Tesi: "Peinture de la Renaissance – Attribution"

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Flambard, Agnès. "Analyse critique des raisonnements d'attribution en histoire de l'art : le cas de Raphaël". Electronic Thesis or Diss., Sorbonne université, 2024. https://accesdistant.sorbonne-universite.fr/login?url=https://theses-intra.sorbonne-universite.fr/2024SORUS083.pdf.

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Abstract (sommario):

L'attribution en histoire de l'art répond à des critères divers, qui peuvent être étudiés en regard de l'histoire du marché de l'art mais aussi de l'histoire du goût. Raphaël, dont l'art a fait l'objet de très nombreuses attributions ou désattributions, est à cet égard un cas d'école. L'étude de six dessins et peintures correspondant aux trois périodes de la carrière de Raphaël a permis de dégager des caractéristiques relatives aux raisonnements d'attribution non seulement pour le peintre étudié mais aussi pour ce qui concerne la peinture moderne en général. Ces raisonnements obéissent à un discours bien rodé qui se met en place dans le courant du XIXe siècle sous la double influence des sciences de la nature et des modèles de la critique textuelle, philologique et historique. Cette dernière s'inscrit dans la tradition des mauristes et dans le cadre de l'institutionnalisation des savoirs qui s'opère tout particulièrement en Allemagne pour la nouvelle discipline que représente l'histoire de l'art. Très rapidement, il est possible d'observer une personnalisation de l'attribution, une œuvre de Raphaël ne pouvant être donnée au maître que par un « Raphaéliste ». L'étude des différents textes attributionnistes s'étalant sur près de deux siècles a permis de comprendre la problématique du goût et d'expliquer ainsi les changements d'attribution pour une même œuvre. Les débuts de l'histoire de l'art en Allemagne sont parallèles à l'émergence, sous l'influence des premiers romantiques allemands, d'un nouveau goût pour les primitifs qui va durablement influencer le regard des « Raphaélistes » qui chercheront à construire un corpus des premières œuvres et dévaloriseront celles de la période romaine dont le classicisme commence à être passé de mode. Ce changement de regard sur Raphaël s'opère d'abord dans le cadre d'un renouveau du catholicisme et se poursuivra à la fin du XIXe siècle avec le rejet de l'académisme, dont on juge le Raphaël romain responsable. Or, depuis une vingtaine d'années, la période romaine est revalorisée entrainant ainsi les réattributions des œuvres romaines au maître lui-même et permettant une étude nouvelle de la notion d'attribution
Attribution in art history meets various criteria, which can be studied with regard to the history of the art market but also the history of taste. Raphael, whose art has been the subject of numerous attributions or disattributions, is in this respect a textbook case. The study of six drawings and paintings corresponding to the three periods of Raphael's career made it possible to identify characteristics relating to attribution reasoning not only for the painter studied but also for modern painting in general. These reasonings obey a well-established discourse which was put in place during the 19th century under the double influence of the natural sciences and the models of textual, philological and historical criticism. The latter is part of the tradition of the Maurists and within the framework of the institutionalization of knowledge which is taking place particularly in Germany for the new discipline that represents the history of art. Very quickly it is possible to observe a personalization of the attribution, a work by Raphael being able to be given to the master only by a “Raphaelist”. The study of different attributionist texts spanning nearly two centuries has made it possible to understand the problem of taste and thus to explain the changes in attribution for the same work. The beginnings of the history of art in Germany are parallel to the emergence, under the influence of the first German romantics of a new taste for the Primitives which will lastingly influence the view of the "Raphaelists" who will seek to build a corpus of early works and will devalue those of the Roman period whose classicism is beginning to fall out of fashion. This change of view on Raphael first took place within the framework of a revival of Catholicism and would continue at the end of the 19th century with the rejection of academicism, for which Roman Raphael was judged responsible. However, over the past twenty years, the Roman period has been revalued, leading to the reattribution of Roman works to the master himself and allowing a new study of the notion of attribution

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Molinié, Anne-Sophie. "Corps ressuscitants et corps ressuscités : les images de la résurrection des corps en Italie centrale et septentrionale du milieu du XVe au début du XVIIe siècle /". Paris : H. Champion, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb410206251.

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Abstract (sommario):

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Histoire--Paris 1, 2003. Titre de soutenance : Les images de la résurrection des corps en Italie centrale, en Italie du Nord et dans l'arc alpin (1440-1610).
Bibliogr. p. 421-464. Index. ISSN exact : 1155-5475.

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Penusliski, Kiril. "Le patronage ragusien de la peinture italienne de la Renaissance". Paris, EPHE, 2013. http://www.theses.fr/2013EPHE4022.

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Abstract (sommario):

Le texte traite du mécénat ragusain de l’art italien de la Renaissance. Le premier chapitre présente les grandes lignes de la structure choisie et le format de cette thèse ainsi qu’une brève discussion sur les différents problèmes que j'ai rencontrés en effectuant des recherches sur le sujet choisi. Pour comprendre la nature des commandes artistiques du XVIe siècle à Raguse, il est nécessaire de poser un regard sur la situation politique et économique de Raguse, ainsi que sur les circonstances qui ont influencé le développement de la République. Le Chapitre 2, Histoire de la République de Raguse, décrit les différentes étapes de son développement. Le Chapitre 3, Art de la Renaissance à Dubrovnik, vise à présenter les oeuvres trouvées dans la ville au travers d’une enquête sur les documents d'archives. Le Chapitre 4, Peintures Italiennes en Dalmatie, souligne la présence de l'art italien sur le territoire de la Dalmatie, où il est abordé un certain nombre de détails techniques et la résistance des traditions artistiques du Quattrocento sur la rive orientale de l'Adriatique. L'examen des exemples individuels commence par les commandes passées par les diverses entités corporatives de Raguse. Le Chapitre 5, L'État de Raguse comme Mécène des Arts, est consacré au mécénat d’Etat. L'autre forme de mécénat, le parrainage des diverses confréries, est étudiée au chapitre 6 et le dernier chapitre, le Chapitre 7, Le Mécénat Privé à Raguse au XVIe Siècle, est consacré au mécénat privé. Le texte se termine par un résumé des exemples examinés et donne un aperçu du caractère des commandes ragusaines, présentant diverses conclusions tirées desdits exemples
The text deals with Ragusan patronage of Italian renaissance art. The first chapter includes an outline of the chosen structure and format of this thesis and a short discussion of the various problems I encountered while researching the chosen subject. To understand the nature of sixteenth century artistic commissions in Ragusa, a look at the Ragusan political and economic situation, as well as the circumstances that influenced the Republic’s development, is necessary. Chapter 2: History of the Ragusan Republic outlines the various stages of its development. Chapter 3 Renaissance Art in Dubrovnik seeks to present the art found in the city trough an investigation of archival material. Chapter 4: Italian Paintings in Dalmatia, outlines the presence of Italian art on the territory of Dalmatia, touching on a number of technical details and on the endurance of the Quattrocento artistic traditions on the eastern shore of the Adriatic. The investigation of the individual cases starts with commissions made by the various Ragusan corporate entities. Chapter 5: The Ragusan State as Patron of the Arts is devoted to state sponsored patronage. The other form of corporate patronage, the patronage of various confraternities, is explored in Chapter 6 and the last chapter, Chapter 7: Private Patronage in Sixteenth Century Ragusa is devoted to private patronage. The text ends with a summary of the examined cases and outlines the character of Ragusan commissions, presenting various conclusions drawn from the examined case

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Andrews, Lew. "Story and space in Renaissance art : the rebirth of continuous narrative /". Cambridge : Cambridge university press, 1995. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37484033m.

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Lacas, Martine. "Construire la ressemblance : architectures du portrait à la Renaissance". Paris, EHESS, 2006. http://www.theses.fr/2006EHES0016.

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Abstract (sommario):

Cette thèse procède à une redéfinition des notions d'imitation et de ressemblance à la Renaissance, à partir du portrait en tant qu'il est paradigmatique de la représentation mimétique et de l'articulation récurrente depuis l'antiquité des récits d'origine du portrait et de la peinture. Grâce à l'étude approfondie du De pictura et de ses sources aristotélicienne et rhétoriques, l'hypothèse est faite d'une constructibilité de la ressemblance. L'étude de la mimésis aristotélicienne et de la théorie albertienne de l'historia a permis d'opérer un rapprochement entre procès métaphorique et procès mimétique à partir duquel ont été posées les questions de la référence, de la vérité, de la constructibilité de la ressemblance, et inventés les concepts opératoires de leur analyse. En reconsidérant le rapport entre portrait et historia, à l'aune des principes distinctifs que sont l'action et le mouvement, ont été établies les principales modalités d'une historia-cisation de la représentation.

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Jacobsen, Werner. "Die Maler von Florenz : Zu Beginn der Renaissance /". München : Deutscher Kunstverlag, 2001. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39948807j.

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Salm-Salm, Marie-Amélie zu. "Échanges artistiques franco-allemands et renaissance de la peinture abstraite dans les pays germaniques après 1945 /". Paris ; Budapest ; Torino : l'Harmattan, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39122394p.

