Tesi sul tema "GdRA (Compagnie de théâtre)"

Cette thèse expose différentes expérience de construction d’un théâtre participatif, mené par l'auteur et le collectif du GdRA depuis la France entre 2005 et 2021, sur un terrain multi-situé et transversal au Japon, à Madagascar, en Afrique du Sud, en Guyane, sur l’île de la Réunion, dans divers endroits dits porteurs de langues « régionales » en France, en Espagne ou en Suisse, en ville, en milieu paysan et rural, en forêt. Ces mises en récit et mises en scène par l’enquête d’approche personnaliste et pragmatiste, l’entretien, le film, l’enregistrement, le dessin, la photographie ; puis au final par l’installation et le théâtre textuel, physique et musical, joué la plupart du temps sur des scènes occidentales ; participent de la co-construction d’un savoir spécifique, ici et ailleurs. Les paroles, les images et les gestes mises en scène s’efforcent de relayer et d’étudier des écosocialités et des cosmopolitiques toujours recomposées. Dans ce théâtre des singularités, ces cosmopolitiques « autochtones » sont documentées et s’expriment en effet en situation de bouleversements ou de glissements écologiques et culturels, qu’il s’agisse de pertes, de disparitions, de métamorphoses, de changements brutaux, d’inventions paysagères, langagières, corporelles, usagères, cognitives. Une anthropologie visuelle se construit là
This thesis exposes different experiences of building a participatory theater, led by the author and the collective of the GdRA from France between 2005 and 2021, on a multi-sited and transversal field in Japan, Madagascar, South Africa, in Guyana, on the island of Réunion, in various places said to bear "regional" languages in France, Spain or Switzerland, in towns, in peasant and rural areas, in the forest. These narratives are staged by the investigation of personalist and pragmatist approach, the interview, the film, the recording, the drawing, the photography; then finally by installation and textual, physical and musical theatre, performed most of the time on Western stages. They participate in the co-construction of specific knowledge, here and elsewhere. The words, images and gestures wich we chose to stage strive to relay and study ecosocialities and cosmopolitics that are always recomposed. In this theater of singularities, these "indigenous" cosmopolitics are documented and indeed express themselves in situations of upheaval or ecological and cultural shifts, whether losses, disappearances, metamorphoses, brutal changes, landscape, language, body, user, cognitive inventions. A visual anthropology is constructed there

Cette thèse analyse le procédé de construction du sens dans le théâtre visuel de la Compagnie Philippe Genty, un thème jusque-là très peu étudié en France et à l’étranger. La Compagnie emploie la dramaturgie visuelle comme une écriture scénique, qui se caractérise par l’utilisation de différents arts sans support littéraire. Ainsi, la production du sens s’opère par la succession d’images scénographiques dans l’esthétique visuelle globale. L’œuvre met en scène un univers de l’inconscient qui prend sa source dans les souvenirs, les traumatismes et les rêves personnels des créateurs de la Compagnie. Le sujet majeur des spectacles est le voyage voué à la recherche de la cause d’un traumatisme. Pendant son voyage, le personnage rencontre des obstacles qu’il doit surmonter et qui aboutissent à la prise de conscience et à l’apaisement de son conflit central. Afin de relever et d’interpréter les images scéniques, nous analysons la fonction des éléments constituants de ce théâtre (marionnettes, matières, objets, danse, mouvement, paroles et voix) par des approches psychanalytique, phénoménologique et sémiologique. L’examen détaillé de ces derniers a permis de révéler l’existence de motifs et de thèmes récurrents appartenant au domaine de l’inconscient, qui apparaissent dans la plupart des spectacles. Il s’agit par exemple de concepts tels que le morcellement du corps, le complexe d’Œdipe, la dissociation de la personnalité, les peurs de l’enfance, les sentiments refoulés, la culpabilité, les expressions de l’anima, du soi et de l’ombre. L’analyse a également mis en valeur des procédés techniques et métaphoriques que la Compagnie utilise pour la création de ses spectacles (théâtre noir, manipulation à vue, confrontation avec des matières, changement d’échelles, détournement fonctionnel d’éléments). Ces éléments récurrents constituent un ensemble que nous considérons comme le langage scénique de ce théâtre
The aim of this dissertation is to analyse the process connected to the theatrical scenery of the theatre company created by Philippe Genty, previously not so frequently studied in France and overseas. The company uses the visual dramaturgy as a scenery writing characterized by the use of different arts without the support of literature. Therefore, production of meaning occurs through binding of scenery images to theatrical aesthetics. This particular theatrical work represents a universe of the unconscious mind filled in with memories, traumas and personal dreams of the creators of the Company. The main subject of these spectacles is about the journey, which has as key purpose the search for the reasons of a traumatic event. The central figure faces different obstacles during his journey which he must go through and ends up into the awareness and the quietness of his internal conflict. In order to point out and interpret scenic images, we do analyse the function of the elements met in this particular theatre art (puppets, natural elements, dances, movements, voices and words) through psychoanalytical, phenomenological and semiotic approaches. A careful survey of these themes has demonstrated the existence of scene subjects and recurring themes of the world of the unconscious coming up into most of the spectacles. These themes, for example, are as follows: fragmented body, Oedipus complexes, dissociation of the character’s mind, childhood fears, remoted and oppressed feelings, sense of guilt, expressed images of the anima, of oneself and shadows of the personality. This detailed analysis has also shown light on the technical and metaphorical means used by the Company in the creation of the following spectacles (black shadows theater, hand-moved puppets by sight, confronting scenes with natural elements, change of visual scales, distortion of the scenic elements). All these repeated elements are joined together into the whole which we consider as scenic language of this particular theatre

