Articoli di riviste sul tema "Sublime en politique"

Abstract Dans cet article, nous proposons le concept du « sublime royal » pour repenser le sublime au dix-septième siècle, avant, avec et autour de Boileau, en nous penchant moins sur l’intervention de Boileau elle-même que sur le contexte qui a rendu sa réussite possible : une situation où toute expression culturelle hégémonique avait avant tout une visée politique, celle de glorifier le monarque absolu. En tant que figure qui présente l’irreprésentable, le sublime permet l’impossible dans la représentation du roi : le présenter comme absolu. Il s’agit là d’un fonctionnement qui est, certes, paradoxal, mais selon un paradoxe qui est constitutif de l’absolutisme lui-même. C’est ce paradoxe constitutif qu’il s’agit d’examiner ici en étudiant, dans un premier temps, quelques exemples représentatifs du discours de l’auto-représentation de l’absolutisme, puis les répercussions plus larges du changement de perspective que nous proposons. En vue d’études ultérieures, nous examinons la façon dont le concept du sublime royal change notre conception de la place des Anciens dans la politique absolutiste, avant de montrer comment le concept de sublime royal contient en germe un nouveau modèle pour penser le développement de l’assentiment affectif à l’absolutisme et la manière dont les sujets y participent.

The concept of “utopia” appears in Marc Richir’s first article in 1968. Although Richir does not ever explicitly claim it, it nevertheless plays a very fundamental role in his thought, particularly in the political field. By analyzing the different layers of meaning that characterize the human community, from the most established to the most archaic, we would like to defend the idea that what he calls in Du sublime en politique “utopian sociality” or even “the utopian community” is in truth the register of transcendental interfacticity. To do this, we will have to explain in what and how the socio-political link differs from the links of transcendental intersubjectivity and interfacticity. We will argue that, for Richir, it is phantasia and affectivity that hold the political community together. We will then explore what role transcendental interfacticity plays in the field of politics, more particularly in its articulation with the declination of absolute transcendence into political transcendence.

Cette première analyse des relations politiques et militaires entre la France et les principautés Carpatho-danubiennes de la fin du XVIe siècle à la fin du XVIIIe siècle, montre qu’il s’est forgé un partenariat entre le « Roi Très-Chrétien » (c’est-à-dire le roi de France) et le « Grand Turc ». Depuis le début de l’alliance ottomane, la cour de France s’est efforcée d’établir un lien direct avec la cour de Transylvanie d’Alba Julia et avec les cours romaines de Jassy et Bucarest. L’objectif principal de ces liens était de faire diversion sur le plan militaire en arrière de la monarchie des Habsbourgs. Lors de la guerre de Trente Ans, la cour française signa en 1645 le premier traité militaire avec le prince de Transylvanie György Rákóczi mais la coopération militaire avec le corps expéditionnaire de Walachie et de Moldavie était, elle, plus ancienne (1644). Un autre traité militaire entre la France et la Transylvanie fut signé en 1677, lorsqu’une mission militaire française organisa la diversion de Transylvanie contre les Habsbourgs en « Hongrie supérieure » lors de la guerre de Hollande (1672-1678). Par la trêve de la diplomatie française, la Transylvanie entra dans le traité Nimwergen, comme ce fut le cas pour la paix de Westphalie, en tant qu’allié de la France. Même si les princes Hongrois de Transylvanie avaient pris parti de soutenir l’alliance franco-ottomane anti-Habsbourg, les princes roumains de Walachie et de Moldavie penchaient plutôt vers la politique traditionnelle de croisade. Avec le XVIII e siècle, la situation changea. Une partie non négligeable de l’élite roumaine soutint la politique française en Europe de l’Est et en mer Noire pour lutter contre l’expansion des Russes et des Habsbourgs. Les cours de Bucarest et de Jassy, les familles princières de Racovitza et Mavrocordato se joignirent aux efforts de l’ambassade de France à Constantinople dans le soutien à la résistance des Polonais et des Tartares contre les tsars. Forte de l’assentiment de la « Sublime Porte », la Moldavie devint même une base pour le soutien français au soulèvement révolutionnaire de Koscinsko de 1794. L’expédition en Égypte de Napoléon Bonaparte (1798) provoqua un véritable bouleversement de la politique traditionnelle en Orient et l’avènement d’une nouvelle ère dans les relations franco-roumaines.

