Letteratura scientifica selezionata sul tema "Percussion et musique électronique"
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Articoli di riviste sul tema "Percussion et musique électronique"
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Leroux, Robert. "Chronique des disques québécois". Rubriques 3, n. 1 (4 febbraio 2010): 97–99. http://dx.doi.org/10.7202/902040ar.
Testo completoAbstract (sommario):
Dans cette nouvelle rubrique qui deviendra régulière, les parutions québécoises en musique contemporaine font l’objet d’évaluations critiques : œuvres pour percussion, musique à l’Université Laval de Québec, œuvres pour voix seule, musiques improvisées et électroacoustiques, les disques parus à l’occasion de l’anniversaire de Francis Dhomont et les deux premiers disques du NEM.
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Rieppi, Thomas. "iReal Pro. Un outil technologique utilisé à des fins didactiques pour soutenir les recommandations de la recherche scientifique dans l’enseignement instrumental". Revue musicale OICRM 4, n. 1 (26 giugno 2017): 150–58. http://dx.doi.org/10.7202/1040303ar.
Testo completoAbstract (sommario):
Cet article propose des façons concrètes d’intégrer à l’enseignement d’instruments de musique des recommandations issues de la recherche scientifique sur l’utilisation des technologies. En fait, il guide les praticiens sur l’utilisation du logiciel iReal Pro à l’aide d’exemples concrets modelés à partir de cours de percussions. Pour terminer, je reviens autour d’observations pédagogiques quant à l’intégration des technologies dans mes leçons de percussion et sur la manière dont leur utilisation a pu remédier, en partie, au décalage mis en avant dans la recherche scientifique.
Tesi sul tema "Percussion et musique électronique"
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Zhang, Boyu. "Mathematical rhythmic structure of Chinese percussion music : an analytical study of Shifan Luogu collections /". Turku : Turun Yliopisto, 1997. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb38877189v.
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Sauvanet, Pierre. "Le rythme et la raison : une approche philosophique des phénomènes rythmiques". Dijon, 1996. http://www.theses.fr/1996DIJOL018.
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Ce travail part des rapports possibles entre musique et philosophie sous l'angle d'écoute du rythme (Platon, Nietzsche, Bachelard. . . ) - et non seulement de la mélodie ou de l'harmonie comme au siècle des Lumières (la querelle Rousseau-Rameau). Qu'engage un tel déplacement : vers le corps, vers la différence, vers l'essence du temps? Le problème qui se pose alors n'est autre que le rapport du rythme à la raison : en quoi le rythme est-il entrainant? Comment interagissent ici le biologique et le culturel, le spatial et le temporel? Plus généralement, peut-on rendre raison d'un phénomène rythmique? Et si oui, comment? Par "phénomène rythmique", on ne peut donc plus seulement entendre un simple phénomène musical. Contrairement à la mélodie ou à l'harmonie, le rythme - ou du moins une certaine forme de celui-ci - se retrouve dans les diverses manifestations esthétiques, voire biologiques ou même cosmologiques. Entre la science et l'art, ce que nous cherchons toujours, c'est cette raison de nommer "rythme" autant de phénomènes aussi différents les uns des autres, en évitant à la fois le réductionnisme (la critique du rythme d'H. Meschonnic) et le panrythmisme. Dans les "rythmologiques" (tome 1), les trois premiers chapitres étymologie (rhuthmos), typologie, phénoménologie - pointent trois obstacles épistémologiques à une compréhension du rythme, avant de proposer une terminologieThis work originates from the possible connections between music and philosophy as far as rhythm is concerned (Plato, Nietzsche, Bachelard. . . ) - and not only melody or harmony, as in the age of enlightenment (the Rousseau-Rameau quarrel). What does such a move involve : towards the body, the difference, the essence of time? Then the problem of the connections between rhythm and reason rises : how is rhythm stirring? How do the biological and the cultural, the spatial and the temporal interact? Generally speaking, can a rhythmical phenomenon be accounted for? And how? Thus, much more than a mere musical phenomenon must be meant by the words "rhythmical phenomenon". Contrary to melody or harmony, rhythm or at least a certain form of rhythm - is present in aesthetic as well as biological and even cosmological fields. Between science and art, we are still looking for the reason why we call "rhythm" so many phenomena so different from one to another, avoiding both reductionnism (H. Meschonnic's critique du rythme) and panrhythmism. In "rhythmologics" (tome 1), the first three chapters - etymology (rhuthmos), typology, phenomenology - deal with three "epistemological obstacles" to a comprehension of rhythm, before proposing a terminology
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Jedrzejewski, Florent. "Le son dans le son : les percussions dans la musique spectrale". Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAC012/document.