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Abstract (sommario):

Texte remanié de: Th. doct.--Hist. de l'art--Paris 4, 2002. Titre de soutenance : L'importance du milieu artistique parisien de 1945 à 1955 pour les peintres abstraits allemands, autrichiens et luxembourgeois.
Bibliogr. p. 281-314. Webliogr. p. 315-316. Index.

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Garcia, Camargo Dimo Leonardo. "Technique et imaginaire de la Renaissance nordique dans une peinture colombienne contemporaire". Université Marc Bloch (Strasbourg) (1971-2008), 2008. http://www.theses.fr/2008STR20060.

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Abstract (sommario):

Cette recherche considère la réalisation d'un travail pictural colombien qui recourt à des techniques et à un imaginaire présents dans la peinture flamande du XVe siècle. Nous interrogeons une manière personnelle de peindre qui réactive des techniques de la peinture de la Renaissance nordique. Un des procédés utilisés consiste à composer des peintures au moyen d'un système de collage. L'attention portée à ce procédé de travail nous amène à développer une réflexion interdisciplinaire sur certaines manifestations de l'inconscient qui, portant une aura religieuse, s'expriment par la représentation dans l'art. Par la suite, les considérations rationnelles, poétiques et métaphysiques autour de la pratique artistique nous amènent à étudier l'epace culturel dans lequel s'insère notre démarche. Nous examinons l'inscription de notre pratique dans le temps présent et en rapport avec une culture spécifique
This research questions a Colombian pictorial work performed at the beginning of the XXI century that uses the imaginary and techniques of XV century Flemish painting. At first, a personal description of the re-enacting of Nordic Renaissance's painting techniques, using present day tools and means, is made. One of the procedures used in this historical painting practice, as well as in ours, consists of composing pictures by means of the collage system. The attention paid do this procedure leads us to develop an interdisciplinary reflection on certain manifestations of the unconscious that are expressed in artistic representations which have a religious aura. The rational, poetic, and metaphysical considerations about our own artistic practice lead us to study the cultural context in which this artistic practice is immersed. Particularly, we examine our own practice with respect to its membership to present times and in relation to a specific culture

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Baby-Pabion, Marcelle. "Ludovic Bréa : actif de 1475 à 1522 : & la peinture primitive niçoise /". Nice : Serre, 1991. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35453503x.

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Lee, Jiyeon. "Typologie et analytique des espaces dans la peinture européenne de la Renaissance". Thesis, Strasbourg, 2014. http://www.theses.fr/2014STRAG003/document.

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Abstract (sommario):

Le but de cette thèse est d’examiner comment les artistes de la Renaissance, dits humanistes, ont proposé des interprétations nouvelles de la vision du monde au moment où les découvertes récentes de la cosmologie ont lieu, et également dans quelle mesure la force suggestive des images va de pair avec les conceptions de l’univers, lequel est d’ailleurs considéré par E. Panofsky, historiquement et logiquement comme la première œuvre d’art et le prototype de toutes. C’est pourquoi il importe de reconstituer, sous l’angle d’un certain prisme spéculatif, les fluctuations de la configuration spatiale dans les peintures de la Renaissance européennes
The aim of this study is to examine how the artists of the Renaissance, known as the humanists, have proposed some news interpretations of the vision of the world when the recent discoveries oh the cosmology have happened, and equally how much the suggestive force of images go hand in hand with the conceptions of the universe, which is moreover considered by E. Panofsky, historically and logically as the primary work of art and the prototype of all. It is therefore important to reconstitute, in terms of a certain speculative prism, the fluctuations of the spatial configuration in artistic picture of the European Renaissance

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Corneloup, Anne. "L'imitation du sujet : portrait et poétique chrétienne autour de 1500". Grenoble 2, 2001. http://www.theses.fr/2001GRE29033.

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Marek, Michaela. "Ekphrasis und Herrscherallegorie : antike Bildbeschreibungen im Werk Tizians und Leshardos /". Worms : Werner'sche Verlagsgesellschaft, 1985. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb349848876.

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Morel, Philippe. "Les décors médicéens à la fin de la Renaissance". Paris, EHESS, 1993. http://www.theses.fr/1993EHES0304.

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Abstract (sommario):

Ce travail propose une serie d'analyses de diverses formes de realisations artistiques decoratives, fixes ou ephemeres, concues a rome et a florence pour francois 1er et ferdinand 1er de medicis, essentiellement entre 1575 et 1590. Les modalites du decor sont a la fois materielles et thematiques. Materielles avec des voutes peintes a fresque, des plafonds a caissons ornes de tableaux, des grottes couvertes de substances minerales diversement modelees ou agencees, des structures ephemeres peintes ou sculptees, des decors et costumes de theatre, des allegories vivantes, des automates , etc. Thematiques puisque la these est divisee en quatre sections consacrees au rapport du decor (1) au politique a travers les ideologies territoriales et dynastiques, (2) a la cosmologie (elements, planetes), (3-4) aux sciences de la nature (ornithologie, botanique, mineralogie, teratologie), au collectionnisme eclectique et a la poesie burlesque. Le premier point traite des entrees princieres a florence et a pise, et de leur rapport aux decors fixes. La seconde partie est dediee aux programmes cosmologiques, astrologiques et magiques du palazzo firenze, de la villa medicis (rome) et des intermedes florentins de 1589. Dans la troisieme, il est surtout question de decors lies aux jardins : le stanzino degli uccelli a rome, les grottes de boboli et de pratolino ainsi que leurs automates. C'est aux grotesques qu'est consacree la quatrieme section, a partir du vaste ensemble de la galerie des offices, examine dans sa relation aux kunst-und-wunderkammern, a l'hybride et au monstrueux et au genre litteraire burlesque
This work presents a series of studies of different forms of artistic decorations, permanent or ephemeral, conceived in rome and in florence for francesco i and ferdinando i de' medici, mainly between 1575 and 1590. The modalities of the decorations are both material and thematic. Material with frescoes, easel or wood-paintings in ceilings, grottoes covere d by mineral substances variably mould or designed, ephemeral structures, settings and costumes, automatons, etc. Thematic since this thesis is divided into four sections dedicated to the relationships of the decoration with (1) the political sphere as seen through territorial and dynastic ideologies, (2) to cosmology (elements, planets), (3-4) to the natural sciences (ornithology, botany, mineralogy, teratology), as well as to eclectical collectionism. The first point deals with princely entries in florence and pisa, and with their relationships to permanent decorations. The seco nd part is dedicated to the cosmological, astrological and magical programs at villa medici and palazzo firenze in rome, and in the florentine intermezzi of 1589. The third section is mainly about gardens : the "stanzino degli uccelli" in ro me and the grottoes of boboli and pratolino with their automatons. The fourth part treats of grotesques, from the large decoration of the uffizi gallery studied in its structural links with the kunst-and-wunderkammern, the hybrid and the monstruous, and the burlesque poetry

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Hénin, Emmanuelle. "Ut pictura theatrum : théâtre et peinture de la Renaissance italienne au classicisme français /". Genève : Droz, 2003. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39150794x.

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Preussner, Ingrid. "Ellipsen und Ovale in der Malerei des 15. und 16. Jahrhunderts /". Weinheim : VCH, Acta humaniora, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb40972838v.

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Hénin, Emmanuelle. "Ut pictura theatrum : théâtre et peinture de la Renaissance italienne au classicisme français". Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040263.

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Abstract (sommario):

Cette thèse entend prouver l'antériorité et le primat de l'Ut pictura theatrum sur l'ut pictura poesis, tandis que la première de ces deux comparaisons a toujours été considérée comme un phénomène secondaire, une conséquence seconde de la première. Il s'agit de montrer la cohérence et la continuité de cette comparaison durant deux siècles, depuis la renaissance italienne jusqu'à la « doctrine classique française », suivant une perspective à la fois théorique et historique. La comparaison entre les deux arts se fonde principalement sur une série de topoi sans cesse commentés, tant dans les exégèses d’Aristote que dans les traités de théâtre et ceux de peinture. Cette étude procède en quatre moments, dont les trois premiers suivent la division de la rhétorique entre l'inventio, la dispositio et l'elocutio. La première partie concerne la définition de la mimesis comme « représentation d'hommes en action », toujours évoquée à travers la métaphore du portrait. La seconde traite de l'unité de l'image (à la fois théâtrale et picturale), et montre que la règle des trois unités vient entièrement des traités de la contre-réforme sur la peinture. La troisième est consacrée à l'expression, définie comme un langage figuratif donnant à chaque passion ses traits particuliers. Enfin, la dernière partie a pour thème les limites de la représentation : que peuvent respectivement montrer la scène et le tableau ?

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Skaug, Erling. "Punch marks from Giotto to Fra Angelico : attribution, chronology and workshop relationships in Tuscan panel painting : with particular consideration to Florence, c. 1330-1430 /". Oslo : IIC Nordic Group, 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37672034m.

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Coutts-Dohrenbusch, Maria Adele. "Untersuchungen zu Ikonographie und Gestaltung der Antwerpener Gemäldeepithaphien im 16. und 17. Jh. /". Witterschlick [bei] Bonn : M. Wehle, 1989. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb35741266t.

