Tesi: "MIES" – Grafiati

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Mantovani, Genari Eduardo. "Mies' two-way span". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2015. http://hdl.handle.net/10803/402785.

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Abstract (sommario):

The 50' x50' House Project (1951-1952) introduces the construction of a new formal system in the work of Mies van der Rohe (1886-1969): the two-way span buildings. In 1951, at age 65 and after more than a decade in the US, Mies potentiates the formal construction of its architecture incorporating American technique to his intellectual formation -forged in the centre of modern European avant-garde. In an environment of economic and cultural prosperity, he experiences a period of intense architectural production and completes the Farnsworth House (1945-1951 )-one-way span-, and the 860-880 Lake Shore Drive (1948-1951 ) -skeleton frame. The proposal of the House 50' x 50' implies an abstract exercise in composition: a horizontal plane of square geometry superimposed on a horizontal reference plane of previously undefined limits -roof plan and ground plan; figure and ground. After solving the intrinsic conditions for architecture -technique, use and site- and its precise relationship to the geometric limit, Mies defines the minimums for a two-way span structure and the formal principles governing the construction of other projects in the system. In the 1950s and 1960s, Mies uses the same approach -with different scales, techniques, uses and sites- in five projects: 50' x50' House (1951 -1952); Convention Hall, Chicago, USA(1953-1954) (720 'x720'); Offices Ron Bacardi, Santiago, Cuba (1957-1960) (180 'x180'); Museum George Schaefer, Schweinfurt, Germany (1960-1963) (190 'x 190'); and National Gallery, Berlín, Germany (1962-1968) (212 'x 212')-the only project built from the system and conclusion of his research. The thesis focuses on the building process of Mies' two-way span, from the approach used with 50' x 50' House - 1951- until the construction of the Berlín Gallery-1968. lt aims understanding and visual confirmation of the internal order of each project and the system as a whole. Driven by precise criteria of the formal relationship, the definition of a city environ from a horizontal plane of square geometry, summarizes Mies' architectural principles, and materializes - in its maximum expression- the most consistent principles of modern art.
El proyecto de la Casa 50' x 50' (1951-1952) introduce la construcción de un nuevo sistema formal en la obra de Mies van der Rohe (1886-1969): los edificios diáfanos de estructura bidireccional, o two-way span. En 1951 , con 65 años y tras más de una década en Estados Unidos, Mies potencializa la construcción formal de su arquitectura incorporando la técnica americana a su formación intelectual - forjada en el centro de las vanguardias artísticas modernas europeas. En un entorno de prosperidad económica y cultural, vive un periodo de intensa producción arquitectónica y acaba de construir la Casa Farnsworth (1945-1 951) -one-way span- y las torres 860-880 del Lake Shore Drive (1948-1951) -skeleton trame. En la propuesta de la Casa 50' x 50' está implícito un ejercicio abstracto de composición: un plano horizontal de geometría cuadrada superpuesto a un plano horizontal de referencia de limites previamente indefinidos - plano de cubierta y plano de suelo; figura y fondo. Tras la solución de las condiciones intrínsecas a la arquitectura - técnica, programa y sitio-, y su precisa relación con el límite geométrico, Mies define la mínima estructura diáfana bidireccional y los principios formales que rigen la construcción de los demás proyectos del sistema. En las décadas de 1950 y1960, Mies utiliza el mismo planteamiento - con diferentes escalas, técnicas, programas y sitios en cinco proyectos: Casa 50' x 50' (1951-1952); Convention Hall, Chicago, Estados Unidos (1953-1954) (720' x 720'); Oficinas Ron Bacardí, Santiago, Cuba (1957-1960) (180' x 180'); Museo Georg Schaefer, Schweinfurt, Alemania (1960-1962) (190' x 190'); y Galería Nacional, Berlín, Alemania (1962-1968) (212' x212') - único proyecto construido del sistema y punto final de su investigación. La tesis se centra en el proceso de construcción de la forma de los edificios diáfanos de estructura bidireccional de Mies ,desde el planteamiento de la Casa 50' x 50' - 1951- hasta la construcción de la Galería de Berlín - 1968. Visa la comprensión y comprobación visual del orden interno de cada proyecto y del sistema como un todo. Conducido por precisos criterios de relación formal, la definición de un ámbito de ciudad a partir de un plano horizontal de geometría cuadrada, condensa los principios de la arquitectura de Mies, y materializa -en su máxima expresión- los principios más consistentes del arte moderno.

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Llobet, Ribeiro Xavier. "Mies y Hilberseimer: la metrópolis como ciudad jardín". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2005. http://hdl.handle.net/10803/127155.

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Abstract (sommario):

In this thesis we discover a model of city developed jointly by the architect Mies van der Rohe and the city planner Ludwig Hilberseimer, which we have called the Metropolis as a Garden City. This name comes from a sketch by Hilberseimer in 1927, where we can see how he wanted to incorporate the architectural prototype of the Weissenhof colony in his city planning schemes. The Metropolis as a Garden City is a model of an ecological, sustainable, and socially just city, which remained completely hidden because of the disciplinary division their own authors established. To reconstruct it, we have decided to establish a double look analyzing the architecture of Mies through the eyes of Hilberseimer, and the city planning of Hilberseimer through the eyes of Mies. In the first part, we analyze the historical and cultural context where the Metropolis as a Garden City is produced, that is to say, its SUPERSTRUCTURE. From the analysis of a text by Mies and another by Hilberseimer, we discover that the antecedents of the Metropolis as a Garden City are in the theory of the Linear City by Arturo Soria (1882), and in the theory of the Garden Cities by Ebenezer Howard (1898). In the second part, we analyze the city planning model of the Metropolis as a Garden City. We arrive to the conclusion that the great contribution of Hilberseimer is produced in the field of the INFRASTRUCTURES, and we create the hypothesis that the first city planning models by Hilberseimer are applications of the theory of the Linear City. The next step was to introduce the variable of the landscape through the architectural model of the Weissenhof. In the third part, we analyze the transformation of the urban space from the architecture, which Mies calls STRUCTURES. Mies propose to redefine the texture of the city from the concept of mixed height, that is to say, mixing the architecture of the city and the architecture of the suburb. We create the hypothesis that this mixture is an application of the theory of the Garden Cities. The first example is the Weissenhof colony. If we bear in mind the refusal which the city planning of Le Corbusier suffered after the Second World War; the necessity to “deconstruct” the political and philosophical systems in the 60s and 70s; and the serious social and environmental pathologies we suffer now, maybe we would appraise the possibility to put the Metropolis as a Garden City in practice, and to convert it in a framework to our own generation and to the future generations
En aquesta tesi es descobreix un model de ciutat desenvolupat conjuntament per l'arquitecte Mies van der Rohe i l'urbanista Ludwig Hilberseimer, el que hem anomenat la metròpoli com la Ciutat Jardí. Aquest nom prové d'un esbós de Hilberseimer el 1927, en el qual podem veure com es volia incorporar el prototip arquitectònic de la colònia Weissenhof en els seus esquemes de planificació de la ciutat. La Metròpoli com Ciutat Jardi és un model d'una ciutat ecològica, sostenible i socialment justa, que va quedar completament ocult a causa de la divisió disciplinària seus propis autors van establir. Per reconstruir-lo, hem decidit establir una doble mirada analitzar l'arquitectura de Mies a través dels ulls de Hilberseimer, i la planificació de la ciutat de Hilberseimer a través dels ulls de Mies . A la primera part, s'analitza el context històric i cultural en què es produeix la metròpoli com a ciutat jardí, és a dir, la seva superestructura. A partir de l'anàlisi d'un text de Mies i un altre per Hilberseimer, vam descobrir que els antecedents de la Metròpoli com Garden City estan en la teoria de la Ciutat Lineal d'Arturo Soria ( 1882 ), i en la teoria de les Ciutats Jardí d'Ebenezer Howard ( 1898 ). A la segona part , s'analitza el model de planificació de la ciutat de la metròpoli com la Ciutat Jardí. Arribem a la conclusió que la gran aportació de Hilberseimer es produeix en el camp de les infraestructures, i vam crear la hipòtesi que els primers models de planificació de la ciutat per Hilberseimer són aplicacions de la teoria de la Ciutat Lineal. El següent pas va ser la introducció de la variable del paisatge a través del model arquitectònic de la Weissenhof. A la tercera part, s'analitza la transformació de l'espai urbà de l'arquitectura, que Mies diu ESTRUCTURES. Mies proposa redefinir la textura de la ciutat des del concepte d'altura mixt, és a dir, la barreja de l'arquitectura de la ciutat i l'arquitectura del barri. Creem la hipòtesi que aquesta barreja és una aplicació de la teoria de les ciutats - jardí. El primer exemple és la colònia Weissenhof . Si tenim en compte la negativa que la planificació de la ciutat de Le Corbusier va patir després de la Segona Guerra Mundial, la necessitat de "deconstruir" els sistemes polítics i filosòfics en els anys 60 i 70 , i les greus patologies socials i ambientals que patim ara, potser podríem avaluar la possibilitat de posar la metròpoli com ciutat jardí a la pràctica, i per convertir-lo en un marc per a la nostra generació i per a les generacions futures
En esta tesis se descubre un modelo de ciudad desarrollado conjuntamente por el arquitecto Mies van der Rohe y el urbanista Ludwig Hilberseimer, lo que hemos llamado la metrópoli como la Ciudad Jardín. Este nombre proviene de un boceto de Hilberseimer en 1927, en el que podemos ver cómo quería incorporar el prototipo arquitectónico de la colonia Weissenhof en sus esquemas de planificación de la ciudad. La metrópolis como ciudad jardin es un modelo de una ciudad ecológica, sustentable y socialmente justa, que quedó completamente oculto debido a la división disciplinaria sus propios autores establecieron. Para reconstruirlo, hemos decidido establecer una doble mirada analizar la arquitectura de Mies a través de los ojos de Hilberseimer, y la planificación de la ciudad de Hilberseimer a través de los ojos de Mies . En la primera parte, se analiza el contexto histórico y cultural en el que se produce la metrópoli como ciudad jardín, es decir, su superestructura. A partir del análisis de un texto de Mies y otro por Hilberseimer, descubrimos que los antecedentes de la Metrópoli como Garden City están en la teoría de la Ciudad Lineal de Arturo Soria (1882), y en la teoría de las Ciudades Jardín de Ebenezer Howard (1898). En la segunda parte, se analiza el modelo de planificación de la ciudad de la metrópoli como la Ciudad Jardín. Llegamos a la conclusión de que el gran aporte de Hilberseimer se produce en el campo de las infraestructuras, y creamos la hipótesis de que los primeros modelos de planificación de la ciudad por Hilberseimer son aplicaciones de la teoría de la Ciudad Lineal. El siguiente paso fue la introducción de la variable del paisaje a través del modelo arquitectónico de la Weissenhof. En la tercera parte, se analiza la transformación del espacio urbano de la arquitectura, que Mies llama ESTRUCTURAS. Mies proponen redefinir la textura de la ciudad desde el concepto de altura mixto, es decir, la mezcla de la arquitectura de la ciudad y la arquitectura del barrio. Creamos la hipótesis de que esta mezcla es una aplicación de la teoría de las ciudades-jardín. El primer ejemplo es la colonia Weissenhof. Si tenemos en cuenta la negativa que la planificación de la ciudad de Le Corbusier sufrió después de la Segunda Guerra Mundial, la necesidad de "deconstruir" los sistemas políticos y filosóficos en los años 60 y 70, y las graves patologías sociales y ambientales que sufrimos ahora, tal vez podríamos evaluar la posibilidad de poner la metrópoli como ciudad jardín, en la práctica, y para convertirlo en un marco para nuestra generación y para las generaciones futuras

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Müller, Ulrich Gropius Walter. "Raum, Bewegung und Zeit im Werk von Walter Gropius und Ludwig Mies van der Rohe /". Berlin : Akad.-Verl, 2004. http://www.gbv.de/dms/bs/toc/379095920.pdf.

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Mies, Sebastian [Verfasser], e M. [Akademischer Betreuer] Zitterbart. "Autonomous Interconnection of Heterogeneous Networks / Sebastian Mies. Betreuer: M. Zitterbart". Karlsruhe : KIT-Bibliothek, 2012. http://d-nb.info/1026283787/34.

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Moliner, Xavier. "El Fotomuntatge arquitectònic. El cas de Mies Van der Rohe". Doctoral thesis, Universitat de Girona, 2010. http://hdl.handle.net/10803/7858.

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Abstract (sommario):

ATENCIÓ: el pes del fitxer txmm3de3.pdf és de 70 MB
RESUM:
El treball realitzat vol ser un anàlisi exhaustiu de l'efecte causat per l'aparició de la fotografia en la representació de l'arquitectura, la seva introducció en les presentacions dels projectes i l'ús del fotomuntatge. Amb el canvi de segle, del dinou al vint, la fotografia ja va començar a entrar en les diferents disciplines artístiques inclosa l'arquitectura, de tal manera que amb l'aparició de les avantguardes artístiques els moviments arquitectònics
moderns també es van mostrar reaccionaris i van incloure, a part de nous conceptes arquitectònics, noves maneres de presentar-les, la qual cosa els va acostar a les propostes pictòriques i conseqüentment a la introducció
de la fotografia en el seu procés de treball i de presentació.
The study undertaken aims to present a comprehensive analysis of the impact of the emergence of photography in the representation
of architecture, its introduction into project presentations and the use of photomontage.
As the 19th century gave way to the 20th, photography had already begun its inroads into other artistic disciplines, including
architecture, hence the fact that with the emergence of the artistic avant-garde modern architectural movements also registered a reaction
and included, in line with the new architectural concepts, new ways of presenting them, moving closer to pictorial approaches, and hence the introduction of photography within their working and presentational process.

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Kim, Ransoo. "The "art of building" (BAUKUNST) of Mies van der Rohe". Diss., Available online, Georgia Institute of Technology, 2006, 2006. http://etd.gatech.edu/theses/available/etd-05042006-143310/.

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Abstract (sommario):

Thesis (Ph. D.)--Architecture, Georgia Institute of Technology, 2007.
Lewcock, Ronald B., Committee Chair ; Gamble, Michael E., Committee Member ; Bafna, Sonit, Committee Member ; Trubiano, Franca, Committee Member ; Mical, Thomas, Committee Member.

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Moon, Junsik S. M. Massachusetts Institute of Technology. "Shape grammar for Mies van der Rohe's high-rise apartment". Thesis, Massachusetts Institute of Technology, 2007. http://hdl.handle.net/1721.1/39310.