Testo completoAbstract (sommario):
Bien que le courant musical « spectral » soit à la source de nombreuses recherches, il apparaît que les percussions y tiennent une place particulière qui n’a été que trop peu étudiée. L’évolution de disciplines comme l’organologie, l’anthropologie ou l’ethnomusicologie a contribué à l’inclusion dans le vocabulaire des compositeurs de nombreux nouveaux instruments à percussion. Si on remarque que les spectres fournis par les percussions servent bien souvent à composer le timbre, c’est l’intérêt pour la perception qui pousse les compositeurs à considérer la sonorité globale des pièces par phénomènes de mémoire ou de seuils. Ceci amène une nouvelle manière de forger des sons sur certaines caractéristiques inhabituellement mises en avant comme la densité, la plage fréquentielle, la rugosité, ou la granulation. Le langage des percussions apparait comme vecteur immédiat de l’expression des compositeurs et des interprètes, et le courant spectral semble bénéficier de cette exploration sonoreAlthough the musical style called « spectral » is the source of much research, it appears that the percussion family holds in it a special place that has been too little studied. Developments in disciplines such as organology, anthropology or ethnomusicology contributed to the inclusion of many new percussion instruments in the vocabulary of composers. If one notice that the spectra provided by the percussion often serve to dial tone, it is the interest towards perception that pushes composers to consider the overall sound of pieces through memory and threshold phenomena. This brings a new way to craft sounds from some unusually highlighted characteristics such as density, frequency range, roughness, or granulation. Percussion appear as immediate expression vectors to composers and performers, and the spectral movement seems to benefit from this exploration of sound, made possible by the diversity inherent to percussion alloys spectra
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Pindard, Marie-Françoise. "Les rythmes fondamentaux de la musique traditionnelle créole de Guyane : signes, symboles et representations d'un fait social total original". Thesis, Antilles, 2016. http://www.theses.fr/2016ANTI0109/document.
Testo completoAbstract (sommario):
La problématique principale de cette recherche concerne la musique traditionnelle des Créoles, en Guyane. Produit d’un contexte historique, sociologique et culturel inédit, elle sert en même temps de ciment de l’identité créole sur ce territoire. Ici, la culture des premiers habitants, les Amérindiens, mais aussi celle des colons français et des esclaves africains est à l’origine de la formation de la société créole, et avec elle, de la culture et des traditions sous-jacentes, dont les musiques traditionnelles et leurs six rythmes principaux : le grajé, le léròl, le grajévals, le béliya, le kanmougwé et le kasékò qui font l’objet de mon étude. Par ce truchement, les performances vocales à travers un répertoire de chants en langue créole et les performances instrumentales par l’accompagnement principalement de tambours, montrent la réalité de la nature des rythmes fondamentaux de la musique traditionnelle créole guyanaise comme un fait social original, du reste attesté par des écrits du Révérend Père Labat dès le XVIIIe siècle. Mes observations de ce fait social m’ont permis de mettre, entre autres en exergue le rôle de l’instrument soliste (le tanbou koupé), celui des accompagnateurs, avec le tanbou foulé, guide suprême des instruments accompagnateurs du système musical créole guyanais, et le tanbou plonbé, véritable marqueur métrique. L’apprentissage de tous ces instruments et les savoir-faire qui en découlent sont transmis à la fois par les Gangan (les Anciens), par les groupes traditionnels constitués en association et par le biais des écoles de musique. Malgré les apports musicaux européens, américains et antillais, la musique traditionnelle créole guyanaise garde son authenticité, que je traite dans cette thèse, authenticité qui se renouvelle en tant qu’élément identitaire, tout en servant de base aux nouvelles compositions, dont la contribution de la jeunesse est significative aujourd’huiThe main topic of this research is the traditional music of the Creoles, in French Guiana, a product of a unique historical, sociological and cultural context, cement of the creole identity. The cultures of the first inhabitants, the Amerindians, that of the French colonists and that of the African slaves are the cement of the creole society of French Guiana, and with it, of the underlying cultures and traditions, such as the traditional music and its six main rhythms: the grajé, the léròl, the grajévals, the béliya, the kanmougwé and the kasékò. The performances, either vocal, through a repertoire of songs in creole, or instrumental, accompanied mainly by drums, show the reality of this original and social fact, attested to by writings since the eighteenth century. The researcher shows the role of the soloist tanbou koupé, the tanbou foulé supreme guide accompanying instruments, and tanbou plonbé, the metronome drum, which is taught by the Gangan (the elderly), traditional groups and music schools. Despite the European, US and Caribbean musical contributions, the traditional Creole music of French Guiana keeps its authenticity, it is renewed thanks to a young population, and it is the basis for new musical compositions
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Thomas, Olivier. "Analyse et modélisation de vibrations non-linéaires de milieux minces élastiques - Application aux instruments de percussion". Phd thesis, Université Pierre et Marie Curie - Paris VI, 2001. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00005656.
