Tesi sul tema "Réceptions – Dans l'art"
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Kim, Sunga. "Le retournement du regard : le spectateur regardé dans les oeuvres théâtrales contemporaines depuis les années 2000". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2020. http://www.theses.fr/2020PA080067.
Abstract (sommario):
La thèse porte sur l’étude d’un phénomène de renversement de l’attention du spectateur vers lui-même, observé dans les œuvres contemporaines à forte théâtralité et nommé le « retournement du regard ». Survenant ponctuellement ou traversant une œuvre comme principe conceptuel, le retournement du regard remet en question la hiérarchie des présences théâtrales et les enjeux de responsabilité liés au regard induits par la fonction spectatorielle. Ce phénomène, transversal et imprégnant beaucoup de pratiques artistiques actuelles, peut être compris à la fois comme un lien entre des modes d’expression hétérogènes et souvent transdisciplinaires, dont la classification générique devient de plus en plus difficile, mais aussi comme un outil dramatique pour introduire dans les œuvres un des sujets qui y semble aujourd’hui récurrent : le spectateur lui-même. L’étude sera composée de trois mouvements pensés pour une approche progressive et chronologique de l’ensemble du phénomène. Une analyse contextuelle d’abord, une définition du retournement ensuite, passant par un point théorique sur le regard, une catégorisation des différents déclencheurs du retournement et l’analyse d’exemples issus des pratiques artistiques contemporaines (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), et une projection enfin des hypothétiques conséquences du retournement, sur les créations théâtrales, la figure du spectateur et la nature même du théâtre. Cette thèse se veut donc à la fois un état des lieux de la fonction spectatorielle au début du XXIe s., mais aussi une analyse des modalités selon lesquelles le théâtre s’adresse à lui et prend en compte les problématiques de son époqueThe thesis focuses on the study of a phenomenon of the reversal of the spectator's attention towards himself, as observed in contemporary works with strong theatricality and called the "gaze's turnaround". Occurring punctually or spanning throughout work as a conceptual principle, the gaze's turnaround questions the hierarchy of theatrical presence and the issues of responsibility related to the gaze induced by the spectator's function. This phenomenon, transversal and impregnating many contemporary artistic practices, can be understood both as a link between heterogeneous and often transdisciplinary modes of expression, whose generic classification is becoming increasingly difficult, but also as a dramatic tool for introducing into works one of the subjects that seems to be recurrent in them today: the spectator himself. The study will be composed of three movements designed for a progressive and chronological approach to the whole phenomenon. First, a contextual analysis, then a definition of the reversal, passing through a theoretical point on the gaze, a categorization of the different triggers of the reversal and the analysis of examples from contemporary artistic practices (Castellucci, Bernat, Rimini Protokoll, Jatahy, etc.), and finally a projection of the hypothetical consequences of the reversal, on theatrical creations, the figure of the spectator and the very nature of the theater. This thesis is therefore intended to be both an overview of the spectator function at the beginning of the 21st century, but also an analysis of the ways in which the theater addresses the spectator and takes into account the problems of his time
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Coavoux, Samuel. "Sociologie de l'expérience esthétique. Contextes et dispositions dans les réceptions muséales d'un tableau de maître". Thesis, Lyon, 2016. http://www.theses.fr/2016LYSEN009.
Abstract (sommario):
À partir d'une enquête ethnographique sur les réceptions situées d'un tableau de Nicolas Poussin conservé au musée des beaux-arts de Lyon, cette thèse interroge la place de la visite au musée d'art dans les répertoires de loisir des classes moyennes et supérieures. Elle s'appuie sur trois matériaux principaux : environ 50 journées d'observations in situ de l'activité des visiteurs, 45 entretiens de réceptions menées au musée, et 18 entretiens biographiques portant sur les habitudes de visite de visiteurs occasionnels ou réguliers aux profils sociaux similaires à ceux arrêtés au musée. La thèse met en évidence l'importance du statut des œuvres dans l'orientation et dans l'allocation de l'attention des visiteurs. Cet usage pratique de la légitimité culturelle produit un paradoxe : le tableau examiné est considéré comme un chef-d'œuvre, mais il suscite peu d'intérêt esthétique. L'examen lexicométrique d'un corpus d'articles de presse consacrés au tableau confirme que cette réaction s'étend à des publics professionnels comme les journalistes. Le malaise que provoque cette contradiction témoigne de l'importance de la compétence artistique statutaire. La thèse examine alors la place des dispositifs de médiation dans la réduction de cet écart. On peut interpréter la tendance à la déconnexion entre leur usage et la contemplation des œuvres comme un signe de l'importance du discours autorisé de l'institution pour les visiteurs faiblement ou moyennement dotés en ressources spécifiques. Enfin, l'analyse des biographies de visiteurs montre le poids de l'injonction normative à la visite ainsi que l'importance de son inscription dans des routines de loisirsDrawing on an ethnographic study of the receptions of a Nicolas Poussin's painting curated at the Fine Arts Museum in Lyon, France, this dissertation analyses the position of museum visiting in the leisure repertoire of the middle and upper-middle classes. Three main data sources are used: about 50 days of observation of the activities of museum visitors, 45 reception interviews carried out inside the museum, and 18 biographical interviews on visiting habits with occasionnal or regular museum visitors. The dissertation sheds light on the central role of the artwork's status in their orientation and the distribution of their attention. This practical use of cultural legitimacy leads to a paradox: the painting is considered a masterpiece, but it has little aesthetic appeal. A lexicometric analysis of a corpus of newspapers articles confirms that this perspective may be extended to professional audiences, such as journalists. The unease this contradiction provokes in the audience is a reminder of the centrality of statutory artistic skill. The dissertation then analyses how mediation devices are used to fill this gap. The disconnection between the use of devices and the contemplation of the painting might be interpreted as the sign of how important the authorized, institutional discourse on the artwork is for visitors with low to average levels of specific resources. Finally, an analysis of visitors' biographies demonstrates that a normative injunction to visit greatly weights in visitors' practices, but that visits mostly occurs when they are embedded into leisure routines
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Bessette, Anne. "Du vandalisme d’œuvres d’art. Enjeux et réceptions. Destructions, dégradations et interventions dans les musées en Europe et en Amérique du Nord depuis 1970". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA120.
Abstract (sommario):
La dégradation ou la destruction volontaire de biens symboliques est un phénomène omniprésent dans l'histoire humaine. Souvent, les œuvres ont été endommagées parce qu’elles incarnaient des divinités, des représentants du pouvoir, un imaginaire spirituel ou social. Avec l’avènement des musées et la transformation du statut des œuvres qu’ils conservent, ce phénomène adopte de nouvelles formes.Les atteintes portées intentionnellement à l’intégrité d’œuvres d’art, lorsqu’elles se produisent dans des musées, sont porteuses d’enjeux spécifiques, que cette thèse a pour objet d’analyser. Aujourd’hui, elles sont généralement désignées par le terme de vandalisme, qui véhicule des représentations qu’il s’agit d’interroger. Cette recherche, prenant appui sur l’analyse d’un corpus de cas de vandalisme perpétrés entre 1970 et 2014 sur des œuvres exposées dans des musées d’art, en Europe et en Amérique du Nord, s’attache, dans une perspective sociologique, à examiner les ressorts de ces actes, mais aussi les diverses réactions qu’ils suscitent. Celles-ci peuvent être saisies dans leur variabilité ; la confrontation de discours et de points de vue recueillis au cours d’entretiens avec divers acteurs concernés par le phénomène contribue à porter au jour des dispositions contrastées à l’égard des œuvres d’art. L’analyse de la réception sociale de ces actions constitue une voie d’accès privilégiée pour appréhender certains mécanismes de disqualification, y compris au sein du champ artistique. Certains de ces gestes sont en effet réalisés dans une optique de création ou de dialogue artistique : ils font ici l’objet d’une attention particulière en raison de ce qu’ils peuvent mettre en lumière du fonctionnement du milieu de l’artWillful degradation or destruction of symbolic goods is omnipresent in Human history. Most of the times, works were damaged because they embodied deities, symbols of power, spiritual or social constructs. With the advent of museums and the transformation of the status of the works they preserve, this phenomenon shaped into new forms.Deliberate attacks on the integrity of works of art, when they occur in museums, carry specific issues that this thesis aims to analyze. Today, they are generally referred to as vandalism, which conveys representations that are to be questioned. This research, based on the analysis of a body of cases of vandalism perpetrated between 1970 and 2014 on works exhibited in art museums in Europe and North America, focuses, from a sociological perspective, on examining the causes of these acts as well as the various reactions they generate. The confrontation of discourses and points of view gathered during interviews with various actors concerned by this topic reveals diverse dispositions towards works of art. The analysis of the social reception of these actions constitutes a privileged approach to specific processes of disqualification, including some within the artistic field. Parts of these gestures are meant to initiate an artistic dialogue or even to create; therefore, they will be looked upon with particular attention as they can highlight some of the mechanisms of the artistic scene
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Ortega, Orozco Adriana. "Les expositions d’art mexicain dans l’espace transnational : circulations, médiations et réceptions (1938 – 1952 – 2000)". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA024.