Analysant avec profondeur les discours légitimant l’architecture numérique, d’une part, et l’architecture collaborative, de l’autre, l’auteur montre à quels retours de flamme dialectiques on s’expose lorsque, suivant l’ambition de Manfredo Tafuri, on prétend « dépasser » la figure de l’architecte apparue à la Renaissance, tout à la fois intellectuel, artiste et « maître-penseur » au service des classes dominantes. À peine croit-on s’être débarrassé de l’architecte classique, et avec lui des mirages et des ravages de la Raison, de l’esthétique et de l’avant-garde, que ces dernières, ainsi que le fait apparaître l’auteur, reviennent sous une forme plus pernicieuse encore. Troquant la « représentation » contre la « littéralité », on n’obtient en définitive qu’une représentation – rationnelle, artistique ou politique – de la « littéralité ». Aleksey Sevastyanov est architecte, diplômé par l’ENSA de Paris La Villette (2012), où il a également accompli un post master en Architecture et Philosophie (2013). Il a soutenu une thèse de doctorat en philosophie à l’Université de Lille, sous la direction de Holger Schmid. Elle a pour titre : « Architecture et irreprésentable. Pour une critique du sublime » (2018) et a obtenu une mention au Prix de la recherche et de Thèse de Doctorat en Architecture de l’Académie d'architecture (2019). Il publie des articles dans les Cahiers thématiques (« Sur le statut de l'architecture discursive : (im)matérialité de l'œuvre architecturale postmoderne ») et dans Médiation et Information (« Cette image qui parle. Sur quelques contradictions de l’image de synthèse en architecture »).

Résumé Un des lieux classiques de la critique relative à Phèdre (la tragédie de Racine qui met en scène le plus amplement le panthéon païen) est l'étude des rapports que peut avoir cette poésie du paganisme avec le christianisme du poète et de son temps. Cet article reprend la question à la lumière de la Querelle contemporaine du « merveilleux païen » et notamment des thèses de Boileau ( Art poétique et Traité du sublime , 1674). L'analyse sémantique des dieux païens dans Phèdre se porte tour à tour sur Vénus, propriété quasi-exclusive de Phèdre elle-même ; sur le Soleil, ancêtre mythique dont elle s'enorgueillit, et qu'elle veut confondre avec Apollon, dieu de la Lumière ; sur Diane, devenue chez Racine le personnage d'Aricie ; sur Neptune, maître d'équitation d'Hippolyte, et âme damnée de Thésée. S'adressant à des spectateurs pour qui ces dieux sont des universaux de l'imaginaire, mais non des objets de croyance, Racine les fait apparaître dans le langage de personnages qui, eux, y croient. Il leur donne non seulement la fonction poétique (sonore et plastique) prévue par Boileau, mais une fonction morale, dans l'économie passionnelle et pseudo-religieuse des deux époux tragiques, Phèdre et Thésée. La violence des passions qui possède ce couple est exaltée et obscurcie par les miroirs d'une religion imaginaire où elle se projette, se condense, et devient meurtrière. Indemne de cet impur mélange, le couple Hippolyte et Aricie fait d'autant mieux comprendre son illusoire et féroce vanité. Mais les dieux ont encore dans Phèdre une fonction symbolique. Ils résument l'enjeu esthétique et métaphysique de la tragédie : Vénus et Neptune, avec Phèdre et Thésée, sont du côté de la Crète, de son Labyrinthe, de son Minotaure. Apollon, Diane et Minerve avec Hippolyte et Aricie sont du côté de l'Attique et de ses héros vainqueurs de monstres. Le vrai drame n'est pas la tragédie politique cornélienne qui s'esquisse un instant entre Phèdre et Hippolyte pour la royauté athénienne, mais le conflit entre les ténèbres de l'âme païenne, travaillée par de fausses lumières, et la vraie Lumière, interdite à Phèdre jusqu'à l'instant de sa mort, mais qui se reflète indirectement dans la noble humanité d'Hippolyte et d'Aricie, et dans le martyre du jeune héros.

