Letteratura scientifica selezionata sul tema "Pédagogies de l'improvisation en danse"

Le hip-hop englobe quatre expressions artistiques qui sont constitutives de la culture hip-hop : le dj’ing, le rap, le breakdance et le graffiti. Le rap est une forme de « parler-chanter » exécuté sur des rythmes de bases produits par le Disc Jockey (DJ). Le breakdance est l’expression corporelle du hip-hop, c’est une danse à dimension athlétique, dont l’esthétique se base sur la rupture du flux dans des mouvements amples et fluides. Le graffiti correspond à l’art graphique du hip-hop, ces peintures se donnent à voir généralement sur le mobilier urbain au travers de fresques colorées, mais bien souvent le graffiti reprend sous une forme quasi hiéroglyphique le pseudonyme de l’auteur. Il se distingue du tag par l’usage des techniques de spray, la superposition des couleurs ainsi que par des effets d’ombrage (Bazin 1998). Étymologiquement, « hip-hop », serait la composante de deux termes en anglais hip, qui est issu de l'argot de la rue, le jive talk, qui signifie « être dans le vent, être branché » et to hop qui se traduit littéralement par le verbe danser. Il existe aussi la possibilité que le terme hip-hop soit repris des onomatopées dans la langue anglaise et qui sont présentes dans le langage rap, ainsi on retrouve « hip » qui consiste à encourager et « hop » qui est l'onomatopée qui désigne l'action de sauter. Ces termes étaient utilisés et scandés par les DJ’s habitués à prendre le microphone afin d’encourager les danseurs et haranguer la foule lors des block parties (Toop 1984). D’un point de vue historique et compte tenu de l’hétérogénéité des éléments constitutifs de la culture hip-hop, il est complexe d’indiquer avec précision le moment fondateur de cette expression culturelle même si les années 1970 font consensus dans la communauté des chercheurs. Cependant, d’un point de vue géographique, le ghetto du Bronx apparaît comme le lieu de naissance de la culture hip-hop, d’ailleurs la Smithsonian Institution et le National Museum of American History ont reconnu le « 1520 Sedgwick Avenue » dans le Bronx comme « lieu d’invention » de la culture hip-hop. En effet, les différents éléments de la culture hip-hop se donnaient à voir de façon simultanée dans les block parties du Bronx. Ces fêtes improvisées prenaient place dans les écoles, les centres communautaires, les maisons abandonnées ou bien encore dans les jardins publics. Elles constituaient le moment de loisir privilégié d’une jeunesse délaissée voulant s’épanouir dans un New York en pleine mutation et qui n’offrait alors que peu d’opportunité, de joie et de plaisir (Chang 2005). Pour la jeunesse afro-américaine et caribéenne, habitant le ghetto et victimes collatérales des coupes budgétaires et de la rénovation urbaine, le hip-hop et notamment ces block parties constituaient un moyen d’exprimer une autre façon de vivre le ghetto par la création d’un exutoire salvateur qui leur permist d’appréhender de façon plus ludique les problèmes quotidiens auxquels ils étaient confrontés. Véritable remix urbain des cultures vernaculaires afro-américaines et caribéennes, le hip-hop se nourrit autant de son hybridité que des objets que pouvait lui fournir l’environnement urbain en matières de décors et de lieux d'inspiration, mais également en matières de technologie (spray, sonorisation, hifi) (Gilroy 2003 ; Rose 1994). De plus, l’influence au niveau musical, plastique et rhétorique ne se limite pas à l’Amérique du Nord et la Caraïbe, les civilisations asiatiques, par exemple font également figure de ressources dans lesquels puisent les hip-hoppers. Aujourd’hui en tant qu’objet culturel transnational, on constate la capacité du hip-hop à s’adapter au contexte culturel et social dans chaque partie du globe où il s’exprime (Mitchell 2001). Ces transformations et ces aspects hybrides reflètent l’ « état d’esprit » du hip-hop qui se veut être un espace expérimental non exclusif où les problèmes contemporains et les forces ancestrales fonctionnent ensemble, simultanément, devenant dès lors une figure du métissage (Laplantine et Nous 2001) Néanmoins, malgré l’extraordinaire pluralité des acteurs et des expressions que mobilise la culture hip-hop, il est intéressant d’observer que les hip-hoppers représentent bien souvent des secteurs marginalisés dans leur propre société et qu’ils sont au centre de revendications sociales et égalitaires (Osumare 2007). Bien souvent, le hip-hop constitue la bande sonore d’activistes et il accompagne et/ou porte des pédagogies alternatives en direction des jeunesses de rue (Ailane 2011). Il n’existe pas a priori un cadre d’analyse spécifique de la culture hip-hop en sciences humaines et sociales. Il est un objet d’étude complexe et plurivoque, sans cesse en train de se reformuler, il intègre de nouvelles modalités autant au niveau musical, corporel que dansé. Les