Abstract (sommario):
S’inscrivant à la croisée de l’histoire des expositions et des relations culturelles internationales, la thèse a pour principal objectif l’étude de la construction d’une certaine image de la nation mexicaine à l’étranger à travers l’art et de la manière dont celle-ci a été perçue par des audiences diverses dans différentes contrées. Pour ce faire, la thèse propose une étude de la présence de l’art mexicain dans l’espace transnational analysant des phénomènes de circulation, médiation et réception autour de la première grande exposition d’art mexicain itinérante en Europe. Entre 1952 et 1953, l’exposition Art mexicain du précolombien à nos jours a été présentée successivement à Paris, Stockholm, Londres et Mexico. Cette manifestation culturelle participe d’une longue génèse qui remonte aux années 1920. Après plusieurs tentatives échouées, l’idée de présenter une exposition d’art mexicain en Europe émerge à nouveau dans le monde de l’après-guerre, impulsée par le gouvernement mexicain et une constellation d’acteurs européens étatiques et non-étatiques qui ont fait que le projet se concretise en 1952. La thèse étudie les enjeux que cette manifestation a répresentés pour ses promoteurs, ainsi que la manière dont son discours curatorial consacre une certaine rhétorique nationaliste qui insiste sur la continuité du génie artistique mexicain à travers les époques. L’étude des réceptions et des va-et-vient au sein de l’espace euro-américain est alors menée à travers l’analyse des diverses représentations autour du Mexique exprimées par les publics européens, ainsi que par les manières dont la société mexicaine resignifie les réactions européennes vis-à-vis de l’art mexicain afin de les adapter au contexte local. Ensuite, ce travail se concentre sur les adhésions et les rejets exprimés au Mexique par rapport à ce portrait de lo mexicano impulsé depuis l’État. La thèse démontre comment cette exposition est devenue par la suite un modèle pour la présentation de l’art mexicain à l’étranger, décliné à plusieurs reprises dans les décennies suivantes comme le fer de lance de la diplomatie culturelle mexicaineLocated in the intersection of the fields of History of Exhibitions and History of International Cultural Relations, this thesis studies the construction of a particular image of the Mexican nation abroad through the medium of art, and the ways in which this image was perceived by diverse audiences in different countries. The thesis analyzes the circulation, mediation and reception of Mexican art in a transnational context for the first major traveling exhibition of Mexican art in Europe.Between 1952 and 1953, the exhibition Art mexicain du précolombien à nos jours (Mexican art from pre-Columbian times to the present day) was successively presented in Paris, Stockholm, London and Mexico City. This cultural event draws upon a long prehistory that dates back to the 1920s. After several failed attempts, the idea of presenting an exhibition of Mexican art in Europe reemerges in the postwar period driven by the Mexican government and a constellation of European state and non-state actors, leading up to the opening of the exhibition in Paris on May 20, 1952.The thesis studies the stakes that various promoters had in the exhibition as well as the ways in which its curatorial discourse crystallized a nationalist rhetoric that stresses the continuity of the mexican artistic genius through the ages. It further investigates the different receptions and interactions within the Euro-American space by analyzing the various representations of Mexico articulated by the European publics; conversely, it examines the ways in which Mexican society resignifies the European reactions vis-à-vis Mexican art and adapts them to the local context. Moreover, this work scrutinizes the approvals and rejections expressed by the Mexican public with regard to the particular image of lo mexicano promoted by the state. The thesis demonstrates how this exhibition became a model for the display of Mexican art abroad, reappearing several times in various declensions over the following decades as a trademark of Mexican cultural diplomacy
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Pinto, Maria Helena. "Devenir(s) contemporains : émergence et évolution de la figure du danseur contemporain mozambicain d'après les trajets, les discours, les œuvres et leur réception localement et à l'étranger". Paris 8, 2014. http://www.theses.fr/2014PA084158.
Abstract (sommario):
Un mouvement de danse contemporaine mozambicaine s’exprime depuis 1995 porté par des artistes chorégraphiques. Il s’agit d'une danse de création en rupture avec les danses traditionnelles et les modèles de spectacles du passé. Nous étudions l’émergence et l’évolution de la figure du danseur contemporain. Un terrain de quinze danseurs a été choisi pour l’hétérogénéité de leurs parcours, la diversité de corps, de pensées, de matières gestuelles et leur implication dans la fabrique de la danse contemporaine mozambicaine. La première partie, Etre danseur, s’arrête sur Augusto Cuvilas, Virgilio Sitole et Pelina Sitoe. La seconde partie, Etre contemporain, aborde la figure singulière de la danseuse contemporaine mozambicaine : comment ces artistes construisent, revendiquent et s’affirment dans le contexte local ? Le processus de création de la pièce Um solo para cinco d’Augusto Cuvilas est analysé comme un laboratoire d’où émerge une contemporanéité. La nudité de la femme mozambicaine présente dans cette pièce crée d’autres acceptions du contemporain et de la manière d’être contemporain. La troisième partie, Etre artiste, définit plusieurs identités artistiques individuelles selon leur relation à l’étranger et au local. Dans le contexte d’un regard fortement Eurocentrique sur l'art venu d'Afrique, le concours Danse l’Afrique Danse illustre la problématique des marchés chorégraphiques. Le(s) devenir(s) (danseurs, artistes) contemporain(s) confrontent des valeurs, des représentations de l’art et de la danse du Nord et du Sud. Les artistes mozambicains transforment l’art chorégraphique local dans une attitude de résistance et créent un espace de débat sur des enjeux sociétauxA contemporary Mozambican dance movement expresses itself since 1995. Through a creative choreography it explores the distancing from traditional dances and performances of the past models. We study the emergence and evolution of the figure of the contemporary dancer. A field of fifteen dancers were chosen for the heterogeneity of their course, the diversity of body, of thoughts, of gestural material and their involvement in the contemporary Mozambican dance factory. The first part, 'being dancer' focuses on Augusto Cuvilas, Virgilio Sitole and Pelina Sitoe. The second part, 'being contemporary,' addresses the singular figure of the contemporary Mozambican female dancer: how do these artists construct and assert themselves in the local context? The creative process for the piece 'Um solo para cinco' by Augusto Cuvilas is parsed as a laboratory from which emerges a contemporaneity. The nakedness of the Mozambican woman treated in this piece, creates other contemporaneity meanings and new ways of being contemporary. The third part, 'being artist,' defines several individual artistic identities according to their relation to the abroad and to the local. In the context of a strongly Eurocentric look at art from Africa, performances of the “Danse l’Afrique Danse” meeting illustrates the problem of choreographic markets. The processes of ‘becoming’ contemporary dancers, artists, bring face to face values, representations of art and dance of North and South. Mozambican artists transform the local choreographic art in an attitude of resistance and create a space of debate on societal issues
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Caliandro, Stéfania. "Le métavisuel dans l'art". Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0096.
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Laborde, Cécile. "L'effet pornographique : sémiostylistique pour une réception physiologique de l'art (verbal)". Thesis, Paris 4, 2012. http://www.theses.fr/2012PA040220.