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Leduc-Gueye, Christine Rousseau Bruno. "D'intimité, d'éternité : la peinture monumentale en Anjou au temps du roi René /". Lyon : Lieux-Dits, 2007. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb411443023.

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Abstract (sommario):

Texte remanié de: Thèse de doctorat--Art et archéologie--Strasbourg 2, 1999. Titre de soutenance : La peinture murale en Anjou et dans le Maine aux XVe et XVIe siècles.
Publ. à l'occasion de l'exposition organisée par le Conseil général de Maine-et-Loire et présentée à Angers, Collégiale Saint-Martin, du 6 octobre 2007 au 6 janvier 2008. Bibliogr. p. 177-183. Glossaire. Index.

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Mabilon, Christine. "Figure, figuration : du rêve à la peinture". Paris 8, 2005. http://www.theses.fr/2005PA082618.

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Abstract (sommario):

Il s'agit de rechercher quelle place pourraient prendre, dans le champ lacanien, les processus de figuration du rêve mis en évidence par Freud. La définition freudienne du rêve comme rébus, comme rhétorique et comme peinture permet d'engager une réflexion sur l'image et le mot considérés comme signifiants. Dans le rêve comme dans la peinture, le va et vient entre l'image et le mot est assuré par des processus trans-systématiques qui ne sont autres que la condensation, le déplacement et la prise en considération de la figurabilité. Ce va et vient entre l'image et le mot trouve ses limites avec l'indicible et l'infigurable. La figure logique de la négation, possible dans le champ linguistique est un point irreprésentable dans l'inconscient comme sur le tableau. Elle apparaît comme un des noms de la catégorie du Réel
This dissertation attempts to determine what place can be attributed within the Lacanian field to the process of figuration in the dream, such as it was revealed by Freud. The Freudian definition of the dream as a rebus, as a rhetorical structure and as a painting induces a reflection on the image and the word considered as signifiers. In the dream as well as in the painting, the reciprocal movement between the image and the word is assured by trans-systematic processes that are no other than condensation, displacement and the consideration of figurability. This to and fro between the image and the word finds its limit with the un-utterable and the un-figurable. The logical figure of negation, possible in the linguistic field, is an unrepresentable point in the unconscious, as well as in the painting. It emerges as one of the names of the Real

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Tabur, Michel. "Le lieu et l'action : exactitude et véridicité dans la peinture d'histoire à la Renaissance". Thesis, Paris 1, 2019. http://www.theses.fr/2019PA01H098.

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Abstract (sommario):

La thèse est partie d’une œuvre, la tenture de La conquête de Tunis, dont les douze panneaux étonnent par leur niveau exceptionnel d'exactitude topographique et historique. Jusqu’à quel point la recherche de l’exactitude et de la véridicité qui semble apparaître dans certaines œuvres d’histoire à la Renaissance est-elle compatible avec le dessein artistique de leurs auteurs ? Dans quelles conditions, dans quel but et avec quelle postérité s'est-elle propagée ? Telle est la problématique, aux conﬁns de l'histoire, abordée dans cette thèse. Elle est explorée par le biais de cinq approches différentes. Après un rapide survol sous cet angle des œuvres d’histoire de 1450 à 1650 qui permet de constituer de manière chronologique le corpus, la seconde s’attache à l'analyse de la problématique en partant du fait historique lui-même à travers l’analyse comparée de la représentation par l’image de six grands évènements, tandis que la partie suivante y procédera en partant cette fois de la restitution des lieux, des costumes, des armes et des navires. Cette approche analytique en trois volets servira de base à la démarche plus synthétique de la quatrième partie centrée sur les conditions de la véridicité du récit mis en image, et à celle plus théorique de la cinquième et dernière consacrée aux points de vue de l’historiographie et de la théorie de l’art sur cet ensemble de questions. Au terme du parcours, c’est un kaléidoscope de signaux contradictoires que nous découvrons, au-dessus duquel se révèle comme une dialectique paradoxale orchestrée subtilement par l’artiste entre l’exact et l'inexact, entre le vrai et le faux et entre l’historique et le ﬁctif
The starting point of this study was a single subject, The Conquest of Tunis. The twelve tapestries studied astonish viewers due to the exceptional level of their topographical and historical exactitude. To what extent is the search for exactitude and veracity that seems to appear in certain historical artworks of the Renaissance, compatible with the artistic intentions of their authors? Under what conditions and to what end did this phenomenon spread and what has been its posterity? This is the problematic addressed in this thesis, at the frontier of history. The subject is explored from ﬁve different approaches. We start with a rapid overview of historical artworks between 1450 and 1650 which enables the establishment of the corpus in chronological manner. The second part focuses on the analysis of the research problem starting with the historical facts themselves through the comparative analysis of six historical events and their pictorial representation. The third part deals with the artists' restoration of the locations, costumes, warfare and vessels. This analytical approach in three sections will serve as a base for the more synthetic fourth part of the study which will focus on the conditions of the veracity of the narrative depicted in the image, as does the more theoretical ﬁfth part devoted to the perspective of historiography and the theory of art dealing with this set of issues

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Campagne, Ibarcq Claudie. "Tels serviteurs, tels maîtres : la représentation des domestiques dans la peinture vénitienne de la Renaissance". Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0051.

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Abstract (sommario):

Les peintures vénitiennes de la Renaissance contiennent de très nombreuses figures de domestiques, rarement remarquées par le spectateur. Leur recensement systématique et la constitution de séries ont permis de montrer que ces détails sont peu naturalistes et rarement décoratifs. Les figures de serviteurs relèvent le plus souvent d'un discours symbolique concernant souvent les maîtres, c'est-à-dire l'idée que les élites se font de leur place dans la société, en particulier durant la deuxième moitié du XVIe siècle, plus aristocratique. Mais les peintres peuvent aussi faire porter par ces figures des discours variés, politiques, littéraires, théologiques, voire artistiques ou satiriques. En effet, les serviteurs, figures du popolo, ont à Venise plus qu'ailleurs, droit de cité dans la représentation picturale, puisque le patriciat aime à considérer que les Vénitiens forment une communauté unie. L'étude systématique des domestiques de peinture a également conduit à réinterroger certaines œuvres bien connues, qui comportaient des figures de serviteurs faisant écart par rapport à la tradition ou à la 'norme' contemporaine. L'étude de ces dissonances a permis d'apporter un éclairage nouveau sur ces œuvres de Carpaccio, Titien, Tintoret et Véronèse
Renaissance Venetian paintings include many servants, who often escape the notice of those who view them. A systematic statistical inventory of those servant figures and their grouping into different categories have made it obvious that those figures are hardly ever realistic or decorative but are most of the time an integral part of a symbolic system focusing on their masters' place in society and of the elite's conception of its social role, in particular during the more aristocratic second half of the sixteenth century. On the other hand, servant figures may be used to express views on varied subjects, either literary, theological or political, or even with an artistic or satirical goal in mind. Indeed, servants, figures of the popolo, have a legitimate place in pictorial representation in a city such as Venice where the Patricians like to think of the community as united. The systematic study of servants in painting has also led to a new questioning of well-known works when they include servant figures which differ from traditional or contemporary norms. The study of those discrepancies has shed a new light on those works by Carpaccio, Titian, Tintoretto and Veronese

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Wang-Hua, Yih-Fen. ""Rilievo" in Malerei und Bildhauerkunst der Frühe Neuzeit /". Köln, 1999. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb39244038f.

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Le, Nen Dominique. "Renaissance de la main aux XVème - XVIème siècles : une communion entre art et science". Nantes, 2005. http://www.theses.fr/2005NANT2113.

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Hendler, Joseph. "Le paragone, sa pratique, son déclin : la comparaison compétitive peinture-sculpture en Italie de la fin du XVe siècle au début du XVIIe siècle". Paris 1, 2009. http://www.theses.fr/2009PA010555.

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Abstract (sommario):

La comparaison compétitive entre peinture et sculpture, définie aujourd'hui comme Ie Paragone, est un topos bien connu de la théorie de I'art de la Renaissance. Plusieurs figures-cle du Quattrocento et du Cinquecento ont cherche à répondre à la question: lequel de ces deux arts est Ie plus noble et imite mieux la nature. La présente thèse est destinée à explorer une autre face de ce débat, son aspect visuel. Le but est d'identifier, d'organiser et d'analyser les peintures et les sculptures produites en Italie des la fin du xve siècle et tout au long du XVIe siècle qui abordent clairement des problèmes lies au débat paragonien. Rassemblées pour la première fois ici dans un corpus paragonicum ces oeuvres démontrent I'impact de la dispute sur les arts comme sur les artistes eux-mêmes. La deuxième phase de la recherche s'efforce de déchiffrer pourquoi Ie Paragone visuel semble moins apparent dans l'art du XVIIe siècle. La comparaison compétitive se transforme en une comparaison constructive entre les arts jadis rivaux. L'accent se de place de I'importance de l'objet à celle de I'effet sur Ie spectateur. En conséquence les capacités mimétiques de chaque art par rapport à la nature, autrefois au cœur du débat paragonien, paraissent

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Bakker, Boudewijn. "Landschap en wereldbeeld : van Van Eyck tot Rembrandt /". Bussum : Thoth, 2004. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb391827225.

