Letteratura scientifica selezionata sul tema "Hypotextes"

Résumé Cet article explore la question de la dérivation textuelle, ce que depuis Gérard Genette on appelle l’hypertextualité, et aborde sous cet angle des écrits de la Bibliothèque copte de Nag Hammadi. Composés au début de l’ère chrétienne, ceux-ci posent des problèmes particuliers : ils sont anciens, anonymes et sans prétention littéraire affichée. Il est possible de mettre en lumière diverses modalités de dérivation entre eux ainsi que les liens qui les unissent aux hypotextes dont ils dérivent. Il ne s’agit pas de suggérer de nouvelles catégories, ni d’essayer de faire entrer strictement les oeuvres anciennes dans des catégories connues, mais plutôt de montrer le travail qu’opèrent ces écrits sur leurs sources afin de mieux les comprendre. En ce sens, l’intertextualité, et toute forme de transtextualité, est intéressante dans la mesure où elle met l’accent sur l’intégration et l’interprétation des matériaux traditionnels plutôt que de s’en tenir exclusivement à la critique des sources. On peut en conclure que c’est en fonction de la relation spécifique entre l’hypertexte et son hypotexte que la signification doit être envisagée, et non en fonction de l’hypertexte seul.

Beaucoup de comédies ou «farces» (Possen) de Nestroy suivent de très près l’action des comédies-vaudevilles parisiennes. En revanche, Nestroy leur emprunte rarement des détails de dialogue, souvent très pointus. Cela s’explique en partie par la rigueur de la censure autrichienne, qui ne tolérait ni allusions érotiques ni remarques politiques, et en partie par la technique, propre à Nestroy, consistant à conférer une atmosphère toute viennoise à ses pièces. Là où, dans Der Talisman (1840) et Eisenbahnheirathen (1844), Nestroy se sert de pointes tirées des pièces de Depeuty et Courcy ou de Bayard et Varin, le nouveau contexte tend à dépasser le champ théâtral et à devenir plus littéraire que les hypotextes utilisés par le dramaturge viennois.

Ambros Adelwart, personnage éponyme du troisième récit des Émigrants, est né en Allemagne. Il quitte enfant son pays natal pour des raisons économiques. Il mène alors la vie d’un Picaro des temps modernes avant de s’installer, après de longues années d’errance, aux États-Unis. C’est là qu’il mourra dans la clinique « Samaria » de la ville d’Ithaca (N. Y.). L’analyse repose sur une étude des noms (prénoms, patronymes et toponymes) et fait apparaître qu’Ambros, sujet en apparence parfaitement cosmopolite, a cherché sa vie durant un pays natal qu’il lui faut identifier, en arrivant à Ithaca, comme « pays natal ennemi » – Feindheimat pour reprendre l’expression de Jean Améry. L’Odyssée et l’essai de Jean Améry Wieviel Heimat braucht der Mensch? sont lus ici (entre autres) comme hypotextes du récit.

Résumé Dans cet article, l’auteur examine l’esthétique des sphères parallèles présente dans les romans du cycle de la ville-île de Pierre Yergeau et, afin d’en décrire les principales composantes, il commence par s’arrêter sur le roman intitulé 1999. L’attention se porte sur le personnage de Charles Hoffen, témoin par excellence de la logique de l’interruption sous-jacente à cette esthétique. L’hypothèse soutenue est qu’un récit brisé ne peut que mettre en scène des personnages détraqués, et que Charles en est l’exemple par excellence. Cette perspective s’élargit ensuite pour montrer, dans un premier temps, le système de communication implicite qui réunit les divers textes du cycle de la ville-île. Dans un deuxième et dernier temps, l’auteur étudie les relations entre ce cycle et l’un de ses hypotextes, le poème moderniste de T.S. Eliot, The Waste Land. On verra que la terre dévastée n’est pas qu’un thème chez Yergeau, mais un intertexte aux ramifications étonnantes.

Cet article se propose d’examiner la façon dont les contes populaires des Frères Grimm («Les Douze Princesses Dansantes», «Rapunzel» et «Le Roi Grenouille») ont été récupérés et réécrits par Jeanette Winterson dans Sexing the Cherry. Les personnages du conte appartenant à la culture populaire sont déracinés de leur univers spécifique de conte classique et sont réinscrits dans un roman postmoderne qui joue sur l’imbrication de la culture populaire et de la culture d’élite, sur l’incongruité et le sérieux, sur les références intertextuelles qui restent ancrées dans Sexing the Cherry, et sur la contestation des normes, concepts et conventions littéraires. Le poème de Browning, «My Last Duchess» et celui de Byron, «She Walks in Beauty» ont été également recyclés par Winterson. La tradition poétique masculine est ainsi injectée dans les contes populaires revus dans le récit wintersonien qui garde des liens forts avec les hypotextes, mais les absorbe, les subvertit et les dépasse aussi par l’introduction d’un discours féministe.