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Abstract (sommario):

Thesis (S.M.)--Massachusetts Institute of Technology, Dept. of Architecture, 2007.
Includes bibliographical references (leaves 49-50).
This thesis explores an application of a rule-based method to a practical architecture design. It uses shape grammar, a paradigm of generating designs in a specific style by using shape tokens (architectural elements) and rules of transforming between them. If a shape grammar can be made for mass production design that needs many repetitious units with slight differences, it would be very productive and valuable in the context of professional architectural practice. As an example, this thesis proposes a shape grammar for generating apartment plans in the style of Mies van der Rohe's high-rise projects that he made in the first half of twentieth century. Through this grammar, alternative apartment plans with different volumetric schemes can be developed rapidly for the given site, and allow an architect to quickly evaluate different possibilities of a building's mass and layout. Such a grammar also can be a good pedagogical tool, and an architectural student can use it to study and understand Mies van der Rohe's apartment designs. The thesis evaluates the advantages and the disadvantages of this shape grammar in the context of professional practice, and discusses the possibilities of similar grammars that could be developed for other architectural styles.
by Junsik Moon.
S.M.

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Sales, Emanuel Belisário da Cunha. "Estrutura e espacialidade na obra de Mies van der Rohe". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2009. http://hdl.handle.net/10183/24765.

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Abstract (sommario):

O presente trabalho trata da análise da estrutura e da espacialidade na obra de Mies van der Rohe. O objetivo é identificar sistemas e estratégias estruturais diversas ao longo do seu trabalho e entender sua relação com a evolução da concepção espacial de suas obras. Adotou-se como referência para esta análise dois períodos da carreira de Mies: o Período Europeu, de 1906 a 1938, e o Período Americano de 1938 a 1968, nos quais foram identificadas respectivamente quatro fases estruturais, conforme os sistemas estruturais e espaciais utilizados. A investigação centrou-se em quatro obras de referência do arquiteto: o Pavilhão de Barcelona (1928-29), o Crown Hall (1950), o Edifício Seagram (1954) e a Neuegalerie (1968). Compreendendo que o elemento poético da obra do arquiteto, aquele a partir do qual se articulam estrutura e espacialidade, é a tectônica, buscou-se analisar as convergências entre concepção espacial e estrutural e a tectônica destas obras. O resultado mostra que Mies van der Rohe, através de sessenta anos de ensaios e pesquisas estruturais e espaciais, consegue nas décadas de 1950-60 chegar à essência da sua obra: a estrutura como meio ordenador espacial do edifício.
This dissertation analyzes the structure and spatial characteristics on Mies van der Rohe´s work. The goal is to identify many structural strategies and systems throughout Rohe's work in order to understand their relationship with his spatial conception evolution. Two periods of Rohe's career were adopted as reference for this analysis: the European period, from 1906 to 1938, and the American period, from 1938 to 1968. In these periods, four structural stages were identified according to the structural and spatial systems used. The investigation focused on four of his key works: Barcelona Pavilion (1928), Crown Hall (1950), Seagram Building (1954) and Neuegalerie (1968).Understanding that the poetic element within the architect´s work - that from which structural and spatial concepts articulate - is its tectonic element, it was developed here the analysis of the convergence between the space and structural conceptions and the tectonics of the cited works. The dissertation finds that Mies van der Rohe - after 60 years of attempts, and structural spatial researches - achieved, during the 50s and 60s , the essence of his work: the structure as the spatial organizer of the building.

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Massu, Claude. "Modernité et post-modernité : architecture et urbanisme à Chicago". Paris 1, 1987. http://www.theses.fr/1987PA010553.

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Abstract (sommario):

La presente these se propose d'analyser et d'interpreter en termes de modernite certains aspects de l'architecture et de l'urbanisme a chicago depuis la fin de la seconde guerre mondiale jusqu'au debut des annees 1980. La pratique architecturale et urbanistique du modernisme fait l'objet de la premiere partie. L'oeuvre de mies van der rohe a chicago est analysee en fonction de problemes esthetiques, economiques et de structure constructive. Puis, les realisations de l'agence skidmore, owings et merrill, de w. Netsch et de b. Goldberg sont tour a tour envisagees comme des facettes de la modernite constructive a chicago. La deuxieme partie est centree sur les doctrines et pratiques postmodernistes depuis le milieu des annees 1970. Les exemples retenus (helmut jahn, thomas beeby et stanley tigerman) mettent en evidence une logique de l'historicisme et de la communication semiologique dans l'architecture actuelle a chicago. Dans la troisieme partie, on vise a donner une interpretation globale du corpus analyse precedemment. La these presentee est la suivante : les continuites entre le modernisme et le post-modernisme sont plus significatives que les ruptures ouvertement proclamees entre ces deux pratiques artistiques. Une meme notion de la modernite les englobe. Le reperage de ces differents niveaux de continuite permet de souligner des enjeux fondamentaux sur le statut et la fonction socio-economique de l'architecture dans la societe americaine contemporaine
This thesis is an analysis ans interpretation in terms of modernity of some aspects of architecture and urbanism in chicago from the end of world war ii to the early 1980s. The first part deals with architectural and urbanistic modernism. Mies van der rohe's work in chicago is examined from the aesthetic, economic and structural points of view. The doctrines and buildings of the firm skidmore, owings and merrill, of w. Netsch and b. Goldberg are then examined as so many aspects of modernism in the building art in chicago. The second part focuses on post-modernist doctrines and productions since the mid-1970s. Selected examples (helmut jahn, thomas beeby and stanley tigerman) underline a concern for historicism and semiological communication in chicago current architecture. In the third part is put forward a global interpretation of the set of works analysed previously. The conclusion is the following : the openly proclaimed and supposedly real break between modernism and post-modernism is far less significant than the underlying continuities between the two. They are both part of modernity. To point out different levels of continuity is a means to emphasize some fundamental questions at stake in the status and socio-economic function of architecture in current american society

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Jiménez, Gómez Eva Maria. "El pilar en Mies van der Rohe: el lèxic de l'acer". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2012. http://hdl.handle.net/10803/85418.

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Abstract (sommario):

The thesis focuses on the columns in Mies, as architectural element through which we can explain all his work. The development of a chronological table that organizes the work of Mies according to the shape of the column reveals us the existence of three distinct periods, each of which corresponds to the development of a different column. FIRST PERIOD: This period corresponds to the study of the star column of small riveting profiles, where a parallelism between the work of Mies, the Alfred Grenander¿s, architect of Siemens, and Peter Behrens¿, architect of AEG, is set up. Mies builds the same construction system of small riveting profiles published in different manuals of that time, adding small construction variations to achieve his architectural concerns. For example, he proposes an alternative to the usual gusset plates to solve the joints between the column and the beam, reducing them to a point therefore getting the absolutely flat roof of the German Pavilion. SECOND PERIOD: This period corresponds to the study of the grey column, which Mies uses at the United States, where he met the architecture of great welded steel profiles used by Albert Kahn, the Henry Ford's architect. The application of the assembly line in manufacturing automobiles requires Kahn and Ford to innovate in the structures of large size and to spread the same structural order in all the buildings of the same industrial complex. The first buildings of Mies at the IIT are almost identical to those of Albert Kahn, with small variations, starting a process that will end with the Crown Hall. THIRD PERIOD: This period corresponds to the study of the star column built with double-T profiles and the incorporation of the waffle slab structure in the work of Mies, which he develops from its relationship with Konrad Wachsmann, professor at IIT and architect of the US Air Force. Wachsmann develops three-dimensional structures in order to build large hangars for aircrafts, which can be assembled and disassembled by unskilled people in a very short time. Moreover, they don't generate any waste material. Mies will simplify constructively this structure, finally reaching the National Gallery. CONCLUSIONS. THE EFFECTS OF SCALE IN ARCHITECTURE: An overview of the technological context allows us to explore the link between Mies and those architects who lead the construction with steel structure in different industries and who are linked to the research and technological development institutions as relevant as the Werkbund, the Bauhaus and the IIT, in which Mies has taken a leading role in places of highest responsibility. The reconstruction of this technological context throughout the three periods allows us to draw a path of the development of the steel structures, which increasingly takes on new challenges of scale. Furthermore, shows us how Mies incorporates these advances in their work, and applies them to all scales in all three pillars. ARCHITECTURAL MANIFESTO: The comparative study of transitional projects reveals how Mies proposes some collage in every one of the three periods, as an architectural manifesto, which links the concept of neo-plastic space with every new structure. This is an invariant aspect in his work from the concrete house project in 1923 and the brick house project in 1924. TOWARDS THE CLARIFICATION OF THE STRUCTURE: The comparative study of the column allows us to realize its capacity to express the structure. The step from a column to another is part of a process in the work of Mies to the clarification of the structure. Thus it is becoming cleaner and he can leave it more and more visible. It is a constructive refinement process, and it is part of the same work line initiated by Viollet-le-Duc on the constructive shape that best expresses the steel structure, the one which responds to the material logic and the constrution processes.

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Ros, Ballesteros Jordi. "La plataforma com a llindar en l'obra de Mies i Utzon". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2014. http://hdl.handle.net/10803/248165.

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Abstract (sommario):

This thesis is divided into three separate volumes, which are consistent with the indifferent order in which they could be read. Two of them are dedicated to two masters of modern architecture, Mies and Utzon, who respectively personify two major architectural currents which share with unequal intensity the first half of the twentieth century: rationalism and realism or organic architecture. The third volume presents some important platforms of the architecture of Mesopotamia, Egypt and Greece, that shortlist of three architectural cultures which, according to Giedion, embodied the first spatial conception of architecture. This volume is presented here as an annex, as this thesis mainly analyzes various notions of platforms built during the twentieth century. But it was precisely from the reinterpretation of the platform, classical in essence, that those magnificent massive platforms of the antiquity rightly claimed their modern relevance. Both Mies and Utzon not only delimited their respective projects between two substantially horizontal layers, that of the ground and that of the roof, but also the formal characteristics of each of these episodes defined the key attributes and interests of their architecture. In both cases, however, it has been the plane of the roof which has raised more analysis and recognition: - In the case of Mies, his roofs, straight and flat without exception, have been the result of the evolution of certain structural typologies, in concrete and later on in steel, which also fulfilled a conception of programme that prioritized flexibility ahead of functionality . - In the case of Utzon, his deliberately wavy roofs, invariably of concrete, have been the most distinctive figurative feature of all his architecture, eclipsed under the impact of his most celebrated work, the Sydney Opera House. However, for the understanding of the architecture, of both Mies and Utzon, it would be erroneous not to put the episodes of their respective roofs in relation to their ground planes, mostly understood as platforms. It is necessary to believe therefore that the numerous essays that have focused on the top plane, that of the roof as the preferred objective of analysis or even as the only one, of their respective works, have done so knowing this dual relationship, assuming this reductionism as a strategy for a greater analytical depth. This work poses a similar license, focused in this case, however, on the other horizontal plane, the one underneath, the ground level, significantly less explored and, in the opinion of the author, equally relevant. From this reduction of the focal field, where the platform becomes the epicentre of the projects of both architects, this thesis has been carried out to state that: -Both in the case of Mies and in the one of Utzon, the use of the platform, far from being an isolated fact, became a constant in each of their respective careers. - Except for a few exceptions, determined by singular requirements of the environment or the programme, all of their respective platforms are massive, far from the light horizontal planes with which modern architecture was built. - Both in one case as in the other, the platform is systematically used as a mediation space, to interact with the environment and determine the limits of the project and as transition space (where one passes), to build the visual approach system of the compound. -Starting from a certain moment, corresponding to the mature stage of both architects, Platform and Access united an inseparable binomial, prevalent in the construction of ground floors of their respective architectures, which gave place to an episode, that of the elevated access, which characterized all of their work. The platform became the threshold of their architectures.

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Jaua, María Fernanda. "El neoplasticismo formativo de Mies van der Rohe : el Federal Center". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2013. http://hdl.handle.net/10803/666599.

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Abstract (sommario):