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Maisonneuve, Cécile. "Peindre à Florence dans le quartier de l'Oltrarno entre Gothique tardif et première Renaissance". Paris, EPHE, 2006. http://www.theses.fr/2006EPHE4012.

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Abstract (sommario):

L'Oltrarno, le quartier sud de Florence au-delà du fleuve, fut au XVe siècle un point de rencontre entre commanditaires et peintres qui y vivaient et qui contribuèrent à embellir les églises autour desquelles s'organisait leur vie sociale. Cette étude transversale permet de comprendre qui furent ces hommes réunis autour de la création des œuvres d'art, en les identifiant, en cernant leur rôle et les relations qu'ils entretenaient. Elle révèle des peintres oubliés, définit un contexte dans lequel les mieux connus trouvent une plus juste place, et rétablit le lien entre des générations d'artistes que le saut formel entre le Gothique et la Renaissance incite à séparer
The Oltrarno, the south district of Florence was in the fifteenth century a meeting place for the patrons and painters who lived there and who contributed to the decoration of the churches around which their social life was organised. This study is about the men who were brought together by the creation of works of art, their identities and relationships. It restores some forgotten masters, defines the context in which better known painters moved and confirms the link between generations of artists traditionally separated by the formal gap between Gothic and Renaissance

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Strumwasser, Gina. "Heroes, heroines and heroic tales from the Old Testament : an Iconographic analysis of the most frequenly represented Old Testament subjetcs in Netherlandish painting, ca. 1430-1570 /". Ann Arbor (Mich.) : University microfilms international, 1987. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb355355709.

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Sman, Gerrit Jan van der. "La decorazione a fresco delle ville venete del cinquecento : saggi di littura stilistica ed iconografica /". Leiden : Universita di Leida, 1993. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb372140434.

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Lacouture, Fabien. "Représenter l'enfant en Italie du Nord et Italie centrale : XIVe - XVIe siècles". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H020.

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Abstract (sommario):

Bien que l'enfance soit «une donnée anthropologique universelle» (E. Deschavanne, P.H. Tavoillot, Philosophie des âges de la vie), l'historien français Philippe Ariès, dans L'Enfant et la vie familiale sous l'ancien Régime (1960), affirmait l'absence de sentiment de l'enfance au Moyen Âge et au début des Temps Modernes et l'invention de l'enfance à partir des XVI°, mais surtout XVIl0 et XVIll0 siècles. Invalidée par les historiens mais encore reprise aujourd'hui par certains historiens d'art, cette thèse était essentiellement fondée sur une étude des représentations picturales. Les images d'enfants abondent dans la peinture italienne de la Renaissance du XIV au XVIe siècles en Italie du Nord et Italie centrale. Mais elles méritaient une approche neuve, venant apporter un nouvel éclairage non seulement sur les enfants de la Renaissance, mais sur les manières selon lesquelles ils étaient perçus et représentés. Était alors nécessaire une analyse précise des représentations visuelles, des conditions de leur genèse, ainsi que de leur destination. Une telle étude trouva naturellement sa structure dans la division des âges de la vie en vigueur à la Renaissance : l’infanzia (naissance - sept ans), la puerizia (sept - quatorze ans) et l’adolescenza (à partir de quatorze ans) étaient les périodes de l'enfance, au sein desquelles se mouvait un être en constante évolution. Dépassant le postulat de l'enfant comme simple objet pictural décoratif, une telle recherche permet de comprendre les rôles des représentations d'enfants, selon le genre de l'œuvre, son histoire, mais également selon l'âge, le sexe ou le statut de l'enfant représenté
Although childhood is "a universal anthropological conception" (E. Deschavanne, P.H. Tavoillot, Philosophie des âges de la vie), the French historian Philippe Ariès, in Centuries of Childhood: A Social History of Family Life (1962), proposed that the recognition of childhood as a distinct stage of life, what he calls the "sentiment de l'enfance," did not exist during the Middle Ages and early modern period, but was rather the invention of the 16th- and especially the 17th and 18th centuries. Disproved by historians, but still considered valid by some art historians, this theory is founded upon a study of pictorial representations of children. Images of children are numerous in Northern- and Central Italian Renaissance painting, but they require a new approach on how children were perceived and pictured. A precise analysis of these visual representations, of their genesis, condition, and their destination(s) is necessary. Such a study naturally finds its structure in the traditional "stages of life" and "periods of childhood" in use during the Renaissance. These categories are: infanzia (from birth to seven years old), puerizia (from seven to approximately twelve to fourteen years) and adolescenza (from twelve to fourteen), during all of which the child was in constant evolution. Beyond simply seeing children as decorative pictorial motifs, by exploring the genre of the work studied, its backstory, and also the age, the gender, or the social status of the child pictured, this tack (approach?) enables us to better understand the purposes of children's pictorial representation

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Hristova, Valentina. "Dépositions,Lamentations et Mises au tombeau dans la peinture de la Renaissance en Italie centrale : de Sandro Botticelli à Francesco Salviati". Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017GREAH040.

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Abstract (sommario):

Analysant le problème de la recrudescence des thèmes de la Déposition, de la Lamentation et de la Mise au tombeau dans la peinture de la Renaissance en Italie centrale comme un phénomène historique, la présente thèse se propose de transgresser le cadre des études iconographiques stricto sensu pour tendre vers une approche interdisciplinaire. La chronologie et le cadre géographique retenus s’articulent dans un discours diachronique, où l’étude des formes et des styles croise sans cesse des interrogations fondamentales sur les conditions d’exposition et de visibilité, ainsi que sur l’histoire de la piété, des mentalités et des institutions italiennes à la veille de la séparation radicale entre les catholiques et les protestants. Outre une anthropologie visuelle de l’image, l’investigation reconstruit les réseaux et les stratégies de mécénat, parvenant à présenter ces expériences artistiques comme les vecteurs privilégiés d’idéologies civiques et princières. L’enquête livre ainsi une réflexion transversale sur la spiritualité, la culture et les transformations politiques propres à un territoire et à une période qui comptent parmi les plus fertiles – mais aussi parmi les plus tourmentés – de l’histoire et de l’art de l’Europe moderne
Focusing on the problem of the proliferation of the Deposition, Lamentation and Entombment themes in Renaissance painting of Central Italy, this dissertation investigates the production of a specific category of sacred images, which has largely been undervalued until now. The study goes beyond the methodology of iconographic studies stricto sensu in favor of a transdisciplinary approach. Expanding from the Savonarolian preaches in the 1490s to the final session of the Council of Trent in 1563, this survey provides new insights about the meaning and the function of these peculiar iconographies in a historical perspective. The main objective is to understand how these topics were transformed in devotional instruments of self-promotion and public propaganda. The question of the profound religious crisis that reached Renaissance Europe is intertwined with an accurate study of patronage and identity. From a methodological point a view, the investigation also deals with other sensitive issues related to topography, physical surroundings, visibility, and perception.As it engages in a subtle tracing of a variety of changing phenomena, this thesis reconstructs a plural reality, where the crossed analysis of the thematic choices and the visual rhetoric affords a challenging glimpse into a complex environment underpinned by new artistic, social, cultural and political concerns

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Lafille, Pauline. "« Composizioni delle guerre e battaglie » : enquête sur la scène de bataille dans la peinture italienne du XVIe siècle". Thesis, Paris Sciences et Lettres (ComUE), 2017. http://www.theses.fr/2017PSLEP058.

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Abstract (sommario):

