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Articoli di riviste sul tema "Grotesque dans la musique"

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Autore: Grafiati

Pubblicato: 25 luglio 2024

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1

Lagacé, Claude. "Musique tonale et musique d’aujourd’hui". Positions 7, n. 1 (25 febbraio 2010): 36–39. http://dx.doi.org/10.7202/902153ar.

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Abstract (sommario):

L’auteur rappelle d’abord que la musique contemporaine ne se ramène pas au dodécaphonisme, mais que de nombreux compositeurs (Stravinski, Messiaen, Britten, Bartòk, Hétu, Morel, Papineau-Couture, Matton) sont encore tributaires du système tonal. S’appuyant sur une comparaison de la musique et du langage, il rappelle que la langue musicale a évolué depuis Monteverdi dans le cadre de la tonalité et que l’expérience que nous en avons repose sur l’alternance des tensions et des détentes dans le cadre de formes données. Ayant renoncé aux conventions de la tonalité, la musique contemporaine ne peut être considérée comme un langage et les oeuvres d’aujourd’hui ont perdu toute intelligibilité. La curiosité est une émanation de l’intelligence, mais la contemplation artistique relève de la sensibilité.

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2

Legrain, Laurent. "Être dans la musique". Recherches sociologiques et anthropologiques 40, n. 1 (15 aprile 2009): 39–58. http://dx.doi.org/10.4000/rsa.291.

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3

Cranston, Mechthild, e Gérard Engelbach. "Peupliers dans ma musique". World Literature Today 62, n. 2 (1988): 246. http://dx.doi.org/10.2307/40143546.

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4

Slaby, Alexandra. "Musique savante, musique populaire en Irlande : l’autre partition". Recherches anglaises et nord-américaines 39, n. 1 (2006): 189–200. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2006.1768.

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Abstract (sommario):

La musique irlandaise est appréciée à l’international pour sa capacité à mettre au goût du jour l’idiome traditionnel. Mais à l’intérieur, la réconciliation entre musique savante et musique populaire est loin d’être accomplie. Des spécialistes internationaux ont été sollicités pour tenter de combler la dichotomie entre musique savante et musique populaire. A un moment où l’Irlande se faisait connaître dans le monde par sa musique, les défenseurs de la musique traditionnelle comme pilier de l’identité culturelle irlandaise se sont fait entendre en vue d’une plus grande reconnaissance. L’approche proposée ici renonce à la tentation universaliste, et encourage une inscription dans la communauté. Dans le renoncement vis-à-vis de politiques à long terme en faveur de révisions constantes, on peut lire le rejet d’une approche formaliste en faveur d’une approche fonctionnaliste de la musique. Mais il est rappelé dans les débats que les deux idiomes musicaux doivent coexister sans subordination et sans hybridation.

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5

Paiva, Roberta Kelly. "O universo do grotesco e do monstruoso retratado no Ciclope de Eurípides e na Centauromaquia de Ovídio". Nuntius Antiquus 3 (30 giugno 2009): 136–54. http://dx.doi.org/10.17851/1983-3636.3..136-154.

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Abstract (sommario):

Mikhail Bakhtin disait déjà à propos du corps grotesque: “[corps] monstrueux, horrible et déformé. C’est un corps qui n’a pas de place dans ‘l’esthétique du beau’”. Celle-ci est une des manières par lesquelles on peut comprendre cette autre esthétique connue comme celle du “grotesque”, c’est-à-dire sous la perspective de la monstruosité. Et c’est exactement ce que nous proposons dans cet article: offrir un regard sur le grotesque et le monstrueux comme des domaines passibles d’être conçus sous une même et seule logique. Dans ce but, nous attirons l’attention sur quelques entités rustiques de la mythologie dont la représentation sera centrée sur deux oeuvres littéraires d’origine grecque et latine respectivement: le Cyclope d’Euripide et l’épisode de la “Centauromaquie” telle comme il est raconté dans lês Métamorphoses d’Ovide.

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6

Chaachoo, Amin, Zakaria Charia e Abdelfattah Lahiala. "L’INNOVATION DE L’ENSEIGNEMENT DE LA MUSIQUE ANDALOUSE". Conhecimento & Diversidade 15, n. 39 (6 novembre 2023): 156–75. http://dx.doi.org/10.18316/rcd.v15i39.11164.

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Abstract (sommario):

