Letteratura scientifica selezionata sul tema "Performance/performativité"

Résumé: Cet article aborde la problématique actuelle de la notion de théâtralité, couvrant ses nombreuses définitions, critiques et approches sur la pratique théâtrale en Occident, d'après plusieurs théoriciens et artistes depuis le début du XXe siècle. Appuyé par une approche historique de la théâtralité, l'article revisite notamment ses rapports avec la performance et la performativité, donnant ainsi des fondements pour analyser l'émergence de la théâtralité dans la création de Macbeth (2014) au Théâtre du Soleil.

La poésie-performance peut s’envisager comme une sorte de suture sémiotique entre la poésie et l’art performance. Offrant un compte-rendu de la pratique du poète-performeur Sébastien Dulude, le livre Chambres (2013) soulève des questions sur le statut du livre et de la documentation de la performance. C’est principalement dans le sillage de Philip Auslander que s’inscrit cet article dans lequel interviennent les notions de performativité et celle de documentation. La question de l’ontologie de la performance chez Peggy Phelan, celle de l’archive chez Christophe Kihm et celle du régime ontologique chez Gérard Genette sont aussi convoquées dans cette réflexion. Les enjeux sémiotiques du document et de la documentation textuelle et photographique, de même que l’idée du livre comme performance sont ainsi abordés dans un souci de cerner un peu mieux le statut de ce « livre de poésie-performance ».

L’analyse s’intéresse aux textes d’Édouard Louis à travers le prisme de deux approches de « genre ». D’abord, on introduit le roman d’apprentissage, ou le Bildungsroman, qui raconte l’histoire d’un héros en quête de sa place dans le monde. Ensuite, la problématique du genre littéraire se joint à celle du genre dans le sens de gender. Partant de la théorie de la performativité de Judith Butler, nous envisageons le parcours d’un personnage de fiction comme une recherche de la performance de genre non-problématique. Édouard échappe à la masculinité ouvrière et bourgeoise, en passant par un stade d’homonormativité. Nous suggérons que la performance la plus efficace est celle qui va à l’encontre de la normativité hétérosexuelle, autrement dit, celle du « monstre ».

Pour Hirschman (1983, 1986, 1995), en cas d’insatisfaction, nous n’avons pas que la sortie (exit) ou la loyauté (loyalty) comme capacité d’action, nous pouvons aussi prendre la parole (voice). Mais qu’est-ce qui rend une prise de parole performative ? Nous proposons d’étudier la prise de parole non comme une argumentation ou un signe mais comme une performance (Schechner, 1995, 2002). Une étude exploratoire qualitative, où une prise de parole a consisté simultanément en une grève de la faim et en la dramatisation de cette protestation dans une pièce de théâtre, montre un ensemble de dynamiques performatives. Cinq enseignements quant à la performativité de la prise de parole sont proposés, concernant l’existence de porte(s) de sortie, la théâtralité et la performance, le parasitage de la parole, le rôle des différents contextes et l’ouverture à la conciliation.

Les pratiques reproductives des femmes hindoues vivant dans le nord-ouest de l’Inde et la préférence pour les garçons sont analysées avec le concept de performativité de genre développé par Judith Butler. Les femmes rencontrées pour cette étude ont soulevé l’idée que pour être une « femme complète », la naissance d’un fils est nécessaire et permet l’accomplissement de leur féminité et la performance de genre telle qu’elle est conçue dans leur contexte social. La construction identitaire de genre se met en place dès l’enfance par des gestes actés, ritualisés, répétés dans le temps. Ce processus engendre le désir d’une progéniture mâle comme une volonté personnelle s’inscrivant dans les négociations interactionnelles avec l’entourage familial.

La stigmatisation de la sexualité affecte les jeunes et les personnes âgées de manières diverses, mais toujours interconnectées. Dans cet article, Leah Tidey et Alexandra Haupt partent du principe que l’expression du genre et de l’âge fait l’objet d’une surveillance tout au long de notre vie, le corps jeune, cisgenre et hétérosexuel étant investi d’une plus grande valeur sociale que tous les autres. Or, le théâtre permet d’explorer dans un environnement relativement sûr les attentes associées à la sexualité, au genre et à l’âge. Tidey et Haupt s’appuient sur des théories en lien avec les scénarios sexuels et d’autres sur la performativité du genre et de l’âge pour s’intéresser aux expériences rattachées à la négociation de la sexualité, du genre et de l’âge vécues par des jeunes et des personnes plus âgées à travers la performance. S’inspirant de leur travail avec des personnes de ces groupes d’âge, elles observent comment ce savoir théorique se concrétise dans le cadre d’un projet de théâtre communautaire intergénérationnel.

Le conte populaire (ou conte de tradition orale) est un des premiers objets d’étude en ethnologie-folklore. Il appartient au domaine de l’oralité souvent désigné par l’expression « littérature orale » ou « orature ». Cet article présente dans un premier temps l’historiographie des études sur le conte en ethnologie en montrant comment le regard des chercheurs s’est déplacé du « texte » vers le « contexte », c’est-à-dire de l’objet vers son contexte d’énonciation et vers celui qui raconte. Afin d’exemplifier ce qui caractérise le conte oral et les conteurs d’autrefois, l’examen de la démarche de deux conteurs contemporains, Michel Faubert et Fred Pellerin, tous deux associés à la transmission patrimoniale du conte oral, permet dans un deuxième temps d’illustrer leur conception du conte, leurs influences et leur art de raconter tout en cherchant à savoir s’ils se rattachent à la tradition. Pour ces conteurs, l’art du conte consiste à « faire surgir des images » car c’est dans la performance de l’acte de conter que l’imaginaire se nourrit et c’est dans la relation avec l’auditoire que la forme orale du conte se maintient, que le conte prend vie. Les recherches ethnologiques sur le conte s’intéressent désormais à ses formes modernes, multiples et innovantes, issues d’un processus dynamique de communication et de transmission où la performativité du conteur est centrale. En somme, l’art du conte pour l’ethnologue est une tradition bien vivante qui ne se réduit pas à un folklore muséifié.