Abstract (sommario):
L’idée-force de cette thèse est que littérature et sexualité ont partie liée, mais également et surtout, que la potentielle sexualisation de l’art verbal, à l’écriture comme à la lecture des textes, ne se limite pas à un genre spécifique d’écrits (qui irait du sentimental, au pornographique, en passant par l’érotique). La sexualisation à réception, toujours aléatoire, dépend de la force du style et de la sensibilité des lecteurs. La théorie de la réception que nous tentons de construire postule qu’il n’y a ni grand, ni petit art, ni arts majeurs, ni arts mineurs. L’art est un effet produit par la rencontre entre une oeuvre et un public ; il se manifeste intégralement en sensations. L’effet de l’art atteint son paroxysme lorsqu’il se fait pornographique. Cet effet pornographique de l’art, dont nous souhaitons cerner les conditions de déclenchement et de matérialisation à réception, émane de créations littéraires dont le style attire, séduit, aimante, captive et ravit les lecteurs, en leur offrant une vision de l’humain dans ce qu’il a de plus fragile et fascinant : son intimité la plus profonde et la plus cachée, son sexe. Pour appréhender ce vécu si intense et si rare qu’offrent certains textes, nous tendrons à définir l’idée de style pornographique, au sens de création par le style d’un effet pornographique. Puis, nous nous intéresserons plus largement à la portée et à la valeur de ce style, en proposant une typologie des principaux phénomènes qu’il déclenche à réception. Enfin, si l’effet pornographique est l’horizon vers lequel tout écrit littéraire tend, cet effet ne demeure, cependant, qu’un horizon. De ce fait, il conviendra de préciser, dans un troisième temps, les limites et les dangers du pornographiqueThe main idea of this thesis is not only that literature and sexuality are related, but also that the sexualization of art, during the writing and the reading as well, is not restricted to specific literary genres (sentimental, erotic, or pornographic). The sexualization, always uncertain, is both due to the strength of style and to the readers’ sensitivity. The theory of reception we intend to elaborate is based on the idea that there is neither high art nor low art. Art is an effect caused by the encounter of a work and a public. Art is nothing but sensation. Art can recreate some reality by means of invoking sensations.The effect of art reaches its paroxysm when it becomes pornographic.This pornographic effect is derived from literary texts whose style attracts, seduces, captivates and ravishes readers, by revealing the most deep and the most secret intimacy of humans : their sex. We intend to see where, when and how this effect may happen. First, we’ll try to define what we mean by “pornographic style”, in other words what in style manages to create a pornographic effect on readers. Then, we'll attempt to bring to light the many phenomena it induced. However, even if the pornographic effect is the main purpose of art, it has to remain an horizon. Therefore, we'll have to consider the limits and risks of all pornography
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Riado, Benjamin. ""Parergon" : une herméneutique documentaire dans l'art contemporain : le cas du Land Art". Paris 1, 2013. http://www.theses.fr/2013PA010518.
Abstract (sommario):
L'objet de ce travail est la façon dont se pensent les œuvres qui, à l'image des sculptures de l'art contemporain ou du Land Art, ne se suffisent pas à elles-mêmes mais réclament des enregistrements ou d'autres documents venant les compléter. Quoique tangibles, ces œuvres restent en effet difficiles à exposer, parce qu'elles sont solidaires d'un lieu reculé auquel on ne peut les soustraire, parfois éphémères ; les documents qui les accompagnent permettent alors de rendre compte de leur forme auprès de l'institution. Nous appelons du mot grec « parergon » (« accessoire ») le document par lequel l'oeuvre apparaît sous la forme d'un enregistrement qui engage le spectateur sur la voie de la réception esthétique. Le paradoxe est alors que ce qui permet cette expérience esthétique n'est pas l'oeuvre elle-même mais bien un élément hors d'oeuvre. Pour justifier l'application de ce terme antique à une situation contemporaine, ce travail s'est d'abord attaché à ses usages anciens afin de mettre en évidence que le « parergon » ne se rencontre que dans des cas de malentendu entre ce qui est essentiel et accessoire sans un œuvre d'art – la méprise dans ce cas ne peut être dissipée que par l'interprétation. Philosophiquement, ce problème est ressaisi par la question des limites de l'oeuvre d'art : où commence et finit une oeuvre qui se présente sous plusieurs formes ? L'étude montre que c'est au prix d'un travail de déconstruction de la présence immédiate de l'oeuvre dans les musées que se sont engagées les pratiques Land Art. Cependant la photographie n'est pas seulement le prolongement de la sculpture dans l'institution : c'est aussi un mode d'apparaître de l'oeuvre qui réduit parfois celle-ci à être un lieu reconnu par l'artiste comme digne d'être artificiellement exposé. L'analyse d'exemples précis permet finalement de montrer que le « parergon » ne consiste pas seulement dans la photographie d'oeuvres sculpturales, mais est aussi une façon documentaire de faire œuvre photographique.
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Kim, Sang-Sook. ""In transit" : la place vide de l'installation appréhendée de visu dans son contexte". Paris 1, 1997. http://www.theses.fr/1997PA010669.
Abstract (sommario):
La thèse In transit se compose d'une pratique artistique articulée avec sa théorie, ainsi que de la réflexion sur le jugement esthétique et la pensée philosophique. Cette recherche traite du regard sur l'œuvre d'art, de son double jeu. Car, l'enjeu du regard est alternatif. Le regard va et vient entre l'objet présenté et son environnement. Il s'agit d'une dialogique instable, d'un échange qui s'effectue dans l'espace de l'œuvre. Cette dialogique permet de retrouver le parcours "conversationnel" qui s'amorce dans la production critique. Il faut en rechercher les formes dans l'espace de l'œuvre, entre l'objet installe et son environnement. Le jeu du regard implique le lieu présence, que l'on trouve dans ma recherche comme dans mon travail personnel (intitulé In transit), mais aussi chez d'autres artistes. Le regard s'y déploie sur la présentation de quelque chose, dans un entourage topologique. Nous touchons là la question de la présentation et de la représentation dans l'œuvre. La problématique consiste à découvrir ce qui est dominant en art plastique : l'objet ou l'entourage. Je répondrais : les deuxThe empty place is an aesthetic of the returning. The work is there called in question by its very environment. The empty place implies an aesthetic of the returning, which could have, as its metaphorthe ball game where the ball is thrown to and received back. This aesthetic of reciprocity intervenes after the work has bieng received by the spectator and forms the very relationship in the exbition of the work. This aesthetic of the returning reflects the characteristis of the empty place in three dierent ways: first of all, the aesthetic of the returning proposes a relation between the object and the architectural space as far as this space is linked in its source to a representation. It is the topic of the investigations of andre bazin under the name of "doing a turn" between the spectator and the object shown. Secondly, the aesthetic of the returning of the empty place expresses it self in the shifting of the critical function. In the aesthetic of the returning the eyes no longer cling to a centre but to the parergon, we are referred there fore our ability to express an aesthetic judgment. Thirdly, the aesthetic of the returning of the empty place implies a altural conflict. By very meeting of and in the empty place, this "presence-place", we may think afresh about the essence of the cultural consensus. The empty place, being the space where all the posibilities in the realm of communication can be composed- a composition that is actualized by the spectator-so produces a philosophical discourse, which ends in describing the empty place itself
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Daengklom, Sayan. "Érotique et réception de la peinture dans les salons de Diderot". Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0118.
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Guertin, Émilie. "Images, art et Holocauste : réception et statut des images clandestines réalisées en milieux concentrationnaires 1945-2003". Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/24022/24022.pdf.
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Dalant, Moira. "Théâtralité aux limites, ou qu'est-ce-que le sublime moderne : la mort et la merde dans le théâtre et l'art contemporain". Thesis, Paris 4, 2013. http://www.theses.fr/2013PA040029.
