Letteratura scientifica selezionata sul tema "Réalisateurs de cinéma allemands – États-Unis – États"

Dans cette thèse de doctorat on étudie la carrière et les films «américains » de cinq cinéastes, d'origine germanique, qui ont immigré aux États-Unis et à Hollywood plus particulièrement pendant les années 20, et qui ont influencé significativement les formes cinématographiques américaines, en portant parallèlement un regard différent, parfois critique et même un-American, sur la société, sur les tabous et sur les codes moraux du pays d'accueil. L'émigration européenne vers les États-Unis est, historiquement, un fait constant. Depuis toujours l'Amérique et Hollywood, depuis sa naissance, ont exercé une grande fascination sur les Européens. Dans le cadre de son désir pour une forme (Kunstwollen), exprimé par une politique offensive de « recrutement » pendant les années 20-30, le cinéma américain a tenté d'attirer les meilleurs réalisateurs, scénaristes et techniciens du cinéma allemand, afin de s'imposer sur le marché européen et affaiblir les cinématographies antagonistes, mais aussi pour y introduire une qualité plus artistique. En examinant les raisons diverses de ce phénomène, ce permanent stream, comme les Américains eux-mêmes le caractérisent, on peut dire qu'il existe plusieurs cinémas de l'exil et de la migration; probablement un pour chaque cinéaste immigrant. Cependant, dans cette étude, on a décidé de limiter le champ d'étude aux œuvres hollywoodiennes de cinq cinéastes: celles d'Erich von Stroheim, d'Ernst Lubitsch, de Josef von Sternberg, de Michael Curtiz et de William Dieterle ; qui représentent cinq différents paradigmes des réalisateurs d'origine germanique, cinq différents cinémas de l'immigration. Autrement dit, on essaie d'examiner leurs visions d'Amérique, à travers l'étude de leurs films les plus personnels, leur imagerie et leurs systèmes de représentation, avant et après leur arrivée aux États-Unis. Il est donc utile d'adopter une perspective historique, sociologique et parallèlement esthétique, pour tenter d'approcher les formes et les thèmes de leurs œuvres.

Cette recherche se consacre à un corpus de films biographiques réalisés par le cinéaste émigré allemand William Dieterle à Hollywood, entre 1936 et 1942. Il s’agit d’interroger les relations qui se sont nouées, à cette occasion, entre le fonctionnement des studios où travaillait le réalisateur, un contexte historique particulier marqué par les années qui précèdent l’entrée en guerre des États-Unis et le genre cinématographique biographique qui évolue pendant cette période. Parce que cette série de films intervient dans un contexte d’exil et de crises politiques, l’étude donne à voir la place centrale qu’y occupe la migration, ses médiateurs et ses réseaux d’émigrés. Elle met en relief les transferts culturels qui participent à la création d’une histoire occidentale de part et d’autre de l’espace atlantique. L’analyse iconographique, formelle et discursive de ces films met en lumière des processus d’hybridations culturelles produisant le syncrétisme des référents européens et américains, par lesquels un Paul Ehrlich ou une Florence Nightingale renaissent en héros et héroïnes progressistes et défenseurs de l’Amérique. C’est dans un face à face formel —regard-caméra— avec les spectateurs des années 1930-1940 que ces reconstitutions du passé défendent l’universalité et l’intemporalité des combats dont ils se veulent porteurs ; que le registre biographique ainsi redéfini sert de stratégie pour contourner les injonctions éditées par la censure et pour conjurer, par le biais du divertissement, l’affaiblissement de l’expression politique. La question centrale de cette recherche revient à interroger les interactions entre le cinéma et cette société, à examiner les relations qui se nouent entre des univers sociaux et la fabrique de ces films, autant pour le regard qu’ils portent sur les mutations de la période, que pour les modes d’intervention qu’ils constituent
This dissertation focuses on a corpus of biographical films, directed by German-born filmmaker William Dieterle in Hollywood between 1936 and 1942. It examines the multifaceted relationships between the Studio System in which the director worked, the growing feeling of danger in the period that led up to the United States’ entry into the war, and the genre of biographical pictures that developed at the time. Because this film cycle was produced in a historical context marked by exile and deep political crises, its analysis brings out the central role played by migration —and the intermediaries and networks it entailed— in the transatlantic cultural transfers that contributed to the development of Western narratives shared by both sides of the Atlantic. The iconographic, formal, and discursive analysis of these films highlights the processes of cultural hybridization that contributed to the syncretism of European and American referents, and through which Paul Ehrlich and Florence Nightingale are reborn as progressive heroes and defenders of America. It is through a formal face-to-face encounter with audiences of the 1930s and 1940s —by means of direct address to the camera— that these reenactments of the past plea for the universality and timelessness of the struggles they seek to convey ; the biographical mode is used in this encounter as a strategy to circumvent censorship and to ward off, via entertainment, the collapse of political expression. The primary goal of this dissertation is to question the interactions between cinema and society and to examine the relationships between social spheres and the making of these films, both for the films’ portrayals of societal transformations of the era and for the types of social and political intervention that they created