Abstract: When considering questions of sexual citizenship and independence in Jamaica, undoing the lethal histories of colonialism remains a Sisyphean project. Since Britain's terrifying reign, over-prescriptive laws govern "appropriate" colonial subjects. Jamaican queer bodies face difficulties in their aspirations to a queer politics devoid of persecution. Against discourses of sovereign power, biopolitics, performativity, state apparatuses, habitus, homonationalism, and sexual citizenship in Jamaica, I seek to delineate how the Buggery Act of 1533 gets embedded in the sexual mores of Jamaican normative practices. I discuss how the singularization of Jamaicanness forecloses other ways of being and knowing. Against the protracted notions of "fabricated homogeneity" (Walcott 99), I question who gets to partake in the "independence" project. I ask how we see (to borrow from Rinaldo Walcott) "the social classifications that allocate human worth according to differential racial markers and sexual practices" (Walcott 184) playing out in post-emancipation/independence in Jamaica. I answer these questions by offering a contemporary reading of David Myers, a deceased citizen of Britain in the 1800s, who was executed because he broke the country's code of conduct of "appropriate" sexuality. I use the account of Myers's violent punishment to trace erasure and the performativity of the law in determining who lives and who dies in the nineteenth-century and the contemporary performance of exclusion in the here and now of Jamaica's sexual politics. Resumen: Al considerar las cuestiones de la ciudadanía sexual y la independencia en Jamaica, deshacer las historias letales del colonialismo sigue siendo un proyecto de Sísifo. Desde el aterrador reinado de Gran Bretaña, las leyes excesivamente prescriptivas rigen a los súbditos coloniales "apropiados". Los cuerpos cuir jamaicanos se enfrentan a dificultades en sus aspiraciones a una política cuir libre de persecución. Contra los discursos del poder soberano, la biopolítica, la performatividad, los aparatos estatales, el habitus, el homonacionalismo y la ciudadanía sexual en Jamaica, intento delinear cómo el "Buggery Act" de 1533 se incrusta en las costumbres sexuales de la normativa jamaicana. Analizo cómo la singularización de la jamaicanidad excluye otras formas de ser y conocer. Contra las nociones prolongadas de "homogeneidad fabricada" (Walcott 99), cuestiono quién puede participar en el proyecto de "independencia". Me pregunto cómo vemos (según Rinaldo Walcott) "las clasificaciones sociales que asignan el valor humano de acuerdo con marcadores raciales y prácticas sexuales diferenciales" (Walcott 184) en la posemancipación/independencia de Jamaica. Respondo a estas preguntas ofreciendo una lectura contemporánea de David Myers, un ciudadano británico fallecido en el siglo XIX, que fue ejecutado por quebrantar el código de conducta del país sobre sexualidad "apropiada". Utilizo el relato del violento castigo de Myers para rastrear la supresión y la performatividad de la ley a la hora de determinar quién vive y quién muere en el siglo XIX y la exclusión en el aquí y ahora de la política sexual de Jamaica. Résumé: En examinant les questions de citoyenneté sexuelle et d'indépendance en Jamaïque, défaire les histoires mortelles du colonialisme reste un projet sisyphéen. Depuis le règne terrifiant de la Grande-Bretagne, des lois excessivement normatives régissent les sujets coloniaux "appropriés". Les corps queer jamaïcains rencontrent des difficultés dans leurs aspirations à une politique queer dépourvue de persécution. Dans le cadre des discours sur le pouvoir souverain, la biopolitique, la performativité, les appareils d'État, l'habitus, l'homonationalisme et la citoyenneté sexuelle en Jamaïque, je tente d'expliquer comment la loi sur la sodomie de 1533 est ancrée dans les moeurs sexuelles de la normativité jamaïcaine. J'analyse comment la singularisation de la jamaïcité exclut d'autres façons d'être et de savoir. Contre les notions persistantes d'un "homogénéité fabriquée" (Walcott 99), je me demande qui peut participer au projet de l'indépendance. Je demande comment nous voyons (pour reprendre les termes de Rinaldo Walcott) "les classifications sociales qui attribuent une valeur humaine en fonction de marqueurs raciaux et de pratiques sexuelles différentielles" (Walcott 184) dans la Jamaïque de l'après-émancipation/indépendance. Je réponds à ces questions en proposant une lecture contemporaine de David Myers, un citoyen britannique décédé au XIXe siècle qui a été exécuté pour avoir enfreint le code de conduite du pays en matière de sexualité "correcte". J'utilise le récit de la punition violente de Myers pour retracer la suppression et la performativité de la loi dans la détermination de qui vit et qui meurt au dix-neuvième siècle et l'exclusion dans l'ici et le maintenant de la politique sexuelle jamaïcaine.