Abstract (sommario):
Cette étude s’intéresse, d’un point de vue sémiologique, à toutes créations théâtrales et plastiques contemporaines ou postmodernes, flirtant avec une esthétique des extrêmes. L’attention est portée sur les signes/significations de productions traitant des limites – à la fois du sujet et de l’art en général. Par le biais de trois monographies d’artistes (Sarah Kane, la Theoria ; Romeo Castellucci, la Poesis ; Wooster Group, la Praxis), permettant une théorie inductive sur la réception de ce type de créations et le sentiment de « Sublime » à l’époque moderne. Ce travail interroge la rencontre à l’art, l’expérience extrême, les effets d’une telle épreuve (au sens physique et intellectuel)The aesthetics of extreme in contemporary art and theatre are the topic of this essay. Trying to determine what the signs and significations of such objects – dealing with the limits (extreme) of beauty, the codes of art and human creations – are. Three artists are interesting for this study: the British playwright Sarah Kane, the Italian stage director Romeo Castellucci, and the American company The Wooster Group: three way of creating theatre which deals with the aesthetics of extreme. From there, we’ll try to define what is the feeling/idea of Sublime in Modern times and creations. This works interrogates the relation to art (production to reception), the eye of the receptor and the “experience” of art received as a test (or ordeal)
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Sotropa, Adriana. "La tentation symboliste dans l'art en Roumanie, de la fin du XIXe siècle à l'entre-deux guerres : promoteurs, formes, réception". Paris 1, 2011. http://www.theses.fr/2011PA010567.
Abstract (sommario):
Catégorie régulièrement employée et reconnue par les historiens de l'art roumain, le Symbolisme méritait d'être réexaminé dans ses contours et son contenu. Il convenait pour cela de retrouver des artistes et des oeuvres relégués aux oubliettes de l'histoire pour les premiers ou dans l'ombre des réserves, au mieux, pour les seconds. Force est de constater, de ce point de vue, à quel point une forme d'« idéalisme» se manifeste avec plus d'intensité et de variété en sculpture qu'en peinture, malgré l'affirmation d'un certain antinaturalisme. L'analyse des discours auxquels ont donné lieu ces oeuvres, tant à l'époque de leur création que dans l'histoire de l'art, révèle les fondements des jugements dépréciatifs dont elles font parfois encore aujourd'hui l'objet, de mesurer les difficultés liées à I'affirmation d'un « Symbolisme » en Roumanie, de mesurer le poids réel ou supposé de l'étranger, en particulier l' Allemagne et la France, dans un pays en quête de racines, où bien des acteurs s'efforcent d'encourager l'affirmation d'un art national. Cette triple confrontation des artistes, des oeuvres et des discours, permet en dernière analyse de réécrire un nouveau chapitre de l'histoire de l'art moderne en Roumanie
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Girel, Sylvia. "La réception des arts visuels contemporains dans les années 90 : les lieux de diffusion de l'art à Marseille et leurs publics". Paris, EHESS, 2000. http://www.theses.fr/2000EHES0084.
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Herrmann, Simone. "Harry comte de Kessler (1868-1937) et la France : études sur la réception de l'art français dans l'Allemagne de Guillaume II". Paris 1, 2002. http://www.theses.fr/2002PA010552.
Abstract (sommario):
Fils d'un banquier allemand et d'une mère issue de la noblesse irlandaise, Harry Kessler grandit à Paris, puis en Angleterre et en Allemagne. Il s'installe à Berlin où il fréquente l'avant-garde artistique et se passionne pour l'art moderne français tout en collaborant à la revue " Pan ". Un fabuleux héritage, légué par son père, lui permet de créer une collection d'art moderne d'une qualité exceptionnelle. Il vit entre Berlin, Londres et Paris où il fréquente les cercles néo-impressionnistes et symbolistes. De 1903 à 1906, Kessler, directeur du musée grand-ducal de Weimar, permet à ces groupes d'artistes non confirmés d'exposer leurs oeuvres. Lui même présente dans son domicile la plus grande partie de sa collection privée. Il favorise ainsi, avant la première guerre mondiale, la rencontre de l'avant-garde de la culture allemande et de la culture française ainsi que celle entre artistes, collectionneurs, marchands de tableaux, hommes de musée et hommes d'affaires. Kessler devient ainsi le meilleur imprésario de l'art français, en contradiction avec la politique officielle de Guillaume II. Lié d'amitié à un grand nombre d'artistes, ses visites lui permettent de suivre la production de ses protégés, parmi eux, en premier lieu, Auguste Rodin et Aristide Maillol. Certains passages de son journal et sa correspondance échangée avec des artistes français, éditée pour la première fois dans le cadre du présent travail, montrent l'importance du rôle d'intermédiaire culturel que joua Kessler entre 1895 et 1914 dans l'histoire de l'art franco-allemand et illustrent un chapitre intime de la complicité entre mécène et artiste.
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Brock, Maurice. "Le secret de la peinture ou la postérité de Parrhasios : recherches sur l'art italien du Moyen-Age tardif et de la Renaissance". Paris, EHESS, 1996. http://www.theses.fr/1996EHES0010.
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Lupas, Maria Cristina. "L'art dans les journaux intimes de M. Eliade, E. Ionesco, M. Sebastian et N. Steinhardt, 1927-1987". Thesis, Aix-Marseille 1, 2011. http://www.theses.fr/2011AIX10067.
Abstract (sommario):
Une interrogation sur la nature et les pouvoirs de l’art traverse les journaux intimes de Mircea Eliade, Eugène Ionesco, Mihail Sebastian et Nicolae Steinhardt. Cette interrogation remonte aux débats littéraires de la Grande Roumanie, contexte historique d’où émergent ces écrivains. A cette période est aussi liée leur pratique du journal intime, genre qui caractérise la ‘jeune génération’, groupement de jeunes acteurs culturels lancé par Eliade. Les réceptions (selon le terme de H. R. Jauss) des œuvres d’art que ces quatre auteurs consignent dans leurs journaux intimes permettent d’illustrer trois pouvoirs de l’art mis en relief par leur jeunesse roumaine et leur cheminement après la guerre. L’art a un pouvoir formateur : il les enseigne en leur ouvrant des mondes présentés par les œuvres. Il a aussi un pouvoir nationaliste car, dans le nouvel état-nation roumain, dans le contexte d’une « littérature mineure », l’art tendait à être politisé et l’état roumain pratiqua une politique nationaliste qui n’épargna pas le domaine des arts. Enfin, l’art a un pouvoir thérapeutique car il permet d’aborder des expériences douloureuses telles que celle de la crise nationaliste roumaine, par des voies indirectes et plus attrayantes. Les quatre journaux intimes, établis à partir de textes publiés en Roumanie et en France, font découvrir quatre cheminements qui se croisent et s’éclairent mutuellement, notamment sur leurs relectures difficiles du passé roumain. Le parcours de Ionesco ressort particulièrement comme celui d’une thérapie par l’art et d’un ‘travail de mémoire’, selon le terme de Ricœur, sur son passé personnel et sur le XXe siècle européenReflections about the nature and powers of art pervade the diaries of Mircea Eliade, Eugène Ionesco, Mihail Sebastian, and Nicolae Steinhardt. These reflections stem from the literary debates in fashion in Greater Romania in which all four authors took part. Their practice of diary keeping also goes back to this period. It especially characterized a group of young intellectuals launched by Eliade called the ‘Young Generation.’ The diary genre lends itself well to a type of study H. R. Jauss has called ‘reception.’ The receptions of art in the four diaries illustrate three powers of art. Art has a formative power: it teaches by opening the receiver to the world proposed by the work of art. Art also has a nationalistic power: as an instrument of national-identity building for the new Romanian nation-state, art did not escape the danger of politicization characteristic of so-called ‘minor literatures,’ a term this dissertation discusses, and the Romanian state practiced nationalist policies with regards to the arts. Lastly, art has a therapeutic power: it can help in coming to terms with painful experiences like that of the Romanian nationalist catastrophe by indirect and more attractive means. The text of the four diaries is here established from fragments published in Romanian and in French publications. The diaries reveal four lives that crossed paths and that shed light on each other and especially on the difficult re-readings of the Romanian past. Ionesco’s diary in particular emerges as an example of a therapy by art and of what Paul Ricœur has called a ‘work of memory,’ about his personal history, that of his generation and of twentieth-century Europe
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Heyraud, Hélène. "Revoir le symbolisme pictural : le cas de Gustave Moreau : thème du féminin, style, réception critique". Thesis, Rennes 2, 2022. https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-03685520.