Dans cette étude consacrée à Naked Lunch (Burroughs, 1959 ; Cronenberg, 1991) et A History of Violence (Wagner et Locke, 2005 ; Cronenberg, 2005), je propose d’articuler les notions d’image-espace (Gaudin, 2014) et de corps filmique (Shaviro, 1994) afin de montrer que ces transcréation de David Cronenberg ont un impact corporel et engendrent des sensations culpabilisantes pour le public – soit l’anempathie (dans le premier exemple) et l’excitation extrême (dans le second). À travers mes analyses de ces films « infilmables » qui empruntent un certain nombre de sèmes abjects à leurs hypotextes, je désire non seulement rendre compte de leurs effets sur notre corps mais aussi expliquer le rôle que jouent les différentes composantes du médium filmique (monstration certes mais aussi cadrage et bande sonore) pour l’élaboration d’un paysage filmique abject. J’argue que le réalisateur torontois, à la fois source de fascination et de haine si l’on en croit ce qui a été écrit à son sujet, propose une nouvelle forme de cinéma qui, par le truchement de l’abjection, pave la voie pour la libération de notre imaginaire.

La rivalité oedipienne entre une fille et une figure maternelle — qu’elle soit mère, marâtre ou belle-mère (mother-in-law) — a toujours eu une place de choix dans la forme brève, au point de donner lieu à sa propre typologie : celle de l’héroïne persécutée. Si son ascendance remonte minimalement au mythe de Psyché et Cupidon contenu dans les Métamorphoses d’Apulée, c’est aujourd’hui surtout à travers Blanche Neige, Cendrillon et La Belle au bois dormant qu’on la connaît, et particulièrement à travers le filtre que leur ont apposé Perrault, les frères Grimm et Disney. Nombreux sont les hypotextes qui ont tenté de redonner ses armes à la protagoniste passive des versions consacrées, de lui conférer une personnalité ; plus rarement toutefois on s’est attaché à comprendre sa persécutrice. C’est à cet exercice que se livre Guillaume Corbeil dans Trois princesses, en proposant des réécritures dont cet article montre que la focalisation est bigénérationnelle. En analysant les nombreux jeux de miroirs à partir desquels Corbeil construit ses récits, l’auteure révèle que mère et fille ne peuvent s’y définir que l’une par rapport à l’autre, dans une perspective symétrique autant que linéaire.