A travers les films réalisés 0utre-Atlantique par des cinéastes européens au cours des années 1960 et 1970, ce travail vise à questionner les processus de l'appropriation spatiale dans un contexte étranger. Durant ces deux décennies, la culture visuelle telle qu'elle s'exprime dans la représentation spatiale a très finement pris en charge quelques-uns des bouleversements sociaux et culturels majeurs de cette époque. A partir de l'exploration de la construction européenne de l'environnement urbain américain, il s’agit d'interroger la relation de l'Europe à la culture matérielle et visuelle de l'Amérique, d'explorer comment diverses traditions cinématographiques européennes se sont affiliées aux imaginaires locaux et nationaux de la ville américaine, et d'interroger quelles influences et agendas transatlantiques ont structuré la perception européenne de l'espace américain jusqu'à faire des usages des panoramas des États-Unis d'exceptionnels marqueurs politiques et culturels.

L'œuvre de Fritz Lang est généralement abordée selon cette dichotomie : période allemande/période américaine. Cette approche est-elle pertinente ? Pour y répondre, nous étudions son parcours dans la sphère publique. Il s'agit de voir comment l'image médiatique de Lang s'est constituée et comment il a participé à cette construction. Puis, nous considérons la trajectoire de Fritz Lang dans la sphère privée en tant qu'acteur sociologique : ses origines, sa formation et le schéma actantiel de son parcours migratoire. Enfin, nous observons la trajectoire professionnelle de Lang en comparant les conditions de travail du réalisateur en Allemagne et à Hollywood. Nous proposons une nouvelle segmentation de l'œuvre du cinéaste en démontrant la constance de deux thèmes majeurs : le mythe et le crime. En comparant M et Fury, nous concluons qu'en passant de la figure du super-criminel au criminel ordinaire, M contient la programmatique de l'œuvre américaine du cinéaste
The work of Fritz Lang is mostly considered as a two period work : German period/American period. Is this dichotomy relevant ? To answer it, first, we study how the film maker proceeded and his career in the public sphere ; by understanding how the media image was built and how Lang was involved and took part in this construction. Then, we consider how Fritz Lang proceeded in the private sphere as a sociological actor : his origins, how he was formed and the actantiel diagram of his migratory course. Lastly, we observe the professional trajectory of the director himself. We compare the working conditions of the film maker in Germany and in Hollywood. We propose a new segmentation of the work of director by showing the constancy of two major topics : the myth and the crime. By a compared analysis of M and Fury, we conclude that while passing from the figure of the super-criminal to the ordinary criminal, M contains the programming science of the American work of the director

L’œuvre cinématographique et télévisuelle de David Lynch est une incarnation de l’Amérique qui s’inscrit dans la quête des formes artistiques les plus à même de représenter la spécificité du territoire américain. En tant que projection nationale des États-Unis, l’Amérique est le cadre privilégié des fictions du cinéaste. L’américanité de son œuvre s’enracine dans l’espace américain, celui des lieux communs ou spécifiques ainsi que celui de la culture populaire et de l’idéologie. Elle se définit ensuite par une esthétique de la violence fondée à la fois sur une représentation de la dimension charnelle du corps et sur une mise à mal de l’écriture filmique elle-même. Elle se base enfin sur une révélation de son statut de pure construction fantasmatique. Les films de Lynch donnent à voir l’Amérique comme une forme de coexistence entre la banalité du quotidien et la perversion nocturne, sans que l’un ou l’autre de ces mondes parallèles puisse prétendre incarner la vérité de l’Amérique
In the ongoing American search for the artistic forms that would best represent its territory, David Lynch’s œuvre is an incarnation of America. As a national representation of the United-States, America has been the main location of Lynchian fictions since Blue Velvet in 1986. The “americanness” of his works is first defined by a settling of his fictions in the American space, in the geographical sense of the term, that of common and specific places, as well as that of popular culture and ideology. It is then based on an aesthetics of violence, which reveals the carnal dimension of bodies while it undermines the codes of conventional cinematography. Finally, it is grounded in the revelation of its own status as a truly fantasmatic construction. Whether it is for Cinema or for Television, the works of David Lynch represent America as the coexistence of mundane day life with nocturnal perversion. However, none of these parallel worlds embodies the ultimate truth about America