Abstract (sommario):
Le symbolisme est généralement considéré comme un mouvement littéraire, unifié par le thème du féminin. Or, la peinture occupe elle aussi une place importante dans la constitution du symbolisme et le thème du féminin ne saurait être l’entrée unique pour appréhender ce mouvement. Cette thèse se propose d’interroger les présupposés dominants sur ce mouvement : l’antériorité du symbolisme littéraire sur le symbolisme pictural, l’importance du thème du féminin dans la peinture, le manque voire l’absence des études stylistiques. Le corpus symboliste étant vaste, le peintre Gustave Moreau est érigé en archétype du symbolisme pictural et se pose comme le cas privilégié de cette étude. Les œuvres picturales replacées ici au centre des analyses thématiques, stylistiques et quantitatives, permettent de nuancer d’emblée cette supposée antériorité de la littérature, en montrant que les productions picturales précèdent historiquement d’une triple décennie les productions littéraires. À partir de ce corpus pictural singulier, le thème du féminin est ainsi réinterrogé : ce thème est-il si important dans la production de Gustave Moreau ? Les analyses quantitatives auxquelles est soumis le corpus permettent là encore de nuancer l’idée selon laquelle ce thème serait fondateur dans le symbolisme. Si le thème n’apparaît plus fondamental, la question du style s’impose alors. L’étude stylistique de l’œuvre de Gustave Moreau montre un peintre innovant et singulier, qui sera pourtant effacé – à l’instar des œuvres de manière générale – dans l’historiographie critique du mouvement. L’analyse de la réception critique et de l’historiographie du symbolisme montre ainsi comment les artistes, les œuvres et la stylistique ont été marginalisés au profit d’une pensée littéraire, poétique et philosophique du symbolismeSymbolism is generally seen as a literary movement, unified by the theme of the feminine. However, painting occupies an important place in the symbolism construction and the theme of the feminine cannot be the only way to question this movement. This thesis proposes to question the dominant assumptions about this movement: the anteriority of literary symbolism over pictorial symbolism, the importance of the feminine theme in painting, the lack or even the absence of stylistic studies. The Symbolist corpus being vast, the painter Gustave Moreau is raised as an archetype of pictorial symbolism and is posed as the privileged case of this study. The thematic, stylistic, and quantitative studies of Gustave Moreau’s pictorial works allow to immediately qualify this supposed anteriority of literature, by showing that pictorial productions historically precede literary productions by three decades. From this singular corpus of paintings, the theme of the feminine is thus re-examined: is this theme dominant in Gustave Moreau's production? Once again, the idea according to which theme of the feminine founded Symbolism is challenged by the quantitative studies made on this corpus. If the theme of the feminine no longer appears fundamental, then the question of style arises. The stylistic study of Gustave Moreau’s work shows an innovative and singular painter, who will nevertheless be erased - like artworks in general - in the critical historiography of the movement. The analysis of the critical reception and historiography of Symbolism thus shows how artists, artworks and stylistics have been marginalized in favor of literary, poetic, and philosophical thought of Symbolism
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Bost, Sébastien. "Barbara : la morsure et la caresse - une esthétique de la déchirure". Thesis, Tours, 2019. http://www.theses.fr/2019TOUR2008.
Abstract (sommario):
Cette thèse étudie la démarche artistique singulière de la chanteuse Barbara. Elle examine pour cela les thèmes récurrents de son répertoire, ses principes d'écriture, de composition et d'interprétation, son personnage de scène, son rapport au public et sa conception même du métier de "femme qui chante". Identité, écriture, performance vocale et scénique : ces champs de la création sont liés chez Barbara, et il s'agit de montrer que leur cohérence est fondée sur la notion de déchirure. Le mot désigne une souffrance inscrite dans la mémoire de qui l'éprouve, toujours active même si l'événement qui l'a fait naître est ancien ; une blessure non refermée que l'art d'écrire et de chanter permet d'apaiser. Doit-on rappeler qu'il vient de l'ancien français "escire" qui signifie "mettre en morceaux" et que la langue française donne aussi au mot "morceau" le sens de "pièce musicale" ? En ce sens, les épreuves vécues dans sa jeunesse nourrissent l'inspiration de Barbara ; seulement, lorsqu'on étudie comment elle procède pour les exprimer, on s'aperçoit que ses déchirures constituent autant chez elle une source d'inspiration qu'un ensemble de principes structurels, esthétiques et éthiques qui façonnent entièrement son oeuvre et déterminent sa réception. Dans cette optique, chanter consiste moins pour Barbara à éliminer ses douleurs qu'à les intégrer à son art et à les convertir en forces fécondantes. Cette thèse analyse les enjeux et les modalités de cette conversion pour mieux comprendre les processus de création et de réception d'une artiste considérée à juste titre comme une figure majeure de la variété françaiseThis thesis explores the unique artistic process of the singer Barbara. To that end, it studies the recurring themes of her repertoire, her writing, composition and interpretation principles, her stage persona, her connection to the public, and her idea of the profession of "singing woman". Identity, writing, and vocal and stage performance : all these creative fields are linked in Barbara's work, and the aim is to show that their consistency is based on the "wrench" concept. The word refers to a suffering written into the memory of whoever feels it, still active, even if the event that caused it is old ; a wound not healed, alleviated by writing and singing. Is it necessary to recall that the French word, "déchirure", cames from Old French "escire" which means "tear to pieces", and that, in both French and English languages, "piece" also means "musical composition" ? In this respect, the ordeals Barbara experienced during her youth fed her inspiration. But, when we study how she expresses them, we realize that her wrenches are as much a source of inspiration as a set of structural, aesthetic and ethical principles which shape her work and determine the public's reception. In this regard, singing seems to be less a way to relieve her pain than a way to include them in her art and to convert them in fruitful strengths. This thesis analyses the issues and the conditions of that conversion to better understand the creation and perception processes of an artist rightly seen as a major figure of French popular music
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Buclon, Romain. "Napoléon et Milan : mise en scène, réception et délégation du pouvoir napoléonien (1796-1814)". Thesis, Grenoble, 2014. http://www.theses.fr/2014GRENH006/document.
Abstract (sommario):
Cette thèse s'intéresse aux liens politiques et culturels entre Napoléon et Milan de 1796 à 1814. L'auteur porte une attention particulière aux évolutions de la mise en scène, de la réception et de la délégation du pouvoir du général Bonaparte à Napoléon Ier roi d'ItalieThis thesis focuses on the political and cultural links between Napoleon and Milan from 1796 to 1814. The author pays particular attention to changes in production, reception and delegation of power from general Bonaparte to Napoleon Ist, King of Italy
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Li, Jialin. "Entre symbolique et imaginaire : étude comparée de deux symboles nationaux, le dragon chinois et le coq français, origine, élaboration, utilisation et réception de 1500 à l'époque contemporaine". Thesis, Lyon, 2019. http://www.theses.fr/2019LYSE3021.