Testo completoAbstract (sommario):
Les vibrations des instruments de percussion non-linéaires (famille regroupant les gongs et les cymbales) présentent des comportements complexes et des caractéristiques propres aux systèmes non-linéaires en conditions normales de jeu. On peut notamment citer le spectre continu et à large bande en vibrations de grande amplitude et la sensibilité aux conditions initiales. Le but de cette étude est de fournir un début de modélisation de ces structures, en vue de comprendre les mécanismes de génération du son et de contribuer à l'établissement d'un modèle pour la synthèse sonore. Dans une première partie sont présentés des résultats expérimentaux conduits sur un tam-tam chinois, lorsque celui-ci est excité à l'une de ses résonances par une force harmonique. Cela permet d'identifier des phénomènes non-linéaires simples, comme une dépendance en l'amplitude des vibrations de la fréquence des oscillations libres, des résonances hystérétiques associées à des phénomènes de saut entre différents régimes de vibration, et des échanges d'énergie entre modes propres résultant de combinaisons de résonances. Une deuxième partie est consacrée à la modélisation des instruments de percussion par des plaques circulaires élastiques à bord libre, en grand déplacement et rotations modérées. Le modèle non-linéaire de Von-Karman est utilisé et son domaine de validité est discuté. Les équations non-linéaires aux dérivées partielles sont ensuite projetées sur la base des modes propres. Le cas particulier où la vibration n'est gouvernée que par un mode est étudié en détail: un modèle analytique de comportement est établi et validé par une étude expérimentale. Lorsque le mode considéré est asymétrique, le couplage entre les deux modes propres dégénérés est prédit quantitativement de façon très précise, au moyen d'un recalage du modèle. Dans une troisième partie, on étudie des systèmes à un degré-de-liberté, composés de barres élastiques articulées. Une interprétation physique des non-linéarités géométriques est tout d'abord proposée. Ces modèles permettent ensuite d'expliquer les comportements unimodaux du tam-tam. L'influence de la géométrie de la structure (à travers sa courbure et son épaisseur) sur l'incurvation des courbes de résonance et la distortion harmonique des signaux de vibrations est clairement établie.
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Perron, Alain. "Duo concertant ; : Dorléac ; Relevés no. 7 ; Séquences voilées ; Double éclat : œuvres musicales". Master's thesis, Université Laval, 1992. http://hdl.handle.net/20.500.11794/28621.
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Cayer, Daniel. "Identification des facteurs qui influencent le développement de la lecture à vue aux claviers de percussion chez les élèves du secondaire, selon les auteurs qui ont abordé cette question dans la littérature récente". Thesis, Université Laval, 2008. http://www.theses.ulaval.ca/2008/25156/25156.pdf.
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Giguère, Patrick. "La gestion du timbre comme genèse à la création de trois oeuvres musicales originales". Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30136/30136.pdf.
Testo completoAbstract (sommario):
Mon mémoire de maîtrise porte sur la gestion du timbre comme genèse à la composition de trois œuvres originales : 1) Halocline – 11’45’’ – pour flûte, clarinette, percussions, violon, alto et violoncelle; 2) Le mot juste – 9’30’’ – pour orchestre symphonique; 3) Profondeurs de champ – 16’30’’ – pour orchestre de chambre. Après la présentation de mes préoccupations artistiques, des origines et objectifs de mon travail de création, j’expose l’ensemble de mes recherches préliminaires. Finalement, les œuvres sont sommairement analysées de manière à mettre en lumière des modes de gestion du timbre ayant menés à la composition des œuvres. Ceux-ci tirent leurs origines de réflexions sur des concepts génériques du timbre. 1) Halocline : combinaisons de timbres – l’orchestration traditionnelle; 2) Le mot juste : emprunt de la structure du syntagme « le mot juste » pour la gestion du timbre – la phonétique; 3) Profondeurs de champ : catégorisation de timbres – les techniques instrumentales avancées.