The thesis examines the architecture of Mies van der Rohe through the observation of a work projected since 1959: the Chicago Federal Center. From here it attempts to reveal the formal sense of his architecture inquiring about how the visual criteria with which he constructs objects relate to the way Neoplasticism conceives. The purpose has been to verify if, and to what extent, the idea of form as relation present throughout his ouvre is a consequence of the adoption and development of the system of relations proposed by Mondrian in his painting. On many occasions certain works of Mies have been compared to those of De Stijl group, whose foundation is in Mondrian's work. However these comparisons have been established when the resemblance is obvious. The thesis proposes that Mies's Neoplasticism is not only in what is apparent and that this is not its trully important relation . Mies's Neoplasticism is in his formative principie, hence, it is the essence of all his works, including those in which it is not noted at a glance. This proposition is based on the true dimension of Mondrian's approach, whose proposal is not a modification of appearence but the establishment of universal criteria with which conceive form. According to Mondrian, appearence cannot be understood separated from the formal structure that determines the object's identity. His proposal conceives form in accordance to criteria of relation that seek balance and contain the attributes of order, precision and universality to which abstraction aspires. It is in this sense that each form of art finds the relation of balance in its own field, through its own means. The procedure followed is that of visual enquiry, focusing the attention on the object. In consequence the most important documents are the works themselves. The chapter "Mondrian's Neoplasticism" is a dissertation about the composition and the means that conform it with the intention of understanding his proposal. The relation is visual since it was through painting that he formulated the system of configuration studied here. "The Chicago Federal Center" looks closely into Mies's ensemble, which serves as the axis of this study. "The Project" focuses on the process of its production. The analysis makes use of the experience of the work and of two fundamental tools for its understanding and judgement: drawing and photography. Both allow us to recognise the project's activity and to comprehend the ways of procedure more thoroughly. "The Process" shows how the Federal Center -a solution to the specifics of the comission- corresponds to the universal criteria that Mies developed throughout his career. "About Mies van der Rohe's Neoplasticism in critique" refers to the principal comparisons that have been made related to the idea of Neoplasticism as formative principie developed here. The thesis focuses on the Federal Center because it represents a culminating moment in Mies's trajectory. In this work he gathers his vast experience to construct a space relating two of the types he had developed so far: the ensemble is conformed by two towers of different dimensions and a single-story pavilion. These elements solve the comission while structuring a space that concentrates and intensifies the formal and spatial values of the site: the Chicago Loop. The complexity of the Federal Center allows analysis of Mies's work in an ample manner, observing how the criteria linking the buildings to each other and to the city, are akin to those established between the elements that solve the structure and enclosures of each building; and how these are the result of those that form the constructive solution, starting point of the whole work. In Mies, Neoplasticism acquires consistency, as the pure relation he strives to reach converges with essential aspects of the architectonic, developing Mondrian's formative proposal in its most trascendent dimension.
La tesis examina la arquitectura de Mies van der Rohe mediante la observación de una obra que proyectó a partir de 1959: el Federal Center de Chicago. Desde aqui intenta desvelar el sentido formal de su arquitectura indagando cómo los criterios visuales con los que la construye se relacionan con el modo de concebir del neoplasticismo. El objetivo ha sido verificar si, y en qué medida, la idea de forma como relación presente en su obra es consecuencia de la adopción y desarrollo del sistema de relaciones que Piet Mandrian propuso en su pintura. En muchas ocasiones determinadas obras de Mies han sido comparadas con las del grupo De Stijl, cuyo fundamento está en la obra de Mondrian. Pero estas comparaciones se han establecido cuando el parecido es obvio. La tesis plantea que el neoplasticismo de Mies no está solo en lo aparente y que esta no es su relación realmente importante. El neoplasticismo de Mies está en su principio formativo y, por lo tanto, es la esencia de todas sus obras incluyendo aquellas que no lo parecen a simple vista. Esta proposición se basa en la verdadera dimensión del planteamiento de Mondrian cuya propuesta no es una modificación de la apariencia sino la formulación de criterios universales para concebir la forma. Para Mondrian la apariencia no se puede entender separada de la estructura formal que determina la identidad del objeto. Su propuesta concibe la forma de acuerdo a criterios de relación que buscan el equilibrio y contiene los atributos de orden, precisión y universalidad a los que aspira la abstracción. Es en ese sentido que cada arte encuentra la relación equilibrada en su propio terreno, con sus propios medios. El procedimiento que se ha seguido es el de la visualidad indagadora, centrando la mirada en el objeto. Por lo tanto los documentos más importantes son las obras mismas. El capitulo "El neoplasticismo de Mondrian" es una exposición sobre la composición y los medios que la forman con el objeto de entender su propuesta. La relación es visual porque fue pintando como formuló el sistema que aqui se estudia. "El Federal Center de Chicago" observa con atención el conjunto de Mies que sirve como eje al trabajo. "El proyecto", el proceso de su producción. El análisis se vale de la experiencia de la obra y de dos herramientas fundamentales para su conocimiento y juicio: el dibujo y la fotografía. Ambos permiten conocer la actividad del proyecto y comprender sus modos de proceder. "El proceso" muestra cómo el Federal Center, que es una solución a las particularidades del encargo, corresponde a criterios universales que Mies desarrolló a lo largo de su carrera. "Sobre el neoplasticismo de Mies van der Rohe en la critica" se refiere a las principales comparaciones que se han establecido relacionándolas con la idea de neoplasticismo como principio formativo que aquí se desarrolla. La tesis se centra en el Federal Center porque este supone un momento culminante en la trayectoria de Mies. En esta obra recoge su larga experiencia para construir un espacio relacionando dos de los tipos que había desarrollado hasta entonces: el conjunto está constituido por dos torres de diferentes dimensiones y un pabellón de una planta. Estos elementos solucionan el encargo a la vez que estructuran un espacio en el que se concentran e intensifican los valores del sitio: el Loop de Chicago. La complejidad del Federal Center permite analizar la obra de Mies de manera amplia, observando cómo los criterios que relacionan los edificios entre si y con la ciudad son análogos a los que se establecen entre los elementos que resuelven la estructura y cerramientos de cada edificio; y como estos son consecuencia de los que forman la solución constructiva, punto de partida de toda la obra. En Mies el neoplasticismo adquiere consistencia, en tanto que la relación pura a la que trata de acceder converge con aspectos esenciales de lo arquitectónico, desarrollando la propuesta formativa de Mondrian en su dimensión más trascendente.

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Noack, Wita. "Konzentrat der Moderne : das Landhaus Lemke von Ludwig Mies van der Rohe /". München ; Berlin : Dt. Kunstverl, 2008. http://d-nb.info/988193078/04.

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Traversa, Edoardo. "Fotocollage di Mies van der Rohe: storia, analisi critica, applicazione compositiva, progetto". Master's thesis, Alma Mater Studiorum - Università di Bologna, 2018. http://amslaurea.unibo.it/15343/.

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Abstract (sommario):

La forma e la ricerca di nuove soluzioni per la sua conformazione e rappresentazione sono una delle cause del deragliamento dell'architettura contemporanea. L'unico fine è quello di alimentare l'apatico interesse consumistico delle masse, ed i social network aumentano esponenzialmente il fenomeno di speculazione visiva, sovraccaricandoci di immagini in cui l'apparenza prevale sulla sostanza. Dalla lezione dei grandi maestri del passato si può recuperare un ordine che metta al centro del progetto l'uomo. Lo scopo è quello di capire i mezzi della composizione architettonica, attualmente infiniti, reinterpretando la lezione di uno dei grandi maestri del movimento moderno: Mies van de Rohe. Lo studio dei suoi fotocollage compositivi permette la formulazione di una lettura differente della sua architettura dal quale estrapolare alcuni concetti con l'intento di ristabilire un ordine, partendo proprio da un metodo grafico, razionale e non fittizio. Una prima parte presenta uno studio storico dall'origine della tecnica del fotomontaggio e del collage, fino ad arrivare alla definizione di fotocollage per poi concentrarsi sulla figura di Mies van der Rohe, in modo da definire in che maniera si sia avvicinato a questa tecnica per poi cominciare ad utilizzarla ed a sceglierla come strumento progettuale ed educativo. Questi disegni, raramente pubblicati, sono stati raccolti ed analizzati per capirne il significato compositivo che si nasconde dietro alla loro forza visiva. I fotocollage sono stati studiati da un punto di vista spaziale, scomponendo questi grandi ambienti vuoti definiti da pilastri, muri ed opere d'arte, fino ad arrivare allo sviluppo di un procedimento utilizzato per la definizione di un progetto. Questa applicazione si pone come esempio di un metodo che propone una soluzione alla ricerca di ordine tra le infinite possibilità dell'architettura, ponendosi in maniera decontestualizzata nella ricerca della qualità spaziale.

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Lanuza, Jarquín Carlos. "Las flexiones del arquetipo en la obra de Mies van der Rohe". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2015. http://hdl.handle.net/10803/288219.

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Abstract (sommario):

From the projects developed by Mies in 1929 - the Tugendhat house and the German Pavilion for the Universal Exposition in Barcelona - we could say that it is showed in a more evident way a phase of experimentation, in which he stands apart from his contemporaries. For example, in these projects he uses materials never used before that became recurrent such as marble, onyx and glass. This way of doing architecture that was being forged through years kept as main goal its own refinement using limited and self-imposed means that let him create a particular universe. In addition, it must be said that what characterized his architecture and work philosophy, is precisely his insistence in the use of the same means, improved and adapted in each project. Continuing with this logic, we maintain that is in the latest projects developed by Mies in which this fanguage" is showed in the clearest way, and this thesis study. This language pretends to be universal and is used in these projects in spite of the site where are placed and the program that hold; in this manner we can find office projects with similar characteristics placed in England, Brazil or the United States, that also shared similarities with museum or educational projects located in dissimilar places. We have chosen as object of analysis the projects developed in the period between 1954 and 1969; this period spans through the last fifteen years of Miess life as an architect and includes projects developed by him but built after his death. We take the classification made by Peter Carter, collaborator in Mies van der Rohe's office that worked beside him in the last years before his death and that in his book Mies van der Rohe at Work classified Mies's projects by its mechanic structure, which in the case of Mies's work, also correspond with its spatial structure: high-rise skeleton frame buildings, low-rise skeleton frame buildings and clear span buildings. Through the analysis of the chosen projects, and understanding each group defined by Carter as an archetype, this thesis aims to bear out the statement that the same archetype is capable of responding to different programs and places in an effective way. The projects are studied in a way that the idea of archetype that each one has implicit is revealed alongside the values that each one promote. The constancy of a same way of doing architecture, reflected in the archetypes, questions sorne paradigms, preconceived ideas and prejudices on decisions made while developing architecture projects. lt is of our interest to know what are the operations made by Mies that allow him to use the same archetype in different conditions, how from the generality of the archetype he's able to generate a spectrum of strategies that transform each case in a singular project, without losing sight of a system that surround all the projects and that can even surpass the archetype itself, transcending the particularities that each project impose.
A partir de los proyectos desarrollados por Mies en 1929 -la casa Tugendhat y el Pabellón Alemán para la Exposición Universal en Barcelona- podríamos decir que se nota de manera más evidente una etapa de ensayo, en la que se desmarca de sus contemporáneos Por ejemplo, a partir de estos proyectos utiliza materiales inéditos en su obra anterior, que se volvieron recurrentes a partir de entonces: mármol, acero, ónix y vidrio. Esta manera de hacer arquitectura que fue forjando en el transcurso de los años mantuvo como principal objetivo su propio perfeccionamiento a partir del uso de recursos limitados y autoimpuestos que le permitieron generar un universo particular. Se debe recalcar que si hay algo que caracteriza su arquitectura y su filosofía de trabajo, es precisamente la insistencia en la utilización de los mismos recursos, mejorados y adaptados en cada proyecto. Siguiendo con esta lógica argumental, sostenemos que es en los últimos proyectos desarrollados por el arquitecto donde se manifiesta con la máxima claridad este lenguaje, que la presente tesis doctoral procura estudiar. Se trata de un lenguaje que se pretende universal y que se emplea en todos los proyectos desarrollados independientemente del sitio donde se emplazan y el programa que alojan; de esta manera, podemos encontrar proyectos de edificios de oficinas con características similares en Inglaterra, Brasil o Estados Unidos, y que además comparten similitudes con proyectos de museos o edificios educativos ubicados en emplazamientos disímiles. Hemos escogido como objeto de análisis los proyectos desarrollados en el período que va de 1954 a 1969 -etapa de perfeccionamiento-; dicho lapso abarca los últimos quince años de vida y práctica profesional del arquitecto e incluye además edificios proyectados por él pero construidos después de su muerte. Seguimos la clasificación elaborada por Peter Carter, colaborador en la oficina de Mies van der Rohe que trabajó junto a él en los últimos años antes de su muerte y que en su libro Mies van der Rohe at Work clasificó sus proyectos a partir de la estructura portante, que en el caso de la obra de Mies se corresponde con su estructura espacial: edificios altos con esqueleto estructural, edificios bajos con esqueleto estructural y edificios de una sola luz estructural. Esta tesis pretende, a través del análisis de los proyectos y entendiendo cada familia definida por Carter como un arquetipo, corroborar el supuesto de que un mismo arquetipo resulta capaz de responder a distintos programas y sitios de manera solvente. Se trata de estudiar los proyectos de modo que quede en evidencia la idea de arquetipo que cada uno lleva implícito y los valores que desde cada uno se promueven. La constancia de una misma manera de hacer arquitectura, reflejada en los arquetipos, cuestiona algunos paradigmas, ideas preconcebidas o prejuicios sobre las decisiones tomadas en torno al proyecto de arquitectura. Interesa saber cuáles son las operaciones realizadas por Mies que permiten utilizar el arquetipo en diferentes condiciones, cómo desde la generalidad del arquetipo se logra generar un abanico de estrategias que convierten cada caso en único sin perder de vista un sistema que envuelve todos los proyectos y que puede incluso superar al mismo arquetipo, trascendiendo las particularidades que impone cada proyecto.

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Noack, Wita. "Konzentrat der Moderne das Landhaus Lemke von Ludwig Mies van der Rohe". München Berlin Dt. Kunstverl, 2007. http://d-nb.info/988193078/04.

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Lizondo, Sevilla Laura. "¿Arquitectura o exposición? Fundamentos de la arquitectura de Mies Van Der Rohe". Doctoral thesis, Editorial Universitat Politècnica de València, 2012. http://hdl.handle.net/10251/17941.

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Abstract (sommario):

"Cualquiera que esté familiarizado con la arquitectura de Mies van der Rohe asociará su obra alemana al mundo de las exposiciones..." Así empieza uno de los pocos ensayos que tratan la obra expositiva de Mies. Aunque las exposiciones fueron una parte extremadamente importante en su etapa europea, pocos son los textos que centran su discurso en este tema en particular y lo estudian en su globalidad. Durante su etapa europea Mies realizó una larga lista de arquitecturas expositivas que comenzaron con la Colonia de viviendas Weissenhof y continuaron con otros montajes tan significativos como el Café Samt und Seide, el Pabellón de Barcelona, o la 'Vivienda para un matrimonio sin hijos' de la Exposición Alemana de la Edificación. Sin embargo, aunque las exposiciones anteriormente citadas han sido largamente estudiadas por multitud de críticos e historiadores existe un gran vacío documental en torno a otras muchas. Aunque en ocasiones se ha calificado el período berlinés de Mies van der Rohe, como una época eminentemente teórica, lo cierto es que durante ese período diseñó y construyó, junto a Lilly Reich, más de ochenta espacios expositivos para la industria y el gobierno alemán. Todos estos montajes fueron la base conceptual de su arquitectura posterior, fueron las arquitecturas cuya reflexión y experimentación le sirvieron de laboratorio y escuela. Por todo ello, las motivaciones que han llevado a esta investigación pretenden aportar luz sobre la influencia que, tanto Lilly Reich como sus arquitecturas temporales, supusieron en la formación y posterior materialización de la obra construida de uno de los grandes arquitectos del siglo XX. En primer lugar se investiga más a fondo el papel que Lilly Reich desempeñó en la vida profesional de Mies van der Rohe. No se sabe él porqué del silencio de Mies respecto a su relación con Lilly Reich. Nunca mencionó nada sobre su colaboración profesional, ni en privado, ni en público,... ni antes, ni después de que ella fallecier
Lizondo Sevilla, L. (2012). ¿Arquitectura o exposición? Fundamentos de la arquitectura de Mies Van Der Rohe [Tesis doctoral]. Editorial Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/17941
Palancia

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Mies, Sandra [Verfasser]. "Zur Rolle und Bedeutung von Kommunikation im Nachhaltigkeitsdiskurs am Beispiel Fisch / Sandra Mies". Münster : Verl.-Haus Monsenstein und Vannerdat, 2010. http://d-nb.info/1011085488/34.

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Bafna, Sonit. "A morphology of intentions : the historical interpretation of Mies van der Rohe's residenital [sic] designs". Diss., Georgia Institute of Technology, 2001. http://hdl.handle.net/1853/23335.