causes de cette dynamique seraient à comprendre par sa distribution géographique qui le diversifie d’autant plus. Mais encore, en y regardant de plus près, le hip-hop occupe une place relative dans la vie de ses adeptes, certains le considèrent comme un simple loisir (écouter de la musique par exemple) voire l’identifient à un sport (pour certains pratiquants de breakdance), ou bien l’embrassent tel un mode de vie (les activistes du mouvement hip-hop). Selon les acteurs, le lieu d’expression et le contexte, le hip-hop se donne donc à voir de manière non-monolithique ; il présente inévitablement des variations qui rendent difficile son étude de façon trop généraliste. Il est, compte-tenu de cette hétérogénéité dans la pratique, difficile de se saisir du hip-hop, a fortiori, lorsqu’il s’agit de le mobiliser dans une recherche en sciences sociales. L’approche ethnographique et l’immersion dans l’univers micro-cosmique des hip-hoppers est ainsi souvent privilégiée (Condry 2006 ; Forman 2002 ; Pardue 2008 ; Perullo 2011). Toutefois, l’anthropologie et la sociologie urbaine sont souvent mobilisées pour aborder le hip-hop car en tant que culture urbaine, il permet d’accéder à une lecture de l’univers urbain par le récit que font les hip-hoppers de leur quotidien et l’usage qu’ils font des espaces publics. Le hip-hop peut être considéré comme une ressource fertile pour les chercheurs s’intéressant aux « marges urbaines ». Cette approche n’est pas dénuée de biais car bien souvent, le logiciel utilisé pour analyser les pratiques hip-hop est associé aux problématiques liées aux « pathologies urbaines », violence, trafic, délinquance, exclusion/inclusion, stigmatisation, marginalisation, mettant dès lors de côté, ou du moins minimisant, l’innovation culturelle et sociale dont font preuve les groupes juvéniles. Par ailleurs, les théoriciens des « cultures juvéniles » ont trouvé dans le hip-hop un terrain fertile pour mettre en mouvement leurs pensées. Dans la lignée des cultural studies, les chercheurs ont privilégié les approches qui analysent les rapports entre le hip-hop, considéré sous sa dimension de « subculture résistante » et la culture dite dominante. Cette perspective se concentre notamment autour de problématiques liées à l’authenticité. Bennet (1999) les oppose selon deux points de vue. Le premier consiste à penser l’authenticité dans le hip-hop à travers la préservation de ses origines en tant que culture de rue afro-américaine. Le second point de vue se développe sur une autre conception du hip-hop, considéré comme la construction d’un « lien » qui permettrait le « dialogue » entre les populations afro-diasporiques liées par l’expérience de l’esclavage. Ces deux tendances bien qu’opposées, ont toutefois le large défaut de considérer le hip-hop comme une expression essentiellement afro-centrée et elles évacuent un pan important de hip-hoppers qui ne sont pas noirs et/ou qui ne se revendiquent pas d’une communauté afro-diasporique. L’enjeu des recherches actuelles sur le hip-hop serait donc d’interroger également la dynamique culturelle provoquée par la relocalisation de ces musiques noires dans un contexte global, marqué par le capitalisme occidental et la circulation rapide d’images culturelles dans des lieux dans lesquels elles ont trouvé un nouvel écho

Cette recherche porte sur l'usage de pratiques corporelles du champ de la danse contemporaine et des techniques somatiques dans des contexte de soin et de précarité sociale. À travers trois études de cas, elle s'intéresse à la manière dont de telles pratiques peuvent soutenir des processus de subjectivation aux potentiels émancipateurs. Proches des dispositifs de recherche-action, elles proposent une diversité d'outils méthodologiques et de postures de recherche. Les trois expériences, qui composent les trois parties de la thèse, sont : un projet d'ateliers hebdomadaires de la méthode Feldenkrais dans un service d'Appartements de coordination thérapeutique (A.C.T.) à Kremlin-Bicêtre ; une intervention avec des ateliers d'éducation somatique et de danse dans un club thérapeutique parisien, dans le champ de la psychiatrie ; et l'expérience de partage d'une pièce chorégraphique, Legacy (2015), de Nadia Beugré, avec un groupe de femmes, habitantes d'Aubervilliers, dans le cadre du projet expérimental de médiation artistique, porté par le CND, nommé IMAGINE