Abstract (sommario):
Le dragon est le symbole national de la Chine et le coq de la France. Le dragon est un animal imaginé, le coq un animal réel. Ils diffèrent d’autres symboles nationaux comme l’aigle germanique dont l’image évoque d’emblée la force et l’autorité. Pourquoi les deux ont pu servir de façon stable de symbole national : quelles caractéristiques ont-ils ? quelles conditions ont-ils remplies dans l’Histoire pour acquérir ce statut ? On essaye de répondre à ces questions en trois parties. La Partie I étudie la présence des deux symboles dans des domaines de la vie courante. On trouve que cette présence produit une familiarité qui permet à tous les groupes sociaux d’identifier leur apparition. La Partie II concerne l’iconographie et l’esthétique. Leurs évolutions morphologiques révèlent une combinaison d’humain-animal. On découvre ainsi que les deux symboles présentent des schèmes communs : la force, le privilège, le pouvoir, etc. Cette image est néanmoins obtenue de façon différente : le dragon de face est lié à l’empereur et le coq à une image de chevalier et de héros. La Partie III aborde la littérature à travers l’étude de la nomination et du rôle. L’étude sur la nomination révèle que leurs nom et appellation confirment les schèmes déjà identifiés de leader, d’empereur et d’élite, permettant au dragon ou au coq, de manifester l’autorité d’empereur (roi), de héros civilisateur ou d’ancêtre mythique. Ces similitudes rapprochent leur image du symbole national. A côté de ces aspects homogènes, se dessine une hétérogénéité dans la construction de l’image des deux symboles sur la personnalité idéale : l’empereur pour les Chinois et le héros pour les FrançaisThe dragon is the national symbol of China and the rooster is of France. The dragon is an imagined animal; the rooster is a real. They are different from other symbols such as Germanic eagle who evokes strength and authority at the first sight. Why the dragon and the rooster could have been served as a country’s symbol: what characteristics do they have? what conditions have they fulfilled in the history to win this place? We try to answer the questions with three parts. The part I studies the two symbols’ presence in daily life. We find that a frequent presence produces a familiarity that allows all social communities to identify the appearance. The part II is on the iconography and aesthetics. The morphological evolutions of the two symbols reveal that their image combines the human and the animal. We discover that the two symbols present common schemas: strength, privilege, power, etc. Nevertheless, their image is obtained in a different way. The frontal dragon is in connection with the emperor, the rooster with an image of knight and hero. The part III focuses on the literature, discusses the nomination and the role. The study on the nomination reveals that the two animals’ name and appellation confirm the identified schemas of leader, emperor and elite, which allow the literary character, dragon or rooster, to manifest their authority of emperor (king), civilizing hero or mythical ancestor. These similarities bring their image closer to the national symbol. Besides the homogeneous aspects, we find a heterogeneity in the construction of the two symbols’ image on the ideal personality of the two countries: the emperor for the Chinese and the hero for the Frenchmen
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Pouy-Engler, Léonard. "Luctor et Emergo. Développement et réception de la scène de corps de garde dans l’art néerlandais du XVIIe siècle". Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040073.
Abstract (sommario):
Dans un climat de réforme globale, touchant l’ensemble de la société hollandaise, émerge un certain nombre de compositions picturales nouvelles, peintes, au cours la première moitié du XVIIe siècle, par de jeunes artistes amstellodamois avides de reconnaissance. Prenant généralement pour sujet le repos de soldats, retranchés dans de sombres intérieurs, ces scènes se diffusent rapidement dans les Pays-Bas de l’époque. Les différents experts et théoriciens de l’époque les identifient alors comme des scènes de cortegaerd, terme issu du français « corps de garde ». Renvoyant dans un premier temps à la brûlante actualité de la guerre de Quatre-Vingts Ans (1568-1648), de telles œuvres s’en éloignent néanmoins rapidement au gré d’une transformation, aussi subtile que radicale, opérée par ces peintres sur l’iconographie du mercenaire pillard : celui-ci quitte, en effet, peu à peu, dans ces scènes, les tristes oripeaux du maraudeur pour revêtir les luxueux atours de l’officier éclairé et raffiné. En miroir de cette progressive assimilation de la figure de l’officier à celle de l’amateur, doit également être perçue celle du peintre à l’officier, régnant en maître sur son atelier. Initiée dans les années 1630, cette double mutation croisée des images du soldat et de l’artiste témoigne de la mise en place d’un intense mouvement de légitimation. Si une guerre de l’art a bien eu lieu en Hollande au cours de la première moitié du siècle, il s’agit avant tout d’une guerre de conquête de marchés et de statuts, menée par d’ambitieux artistes s’identifiant eux-mêmes comme les membres d’un corps moderne et indépendant de la peinture, portant haut les couleurs d’un discours théorique nouveauAmid a climate of overall reformation, which encompassed the whole of Dutch society, a group of ambitious young artists from Amsterdam developed a new kind of compositions during the first half of the XVIIth century. These painters were mostly known in the Netherlands for their depictions of relaxing soldiers in dark interiors. Those works were quickly given the label cortegaerd by art experts and theorists from the time, a term that derives from the French military term corps de garde, or guardroom. While initially referring to the brutal actualities of the Eighty Years War (1568-1648) in their art, these artists seem to have quickly moved away from the image of the pillaging mercenary towards a radically different iconography. Indeed, the Dutch soldier rapidly started to leave behind its sad rags for the luxurious attire of the enlightened officer and amateur. Mirroring this painted transformation of the officer into the art lover, painters similarly created visual parity between themselves, as masters reigning over their workshop. Beginning in the 1630s, this twofold transformation testifies to the existence of an intensity of ambition. If a war of art really did take place in Holland during the first half of the XVIIth century, it was therefore a war of conquest of new markets and social statuses by young artists who saw themselves as members of a modern painting corps. This desire for artistic legitimacy was launched by an emerging class of painters who were not only eager to establish their independence from a dominant form of painting, but also become the standard-bearers for a new theoretical discourse
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Platevoet, Marion. "Médée en échos dans les arts : La réception d’une figure antique, entre tragique et merveilleux, en France et en Italie (1430-1715)". Thesis, Paris 4, 2014. http://www.theses.fr/2014PA040166.
Abstract (sommario):
Le mythe de Médée, reçu par la première modernité comme un paradigme complet depuis la Conquête de la Toison d’or jusqu’à son retour sur le trône de Colchide, compose un prisme à multiples facettes : « Médée-tueenfant » (La Péruse), le personnage légué par la tragédie attique et devenu archétype d’une violence contrenature, y croise Médée magicienne, qui bouleverse le lignage et la ligne du temps, mais aussi la princesse orientale éprise d’un héros civilisateur. Pétrie par la culture chrétienne et admise au répertoire des arts officiels, cette figure ambivalente se rend perméable aux recherches esthétiques et aux débats éthiques des Temps modernes, en vue de l’expression de l’horreur, de l’allégorisation de la gloire, comme dans la représentation des passions.Or, la fondation de l’Ordre de chevalerie de la Toison d’or au duché de Bourgogne, en 1430, jusqu’à la fin de la Guerre de succession d’Espagne où se redessine la carte des puissances européennes, fait de la fable un miroir fictionnel privilégié des jeux de pouvoir entre les grandes dynasties européennes, en tant qu’instrument du discours programmatique du Prince. Dans le paysage culturel d’influences communes que forment les Cités-États de l’Italie et le royaume de France, cette étude montre, par la réunion de l’iconographie de Médée, l’analyse de saprésence dans les imprimés et de ses réécritures à la scène d’après l’antique, comment les échanges entre les arts visuels et les arts du texte oeuvrent à l’établissement d’un motif héroïque paradoxal. Ou comment Médée « devient Médée », renouvelant le serment que lui avait fait jurer Sénèque : « Fiam »The exceptional scope provided by the myth of Medea, which spans from the Conquest of the Golden Fleece to her return to the throne of Colchis, was received in its entirety by the Early Modern Arts and offers a multi-faced prism : Medea “tue-enfant” (La Péruse), the character left by the Ancient ancient Greek tragedy that became an archetypal figure of monstrous violence, crosses the path of the oriental lover of a civilizing hero, and also the enchantress who scatters lineages and timelines. Sculpted by the Christian culture and allowed into the official artistic repertory, this ambivalent figure absorbs the aesthetics and ethical debates of modernity. Indeed, Her Medea’s myth can be used for the expression of horror, allegories of glory, as well as expression of the passions.In addition, from the establishment of the Order of the Golden Fleece, by the Duke of Burgundy in 1430, to the end of the War of the Spanish Succession (which redefined the entire map of major European powers), Medea’s myth becomes one of the most efficient fictional mirrors of the political disputes between the most influential families of Europe, as an instrument of the publication of the Prince programme. Into the landscape of the cultural influences shared by the States of Early Italy and the French Kingdom, this study intends to show, by analysingthe spread of iconography of Medea, her presence in printed material and her classical performance reception and rewriting, how the exchanges between visual and literary productions work towards the definition of a paradoxical heroic standard. Where Medea “becomes Medea” and renews the oath that Seneca made her take: “Fiam”
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Yvernault, Virginie. "Révolution et figaromania. Réception, usages et significations du théâtre de Beaumarchais (XVIIIe-XIXe siècles)". Thesis, Paris 4, 2017. http://www.theses.fr/2017PA040119.