Cette thèse a comme but central l´analyse des pratiques de transgression et les performances des jeunes les dimanches dans l´un des parcs les plus fréquentés de Porto Alegre- RS – Brésil, en les tenant en tant que possibilités de compréhension de ce que c´est être jeune à l´heure actuelle. On a voulu regarder ces pratiques en tenant compte que les discours sur le jeune sont pris comme des prescriptions sociales qui circulent dans des divers espaces et, en même temps, dans des conditions culturelles qui affaiblissent les institutions et qui mettent en valeur l´hyperconsommation qui incite et convoque les sujets à oser, innover, être différents afin de chercher la création d´une image spectaculaire de soi-même. En tant que partie de la métropole, le Parc et tout ce qui se passe dedans se configure dans un espacetemps qui se diffère d´autres espacestemps de leur vie et qui sont propices à des pratiques diverses, par le biais desquels les jeunes apprennent des manières de vivre leur jeunesse. La recherche est ancrée dans l´interlocution entre les théories sur les Études Culturelles, des études sur Foucault et celles sur la jeunesse. Elle trouve dans l´ethnographie le support pour les incursions dans le terrain et pour la construction des matériaux analysés. Les discussions ci-présentes sont fondamentales chez des auteurs comme Zygmunt Bauman, Michel Foucault, Gilles Lipovetsky, Carles Feixa, José Machado Pais et Massimo Canevacci. Les analyses ont comme axe centrale la spectacularisation de pratiques et d´esthétiques corporelles qui confèrent un caractère ambivalent aux pratiques de transgression: Elles choquent, gênent et créent des ruptures, cependant elles sont célébrées et , très souvent, elle semblent ne plus être excessives, en produisant une expérience d´être jeune fortement ancrée dans les pratiques de consommation qui mettent en valeur le désir incessant d´être différent, sans limite.
Esta tese tem como interesse central analisar as práticas de transgressão e as performances dos jovens aos domingos num dos mais frequentados parques de Porto Alegre- RS - Brasil, tomando-as como pistas para compreender a experiência de ser jovem na contemporaneidade. Procurou-se olhar para estas práticas considerando-se que os discursos sobre ser jovem são pautados em prescrições sociais que circulam em diversos espaços e, ao mesmo tempo, numa condição cultural de enfraquecimentos institucionais e de fortalecimento do hiperconsumo que incita e convoca os sujeitos a ousar, inovar, ser diferentes, buscando criar uma imagem espetacular de si. Enquanto parte da metrópole, o Parque e as coisas que nele acontecem configuram-se num espaçotempo propício para práticas diversas, através das quais os jovens aprendem modos de viver suas juventudes. A pesquisa está ancorada na interlocução entre as teorizações dos Estudos Culturais, dos estudos foucaultianos e dos estudos sobre juventudes. Ela tem na etnografia o suporte para as incursões no campo e para a construção dos materiais analisados. As discussões aqui apresentadas estão fundamentadas em autores como Zygmunt Bauman, Michel Foucault, Gilles Lipovetsky, Carles Feixa, José Machado Pais e Massimo Canevacci. As análises têm como eixo central a espetacularização de práticas e de estéticas corporais que conferem um caráter ambivalente às práticas de transgressão: ao mesmo tempo que elas chocam, incomodam e criam rupturas, são celebradas e muitas vezes, já não parecem excessivas, produzindo uma experiência de ser jovem fortemente ancorada nas práticas de consumo que enaltecem o incessante desejo de ser diferente, ilimitadamente.
Esta tesis tiene como interés central analizar las prácticas de transgresión y las performances de los jóvenes los domingos en uno de los más frecuentados parques de Porto Alegre - RS - Brasil, tomándolas como pistas para comprender la experiencia de ser joven en la contemporaneidad. Se intentó mirar para estas prácticas considerándose que los discursos sobre ser joven son pautados en prescripciones sociales que circulan en diversos espacios y, al mismo tiempo, en una condición cultural de debilitamientos institucionales y de fortificación del hiper consumo que incita y convoca los sujetos a osar, innovar, ser diferentes, buscando crear una imagen espectacular de sí. Mientras parte de la metrópolis, el Parque y las cosas que en él suceden se configuran en un espaciotiempo que difiere de los demás de sus vidas y que son propicios para prácticas diversas, a través de las cuales los jóvenes aprenden modos de vivir sus juventudes. La investigación está ancorada en la interlocución entre las teorizaciones de los Estudios Culturales, de los estudios foucaultianos y de los estudios sobre juventudes y tiene en la etnografía el soporte para las incursiones en el campo y para la construcción de los materiales analizados. Las discusiones aquí presentadas están fundamentadas en autores como Zygmunt Bauman, Michel Foucault, Gilles Lipovetsky, Carles Feixa, José Machado Pais e Massimo Canevacci. Los análisis tienen como eje central la espectacularidad de prácticas y de estéticas corporales que confieren un carácter ambivalente a las prácticas de transgresión: al mismo tiempo que ellas chocan, incomodan y crean rupturas, son celebradas y muchas veces, ya no parecen excesivas, produciendo una experiencia de ser joven fuertemente ancorada en las prácticas de consumo que enaltecen el incesante deseo de ser diferente, ilimitadamente.

Ce texte s’intéresse aux déclarations politiques médiatiques et plus précisément à la performativité des langages à partir des questionnements suivants : peut-on faire avec des mots ? Peut-on, comme l’entend le philosophe John Austin, réellement faire un acte grâce au langage ? En abordant différentes situations de déclarations politiques, la thèse interroge, sous l’angle de la pragmatique (des langages) et de la sémiologie, des discours politiques et médiatiques ainsi que les images qui les accompagnent. L’analyse porte tout d’abord sur des déclarations issues de notre quotidien (déclaration de pauvreté dans le métro, proposition artistique, etc.) puis s’attache plus particulièrement aux déclarations politiques sous la Vème République en France. On constate qu’une déclaration politique, afin de faire, ne peut être isolée mais doit s’entendre selon le contexte qui l’entoure. Elle dépend de langages, de rituels, de références culturelles et des médias. Ces derniers sont ceux qui l’hébergent et qui lui permettent une visibilité importante. Seule, une déclaration politique est vide et son langage ne peut agir. Elle est donc un objet qui existe par ramifications
This text considers media-covered political declarations in the light of speech act theory and performativity by using the following questions as a starting point: Is it possible to do things with words? Can we, in the sense of John Austin, perform an action thanks to language? The thesis addresses different situations of political declarations in order to inquire into political statements, as well as the images the media associate to them, from the perspective of the pragmatics of languages and semiology. The work first focuses on declarations from everyday life (declaration of poverty, artistic endeavours) before moving on to a thorough analysis of political declarations during the French Fifth Republic. It is thus revealed that, in order to do, a political declaration cannot be considered as isolated but should be heard and understood in accordance with the context that surrounds its utterance. It depends on languages, rituals, cultural references and on the media. Indeed, the latter both host and allow the declaration broad reception by the public. By itself, a political declaration is empty and its language cannot perform. It is therefore an object which exists as part of a web of connections