Cette intervention va traiter de l’enseignement de la musique andalouse dans les établissements de musique officiels du Maroc. Cette musique, étant d'origine andalouse, de tradition marocaine et de caractère savant, jouit d’un enseignement institutionnel dans tous les conservatoires de musique du pays, avec un système pédagogique défini. Cependant, l’enseignement de la musique andalouse est déficient car il ne contemple pas les multiples aspects de cette musique, aspects qui sont essentiels pour une formation convenable et complète de la musique andalouse. Tel est le cas, par exemple, du domaine de la théorie musicale mélodique, de l’esthétique de la musique andalouse, de la littérature poétique ou de l’histoire de cette musique. Ces éléments se voient totalement absents de l’enseignement musical andalou. Cette communication compte proportionner une description de l'état de l'enseignement musical andalou dans les conservatoires de musique nationaux du Maroc. Après cette description, la communication compte apporter une proposition pédagogique complète qui contemple les différents aspects de la musique andalouse: une histoire musical andalouse, ses étapes et son évolution, tout en considérant ses différents éléments dont beaucoup n’ont jamais été traités dans une histoire quelconque de cette musique, reconnue ou non, écrite ou orale, comme c’est le cas de la partie de l’histoire de la musique ibérique préandalouse ou de la musique grecque classique, étapes essentielles dans l'histoire de la musique andalouse. Seront traités également des éléments de premier ordre, comme la théorie modale mélodique, une théorie disparue depuis la chute de Grenade, en 1492. Cette théorie a été récupérée, grâce à mes études sur le domaine, une théorie qui sera proposée dans cette intervention, comme base essentielle de l'apprentissage de la musique andalouse dans les conservatoires. Une pédagogie de l'esthétique musicale andalouse sera également proposée, de par son importance, étant cette musique de caractère traditionnel, donc empreinte d'un style propre et émanant de sa réalité sociale et culturelle. La partie pratique sera également contemplée: toute musique traditionnelle n'est développée que dans son contexte traditionnel, un contexte qui la nourrit culturellement et qui abreuve les musiciens, non seulement d'un cadre en accord avec cette musique, mais aussi d'éléments culturels qui orientent la pratique musicale.

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7

Jambrina, Nina. "fiction à l’épreuve du grotesque dans La Paranoïa de Rafael Spregelburd". PAPELES 9, n. 18 (12 aprile 2017): 34–44. http://dx.doi.org/10.54104/papeles.v9n18.491.

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Abstract (sommario):

Parmi les différents comiques que l’on connait, le grotesque tient une place à part pour relever à la fois du rire et de l’angoisse, du plaisir et du vertige. Il est le régime de l’invraisemblance, du contradictoire, de l’étrangeté mettant à l’épreuve ce qui nous est familier. Dans ce sens, la perspective grotesque semble particulièrement adaptée pour aborder les défis d’interprétation posés par de nombreuses œuvres contemporaines. La Paranoïa, écrite en 2009 par le dramaturge argentin Rafael Spregelburd, en est un exemple privilégié. La pièce met en œuvre un univers grotesque pour questionner la fabrique de la fiction elle-même et les habitudes de réception que nous en avons.

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8

Paiva, Roberta Kelly. "O universo do grotesco e do monstruoso retratado no Ciclope de Eurípides e na Centauromaquia de Ovídio". Nuntius Antiquus 3 (30 giugno 2009): 136. http://dx.doi.org/10.17851/1983-3636.3.0.136-154.

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Abstract (sommario):

<p>Mikhail Bakhtin1 disait déjà à propos du corps grotesque: “[corps] monstrueux, horrible et déformé. C’est un corps qui n’a pas de place dans ‘l’esthétique du beau’”. Celle-ci est une des manières par lesquelles on peut comprendre cette autre esthétique connue comme celle du “grotesque”, c’est-à-dire sous la perspective de la monstruosité. Et c’est exactement ce que nous proposons dans cet article: offrir un regard sur le grotesque et le monstrueux comme des domaines passibles d’être conçus sous une même et seule logique. Dans ce but, nous attirons l’attention sur quelques entités rustiques de la mythologie dont la représentation sera centrée sur deux oeuvres littéraires d’origine grecque et latine respectivement: le <em>Cyclope </em>d’Euripide et l’épisode de la “Centauromaquie” telle comme il est raconté dans lês <em>Métamorphoses </em>d’Ovide.</p>

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Rea, John. "Reflets dans l’eau… bénite". Deux compositeurs québécois 1, n. 2 (29 gennaio 2010): 71–80. http://dx.doi.org/10.7202/902018ar.

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Abstract (sommario):

Dans cette série de douze impressions, John Rea apporte son témoignage sur la vie et la musique de son ami, le compositeur Claude Vivier : l’intégration, chez lui, des objectifs artistiques, personnels et spirituels, la quête d’un enfant perdu à consoler, et le miroir autobiographique qu’a représenté sa musique.

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10

Deltombe, Camille. "La musique dans India Song". Roman 20-50 Horsséri2, n. 3 (2006): 65. http://dx.doi.org/10.3917/r2050.hs2.0065.

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11

Borras, Gérard. "La musique dans Yawar Fiesta". Caravelle 55, n. 1 (1990): 65–81. http://dx.doi.org/10.3406/carav.1990.2440.

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Pinto, Tiago de Oliveira. "La musique dans le rite et la musique comme rite dans le candomblé brésilien". Cahiers de musiques traditionnelles 5 (1992): 53. http://dx.doi.org/10.2307/40240125.

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Yannou, Démètre. "Ο Ορφέας στην μουσική και στην μουσικοθεωρητική σκέψη των νεότερων χρόνων (15ος-17ος αιώνας)". Σύγκριση 11 (31 gennaio 2017): 22. http://dx.doi.org/10.12681/comparison.10764.