La thèse étudie les enjeux politiques et artistiques de la scène de bataille dans la peinture monumentale au XVIe siècle en Italie, avant que la représentation de la guerre ne présente une distinction entre peinture d’histoire pour les faits anciens et peinture historique pour les faits contemporains, selon les catégories artistiques qui s’affirment au cours du XVIIe siècle. C’est pourquoi notre étude ne propose pas une histoire de la scène de bataille mais une enquête au sujet de compositions singulières, sur les problématiques politiques, idéologiques, esthétiques et culturelles qui les traversent. Si l’hétérogénéité artistique du corpus et la fragmentation politique de la péninsule ont favorisé des approches monographiques, l’apparition de contextes historiques et thématiques, où les scènes de bataille s’inscrivent dans des ambitions analogues a conduit à adopter une perspective comparée, où les œuvres sont considérées en dialogue – deux à deux, par cycle ou par typologie – autour d’enjeux politiques et formels communs. Après 1500, plusieurs commandes majeures passées par les principales puissances italiennes donnent une monumentalité nouvelle à la bataille dans l’iconographie politique. Dans le contexte d’urgence des guerres d’Italie, la peinture de l’histoire des faits passés est investie de l’espoir d’une efficace politique, à laquelle l’évolution mimétique et expressive dans laquelle est engagée la peinture italienne peut répondre. Les batailles inachevées de Léonard et Michel-Ange adoptent un traitement rhétorique de l’histoire, qui engage le spectateur dans une narration qui se déploie autour des émotions des personnages en action. Par le traitement des figures et l’intelligence de la composition d’ensemble, les batailles de Léonard de Vinci, Michel-Ange puis celles de Raphaël et Titien deviennent des exemples paradigmatiques, qui marquent les prémices de la scène de bataille comme forme politico-artistique, mettant la noblesse et l’ambition de l’art de peindre au service de l’expression du pouvoir. Les compositions ponctuelles du début du XVIe siècle laissent place dans la seconde moitié du siècle à une extension du thème militaire dans les décors palatiaux. L’orientation du programme iconographique détermine alors les problématiques politiques et iconographiques des peintures. Dans les cycles dynastiques, la corrélation entre la généalogie et l’histoire conduit à associer étroitement le récit de l’événement à l’action du personnage ; les dispositifs d’héroïsation individuelle coexistent alors avec les procédés d’historicisation de l’épisode. Dans les décors d’État, la multiplication des scènes de bataille affiche la puissance militaire comme fondement de la souveraineté de l’État moderne. À Florence et à Venise, la représentation de la guerre prend un caractère encyclopédique, venu de l’humanisme militaire, qui témoigne de la centralité de la maîtrise de ces savoirs pour le gouvernement de l’État. Un dernier temps, consacré aux représentations monumentales de la bataille de Lépante, à Venise et à Rome, envisage l’émergence de problématiques spécifiques à la représentation de la bataille contemporaine. L’actualité de l’événement impose une exigence de documentation poussée dans la représentation historique de son déroulement. Les peintres proposent alors des expérimentations dans le langage artistique employé pour figurer la bataille et introduisent parfois un dialogue avec les formes descriptives ou schématiques de représentation de la guerre, pour répondre à cette ambition documentaire. Les scènes de batailles du XVIe siècle italien s’inscrivent ainsi au croisement de l’évolution de la culture de la guerre de la Renaissance, marquée par le début de la « Révolution militaire », et de celle de la théorie artistique, où apparaît progressivement une rationalisation de la manière de raconter l’histoire
This thesis focuses on the political and artistic dimensions of battle scenes in 16th-century Italian monumental painting, at a time when the depiction of war had yet to develop a distinction between two forms of the depiction of history, history painting treating past events and historical painting focused on contemporary events, according to artistic categories established during the 17th century. Thus this work does not offer a history of the battle scene itself, but an enquiry on specific compositions, trying to ascertain the political, ideological, aesthetic and cultural issues that inform them. Although the artistic heterogeneity of the corpus and the political fragmentation of the Italian peninsula have encouraged previous studies to follow a monographical approach, the apparition of historically and thematically similar contexts in which various battle scenes answer analogous ambitions has led us to adopt a comparative methodology, which attempts to develop a dialogue between pairs, series or types of works, linked by common political and formal objectives. Starting from 1500, a series of major orders placed by the main political powers in Italy embued battle scenes with a new monumental dimension within political iconography. In the urgency of the context of the Italian Wars, the depiction of past historical events was invested with the hope of real political efficacy, to which the mimetic and expressive evolution of Italian painting was now able to respond. The battle scenes left unfinished by Leonardo and Michelangelo adopted a rhetorical treatment of history which involved the viewer into a narrative centred around the emotions of the characters during the action. By virtue of their treatment of figures and their complex narrative articulation, Leonardo’s and Michelangelo’s battle scenes, and later Raphaël’s and Titian’s, acquired paradigmatic status, and paved the way for the establishment of the battle scene as a political-aesthetical form, making the nobility and ambition of artistic endeavour subservient to the expression of power. Sporadic compositions of the beginning of the 16th century were followed, during the second half of that century, by an extension of military themes in palace decoration. The political and iconographic objectives of paintings was therefore determined by the orientation of the iconographic programme of the whole room. In dynastic painting cycles, the correlation between genealogy and history led the artist to closely associate the depiction of the event to the actions of the character, so that devices of individual glorification coexisted with devices historicizing the episode. In state ornamentation, the multiplication of battle scenes showcased military might as the basis for the sovereignty of the modern State. In Florence and Venice, the depiction of war received from military humanism an encyclopaedic dimension which illustrated the central role played by the mastery of these forms of knowledge in the administration of the State. The last part of this study, which focuses on the monumental representations of the Battle of Lepanto in Venice and Rome, describes the emergence of problems that are specific to the depiction of contemporary battles. The immediacy of the event demanded from the historical depiction of the unfolding of the event an advanced documentary quality. The artists had to develop new experiments in the aesthetic idiom used to represent the battle, sometimes in dialogue with more descriptive or schematic depictions of warfare. 16th-century Italian battle scenes thus find themselves at a crossroad between the evolution of warfare during the Renaissance, characterised by the beginnings of the « Military Revolution », and the evolution of aesthetic theory, defined by an increasing rationalisation in the way history is depicted

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Dubus, Pascale. "Deux figures de l'irreprésentable : mort et tempête dans la peinture du cinquecento". Paris, EHESS, 1997. http://www.theses.fr/1997EHESA022.

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Abstract (sommario):

Au cinquecento, la notion d'irrepresentable prend une importance capitale. Il suffit pour s'en convaincre de considerer la fortune considerable accordee par la theorie de l'art au jugement de pline l'ancien sur apelle : en peignant la tempete, apelle est donne comme un peintre apte a representer "cela qui ne peut etre peint". A la suite de pline, la theorie de l'art du cinquecento va proposer uneserie de figures de l'irrepresentable qui sont donnees des limites de la representation, a charge pour la peinture de les exceder et de repousser a l'infini le territoire de la representation mimetique. Pour travailler le fonctionnement de cet irrepresentable "represente" dans le champ theorique et dans la pratique artistique, nous avons selectionne deux figures majeures : la mort et la tempete. Pour l'une et l'autre figure, nous avons confronte theorie et pratique artistique en explorant la litterature artistique du xvie siecle et en analysant des corpus d'images. Afin d'etudier la representation de la mort, nous avons opte pour l'approche monographique en travaillant l'oeuvre du peintre domenico beccafumi et tout particulierement le cycle du consistoire au palais public de sienne. L'exploration de la representation de la tempete nous a conduits a elargir notre corpus, d'une part en reflechissant sur l'ensemble des "sujets" a tempete representes au cinquecento et d'autre part, en analysant deux series antagonistes : le deluge de l'ancien testament et les tempetes "enigmatiques" dont l'une des plus celebres est la tempete de giorgione. L'ensemble de ces explorations fait apparaitre les ecarts et les distorsions entre theorie et pratique artistiques et revele l'extreme importance accordee a l'esthetique de la reception dans la reflexion sur l'irrepresentable au cinquecento.

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Chiquet, Olivier. "Penser la laideur dans la théorie artistique et la peinture italiennes de la seconde moitié du Cinquecento. De la dysharmonie à la belle laideur". Thesis, Sorbonne université, 2018. http://www.theses.fr/2018SORUL113.

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Abstract (sommario):

Le présent travail étudie la manière dont la théorie artistique et la peinture italiennes de l' « automne de la Renaissance », chacune avec ses modalités propres, ont pensé le laid et l'ont progressivement rapproché du beau. La première partie est ainsi consacrée à la traditionnelle conception de la laideur comme simple contraire de la beauté, c'est-à-dire comme dysharmonie formelle. La seconde partie porte sur le passage de cette antithèse conceptuelle entre le beau et laid à leur articulation paradoxale, où la laideur se voit conférer des qualités généralement attribuées à la beauté. Plusieurs "belles laideurs" sont alors envisagées : celle des peintures sacrées « cruelles et horribles » (Gabriele Paleotti), qui tirent leur beauté de leur conformité aux Écritures, donc de leur vérité ; celle des figures dites "siléniques", dont les dehors repoussants laissent transparaître une bonté d'âme ; celle des "caprices" artistiques qui, sous une apparente difformité, recèlent une signification manifestant l‟ingéniosité de leur créateur ; ou encore celle relevant du paradoxe aristotélicien de la représentation, selon lequel des laideurs correctement imitées suscitent du plaisir chez l'observateur. Dans le cadre de l'esthétique baroque, la "belle laideur" devient un oxymore, où l‟horreur du contenu de la mimésis est consciemment exploitée afin de souligner, par contraste, le pouvoir transfigurateur de l'artiste. La théorisation de la caricature au cours du XVIIe siècle, évoquée en conclusion, viendra suggérer une coïncidence de la beauté et de la laideur qui, du moins dans leurs formes idéales, semblent en réalité constituer les deux faces d'une même médaille
This research analyses the way Italian paintings and artistic theory from the late Renaissance conceptualised ugliness, and gradually drew it closer to beauty. The first part of this dissertation focuses on the traditional notion of ugliness as the mere opposite of beauty, in other words, ugliness as an expression of formal disharmony. The second part deals with the evolution from this conceptual antithesis to the paradoxical entwinement of these two notions, which led some authors to endow ugliness with qualities which had hitherto been applied to beauty. We will consider several forms of „beautiful ugliness‟: those of the “cruel and horrible” (Gabriele Paleotti) sacred paintings whose beauty resides in their faithful rendering of the Scriptures, or, in other words, in their truthfulness; those of the Silenus-like characters whose kindness pierces through revolting physical traits; those of the artistic capricci who, under their apparent deformity, hide the ingenuity of their creator; or those who take up the Aristotelian paradox, according to which the correct imitation of ugliness arouses a feeling of pleasure among the spectator. In the Baroque aesthetic, the „beautiful ugliness‟ is an oxymoronic creation in which the horrifying content of the mimesis is consciously used in order to highlight, by contrast, the transformative power of the artist. The conceptualisation of caricature in the 17th century, which we will mention at the end of this work, suggests that beauty and ugliness, at least in their ideal forms, are in fact the two sides of a same coin

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Rowley, Neville. "Pittura di luce. La manière claire dans la peinture du Quattrocento". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040197/document.