Sous le pseudonyme de Merlin Cocaio, un Liber macaronices, poème héroï-comique en 17 livres, narrant les aventures de Baldo, est publié à Venise en 1517. L'auteur caché derrière ce pseudonyme est Teofilo Folengo, qui écrit en hexamètres macaroniques. Le poème s'inscrit dans la sphère de la littérature en langue macaronique, qui compte à l'époque des poèmes sans ambitions. La Macaronea folenghiana est, en revanche, un produit beaucoup plus raffiné, avec tout un appareil de gloses attribué à un certain Aquario Lodola, en hommage ironico-burlesque à la tradition virgilienne. Trois autres éditions ont été publiées: la Toscolanense en 1521, la Cipadense (probablement publiée entre 1534 et 1536) et la Vigasio Cocaio, posthume (1552). Il existe d'importantes variantes entre les quatre versions et dans la lignée des études sur les variantes, le problème des motivations sous-jacentes à la publication du Cipadense est particulièrement intéressant. Le présent travail se concentre sur l'analyse des hypothextes classiques et médiévales - de nature scientifique ou poétique - que l'on trouve dans les trois livres centraux du Baldus, en prenant pour référence les éditions Toscolanense et Cipadense. Le sujet de ces trois livres - qui servent de charnière entre la première partie (qui raconte les aventures terrestres du héros et de ses compagnons) et la deuxième (un voyage maritime aventureux qui conduira la brigade à combattre les sorcières et les démons en enfer) - est représenté par un épisode alchimique et un épisode astrologique. Ces deux éditions sont les plus intéressantes, de mon point de vue, à la fois pour leur diversité formelle et parce qu'elles montrent le caractère naissant du Macaroni de Folengo à deux moments différents de la vie de l'auteur. Folengo était un moine bénédictin et, de 1525 à 1534, il quitta le monastère en raison de désaccords avec l'ordre. L'œuvre macaronique était considérée comme subversive par rapport à la culture monastique traditionnelle, ce qui explique pourquoi l'édition Cipadense était considérée comme une palinodie par rapport à la forme perturbatrice de l'édition Toscolanense antérieure. Mais l'analyse effectuée dans ce travail fait apparaître une situation beaucoup plus complexe, dans laquelle le macaronique est configuré comme une langue d'art dans laquelle l'imitation, la parodie et l'interférence d'hypotextses jouent le même rôle que la mescidance linguistique. Il est évident que le Folengo qui écrit le Cipadense n'est plus le jeune moine de 1521, qu'il a vécu d'autres expériences, qu'il a voyagé et qu'il a rencontré des personnes d'autres milieux. Il est évident que l'esprit de curiosité et le désir de connaissance, que nous pouvons observer dans les personnages du Baldus, sont les mêmes que ceux qui animent le Folengo humaniste. Le caractère encyclopédique des œuvres médiévales est présent dans les deux digressions, mais dans le Cipadense, on constate que l'interférence entre les sources est plus subtile au point de trahir davantage l'horizon d'attente du lecteur. De même, l'ambivalence des lieux décrits: la caverne protégée par une fée, où se trouve un planétarium alchimique; le voyage en mer qui se transforme en voyage dans les sphères célestes, sont tous deux le fruit d'une imagination qui s'appuie sur une vaste tradition écrite. En outre, les deux épisodes sont menés par des masques à la moralité douteuse qui occupent plus d'espace sur la scène que le protagoniste: un conservateur herbolique de gloses dans la Toscolanense (qui disparaît dans la Cipadense), un gitan astrologue, un bouffon et un troubadour qui acquièrent de plus en plus d'espace dans la structure narrative de la Cipadense. Ce qui est certain, c'est que toute l'architecture du poème repose sur ces fondations incertaines, de sorte que nous ne pouvons pas être sûrs de la véritable intention de Folengo: nous révéler un savoir caché ou, simplement, se moquer des modèles livresques évoqués
Under the pseudonym of Merlin Cocaio, a Liber macaronices, a heroic-comic poem in 17 books, narrating the adventures of Baldo, was published in Venice in 1517. The author hidden behind this pseudonym was the Benedictine monk Theophilus Folengo, who wrote in macaronic hexameters. The poem is inscribed in the sphere of literature in the Macaronic language, which at the time had operettas without great ambitions. The Macaronea folenghiana is, in contrast, a much more elegant and refined product with a whole apparatus of glosses attributed to a certain Aquario Lodola, in ironic-burlesque homage to tradition. Three other editions were published later: the Toscolanense in 1521, the Cipadense (undated, but probably issued between 1534 and 1536) and the Vigasio Cocaio, posthumous (1552). There are important variants between the four versions, prompting attention to the poem's character in fieri. Of particular interest, following the vein of variant studies, is the problem of the underlying motives behind the publication of the Cipadense. The present work focuses on the analysis of the classical and medieval hypotheses - of a scientific or poetic nature - found in the three central books of the Baldus, taking the Toscolanense and Cipadense editions as reference. The subject matter of these three books - which act as a hinge between the first part (which narrates the hero and his companions' terrestrial adventures) and the second (an adventurous sea voyage that will lead the brigade to fight witches and devils in Hell) - is represented by an alchemical episode and an astrological one. These two editions are the most interesting, from my point of view, both because of their formal diversity and because they show the burgeoning character of Folengo's Macaroni in two different moments of the author's life. Folengo was a Benedictine monk of the Congregation of Santa Giustina and from 1525 to 1534 he left the monastery due to unclear disagreements with the order. The Macaronic work was seen as subversive to traditional monastic culture, which is why the Cipadense edition was seen as a palinodia compared to the disruptive form of the earlier Toscolanense edition. But from the analysis performed in this work, a much more complex situation emerges, whereby the Macaronic comes to be configured as a language of art in which imitation, parody and interference of hypotheticals play the same role as linguistic mescidance. It is evident that the Folengo who writes the Cipadense is no longer the young monk of 1521, he has had other experiences, travelled and met people from other backgrounds. It is evident that the spirit of curiosity and desire for knowledge, which we can observe in the characters of the Baldus, is the same that animates the humanist Folengo. The encyclopaedic character of medieval works is present in both digressions, but in the Cipadense we can see that the interference between sources is more subtle and refined to the extent that it betrays more of the reader's horizon of expectation. Similarly, the ambivalence of the places described: the cavern protected by a fairy, where there is an alchemical planetarium; the sea voyage that turns into a voyage into the celestial spheres, are both the result of a creative imagination that relies on a vast written tradition. Moreover, both episodes are led by masks of dubious morality who occupy more space on the scene than the protagonist: a herbolical curator of glosses in the Toscolanense (who disappears in the Cipadense), an astrologer gypsy, a jester and a troubadour who acquire more and more space in the narrative structure of the Cipadense. What is certain is that the entire architecture of the poem rests on these uncertain foundations, so we cannot be sure what Folengo's true intention is: to reveal hidden knowledge to us, or simply, to make fun of the bookish models evoked

