés des principales armes chimiques utilisées lors de la Première Guerre mondiale. Bien que de nombreuses associations entre ces divers composés aient été réalisées, cet article présentera les agents de façon indépendante.

TOUMINET, D., A. SCHIRRU, G. GAUTHIER e C. CARFANTAN. "Les équipes médicales opérationnelles de la Gendarmerie". In Médecine et Armées Vol. 45 No.2, 199–204. Editions des archives contemporaines, 2017. http://dx.doi.org/10.17184/eac.7434.

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Les équipes médicales opérationnelles de la Gendarmerie sont des entités fonctionnelles non organiques composées au minimum d’un médecin, d’un infirmier et d’un conducteur. Désignées par leur centre médical des armées de rattachement, elles se déploient sur demande du commandement de région de Gendarmerie à l’occasion de certaines manifestations susceptibles de dégénérer en troubles graves à l’ordre public. La Corse est depuis plusieurs années le théâtre de violents affrontements récurrents entre certains manifestants et les forces de l’ordre. Après la description du concept des équipes médicales opérationnelles de la Gendarmerie, nous allons étudier, à travers cette expérience régionale, les éléments locaux qui ont permis son optimisation par le Service de santé des armées, ainsi que les pathologies les plus fréquemment rencontrées en maintien de l’ordre. La prise en charge d’un blessé par une équipe médicale opérationnelle de la Gendarmerie se rapproche sensiblement du concept de médicalisation de l’avant et doit s’adapter en permanence au réseau médical local.

De Oliveira, Adriana. "Faire de la musique pour (re)composer avec soi et les autres". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, 149–72. Presses de l'Université Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.2307/j.ctv2qnx60r.8.

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De Oliveira, Adriana. "Faire de la musique pour (re)composer avec soi et les autres". In Rattacher les fils de sa vie par les arts visuels, la danse, la musique et le théâtre, 149–72. Les Presses de l’Université de Laval, 2022. http://dx.doi.org/10.1515/9782763753478-006.

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