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Baró, Zarzo José Luis. "Espacio, tiempo y silencio. Arquitectura y Música en la obra de Mies y Webern". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2016. http://hdl.handle.net/10251/59391.

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Abstract (sommario):

[EN] The present study aims to go in depth into the field where Architecture and Music converge, both of them understood as artistic disciplines, that is, from their creative capacity to express ideas or emotions with an aesthetic purpose. It is true that each of them develops in different ways. The static aspect of Architecture is more evident when we compare it with Music: according to Schopenhauer, Architecture is like frozen music. But these conspicuous differences do not prevent us from tracking into their multiple affinities. Along history, philosophers, poets, musicians and architects have said something about it. But approaching these "Music-Architecture" analogies from a generic point of view, without more precisions, becomes absolutely unattainable. Besides, there is a risk of starting digressing easily or even reaching conclusions based on mere opinions. This has been the reason to delimit enough the object of this study, so that it can be treated properly. On the one hand, it has been delimited to a historical period covering the first decades of the 20th century, an extraordinarily exciting moment for the arts, whose standard were the avant-garde pictorial movements. On the other hand, it has been located within a geographical area covering two Germanic metropolis that were important centres of cultural and artistic exchange at that time: Berlin and Vienna. In the same way, a representative of each discipline has been chosen as a referent for the comparative analysis of concrete works: the German architect Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) and the Viennese composer Anton Webern (1883-1945). It is important to clarify that the objective of this thesis is not a comprehensive study of the output of the aforementioned artists, which has already been widely treated by experts in a number of other publications since the mid-fifties and attending to the universal prestige of their production. What will be treated here is the way in which both repertoires offer parallelisms. The idea of abstraction, the intentional limitation of resources, chromatism, the equidistant evolution of their artistic careers, etc¿which are far from being simple coincidences. In short, the most interesting aspect is the transversality rather than the depth, the oblique line rather than the straight. What this study aims to demonstrate is how the philosophical and aesthetic currents of the moment, the scientific and technological advances, the cultural and artistic environment and the spirit of the time in the Germanic world constituted the breeding ground that promoted the convergence of compositional approaches, even from artistic disciplines that a priori seem so different. To reach these conclusions, there has been a rigorous analysis of the artists' output in order to unravel the concepts they share and have in common such as rhythm and harmony, ideas such as concentration and essentiality, methodologies such as dodecaphonism or the industrial order, postures such as liberty and perfectionism and scopes such as form and function¿ As a last resort, the purpose of this study is to enquire into the vision of Music from the architect's perspective and vice versa, that is, how Architecture is perceived in the eyes of a musician or a composer.
[ES] El estudio pretende ahondar en el terreno en que la Arquitectura y la Música confluyen entendidas como disciplinas artísticas, esto es, desde su capacidad creativa para expresar ideas o emociones con una finalidad estética. Es cierto que una y otra se desenvuelve en medios diferentes. El carácter estático de la Arquitectura resulta más evidente cuando se la compara con la Música: la arquitectura es una música congelada, decía Schopenhauer. Pero estas obvias diferencias no impiden rastrear entre las múltiples afinidades. A lo largo de la historia, filósofos, poetas, músicos y arquitectos se han pronunciado al respecto. Pero abordar las analogías músico-arquitectónicas de forma genérica, sin más precisiones, resulta absolutamente inalcanzable. Además, se corre el riesgo de caer con demasiada facilidad en divagaciones o incluso de llegar a conclusiones sustentadas en meras opiniones. Es por ello que se ha querido acotar el objeto de estudio lo suficiente como para poder tratarlo con la intensidad que se requiere. Por una parte, ciñéndolo a un período histórico que comprende las primeras décadas del siglo XX, momento extraordinariamente efervescente para las artes, abanderadas por las corrientes pictóricas de vanguardia. Por otra, localizándolo en un espectro geográfico en torno a dos metrópolis germánicas, importantes centros de intercambio artístico y cultural de la época: Berlín y Viena. Asimismo, se ha elegido un representante de cada disciplina como referente para el análisis comparativo de obras concretas: el arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) y el compositor vienés Anton Webern (1883-1945). Conviene aclarar que no es objetivo de esta tesis el estudio exhaustivo de la producción de los actores citados, ya de por sí ampliamente tratada por los expertos en innumerables publicaciones desde mediados de los cincuenta respondiendo al prestigio universal de su obra, sino en la medida en que ambos repertorios ofrecen paralelismos. La idea de abstracción, la voluntaria limitación de recursos, el cromatismo, la equidistante evolución de sus trayectorias creativas, etc... están lejos de ser simples coincidencias. En definitiva, interesa no tanto la profundidad sino la transversalidad, no la línea recta sino la oblicua. Lo que se pretende demostrar es cómo el sustrato filosófico y estético del momento, los avances científicos y tecnológicos, el ambiente cultural y artístico, en fin, el espíritu de la época en el mundo germánico, constituyen el caldo del cultivo que propicia la confluencia de planteamientos compositivos, aun desde disciplinas artísticas a priori tan diferentes. Para llegar a dichas conclusiones se han desentrañado a partir del riguroso análisis de sus obras aquellos conceptos compartidos, como el ritmo y la armonía, ideas como la concentración y la esencialidad, metodologías como el dodecafonismo o el orden industrial, posturas como la libertad y el perfeccionismo, enfoques como la forma y la función... En última instancia el estudio no se propone sino indagar acerca de la visión de la Música desde la perspectiva del arquitecto, y viceversa, cómo se percibe la Arquitectura a los ojos de un músico o de un compositor.
[CAT] L'estudi pretén aprofundir en el terreny en què l'Arquitectura i la Música confluïxen enteses com a disciplines artístiques, és a dir, des de la seua capacitat creativa per a expressar idees o emocions amb una finalitat estètica. És cert que l'una i l'altra es desenvolupen en mitjans diferents. El caràcter estàtic de l'Arquitectura resulta més evident quan se la compara amb la Música: l'arquitectura és una música congelada, deia Schopenhauer. Però estes òbvies diferències no impedixen rastrejar entre les múltiples afinitats. Al llarg de la història, filòsofs, poetes, músics i arquitectes s'han pronunciat respecte d'això. Però abordar les analogies musico-arquitectòniques de forma genèrica, sense més precisions, resulta absolutament inabastable. A més, es corre el risc de caure amb massa facilitat en divagacions o inclús d'arribar a conclusions sustentades en meres opinions. És per això que s'ha volgut fitar l'objecte d'estudi prou com per a poder tractar-ho amb la intensitat que es requerix. D'una banda, cenyint-ho a un període històric que comprén les primeres dècades del segle XX, moment extraordinàriament efervescent per a les arts, liderades pels corrents pictòrics d'avantguarda. D'una altra, localitzant-ho en un espectre geogràfic entorn de dos metròpolis germàniques, importants centres d'intercanvi artístic i cultural de l'època: Berlín i Viena. Així mateix, s'ha triat un representant de cada disciplina com referent per a l'anàlisi comparativa d'obres concretes: l'arquitecte alemany Ludwig Mies van der Rohe (1886-1969) i el compositor vienés Anton Webern. Convé aclarir que no és objectiu d'aquesta tesi l'estudi exhaustiu de la producció dels actors esmentats, ja de per si àmpliament tractada pels experts en nombroses publicacions des de mitjans dels cinquanta responent al prestigi universal de la seua obra, sinó en la mesura que ambdós repertoris oferixen paral·lelismes. La idea d'abstracció, la voluntària limitació de recursos, el cromatisme, l'equidistant evolució de les seues trajectòries creatives, etc... estan lluny de ser simples coincidències. En definitiva, interessa no tant la profunditat sinó la transversalitat, no la línia recta sinó l'obliqua. El que es pretén demostrar és com el substrat filosòfic i estètic del moment, els avanços científics i tecnològics, l'ambient cultural i artístic, en fi, l'esperit de l'època en el món germànic, constituïxen el caldo del cultiu que propícia la confluència de plantejaments compositius, inclús des de disciplines artístiques a priori tan diferents. Per a arribar a estes conclusions s'han desentranyat a partir de la rigorosa anàlisi de les seues obres aquells conceptes compartits, com el ritme i l'harmonia, idees com la concentració i l'essencialitat, metodologies com el dodecafonisme o l'orde industrial, postures com la llibertat i el perfeccionisme, enfocaments com la forma i la función... En última instància l'estudi no pretén sinó indagar sobre la visió de la Música des de la perspectiva de l'arquitecte, i viceversa, com es percep l'Arquitectura als ulls d'un músic o d'un compositor.
Baró Zarzo, JL. (2015). Espacio, tiempo y silencio. Arquitectura y Música en la obra de Mies y Webern [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/59391
TESIS

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Wu, Xin 1970. "Opacity in transparency : from drawings and photographs of the modern domestic spaces by Mies van der Rohe". Thesis, McGill University, 2000. http://digitool.Library.McGill.CA:80/R/?func=dbin-jump-full&object_id=31031.

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Abstract (sommario):

Building with glass, Mies van der Rohe expressed his singular vision of glass---almost nothing. Among the few things that remain in his minimalist domestic space, the body of a female sculpture holds conspicuous opacity. To seek the signification of this opacity in the transparency of Mies's architecture, this thesis analyzes his design drawings and the photographs of his buildings through a phenomenological reading. The juxtaposition and a parallel development between the presence of the opaque body and the view of glass throughout the evolution of his glass house are discovered. The discovery brings to light the finding that the opaque body is an irreducible substance in fulfilling Mies's ideal of modern house. This opacity in transparency reveals the maternal materiality that is the essence of human dwelling. Three chapters constitute this thesis, Chapter 1 introduces Mies's vision of glass and its representations; chapter 2 examines various views of the architect's glass house designs in drawings and photographs; chapter 3 explores the significance of the inherent opacity in Mies's design philosophy of modern house.

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Martignago, Marianna Dal Canton. "Mies Van Der Rohe e as decisões do espírito : leituras sobre a imaterialidade na obra do Pavilhão de Barcelona". Universidade Presbiteriana Mackenzie, 2015. http://tede.mackenzie.br/jspui/handle/tede/375.

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Abstract (sommario):

Made available in DSpace on 2016-03-15T19:22:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Marianna dal Canton Martignago.pdf: 41549778 bytes, checksum: 7ed8685a952b1d808aa6b190fd0ab213 (MD5) Previous issue date: 2015-01-22
Several architectural and artistic movements transformed the first half of the twentieth century. In this scenario the architect Mies van der Rohe (1886-1968) turned out to be, through his textual and architectural discourse, a spokesman for the spiritual quest in architecture. Therefore this research aimed, at first, to outline the career of the architect. Secondly,it sought - through the articulation of studies of textual speechs on spirituality of Mies van der Rohe and the architectural design analysis of the Barcelona Pavilion (1929-30), designed by the architect - to understand the dimensions of the yearning for the expression of the spiritual dimension, and which were the spiritual nature decisions that could raise the architecture to the status of art.
Diversos movimentos arquitetônicos e artísticos marcaram de modo transformador a primeira metade do século XX. Neste cenário o arquiteto Mies van der Rohe (1886 1968) acabou se tornando, por meio de seus discursos, um porta-voz da "busca espiritual" na arquitetura. Diante disso o presente trabalho buscou, em primeiro lugar, traçar uma trajetória profissional do arquiteto e, em segundo lugar, buscou por meio da articulação dos estudos do discurso textual acerca da espiritualidade de Mies van der Rohe e a análise projetual do Pavilhão de Barcelona (1929-30), projetado pelo arquiteto, compreender as dimensões do anseio pela expressão da dimensão espiritual , e em que constituíam as "decisões" de ordem espiritual que poderiam elevar a arquitetura ao status da arte.

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Carvalho, António José Martins. "Inovação social no Alentejo: atores, áreas e modelos de ação. O caso da Fundação Eugénio de Almeida". Master's thesis, Universidade de Évora, 2018. http://hdl.handle.net/10174/23333.

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Abstract (sommario):

O tema desta dissertação é a inovação social de âmbito regional, produzida e fomentada por uma variada tipologia de instituições (privadas e públicas, lucrativas e não lucrativas). Esta dissertação comporta dois propósitos principais: (i.) Determinar o modelo de ação da Fundação Eugénio de Almeida em termos de inovação social, demonstrando a forma de o potenciar; (ii.) Compreender as iniciativas de inovação social dos atores regionais. Foi realizado um levantamento conceptual exaustivo. No plano empírico, duas abordagens distintas, mas complementares: (i.) Análise de um conjunto de dados sobre projetos constantes do Mapa de Inovação e Empreendedorismo Social, Norte, Centro, Alentejo; (ii.) Estudo de caso sobre a Fundação Eugénio de Almeida, analisando o seu modelo de ação. Com esta dissertação, apresentamos uma técnica que foi construída e aprimorada de acordo com os dados em análise, permitindo uma abordagem do estudo em consonância com os objetivos. Os resultados obtidos fornecem uma visão geral e simultaneamente identificam padrões específicos em termos de tipologia de entidades envolvidas, formas de financiamento, áreas de intervenção e parcerias estabelecidas nos projetos de inovação social. O modelo de ação da Fundação Eugénio de Almeida revela características e problemáticas ao nível de intervenção que espelham o contexto específico identificado detalhadamente neste trabalho; Social innovation in Alentejo: actors, areas of intervention and models of action. The case of the Eugénio de Almeida Foundation. Abstract: This research project focuses on social innovation at a regional level, promoted and implemented by different types of institutions (private, public, for profit and nonprofit). This dissertation has two main purposes: (i) To understand the action model of the Fundação Eugénio de Almeida (Foundation) concerning social innovation and examine how it does to further the impact of its action. (ii) To understand the social innovation initiatives of regional players. This study starts with an exhaustive conceptual analysis in order to get a robust theoretical background for the research undertaken. At an empirical level, two different but complementary approaches are put forward: (i.) An in depth analysis of the Map of Innovation and Social Entrepreneurship, North, Center, Alentejo data set on social innovation projects, covering the North, Centre and Alentejo regions of Portugal. (ii.) A case study of the Fundação Eugénio de Almeida, through the examination of its action model for social innovation intervention. In this study, we use a technique of analysis that we have adjusted to the data so as to answer the objectives of the research. The results allow us to have a general understanding of the relevant aspects of social innovation and at the same time identify specific patterns in terms of the typology of entities involved, forms of financing, areas of intervention and established partnerships of social innovation projects. The action model of Fundação Eugénio de Almeida reveals characteristics and problematics that mirror its particular context of intervention.