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Abstract (sommario):

La présente thèse a pour point de départ une exposition florentine organisée en 1990 et intitulée « Pittura di luce ». Ses organisateurs entendaient désigner ainsi un courant de la peinture florentine du milieu du XVe siècle fondé sur la lumière et la couleur claire. Comme l’avait bien compris l’exposition, cette « peinture de lumière » est d’abord identifiable dans la « manière colorée » portée par Fra Angelico et Domenico Veneziano, mais elle doit aussi être élargie à une manière plus « blanche », qui va de Masaccio aux premières œuvres d’Andrea del Verrocchio, au début des années 1470. Les implications techniques et symboliques d’un tel style méritent également d’être étudiées car elles renforcent le sens et la cohérence d’un mouvement publiquement soutenu par les Médicis et dont l’ambition majeure fut de « faire surgir » les peintures religieuses de la pénombre des églises (I). L’étude du développement géographique vaste mais discontinu de la pittura di luce approfondit les hypothèses proposées dans le cas florentin : tout autant qu’une façon moderne et proprement « renaissante » de peindre, la « manière claire » est aussi fondée sur une lumière théologique, associée en partie à la religiosité franciscaine. Piero della Francesca est assurément le grand protagoniste de ce double rayonnement, dans les cours et dans les campagnes (II). C’est également Piero qui sera au cœur de la redécouverte d’une peinture que les XIXe et XXe siècles ont réappris à voir grâce aux historiens de l’art et aux artistes, mais également en raison du changement des conditions de vision des œuvres d’art. En ce sens, la pittura di luce constitue un chapitre important de l’histoire du regard, que l’on propose de rapprocher d’autres redécouvertes picturales elles aussi fondées sur la notion d’apparition (III)
This thesis starts from an 1990 Florentine exhibition called “Pittura di luce” which intended to identify a trend in the mid-15th-century Florentine painting. This “painting of light” is not only, as was said at the time, a “coloured style” led by Fra Angelico and Domenico Veneziano, but it should be extended to a more “white manner”, from Masaccio to the first works of Andrea del Verrocchio, in the early 1470s. The technical and symbolical meanings of this style are to be studied as they reinforce the sense and the coherence of a trend publicly sustained by the Medici. The major aim of the “pittura di luce” is to make “emerge” religious paintings from the darkness of the churches (I). The study of the vast but also discontinuous geographical development of this “bright style” amplifies the hypotheses of the Florentine case: as much as a modern way of painting, it has very often a more archaic connotation of divine light. Piero della Francesca is surely the major figure of this ambivalent development (II). He is also one of the most significant examples of the way in which the “pittura di luce” was forgotten, and then rediscovered during the 19th and 20th centuries, thanks to art historians and artists, but also to the changes of the conditions of vision of the works of art. In this sense, the “pittura di luce” is an important chapter of the history of look, that we propose to compare with other rediscoveries of similar “paintings of apparition” (III)

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Orsolini, Joseph. "L'Art de la fresque en Corse de 1450 à 1520". Lille 3 : ANRT, 1988. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb37608563k.

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Gérard-Marchant, Laurence. "Couleurs, parures, costumes : reflets dans l'oeil du peintre, renaissance et résurgences, interrogations historiques et propositions plastiques personnelles". Paris 1, 1989. http://www.theses.fr/1989PA010586.

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Abstract (sommario):

L'étude des lois somptuaires promulguées à plusieurs reprises à Florence au quattrocento, la lecture de l'œuvre de Sacchetti, ou celle déjà de Dante, montre comment le luxe textile, tout en contribuant très largement à l'essor économique de la cité, a pu être l'objet de méfiance et de condamnations. Toutefois, un examen attentif des textes théoriques de Durer ou de Léonard de Vinci prouve que l'étoffe restait un outil l'étude des lois somptuaires promulguées a plusieurs reprises à florence au quattrocento, la lecture de l'œuvre de Sacchetti, ou celle déjà de Dante, montrent comment le luxe textile, tout en contribuant très largement à l'essor économique de la cité, a pu être l'objet de méfiance et de condamnations. Toutefois, un examen attentif des textes théoriques de Durer ou de Léonard de Vinci prouve que l'étoffe restait un outil précieux pour penser la couleur, tout au long de la renaissance. Des Giotto, la représentation des étoffes se voit imposer des limites pour des raisons de cohérence figurative. Et c'est un véritable jeu de permutations et de changement d'échelle entre d'une part, des architectures et marbres polychromes, d'autre part des étoffes bariolées qui semble s'imposer a plusieurs générations de peintres dans l'héritage précieux pour penser la couleur, tout au long de la renaissance. Des Giotto, la représentation des étoffes se voit imposer des limites pour des raisons de cohérence figurative. Et c'est un véritable jeu de permutations et de changement d'échelle entre d'une part, des architectures et marbres polychromes, d'autre part des étoffes bariolées qui semble s'imposer a plusieurs générations de peintres dans l'héritage d’Alberti, lequel est sans doute sous-estime sur ce point. C'est au contraire l'affirmation non détournée du textile comme répertoire, paradigme, et support de l'organisation de la surface picturale, que l'auteur de cette thèse essaie de réintroduire dans son propre travail plastique et cela en analysant à la fois les procèdes limitant les effets perturbants des étoffes (tels que ceux décrits plus haut), et ceux d’Alberti, lequel est sans doute sous-estime sur ce point. C'est au contraire l'affirmation non détournée du textile comme répertoire, paradigme, et support de l'organisation de la surface picturale, que l'auteur de cette thèse essaie de réintroduire dans son propre travail plastique et cela en analysant à la fois les procédés limitant les effets perturbants des étoffes (tels que ceux décrits plus haut), et ceux qui les exaltent comme dans la peinture de la fin du trecento, ou encore chez Véronèse se, ou Pontormo. Parmi les courants actuels, c'est sans doute de la "trans-avanguardia" italienne que les productions artistiques de l'auteur, attentives aux signes et traditions du passe, se rapprocheraient le plus. Qui exaltent comme dans la peinture de la fin du trecento, ou encore chez Véronèse, ou Pontormo. Parmi les courants actuels, c'est sans doute de la "trans-avanguardia" italienne que les productions artistiques de l'auteur, attentives aux signes et traditions du passe, se rapprocheraient le plus.

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Pélieu, Marguerite. "Benvenuto di Giovanni, 1436-1518 : peintre siennois : étude critique et catalogue raisonné". Paris 4, 1986. http://www.theses.fr/1986PA040125.

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Abstract (sommario):

Benvenuto di Giovanni vécut à Sienne (1436-1518). Le premier document le concernant date de 1453. Les historiens s'accordent pour voir en lui un élève de Lorenzo di Pietro, dit Vecchietta. Benvenuto fut peintre, enlumineur et quelquefois portraitiste. Le résumé de l'histoire de Sienne fait comprendre dans quel climat politique tumultueux il évolua au cours de sa carrière féconde. Il subsiste une vingtaine de documents le concernant mais bien peu se rapportent à son œuvre. Cependant sa carrière est jalonnée d'œuvres datées et signées entre 1466 et 1509. Il en exécuta plusieurs importantes, toujours en place, pour le dôme de Sienne, pour de nombreux couvents et des ordres civils. Il demeure fidèle à la tradition siennoise. Il ne s'est que peu engagé dans la nouvelle voie qu'ouvrait la renaissance puisque jusque dans ses dernières œuvres il a conservé le fond or à sa peinture religieuse et n'a laissé que quelques ouvrages de caractère profane. Il n'eut que deux élèves : son fils ainé Giovanni, nommé ici pour la première fois et Girolamo qui a laissé une œuvre abondante. Longtemps oublié par les historiens il ne fut redécouvert qu'au début du XIXe siècle et son talent semble de nos jours enfin reconnu. Son catalogue raisonné classé chronologiquement, est l'objet principal de cette thèse.

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Brock, Maurice. "Le secret de la peinture ou la postérité de Parrhasios : recherches sur l'art italien du Moyen-Age tardif et de la Renaissance". Paris, EHESS, 1996. http://www.theses.fr/1996EHES0010.

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Bergès, Pierrette. "Des peintures murales de la renaissance dans le sud-ouest de l'ancienne france du quercy au val d'aran du rouergue a l'armagnac". Toulouse 2, 1996. http://www.theses.fr/1996TOU20032.