Cette thèse analyse le procédé de construction du sens dans le théâtre visuel de la Compagnie Philippe Genty, un thème jusque-là très peu étudié en France et à l’étranger. La Compagnie emploie la dramaturgie visuelle comme une écriture scénique, qui se caractérise par l’utilisation de différents arts sans support littéraire. Ainsi, la production du sens s’opère par la succession d’images scénographiques dans l’esthétique visuelle globale. L’œuvre met en scène un univers de l’inconscient qui prend sa source dans les souvenirs, les traumatismes et les rêves personnels des créateurs de la Compagnie. Le sujet majeur des spectacles est le voyage voué à la recherche de la cause d’un traumatisme. Pendant son voyage, le personnage rencontre des obstacles qu’il doit surmonter et qui aboutissent à la prise de conscience et à l’apaisement de son conflit central. Afin de relever et d’interpréter les images scéniques, nous analysons la fonction des éléments constituants de ce théâtre (marionnettes, matières, objets, danse, mouvement, paroles et voix) par des approches psychanalytique, phénoménologique et sémiologique. L’examen détaillé de ces derniers a permis de révéler l’existence de motifs et de thèmes récurrents appartenant au domaine de l’inconscient, qui apparaissent dans la plupart des spectacles. Il s’agit par exemple de concepts tels que le morcellement du corps, le complexe d’Œdipe, la dissociation de la personnalité, les peurs de l’enfance, les sentiments refoulés, la culpabilité, les expressions de l’anima, du soi et de l’ombre. L’analyse a également mis en valeur des procédés techniques et métaphoriques que la Compagnie utilise pour la création de ses spectacles (théâtre noir, manipulation à vue, confrontation avec des matières, changement d’échelles, détournement fonctionnel d’éléments). Ces éléments récurrents constituent un ensemble que nous considérons comme le langage scénique de ce théâtre
The aim of this dissertation is to analyse the process connected to the theatrical scenery of the theatre company created by Philippe Genty, previously not so frequently studied in France and overseas. The company uses the visual dramaturgy as a scenery writing characterized by the use of different arts without the support of literature. Therefore, production of meaning occurs through binding of scenery images to theatrical aesthetics. This particular theatrical work represents a universe of the unconscious mind filled in with memories, traumas and personal dreams of the creators of the Company. The main subject of these spectacles is about the journey, which has as key purpose the search for the reasons of a traumatic event. The central figure faces different obstacles during his journey which he must go through and ends up into the awareness and the quietness of his internal conflict. In order to point out and interpret scenic images, we do analyse the function of the elements met in this particular theatre art (puppets, natural elements, dances, movements, voices and words) through psychoanalytical, phenomenological and semiotic approaches. A careful survey of these themes has demonstrated the existence of scene subjects and recurring themes of the world of the unconscious coming up into most of the spectacles. These themes, for example, are as follows: fragmented body, Oedipus complexes, dissociation of the character’s mind, childhood fears, remoted and oppressed feelings, sense of guilt, expressed images of the anima, of oneself and shadows of the personality. This detailed analysis has also shown light on the technical and metaphorical means used by the Company in the creation of the following spectacles (black shadows theater, hand-moved puppets by sight, confronting scenes with natural elements, change of visual scales, distortion of the scenic elements). All these repeated elements are joined together into the whole which we consider as scenic language of this particular theatre