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Hermida, Palacios María Augusta. "El Detalle como intensificación de la forma: el Illinois Institute of Technology de Mies van der Rohe". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2011. http://hdl.handle.net/10803/96156.

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Abstract (sommario):

En múltiples ocasiones se recurre a la frase de Mies “Dios está en los detalles” y se piensa que el cuidado del detalle es un requisito del buen acabado de la obra cuando en realidad, la relación acertada y rigurosa de materiales, nos permite suponer la presencia de una arquitectura de calidad. El detalle tiene una dimensión formativa como momento intenso del sistema constructivo con el que se afronta el proyecto y es un instrumento de la concepción y no un corolario técnico que sirve para resolver los problemas que plantea una concepción inconsciente. En definitiva, se entiende el detalle como momento básico del proyecto y, en la medida que condensa el sistema constructivo entero, es un requisito fundamental de la forma: el momento intenso de relación -constructiva y visual- de los materiales. El detalle como punto álgido de la forma, como su intensificación. La pregunta que esta investigación se plantea es en qué medida la solución intensa, tanto visual como constructiva, del detalle influye en la construcción de la forma y por ende en la calidad del proyecto. Se pretende demostrar que en el detalle se condensa, haciéndose más intensa, la formalidad esencial de la arquitectura de Mies van der Rohe. Para contestar a la pregunta y demostrar el cometido se pasa revista a la obra de Mies, a lo largo de 20 años, teniendo como eje de reflexión al Illinois Institute of Technology (1938-1958) y poniendo especial énfasis en los sistemas estructurales y en la relación entre distintos materiales; situación que se aborda como un proceso con variaciones que conduce hacia soluciones cada vez más abstractas. Se elige a Mies van der Rohe, uno de los más claros exponentes de la arquitectura moderna, por la precisión e intensidad de las que supo dotar a sus obras. El carácter esencial del detalle se acentúa al abordar los pormenores de un proyecto no realizado, el Library and Administration Building, en dónde el detalle alcanza toda su dimensión de condición fundamental de la forma: o se define el detalle o no existe el proyecto. El procedimiento a emplear parte de revisar sus dibujos originales, observar cómo el detalle constituye ese momento intenso de relación entre materiales, seleccionar los más representativos y utilizar los recursos de la tecnología digital para el modelado geométrico básico y la simulación visual. En el capítulo -Aproximación al Proyecto del IIT- se resume la experiencia de la llegada de Mies a América y la manera como aborda el proyecto del campus. El capítulo -El detalle como intensificación del proyecto- sirve para presentar y sustentar, luego de la observación rigurosa y ordenada de los documentos originales de Mies, la hipótesis de que el encuentro entre materiales, en el proyecto de la Library and Administration Building, tiene cuatro etapas, que van de menos a más en el aspecto visual. Es objeto del capítulo -El detalle en la arquitectura construida- mirar con detenimiento las soluciones constructivas de los distintos edificios del campus y comprobar que la solución constructiva de un proyecto es ‘consecuencia’ del anterior y ‘causa’ del siguiente. El capítulo -Experiencias paralelas- versa sobre las obras contemporáneas al IIT y en él se explica la retroalimentación existente entre unas y otras. Mies parte de soluciones estructurales puras a la necesaria acomodación de requisitos funcionales concretos. Busca la relación más adecuada entre estructura, función y cerramiento para encontrar aquella solución más universal, económica, esencial y abstracta. A pesar de su preferencia por el acero, como material más adecuado para la época, también cuando trabaja con otros materiales se ve su genialidad. La relación entre materiales, el encuentro entre elementos arquitectónicos y volúmenes con distinto comportamiento térmico, constructivo y funcional siempre tiene una transición visual. Se verifica, también, que la obra de Mies está construida por capas, al igual que una cebolla cuyas distintas cortezas pueden removerse. La tesis comprueba que la correcta relación entre materiales se convierte en el aspecto intensificador de la forma y que la variación en la relación entre materiales conduce a una paulatina evolución en la solución de los encuentros en la obra de Mies van der Rohe. El conocimiento acumulado del estudio del microcosmos deriva en la observación del macro universo: el detalle intensifica la obra pero no la sustituye, básicamente lo que hace es darnos el punto de vista con el que mirar.
On many occasions architects use Mies phrase "God is in details", thinking that the attention to detail is a requirement of a good finished work, when actually, the successful and rigorous relationship of materials, can make us assume the presence of quality architecture. The detail has a formative dimension as an intense moment of the constructive system with which the project is addressed. Detail is a project design tool and not only a technical corollary used to solve the problems of an unconscious conception. In short, detail is the basic moment of the project and, as it condenses the entire building system, is an essential form’s requirement: the intensive moment of visual and constructive relationship, the peak of form, it’s intensification. The question that this research proposes is in what extent the detail solution, both visual and constructive, influence in form construction and therefore in the quality of the project. It tries to prove that in detail the essential formality of the architecture of Mies van der Rohe condenses and becomes more intense.In order to answer the question the investigation reviews the work of Mies, over 20 years, having the Illinois Institute of Technology (1938-1958) as a focus for discussion and putting special emphasis on structural systems and on the relationship between different materials, a situation that is handled as a changing process that leads to increasingly abstract solutions. We choose Mies van der Rohe, one of the best architects with the clearest examples of modern architecture, for the accuracy and intensity he gives to his work. The essential character of the detail is enhanced by addressing the details of a not constructed project, the Library and Administration Building, where the detail reaches its full dimension as fundamental condition of the form: or the detail is defined or the project does not exist. The procedure begins by the review of his original drawings, seeing the details as the intense moment of connection between materials, selecting the most representative and using the digital technology for the basic geometric modeling and the visual simulation. The chapter "Approach to the IIT project” summarizes the experience of the arrival of Mies in America and the way he addresses the campus project. The chapter "The detail as intensification of the project”, serves to introduce and sustain, after rigorous observation of the original documents of Mies, the hypothesis that the relationship between materials in the project of the Library and Administration Building, has four stages ranging from low to high in appearance. The object of the chapter "The detail in the built architecture“ is to give a deep look at constructive solutions in various buildings of the campus, and ensure that the constructive solution of a project is 'result' of the former and 'cause' of the next. Chapter “Parallel experiences” gives a look over the contemporary IIT projects and explains the feedback between both. Mies begins with pure structural solutions and ends with the necessary accommodation of specific functional requirements. He finds the proper relationship between structure, closing and function trying to reach the most universal, economic, abstract and essential solution. Despite his preference for steel, considered the most suitable material for his time, he also shows his genius when working with other materials. The thesis verifies that the relationship between materials, the encounter between architectural elements and volumes with different thermal, constructive and functional behavior, has always a visual transition; and that the work of Mies is built in layers, like an onion peel. The thesis finds that the correct relationship between materials becomes the intensifier aspect of form and the change in these correlation leads to a gradual evolution in the solution of the encounters in the work of Mies van der Rohe. The accumulated knowledge of the microcosm study leads to the observation of the macro universe. The detail intensifies the project but it does not replace it, basically what it does is give us the perspective with which to look.

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Kurvinen, H. (Heidi). "”En mä oo mies enkä nainen. Mä oon toimittaja”:sukupuoli ja suomalainen toimittajakunta 1960- ja 1970-luvulla". Doctoral thesis, Oulun yliopisto, 2013. http://urn.fi/urn:isbn:9789526201702.

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Abstract (sommario):

Abstract The research observes the profession of reporters in the decades when the field underwent several different changes. The development of editorial hierarchy and the transition to a five day working week increased the need for reporters. At the same time, the strenghtening of trade union politics changed the field towards a more professional direction. In terms of gender, the profession became more balanced when the number of female reporters increased. Female reporters entered the field when the demand for new reporters became higher. However, the change was also connected to the overall development in the Finnish society. It was first and foremost women’s opportunities for work that were negotiated in the role debate that was going on during the 1960s. When the debate turned into an official policy that was maintained through legislation, attention was paid to the gendered structures of working life. During the 1970s, women became a part of career world for good. Finnish working life remained segregated but the profession of reporters was one of the fields where both genders had the same duties. However, the profession was not equal in terms of gender. Female reporters were paid less than their male colleagues and they did not have the same opportunities for promotions. What is more, male reporters worked more often as special reporters whereas females remained as all round reporters. In addition, the vocational culture was still based upon masculine values. Within oral history, the gendered structures of the profession were overshadowed by the rhetorics of sameness. In other words, the profession was seen as equal in terms of gender. The explanation can be found in the Finnish gender culture that maintains the idea of gender neutrality of working life. However, the rhetorics also repeated the ideals of equality that prevailed during the 1960s and 1970s. Furthermore, other factors that divided the profession of reporters like age, political background and education also covered up the question of gender. The source material consists of oral history, archival sources and media texts. Sources form different periods of time are read against each other and the experiences of reporters are connected to the discourses of the 1960s and 1970s
Tiivistelmä Tutkimuksessa tarkastellaan toimittajan ammattia vuosikymmeninä, jolloin ala koki useita erilaisia muutoksia. Toimitushierarkian kehittyminen ja siirtyminen viisipäiväiseen työviikkoon lisäsivät toimittajien tarvetta ja samanaikaisesti ammatillisten etujen ajaminen muutti alaa professionaalimpaan suuntaan. Myös ammattikunnan sukupuolirakenne alkoi tasapainoistua, kun alalle tuli aiempaa enemmän naistoimittajia. Toimittajanaisten määrän kasvu vastasi lisääntyneen toimittajatarpeen aiheuttamaan kysyntään, mutta muutos liittyi myös suomalaisessa yhteiskunnassa tapahtuneeseen kehitykseen. 1960-luvun roolikeskustelussa neuvoteltiin ennen kaikkea naisten työssäkäynnin mahdollisuuksista, ja tasa-arvokeskustelun valtiollistuttua päähuomio kiinnittyi työelämän sukupuolittuneisuuteen. Naiset siirtyivätkin 1970-luvulla työelämään jäädäkseen. Suomalainen työelämä säilyi kuitenkin eriytyneenä, ja toimittajan ammatti oli yksi niistä harvoista aloista, joilla naiset ja miehet tekivät samaa työtä. Tämä ei tarkoittanut kuitenkaan sitä, että ala olisi ollut tasa-arvoinen. Toimittajanaisten asema oli miehiä heikompi niin palkkauksessa kuin urakehityksessäkin. Sukupuoli näkyi myös toimitustyössä, jossa erikoistoimittajan tehtävät menivät pääsääntöisesti miehille, kun taas naiset työskentelivät ennen kaikkea uutistoimittajina. Myös ammatillinen kulttuuri rakentui edelleen maskuliinisten piirteiden varaan. Toimittajien muistelupuheessa ammattikunnan epätasa-arvoa tuottaneet käytännöt peittyivät kuitenkin samanlaisuuspuheen alle ja ammatti näyttäytyi tasa-arvoisena. Yhtäältä tämä selittyy suomalaisella sukupuolikulttuurilla, joka ylläpitää ajatusta työelämän sukupuolineutraaliudesta. Toisaalta taustalla on nähtävissä 1960- ja 1970-luvulla vallinnut tasa-arvokäsitys, joka korosti sukupuolten samuutta. Sukupuolta peittivät tutkittavina vuosikymmeninä alleen myös muut toimittajakuntaa erottaneet tekijät, joita olivat ikä, poliittinen tausta ja koulutus. Tutkimuksen lähdeaineisto koostuu muistitiedosta, aikalaisteksteistä ja arkistoaineistoista. Eri aikoina syntyneitä lähteitä luetaan toisiaan vasten, ja toimittajien kokemukset kiinnitetään 1960- ja 1970-luvun ajattelumalleihin

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Emery, David. "The play, Mies Julie, and the issue of land redistribution in the context of the revisionist western genre". Thesis, Nelson Mandela Metropolitan University, 2014. http://hdl.handle.net/10948/d1020954.

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Abstract (sommario):

The play Miss Julie was published by playwright August Strindberg in 1888. It is a comment on the class issues in Sweden at the time (Leib, 2011). This commentary is achieved through telling the fictional tale of Julie, the daughter of a wealthy Swedish landowner, Jean, her father’s manservant, and Kristin, Jean’s betrothed who is also the house cook. During the course of a night and the next morning, Jean and Julie admit their feelings for one another, sleep together and plan to run away to start a hotel. In the morning, they ask Kristin to join them when they encounter her on her way to church. She refuses and vows to put an end to their plans. Seeing no way out, and fearing the wrath of Julie’s father, Jean hands Julie a razor and she walks outside, the inference being that she will commit suicide. The play Mies Julie is a South African adaptation, by South African playwright Yael Farber, of the August Strindberg play Miss Julie set in a farming kitchen in the Eastern Cape Karoo that premiered at the Grahamstown National Arts Festival in 2012. It has since been brought to London, the Edinburgh Festival and New York. Mies Julie presents a power struggle between Julie, the daughter of the white Afrikaans farm owner, and John, her father’s favourite farm worker and the son of Christine, the housekeeper who raised Julie. By altering Christine’s role from that in Strindberg’s play, where she was John’s (there Jean’s) fiancé, to that of John’s mother and Julie’s nursemaid, playwright Yael Farber has brought to the fore an interesting irony of South Africa’s history, which has been observed by Ena Jansen (2011) – white children who are raised, both during and post-apartheid, by black women who become part of the household of the privileged white families they work for.

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Ravetllat, Mira Pere Joan 1956. "La Casa pompeyana referencias al conjunto de casas-patio realizadas por L. Mies van der Rohe en la década 1930-1940". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 1994. http://hdl.handle.net/10803/6808.