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Abstract (sommario):

La recherche interesse un ensemble de peintures murales decouvertes in situ que des criteres de datation precise, circonscrits a des inscriptions millesimees ou nominatives, a des textes d'archives ou a des blasons, et que des criteres de datation relative, concernant des donnees iconographiques, situent entre la fin du xve siecle et le debut du xviie siecle. A partir de notices prealablement etablies sur plus de quatre-vingt-dix sites visites, notices qui renvoient a des documents photographiques et a des releves graphiques, l'etude proprement dite a pour fil directeur la mise en evidence des traits caracteristiques d'une peinture murale de la renaissance dans les limites d'espaces retenus. Ils interessent en particulier l'adaptation de l'image a une architecture, la composition de la scene, la representation des personnages et les connaissances anatomiques, l'utilisation d'une perspective plus ou moins scientifique qui prend en compte le spectateur et la traduction du relief par la technique du modele qui suggere la troisieme dimension jusqu'au trompe-l'oeil. Cette etude a aussi pour but de montrer l'importance prise par le decor d'accompagnement dans la peinture murale a cette epoque au point d'occulter la scene et de creer, au regard de motifs permanents ou retrouves, une iconographie nouvelle qui a sa symbolique propre
The study is about a whole of wall paintings found in situ that precise time criterions, from dated or named inscriptions, from records or from armorials bearings, that relative time criterions, about iconographic data, put between the end of the xv century and the beginning of the xvii century. From previously written accounts on more than ninety visited sites, accounts related to pictures and drawings, the main subject of the study is to show the typical outlines of a renaissance wall painting in the studied area. Particularly the adaptation of the picture to an architecture, the composition of the stage, the representing of the figures and the anatomic knowings, the use of a more or less scientific perspective, which takes care of the spectator, and the translation of the relief by the modele technic, which suggests the third dimension to the trompe l'oeil. The aim of the study is also to show the importance took by the setting in the wall painting at this time, to even hide the stage and create, because of permanent or found designs, a new iconography, which has its own symbolic

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Orsolini, Joseph. "L'art de la fresque en corse de 1450 à 1520". Corte, 1987. http://www.theses.fr/1987CORT0001.

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Abstract (sommario):

Réflexions sur les arts en corse. La technique de la fresque chronologie des peintures murales en corse. Description des chapelles à fresque. Le programme iconographique (inventaire), le style (tendance populaire, tendance noble. Correspondances. . . )
Remarks about the arts in corsica. The technique of the fresco chronology of the wall paintings in corsica. Description of chapels with paintings in fresco. The iconographic programme (a survey) , the style (popular trend, noble trend. Agreements. . . )

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Evrard, Clarisse. "Ut maiolica epica : peindre l'imaginaire chevaleresque dans la majolique du Cinquencento". Thesis, Lille 3, 2019. http://www.theses.fr/2019LIL3H033.

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Abstract (sommario):

Que l’on évoque les épopées virgilienne et homériques, les poèmes ovidiens, les récits bibliques ou les historiens antiques, toutes ces sources littéraires ont considérablement inspiré les arts décoratifs du XVIe siècle, en particulier dans l’Italie des cours humanistes par le biais des livres illustrés et des gravures. Conférer une telle fonction à un modèle textuel amène ainsi à interroger le statut de ces images et engage une réflexion sur les enjeux de la transposi, du traitement des sources et des modalités de production et de réception des pièces créées dans les différents domaines artistiques. Une œuvre retient particulièrement l’attention du fait de son utilisation comme source iconographique par les artisans dès sa publication : l’Orlando furioso de l’Arioste, poète à la cour des Este. Cette épopée, éditée en 1516 puis, dans sa version finale en 1532, relève à la fois de la tradition épique antique mais aussi de la chanson de geste médiévale. Riche de cette double intertextualité, le poème a connu une fortune considérable, à l’exemple de son utilisation par les peintres de majolique.Or, la variété du corpus des majoliques inspirées du Furioso, noyau original de notre projet, suscite de nombreuses interrogations. Pourquoi une telle fortune de l’épopée d’Arioste auprès des maiolicari ? Cette question, au centre notre étude, consiste dès lors à expliquer comment et pourquoi les modèles chevaleresques ont été utilisés par les peintres de majolique dans l’Italie à la Renaissance. En découlent de nombreuses interrogations complémentaires afin d’en envisager toutes les dimensions : est-ce un unicum propre à la majolique ou parti- cipe-t-elle d’une iconographie plus générale dans les arts italiens du XVIe siècle ? Dans ce cas, quelle place l’imaginaire chevaleresque occupe-t-il dans le répertoire de la céramique ? De quelles traditions relève-t-il ? S’agit-il de l’élaboration d’une imagerie relevant d’un héritage médiéval, de l’ordre de l’imitatio, ou revue au prisme des conceptions humanistes, et donc témoignant d’une forme d’inventio des artisans ? Quels en sont les modèles, les sources littéraires et culturelles et les modalités de transposition ? Quelles caractéristiques, fonctions et significations peut-on alors lui donner ? Que traduit cet imaginaire quant aux goûts des commanditaires ? Quelles interactions avec les autres arts peut-on établir ? Quelles images et valeurs véhicule-t-il et en quoi apporte-t-il un éclairage sur la culture et les fonctions de l’image dans les intérieurs du Cinquecento ? Autant de questions que nous soulèverons en proposant une lecture pluridisciplinaire de ces majoliques chevaleresques, tout à la fois objets d’art et pièces d’usage, axée sur leur contexte et leur place dans les arts italiens de la Renaissance, les relations entre leur iconographie et les modèles, entre leurs formes et leurs usages, entre leurs fonctions socio-culturelles et leurs significations. Il s’agit in fine de présenter une réflexion globale sur la production et la réception de ces images créées par les maiolicari comme « peintures-objets », véhiculant des valeurs et des discours, en analysant les interactions entre art de la céramique, perspectives lit- téraire et artistique, sémiologie de l’image, culture visuelle et histoire du goût
The origins of my research project, “Ut maiolica epica” : painting chivalric world in 16th century Italian maiolica, lay in the fact that literary sources, from the Bible to Ovid, have greatly inspired decorative arts during the sixteenth century, especially in Italian humanist courts through illustrated books and prints. Transferring a literary text into ornamental design introduces the issue of the status of the images created by craftsmen but also induces a reflection about craftsmen’s aims, wondering how they used the iconographic sources and how the objects thus produced were understood by the patronage. A textual model handled by crafts- men, as soon as it was published in his final version in 1532, specifically holds attention : the Orlando furioso by Ariosto. This epic, which comes from the antique tradition of poetry as much as from medieval “chanson de geste”, was immediately successful with the artists, and more precisely, with ceramic painters. In fact, the fifty Italian ceramics or so inspired by the Furioso have been the source of a larger part of my research project : how this success with maiolica painters could be explained? So the central issue of that work is to explain how and why these chivalric models were used by ceramic painters during the Italian Renaissance. Many sub-questions relate to this research question in order to considerate it in all its com- plexity. The first one that arises is how we should understand this feature of the Italian maiolica : is it specific to this art or a mirror image of a larger chivalric iconography presence in the 16th century Italian decorative arts? The elaboration of an iconographic corpus is an important preliminary step to explore this issue : to explain why ceramics painters created chivalric images, it’s necessary to outline the general features of the iconography of chivalry in the early sixteenth century. This question is linked to a second one : is this iconography a medieval legacy or a humanist updating? Indeed, the issues of the part of imitatio and the part of inventio are clearly central. On the one hand, imitatio focuses on the medieval legacy in Italian 16th century chivalric iconography, the notion of transposition, the interactions with the other decorative arts as armours and cassoni. On the other hand, the question of inventio deals with the corpus analysis, the new iconographic subjects, the role of prints and illustrated books and the influence of contemporary paintings. This sub-question involves a last one: what does this iconography reveal about the patronage’s tastes, the notion of pomp and the cultural and social values of Italian Renaissance society? These “painting-objects”, coloured pictures but also functional objects as dish, plate, cup or ewer, relate to the relationships between the iconography, forms, functions and uses of Italian ceramics, their social and historical contexts and their semiology. In fact, the historiated ceramic was a luxurious produc- tion and, so, it was a way for commissioners to display their magnificence, to show their culture. The issue of values thus emphasized is important in order to carry out a general thinking from the production of these images in maiolica workshops to their reception and display by the clients. So, to explore these research questions, my study is based on a semantic and cultural reading of Italian domestic interior and on the interactions between ceramic art, icono- graphic analysis, material culture, literary viewpoint and sociocultural history

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Stauss, Dimitri. "Vers une compréhension des origines de Caravage : l'influence vénitienne par rapport à l'influence lombarde à travers le contexte historique, social et religieux du XVIe siècle". Montpellier 3, 2009. http://www.biu-montpellier.fr/florabium/jsp/nnt.jsp?nnt=2009MON30087.