This practice-based research focuses on the use of body practices from the field of contemporary dance and somatic techniques in contexts linked to health issues and social precarity. Through three case studies, it considers the way such practices may sustain some processes of subjectivation, with emancipatory potential. Close to certain action research schemes, the three studies have been selected from a larger corpus of interventions as a researcher-practitioner. They showcase an array of methodological tools and stances of investigation, and they constitute the three parts of this memoir : a project of weekly workshops within a department of therapeutic lodgings (A.C.T) in Kremlin-Bicêtre ; an intervention with dance and somatic education workshops in a therapeutic social club in Paris, in the field of psychiatry ; and the experience of sharing a choreographic piece, Legacy (2015), by Nadia Beugré, with a group of women, residents of Aubervilliers, in the framework of the experimental project of artistic mediation, sustained by the National Center of Dance (CND), named IMAGINE

L'improvisation a une place importante dans la danse contemporaine, soit pour permettre au chorégraphe d'inventer de la matière gestuelle et de composer, soit en tant qu'oeuvre qui se construit dans l'instant, l'improvisation spectacle. Cette thèse s'intéresse à comprendre comment le danseur improvisateur procède pour créer dans l'immédiat, et fait la supposition de la nécessité d'une conscience affinée de son propre corps et de son environnement scénique. Trois artistes improvisateurs (Michel Raji, Loïc Touzé et Pascal Quéneau) se sont produits sur scène dans le cadre de cette étude et ont répondu à différents entretiens afin d'expliquer et d'analyser leur travail. Le cadre théorique que propose la Gestalt-thérapie permet, grâce à des concepts comme la théorie du self, le cycle de contact-retrait, l'awareness, le vide fertile, d'analyser l'interaction d'un individu avec son environnement dans un contexte précis et sa manière de répondre à des besoins. En utilisant ce cadre, il a été mis en évidence cinq spécificités qui pourraient caractériser l'improvisation en danse. Lorsqu'il improvise, l'artiste raconte sur scène sa propre histoire à travers son style personnel. Il adapte son travail en fonction du contexte dans lequel il se produit. Il s'appuie sur une structure compositionnelle qu'il a pensée antérieurement. La relation au moment présent est essentielle aussi bien dans la dimension immédiate du geste que dans la dimension contemporaine, historique et esthétique. Enfin, l'invention de mouvements dans l'instant, la vigilance et l'engagement dont font preuve les improvisateurs, caractérisent leur facilité à être dans l'awareness

La rencontre de la philosophie avec la danse, en redéfinissant un terrain théorico-pratique, permet de saisir les corporéités en jeu à un niveau sensible et à un niveau représentationnel, à travers la relation gravitaire. Les collectifs de danse qui se constituent dans les années 1960 et 1970 aux États-Unis (le Judson Dance Theatre et le Grand Union) mettent en cause la fonction-auteur entre les membres des collectifs, et opèrent une répartition du poids dans le corps et entre les corps. L'improvisation exprime singulièrement quelques-unes des multiples directions prises par cette déhiérarchisation, dans une expérience gravitaire qui permet en même temps d'en critiquer le mythe d'une authenticité à soi et de poser les termes du problème d'une composition dans l'immédiateté. En travaillant cette dernière au plus près des mouvements dansés de Julyen Hamilton, se pense un présent de l'improvisation comme attention, dans un écho saisissant avec la philosophie de la durée de Bergson. En partant de la question de la posture intuitive se développe une pensée précise et critique de l'immédiateté et d'une composition immédiate comme différenciations qualitatives, hétérogénéités et agencements. Les déplacements qu'opère l'improvisation sur les terrains du possible renouvèlent une pensée de l'actualisation et des devenirs, dans des échos deleuziens, qui travaillent le champ de la représentation, et se situent ainsi au cœur des enjeux contemporains de la philosophie entre art et politique (Deleuze, Rancière), exigeant de penser et repenser l'écart qui saisit finement la réalité d'une production et composition immédiates
This encounter between philosophy and dance -in redefining a theoretic-practical field- offers an opportunity to seize corporeities at play in dance from both sensitive and representational points of view, through its relationship with gravity. By splitting the weight in and amongst bodies, North American dance groups of the sixties and seventies (like The Judson Dance Theatre and The Grand Union) have called into question the author's function amid group members. Ever since then, improvisation has singularly expressed some of the many ways taken by that dehierarchization. And it has done so through a gravitational experience that allows both to criticise the myth of authenticity towards oneself, and to come to terms with the problem of composition and immediacy. Working closely with the danced movements of Julyen Hamilton, the present time of improvisation as attention is rethought in consonance with Bergson’s philosophy of duration. And departing from the common question of intuitive posture, a detailed and critical consideration of immediacy and immediate composition is undertaken in terms of qualitative differentiation, heterogeneity and assemblage. Finally, the shifts introduced by improvisation in the field of possibility renew the need for a philosophy of actualisation and becoming. At the same time, this shifts contest the grounds of representation in the edge of arts and politics that has livened up the latest philosophical debates (Deleuze, Rancière). And they force to think and rethink the separation "écart" set up in immediate production and composition