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Abstract (sommario):

L a légende d'Orphée a eu un retentissement particulier dans la musique et dans la pensée musicale des temps modernes. Grâce à la transmission de la légende à travers la littérature et la théorie de la musique du Moyen Âge, le personnage d'Orphée se présente, surtout pendant le XVe, le XVIe et le XVIIe siècle, comme allégorie de la musique à laquelle se réfère aussi bien la musique que la théorie de la musique. Pour la théorie de la musique, la légende d'Orphée s'inscrit dans la tradition de la doctrine des effectus musices. Dans ce cadre, la légende, de même que tous les mythes antiques se référant aux effets de la musique, a une double fonction au début des temps modernes. La première est de livrer des exemples attestant la théorie. Ces exemples subissent un examen critique qui va de la réfutation des faits racontés jusqu'à leur interprétation au moyen de forces naturelles. La deuxième fonction est de fournir des points de repère pour la conception de la réalité musicale de l'époque. Cette fonction concerne le public des milieux de la vie musicale de la Renaissance et du début du XVIIe siècle et elle se manifeste plutôt dans l'historiographie galante que dans la théorie de la musique . proprement dite. Pour la création musicale, le personnage d'Orphée représente d'un côté l'allégorie de la force de l'homme, et de l'autre, à travers la dramatisation de la légende, la force de la musique et plus spécialement du chant — champ d'expression par excellence de l'opéra naissant. «A partir du XVIIIe siècle, avec la naissance de l'acoustique moderne, la référence aux légendes de l'Antiquité disparaît de la théorie de la musique. Par contre, dans la création musicale, la légende d'Orphée continue de susciter l'intérêt des compositeurs jusqu' à la fin du XXe siècle. Néanmoins, la place des premières œuvres musicales inspirées par cette légende au début des temps modernes reste unique dans l'histoire de la musique, parce que ces œuvres s'inscrivent dans une époque pour laquelle la référence aux légendes musicales de l'Antiquité constituait un lieu de convergence de la théorie de la musique, de la création musicale et de la conception que les contemporains eux-mêmes se formaient de la réalité musicale de leur temps.

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Leclair, François-Hugues. "Composer une musique nordique ?" Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 14, n. 1 (6 giugno 2013): 55–62. http://dx.doi.org/10.7202/1016199ar.

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Abstract (sommario):

La dimension nordique a toujours occupé une place centrale dans mon imaginaire, les images les plus présentes dans ce réseau de symboles étant l’espace, la rudesse des éléments, en particulier du vent et du froid, de même que les dimensions du silence et de la solitude. La manifestation musicale de ces qualités hivernales est étudiée dans l’analyse détaillée du Solstice d’hiver, pour sextuor de flûtes, ainsi que dans un panorama de mes oeuvres à caractère nordique : choix des textes en lien avec l’hiver à la source de l’inspiration ; choix de timbres instrumentaux fréquemment associés au froid ; utilisation de modes de jeu contemporains pouvant évoquer le vent glacial, l’espace boréal ; rudesse de certaines sonorités ; instillation du silence dans la composition ; évocation de l’espace dans les distances entre les différents plans sonores ; création d’ambiances empreintes du mystère lié à la solitude humaine face à l’immensité du paysage.

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Chekkar, Rahma, e Sophie Renault. "Musique et crowdfunding". Revue Française de Gestion 47, n. 294 (gennaio 2021): 135–55. http://dx.doi.org/10.3166/rfg.2021.00506.

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Abstract (sommario):

La recherche présentée dans cet article vise à comprendre comment sont construites les échelles de contreparties dans le cadre de campagnes de crowdfunding portant sur des projets musicaux. Les auteures se basent sur les données issues de 24 campagnes lancées sur la plateforme Ulule par 20 porteurs de projets. À partir d’une analyse des paliers proposés et contreparties associées, des recommandations sont formulées à destination des entrepreneurs musicaux désireux de mener une campagne fructueuse.

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Kucharuk, Sylwia. "De crise en crise − "Le Roi, le rat et le fou du Roi" de Matéi Visniec". Acta Universitatis Lodziensis. Folia Litteraria Romanica 17, n. 1 (12 agosto 2022): 131–41. http://dx.doi.org/10.18778/1505-9065.17.1.11.

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Abstract (sommario):

Le présent article se propose d’analyser les différents aspects de la crise présents dans la pièce Le Roi, le rat et le fou du Roi de Matéi Visniec. Dans cette pièce grotesque, on passe d’une crise de la monarchie, située dans un univers à la fois carnavalesque et révolutionnaire, à une crise de l’humanité dans la société démocratique. La folie des dirigeants, la dégénérescence de la société, la crise de la parole et la manipulation de l’Histoire, qui est au service de la politique, tels sont les principaux visages de la crise dénoncés par l’auteur à travers les différentes formes du grotesque et autour desquels s’articule la présente analyse.

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Ricard, Gisèle. "Dans le sillage de Nil Parent : SMEUL et GIMEL. Points de repère dans l’histoire de la musique électroacoustique à Québec". Circuit 19, n. 3 (8 ottobre 2009): 58–65. http://dx.doi.org/10.7202/038258ar.

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Abstract (sommario):

Résumé Ce survol historique rappelle l’apport de Nil Parent, le fondateur du premier studio de musique électroacoustique et du premier groupe de musique électroacoustique francophones au Canada. Compositeur prolifique, professeur à la Faculté de musique de l’Université Laval et chercheur, il a réussi, entre 1985 et 1990, à mettre au point, avec deux complices techniciens, un nouveau synthétiseur.

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Loyez, Marie Eve. "Rendre le monde à sa musique. La musique comme puissance d’émerveillement dans le cinéma de Johan van der Keuken". Revue musicale OICRM 5, n. 1 (9 aprile 2018): 121–42. http://dx.doi.org/10.7202/1044447ar.