A travers une étude de cas élargie, la valeur de l'eau est étudiée sous l'angle de l'évaluation de la gestion de l’eau dans la longue durée (1853-2017). Point de départ : en 2006, le Syndicat des Eau D’Ile de France (SEDIF) remet en cause la continuité contractuelle depuis 1923 avec Veolia (ex-Compagnie Générale des Eaux). Veolia remporte l’appel d’offre en 2010. Une nouvelle entité est créée, Veolia Eau D’Ile de France (VEDIF), mais des interrogations demeurent.A travers une recherche-action, la construction intellectuelle d’une situation de gestion puis celle d’une situation de tension évaluative intègrent le questionnement de Veolia avec celui d’acteurs externes : comment faire des bénéfices et faire bénéficier l’usager ? A quoi sert Veolia ? Quelle est sa raison d’être ? Dans ce cadre, un objet de gestion apparaît structurant : un système de 168 indicateurs de performance (IP). La bonne atteinte des IP par VEDIF contribue à sa rémunération. Dans quelle mesure les IP permettent-ils de donner une valeur à l’eau et de la gérer ?La mise en œuvre des IP induit des effets inattendus qui, pour une partie des salariés génère une crise de sens. L’observation ethnographique et les entretiens amènent à constater que les salariés de l’entreprise méconnaissent ou ont oublié le contexte dans lequel ont émergé les IP, la manière avec laquelle ils ont évolué. Faire l’histoire de ce système d’indicateurs de performance devient alors une nécessité pour en comprendre le sens dans la longue durée (1853-2017).En mettant en place le système d’IP, les managers de VEDIF en attendent des résultats logiques et rationnels. Or, les IP génèrent des effets inattendus. Ils font émerger, ils performent de nouveaux acteurs à 3 niveaux d’analyse : intercommunal avec la création du Syndicat en 1923, de la firme avec la figure du client dans les années 1990 et, du service développement durable avec la découverte de bio-traceurs (papillon, chauve-souris) et l’apparition d’un écosystème d’acteurs autour de la biodiversité (consultants, auditeurs et experts).Un IP naît face à un problème qu’il s’agit de résoudre. Au fur et à mesure, les IP s’accumulent et, certains d’entre eux entrent en contradiction avec d’autres. Or, ils ne prennent sens qu’au sein d’un tout dont l’histoire reste à faire. Au-delà des chiffres, des comptes, pour en saisir le sens, il importe d’en conter l’histoire. En s’inspirant librement de Foucault, la généalogie des IP met en évidence trois régimes de la valeur de l’eau : hygiéniste et scientifique, technique et d’ingénierie, managérial et bureaucratique. Ces régimes ne sont pas exclusifs les uns des autres : le régime hygiéniste et scientifique a coexisté avec le régime technique et d’ingénierie au cours des années 1980-2000. Néanmoins, à chaque période un régime est dominant. Dans le cas de VEDIF, il fonde, renouvelle ou renforce l’idée pour les pouvoirs publics de faire appel aux acteurs privés pour gérer l’eau. Réaliser une généalogie des IP permet de saisir les processus de rationalisation dans lesquels s’inscrivent les catégories d’IP à chaque période. Au regard de la longue durée, les fonctions des IP apparaissent imbriquées dans des processus de rationalisation, d’objectivation de la valeur de l’eau qui les dépassent. Dans quelle mesure cette nouvelle perspective sur les IP permet-elle de reconsidérer leurs rôles ?Ainsi, les IP en tant qu’outil de gestion jouent une triple fonction : cognitive, médiatrice et organisatrice. Ils produisent des savoirs, des connaissances. Ils jouent les intermédiaires entre différents acteurs tout en médiatisant, en visibilisant un pan de l’activité du service de l’eau. Parce qu’ils sont constitutifs et constitués par des liens entre les différents acteurs de la gestion de l’eau, tout en intégrant de nouveaux savoirs, ils définissent et renouvellent en permanence ce qu’est la bonne gestion de l’eau, sa valeur, ses valeurs. Ils produisent l’organisation et, en sont simultanément le produit
Through an extended case study, the value of water is studied in terms of long-term water management assessment (1853-2017). Starting point: in 2006, the Syndicat des Eau d'Ile de France (SEDIF) called into question the contractual continuity since 1923 with Veolia (ex-Compagnie Générale des Eaux). Finally, Veolia wins the tender in 2010. A new entity is created, Veolia Eau D'Ile de France (VEDIF), but questions remain.Through an action-research, faced with the company's questioning about its economic impact, the intellectual construction of a management situation and then a situation of evaluative tension integrate Veolia's questioning with that of external actors : how to do it profits and make to the benefit of the user ? What is the use of Veolia and for who is it working ? What is its purpose? In this context, a management object seems to be crucial : a system of 168 performance indicators (PI). The good achievement of IP by VEDIF contributes directly to remuneration. To what extent does PI provide value for water and contribute to it management ?The implementation of IP within VEDIF induces unexpected effects which, for some of the employees, generates a crisis of meaning. Ethnographic observation and interviews lead to the finding that the employees of the company do not know or forget the context in which the IPs emerged, the way in which they evolved. Making history of this system of performance indicators then becomes a necessity to understand its meaning in the long run (1853-2017).By setting up the IP system, VEDIF managers await logical and rational results. Or, IPs generate unexpected effects. In particular, new actors are performed by IPs. They emerge at three levels of analysis: intercommunal with the creation of the Syndicate in 1923, the firm with the construction of the figure of the client in the 1990s and, the service of sustainable development with the discovery of bio-tracers (butterfly, bat) and the emergence of an ecosystem of actors around biodiversity (consultants, auditors and experts).An IP is created to cope with a problem that needs to be solved. As time goes on, IPs accumulate and some of them come into conflict with others. But they only make sense within a whole whose history remains to be told. Beyond figures and accounts, to grasp their meaning, it is important to tell the story. Inspired by Foucault, the genealogy of the IP reveals three regimes of the value of water: hygienist and scientific, technical and engineering, managerial and bureaucratic. These regimes are not mutually exclusive: the hygienist and scientific regime coexisted with the technical and engineering regime in the 1980’s-1990’s. Nevertheless, in each period a regime is dominant. In the case of VEDIF, it creates, renews or restrengthens the idea for public authorities to call on private operators to manage water. Realizing the genealogy of IP allows to understand the processes of rationalization under which each IP categories are in each period. In the long-term, the functions of the IPs appear to be embedded in processes of rationalization, of objectification of the value of the water that go beyond them. To what extent does this new perspective on IPs help to reconsider their roles?IPs as a management tool play a triple function: cognitive, mediator and organizer. They produce knowledge. They act as intermediaries between different actors and, in the meantime, mediatize by visibilizing a part of the activity of the water service. Because they constitute and are constituted by links between the different actors of water management, while integrating new knowledge, they define and constantly renew what is good water management, its value, its values. They produce organization and, at the same time, are produced by it