La présente thèse est une recherche imagologique, comparatiste et postcoloniale sur les représentations de l’Afrique et des Africains dans des oeuvres de la littérature contemporaine allemande qui ont un lien hypertextuel avec des oeuvres de la littérature coloniale européenne. En se fondant sur 1m Kongo de Urs Widmer et Kain und Abel in Afrika de Hans Christoph Buch, elle explore, de manière exemplaire et par des voies nouvelles, les rapports de ces hypertextes post-coloniaux à leurs hypotextes coloniaux, Heart of Darkness de Joseph Conrad et Caput Nili de Richard Kandt. Elle vise à déterminer, à l’aide de catégories élaborées par la critique postcoloniale, si les écrits retenus parviennent à dépasser les tendances ethnocentriques caractéristiques des réflexes littéraires de la rencontre ethnographique de l’Autre à l’étranger et donc à proposer des images qui contribuent au renouvellement des représentations de l’altérité et de l’ailleurs dans la littérature contemporaine allemande
The following dissertation is an imagological, comparative and postcolonial research about the representations of Africa and Africans in different works of contemporary German literature, which are hypertextually connected to works of European colonial literature. By taking 1m Kongo by Urs Widmer and Kain und Abel in Afrika by Hans Christoph Buch, it scrutinizes, on an exemplary basis and in new ways, the relationship of these post-colonial hypertexts to their underlying colonial subtexts: Heart of Darkness by Joseph Conrad and Caput Nili by Richard Kandt. It is focused on evaluating, with the help of criteria developed within the postcolonial criticism, whether the selected writings succeed in overcoming the ethnocentric tendencies that characterise the literary reflexes of the ethnographie encounter with the Other abroad, there by producing images that contribute to the renewal of the representations of otherness and foreignness within the contemporary German literature

Les pastiches-Zola constituent un signe de réception de l’œuvre zolienne. Le style de l’auteur des Rougon-Macquart est toujours ciblé plus d’un siècle après sa mort par les auteurs de ce type de réécriture. Notre travail de recherche pose le problème de l’appropriation mimétique et/ou différentielle des pastiches-Zola postérieurs à sa mort. La question centrale à traiter est celle de savoir comment Zola est imité dans ces pastiches. Le pastiche implique le phénomène de reprise textuelle qui est caractérisé par l’existence de deux types de textes : l’hypertexte (texte dérivé) et l’hypotexte (texte imité). Une approche comparative associée aux théories de l’intertextualité et de l’hypertextualité nous a permis de découvrir que les pasticheurs de Zola s’inspirent de ses romans et des œuvres d’autres auteurs célèbres. Ils produisent ainsi des pastiches à hypotexte simple, double ou multiple. Les pastiches-Zola se distinguent aussi par leur visée interne (littéraire) ou externe (politique, publicitaire). Les pastiches à visées externes montrent que leurs auteurs documentent les faits sociaux de leur époque comme le faisait Zola. Certains pasticheurs font preuve d’engagement (littéraire) en s’attaquant, mais de manière indirecte, aux personnalités politiques de leur époque. En plus de leurs intentions, leur représentation du style de Zola diversifie leurs productions écrites. Chaque pasticheur obéit à certaines règles d’imitation liées de manière générale aux principes de ressemblance et de différence. Certains pastiches sont ainsi plus inventifs et/ou plus représentatifs du style zolien que d’autres. L’étude des manières imitantes des pasticheurs permet de mener une réflexion sur la notion du style dont les définitions paraissent floues. Les pasticheurs ne s’attardent plus seulement sur la thématique zolienne qui a été très critiquée de son vivant et même après sa mort. Ils allient les thèmes aux procédés stylistiques et expriment, de ce fait, une reconnaissance des qualités poétiques de l’œuvre du chef de file du naturalisme. Les pastiches-Zola produits au XXe et à l’aube du XXIe siècles apparaissent donc, non seulement comme une analyse critique de cette œuvre, mais aussi comme une critique des critiques partielles ou partiales qui ont précédé le renouvellement de la lecture des textes de l’auteur de Médan. L’imbrication des procédés stylistiques et des thèmes zoliens repris et adaptés aux contextes des pasticheurs montre que le style littéraire convoque à la fois les dimensions idiosyncrasiques et sociologiques des façons d’écrire propres à un écrivain, le style n’étant pas un phénomène abstrait mais une série de choix formels et thématiques historiquement situés et dont l’imitation est grandement déterminée par des représentations
Zola-pastiches are a sign of reception of Zola’s literary works. More than a centuryafter his death, his style is still targeted by the authors of this type of rewriting. Our researchposes the problem of mimetic or differential appropriation of Zola-pastiches posterior to hisdeath. How the author of Les Rougon-Macquart is imitated in these pastiches is our mainresearch question. A pastiche is a writing that implies a textual repeat characterized by theexistence of two types of texts: the hypertext (derived text) and the hypotext (source text). Acomparative approach linked to the theories of intertextuality and hypertextuality has enabledus to discover that the imitators of Zola draw inspiration from his writings and also from thewritings of other authors. They thus produce pastiches with single, double or multiplehypotexts. The distinction between Zola-pastiches is also based on their internal (literary) orexternal (political, advertising) aim. The authors of pastiches with external aims documentthe social facts of their era just like Zola did in his novels. Some authors show a literaryengagement by attacking political leaders but indirectly. In addition to their aims, theirrepresentation of Zola’s style diversifies their writings. Each writer conforms to someimitation rules which are generally related to the principles of similarities and differences.Some pastiches are therefore move creative and/or more representative of Zola’s style thanothers. The study of the imitative ways of pastiches’ writers implies a reflection on theconcept of style whose definitions seem unclear. These writers no longer focus only onZola’s thematic which has been highly criticized during his life time and even after his death.They blend themes and stylistic devices, thus acknowledging the poetic quality of the literaryworks of the naturalism founder. The Zola-pastiches written during the 20th and at thebeginning of the 21st centuries therefore appear to be a critical analysis of these works as wellas the criticism of the partial or one-sided criticism that preceded the renewed interest in thereading of the author of Medan’s texts. The imbrication of stylistic devices and themesborrowed from Zola and adapted to new contexts shows that the literary style convokes theidiosyncratic and sociologic dimensions of an author’s specific way of writing, given that,style is not an abstract phenomenon but a series of formal and thematic choices which arehistorically located and whose imitation is highly determined by representations