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Abstract (sommario):

Dans les films de Johan van der Keuken, la musique est tendue entre impulsion et catastrophe : toujours en puissance dans le monde, la musique ne s’actualise pas sans épuiser l’image de ce monde. Par cette tension, le cinéma de van der Keuken nous apprend que la musique peut être au principe d’une redéfinition de la merveille entendue non pas comme objet d’un regard médusant, mais comme production d’une écoute musicienne, corps vibratoire saisi dans son devenir, qui emporte avec lui le monde dans son devenir-musique venant s’y recharger. Cette invention de la musique au cinéma comme puissance d’émerveillement fait de l’oeuvre de van der Keuken le lieu d’une actualisation, à même l’image audio-visuelle et contre les forces réductrices et normalisantes qui la travaillent, d’impératifs éthiques et politiques sur le mode de l’interprétation musicale.

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Lyamlahy, Khalid. "Le poète et sa 'vieille marotte calamiteuse': Figures et variations du grotesque dans la poésie de Mohammed Khaïr-Eddine". Irish Journal of French Studies 20, n. 1 (1 novembre 2020): 14–47. http://dx.doi.org/10.7173/164913320830841683.

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Abstract (sommario):

A bien des égards, l'oeuvre du grand poète marocain Mohammed Khaïr-Eddine (1941–1995) peut se lire, dans sa puissance subversive et poétique, comme une réponse directe aux mécanismes du pouvoir opérant dans cette 'postcolonie' définie par Achille Mbembe comme une 'pluralité chaotique, pourvue d'une cohérence interne' et 'd'un art spécifique de la démesure'. En articulant les travaux de Bakhtine et de Mbembe, le présent article analyse les figures et les variations du grotesque dans ses dimensions corporelle, mortuaire, sexuelle, scatologique et cosmique telles que déployées dans la poésie de Khaïr-Eddine, de son inaugural Soleil arachnide (1969) au posthume Quasars (2006). Il s'agit de démontrer que le grotesque khaïr-eddinien, inscrit dans un espace poétique à la fois tellurique, cosmologique et mémoriel, est non seulement pluridimensionnel et dynamique mais également associé à une tension particulière engageant l'identité individuelle et collective du poète. En effet, les variations du grotesque chez Khaïr-Eddine, motivées aussi bien par la nécessité de démanteler les figures du pouvoir que par le besoin de renouveler les structures et les registres poétiques, révèlent au final l'angoisse du poète et sa lutte ouverte contre les déchirements inhérents à sa condition de sujet et d'écrivain postcolonial.

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André, Nelly. "Littérature, musique et émotions : entre l’art des mots et l’art des sons. La mésomusique dans la prose fictionnelle d’Alfredo Bryce Echenique". Articles 39, n. 2 (30 agosto 2022): 181–211. http://dx.doi.org/10.7202/1091841ar.

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Abstract (sommario):

Musique et littérature : une partition de mots. Mais, quelle est cette étrange alchimie qui se produit entre une mélodie et un texte ? Comment notes et mots parviennent-ils à danser ensemble ? L’idée de cet article est d’analyser l’influence de la musique dans des oeuvres littéraires, d’étudier la notion de musique non seulement comme élément créateur de sens, comme discours dramatique dans un texte littéraire, mais également comme puissant vecteur de sentiments. Et, lire les oeuvres de l’écrivain péruvien contemporain Alfredo Bryce Echenique, c’est rencontrer la musique derrière les mots, et dans les thèmes développés.

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Fernando, Nathalie, Hauke Egermann, Lorraine Chuen, Bienvenu Kimbembé e Stephen McAdams. "Musique et émotion". Anthropologie et Sociétés 38, n. 1 (10 luglio 2014): 167–91. http://dx.doi.org/10.7202/1025813ar.

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Abstract (sommario):

Cet article prend pour prétexte une expérimentation menée en 2011 par une ethnomusicologue et une équipe de psychologues de la musique pour évoquer les problématiques reliées au travail interdisciplinaire. Le sujet qui fait l’objet de la recherche concerne les émotions évoquées par la musique en lien avec l’expressivité de la musique. L’hypothèse qui motive ce travail est l’existence éventuelle d’universaux musicaux en relation avec la signification expressive de la musique. De fait, la démarche est comparative et implique des populations pygmées et occidentales nord-américaines. Alors que la neuropsychologie de la musique aborde les dimensions à la fois cognitives et physiologiques du phénomène musical, l’ethnomusicologie se consacre à l’analyse du discours et des comportements musicaux qui prennent place dans un contexte socioreligieux donné. L’article pose les nombreux défis et avantages de l’intégration des savoirs et des disciplines. En interrogeant la part de la nature et de la culture dans les productions artistiques humaines, il insiste sur la perspective anthropologique de l’étude qui fait en sorte que les deux disciplines peuvent remettre conjointement au centre des débats les questions de l’esthétique musicale, de la fonction de la musique dans la société, voire de la définition même de la culture.

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Evangelista, José. "Pourquoi composer de la musique monodique". Deux compositeurs québécois 1, n. 2 (29 gennaio 2010): 55–70. http://dx.doi.org/10.7202/902017ar.