Dans sa conception de l’art total ainsi que dans la perception de la figure de l’artiste qu’il met en œuvre, Gao pratique plusieurs disciplines artistiques. Il est à la fois romancier, poète, dramaturge, essayiste, metteur en scène, peintre, cinéaste. Cette pluridisciplinarité constitue la marque prééminente de sa création. À l’époque où il vivait en Chine, sous le régime maoïste et qu’il subit la rééducation culturelle, toute pratique artistique lui fut interdite. En m’appuyant sur des études de la performance et de la performativité développées dans les «performances studies» de Richard Schechner, Victor Turner, Judith Butler, je tente de mettre en valeur la présence d’une dimension performative dans l’œuvre de Gao : performativité de la « vie ordinaire » autant qu’artistique, toutes deux étant profondément imbriquées. Cette performativité émerge tout d’abord comme une forme de résistance existentielle et politique face à l’interdit de pratiquer la création artistique à l’époque où il vivait en Chine sous le régime maoïste, et pendant la période de la rééducation culturelle. Elle se manifeste en tant que gestes d’écriture et de destruction clandestins et gestes ritualisés d’un artiste à la marge. Gao bâtit ainsi sa création artistique comme la conquête d’un espace essentiel de liberté en même temps qu’il façonne son identité individuelle d’homme et d’artiste. Au niveau de sa création, la solitude de cet état liminal qu’est la marge, engendre une esthétique de la multivocalité, de la démultiplication, du troisième œil et une expérimentation sans cesse renouvelée dans tous les domaines de sa pratique, littéraire, théâtrale, visuelle
In his conception of complete art as well as in the perception of his implementation of the artist, Gao practices numerous artistic disciplines. He is simultaneously novelist, poet, playwright, essayist, director, painter, filmmaker. His multidisciplinarity is the preeminent mark of his creation. He lived in China during Mao’s regime, underwent cultural reeducation and during this time all artistic practice was forbidden to him. Based on studies of performance and performability developed in the performance studies of Richard Schechner, Victor Turner and Judith Butler, I attempt to underscore the presence of a performative dimension in Gao’s work: theperformativity of ordinary as well as artistic life, both of which are deeply intertwined. This performativity emerges as existential and political resistance in the face of the prohibition to practice artistic creation during the time he lived in Maoist China and when he underwent cultural reeducation. It manifests itself as gestures of writing and of clandestine destruction, and the ritualized gestures of a marginalized artist. In this way, Gao builds his artistic creation as the conquest of an essential space of freedom at the same time shaping his individual identity as a man and as an artist. At the level of his creation, the solitude of the state of being on the threshold of marginality engenders a multivocal, demultiplying third eye aesthetic and a constantly renewed experimentation in all the fields of his practice, literary, theatrical, visual

L’objet principal de notre thèse est de démontrer que l’œuvre de Manuel Puig est queer avant la lettre. Notre lecture invite à entendre la littérature de M. Puig comme un acte politique qui vise à mettre en évidence la construction socio-culturelle de la subjectivité dans la société occidentale, patriarcale et androcentrique qui impose un paradigme unique basé sur la norme. L’œuvre de Puig opère en déconstruisant le patriarcat en tant qu’échafaudage transversal de divers systèmes (religieux, socio-politique, économique,etc.) qui préconfigure notre manière de penser, nos modèles et notre manière de comprendre le monde qui nous entoure. Notre démarche méthodologique s’appuie sur la coïncidence entre la focalisation queer et la technique de Puig pour créer de la fiction qui conçoivent le « être homme » et « être femme » comme une performance, créant ainsi de nouveaux discours, sous d’autres formes et à partir d’autres points de vue qui amènent l’auteur à intervenir sur les stéréotypes produits par le système pour révéler que les étiquettes humaines sont totalement artificielles. Les œuvres de Puig sont donc analysées en tant qu’artefacts culturels qui produisent et propagent des croyances en problématisant les valeurs de l’espace social. Dans la mesure où les subjectivités et les corps relégués à la condition d’objets viennent usurper le lieu de l’auctorialité (lieu de la production du capital symbolique) et produisent, à travers les personnages, des perceptions du monde alternatives où les possibilités érotiques sont explorées, analysées, réévaluées et redimensionnées, ces corps interfèrent de façon performative dans l’espace social. C’est ainsi que l’on peut dire que le discours littéraire contribue à produire de nouvelles possibilités et stratégies politiques pour mettre en évidence le corps, le genre et la sexualité
The main object of our thesis is to demonstrate that Manuel Puig’s work is queer before its time. In our interpretation we contend that M. Puig’s literature can be understood as a political act aiming to reveal the socio-cultural construct of subjectivity in Western, patriarchal and androcentric society that enforces a single normative paradigm. Puig’s work exposes and deconstructs patriarchy as the overarching matrix of various systems (religious, socio-political, economic, etc.) that predetermine our way of thinking, our models and how we understand the world around us. Our methodology is based on the concurrence between the queer lens and Puig’s literary technique since both regard “being a man” and “being a woman” as performative behaviours, thereby creating new discourses deriving from other forms and alternative perspectives that in turn bring the author to engage the stereotypes produced by the system thus revealing the complete artificiality of human labels.Puig’s works are therefore analysed as cultural artefacts that create and propagate beliefs by questioning the values of the social space. Insofar as subjectivities and bodies relegated to the status of objects invest authorial spaces (spaces where symbolic capital is produced) and produce, through the characters, alternative perceptions of the world in which erotic potentialities are explored, analysed, re-evaluated and reshaped, these bodies interfere in social spaces in a performative way. Hence we can say that literary discourse helps to create new possibilities and political strategies that bring body, gender and sexuality to the fore
La presente tesis tiene como objetivo principal demostrar que la obra de Manuel Puig es queer avant la lettre. Nuestra lectura propone entender la literatura de M. Puig como un acto político que pretende poner en evidencia la construcción socio-cultural de la subjetividad en la sociedad occidental, patriarcal y androcéntrica, que impone un paradigma único sustentado por la norma. La obra de Puig opera deconstruyendo el patriarcado en tanto que entramado transversal de sistemas (religiosos, sociopolíticos, económicos…) que preconfigura nuestra manera de pensar, modelos a seguir y manera de entender el mundo que nos rodea.Nuestra propuesta metodológica parte de la coincidencia que existe entre la focalización queer y la manera de producir ficción de Puig, que conciben el “ser hombre” o “ser mujer” como una performance. De ello se desprende que se puede crear discursos bajo otras formas y desde otros puntos de vista, que es lo que hace el autor al manipular los estereotipos producidos por el propio sistema, para poner al descubierto que las etiquetas humanas son artificiales. Las novelas de Manuel Puig se analizan entonces como artefactos culturales que producen y diseminan creencias y cuestionan valores del espacio social. En la medida en que subjetividades y cuerpos relegados a la condición de objetos usurpan el lugar de autoría (el lugar de la producción de capital simbólico) y producen, a través de los personajes, percepciones del mundo alternativas en las cuales las posibilidades eróticas son exploradas, analizadas, reevaluadas y redimensionadas, tales cuerpos interfieren performativamente en el espacio social. Por tanto, el discurso literario contribuye a producir nuevas posibilidades y estrategias políticas para evidenciar el cuerpo, el género o la sexualidad