Abstract (sommario):
Beaumarchais n’est pas seulement un dramaturge célèbre du XVIIIe siècle, c’est avant tout le père de Figaro, cette figure familière qui s’invite dans le débat public dès qu’il est question de liberté d’expression ou de lutte contre l’injustice. Récusant le concept de mythe, dont les études de réception sont friandes, cette étude s’interroge sur la manière dont l’usage systématique de Figaro dans des domaines extra-littéraires détermine l’ensemble du discours critique sur Beaumarchais. Aux origines de la figaromania, il y a un parcours de la subversion à l’institutionnalisation, qui s’opère à la fin du XIXe siècle, lorsque la Révolution « entre au port », avec l’avènement des républicains. Cette enquête propose donc une histoire de la réception qui puisse montrer la convergence entre les significations d’une œuvre appartenant au patrimoine national et les multiples usages et appropriations dont elle fait l’objet, envisagés dans leur diversité à l’échelle européenneBeaumarchais is not only a famous 18th century playwright, but first and foremost the architect of Figaro; the well-known character who slides his way into the public debate as soon as liberty of expression or the fight against injustice is evoked. Challenging the idea of a myth, endorsed by other reception studies, this study analyses how the systematic use of Figaro outside the literary domain shapes the entire critical discourse on Beaumarchais. At the origins of figaromania, there is a transition from subversion to ‘institutionalisation’ at the end of the 19th century as the French Revolution came to an end, with the arrival of the Republicans. Therefore, this study proposes a historical context of the reception of Beaumarchais’ work, at the European level, that shows the convergence between the meaning of an oeuvre that belongs to the national cultural heritage and the many different roles and appropriations that this oeuvre assumes
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Constant, Julie. ""Souviens-toi de ton futur ". Les artistes rescapés des camps nazis et la réception de leurs oeuvres de témoignage et de mémoire en France après 1945". Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30065.
Abstract (sommario):
La thèse propose d’éclairer les trajectoires et les œuvres d’artistes survivants des camps nazis, français ou installés en France après la guerre, leur tentative de transmettre l’expérience de la déportation et du génocide ou au contraire leur volonté de fuir ces thématiques, les langages plastiques et l’iconographie empruntés, les déclencheurs mémoriels et les éventuelles mutations des choix de chacun pour témoigner, représenter, remémorer durant cinquante ans. Quelques rares artistes ont eu l’opportunité de créer in situ : nous étudions également les motivations, les conditions de création et les spécificités de ces dessins des camps. Après 1945, entre mémoire, révolte et résilience, les artistes de ce corpus, déportés pour faits de résistance ou au titre des persécutions et de la mise en œuvre de la solution finale, ont dû mener une lutte intérieure contre les douloureuses réminiscences des camps et parfois un combat militant pour diffuser leur message face aux offensives antisémites et négationnistes. La complexité de la transfiguration en termes plastiques du traumatisme a suscité doutes et réflexions : transmettre sans trahir, témoigner sans renoncer à l’art. Les peintres, sculpteurs et graveurs de ce corpus n’ont en en effet jamais cessé de se définir prioritairement comme des artistes : l’essence et la portée universelle de la création, ainsi que les références tutélaires de l’histoire de l’art ont épaulé les artistes dans ce processus cathartique. Si les cadavres, corps anonymes et suppliciés, peuplent l’univers visuel de l’après-guerre, les artistes rescapés convoquent les disparus et réinsufflent chair et individualité aux êtres aimés, figurés souffrants, combattants ou tendres, mais dignes et debout. Notre objet d’étude se concentre également sur les modalités et les formes évolutives de la rencontre entre ces œuvres liées à la mémoire de la déportation et la France, de l’après-guerre aux commémorations du cinquantième anniversaire de la libération des camps : la diffusion auprès du public français à l’occasion d’expositions individuelles, collectives ou de salons ; la communication autour de ces problématiques dans les catalogues, les cartons d’expositions et les publications ; la réception des œuvres à travers la presse, les acquisitions publiques et les décorations honorifiques, ainsi que l’accueil spécifique des associations de déportés et de la communauté juive avec notamment la création du premier Musée d’art juif françaisThe thesis attempts to shed light on French artists and artists who lived in France after the war after surviving the Nazi camps, and the life they lead after the camps and their work. It also looks at their efforts to pass on their experience of the deportation and the genocide, or on the other hand their desire to flee the themes, esthetic language and the iconography used. The triggers to the memory and the eventual mutation of choices by each person to be witness, to represent, to recollect during fifty years will also be addressed. A few rare artists had the opportunity to create in situ: we will also study the motivation, the conditions of creation and the particularities of the drawings in the camps. After 1945, between memory, revolt and resilience, the artists of this group, deported for their activities in the resistance or due to persecution and the installation of the final solution, had to lead an interior struggle against the painful reminiscences of the camps and sometimes an activist’s fight to spread their message in opposition to anti-Semite attacks and Holocaust deniers. The complexity of the transfiguration in terms of visual representations of trauma brought up doubts and reflections: transmitting without betraying, witnessing without giving up art. The painters, sculptors and engravers of this group have never really stopped defining themselves mainly as artists: the essence and the universal scope of creation, as well as the custodians of art history having placed this cathartic process on the shoulders of the artists. If the corpses, the anonymous and tortured bodies, inhabit the visual universe after the war, the artists that escaped, summoned those that disappeared and gave flesh and individuality to loved ones, represented as suffering, fighting or tender, but dignified and standing. The study also concentrates on the terms and changing forms of the reception in France of the works linked to the memory of the deportation, post-war to the fiftieth anniversary of the liberation of the camps: the distribution to the French public via individual or group exhibitions and art fairs ; the promotion concerning these issues in the literature about the exhibitions and the artists ; the press reactions, the public acquisitions and the public decorations, including the specific reception by the associations of those deported and the Jewish community especially with the creation of the French Jewish art museum
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Allain, Bonilla Marie-Laure. "Visualiser la théorie : usages des théories postcoloniales dans les pratiques curatoriales de l’art contemporain depuis les années 1980". Thesis, Rennes 2, 2014. http://www.theses.fr/2014REN20028.
Abstract (sommario):
Cette thèse se veut une réflexion sur l’articulation entre les théories postcoloniales et les pratiques curatoriales de l’art contemporain ; elle cherche en effet à souligner les perméabilités et la relation dialogique qui se sont instaurées entre celles-Ci. Il ne s’agit pas d’expliquer les théories postcoloniales appliquées aux pratiques curatoriales et d’en donner une sorte de mode d’emploi, mais plutôt de les visualiser. Par visualiser nous n’entendons pas illustrer, ou fournir une translittération de la théorie, mais bien donner à voir les différents développements et incarnations de celle-Ci. Les contextes britannique et américain des années 1980 et du début des années 1990 font l’objet de la première partie de la thèse dans la mesure où tous deux sont à la fois les lieux d’émergence des théories postcoloniales et des sociétés clés de l’histoire coloniale. La deuxième partie s’attache à la seconde moitié des années 1990 et au début des années 2000, un moment où les théories postcoloniales deviennent des outils indissociables de l’analyse de la globalisation. Enfin, la troisième partie propose d’envisager un monde post-Occidental au XXIe siècle, post-Occidental dans le sens où l’éclatement de la notion de centre/périphérie nécessite des déplacements et des réajustements épistémologiques dont les expositions d’art contemporain sont d’actifs vecteurs, particulièrement celles cherchant à articuler un propos postcolonialThis thesis is a reflection on the relationship between postcolonial theory and curatorial practices in contemporary art, with an emphasis on the permeabilities and dialogic relationship that has developed between them. It does not seek to explain postcolonial theory as applied to curatorial practices or to provide a so-Called user manual, but rather to visualize them. By “visualize” we do not mean to illustrate or present a transliteration of the theory, butinstead to note various developments and embodiments thereof. The United Kingdom and America during the 1980s and early 1990s are the subject of the first part of the thesis to the extent that they are both places of emergence of postcolonial theory and also key societies in the context of colonial history. The second part focuses on the second half of the 1990s and early 2000s, a time when postcolonial theory as a tool become inseparable from the analysis of globalization. Finally, the third part proposes to consider a post-Western world in the 21stcentury, post-Western in the sense that the dissolution of the concept of center/periphery requires certain shifts and epistemological adjustments for which contemporary art exhibitions are active vectors, particularly those seeking to articulate a postcolonial discourse
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Nancey, Quentin de Gromard Marie-Gabrielle. "Un théâtre dionysiaque. Nietzsche dans le théâtre français du XXe siècle, d'Antonin Artaud à Jean Vauthier". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2015. http://www.theses.fr/2015USPCA195.