Les pastiches-Zola constituent un signe de réception de l’œuvre zolienne. Le style de l’auteur des Rougon-Macquart est toujours ciblé plus d’un siècle après sa mort par les auteurs de ce type de réécriture. Notre travail de recherche pose le problème de l’appropriation mimétique et/ou différentielle des pastiches-Zola postérieurs à sa mort. La question centrale à traiter est celle de savoir comment Zola est imité dans ces pastiches. Le pastiche implique le phénomène de reprise textuelle qui est caractérisé par l’existence de deux types de textes : l’hypertexte (texte dérivé) et l’hypotexte (texte imité). Une approche comparative associée aux théories de l’intertextualité et de l’hypertextualité nous a permis de découvrir que les pasticheurs de Zola s’inspirent de ses romans et des œuvres d’autres auteurs célèbres. Ils produisent ainsi des pastiches à hypotexte simple, double ou multiple. Les pastiches-Zola se distinguent aussi par leur visée interne (littéraire) ou externe (politique, publicitaire). Les pastiches à visées externes montrent que leurs auteurs documentent les faits sociaux de leur époque comme le faisait Zola. Certains pasticheurs font preuve d’engagement (littéraire) en s’attaquant, mais de manière indirecte, aux personnalités politiques de leur époque. En plus de leurs intentions, leur représentation du style de Zola diversifie leurs productions écrites. Chaque pasticheur obéit à certaines règles d’imitation liées de manière générale aux principes de ressemblance et de différence. Certains pastiches sont ainsi plus inventifs et/ou plus représentatifs du style zolien que d’autres. L’étude des manières imitantes des pasticheurs permet de mener une réflexion sur la notion du style dont les définitions paraissent floues. Les pasticheurs ne s’attardent plus seulement sur la thématique zolienne qui a été très critiquée de son vivant et même après sa mort. Ils allient les thèmes aux procédés stylistiques et expriment, de ce fait, une reconnaissance des qualités poétiques de l’œuvre du chef de file du naturalisme. Les pastiches-Zola produits au XXe et à l’aube du XXIe siècles apparaissent donc, non seulement comme une analyse critique de cette œuvre, mais aussi comme une critique des critiques partielles ou partiales qui ont précédé le renouvellement de la lecture des textes de l’auteur de Médan. L’imbrication des procédés stylistiques et des thèmes zoliens repris et adaptés aux contextes des pasticheurs montre que le style littéraire convoque à la fois les dimensions idiosyncrasiques et sociologiques des façons d’écrire propres à un écrivain, le style n’étant pas un phénomène abstrait mais une série de choix formels et thématiques historiquement situés et dont l’imitation est grandement déterminée par des représentations
Zola-pastiches are a sign of reception of Zola’s literary works. More than a centuryafter his death, his style is still targeted by the authors of this type of rewriting. Our researchposes the problem of mimetic or differential appropriation of Zola-pastiches posterior to hisdeath. How the author of Les Rougon-Macquart is imitated in these pastiches is our mainresearch question. A pastiche is a writing that implies a textual repeat characterized by theexistence of two types of texts: the hypertext (derived text) and the hypotext (source text). Acomparative approach linked to the theories of intertextuality and hypertextuality has enabledus to discover that the imitators of Zola draw inspiration from his writings and also from thewritings of other authors. They thus produce pastiches with single, double or multiplehypotexts. The distinction between Zola-pastiches is also based on their internal (literary) orexternal (political, advertising) aim. The authors of pastiches with external aims documentthe social facts of their era just like Zola did in his novels. Some authors show a literaryengagement by attacking political leaders but indirectly. In addition to their aims, theirrepresentation of Zola’s style diversifies their writings. Each writer conforms to someimitation rules which are generally related to the principles of similarities and differences.Some pastiches are therefore move creative and/or more representative of Zola’s style thanothers. The study of the imitative ways of pastiches’ writers implies a reflection on theconcept of style whose definitions seem unclear. These writers no longer focus only onZola’s thematic which has been highly criticized during his life time and even after his death.They blend themes and stylistic devices, thus acknowledging the poetic quality of the literaryworks of the naturalism founder. The Zola-pastiches written during the 20th and at thebeginning of the 21st centuries therefore appear to be a critical analysis of these works as wellas the criticism of the partial or one-sided criticism that preceded the renewed interest in thereading of the author of Medan’s texts. The imbrication of stylistic devices and themesborrowed from Zola and adapted to new contexts shows that the literary style convokes theidiosyncratic and sociologic dimensions of an author’s specific way of writing, given that,style is not an abstract phenomenon but a series of formal and thematic choices which arehistorically located and whose imitation is highly determined by representations