Créée en 1986 par Pippo Delbono et l’acteur argentin Pepe Robledo, la compagnie Pippo Delbono jouit aujourd’hui d’une véritable renommée internationale, parcourant presque continuellement les quatre coins du monde pour présenter ses spectacles, dont certains existent et continuent d’être joués depuis plus de vingt ans. De l’exil de Pepe Robledo durant la dictature de la fin des années soixante-dix en Argentine, jusqu’à la rencontre avec ce petit homme que tout le monde appelle Bobò dans un hôpital psychiatrique près de Naples, c’est tout un archipel de trajectoires et de parcours croisés que recouvre la notion même de compagnie dont nous voudrions questionner ici l’évidence. Partant d’une ethnographie rigoureuse axée tout autant sur le travail théâtral que sur les moments et les aléas constitutifs de la vie ordinaire du groupe, nous tâcherons de montrer en quoi la recherche théâtrale de la compagnie Pippo Delbono est indissociable de préoccupations sociales et politiques sous-jacentes, et est ainsi irréductible au seul domaine du théâtre. Nous verrons notamment comment ce théâtre peut, à sa manière, s’instaurer à la fois comme un véritable lieu de rencontres et de diversité sociale et comme une forme particulière de contre-pouvoir politique. Nous verrons également comment la portée tout à la fois artistique, sociale, politique et éthique de cette expérience est à chercher dans la forme même du langage théâtral que cette compagnie ne cesse d’inventer depuis sa création, un langage déplaçant constamment les frontières entre l’art et la vie et que l’on pourrait peut-être inscrire dans la longue histoire de ce que Michel Foucault s’est proposé d’appeler « les arts de l’existence »
Created in 1986 by Pippo Delbono and the Argentinian actor Pepe Robledo, the Pippo Delbono Company is now recognized internationally and travels across the globe to present its shows, some of which have been played continuously for twenty years. Since Pepe Robledo's exile from the late 70's dictatorial regime in Argentine to his meeting with the little man everybody calls Bobò in a psychiatric hospital near Naples, we would like to evidence this complex archipelago of trajectories and of crossing paths. From a rigorous ethnography based on the group's theatrical work just as much as on the chance events that constitute its normal life, we resolved to demonstrate how the theatrical research of the Pippo Delbono Company cannot be separated from underlying social and political preoccupations and how this research cannot be simply reduced to the world of drama. We will see indeed how this theatrical group, in its own way, can truly create a socially diverse meeting place as well as a particular form of political counter-power. But there is more: the artistic, social, political and ethical scope of this experience also needs to be looked for in the very form of theatrical language that the company has kept reinventing since its inception. This language, constantly pushing the boundaries separating art and life, could perhaps be recorded in a history of what Michel Foucault has suggested we call the “arts of existence. ”

L'objet de cette recherche est de comprendre la singularité des pratiques artistiques militantes aujourd'hui. Reconnues comme des formes d'art engagé, art de contestation, ou art militant, ces pratiques artistiques s'inscrivent à l'intersection des dimensions esthétique et politique, bousculant leurs frontières de ces deux espaces de la vie sociale. Ce travail est consacré spécifiquement à l'analyse du théâtre et de la chanson politique, à partir de l'ethnographie d'une compagnie de théâtre : Jolie Môme (France), qui depuis vingt cinq ans met au jour un théâtre d'intervention au cœur de luttes sociales du présent. Le dispositif méthodologique s'est constitué à partir de la notion du "monde de l'art" de H. S. Becker, privilégient l'étude détaillée dans la longue durée de l'activité artistique de la Compagnie Jolie Môme, à travers l'observation participante, des entretiens et du travail sur ses archives. Une de principales conclusions, concerne à la fonction sociale de ces œuvres artistiques/militantes, qui sera liée à l'utopie et à la mémoire collective. Le travail artistique de la chanson et du théâtre militant re-symbolise l'action politique et ses discours par des langages que lui sont propres, en agissant sur l'imaginaire des collectivités qui constituent ses publics. Ces œuvres deviennent alors, source d’un imaginaire utopique à travers des récits qui mettent en scène une espérance sociale et une mémoire populaire de luttes
The purpose of this study is to reflect on the singularity of contemporary practices of militant art. Recognized as expressions of engaged art, protest art or militant art, these artistic practices lie at the intersection of the esthetic and political spheres, confronting the boundaries of these areas of social life. Specifically, I am here interested in the domains of theatre and of political song, as exemplified by the ethnography of the artistic practices of theatre company "Compagnie Jolie Môme", which for 25 years has engaged in theatrical forms of intervention at the heart of today's social struggles. The methodological framework is rooted in the notion of an "art world", due to H. S. Becker, favouring a detailed and long-term study of the artistic practices of Compagnie Jolie Môme, through participative observation, interviews and work on their archives. One of the main conclusions concerns the social function of these artistic/militant works, which will be associated with utopia and collective memory. The artistic works of militant song and theatre re-symbolize in their own language the political action and its discourse, by appealing to the collective imaginary of the public. These works thus become a source of a utopian imaginary through the stories that feature social hope and a popular memory of struggles