L'auteur retrace l'évolution de l'enseignement de l'improvisation à la classe d'orgue du Conservatoire de Paris de 1819 à 1986, sous les professorats de François Benoist, César Franck, Charles-Marie Widor, Alexandre Guilmant, Eugene Gigout, Marcel Dupré et Rolande Falcinelli, à travers l'analyse musicale des thèmes des trois niveaux de concours et examens, croisée avec celle d'une sélection des thèmes de classe, selon une méthodologie informatique spécifique. La documentation officielle (procès-verbaux de concours, règlements des études) et les notes des professeurs complètent les données thématiques. Après un bref panorama du cadre institutionnel, l'étude successive des orgues de la classe et des trois matières enseignées (plain-chant/grégorien, fugue et improvisation libre) permet de distinguer les détails des diverses étapes évolutives. Voué d'abord à la seule improvisation, l'enseignement intègre en 1852 l'interprétation, et, en 1971, une réforme consacre la scission de la classe en deux sections indépendantes d'exécution et d'improvisation. Jusqu'en 1971, l'orientation pédagogique privilégie la technicité, au moyen de l'étude de formes scolastiques ; à partir de 1971 la nouvelle section d'improvisation adopte une démarche plus créative, en abandonnant formes et langage rigoureux au profit de l'approche des grands genres du répertoire dont le schéma formel est laissé au libre choix des étudiants. En synthèse, une réflexion sur la situation française actuelle de l'improvisation à l'orgue est engagée à partir d'une enquête auprès des anciens élèves de la classe d'orgue du conservatoire
The author explores the evolution of improvisation teaching at the organ class of the Paris Conservatoire between 1819 and 1986 - under teachers such as François Benoist, Cesar Franck, Charles-Marie Widor, Alexandre Guilmant, Eugène Gigout, Marcel Dupré and Rolande Falcinelli - through a computerized cross analysis of themes set at the three levels of examination, and a selection of themes given during classes. Teachers' notes and various official sources - examination reports and school regulations - complement this thematic material. After a brief survey of the institutional context, a careful study of the successive instruments available at the class and of the three topics taught - plain and gregorian chant, fugue, free improvisation - sets light on the various phases of the evolution. Having been dedicated solely to improvisation, the organ class as from 1852 also included interpretation until 1971, when the reforms of that year split the class into two independent sections, one for improvisation, and one for interpretation. Until 1971, the educational orientation had put greater emphasis on technical skills through study study of classical forms. As of this date, the newly independent improvisation class took on a more creative outlook. Renouncing strict forms and languages, and opting instead for an approach of the different types of repertoire where the students were able to select their own formal outline. In conclusion, a survey involving former pupils of the organ class at the conservatoire forms the basis for a discussion on the current situation of organ improvisation in France

Cette étude a été menée en classe de secondaire, filière concentration danse. De type « étude de cas », elle avait pour but de décrire les pratiques pédagogiques de deux enseignantes d'ateliers d'improvisation, en relevant leurs approches du sensoriel et de l'imaginaire dans le développement de l'acte créatif. Dans les deux cas, l'analyse des données d'observations participantes et d'entrevues a mis au jour une démarche en trois étapes, allant du perceptif au productif et à l'expressif. L'analyse détaillée a révélé que les deux enseignantes ont eu recours à des stratégies d'enseignement majoritairement similaires à chacune de ces étapes, même si selon leurs croyances et leurs vécus, elles ont différé à quelques occasions. Cette étude contribue à faire des liens entre les propositions théoriques sur la créativité et son développement et les connaissances du terrain de la pratique de l'enseignement de l'improvisation en milieu scolaire. Elle propose aux enseignants en danse, et autres disciplines, une réflexion sur les stratégies d'enseignement liées au développement de la compétence à créer.