Résumé Un des lieux classiques de la critique relative à Phèdre (la tragédie de Racine qui met en scène le plus amplement le panthéon païen) est l'étude des rapports que peut avoir cette poésie du paganisme avec le christianisme du poète et de son temps. Cet article reprend la question à la lumière de la Querelle contemporaine du « merveilleux païen » et notamment des thèses de Boileau ( Art poétique et Traité du sublime , 1674). L'analyse sémantique des dieux païens dans Phèdre se porte tour à tour sur Vénus, propriété quasi-exclusive de Phèdre elle-même ; sur le Soleil, ancêtre mythique dont elle s'enorgueillit, et qu'elle veut confondre avec Apollon, dieu de la Lumière ; sur Diane, devenue chez Racine le personnage d'Aricie ; sur Neptune, maître d'équitation d'Hippolyte, et âme damnée de Thésée. S'adressant à des spectateurs pour qui ces dieux sont des universaux de l'imaginaire, mais non des objets de croyance, Racine les fait apparaître dans le langage de personnages qui, eux, y croient. Il leur donne non seulement la fonction poétique (sonore et plastique) prévue par Boileau, mais une fonction morale, dans l'économie passionnelle et pseudo-religieuse des deux époux tragiques, Phèdre et Thésée. La violence des passions qui possède ce couple est exaltée et obscurcie par les miroirs d'une religion imaginaire où elle se projette, se condense, et devient meurtrière. Indemne de cet impur mélange, le couple Hippolyte et Aricie fait d'autant mieux comprendre son illusoire et féroce vanité. Mais les dieux ont encore dans Phèdre une fonction symbolique. Ils résument l'enjeu esthétique et métaphysique de la tragédie : Vénus et Neptune, avec Phèdre et Thésée, sont du côté de la Crète, de son Labyrinthe, de son Minotaure. Apollon, Diane et Minerve avec Hippolyte et Aricie sont du côté de l'Attique et de ses héros vainqueurs de monstres. Le vrai drame n'est pas la tragédie politique cornélienne qui s'esquisse un instant entre Phèdre et Hippolyte pour la royauté athénienne, mais le conflit entre les ténèbres de l'âme païenne, travaillée par de fausses lumières, et la vraie Lumière, interdite à Phèdre jusqu'à l'instant de sa mort, mais qui se reflète indirectement dans la noble humanité d'Hippolyte et d'Aricie, et dans le martyre du jeune héros.

Michael Cook, un des dramaturges les plus appréciés au Canada, est mort à St. John's, Terre-Neuve, le 2 juillet 1994, à l'âge de 61 ans. Cet essai, écrit avant sa mort, analyse la poétique de son oeuvre à partir d'une de ces premières pièces. Bien que les positions politiques de la pièce soient indéterminées, Cook réinvente ici Terre-Neuve dans le sens de l'élégie pastorale, de la mythologie et du sublime romantique, ce qui contribue à créer une vision fascinante de la lutte pour rendre cohérente l'expérience fragmentaire de la modernité.

Cet article souhaite arrimer la brièveté temporelle qui découle de la conception de lʼhistoire des Mémoires du cardinal de Retz (une conception qui tend à un effritement temporel composé dʼune succession dʼinstants impénétrables) à la brièveté formelle des maximes et réflexions qui, elle, montre en contrepartie comment agir dans un monde opaque. Cependant, se refusant à la simplification, les Mémoires font voir que cette obscurité du monde et du temps ne peut être vaincue. La recherche de la victoire politique est alors sublimée par celle de lʼhonneur et de la gloire qui, elle, peut sʼaccommoder de la défaite.

Si l’on sait à quel point Baudelaire appréciait les théories poétiques d’Edgar Allan Poe, c’est à l’occasion d’une microlecture d’« Une mort héroïque » que nous nous proposons de le vérifier concrètement, en mettant tout particulièrement en avant l’extrême importance accordée au lexique par l’écrivain. Bien que ce poème en prose prenne la forme d’un conte merveilleux afin de raconter la mort du comédien Fancioulle, il n’est pas toutefois dénué, loin s’en faut, de références politiques conjoncturelles. Et, loin de laisser voir des oppositions manichéennes, ce texte complexe et subtil met en œuvre tout un jeu de miroirs entre les protagonistes – auquel n’échappe pas le poète en prose lui-même – dans le but de sanctifier la figure de l’artiste ayant atteint au sublime.