Nous avons tenté dans ce travail de mettre en évidence le sens et l’utilité des réécritures dans la littérature comparée. Pourquoi et comment les écrivains s’emparent-ils d’une œuvre ou d’un texte en général (un texte sacré par exemple) et les transforment-ils ? Les écrivains francophones (ou imprégnés de culture française) des XXe et XXIe siècles s’inspirent de certains modèles de réécritures présents dans la littérature classique européenne ; ils apportent cependant une richesse supplémentaire aux hypotextes sur plusieurs plans : culturel, philosophique et esthétique. Un parallèle entre les arts du verbe et de l’image est établi, les seconds étant censés jeter un éclairage sur les premiers, aider à mieux saisir comment se réalise le passage d’une œuvre de création à une autre dans la continuité et la rupture. Plusieurs auteurs ― dont Maryse Condé, Assia Djebar, Nedim Gürsel et Abdelwahab Meddeb ― usent de la réécriture ― qui peut être interprétation ou travail esthétique sur l’écriture même (pastiche, parodie, etc.) ― pour exprimer leurs pensées et faire passer plus amplement leurs messages. Notre thèse se propose de dévoiler ces pensées et ces messages et d’essayer de les interpréter en faisant ressortir les mobiles ou les motifs des écrivains. Les œuvres sont à la fois des signaux (c’est-à-dire le sens voulu par les auteurs, ce qu’ils souhaitent consciemment exprimer, leur projet intentionnel) et des symptômes (ce que les œuvres révèlent en plus au lecteur)
In this work, we have attempted to highlight the meaning and usefulness of rewriting in comparative literature, whether this literature is European or is derived from French-speaking countries in other parts of the world. Why and how do writers seize a work or text in general (sacred text, for example) and transform it ? We recall that the French-speaking (or inhabited by French) writers of the 20th and 21st centuries are inspired by models of rewriting present in classical literature; they nevertheless bring hypotexts to a great wealth on several levels: cultural, philosophical and aesthetic. A parallel between the arts of the verb and the image is established, the latter being supposed to shed light on the first, to help better grasp the passage from one work of creation to another in continuity and rupture. Several authors - including Maryse Condé, Assia Djebar, Nedim Gürsel and Abdelwahab Meddeb - use rewriting - which can be interpretation or aesthetic work on writing itself (pastiche, parody) - to express their thoughts and pass messages that matter to them. It is these thoughts and messages that our thesis proposes to unveil and try to understand by bringing out the motives of writers