Le présent travail, situé au croisement de la recherche en littérature et en arts contemporains, met au jour et questionne l’ensemble de la création de l’écrivaine et artiste contemporaine Chloé Delaume. Il envisage le recours à l’intermédialité en tant que mise en œuvre d’une forme de plasticité dans les écritures du Je afin d’en opérer la métamorphose. Pour ce faire, il étudie les autofictions élaborées par l’autrice, ainsi que ses romans, nouvelles, essais, pièces de théâtre, courts-métrages, performances et créations design, musicales et scénaristiques. S’appuyant sur un corpus diversifié, riche de plus d’une centaine d’œuvres réalisées depuis le début des années 2000, cette étude a pour fin d’analyser l’hypothèse selon laquelle le corps est à la fois vecteur de modification de la subjectivité de l’autrice et performeuse – et de son public – et média féministe visant à influencer les récits contemporains. L’approche en études de genre, qui oblige à interroger l’objet d’étude, sa méthodologie ainsi que son écriture, implique l’adoption d’une posture et d’un point de vue situés entre l’objectivité et la subjectivité induite par un travail inséparable de la dimension affective, dès lors qu’une proximité avec l’écrivaine s’établit. Dans le prolongement de cette réflexion qui interroge sa propre élaboration en termes de stylistique tout autant que de contenu, la recherche laisse place à une dimension méta-artistique. En effet, une enquête de terrain qui a pris la forme de résidences de recherche et d’écriture au domicile de l’autrice a permis d’envisager les conditions de possibilité de l’accès à l’univers d’une créatrice. L’écriture académique se mue alors en écriture littéraire. Cette première monographie portant sur l’œuvre delaumienne met en évidence la porosité existant entre la littérature contemporaine et l’art contemporain, et démontre le caractère performatif des dispositifs fictionnels
This research delves into the multifaceted creations of contemporary writer and artist Chloé Delaume, situated at the nexus of literature studies and contemporary arts. It aims to shed light on her oeuvre and analyze the role of intermediality as a vehicle for plasticity within the self-referential narratives. By examining Delaume's autofictions, novels, short stories, essays, plays, short films, performances, and various creative endeavors encompassing design, music, and screenwriting, this study seeks to elucidate the transformative potential inherent in her artistic expression. Drawing upon a diverse corpus comprising over a hundred works created since the early 2000s, this study aims to analyze the hypothesis that the body serves as both a catalyst for the alteration of the author's subjectivity and as a performer—along with its audience—and a feminist medium seeking to influence contemporary narratives. The gender studies approach, which necessitates questioning the object of study, its methodology, and its writing, implies the adoption of a position and perspective situated between objectivity and subjectivity induced by work inseparable from an affective dimension, especially when proximity with the writer is established. In the extension of this reflection, which questions its own elaboration in terms of stylistics as much as content, the research opens up to a meta-artistic dimension. Indeed, fieldwork in the form of research and writing residencies at the author's residence has allowed for the exploration of the conditions of possibility for accessing a creator's universe. Academic writing then transforms into literary writing. This first monograph on Delaume's work highlights the permeability between contemporary literature and contemporary art, demonstrating the performative nature of fictional devices