L’édition du Traitté des douceurs de l’affliction. A Madame 1 propose un éclairage de la lettre d’Agrippa d’Aubigné à Catherine de Bourbon grâce à celles des divers épistoliers des deux confessions, et à divers compte-rendus de l’événement que constitue le refus de la conversion au catholicisme. Quels sont les stratégies et les enjeux de l’éloge de l’affliction dans les lettres d’Odet de la Noue et de Thomas Pelletier, ministres ? L’épreuve endurée par Catherine de Bourbon constituerait-elle une double opportunité majeure, d’une part pour la littérature militante protestante, d’autre part pour Catherine qui deviendrait la figure de proue sublimée de la Religion, et incarnerait ainsi, d’une certaine façon, un féminisme triomphant, politique, autonome, voire, rebelle ?

L'originalité de George Sand naît de cette volonté de ne pas être dévastée par les afflictions et les revers qui ont cruellement traversé sa vie. Paradoxalement, le désenchantement politique et la déception sentimentale ont fait d'elle une femme très optimiste et enthousiaste, amoureuse de la vie et de ses joies les plus âpres comme les plus discrètes. Sand n'a jamais cherché à nier les malheurs qui ont consumé sa vie, son coeur et son esprit. Elle les accepte tout en cherchant à en tirer profit et à les sublimer, vivant toujours dans l'espoir de trouver ce qui réjouit son coeur, ravive sa force d'amour et renouvelle sa foi en l'avenir. Cette quête du bonheur, Sand l'a portée jusqu'au dernier souffle : le secret de la béatitude sandienne réside à la fois dans l'écriture et dans la nature.

Résumé : Le présent article tient compte des questions d’échelle et d’amplitude dans la trilogie Paysages manufacturés ( Manufactured Landscape, 2006), L’empreinte de l’eau ( Watermark, 2013) et Anthropocène : l’époque humaine ( Anthropocene: The Human Epoch, 2018), qui est le fruit d’une collaboration productive et provocative entre la documentariste Jennifer Baichwal et le photographe paysagiste de renommée internationale Edward Burtynsky. Les trois films participent fortement à ce qui a été qualifié d’imagerie sublime « toxique » ou « industrielle » des photos grand format de Burtynsky et décrit à la fois d’immersif, de poétique et de lent. Par l’exploration des diverses évocations d’échelles et d’amplitudes dans la trilogie, qui sont des préoccupations au cœur de l’œuvre photographique de Burtynsky, l’article s’attaque à l’intervalle géologique qu’on appelle l’anthropocène et à son adoption embourbée dans le dernier film de la trilogie. Plutôt qu’accepter sans problème « la thèse anthropocène » telle qu’elle est définie et visualisée dans L’époque humaine, l’article épouse — conformément aux critiques du terme — un point de vue plus nuancé de ce que cette définition permet et dissimule à l’égard de la production et des politiques de la culture visuelle de ces films.

Résumé Le Charlatan ou le Docteur Sacroton (1780) de Louis-Sébastien Mercier est propice à l’analyse d’une sorte de « première société du spectacle ». La comédie-parade interroge, par cette figure éminemment théâtrale, la civilisation du simulacre qui éclot au coeur du Siècle des Lumières. Le personnage du bonimenteur surjoue le rapport à l’illusion théâtrale, multiplie les effets d’ostentation spectaculaire et suggère l’existence d’une relation désintermédiée entre orateur et auditeur. En tant que figure de comédien, mais également du tribun, susceptible de haranguer les foules et d’anticiper sur les effets de réception, il apparaît comme un procédé commode d’« artification », susceptible de porter le doute sur l’espace public structuré par la représentation. Mercier met ainsi en place une véritable politique de la merveille : au-delà de la satire du charlatan et des croyances populaires, la plaisante évocation de cette parole susceptible de donner vie, à la manière du mystère de l’Eucharistie, lui permet non seulement de sublimer l’efficacité symbolique du dispositif théâtralisé, mais encore d’entacher l’autodétermination et la conscience critique du public dont il vient pourtant de glorifier la capacité de jugement. Il s’agit de proposer une analyse dramaturgique précise de l’économie des affects et de l’anthropologie de l’attention qui s’y jouent.