The present dissertation has aimed to compare two seventeenth-century European plays, Webster's The Duchess of Malfi (1614) from England and Lope de Vega's El mayordomo de la Duquesa de Amalfi (1618) from Spain, which were written almost at the same time and based upon the same source text originally written by Bandello from Italy and roughly translated into English by Painter. The story concerns Joan of Aragon, Duchess of Amalfi, who was killed by her two brothers as a result of her marrying a gentleman, Antonio, below her social status. Lope's text portrays the female ruler in no positive manner because Lope is more interested in questioning whether “honra” (virtue) should be put before “honor” (bloodline). Lope’s portrayal of Antonio points at a new social order based on merit rather than nobility, although the play ends with a reputational political rule, in compliance with Spanish traditional values supported by Spanish playwrights. Webster also yearns for a new social order based on virtue rather than blood, but his analysis is carried out through the Duchess’s character, issues including the sovereign’s two bodies. The Duchess’s brother Ferdinand exudes incestuous desire for her body as a result of the union of her body natural and her body politic. The Duchess stresses the importance of her body natural over her body politic up to the end of the play. The Duchess's murder guarantees that the audience will be on her side, consequently a new social order is suggested at the end of the play, as the political situation of the early seventeenth century might suggest in England, where Queen Elizabeth had no heirs and Puritanism was oozing in. As for a sensible contact between the two playwrights, no evidence has turned up so far, but the evident points in common in the two plays have been widely highlighted and a critical explanation has been provided in all instances.

Uppsatsen är en närläsning av Patricia C. Wredes bok Dealing with Dragons och undersöker huruvida boken i fråga är en parodi eller travesti på de klassiska sagorna, t.ex. Törnrosa och Askungen. Jag tar också reda på om det går att läsa boken på olika sätt beroende på hur stor förkunskap man har om de gamla sagorna. Gérard Genette har skrivit boken Palimpsestes: La littérature au second degré, och jag har med hjälp av en svensk översättning använt mig av hans teorier om hypotext - hypertext, parodi, travesti och transformation. Jag tar även hjälp av Jack Zipes och hans bok The Brothers Grimm - From Enchanted Forests to the Modern World. Dessutom används Barbara Walls bok The Narrator's Voice - The Dilemma of Children's fiction för att reda ut begreppet dubbelt tilltal.

Uppsatsen är indelad i tre delar med tillhörande underrubriker: Inledning, analys och slutdiskussion. Under analysdelen tar jag upp Wredes sätt att använda sig av direkt och indirekt transformation samt om hänvisningarna till bl.a. Grimms sagor är inslag av parodi eller travesti. Metoden jag använder mig av är att visa och analysera utdrag ur boken som är direkt eller indirekt transformerade från sedan länge befintliga sagor eller legender.

Resultatet av analysen når sitt syfte och svarar på frågeställningen. Slutsatsen är att boken Dealing with Dragons till största delen är en parodi på kända sagor, men att inslagen av travesti är nödvändiga och behövs för den roliga och lite snälla tonen som boken tillhandahåller.

This volume brings together a selection of essays on Claudio Magris’ work, aiming to enrich critical debate with a specific focus on interdisciplinary dimension and continuous dialogue with the main European literary traditions. The outcome is an overall study on Magris’ narrative, essayistic and theatrical production, trying to fix his plural and prismatic identity: from the narration of places to an unavoidable ideological tension; from philosophical alphabets to the weight of History; from Myth’s remediation to the abroad reception; from hypotext filigree to real case studies. According to a diachronic perspective, they focus attention on Magris’ works, such as Microcosmi, Alla cieca, Non luogo a procedere and Tempo curvo a Krems.

Inverting the conventional vector in adaptations (literature to film) restores to life texts that, on occasion or for some audiences, might be dead. Chapter 21 demonstrates the ways zombie apocalypse narratives in different media function as constant adaptations created from a collective hypotext formed by the films in George Romero’s Living Dead hexalogy. To embrace this inversion and the myriad possibilities it unleashes within the set of the existing textual architectures requires the extension and transformation of the very concept of adaptation. This transformation involves both a greater inclusion of non-canonical texts and their various textual architectures and a greater willingness to reorient prevailing analyses of adaptation. It also poses the challenge of developing specific analytical tools to deal with the formal specificities presented by the adaptation of those non-canonical texts.

Among the manuscripts in Italian kept in the National Library of Vienna, a comedy in prose of Spanish derivation has recently come to light, hitherto neglected by theatrological and Hispanistic studies. The title page of the booklet declares at the beginning the nature of the content with a laconic "La forza del naturale translated from Spanish », which identifies the text as a translation and revision of La fuerza del natural by Agustín Moreto and Jerónimo de Cáncer (perhaps with the collaboration of Juan de Matos Fragoso), probably composed between 1644 and 1654 and printed for the first time in 1661. Where and when was written the text passed down by the Viennese witness? Was it imported from Italy or written beyond the Alps? Finally, is it possible to trace the exact hypotext starting from the twenty sources known today of the Spanish comedy? This study answers these questions and sheds light on the adaptation techniques that emerged from the comparison between the Italian text and its Spanish hypotext, also by taking into account the elements relating to music distributed throughout the comedy: dances, singing and musical instruments on stage.