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Abstract (sommario):

Cette thèse s'intéresse aux problèmes de l'influence vénitienne dans la peinture de Caravage. Pour cela, les différentes caractéristiques de l'art de Michel-Ange Merisi seront confrontées point par point , aux références vénitiennes, mais aussi lombardes, florentines et romaines. Dans ce travail ce sont également les contextes sociaux, religieux et culturels qui seront présentés, cela dans le but d'aborder la part importante des apports comme la littérature, la philosophie, la théologie, mais aussi les fréquentations directes du peintre, des apports qui ne soient pas purement picturaux. Nous traiterons dans un premier temps de la situation artistique, politique et religieuse dans laquelle le peintre va se former à Milan, le problème de l'hypothétique voyage à Venise sera également traité ici. Par la suite, nous présenterons les questions relatives au clair-obscur, à la couleur, au dessin, aux paysages, aux figures et à leur rendu naturel mais aussi à leur éventuelle source vénitienne. Dans un premier temps, nous nous appuierons sur des exemples précis et des comparaisons avec les principaux peintres de la Sérénissime comme Giorgione, Titien ou Tintoret, de manière à définir concrètement si on peut établir un quelconque lien entre eux et Caravage. Nous ne manquerons pas d'accorder une part conséquente à la peinture lombarde et aux artistes de la région de Milan dont l'influence première a été primordiale. Notre recherche a pour but d'établir un état des avancées réalisées sur le peintre, mais aussi de proposer des relations et des interprétations visant à faire progresser l'étude concernant ce dernier
This thesis deals with the problems of the Venetian influence in the paintings of Caravaggio. The different features of the art of Michelangelo Merisi are analysed and systematically compared to the Venetian's references, but also Lombards, Florentines and Romans. The social, religious and cultural contexts are also presented, as to highlight the major influence of literature, philosophy, theology, along with painter's acquaintances, influences wich are not merely pictorials. Firstly we paid particular attention to the artistic, political and religious in which the painter was immersed in Milano. The problem of the hypothetical journey in Venice is also treated. Then, we study the relative questions with regards to the chiaroscuro, to colour, to the drawings, to the landscapes, to the faces and to their natural effects shapes but also to their possible Venetian source. Lastly we use examples and comparisons with the main painters of the Serenissima such as Giorgione, Titian or Tintoret, in order to concretely define if one can establish any link between them and Caravaggio. It is essential to study the Lombard painting and the artists of the region of Milano whose influence was upmost primordial. Our study aims to establish the progress of research on the painter, but also to the offer links and interpretations so as the study progress

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Bonneau-Gaze, Odette-Anne. "Recherche sur le récit peint dans les Scuole Grandi de Venise entre XV et XVIème siècle ou la Quarta Dimensione du réalisme narratif". Paris 4, 1991. http://www.theses.fr/1990PA040177.

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Imbert, Anne-Laure. "Terres de Sienne, problèmes de représentation de la nature et du paysage dans la peinture siennoise (1270-1480)". Dijon, 2003. http://www.theses.fr/2003DIJOL025.

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Ribouillault, Denis. "Paysage et pouvoir : les décors topographiques à Rome et dans le Latium au XVIe siècle". Paris 1, 2006. http://www.theses.fr/2006PA010570.

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Abstract (sommario):

L'étude porte sur les représentations topographiques (vues de monuments, sites, villes, jardins, territoires) dans les décors des palais et des villas de Rome et du Latium au l6ème siècle. À partir de l'analyse de ce corpus, nous nous attachons à montrer comment la représentation du paysage à la Renaissance répond à des exigences d'affirmation et de légitimation du pouvoir territorial et à la question du statut aristocratique. Cette approche nous permet de proposer des lectures nouvelles de plusieurs décors du Vatican et de monuments importants comme la Villa Giulia à Rome, la Villa d'Este à Tivoli, la Villa Lante à Bagnaia et le Palazzo Farnese à Caprarola. La diffusion du genre doit aussi être mise en relation avec le phénomène de re-féodalisation de la campagne romaine aux 16me et l7ème siècles. Parallèlement, l'étude s'intéresse au dialogue entre paysage peint et paysage réel et à la conception topographique du paysage à la Renaissance

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Meyer-Roux, Karen. "L'iconographie de sainte Anne en Italie du centre et du nord aux XIVe et XVe siècles". Paris, EHESS, 1999. http://www.theses.fr/1999EHES0031.

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Abstract (sommario):

Cette these de doctorat porte sur l'iconographie de sainte anne, mere de la vierge marie, en italie du centre et du nord aux xive et xve siecles, un theme qui n'avait pas fait l'objet d'une etude d'ensemble jusqu'a present. L'epoque consideree correspond au moment ou la sainte acquiert l'audience la plus large dans la peninsule. Le memoire est compose de deux volumes. L'un, sous forme de catalogue raisonne, presente un inventaire aussi complet que possible des peintures murales et sur panneau ou figure sainte anne. Ce catalogue recense les representations de la sainte dans les cycles narratifs et les images de devotion en toscane, en ombrie, en venetie et en lombardie principalement. Le second volume offre une reflexion sur l'iconographie de sainte anne selon une perspective historique ; le cadre theologique de la devotion a sainte anne ainsi que les implications sociales et spirituelles des images y sont explores. Les representations de la sainte apportent un temoignage sur plusieurs aspects du dogme marial, en particulier celui qui concerne les modalites de la conception de la vierge. L'iconographie de sainte anne revele egalement les tatonnements et reflexions de la societe chretienne sur la famille et le couple.

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Burckhardt, Jacqueline. "Giulio Romano : Regisseur einer verlebendigten Antike : die Loggia dei Marmi im Palazzo ducale von Mantua /". St. Gallen : [s. n.], 1994. http://catalogue.bnf.fr/ark:/12148/cb361527584.

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Park, Sung-Eun. "Le paysage dans la peinture flamande du XVème siècle, à travers les aspects de la vierge à l'enfant". Aix-Marseille 1, 1989. http://www.theses.fr/1989AIX10036.

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Abstract (sommario):

La peinture flamande, a son age d'or, constitue une periode cle ou l'on voit apparaitre l'esprit du paysage moderne. Au sein d'une longue tradition de peinture religieuse, l 'evolution du paysage etait jusque la, peu sensible car trop liee a une localisation conventionnelle illustrant des themes bibliques. Le theme de la vierge a l'enfant ou l'on voit, a cette epoque, apparaitre un paysage realiste, se revele etre le cadre de transformations fondamentales. Ce cadre particulier, choisi a dessein pour offrir des conditions d'investigation proches de celles du laboratoire permet d'analyser les travaux de trois generations d'artistes et de mettre en evidence les influences historiques, sociologiques et picturales qui, conjuguees, ont determine une nouvelle conception du paysage : le paysage realiste flamand
Flemish painting, in its golden age, constitutes a key period where we see the spirit of modern landscape appear. In the heart of a long tradition of religious painting, the evolution of the landscape was until then insensitive because it was too tied to a conventional localisation illustrating biblical themes. The theme of the virgin and child where we can see appear a realistic landscape at this epoch, reveals itself to be the framework of fundamentals changes. This particular framework, chosen intentionally to provide the conditions of investigation close to those of the laboratory, allows the analysis of the works of three generations of artists and to bring to the fore the historical, sociological and pictural influences, which, combined, determined a new conception of the landscape : the realistic flemish landscape

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Vert, Xavier. "Le portrait-charge : image infamante, caricature et contre-figure en Italie, de la Renaissance à l'Age baroque". Paris, EHESS, 2011. http://www.theses.fr/2011EHES0101.

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Abstract (sommario):

Le portrait-charge se définit au croisement des disciplines historique, anthropologique et philosophique à partir de l'hypothèse d'un dépassement d'une histoire de la caricature dans une anthropologie de la charge. Cela suppose d'une part de réinterroger la caricature à partir des opérations auxquelles elle soumet l'effigie en mobilisant notamment une conception pragmatique de l'instance du spectateur. D'autre part de redéployer la notion de charge en s'interrogeant sur ce qu'il peut en être de son statut et de ses mises en œuvres aussi bien que des types de rapports qu'elle entretient avec les pratiques sociales, les croyances, le droit et la théologie. Cette recherche pose pour cadre général l'étude du portrait afflictif de la Renaissance jusqu'au seuil de l'époque baroque. Il s'agit dès lors de penser la charge des images dans la perspective d'une figurabilité de l'outrage et des pratiques infamantes. Il s'agit ensuite d'évaluer au sein d'un usage agressif de l'image un élément d'ambiguïté et de dérision. Le phénomène de la dérision est en effet l'un des plus complexes qui soient, si l'on veut bien ne pas couper ses manifestations individuelles et sociales de son implication théologique. Y rattacher la caricature ne signifie pas simplement voir en elle le contre-pied d'un idéal esthétique et héroïque mais aussi et surtout l'une des formes majeures de l'inversion comique
The portrait-charge defines itself at the crossroads of historical, anthropological and philosophical disciplines, on the hypothesis of going beyond caricature history into an anthropology of charge. On the one hand, this implies re-examining caricature on the basis of the operations to which it submits the effigy in mobilizing a pragmatic conception of the instance of the viewer. On the other hand, this implies reconceiving the notion of charge, by questionning its status and implementation as well as its various relationships with social practices, beliefs, law, and theology. The general framework of this thesis is the study of the afflictive portrait from the Renaissance up to the threshold of the baroque period. It is, therefore, necessary to consider the charge of images in the perspective of a figurability of outragous and infamous practices. The next step is to assess an element of ambiguity and derision within an aggressive use of the image. The phenomenon of derision is indeed one of the most complex, if one does not strip its individual and social manifestations of its theological implication. Linking caricature to this phenomenon does not simply mean to see in it the opposite of an aesthetic and heroic ideal, but also and above aIl, one of the major forms of comic inversion

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Tesi sul tema "Peinture de la Renaissance – Attribution"

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