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Abstract (sommario):

Pourquoi, après l’extraordinaire évolution de l’harmonie dans la musique occidentale, un compositeur d’aujourd’hui est-il intéressé à composer de la musique monodique, prenant ainsi ses distances avec le langage harmonique, le contrepoint, les accords, etc.? José Evangelista répond en examinant comment l’écriture monodique (ou hétérophone) peut être utilisée dans la musique de chambre, la musique d’orchestre et la musique pour piano solo en donnant un certain nombre d’exemples empruntés à ses oeuvres. La mélodie devient ainsi le paramètre organisateur de la composition. L’auteur décrit son évolution depuis l’écriture polyphonique complexe jusqu’à l’hétérophonie, provoquée par la révélation de la musique du gamelan javanais et d’autres traditions musicales d’Asie.

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Schorderet, Alain. "Saint-Amant, poète de l’hermétisme grotesque et du jeu". Études françaises 44, n. 1 (11 giugno 2008): 121–45. http://dx.doi.org/10.7202/018167ar.

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Abstract (sommario):

Résume Cet article a pour thème un aspect de la poétique de Saint-Amant : certains vers dans ses poésies évoquent des signes obscurs et clairs. Dans la mesure où le poète s’abstient d’en déchiffrer certains, nous pouvons inscrire Saint-Amant dans la tradition de la poésie hermétique. Fort de sa liberté que lui donne le genre du caprice, le poète mystifie son lecteur. Cette poésie peut prendre un ton mélancolique dès que le poète la place à l’enseigne de la perte lorsqu’il thématise les jeux en jouant avec les mots dans ses vers. Il s’agit d’étudier des pointes qui n’aboutissent que difficilement. En restant donc hermétiques, elles appellent à la continuation du jeu dans l’espérance d’un retour à la plénitude du sens. L’hermétisme grotesque du jeu se nourrit de l’oeuvre de Rabelais, dont la connaissance est le privilège des initiés avec lesquels Saint-Amant communique : ce sera un hermétisme bas, un grotesque rabelaisien qui remédie par un message non spirituel aux signes vidés de leur sens. On verra à la fin de l’article que l’hermétisme grotesque du jeu se trouve déjà chez des auteurs comme Rutebeuf, au Moyen Âge, et que par ce même hermétisme, Saint-Amant inspira un « Spleen » à Baudelaire.

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Carduner-Loosfelt, Muriel. "Variations sur le grotesque dans Belle du Seigneur". Sociétés & Représentations 10, n. 3 (2000): 69. http://dx.doi.org/10.3917/sr.010.0069.

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Silec, Tatjana. "Allégorie et grotesque dans The House of Fame". Bulletin des anglicistes médiévistes 71, n. 1 (2007): 21–33. http://dx.doi.org/10.3406/bamed.2007.956.

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Yanakieva, Miriana. "La musique et l’indescriptible". Recherches sémiotiques 37, n. 1-2 (24 settembre 2018): 61–73. http://dx.doi.org/10.7202/1051475ar.

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Abstract (sommario):

L’oeuvre de musique en tant que telle est inexprimable dans le sens où il est impossible de transmettre au moyen des mots son contenu ou sens immanent. L’oeuvre de musique en tant que telle est également indescriptible dans le sens où il est impossible de donner à entendre sa matière sonore au moyen du langage. Par contre, et c’est la thèse principale du présent article, la description verbale de l’expérience de l’écoute musicale est possible et même souvent indispensable à la prise de conscience de cette expérience de la part du sujet. Dans son argumentation l’article s’appuie sur la conception wittgensteinienne de la description comme création d’images destinées à servir d’instruments d’une attitude active à l’égard de ce que nous vivons, et non comme simple énuméraion des parties ou des aspects d’une chose.

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Cardoso, Thomas Fontes Saboga. "L’intervalle de quarte dans la musique d’Astor Piazzolla". Diacrítica 35, n. 2 (13 agosto 2021): 43–65. http://dx.doi.org/10.21814/diacritica.637.

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Abstract (sommario):

Nous examinons dans cet article l’utilisation et l’origine de l’intervalle de quarte comme élément organisateur des hauteurs dans la musique du compositeur et bandonéoniste argentin Astor Piazzolla (1921–1992). Des exemples nous permettront de prendre contact avec une utilisation diversifiée de cet intervalle, soit mélodique ou harmonique, et d’en constater un emploi conscient et systématique. Une œuvre de jeunesse du compositeur où l’emploi de ces quartes est abondant nous permet de tisser un lien avec les leçons de Piazzolla avec Alberto Ginastera qui eurent lieu pendant l’élaboration de cette pièce, la musique de son professeur de cette période révélant elle-aussi d’importants usages de ces techniques quartales. Finalement, la fascination des deux compositeurs argentins pour Stravinski, et la présence de ces techniques quartales dans la musique du compositeur russe nous permet de déceler l’origine de ces techniques quartales dans la musique savante moderne.

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Besse-Guenneteau, Caroline. "La musique dans les ?uvres audiovisuelles". LEGICOM 13, n. 1 (1997): 17. http://dx.doi.org/10.3917/legi.013.0017.

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Cazé, Antoine. "L'esthétique mécaniste dans la musique américaine". Revue Française d Etudes Américaines 117, n. 3 (2008): 65. http://dx.doi.org/10.3917/rfea.117.0065.