This work aims to examine the adaptations of the ‘comedia nueva’ by Arcangelo Spagna, a Roman clergyman who lived and worked between the end of the XVII century and the first decades of the following one. In particular, we will try to verify the relationship between Spagna’s comedy Le gare d’amicitia e d’amore and Herrera y Sotomayor’s Duelo de honor y amistad, by examining the analogies and the differences related to this possible hypotext.

In 1664 Molière and his troupe played in the gardens of Versailles, in front of the Sun King, La Princesse d'Elide a rewriting of the Desdén con el Desdén by Moreto. As Maria Grazia Profeti pointed out in her writings, Genette's analysis still allows, after some time from the critical works of the critic, to avoid the ever-present and threatening obstacles of moral, formal or aesthetic value judgements accompanied by the more or less declared idea of superiority or inferiority of an author or a culture and dramaturgy. Entering the Molierian laboratory, after having highlighted how much the French hypertext owes to its Spanish hypotext, the essay tries to recontextualize the pièce within the Royal Festivals of the Plaisirs de île enchantée also in the light of the reception of contemporaries: wearing virtually the spectacles of a spectator of the time, and taking into consideration the transvalorizations carried out by the French playwright, he also tries to grasp the meaning that the Molierian play may have assumed for the Sovereign and the public in the context of the political and sentimental biography of the King of France at that chronological height.

La gelosa di se stessa is the fourth of the six melodramas collected in 1709 by Arcangelo Spagna and published in Rome (Domenico Antonio Ercole), as the third volume of his librettos, but its writing dates back to at least 1689, the date of a previous printed edition, shortly after the opera appeared on stage, a few months before at the palace at the Quattro Fontane of the Prince of Palestrina. It is not to be excluded, however, and this is dealt with in the first pages of this essay, the existence of still earlier editions, especially if we compare the two printed texts, already very divergent between them, and the two manuscripts, both at the Vatican Apostolic Library, to which the manuscript of the score must certainly be added for further problematization. The second section of this paper gets to the heart of the theme that interests us most here, namely the examination of Spagna’s adaptive interventions with respect to what undoubtedly represents its main hypotext, Tirso de Molina’s La celosa de sí misma. The analysis is conducted on the latest printed edition of the melodrama, to be considered as the version that the author wanted to pass on to posterity, as the authorized literary text, still intervening much compared to the previous edition of 1689 on which perhaps, being more linked to the stage event, he hadn’t had much control.

Les mythes continuent à émerger dans le théâtre du XXIe siècle, un peu partout dans le monde. Dans cet article nous focaliserons sur le champ du théâtre français et francophone pour examiner de quelle façon, de nos jours, sont approchés les mythes par la scène contemporaine. Les mythes les plus revisités sont ceux de Médée et d’Œdipe mais d’autres apparaissent aussi comme ceux d’Iphigénie, de Philoctète, de Prométhée. Des gens du théâtre très connus comme Olivier Py, Nancy Huston, Jean Pierre Siméon, Joël Jouanneaux, Jean – René Lemoine et autres écrivains et metteurs en scène revisitent les mythes, tout en leur réservant un regard différent. Ainsi, la réception du contenu mythologique et des hypotextes, est souvent effectuée sous l’angle de la contestation, ou au contraire par le dialogue soit entre les textes et/ou avec la contemporanéité. Ces procédures peuvent aussi amener à une resémantisation du contenu mythique.

The Christmas Pig is a children’s novel for children aged 8 and up, the first by J. K. Rowling since the publication of the last Harry Potter novel, and one of the bestsellers of Christmas 2021. The Hungarian translation, also published in 2021, is the work of Tamás Boldizsár Tóth, also known as “Rowling’s Hungarian voice”. In my presentation, I will explore the forms of intertextuality in the novel, the Genettian transtextuality, how this children’s novel incorporates traces of various ancient and medieval genres, how it engages in dialogue with some works of the world literary canon, and how this web of intertextual relations connects the children’s novel with major works of world literature. The children’s novel, whose hypotexts were world literature texts and genres, can itself become a hypotext in the process of reading: it can make texts belonging to the canon accessible to the future reader. Jack, The Pig and Christmas Pig’s story opens a gateway to the travels of Odysseus and Aeneas in the underworld, to the medieval moralities, to Dante’s Divine Comedy, to the of Christian saints and knights harrowing of hell, to Dickens’ A Christmas Carol, to E. T. A. Hoffmann’s (and of course Tchaikovsky’s) Nutcracker and The Mouse King.