Depuis sa naissance au cœur des célébrations païennes ou religieuses du Moyen Âge anglais, le théâtre britannique a toujours entretenu des liens privilégiés avec la fête. Cette affinité élective entre le dramatique et le festif fait ici l’objet d’une réflexion esthétique reposant sur un corpus de pièces contemporaines où sont représentées toutes sortes de célébrations. En effet, qu’il s’agisse d’anniversaires, de Noëls, ou de retrouvailles entre amis, le topos festif perdure sur les scènes britanniques de la seconde moitié du XXe siècle (The Birthday Party fut joué à Londres en 1958) jusqu’au début du XXIe siècle, avec des pièces comme Jerusalem de Jez Butterworth (2009) ou In the Republic of Happiness de Martin Crimp (2012). Or, après l’expérience traumatique de la Seconde Guerre mondiale et les crises protéiformes qui ont affecté le monde au cours des dernières décennies, la rémanence de la fête sur scène a de quoi étonner. Il convient cependant d’observer que lorsque le phénomène festif se change en objet de représentation, il donne l’occasion aux dramaturges de déployer une poétique carnavalesque où l’excès cohabite avec le manque, la légèreté avec la gravité, pour finalement mettre le monde et les formes traditionnelles sens dessus dessous. Éminemment transgressive et volontiers caractérisée par la pénurie, le manque, voire la violence ou la mort, la fête paradoxale devient le lieu privilégié d’une exploration éthique et esthétique des limites du figurable. Elle offre dès lors un paradigme fécond pour rendre compte du renouvellement des formes dramatiques contemporaines
British theatre and festivities have always been closely linked. From the moment the first plays were performed during medieval festivals to present-day representations of parties in which people binge drink or use drugs, it might even be argued that the celebratory mood has never left the stage. This intimate connection between the dramatic and the festive is investigated here from an aesthetic point of view, through a corpus of contemporary plays representing celebrations. Be they birthdays, anniversaries, Christmases or reunions, the festive motif is a recurring one in the second half of the twentieth century, with plays like The Birthday Party (1958), and on into the twenty-first century, with Jez Butterworth’s Jerusalem (2009) or Martin Crimp’s In the Republic of Happiness (2012). Considering the traumatic experience of the Second World War or the protean crises that have subsequently affected the world, we might expect parties to disappear from the stage altogether; yet, this is not the case. In fact, we find that when the festive phenomenon is turned into an object of representation, it allows dramatists to put forward a poetics of excess characterised by exuberance and transgression. Not only does this carnivalesque energy turn the world upside down, it also subverts traditional dramatic forms. Oscillating between lack and excess or lightheartedness and gravity, sometimes verging on scarcity, violence or even death, the paradoxical party becomes the epitome of an aesthetic and ethical exploration of the limits of the representable. It thus offers a fruitful paradigm to account for the renewal of dramatic forms on the contemporary stage

Le financement basé sur la performance est une approche gestionnaire promue par la Banque Mondiale (BM) et United States Agency for International Development (USAID), qui connaît une rapide diffusion dans les programmes d’aide au développement. Dans un contexte où de nombreux travaux ont démontré la subjectivité du lien entre la lutte contre la pauvreté et les « bonnes politiques » recommandées par la BM dans le cadre de l’allocation basée sur la performance (ou sélectivité), il apparaît pertinent de s’interroger sur la performativité de ce nouvel instrument. En mobilisant conjointement la théorie de l’acteur-réseau et les théories néo-institutionnelles,cette thèse analyse, au niveau global puis dans un cadre national, le processus de conception, d’expérimentation, de diffusion et de mise en œuvre de l’instrument dans le domaine de la réforme des systèmes de santé. Au niveau global, nous étudions la conceptualisation de l’instrument, que nous replaçons dans une généalogie de la performation, par le réseau néolibéral, des politiques d’aide au développement et de santé globale. Nous analysons ensuite son expérimentation au Rwanda,dans le cadre d’un dispositif de régulation par le marché des systèmes de santé mis en œuvre à travers : (I) la mise en place d’une tarification à l’activité visant à transformer les structures de santé en acteurs économiques autonomes (volet offre), et (II) la création de mutuelles privées communautaires à même de développer des stratégies d’achats (volet demande). Nous étudions enfin sa diffusion institutionnelle sous l’effet (i) d’une valorisation de l’expérimentation rwandaise sans prise en compte de son contexte spécifique, et (II) d’un dispositif incitatif permettant l’enrôlement des responsables de la BM et des ministères bénéficiaires. Au niveau national, nous étudions la stratégie d’influence de la BM et de l’USAID en faveur de la diffusion de ces réformes au Sénégal. Nous présentons le processus d’adoption de ces réformes par le Ministère de la santé, la mise en échec d’un modèle de régulation concurrent en voie d’expérimentation par la coopération technique belge, puis les pressions exercées parla BM pour contraindre le gouvernement à internaliser le modèle promu. Nous mettons ensuite en perspective l’abandon du modèle de régulation par le marché qui était initialement affiché,au profit d’une nouvelle régulation transnationale, matérialisée par un contrat de financement basé sur l’activité directement contrôlé par la BM
Performance-based financing is a management approach promoted by the World Bank (WB) and the United States Agency for International Development (USAID) that is rapidly being mainstreamed in development assistance programs. In a context where many studies have demonstrated the subjectivity of the link between the fight against poverty and the "good policies" recommended by the WB in the context of performance-based allocation (or selectivity), it seems relevant to question the performativity of this new instrument. Drawing jointly on actor-network theory and neo-institutional theories, we analyze the process of designing, experimenting, disseminating and implementing the instrument in the field of health policy reforms at the global level and then at the national level.At the global level, we study the conceptualization of the instrument, which we place in agenealogy of the neoliberal network's performance of development aid and global healthcarepolicies. We then analyze its experimentation in Rwanda, as part of a market-based regulationfor healthcare systems implemented through: (I) the deployment of activity-based payments to transform healthcare structures into autonomous economic actors (on the supply side), and (II) the creation of private community-based insurance structures designed to develop purchasing strategies (on the demand side). Finally, we study the instrument’s institutional diffusion under the effects of (I) a promotion of the Rwandan experiment decontextualized from the country’sspecific political situation, and (II) an incentive mechanism allowing the enrolment of both WB’sofficials and the ministries that are benefitting from the WB’s aid. At the national level, we have studied the influence strategy of a coalition of actors composedof the WB and USAID to promote the dissemination of these reforms in Senegal. We present the process of adoption of the reforms by the Ministry of Health, the failure of a competing regulatory model that was being tested by Belgian technical cooperation, and then the pressure exerted by the WB to coerce the government into internalizing the promoted model.We then put into perspective the abandonment of the market-based regulatory model that was initially announced, in favor of a new transnational regulation, materialized by activity-basedfinancing contracts that are directly controlled by the WB