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Abstract (sommario):

La casa patio fué, sin duda, uno de los grandes temas en la vida de Mies. Al igual que la villa aislada, el rascacielos de cristal o el gran contenedor de estructura externa, la definición de una vivienda introvertida alrededor de patios atrajo el interés del arquitecto durante un considerable período de tiempo. Su continuada dedicación, tanto académica en la Bauhaus y posteriormente en el I.I.T., como profesional durante más de diez años, indican el explícito interés por la configuración de dicho modelo residencial
El objetivo de este trabajo es precisar las referencias ideológicas y arqui-tectónicas que sustentan el modelo de casa patio desarrollado por Mies van der Rohe alrededor de la década 1930 40, en directa relación a las culturas clásicas, y de manera específica, a la Casa Pompeyana. La reflexión sobre las relaciones con el esquema residencial pompeyano es el hilo argumental, que, distante de aproximaciones arqueológico historicistas, propone descubrir puntos de contacto en las realidades arquitectónicas y los criterios que subyacen tras ellas.
Una primera parte se centra en la descripción y análisis del período pompeyano, desde sus orígenes etruscos en el s.VIII a.C. hasta la erupción del Vesubio en el año 79 d.C. Una sucinta historia de Pompeya enmarca el contexto evolutivo en el que la casa atrio etrusca incorpora el peristilo oriental a través de las influencias griegas en la zona del Golfo de Nápoles. El análisis compositivo espacial de las residencias pompeyanas introduce algunas de las constantes, que permitirán referirnos a un cierto modelo al que poder esta-blecer, posteriormente, comparaciones analógicas.
En el mismo sentido, una breve aproximación biográfica a Mies pretende, en la segunda parte, incidir en las influencias recibidas por el arquitecto desde los años de colaboración en el estudio de P.Behrens, hasta su etapa de director de la Bauhaus en 1930.
La tercera parte es un análisis del conjunto de casas patio realizado por Mies en la década 1930 40, estructurado desde tres aproximaciones que hacen referencia a su tipología, composición e ideología, respectivamente.
En el primero de dichos capítulos se intenta mostrar la existencia de unas constantes que permitirán adscribir dichas residencias a un cierto tipo. La aproximación compositiva, a la que alude el segundo capítulo, se inicia con una comparación a los término, que configuran la arquitectura en la definición vitruviana. Un tercer y último capítulo señala la clásica decantación de los valores abrazados por Mies, a partir de finales de los años veinte, en su aspiración de fundir arquitectura y arte. La influencia de los enunciados neoplásticos reaparece en las casas patio en la incorporación de pinturas murales y esculturas integradas al conjunto.

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Mena, Palacín Raúl. "Oteiza-Newman-Mies van der Rohe: espacios compartidos. Una hermenéutica de la desocupación del espacio en escultura, pintura y arquitectura". Doctoral thesis, Universitat Pompeu Fabra, 2012. http://hdl.handle.net/10803/85062.

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Abstract (sommario):

El propósito de este estudio es abordar el concepto de espacio y, en particular, su desocupación, a través de tres obras: Caja Vacía/Metafísica de Jorge Oteiza, Who´s afraid of red, yellow and blue de Barnett Newman y el Pabellón de Alemania de Ludwig Mies van der Rohe. El discurso se construye a través de un transitar sobre la banda de Moebius y en su vaivén y en su doblez aparecen y desparecen imágenes, ideas y textos sobre los que fluye la voluntad de construir una interpretación nueva sobre el objeto descrito. Martin Heidegger, Gilles Deleuze y Gaston Bachelard son los tres sostenes teóricos de esta estructura. Y más cerca y más lejos de este texto siempre se mantiene la difícil tarea de entender cuál es la forma de habitar y de ser (Ich bin) del hombre en la tierra.
The purpose of this study is to address the concept of space and, in particular, its disoccupation through three different pieces of work: Empty/Metaphysical Box by Jorge Oteiza, Who´s afraid of red, yellow and blue by Barnett Newman and German Pavilion by Ludwig Mies van der Rohe. The discourse is constructed through a move on the Moebius band, its swing and double apparition and disappearance of images, ideas and texts which build a new interpretation of the subject matter. Martin Heidegger, Gilles Deleuze and Gaston Bachelard are the three theorists of this structure. The difficult task of understanding what is the way of living and being of man (Ich bin) on earth always remains what is closer and further away from this text.

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Felip, Ordis Olga. "Desmuntant la Secció Alemanya : Exposició Internacional de Barcelona de 1929 : Arquitectura de Ludwig Mies van der Rohe i Lilly Reich". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 2019. http://hdl.handle.net/10803/665101.

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Abstract (sommario):

Apart from the many interpretative contributions that the recent historiography has contributed to the state of the art in regards to the participation of the German Section at the International Exposition of Barcelona in 1929, this doctoral thesis offers an objective perspective of the events that took place between the first attempts of partition by the German government in October of 1927 and the final liquidation in autumn of 1930. A representation that is developed in three volumes - Space and Time, Architecture and Diconstructing the German Section - in a sequence that reconstructs the totality of the interventions of Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich, in a new circular and open route in The Mountain of Montjuïc. Purpose intent is to calibrate the participation and significance of figures such as Georg von Schnitzler, as well as the authorship of Ludwig Mies van der Rohe and Lilly Reich in a temporary suspension of the work of art similar to the words of Marcel Duchamp: in advance, in retard. Towards the definition of a method where the legacy of the history of architecture offered to Mies and Reich an inventory for the definition of a new order within the 8 existing Palaces while the two ends -the 2 pavilions- where the autonomous object should circulate.
Al marge de les nombrosíssimes contribucions interpretatives que la historiografia recent aporta com a l’estat de l’art sobre la participació de la Secció Alemanya a la Exposició Internacional de Barcelona de 1929, la present tesis doctoral ofereix una mirada objectiva dels fets que van esdevenir entre les primeres temptatives de partició per part del govern alemany d’octubre de 1927 i la liquidació final a la tardor de 1930. Una narració que es desplega en tres volums -Espai i Temps, Arquitectura i Desmuntant la Secció Alemanya- en una seqüència que reconstrueix la totalitat de les intervencions de Ludwig Mies van der Rohe i Lilly Reich, en un nou recorregut circular i obert per la Muntanya de Montjuïc. La intenció és calibrar la participació i pes de figures com Georg von Schnitzler, així com l’autoria de Ludwig Mies van der Rohe i Lilly Reich en una suspensió temporal de l’obra d’art similar a les paraules de Marcel Duchamp: in advance, in retard. Cap a la definició d’un mètode a on el llegat de la història de l’arquitectura va oferir a Mies i Reich un inventari per la definició d’un nou ordre dins dels 8 Palaus existents alhora que els dos extrems -els 2 Pavellons- a on l’objecte autònom hauria de transitar.

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Mies, Fabian [Verfasser], Ansgar Matthias [Akademischer Betreuer] Steland, Markus [Akademischer Betreuer] Bibinger e Mark [Akademischer Betreuer] Podolskij. "High-frequency inference for stochastic processes with jumps of infinite activity / Fabian Mies ; Ansgar Matthias Steland, Markus Bibinger, Mark Podolskij". Aachen : Universitätsbibliothek der RWTH Aachen, 2020. http://d-nb.info/1218788194/34.

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Mies, Jan [Verfasser], Holger [Gutachter] Braunschweig e Maik [Gutachter] Finze. "Ansa-Verbindungen von Pianostuhlkomplexen der Übergangsmetalle und Alkinanaloge Verbindungen des Bors — Darstellung und Reaktivitätsstudien / Jan Mies. Gutachter: Holger Braunschweig ; Maik Finze". Würzburg : Universität Würzburg, 2013. http://d-nb.info/1112040102/34.

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Santatecla, Fayos José. "De la esencia de la arquitectura a lo esencial del espacio. Forma y concepto en la arquitectura de Mies van de Rohe". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2008. http://hdl.handle.net/10251/2628.

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Abstract (sommario):

Esta investigación parte del supuesto de que toda arquitectura coherente tiene siempre un sustrato conceptual que mueve al arquitecto a proyectar y a construir. El mundo de las formas arquitectónicas es lugar de múltiples debates donde se encuentran inquietudes, pensamientos, voluntades, intenciones que se materializan en una forma concreta de hacer y entender la arquitectura. Establecer las relaciones entre el mundo de los conceptos y las formas arquitectónicas del movimiento moderno, en este caso de Mies van der Rohe, permite profundizar en las claves de la arquitectura moderna de la mano de uno de los arquitectos que imprimió carácter al lenguaje del vidrio y del acero. La re-construcción con motivo del centenario de su nacimiento (1886), de algunas de sus obras más significativas, como el pabellón de Barcelona (1987), o la restauración de otras como el bloque de apartamentos de la colonia Weisenhoff (1986), la casa Tugendhat (1986), o la Farnsworth, suponen el triunfo de la idea sobre la materia. Una idea de arquitectura que es capaz de re-generar, re-construir y re-habilitar aquellos modelos que fueron su exponente y que aún hoy sorprenden por la claridad de sus planteamientos. Si se compara la obra construida con los escasos escritos que publicó Mies, crece el interés por estudiar a un arquitecto cuyas máximas se graban en la conciencia como sentencias éticas o pautas de comportamiento: Menos es más, Dios está en el detalle, Construcción frente a arquitectura... El espacio universal La belleza es la verdad ¿Cómo se traduce el camino que él se traza de búsqueda incesante de la verdad, de la esencia de la arquitectura, al espacio arquitectónico? El estudio se centra en el análisis de dos obras de Mies van der Rohe: la casa Tugendhat y la casa Farnsworth. Son obras muy significadas en la trayectoria profesional de Mies van der Rohe
Santatecla Fayos, J. (2005). De la esencia de la arquitectura a lo esencial del espacio. Forma y concepto en la arquitectura de Mies van de Rohe [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/2628
Palancia

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Kemper, Steven Thomas. "STRAIGHT, CURVING, COLORFUL: THREE ARCHITECTS". Connect to this title online, 2006. http://rave.ohiolink.edu/etdc/view?acc%5Fnum=bgsu1150983131.

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Abstract (sommario):

Thesis (M.M.)--Bowling Green State University, 2006.
Document formatted into pages; contains 1 score (vii, 27 p.) For clarinet in B♭ and violoncello, with computer for live electronic processing and pre-recorded sounds.

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Kallunki, K. (Kamilla). "”Jos nainen tanssii, se on ihan normaalia, mutta jos mies tanssii, se on joko tosi outoa tai tosi cool”:sukupuoli ja sukupuolittavat käytännöt tanssissa". Master's thesis, University of Oulu, 2018. http://urn.fi/URN:NBN:fi:oulu-201801131070.

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Abstract (sommario):

Tanssi on liikkeen tekemistä merkittäväksi. Tanssi syntyy ja koetaan sisältä päin, eikä ole pelkästään ulkoista. Myös sukupuoli-identiteetti on kokemuksellista ja liittyy tuntemukseen ruumiistamme ja kehollisuudestamme. Tämän tutkielman tarkoituksena on selvittää, miten tanssi ja sukupuoli liittyvät toisiinsa, ja millaisia sukupuolittavia käytäntöjä tanssissa ilmenee Oulun yliopiston kasvatustieteen tiedekunnan opiskelijoiden kokemana. Tanssikasvatus on sekä liikunta- että taidekasvatusta, johon liittyy myös kulttuurikasvatus. Tanssiessaan ihminen ilmaisee monia eri asioita, kuten tunteitaan ja omaa itseään sekä toimii vuorovaikutuksessa ympäristön kanssa. Ihminen saa ja luo kokemuksia sekä tuntee koko kehollaan. Ruumis, kehollisuus ja kokemuksellisuus ovat tärkeitä sekä tanssissa että sukupuolessa. Sukupuolen määritteleminen on vaikeaa, sillä ihmisillä on erilaisia näkemyksiä siitä, miten sitä tulkitaan. Sukupuoli-identiteettimme ovat tapoja ilmaista kehoamme, ja kokemuksellisuus sekä kehollisuus vaikuttavat sukupuolen performanssiin. Tutkimuksen vastaukset kerättiin kyselylomakkeen avulla Oulun yliopiston kasvatustieteen tiedekunnan opiskelijoilta. Kyselylomakkeen vastaukset kerättiin vuoden 2017 helmikuun aikana ja vastauksia kyselyyn tuli yhteensä 46 kappaletta. Tutkimus on laadullinen ja sisältää fenomenologisia piirteitä, mutta ei edusta mitään tiettyä metodologiaa. Tulokset on analysoitu sisällönanalyysia käyttäen eli vastaukset tutkimusongelmiin on muodostettu kategorisointia käyttäen. Tutkimuksessa on myös viitteitä määrällisestä analyysista. Yleisesti sukupuoli näkyi vastauksissa oletetuissa sukupuolirooleissa ja käytösmalleissa, sukupuolittavissa käytännöissä ja osittain ympäristön vaikutuksessa. Tanssin ja sukupuolen yhteys näkyi tanssin leimautumisessa ja leimaamisessa, ryhmien ja henkilöiden määrinä tanssissa, oletetuissa (sukupuoli)rooleissa ja käytösmalleissa sekä ympäristön vaikutuksessa. Sosiaalisten normien ja ympäristön vaikutus näkyi oletetuissa (sukupuoli)rooleissa ja käytösmalleissa sekä yleisesti ympäristön vaikutuksena. Sukupuolittavia käytäntöjä ilmeni tanssissa sukupuolittavana puheena, tapoina ja toimintana. Sukupuolittava puhe oli joko suoraan tai selän takana tapahtuvaa huutelua, kiusaamista ja kommentointia. Sukupuolittavat tavat ja toiminta näkyivät tanssivien miesten ja poikien vähättelynä, mutta myös heidän arvostuksenaan, turhana ryhmien jaotteluna sukupuolen mukaan, epämiellyttävänä kontaktina, objektivointina ja tanssien hakutilanteissa. Tulosten perusteella voidaan päätellä, että tanssi ja sukupuoli liittyvät toisiinsa ainakin jollakin tasolla, ja että tanssissa ilmenee sukupuolittavia käytäntöjä.

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Lee, Jae-Young. "L’esthétisation de la nature dans l’architecture et l’urbanisme modernes et contemporains : principalement à travers l’œuvre de Wright, Le Corbusier, Mies, Aalto, Koolhaas et Nouvel". Paris, EHESS, 2014. http://www.theses.fr/2014EHES0078.