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Coulembier, Klaas. "Présentation. La musique dans les camps". Témoigner. Entre histoire et mémoire, n. 124 (2 aprile 2017): 52–59. http://dx.doi.org/10.4000/temoigner.5730.

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DUCHESNE-GUILLEMIN, Marcelle. "Les instruments de musique dans l'antiquité". Iranica Antiqua 31 (1 gennaio 1996): 213–38. http://dx.doi.org/10.2143/ia.31.0.519281.

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DUCHESNE-GUILLEMIN, Marcelle. "Les instruments de musique dans l'antiquit?" Iranica Antiqua 31, n. 1 (14 aprile 2005): 213–38. http://dx.doi.org/10.2143/ia.31.1.519281.

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Criton, Pascale. "Affects et mobilité dans la musique". Chimères 39, n. 1 (2000): 21–30. http://dx.doi.org/10.3406/chime.2000.2520.

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Debaecker, Jean. "Reconnaissance des émotions dans la musique". Les cahiers du numérique 7, n. 2 (30 giugno 2011): 135–55. http://dx.doi.org/10.3166/lcn.7.2.135-155.

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Robinson, Philip, e Alain Cernuschi. "Penser la musique dans l''Encyclopedie'". Modern Language Review 97, n. 4 (ottobre 2002): 974. http://dx.doi.org/10.2307/3738668.

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Davies, Stephen, e Vincent Granata. "L’expression des émotions dans la musique". Nouvelle revue d’esthétique 30, n. 2 (13 dicembre 2022): 71–88. http://dx.doi.org/10.3917/nre.030.0071.

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Cohen, Céline. "La concurrence dans la musique numérique". Légipresse N° 68, HS1 (26 luglio 2023): 49–58. http://dx.doi.org/10.3917/legip.hs68.0049.

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Criton, Pascale. "Affects et mobilité dans la musique". Chimères N° 39, n. 2 (1 giugno 2000): 21–30. http://dx.doi.org/10.3917/chime.039.0021.

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Kirchberg, Irina. "Où en est la médiation de la musique au Québec ? Panorama des actions selon les membres du Conseil québécois de la musique". Revue internationale animation, territoires et pratiques socioculturelles, n. 18 (10 dicembre 2020): 29–48. http://dx.doi.org/10.55765/atps.i18.814.

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Abstract (sommario):

Quels sont les objectifs assignés à la médiation culturelle dans les organismes de production et de diffusion de la musique au Québec? Comment ces activités sont-elles mises en œuvre ? Artistes, musicologues, éducateurs ou médiateurs, qui sont les acteurs impliqués dans de telles actions ? Basé sur les résultats d’une enquête par questionnaire menée auprès d’une centaine de diffuseurs et de producteurs de musique membres du Conseil québécois de la musique, cet article présente un aperçu des pratiques de médiation de la musique au Québec.

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Solomos, Makis. "Da música ao som, a emergência do som na música dos séculos XX e XXI – uma pequena introdução". ARJ – Art Research Journal / Revista de Pesquisa em Artes 2, n. 1 (30 giugno 2015): 54–68. http://dx.doi.org/10.36025/arj.v2i1.7046.

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Abstract (sommario):

Introdução do livro homônimo, onde o autor discute o que chama de recentramento do som, ou seja, a passagem de uma cultura musical centrada no tom para uma cultura do som. Referência: SOLOMOS, Makis. De la musique au son. L’´emergence du son dans la musique des Xxe-XXIèmes siècles (introduction). De la musique au son. L’´emergence du son dans la musique des XXe-XXIeme siècles. Paris: Presses universitaire de Rennes, 2013, p. 7-21. 545 p. ISBN: 978-2-7535-2638-9.

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Pautrot, Jean-Louis. "La musique de Pascal Quignard". Études françaises 40, n. 2 (25 agosto 2004): 55–76. http://dx.doi.org/10.7202/008809ar.

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Abstract (sommario):

Résumé L’oeuvre et la vie de Pascal Quignard entretiennent des relations intimes avec la musique. Cet essai examine la parenté du geste musical et du geste littéraire. Il considère d’abord la dimension régressive de la musique quignardienne, où se donne à lire son affinité avec le discours de la psychanalyse, dont la fréquentation transparaît dans La leçon de musique. Ensuite, on identifie dans les relations respectives de la musique quignardienne avec le langage oral et l’écriture, l’influence de la réflexion anthropologique de Claude Lévi-Strauss. Si le référent utérin de la musique est aussi celui de l’écriture, on ne peut cependant parler de modèle musical. La musique, avec ses rappels universels des origines, sert plutôt de mémoire à une écriture qui se débat entre singulier et universel.

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Martin de Guise, Sylvaine. "Enseignement à distance de la musique ou l’e-learning musical". Intersections 29, n. 2 (23 novembre 2010): 84–108. http://dx.doi.org/10.7202/1000041ar.

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Abstract (sommario):

Aujourd’hui l’e-learning musical est un outil d’apprentissage de la musique en plein essor depuis le développement des technologies tel que le standard MIDI — permettant la communication entre ordinateurs et instruments de musique —, Internet, le Web et les multimédias. Tous ces domaines reliés favorisent la création de cours mis sur logiciels qui peuvent être diffusés sur Internet ou en Intranet dans les écoles. Cette avancée dans l’éducation musicale se constate partout dans le monde et nous verrons dans cet article différents exemples et procédés d’apprentissage à distance de la musique qui sont mis en oeuvre en France et au Canada.