Cette thèse consiste en une sociologie des films américains des réalisateurs de cinéma d’origine européenne expatriés aux États-Unis entre 1900 et 1945. Le corpus, exhaustif, a été établi à partir d’une population d’étude circonscrite à 77 réalisateurs, et comprend 2657 films. Ce travail renseigne un aspect particulier du transfert culturel transatlantique : la socialisation professionnelle à Hollywood par le biais du système de catégorisation de la production cinématographique en « genres ». Le genre est envisagé comme produit d’une construction sociale, dans une perspective pragmatique. C’est donc en sociologie des arts que nous inscrivons nos travaux et à l’histoire du cinéma et que nous empruntons ses objets d’étude. Deux approches sont combinées. La première est microsociologique, en cela que les films du corpus donnent lieu à une analyse qualitative, cherchant à les inscrire dans un contexte de! production et à retracer leur processus interprétatif. La seconde est macrosociologique, car les films sont ensuite analysés de façon quantitative, notamment au moyen d’outils statistiques. L’ambition n’est pas d’offrir une comparaison de la socialisation par le genre entre les réalisateurs d’origine européenne et « les autres », mais bien d’opérer une comparaison interne, soit de mesurer les similitudes et divergences entre les nombreux réalisateurs de la population d’étude, aux parcours et carrières variées. Cette thèse fait ainsi apparaître le caractère déterminant de certains éléments dans la dynamique de socialisation à Hollywood. Il en est ainsi du statut professionnel lors de l’expatriation américaine, que nous démontrons être un facteur prévalent
This thesis consists of a sociology of American films by European émigré directors expatriated to the United States between 1900 and 1945. The corpus, exhaustive, has been elaborated from a group delimited to 77 directors, and includes 2657 films. This work informs a particular aspect of the transatlantic cultural transfer : professional socialization in Hollywood through the categorization system of movie industry into « genres ». Genre is viewed as a product of social construction, in a pragmatic way. Thus, our research falls within sociology of arts and borrows its subject from the film history. Two approaches are mixed. The first is microsociological, meaning films of the corpus are analyzed using a qualitative method, seeking to investigate their production context and reception process. The second is macrosociological, for films are next analyzed using a quantitative method, particularly by having recourse to statistic tools. Our a! mbition is not to offer a comparison of socialization through genre between the European émigré and « the others », but definitely to conduct an inner one, by measuring similarities and differences between the group’s numerous directors, these having varied careers and trajectories. This thesis brings into light the effective impact of a certain number of things on socialization dynamic in Hollywood. We demonstrate therefore that professional status at the time of American expatriation is a prevalent factor