Abstract (sommario):
Un grand nombre de dramaturges français aussi différents qu’André Gide, Antonin Artaud,Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant et Jean Vauthier se sont emparés de la pensée de Nietzsche pour la représenter sur scène. Si des études ont été menées sur les liens entre la pensée de Nietzsche et les écrivains français, aucune n’a abordé de manière synthétique la présence de la pensée de Nietzsche dans le théâtre français du XXème siècle et notamment dans l’élaboration même du texte théâtral. Pourtant, cette pensée tragique qui part du Dionysos de La Naissance de la tragédie jusqu’à Ecce homo, ne cesse d’entretenir des liens consubstantiels avec le genre même du théâtre. La conception esthétique du dionysiaque présente des affinités avec l’art dramatique et semble prédisposée à se retrouver transposée et incarnée sur une scène de théâtre. La réflexion de Nietzsche sur la physiologie de l’art a pu entraîner un renouvellement de l’écriture des pratiques et écritures dramaturgiques traditionnelles au profit d’un théâtre vivant, incarné, usant de toutes les ressources dela scène. Paradoxalement, le théâtre métaphysique d’inspiration nietzschéenne va de pair avec une affirmation du corps et des passions. Á l’opposé d’un théâtre d’idées ou à thèse, certaines des oeuvres étudiées montrent que le théâtre métaphysique nietzschéen est avant tout un théâtre du corps, à la recherche d’une fusion entre l’art et la vie, le spectacle et le réel, au rebours de la conception mimétique aristotélicienneMany different french playwrights such as André Gide, Antonin Artaud, Albert Camus, Jean-Paul Sartre, Henry de Montherlant and Jean Vauthier took up Nietzsche's thoughts to impicture it onstage. If studies were made on the links between Nietzsche's thought process and french writer, noneadress the question of Nietzsche's thought in the XXth century french theatre synthetically. None theless, this tragic thought starting in «La Naissance de la tragedie» 's Dionysos and ending with «Eccehomo» keeps maintaining consubstantial links with the theatre genre. Dionisyan esthetical conceptionshows affinities with dramatic art and seems predisposed to be transposed and embodied on stage.Nietzsche's thought on art's physiology has caused a renewal of traditionnal writing for theatre for thebenefit of a living theatre, incarnated, using all the stage's ressources. Paradoxically, this nietzschean metaphysical theatre goes with assertion of body and passions. In contrast with « theatre of ideas »,some of the studied works show that Nietzsche's metaphysical theatre is above all an embodied theatre, seeking a fusion between art and life, show and reality, against Aristote’s Poetics
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Ouakaf, Karima. "L'art de conter, ou, L'art de la conversation dans Les mille et une nuits". Mémoire, 2011. http://www.archipel.uqam.ca/4321/1/M12223.pdf.
Abstract (sommario):
Les Mille et une nuits, contes arabes de sources orales et écrites et d'influences nombreuses, se figent par l'écriture, dans la traduction française classique d'Antoine Galland qui prend pour modèle la langue et le style de la conversation spirituelle de son époque. Méprisés et tenus autrefois à l'écart de la littérature arabe, l'érudit orientaliste, Antoine Galland, opère, grâce à son talent singulièrement inventif, un changement de statut de ces contes, qui accèdent alors au panthéon de la littérature. Préservant l'originalité du conte, Antoine Galland, traducteur, conteur et écrivain, invente ainsi un nouveau genre littéraire français : le conte oriental. Il s'agit donc de se demander d'abord, comment Galland est resté fidèle à la parole vivante du conte d'Orient dans l'œuvre écrite et traduite en français. Quelle a été sa stratégie narrative pour figurer la performance conteuse orientale? Comment parvient-il à préserver la dynamique orale des Mille et une nuits tout en respectant les caractéristiques propres du conte d'Orient dans une version obéissant à l'esthétique française et arabe? Et sur quoi précisément repose ce nouveau genre littéraire, le conte oriental, inventé par Galland? Ce mémoire, par des approches méthodologiques multiples se veut donc une réflexion sur l'art de conter et plus particulièrement sur la figuration de la performance conteuse orientale à l'écrit, dans la version traduite, exclusivement d'Antoine Galland. Nous situons d'abord, par une approche historique, le contexte de l'œuvre et de l'auteur afin de comprendre le cheminement d'Antoine Galland dans la récupération et la traduction des contes arabes. Celui-ci se caractérisant originellement par la performance orale, il nous faudra dès lors la définir à partir des analyses folkloristes qui en ont dégagé des observations et une terminologie pragmatiques. La traduction et la transcription de la performance conteuse des Nuits de Galland se situent dans un contexte historique français particulier, soumises aux règles de la bienséance, obéissant ainsi à l'esthétique classique qui régit l'ensemble des œuvres littéraires. Dans une première étude textuelle, nous relevons que les Nuits sont adaptées pour le public occidental sur l'horizon d'attente de la poétique classique, mais surtout en fonction de la propre vision littéraire et philosophique d'Antoine Galland. Nous montrons dans une seconde étude, à partir des approches narratologiques de la polyphonie et celles historico-rhétorique et linguistique de la conversation que Galland a figuré la performance conteuse orientale par une production polyphonique et une réception conversationnelle civile et lettrée, adaptée à la singularité des Nuits, respectant son procédé d'énonciation originelle. Ce chef-d’œuvre métissé occidento-oriental, qui accueille de nombreuses influences littéraires et philosophiques, influences qui marquent par-là même, son originalité et qui ont contribué grandement à son invention, rassemble aussi l'ensemble des savoirs de Galland. Cette œuvre de vulgarisation, dans le prolongement même des principes classiques du savoir et de l'esprit rhétorique de la conversation spirituelle, est avant tout l'héritage d'un patrimoine culturel d'un homme et d'une époque.
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BEREAU, Stéphanie. "Modalités de valorisation de l'art africain en occident dans la deuxième moitié du XXe siècle : étude critique des conditions historiques de réception et de valorisation del'art africain en occindent, dans les musées d'histoire naturelle". Doctoral thesis, 2006. http://hdl.handle.net/1814/6911.
Abstract (sommario):
Defence date: 27 November 2006Examining Board: Prof. Pascaline Winand, Institut Universitaire Européen, Florence (Superviseur) ; Prof. Bogumil Jewsiewicki, Université Laval, Québec (Co-directeur) ; Prof. Antonella Romano, Institut Universitaire Européen, Florence ; Prof. Laurick Zerbini, Université Lumière Lyon 2, Lyon
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En 1905, après une après-midi de peinture plutôt éprouvante sous la chaleur de la campagne parisienne, Maurice de Vlaminck s’arrête pour se rafraîchir dans un bistro d’Argenteuil. Sur le bar qui lui fait face, perdus entre les bouteilles d’alcool, trois objets africains attirent son attention : deux pièces Yoruba du Dahomey et une pièce de Côte-d’Ivoire. En échange d’une tournée générale, le propriétaire accepte de les lui céder. C’est en les montrant à un ami de son père venu visiter son atelier en mars 1906, qu’il obtiendra de ce dernier deux autres statues africaines, ainsi qu’un masque blanchâtre assez quelconque, qui pourtant fascina son alter ego fauviste, le peintre André Derain, dès qu’il le vit. Pressé par des soucis financiers, Vlaminck repoussera une première offre d’achat de son ami pour mieux accepter celle qu’il lui fit quelques jours plus tard. Début avril 1906, pour 50 francs, Derain était entré en possession de son célèbre masque Fang1 et l’accrochait aux murs de son atelier de la rue Tourlaque.