Both the Southern African Development Community (SADC) and the Association of Southeast Asian Nations (ASEAN) support regional and national integration, the protection of human rights and civil society involvement, and non-interference in member states' internal affairs. Sometimes these goals at the regional level become mutually exclusive. Human rights groups, international organizations, and Western states have criticized human rights abuses and democracy and governance shortcomings in several ASEAN states (e.g., Vietnam and Myanmar) and SADC countries (e.g., Swaziland, Madagascar, and Zimbabwe). This article addresses ASEAN and SADC's historical context and continued development related to these issues. It also evaluates the regional organizations' effectiveness in balancing o en mutually exclusive goals and concludes that existing regional organizational strength and cohesion impact the approaches used to manage conflict and external criticism and build greater social cohesion regionally and within states. SADC utilizes a “regional compliance model“ based on political criteria whereas ASEAN utilizes a “constructive engagement“ or “economic integration first“ model. SADC places greater emphasis on placing good governance, especially as it relates to human rights, at the forefront of regionalism. ASEAN sublimates human rights to regional integration through constructive engagement and greater emphases on economic relations. Two distinct models of regional integration exist.Spanish La Comunidad de Desarrollo de África Austral (SADC por sus siglas en inglés), y la Asociación de Naciones del Sudeste Asiático (ASEAN en inglés), apoyan la integración regional/continental y nacional, la protección de los derechos humanos, la participación de la sociedad civil, y la no injerencia en los asuntos internos de los estados miembros. A veces, estas metas son mutuamente excluyentes a nivel regional. Grupos de derechos humanos, organizaciones internacionales y estados occidentales han criticado las violaciones de los derechos humanos y las deficiencias en democracia y gobernabilidad en varios Estados de la ASEAN (por ejemplo, Vietnam y Myanmar) y en algunos países de la SADC (por ejemplo, Suazilandia, Madagascar y Zimbabue). En este artículo se aborda el contexto histórico de la SADC y la ASEAN y su continuo desarrollo relacionado con los temas mencionados. También se evalúa la eficacia de las organizaciones regionales, haciendo el balance entre los objetivos a menudo mutuamente excluyentes, y concluye que la existente fuerza regional de organización y cohesión impacta los enfoques utilizados para manejar el conflicto y la crítica externa, y promueve la construcción de una mayor cohesión social regionalmente y dentro de los estados. La SADC utiliza un “modelo de cumplimiento regional“ basado en criterios políticos, mientras que la ASEAN utiliza un modelo de “compromiso constructivo“ o “integración económica primero“. La SADC pone mayor énfasis en afianzar la buena gobernanza, especialmente en lo relacionado con los derechos humanos, a la vanguardia del regionalismo. La ASEAN vincula los derechos humanos a la integración regional a través de un compromiso constructivo y pone un mayor énfasis en las relaciones económicas. Dos existentes modelos diferentes de integración regional. French La Communauté de développement d'Afrique australe (SADC en anglais), aussi bien que L'Association des nations de l'Asie du SudEst (ANASE) soutiennent respectivement les principes relatifs à l'intégration régionale et nationale, à la protection des droits de l'homme, à la participation de la société civile dans l'agenda publique, ainsi qu'à la non-ingérence dans les affaires internes des Etats. Toutefois, il arrive que ces objectifs deviennent mutuellement exclusifs au niveau régional. Les organisations de défense des droits de l'homme et les gouvernements occidentaux n'ont jamais cessé de critiquer les violations des droits de l'homme, ainsi que les lacunes en matière de démocratie et de gouvernance qui prévalent dans les pays membre de l'ANASE (ex : le Viet Nam, Myanmar) et ceux de la SADC (ex : le Swaziland, Madagascar et le Zimbabwe). Cet article aborde le contexte historique dans lequel l'ANASE et la SADC ont vu le jour ainsi que la nature des enjeux qui l'ont suivi. Il évalue également d'un point de vue comparé, l'efficacité de ces organisations régionales sur la base des objectifs qu'ils se sont fixés, tout en penchant pour la conclusion selon laquelle la présence d'une force régionale influente impacte nécessairement dans la gestion des conflits, et combien la critique externe participe à la construction d'une plus grande cohésion sociale et régionale au sein des États. La SADC s'appuie un “modèle de conformité régionale» fondé sur des critères politiques, tandis que l'ANASE fait appel à un “engagement constructif“ ayant pour modèle “l'intégration économique“. La SADC accorde davantage plus d'importance à la mise en œuvre d'une bonne gouvernance, particulièrement en ce qui concerne les droits de l'homme et l'évolution vers un régionalisme plus avancé. L'ANASE sublime les droits de l'homme à l'intégration régionale par le biais d'un engagement constructif et de grandes insistances dans les relations économiques. Ce qui fait d'eux deux modèles d'intégration régionale distincts.