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Korth, Arnaud. "Les timbres percussifs comme source d'inspiration à la composition de trois oeuvres". Master's thesis, Université Laval, 2017. http://hdl.handle.net/20.500.11794/27570.
Testo completoAbstract (sommario):
Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical.This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.
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Tarazona, Francia Federico Octavio. "Le hatun charango et la culture andine dans trois de mes compositions récentes". Thesis, Université Laval, 2013. http://www.theses.ulaval.ca/2013/30115/30115.pdf.
Testo completoAbstract (sommario):
Le présent mémoire traite principalement de l'association du hatun charango – un instrument de ma création appartenant à la famille du charango andin – à des formations instrumentales occidentales (musique de chambre et d’orchestre). La conception de ces œuvres a engendré une réflexion sur l’importance, dans mon travail artistique, des relations entre la culture de tradition orale – ici, la culture andine – et la culture de tradition écrite – la culture occidentale en général –, et tout particulièrement dans le domaine musical. Ces enjeux sont ici abordés selon une réflexion personnelle liée à ma pratique artistique de création musicale. Ce mémoire est donc le reflet de certains aspects importants de mon travail de création pour les trois œuvres à l’étude. Ces œuvres sont : 1°) Yampayec pour hatun charango et quatuor à cordes 2°) Chavin pour flûte, clarinette, 2 percussionnistes, hatun charango, piano, violon et violoncelle 3°) Khipufonía pour hatun charango, quenacho et orchestre
Libri sul tema "Percussion et musique électronique"
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François, Jean Charles. Percussion et musique contemporaine. Paris: Klincksieck, 1991.
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2
Bouasse, H. Acoustique : cordes et membranes: Instruments de musique à cordes et à membranes. Paris: A. Blanchard, 1987.
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3
Education, Alberta Alberta. Guide d'enseignement: Musique instrumentale 10-20-30, instruments á vent et á percussion. Edmonton, Alta: Alberta Education, Language Services Branch, 1995.
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4
Schmid, Will. World music drumming: A cross-cultural curriculum. Milwaukee, WI: Hal Leonard, 1998.
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5
Carlos, Moreira Antonio. Ijexá: O encanto musical da afro diáspora. Rio de Janeiro, RJ: Mundo Contemporâneo, 2021.
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6
Delprato, Jean-Marc. De veloppez des applications originales pour iPhone et iPod Touch: Revendez vos cre ations sur iTunes App Store. Paris: Pearson Education, 2010.
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7
Lewis, Marshall Robert, a cura di. Eighteenth-century keyboard music. 2a ed. New York: Routledge, 2003.
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8
Schmid, Will. World Music Drumming: New Ensembles And Songs. Hal Leonard Corporation, 2004.
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9
The Modern Percussion Revolution Journeys Of The Progressive Artist. Routledge, 2014.
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10
Frank, Artt. Essentials for the Be Bop Drummer. Schaffner Press, 2005.
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McCutchan, Ann. "Michael Daugherty". In The Muse that Sings, 173–80. Oxford University PressNew York, NY, 1999. http://dx.doi.org/10.1093/oso/9780195127072.003.0018.
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Abstract Michael Daugherty finds much of his inspiration in American pop culture; one has only to glance at the titles in his catalogue to see the “connections. Metropolis Symphony (based on Superman) and Elvis Everywhere (for string quartet and tape) are prime examples, as is Daugherty’s opera Jackie 0, commissioned by the Houston Grand Opera and described at its1997 premiere as “a window on American celebrity culture of the 1960s, ‘70s, and ‘sos:’ Daugherty was born in Cedar Rapids, Iowa. As a boy he studied classical piano, played percussion in a drum and bugle corps, and formed a funk band with his four younger brothers. He attended North Texas State University and the Manhattan School of Music and spent a year in Paris studying at IRCAM (Institut de Recherche et de Coordination Acoustique/Musique, France’s institute for musical research). He also studied with jazz arranger and composer Gil Evans, with Gyorgy Ligeti, and with Earle Brown, Jacob Druckman, Bernard Rands, and Roger Reynolds at Yale, where he earned a doctorate.