On ne naît pas un sujet autonome, on le devient. Et, selon Foucault, on le devient à partir de l'invention d'une « éthique du souci de soi » sur la base de laquelle le soi s'engage dans la résistance aux formes de l'assujettissement et dans la production de formes originales de relations de pouvoir. Mais qui, quand, comment et à quelles conditions devient un sujet autonome ? Mobiliser la « performance de genre » pour répondre à cette question signifie problématiser la conceptualisation binaire et «occidentale» du genre, ainsi que mettre en cause les usages de cette conceptualisation. Mais si, comme l'écrit Butler, « l'acte de discours » opposé à la norme de genre est un acte « individuel » et « localisé » , comment peut-on politiser la parodie subjective du genre de manière à produire une action collective, subversive et inédite?

Dans cette contribution, nous tenterons d'avancer la notion de performativité distribuée à partir d'une production artistique située à mi-chemin entre la performance, l'art interactif, le net art et le bio art, telle que l'installation "Sensible" du collectif Estudio Biopus (Buenos Aires). Cette approche vise à soulever, d'une part, les continuités historiques, sémantiques et conceptuelles qui peuvent être identifiées entre cette génération d'artistes-designers et l'héritage des happenings tels qu'ils se sont développés en Argentine. D'autre part, la notion de performativité distribuée nous permettra d'éclairer davantage la relation entre spectateur-acteur, technologie, interactivité, réalité augmentée, immersivité, caractérisant le panorama contemporain des arts performatifs.

Au XXIe siècle, l’aire culturelle anglophone nord-américaine pré et post COVID-19 se caractérise par une hyper-numérisation formelle qui vise à briser les frontières entre réel et virtuel à travers des expérimentations de plus en plus immersives (spectacles numériques synchrones et asynchrones, créations documentaires, verbatim, in-situ, “AR”, “VR” et “MR”). Plus précisément, depuis plus d’une décennie, la scène nord-américaine anglophone s’est emparée des technologies et procédés numériques émergeants, cherchant ainsi à créer des expériences immersives et sensorielles de plus en plus accrues. Aujourd’hui, les plus grandes institutions artistiques nord-américaines (Broadway, Mirvish, Boston Symphony Orchestra, Stratford Festival, MoMa, etc.) utilisent ces technologies et la crise actuelle de COVID-19 semble avoir accéléré encore cette tendance, en particulier dans le domaine foisonnant de la “réalité étendue” ou “XR”, et plus précisément au sein de la “RV” (réalité virtuelle) qui fera l’objet de cette étude par le biais d’un corpus récent de créations performatives issues du Canada et des États-Unis. En outre, ce dernier semble indiquer que la “RV” nécessiterait de ré-inventer les notions mêmes de “performance”, “performativité”, “présence”, “acteurs” et “spectateurs”, tout en proposant un renouvellement des formes performatives par le truchement de logiques d’écriture propres à ce médium. Il devient par conséquent nécessaire d’élaborer un cadre théorique pour son analyse, l’étude approfondie du corpus spectatoriel de ce projet ayant pour ambition d’en poser les premiers jalons. Cependant, malgré l’essor de ces expérimentations, force est de constater qu’elles ont été jusqu’à présent relativement ignorées par la critique. En effet, la réalité virtuelle dans le domaine artistique est pleine de promesses, mais se heurte encore à de nombreux défis (coût, poids des fichiers, manque de portabilité des dispositifs, amoindrissement perçu de l’aspect “vivant” de la performance, impossibilité de vivre une véritable expérience communale etc.). Au moment du bilan et des perspectives, dans un contexte mondial actuel marqué par le développement des applications de technologies de réalité étendue dans différents champs sociaux, les promesses de nouvelles expériences spectatorielles et performatives accompagnent l’émergence de projets de théâtre en RV et la scène nord-américaine anglophone, en tant que pionnière dans le domaine, constitue un point de référence pour les développements ultérieurs de la XR et du “métavers” sur la scène américaine hispanophone et en Europe. Les conclusions de cet article porteront ainsi sur les questions d’accessibilité et d’éthique de la RV pour le champ culturel post COVID-19.

Dans cet article, je réexamine l'esthétique et la poétique de Glauber Rocha, figure de proue du cinéma brésilien moderne, sous l'angle de la théâtralité de ses films du Cinema Novo, depuis Barravento en 1962 jusqu'à Antonio das Mortes en 1969. Rocha a été le fondateur et le cadre théorique du mouvement Cinema Novo avec son manifeste Esthétique de la faim en 1965, et c'est lui qui a envisagé un nouveau contexte postcolonial pour le cinéma brésilien dans les années 60. L'article donnera un aperçu de la manière dont Rocha a utilisé la théâtralité pour souligner le récit révolutionnaire et anticolonial présent dans ses films. Dans Barravento, nous assistons à une rare utilisation négative de la praxis performative traditionnelle et ethnographique de la région brésilienne de Bahia, avec une représentation théâtrale des rituels de capoeira et de candomblé. Dans son film phare, Black God White Devil, le réalisateur met en scène les processions "noires" du mouvement pseudo-religieux des beatos, tout en utilisant la performativité des duels poétiques connus sous le nom de desafios. Enfin, lors de la clôture du Cinema Novo et de la démocratie brésilienne, Rocha a présenté le film Antonio das Mortes, rempli de la théâtralité d'un public interne qui assiste aux duels, aux processions, aux acclamations et aux desafios. Toutes les stratégies employées par Rocha pour concevoir un pouvoir révolutionnaire et sanglant du mouvement Cinema Novo doivent beaucoup à la théâtralité et à la performativité imprimées au cœur de ces trois films.