Résumé Dans sa Dédicace à Don Juan (strophe 10), Byron s’exprime sur Milton en expliquant que le mot « Miltonique » est devenu synonyme du sublime à cause de la façon que choisissait de vivre Milton le poète et l’homme. Selon Byron, Milton est resté fidèle à son crédo politique et religieux malgré l’opposition de ses contemporains, suivant la Restauration. Aux yeux de Byron, il y a quelque chose de très sublime et grand dans la conduite de Milton, « le vieillard aveugle1 », qui vivait une situation difficile alors qu’il était « défait, pâle et pauvre2 ». Cette perspective sur Milton rappelle une création de Byron, Manfred, qui reste fidèle à son crédo jusqu’à la fin et choisit de mourir plutôt qu’accepter toute intervention du clergé ou de l’Église qui puisse le sauver. Dans ses Observations sur le sentiment du beau et du sublime, Kant explique que l’homme mélancolique « a surtout le sentiment du sublime3 ». On peut se demander si Kant expliquait certaines des caractéristiques du héros de Byron. Il est certainement vrai que Manfred, comme Kant le souligne ailleurs, « brave le danger et méprise la mort ». Avant de mourir, il prononce ces derniers mots : « Vieillard! Ce n’est pas si difficile, mourir . . .4 » À cet égard, l’attitude du samurai japonais face à la vie et à la mort nous rappelle la notion du sublime. Le samurai est souvent prêt à s’engager dans une bataille perdue d’avance et à y laisser sa vie afin de rester fidèle à son credo. Une telle attitude nous apparaît « sublime ». Selon Kant, « soumettre ses passions par des principes est sublime ». Une autre caractéristique de Manfred en termes du concept du sublime repose sur le lieu dans lequel se déroule le drame, qui relève du sublime à son tour. En effet, Byron choisit comme lieu de l’action « les Hautes-Alpes5 ». Ainsi, on y trouve plusieurs scènes que Burke et Kant pourraient appeler des exemples du « sublime-terrible ». Autrement dit, Manfred est une oeuvre dans laquelle le décor et l’état d’esprit du protagoniste peuvent être qualifiés de sublime.

Deux types de descriptions de paysage écrits sont étudiés ici : le paysage-jardin, ou le paysage « riant », accueillant, et le paysage impénétrable. Ce dernier sort de l’économie-politique alors que le premier y reporte. L’un fait partie de la productivité et de la survie, l’autre est du domaine de la prison, de l’impasse ou de la perte (prison ou désert). Tous deux semblent propices à la promenade, et à l’organisation corporelle et imaginative du promeneur. Nous serions tentés de conclure qu’il s’agit d’une autre manière d’exprimer le beau versus le sublime.

The episode of the beekeeper Aristaeus in Book IV of Virgil’s Georgics is the most striking manifestation of the generic complexity of this extraordinary work. The story of Aristaeus forms an enclave within the poem, yet is organically linked to it and plays a full part in the unity of the innovative literary object that is the Georgics. He deepens this graft by extending to the sublime a lyrical vein which culminates in the embedded story of Orpheus and Eurydice, and hybridizes in a fusion with epic verse, the didactic foundation and the bucolic antecedents of the work. Through the adventure of Aristaeus, the princeps beekeeper of Western literature, Virgil’s entire poetic, political and philosophical ideal is defined.