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Huvet, Chloé. "Le pianiste (2002) de Roman Polanski". Revue musicale OICRM 3, n. 2 (6 giugno 2019): 135–56. http://dx.doi.org/10.7202/1060111ar.

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Abstract (sommario):

Dans Le pianiste (2002), Polanski présente une vision singulière de la musique et fait de l’engagement artistique le thème principal de son film, qui lui permet en filigrane d’interroger la manière dont l’individu peut faire face au Mal. Si l’utilisation de la musique au sein de ce film n’est pas un champ de recherche inexploré, aucune étude n’a cherché à montrer de façon approfondie comment l’analyse du Pianiste permet d’apporter un nouvel éclairage à la réflexion polanskienne sur le statut et le rôle de la musique, pourtant essentielle dans la filmographie du réalisateur. L’enjeu de notre article sera ainsi d’interroger de quelle manière et dans quelle mesure la musique apparaît pour le personnage principal comme un moyen de survivre et de résister face au processus de déshumanisation nazi. Nous montrerons aussi que la vision de la musique qu’offre Polanski, éloignée de tout angélisme naïf et candide, s’avère fondamentalement ambivalente.

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Mullen, John. "«Hope I die before I get old» : Légitimité, identité et authenticité dans la musique populaire britannique". Recherches anglaises et nord-américaines 39, n. 1 (2006): 201–12. http://dx.doi.org/10.3406/ranam.2006.1769.

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Abstract (sommario):

La musique populaire (dans le sens le plus large) est souvent considérée par les porte-parole de la culture savante comme un mode d’expression artistique illégitime, et comme un objet impropre à l’étude universitaire. Pourtant depuis trente ans cette musique a accédé, lentement, a une certaine légitimité officielle. Les amateurs des différents genres de musique populaire - du rock au rap en passant par la techno ou le reggae - s’interrogent fréquemment sur la nature «authentique» ou «commerciale» de telle ou telle production musicale. Cette «authenticité» constitue une légitimité alternative à celle reconnue par les élites. L’analyse de la musique populaire s’est souvent concentrée sur des questions d’identité. Une musique peut contenir une revendication identitaire, générationnelle, communautaire, ou politique. L’objectif de mon article est d’explorer ces trois notions dans la musique populaire britannique (1950-2000).

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Huvet, Chloé. "La dissociation musique/images dans Jurassic Park : un élargissement des pratiques compositionnelles de l’âge d’or hollywoodien dans la partition de John Williams". Les Cahiers de la Société québécoise de recherche en musique 15, n. 2 (13 aprile 2016): 23–39. http://dx.doi.org/10.7202/1036117ar.

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Abstract (sommario):

Revendiquant une filiation avec les compositeurs de l’âge d’or hollywoodien et faisant valoir des conceptions relativement similaires quant à la place et au rôle de la musique au sein du film, John Williams est souvent représenté dans la littérature spécialisée comme l’héritier direct des pionniers du symphonisme. Tandis que les études des partitions de Williams restent souvent focalisées sur le synchronisme, il apparaît au contraire intéressant d’analyser les procédés de mise à distance entre la musique et l’image. Cette étude de la musique composée pour Jurassic Park, laquelle n’a encore fait l’objet d’aucune recherche musicologique véritablement approfondie, interroge l’apport et la singularité de Williams au regard des pratiques antérieures de la dissociation musique/images. Cette approche permet aussi de faire ressortir les lacunes du discours dominant sur un compositeur contemporain. En effet, une analyse méticuleuse de la partition de Jurassic Park permet de mettre au jour un hiatus entre ce discours dominant et la pratique effective du compositeur. Williams ne se contente pas de reprendre les types de décalage musique/images employés par les pionniers du symphonisme, mais élargit les procédés et réévalue leur utilisation. En outre, certains modes de dissociation apparaissent comme spécifiques au compositeur. Dans plusieurs scènes, Williams renforce la discontinuité du montage afin de mettre en valeur un changement dramatique soudain. Une distance musicale est aussi créée par rapport aux dialogues, aux réactions des personnages et aux références visuelles. Se démarquant du 100 pour cent musical, la partition accorde une place importante au silence, la musique étant absente aux moments dont l’accompagnement est traditionnellement convenu. Enfin, s’écartant des pratiques du symphonisme hollywoodien, Williams se livre à un traitement relativement inattendu et personnel de la mort, tandis que sa musique nuance la perception d’un happy end en nimbant les derniers plans d’un voile triste et mélancolique.

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Sbai, Imane, e Abdelaziz Bahoussa. "La musique d’ambiance en point de vente, entre résultats de recherches et pratiques des distributeurs". Revue Management & Innovation N° 9, n. 3 (26 marzo 2024): 146–64. http://dx.doi.org/10.3917/rmi.209.0146.