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Abstract (sommario):

Dans les architectures moderne et contemporaine, la nature est présente dans la notion de paysage en tant qu'esthétique de la nature. Les architectes sont à l'origine de la création des instruments et des dispositifs au service de l'esthétique de la nature. Ces réalisations reflètent leurs idées de la nature lesquelles sont influencés par celles qui existent au cours des siècles précédents et présents. Les idées modernes, caractérisées par les aspects naturalistes, essentialiste et matérialiste, influencent largement les conceptions et les méthodes employées pour représenter la nature. Le paysage n'est pas uniquement l'apparition des matières naturelles permettant à la modernité d'objectiver l'esthétique de la nature. Il se caractérise aussi par l'apparition du cosmos, du monde habité par les hommes. Cette idée existentielle est fondée sur le fait que l'homme, l'être ayant du corps qui habite dans les mondes humains (corporéité et mondanité), voit la nature en tant que quelque chose, et non la nature en elle-même. Dans cette réalité humaine, les quêtes de la nature sont motivées et réalisées selon des processus et des modalités spécifiques, même si les idées dualistes modernes produisent des contradictions, notamment le fait de poser la séparation entre l'homme et la nature, entre l'esprit et la matière. Cette recherche entend saisir les caractéristiques des idées de la nature, de l'esthétique de la nature et de l'humanité (la nature humaine) dans les œuvres architecturales modernes et contemporaines : Frank Lloyd Wright, Le Corbusier. Mies van der Rohe, Alvar Aalto, Rem Koolhaa et Jean Nouvel
In modern and contemporary architecture, nature is present in the notion of landscapes in an aesthetic form of nature. Architects create instruments and layouts to realize the aesthetic of nature in and with buildings. These realizations reflect their ideas of nature, which are influenced by ideas from the history of previous and the present centuries. Modern ideas, which are characteristics of naturalist, essentialist and materialist aspects, largely influence the concepts and methods utilized to represent nature. Landscapes are more than simply the appearance of natural matter that allows modernity to objectivize the aesthetic of nature. It is also characteristic of the appearance of the "cosmos," of worlds inhabited by human beings. This existential idea is founded on the fact that humans, a being having a body which inhabits the human world, see nature as something and not nature in itself. In this human reality, quests of nature are motivated and realized according to specific processes and specific forms, though dualistic and modern ideas produce contradictions, notably the fact that separation is created between humans and nature, between sprit and matter. This research intend to understand the features of the ideas of nature and the aesthetic of nature and humanity (human nature) in works of modern and contemporary architecture by such architects as Frank Lloyd Wright, Le Corbusier, Mies van der Rohe, Alvar Aalto, Rem Koolhaas and Jean Nouvel

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Labrosse-Proulx, Amy. "La réforme de l’homme moderne et l’inadaptation de la République de Weimar : étude des cités d’habitations de Weissenhof et de Römerstadt". Mémoire, Université de Sherbrooke, 2018. http://hdl.handle.net/11143/11962.

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Abstract (sommario):

Le mémoire suivant compare les cités d’habitations de Weissenhof à Stuttgart et de Römerstadt à Francfort-sur-le-Main. Toutes deux projets pilotes du mouvement moderne et de l’École Bauhaus, ces cités démontrent le lien entre le passé traumatique de l’Allemagne wilhelmienne et l’utopie démocratique de la République de Weimar. L’équipe de Ludwig Mies van der Rohe et la brigade d’Ernst May tentent de réformer la famille ouvrière allemande à partir de l’espace qu’elle habite, c’est-à-dire le logement. S’élabore donc une nouvelle grammaire architecturale qui détonne dans le paysage urbain allemand. Cette réforme s’intéresse au remaniement de l’espace privé ; la pièce a un rôle exclusif, comme ses locataires. Par extension, la femme est alors au-devant des changements avec la systématisation scientifique de son travail. L’architecture moderne vacille sans cesse entre un laisser-aller et un contrôle calculé des corps par l’espace qu’ils occupent. Mies et May n’ont pas su adapter les logements qu’ils offraient aux besoins des ouvriers auxquels ils s’adressaient. Réfractaires aux changements, les Allemands ont d’abord rejeté les deux projets alors qu’en Amérique du Nord, le style est déjà enseigné dans les écoles d’architecture. Lentement mais sûrement, les cités d’habitations sont apprivoisées par les générations suivantes. De Frédéric le Grand à aujourd’hui, elles font parties du paysage architectural allemand et certaines d’entre-elles, comme Weissenhof et Römerstadt sont inscrites à l’UNESCO.

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Veal, Alexander. "Influence and architecture : a study of Japanese and 'Oriental' influence in European modernism, with particular reference to the work of Ludwig Mies van der Rohe and Alvar Aalto". Thesis, Cardiff University, 2007. http://orca.cf.ac.uk/55740/.

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Abstract (sommario):

This thesis examines the influence of traditional Japanese culture and related 'Oriental' concepts in European Modern architecture, with particular consideration of the work of Ludwig Mies van der Rohe and Alvar Aalto. The study is organised into six chapters, the first of which addresses the concept of influence, its direct and indirect modes of operation in architecture and the issues associated with Far Eastern sources. In the second chapter, the availability of information on Japanese architecture in Europe from the mid-nineteenth century through to the start of the Second World War is discussed, with reference to publications, exhibitions and architectural theory. In the following two chapters, the work of Mies is considered in the light of this available material. Although commentators have frequently referred to similarities between his buildings and Japanese precedent, direct connections have rarely been proposed. Consideration of the context in which he practised, however, reveals the availability of significant material related to the philosophical and conceptual basis of Japanese architecture, which, it is argued, finds various forms of expression in his work. In the case of Aalto, whose work is discussed in the final two chapters, parallels with Japanese precedent have been more readily identified by critics, with further examination of his context revealing an active interest in Japanese architecture and culture. Unlike Mies, who appears to have referred predominantly to conceptual sources, a more direct assimilation of the physical characteristics of Japanese buildings may be identified in Aalto's work. On the basis of this research, further conclusions have been drawn regarding the nature and effect of influence in architecture, most notably in relation to the 'anxiety' of influence experienced by practising architects, the significance of context, and the tension between traditional notions of influence and the broader understanding of 'intertextuality'.

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Wallenstein, Sven-Olov. "Nihilism, Art, and Technology". Doctoral thesis, Stockholms universitet, Filosofiska institutionen, 2010. http://urn.kb.se/resolve?urn=urn:nbn:se:su:diva-38737.

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Abstract (sommario):

The thesis investigates the role of technology in the formation of the artistic avant-garde, along with various forms of philosophical reflection on this development, with a particular emphasis on Heidegger. Setting out from an analysis of three paradigmatic cases in the interplay between art and technology—the invention of photography, the shift from Futurism to Constructivism, and the interpretation of technology in debates on architectural theory in the 1920s and ’30s—it proceeds to a discussion of three philosophical responses to this development, those found in Walter Benjamin, Martin Heidegger, and Ernst Jünger, all of which share a certain avant-garde sensibility and a notion of art as a response to nihilism. In Heidegger’s postwar writings we see a retreat from the positions of the mid 1930s, and in his reflections on technology a different answer emerges to the question of whether “great art” is still possible: great art is an art that exists precisely by making the founding of a world into something problematic. The fourth part confronts Heidegger’s analysis of technology with the work of an individual artist, the architect Mies van der Rohe, and asks how the “silence”—the withdrawal of language, sense, aesthetic perception, etc.—that is often understood as a precondition for the critical potential of his work should in fact be understood. By examining interpretations that draw on Heidegger via comparisons with other types of critical theory, a different understanding emerges of the relation among nihilism, art, and technology. They form a field of constant modulation, which implies that the concepts that have been the foundation of critical theory, nature, subjectivity, experience, even “being” in Heidegger’s sense, must be subjected to a historical analysis that acknowledges them as ongoing processes of construction, and that also accounts for the capacity of technologies and artistic practices to intervene in the formation of philosophical concepts.
The chapters 5, 6 and 7 in the monograph Essays, Lectures for a part of the Ph.D.thesis.

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Bravo, i. Farré Lluís. "Dibujo-aprendizaje-arquitectura moderna". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de Catalunya, 1988. http://hdl.handle.net/10803/5865.

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Abstract (sommario):

A partir de la crisis de los diversos academicismos arquitectónicos del siglo XIX, y especialmente desde la eclosión irreversible del movimiento moderno, el dibujo abandona progresivamente su papel subsidiario como una técnica instrumental mas al servicio de directrices ajenas a su campo, hasta situarse en el corazón mismo de la experiencia arquitectónica y del proceso de formación del arquitecto. Ello no debe entenderse solamente como referido a la captación de los tradicionales valores plásticos, estilísticos, compositivos, simbólicos o en general formales. El dibujo se convierte en catalizador y soporte de una experiencia básica e integral de la percepción que permitirá una aproximación rigurosa y nueva a la arquitectura, trascendiendo no solo sus aspectos simbólicos y estilísticos (y, en general, todos los de naturaleza puro-visual), sino también cualquier valoración que se base en apriorismos ideológicos o en razonamientos mediatizados por las limitaciones del pensamiento lingüístico o conceptual.

Es oportuno, pues, redefinir el lugar y el papel del dibujo en la docencia de la arquitectura, atendiendo a los estudios básicos del conocimiento apropiativo y considerando la arquitectura como una experiencia de carácter vital (y como tal irreducible e integral) de relación entre el sujeto y el mundo, que utiliza el dibujo como medio fundamental.

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Carey, Hashim. "Numerical modelling of the Mise-à-la-Masse near miss scenario /". Title page, contents and abstract only, 2001. http://web4.library.adelaide.edu.au/theses/09S.B/09s.bc2461.pdf.

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Peixoto, Marta Silveira. "A sala bem temperada interior moderno e sensibilidade eclética". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2006. http://hdl.handle.net/10183/8085.

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Abstract (sommario):

A ambientação de interiores é uma dimensão fundamental da arquitetura moderna que está interessada no desaparecimento da fronteira entre interior e exterior, na continuidade espacial, na transparência, na redução das paredes e na flexibilidade dos espaços; tudo isto sob a regência de um espírito único e harmonioso, comandado pelo arquiteto. Este trabalho, então, analisa as ambientações projetadas para os salões de algumas das casas consagradas produzidas entre 1930 e 1950, especialmente, e procura estabelecer as possíveis relações desta produção, entre contemporâneos e deles com seus antecedentes históricos. O ponto de partida é a constatação inicial de que há diferentes maneiras de tratar o assunto. A inserção desta variável, ambientação de interiores, amplia o espectro de análise da arquitetura moderna, possibilitando uma visão mais abrangente e completa de sua produção, além de buscar e organizar o material relativo ao assunto. A opção pelo tema residencial é consequência da importância que ele asssume no período, estabelecendo-se como programa preponderante e valioso campo de experimentação de idéias. As casas são aquelas de uma elite, não apenas econômica, mas também cultural, disposta a patrocinar e identificar-se com a vanguarda arquitetônica, e o foco da análise recai nos ambientes socias e de representação.
The interior design is a fundamental dimension of modern architecture that is interested in the disappearing of the barriers between the interior and exterior, in the space continuity, in the transparency, in the reduction of the walls and in the flexibility of the spaces; all that under the regency of a unique and harmonious spirit, led by the architect. This work, then, analyses the designs created for the rooms of some of the well-known houses produced specially between 1930 and 1950, and intends to establish the possible relations of this production among the contemporaries and from them with their historical antecedents. The starting point is the initial understanding that there are different ways of dealing with the presented subject. The insertion of this variable, the interior design, extends the spectrum of the analysis of modern architecture, enabling a more including and complete vision of its production, and also searches and organizes the material related to the subject. The option for the residential theme is a consequence of the importance it takes in the period, establishing itself as a preponderant program and valuable field of experimenting of ideas. The houses are those from the elite, not only economical, but also cultural, willing to sponsor and identify to the architectural avant guard, and the focus of the analysis falls on the social and representative rooms.

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Paljic, Alexis. "Interaction en environnements immersifs et retours d'effort passifs". Paris 6, 2004. https://hal-mines-paristech.archives-ouvertes.fr/tel-01479203.

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Ladevie, Bruno. "Mise au point de dispositifs de caracterisation thermophysique de materiaux isolants solides ou pateux - extensions aux fluides cisailles". Paris, ENSAM, 1998. https://hal-mines-albi.archives-ouvertes.fr/tel-01857494.

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Abstract (sommario):

Nous developpons, a partir de methodes existantes (fil chaud, plan chaud,), des nouvelles techniques de mesure de proprietes thermophysiques adaptees aux materiaux super isolants. Il s'agit de determiner la conductivite thermique et la chaleur volumique de l'echantillon. La sonde a choc thermique offre tous les avantages d'un capteur. En un dispositif compact, on realise un instrument peu intrusif, qui peut, par etalonnage, permettre de remonter a de nombreuses proprietes d'un materiau (humidite, densite etc). Nous associons une couche tres isolante a une couche conductrice semi-infinie afin de concevoir un instrument de mesure de conductivite thermique de super-isolant d'epaisseur finie. La couche conductrice est alors un moyen technologique simple pour imposer des conditions limites. L'excitation thermique est appliquee avec un ruban ou une pastille chauffante. Un developpement de ce type de dispositif est envisage pour la caracterisation d'une couche fluide cisaillee (en ecoulement de couette) par un bloc de laiton cylindrique en rotation. L'interet, sur le plan experimental, est ici de ne pas avoir a instrumenter les parties en mouvement. La modelisation, developpee a l'aide d'une extension du formalisme des quadripoles thermiques, tient compte du transfert conductif bidimensionnel dans l'echantillon, et le milieu semi-infini. La comparaison des modeles plus ou moins simplifies, ainsi que l'etude de sensibilite permettent de choisir le jeu de 3 parametres pertinents identifiables : l'inertie de la sonde (estimee sur un materiau de reference), la chaleur volumique de l'echantillon, et la conductivite thermique de l'echantillon. Une etude experimentale sur des materiaux de reference permet de valider nos methodes et quelques exemples d'applications sont presentes.

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Meunier, Anik. "La mise en scène des objets ethnographiques : analyse de l'influence éducative de différentes mises en exposition /". Montréal : Université du Québec à Montréal, 2002. http://www.uqtr.ca/biblio/notice/resume/17553497R.html.

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Abstract (sommario):

Thèse (Doctorat en éducation)--Université du Québec à Montréal, 2002
En tête du titre: Université du Québec à Montréal, Groupe de recherche sur l'éducation et les musées en cotutelle avec Université d'Avignon et des pays de Vaucluse, Laboratoire Culture & Communication. Bibliogr.: f. 414-428.

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Martinez, Gregori Carmen. "De la autarquía a la modernidad: la obra de Mauro LLeó". Doctoral thesis, Universitat Politècnica de València, 2015. http://hdl.handle.net/10251/54136.