L’easyjet-setting, ou tourisme urbain de court séjour, nocturne et festif, est une pratique sociale émergente qui marque un tournant dans les comportements touristiques. La recherche du plaisir « ici et maintenant » (par le clubbing) prime sur les autres aspects de la ville, la dimension borderline (le sublime effrayant) l’emporte sur l’intégration dans la société d’accueil et la configuration spatiotemporelle des city-breakers est poussée à l’extrême (par un comportement hypermoderne). Symbole de la troisième modernité, cette pratique modifie la relation au cadre urbain – devenu un espace métapolitain – et à l’urbanité – devenue hypertexte. La politique foncière et du micro-événementiel, en faveur de cette pratique, permettrait d’améliorer l’attractivité d’une ville et de profiter de ses retombées économiques, grâce à un urbanisme soft. Cependant, de véritables questionnements se posent sur l’impact urbain (en termes de démographie, de banalisation, etc.) et sur le rapport à l’Autre (en termes d’hospitalité urbaine, de cohabitation, etc.). Scientifiquement, interroger une pratique sociale a priori marginale, dans le contexte spécifique de Berlin, nous permet de critiquer les catégories d’analyse classiques (des champs du tourisme et de l’urbain) et de les enrichir. Repenser les unes à la lumière des autres nous permettrait de mieux comprendre la complexité des évolutions du tourisme urbain, donc, de la société actuelle.

Résumé Cet article, accompagné d’illustrations, aborde l’approche de Byron à la sculpture. Malgré ce qu’il pouvait penser de son aptitude en arts visuels, je montrerai que Byron avait un engagement très informé à l’endroit de l’esthétique qui régissait la sculpture à son époque, surtout en ce qui a trait au débat entre le naturalisme et l’idéalisation. Ce débat est passé au premier plan en Angleterre à partir de 1807 surtout, lorsque le Lord Elgin amenait en Angleterre les marbres du Parthenon dans l’espoir de les vendre au gouvernement britannique. Au début de 1816, un rapport parlementaire sur l’achat éventuel des marbres fait une distinction entre le naturalisme des figures de la collection d’Elgin et l’Apollon du Belvédère, « la représentation la plus élevée et la plus sublime de la forme idéale et de la beauté que n’a jamais concrétisé la Sculpture1 ». Le buste de Bertel Thorvaldsen et la statue commémorative de Byron sont les oeuvres d’art les plus distinguées qui soient associées au portrait du poète, et ont été créées par un artiste bien en vue du milieu artistique en Europe. Cet article place la commande du buste par Hobhouse et l’engagement de Byron au processus dans le contexte du débat entre la forme naturaliste et sublime, débat dans lequel s’entremêlaient les préoccupations esthétiques des disciples du néoclassicisme, de Burke et du romantisme à l’égard du napoléonisme et des politiques de l’ère post-révolutionnaire. La discussion portera également sur les lettres écrites par Hobhouse à Thorvaldsen en 1829 (en français), jamais publiée dans aucune autre étude sur Byron, dans lesquelles on peut lire une description physique de Byron par Hobhouse.

Résumé Cet article prend pour point de départ une déclaration surprenante de Byron selon laquelle les trois plus grandes figures de son époque étaient lui-même, Napoléon Bonaparte et George Brummell — le plus grand des trois étant le dandy Brummell du Regency. Aujourd’hui, on dit de Byron qu’il est l’un des grands poètes de la littérature mondiale, et les gens s’intéressent encore beaucoup à ses écrits (on trouve à l’heure actuelle des sociétés byroniennes dans plus de trente pays). On dit de Napoléon qu’il est l’un des plus grands génies politiques et militaires de tous les temps; et Brummell — il semblerait n’être qu’une figure historique connue de ses contemporains pour sa mine grave et dédaignante puis son style vestimentaire impeccable. Pourtant, Byron avait raison : l’impact de Brummell sur la société d’aujourd’hui perdure beaucoup plus que celui du poète ou de l’empereur. On n’a qu’à regarder les publicités que referment nos magazines et nos journaux. Le style, c’est tout; tout relève du style. Les mannequins nous font la moue, imitant Brummell sans le savoir, nous regardent d’un air hautain. L’obsession de notre société pour les marques de commerce tire son origine de la fascination que stimulait un dandy du Regency à l’endroit du style personnel et des parures particulières il y a de cela près de deux cent ans. Cet article, un exercice en relativisme culturel entre l’époque de Byron et la nôtre, explore pourquoi Byron aurait proposé une telle juxtaposition — et pourquoi son assertion sur la primauté de Brummell s’est avérée être d’une étonnante précision.