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Abstract (sommario):

Les recherches antérieures se sont occupées principalement de démontrer l’effet de la musique d’ambiance le comportement du consommateur. Néanmoins, nous ne trouvons pas d’études qui cherchent à comprendre et élucider la pratique de la musique d’ambiance dans les points de vente. Dans cette perspective, notre étude cherche à combler ce manque de travaux en réalisant une étude empirique dans un contexte marocain caractérisé par un patrimoine musicale riche et diversifié. Nous avons conduit 26 entretiens individuels auprès des responsables et des vendeurs des magasins et restaurants qui diffusent de la musique de fond. Les conclusions ont révélé que la gestion de la musique d’ambiance s’effectue d’une manière intuitive, sans faire recours à des professionnels du design sonore. Les choix et décisions prises reposent sur les préférences, perceptions et volontés des responsables et des vendeurs. Ce manque de stratégie sonore peut être lié aux ressources disponibles en termes de compétences, mais surtout à la volonté de l’enseigne de mettre en valeur l’un de ses éléments atmosphériques, à savoir la musique d’ambiance. Il est recommandé aux managers de recourir à des professionnels en design sonore et d’établir des indicateurs pour mesurer les réponses des clients vis-à-vis de la musique d’ambiance. Notre recherche se distingue en tant qu’une des rares études consacrées à une analyse approfondie de la pratique de la musique d’ambiance dans les environnements commerciaux. Les conclusions ont non seulement confirmé des constats issus des travaux antérieurs, mais ont fourni des nouvelles découvertes et clarifications en ce qui concerne la mise en œuvre de la musique d’ambiance.

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Quévreux, Marie. "La démocratie postcoloniale, la parrêsia subalterne et le grotesque : rires de femmes". Articles 25, n. 2 (16 gennaio 2013): 103–18. http://dx.doi.org/10.7202/1013525ar.

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Abstract (sommario):

L’auteure se penche sur un nouveau mode humoristique, apparu au cours des années 2000. Après une présentation de la société postcoloniale française et la « dispute du voile », l’auteure distingue, dans la première partie, le minoritaire du subalterne afin de suggérer l’importance d’une étude de l’humour des femmes subalternes comme revendication démocratique. Dans la deuxième partie, elle analyse deux spectacles d’humoristes femmes, Rachida Khalil et Nouara Naghouche, à l’aide de la notion antique de parrêsia, qui signifie « franc-parler ». Dans la troisième et dernière partie, elle revient sur les mutations du grotesque colonial en grotesque postcolonial, pour montrer que la parrêsia subalterne ne prétend pas dire la vérité, mais raconter les histoires « moins fausses » des subalternes et leur résistance par le rire.

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Lefebvre, Marie-Thérèse. "La semaine annuelle de musique de Montréal sous les auspices du Delphic Study Club, 1923–1937". Canadian University Music Review 21, n. 2 (4 marzo 2013): 60–76. http://dx.doi.org/10.7202/1014485ar.

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Abstract (sommario):

L’étude présente d’abord le contexte dans lequel fut créé la Semaine de musique annuelle (1923–1937) à Montréal et propose une analyse du mode de fonctionnement, inspiré du modèle américain créé par Charles Milton Tremaine en 1920. L’auteure commente les données sur les collaborateurs, les commanditaires, les bourses, les lieux de concerts, les interprètes, le répertoire et les conférenciers, et fait ressortir les principaux éléments de la critique de ces événements. La conclusion met en évidence la dualité culturelle anglophone-francophone dans la conception de la musique et son rôle dans l’éducation, et souligne l’action des femmes dans la gestion d’organismes de diffusion de la musique au Québec.

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Descheneaux, Audrée. "Présence wagnérienne dans le film Invincible (2001) de Werner Herzog". Canadian University Music Review 24, n. 1 (8 marzo 2013): 30–61. http://dx.doi.org/10.7202/1014670ar.

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Abstract (sommario):

Dans son film Invincible (2001), le réalisateur allemand Werner Herzog met en scène la légende de Zishe Breibart, un Juif doté d’une force surhumaine. La théâtralité des images filmées par Herzog et la musique originale du film composée par Hans Zimmer concourent, selon l’auteure, à accentuer la dimension héroïque du personnage et à évoquer l’opéra wagnérien. Après avoir mis en parallèle les procédés de composition de la musique du film et de l’écriture postromantique, l’article propose une analyse comparative entre la musique et les images pour démontrer comment la musique du film sert de support privilégié au mythe wagnérien. L’article s’attarde enfin aux répercussions du subterfuge mis en scène par Herzog, qui consiste à faire d’un Juif un héros national à l’aube du nazisme.

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Duchesneau, Michel. "Montréal/Nouvelles Musiques : perspectives". Circuit 14, n. 2 (15 febbraio 2010): 9–22. http://dx.doi.org/10.7202/902308ar.

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Abstract (sommario):

Dans cet article, l’auteur avance quelques hypothèses sur les origines du festival Montréal/Nouvelles Musiques en explorant les antécédents de la Société de musique contemporaine du Québec dont il fut le directeur général de 1997 à 2002. Il s’interroge aussi sur la dynamique qui anime le festival, le rôle qu’il doit jouer dans le milieu musical québécois à la lumière d’autres expériences disciplinaires (danse, théâtre, cinéma, musique de jazz) et en quoi son existence est liée à une identité musicale originale ou plutôt un savoir-faire original. L’analyse révèle que MNM va certainement permettre à la musique québécoise de bénéficier d’une porte d’entrée dans le grand réseau des festivals internationaux de musique nouvelle, système de diffusion de la création musicale à l’échelle internationale désormais incontournable et dominant à tous les niveaux de la discipline. Mais MNM en soi, ne peut être la solution unique à une pleine reconnaissance de la « musique québécoise ».

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