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Abstract (sommario):

[EN] Modern architecture in Valencia and some of its most important figures, have not been given to know in depth in the specialized literature. This Thesis aims to be a first approach to the work of one of these architects, Mauro Lleó Serret (1914- 2001) who left a great heritage but due to proximity, due to ignorance, or for not having recognized its value has been often undervalued. While it's true that his work begins in the era of autarchy, with formal expressions inspired by solutions of the past, he will soon be interested in architecture that is being done outside of Spain, of the great Masters as Mies, and will begin to incorporate details of it in their work. Thus, seven of his projects mark the passage to modernity in terms of compositional, technical and materials solutions. These will be two orders for the "Federación Sindical de Agricultores Arroceros de España": the project for the pavilion at the 1st International Fair of the field for the Rice National Cooperative in the Casa de Campo of Madrid (1953) and the project of rice factory in Sueca (1954), three industrial projects: project for a bottling plant of "Coca Cola" (1958) and the building for the metal fabrications factory FLEX (1961) , both in Quart de Poblet and the project for the S.E.A.T. branch in Valencia (1965), and finally two educational projects: the project of school in Valencia for the religious Institute of Purity (1962-1964) and the project of a building for Social Institute of Women (1966). Drawings, photographs of buildings in its current state, interviews with their users or the personal archive of the architect, among others, have been light, in addition to the possibility of a work of comprehensive analysis of certain works, to an approach to his career in the field of building from 1940 until 1976. This work doesn't forget neither the important contribution made by Mauro Lleó Serret in the field of urban planning and rehabilitation, but focuses on its role as an architect of buildings that did arouse the concern of the modern in Valencia.
[ES] La arquitectura moderna en Valencia y algunas de sus figuras más relevantes, no han sido dadas a conocer en profundidad en la bibliografía especializada. Esta Tesis pretende ser un primer acercamiento a la obra de uno de estos arquitectos, Mauro Lleó Serret (1914-2001) que dejó un gran patrimonio construido pero que, por cercanía, por desconocimiento, o por no haber reconocido su valor ha quedado en muchas ocasiones infravalorado. Si bien es verdad que su obra se inicia en la época de la autarquía, con manifestaciones formales inspiradas en soluciones del pasado, pronto pasará a interesarse por la arquitectura que se está haciendo fuera de España, la de los grandes maestros como Mies, y empezará a incorporar detalles de la misma en su trabajo. Así pues, siete de sus proyectos marcarán el paso hacia la modernidad en cuanto a soluciones compositivas, técnicas y materiales. Estos serán dos encargos para la Federación Sindical de Agricultores Arroceros de España: el proyecto de pabellón en la I Feria Internacional del campo para la Cooperativa Nacional del arroz en la Casa de Campo de Madrid (1953) y el Proyecto de factoría arrocera en Sueca (1954), tres proyectos industriales: el Proyecto de planta de embotellar "Coca-Cola" (1958) y el de edificio para fábrica de transformados metálicos FLEX (1961), ambos en Quart de Poblet y el Proyecto de filial de S.E.A.T. en Valencia (1965), y por último dos proyectos docentes: el proyecto de Colegio de Enseñanza en Valencia para el Instituto Religioso de la Pureza (1962-1964) y el Proyecto de edificio para Instituto Social de la Mujer (1966). Planos, fotografías de los edificios en su estado actual, entrevistas con sus usuarios o el archivo personal del arquitecto, entre otros, han dado luz, además de a la posibilidad de un trabajo de análisis exhaustivo de determinadas obras, a una aproximación a su trayectoria profesional en el campo de la edificación desde 1940 hasta 1976. Este trabajo no olvida tampoco la importante contribución de Mauro Lleó Serret en el campo del urbanismo y la rehabilitación, pero se centra en su papel como arquitecto de edificios que hicieron despertar la inquietud de lo moderno en Valencia.
[CAT] L' arquitectura moderna a València i algunes de les seues figures més rellevants, no s'han donat a conéixer amb profunditat a la bibliografia especialitzada. Aquesta Tesi pretén ser un primer apropament a l'obra d'un d'aquests arquitectes, Mauro Lleó Serret (1914-2001) que va deixar un gran patrimoni construït però que, per proximitat, per desconeixement o per no haver reconegut el seu valor ha quedat moltes vegades infravalorat. Si bé és veritat que la seua obra s'inicia a l'època de l'autarquia, amb manifestacions formals inspirades en solucions del passat, prompte passarà a interessar-se per l'arquitectura que s'està fent fora d'Espanya, la dels grans Mestres com Mies, i començarà a incorporar detalls de la mateixa al seu treball. Així doncs, set dels seus projectes marcaran el pas cap a la modernitat quant a solucions compositives, tècniques i materials. Aquests seran dos encàrrecs per a la "Federación Sindical de Agricultores Arroceros de España": el projecte de pavelló en la I Fira Internacional del camp per a la Cooperativa Nacional de l'arròç a la Casa de Campo de Madrid (1953) i el Projecte de factoria arrocera a Sueca (1954), tres projectes industrials: el Projecte de planta d'embotellar "Coca-Cola" (1958) i l'edifici per a fàbrica de transformats metàl·lics FLEX (1961), els dos a Quart de Poblet i el Projecte de filial de S.E.A.T. a València (1965), i per últim dos projectes docents: el Projecte de Col·legi d'Ensenyament a València per a l'Institut Religiós de la Puresa (1962-1964) i el Projecte d'edifici per a Institut Social de la Dona (1966). Plànols, fotografies dels edificis al seu estat actual, entrevistes amb els seus usuaris o l'arxiu personal de l'arquitecte, entre d'altres, han donat llum, a més de a la possibilitat d'un treball d'anàlisis exhaustiu de determinades obres, a una aproximació de la seua trajectòria professional al camp de l'edificació des de 1940 fins a 1976. Aquest treball no oblida tampoc la important contribució de Mauro Lleó Serret al camp de l'urbanisme i la rehabilitació, però es centra amb el seu paper com arquitecte d'edificis que feren despertar la inquietud del modern a València.
Martinez Gregori, C. (2015). De la autarquía a la modernidad: la obra de Mauro LLeó [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/54136
TESIS

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Diemer, Merlin Janina. "O "rompimento da caixa" e suas conseqüências na prática do projeto residencial no século XX". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2006. http://hdl.handle.net/10183/11039.

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Abstract (sommario):

Esta dissertação objetiva mostrar conseqüências ocorridas na prática do projeto residencial provenientes do “rompimento da caixa”. O trabalho investiga um conjunto de residências unifamiliares concebidas durante o século XX, selecionadas por possuírem uma característica comum: serem decorrentes do rompimento da composição univolumétrica iniciado a partir da arquitetura de Frank Lloyd Wright, que “destrói a caixa” compartimentada convencional sem abandonar a ortogonalidade de linhas. A partir do “rompimento da caixa” no início do século XX, foi produzida uma nova classe de elementos mais genéricos e abstratos. Com a arquitetura Neoplástica de Van Doesburg e de Rietveld em meados dos anos de 1920, o plano surge como um elemento de arquitetura na composição das formas. Na primeira parte, através de revisão bibliográfica, o trabalho aborda uma rápida trajetória de aspectos da composição, desde o código clássico até a revisão dos elementos de arquitetura na vanguarda moderna, abordando também os primórdios do Neoplasticismo. A pesquisa considerou a hipótese de que as residências investigadas sigam a lógica construtiva oriunda dessa corrente. Na segunda parte, através da investigação de características espaciais, formais e compositivas, foram agrupados em capítulos os resultados obtidos da verificação de projetos de cinco arquitetos selecionados: Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Eduardo Souto de Moura e João Álvaro Rocha.
This dissertation shows the “destruction of the box” consequences in residential project. The work investigates a set of “single-family residences” projected in XX century. These houses were elected for presenting a common characteristic: to be decurrently of the “destruction of the box”, initiated from the architecture of Frank Lloyd Wright, who "destroys the conventional box" without abandoning the orthogonality of lines. From the "destruction of the box", in the beginning of century, a new class of elements was produced, more generic and abstract. With the Van Doesburg´s and Rietveld´s Neoplastic architecture (1920), the wall appears as an element in the composition of the forms. Firstly, with a bibliographical revision, the work approaches a fast trajectory in the composition, since the classical architecture, until the revision of elements in the modern vanguard, and approaches the beginning of the Neoplasticism. A research considered the hypothesis, where the investigated residences follow the constructive logic of the Neoplasticism. From there, through the inquiry of spaces characteristics, formal and compositive, the results had been grouped in chapters, gotten through the verification of projects of five selected architects: Mies van der Rohe, Frank Lloyd Wright, Richard Neutra, Eduardo Souto de Moura and João Álvaro Rocha.

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Djoudi, Neïla. "Conception, développement et mise au point d'un procédé hydrométallurgique de récupération du cobalt (II) issu de mines secondaires par précipitation". Electronic Thesis or Diss., Université de Lorraine, 2021. http://www.theses.fr/2021LORR0010.

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Abstract (sommario):

Le cobalt fait partie des cinquante métaux stratégiques, considérés comme essentiels pour l’industrie et qui sont au cœur d’enjeux économiques et géopolitiques mondiaux. C’est pourquoi, la recherche portant sur la récupération de ce métal critique, à partir de déchets industriels ou urbains, est particulièrement importante pour les années à venir. L’objet de la thèse porte sur le développement d’un procédé hydrométallurgique permettant de récupérer le cobalt à partir d’un lixiviat de batterie Li-ion par précipitation. La première partie de ces travaux s’est portée sur le choix de l’agent précipitant, celui-ci devant répondre à un certain nombre de critères tels qu’une haute efficacité de récupération du cobalt, un impact environnemental faible et un coût économique limité. Une étude comparative des agents a été effectuée, basée sur la littérature ainsi que sur des simulations des équilibres thermodynamiques réalisées sous Visual Minteq 3.0. Les résultats ont montré qu’il était possible de récupérer 99,8 % du cobalt, sous forme d’hydroxyde. Des expériences ont alors été conduites afin de valider les hypothèses émises et de comparer les résultats obtenus avec les simulations effectuées. Expérimentalement, plusieurs paramètres opératoires ont été étudiés afin de déterminer les conditions optimales de récupération du cobalt, en termes de rendement, de sélectivité et de filtrabilité du précipité. Certains paramètres tels que la sursaturation, peuvent influencer les propriétés du produit obtenu (taille des particules, des agglomérats, polymorphisme…). Le polymorphe retenu devra permettre d’obtenir les rendements les plus élevés et des temps de filtration les plus faibles. Par la suite, les recherches ont porté sur l’étude de milieux synthétiques complexes contenant du cobalt, du manganèse, se rapprochant ainsi des conditions réelles de lixiviats de batterie Li-ions, et conforme au schéma de procédé proposé. Enfin, à partir des résultats obtenus réacteur parfaitement agité en régime discontinu, des expérimentations ont été réalisées en mode continu. Il a été possible de déterminer les paramètres optimaux de récupération du cobalt et de les extrapoler à l’échelle pilote en réacteur à lit fluidisé, permettant d’envisager le procédé à plus grande échelle
Cobalt is one of the fifty strategic metals considered essential for the industry and which are at the heart of global economic and geopolitical issues. This is why, research into the recovery of this critical metal, from industrial or urban waste, are particularly important for the years to come. The subject of the thesis is the development of a hydrometallurgical process to recover cobalt from a Li-ion battery leachate by precipitation. The first part of the thesis focused on the precipitating agent choice, which must meet a certain number of criteria in order to recover cobalt efficiently. Based on these criteria, a comparative study of the different precipitating agents was carried out. It was based on the literature as well as on the simulations of thermodynamic equilibria carried out in Visual Minteq 3.0. The results showed that it was possible to recover 99.8% of cobalt, in the hydroxide form. Based on these results, experiments were conducted to validate the hypotheses put forward and to compare the results obtained with the simulations performed. Experimentally, several parameters were studied in order to determine the optimal conditions for cobalt recovery, in terms of yield, filterability and selectivity. Certain parameters such as supersaturation can influence the product obtained typology (particle size, agglomerate size, polymorphism...). The selected polymorph should allow to obtain the highest yields and the lowest filtration times. Subsequently, the research focused on the study of complex synthetic media containing cobalt and manganese, thus getting closer to the real conditions of Li-ion battery leachates, and appearing on the proposed process scheme. Experimental results were compared to simulations previously carried out. Finally, based on the results obtained in discontinuous mode, experiments were carried out in continuous mode. It was possible to determine the optimal parameters for cobalt recovery and to extrapolate them to the pilot scale in a fluidized bed reactor, allowing the process to be considered on a larger scale

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François, Arnaud. "La Vision ciné-photographique et l'apparition de l'architecture moderne". Paris 3, 2001. http://www.theses.fr/2001PA030061.

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Abstract (sommario):

Comment les architectes ont-ils pu developper une "esthetique materielle" de l'architecture, alors que la philosophie de la representation repose sur l'impossibilite d'atteindre immediatement la realite, si ce n'est a travers les formes de l'esthetique ? notre these consiste a demontrer que c'est la cine photographie qui est a l'origine de ce bouleversement en transformant le sens de l'esthetique. La photographie, en tant qu'image analogue a celle de l'oeil, va inciter l'architecte a imaginer la decouverte de la realite en apparence materielle. Puis, l'espace et le temps abstraits vont devenir les dimensions de la physiologie de la vision. Ensuite, a travers la pulverisation de la realite, propre a la matiere photographique, l'architecte va s'imaginer sentir de l'interieur la physique du corps des batiments. L'invention du cinema, en tant que projection lumineuse en mouvement, analogique a l'image du reve, va hisser le visible physique au plan de l'imagination. L'un va s'imaginer "voir" vivre de l'interieur la forme organique. L'autre estime que l'imagination est quasiment interne a l'oeil. Ainsi, l'espace et le temps abstraits sont assimiles aux dimensions de l'espace physique. Puis, avec l'arrivee du parlant, le concept n'est plus un moyen d'atteindre scientifiquement la realite corporelle en soi, il devient une dimension du "visible". L'architecture n'est plus l'art de former un corps, elle devient un art du "visible". Cette these se developpe a travers l'etude des architectes et theoriciens majeurs de l'architecture moderne : viollet-le-duc, ruskin, sitte, van de velde, wright, le corbusier et mies van der rohe. Ainsi, l'histoire recente de l'architecture, et plus generalement de l'art et de la philosophie de la modernite, est inseparable de celle de la cine-photographie. Mais alors, quelle est cette histoire secrete menee par les images ? n'a-t-on pas encore decouvert les veritables pouvoirs de la connaissance esthetique en soi ?

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Vergeron, Thierry. "Le miel : aliment ou médicament ?" Bordeaux 2, 1991. http://www.theses.fr/1991BOR2P098.

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Joliez, Stéphane. "Recherche d'inhibiteurs de l'aspartate transcarbamylase et de mimes de bisubstrats d'ADN et d'ARN-Polymerases. Mise au point d'une méthode générale d'alkylidenediphosephorylation de nucleopiles". Nancy 1, 1998. http://www.theses.fr/1998NAN10056.

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