Stuart Heisler est un réalisateur américain travaillant dans le contexte des grands studios reposant sur une division en genres et sur des acteurs constituant des modèles pour les spectateurs et servant à attirer les foules dans la période allant des années 1930 aux années 1960. L’esthétique propre des films de Stuart Heisler sera étudiée dans ses détails à travers l’analyse filmique, dans une approche stylistique de la carrière du cinéaste, mais aussi en rapport avec la signification globale des films en rapport avec leur narration, le jeu de leurs acteurs et leur utilisation des décors. Les rapports entre cette esthétique et le mode de production des films peuvent être considérés comme la conséquence directe des modes de fabrication de la production hollywoodienne. Alors, comment caractériser ces évolutions conjointes ? Elles concernent à la fois le cinéaste et son contexte de production à travers le temps dans une perspective historiographique. L’étude combinera ainsi une approche stylistique et une approche historiographique de la carrière de Stuart Heisler. Caractériser ces évolutions permettra de comprendre les différentes facettes de la pratique du réalisateur, sa manière de création cinématographique pour chaque film, et enfin de faire le portrait artistique du réalisateur à travers sa pratique à l’intérieur du système de production dans lequel il s’inscrit. L’étude permettra de brosser le portrait artistique de Stuart Heisler à partir de son insertion dans plusieurs contextes de production correspondant à l’évolution conjointe de la carrière du cinéaste et des structures de production. Il s’agira de définir les formes et les modalités de la coalescence esthétique particulière du style du réalisateur, partant de sa situation de monteur durant les années 1920 et 1930 lors de ses débuts de carrière avant la réalisation à proprement dit. L’influence de ses collaborateurs sur Stuart Heisler sera étudiée avant le passage du réalisateur à la réalisation en 1936. Ce dernier va vers plus d’indépendance en 1944 et 1945 alors que sa volonté personnelle reste encadrée par la production. Stuart Heisler va vers la situation d’un réalisateur développant un style particulier durant les années 1940 et 1950 autour de la figure filmique. La figure centrale de l’incendie repose sur le pro-filmique détruit. La figure de l’incendie est également en rapport avec l’éclatement, puis se retrouve lors la réalisation de télévision durant les années 1950 et 1960. Le réalisateur se tourne vers la réalisation de télévision dans les années 1950-1960. La familiarité du cinéaste avec son travail se retrouve dans la série télévisée. Le travail étudiera finalement les influences suscitées par le style de Stuart Heisler
Stuart Heisler is an American director working in the context of major studios based on a division into genres and on actors constituting models for spectators and used to attract crowds in the period from the 1930s to the 1960s. Films by Stuart Heisler will be studied in detail through film analysis, in a stylistic approach of the filmmaker’s career, but also in relation to the global meaning of the films in relation to their narrative, the acting and their use of sets. The relationship between this aesthetic and the films’ modes of production of the can be considered as a direct consequence of Hollywood’s modes of production. So, how to characterize these joint evolutions? They concern both the filmmaker and his production context through time in a historiographical perspective. The study will combine a stylistic and a historiographic approach of Stuart Heisler’s career. Characterizing these evolutions will make it possible to understand the different facets of the director's practice, his manner of cinematographic creation for each film, and finally to make the artistic portrait of the director through his practice within the production system in which he is working. The study will paint the artistic portrait of Stuart Heisler through his insertion in several contexts of production corresponding to the joint evolution of the filmmaker’s career and his production structures. It will define the forms and the modalities of the particular aesthetic coalescence of the director's style, starting from his position as editor during the 1920’s and 1930’s during his career beginnings before the actual directing. The influence of the different collaborators have on Stuart Heisler will be studied before the passage from editing to directing in 1936. Heisler goes towards more independence in 1944 and 1945 whereas his personal will remains framed by the production. Stuart Heisler goes to the situation of a director developing a particular style during the 1940s and 1950s centered around the filmic figure. The central figure of the fire is founded on the destruction of the pro-filmic. The figure of the fire is also related to the figure of bursting and is visible for television production during the 1950s and 1960s. The director is turning towards television in the 1950’s and 1960’s. The filmmaker's familiarity with his work is reflected in the television series. The work will finally study the works inspired by Stuart Heisler's style

L’intertextualité filmique de l’oeuvre des frères Coen permet un recyclage des formules génériques et stylistiques qui font partie des traditions du cinéma. Les frères Coen empruntent des techniques et des thèmes tant au cinéma de l’époque des studios qu’à des écrivains du XXe siècle comme Raymond Chandler ou James Joyce. Une étude narratologique des procédes des frères Coen apportera une appréciation de leursinnovations dans la mise en scène. Leurs réécritures des schémas du passé donnent à ces films des ancrages dans la contemporanéité. Cette esthétique de réécriture sera analysée dans le contexte de l’histoire des idées et dans le contexte de la civilisation américaine contemporaine. Une mise en rapport avec des metteurs en scène de l’histoire du cinéma, comme Fritz Lang et Alfred Hitchcock, permettra d’évaluer les effets de leurs films sur le spectateur
Film intertextuality in the Coen brothers’ films allows generic formulas and styles to be reformulated, in a reworking of cinema traditions. The Coen brothers borrow techniques and themes from the era of the Hollywood studio system as well as those of writers of the twentieth century like Raymond Chandler or James Joyce. A study of thenarratology of the Coen brothers’ oeuvre allows readers to appreciate their innovations in film direction. Their rewriting of schemas of the past is analyzed in the context of the history of ideas and of contemporary American civilization. In comparing their work to that of other directors in the history of cinema, such as Fritz Lang and Alfred Hitchcock,the effects of intertextuality on the spectator will be evaluated