En tant que pratique culturelle qui, par son ampleur et son institutionnalisation, a contribué à définir la spécificité de l'engagement pédagogique, social et religieux des jésuites à l'époque moderne, le théâtre offre une perspective intéressante pour saisir les modalités d'un passage entre ce qui est parfois appelé dans l'historiographie l'« ancienne » et la « nouvelle » Compagnie de Jésus. La période de la suppression dans le contexte français (1762-1814) est intégrée à un cadre chronologique plus large qui permet de mesurer les effets de l'expulsion des collèges jésuites mais aussi et surtout les évolutions et les transformations sur la longue durée, entre France des Lumières et France post-révolutionnaire. La perspective adoptée ici s'est attachée aussi bien à décrire les enjeux et les dimensions de la pratique théâtrale jésuite au temps de la suppression et dans les établissements d'éducation jésuites sous la Restauration qu'à analyser les discours moraux et spirituels d'une part, pédagogiques et littéraires d'autre part, tenus par les jésuites et anciens jésuites sur le théâtre. Ainsi, l'intervalle de la suppression dans l'histoire du théâtre des jésuites doit-il être interprété ni comme un temps suspendu où il s'agirait de constater une simple interruption de l'activité théâtrale des jésuites, à l'exception de quelques îlots de survivance, ni comme un temps fatal inaugurant le déclin d'une pratique scolaire. Ce travail laisse alors entrevoir la réalité d'un « nouveau langage » (Michel de Certeau) qui semble-t-il s'élabore progressivement dans la seconde moitié du XVIIIe siècle et qui témoigne du fait que la « restauration » à l'identique de la Compagnie de Jésus et de sa pratique théâtrale au XIXe siècle n'est finalement qu'une illusion
As a cultural practice which, by its extent and institutionalization, has contributed to define the specificity of the pedagogical, social and religious investing of Jesuits in the modern era, the theatre offers an interesting prospect to grasp the modalities of a transition between what is sometimes called in the historiography the “old” and the “new” Society of Jesus. The period of suppression in the French context (1762-1814) is integrated into a wider chronological frame which allows to measure the effects of the expulsion of the Jesuit colleges but also and especially the evolutions and the transformations in the long-term time, between France of the Enlightenment and post-revolutionary France. The point of view adopted here has paid a particular attention to describe the stakes and dimensions of Jesuit theatre practice at the time of suppression and in the Jesuit educational institutions under the Restoration in France and to analyze the moral and spiritual speeches of one hand, educational and literary on the other hand, deliver by the Jesuits on the theatre. Thus, the interval of the suppression in theatre history of the Jesuits must be interpreted neither as a suspended time when it would be a question of noticing a simple interruption of the theatrical activity of the Jesuits, with the exception of a few survival islets, nor as a fatal time inaugurating the decline of a school practice. This work then lets glimpse the reality of a “new language” (Michel de Certeau) which it seems develops gradually in the second half of the eighteenth century and which shows of the fact that the “restoration” of the Society of Jesus and its theatrical practice as before in the nineteenth century is finally an illusion

A travers l’étude comparée de trois processus collectifs de création théâtrale - D’ores et déjà, Collectif F71 et Spectacle-laboratoire - cette thèse tente de comprendre la notion de « collectif » tant au niveau idéologique qu’esthétique, telle qu’elle s’est développée dans le théâtre public français entre 2003 et 2014. Nous montrons qu’en découvrant la disparition de la marge dans l’organisation capitaliste de l’économie culturelle, les collectifs n’ayant pour l’« homme nouveau » aucun programme concret à proposer, ont centré leur résistance au cœur de processus de création politiques parce que collectifs, et accompli une œuvre au diapason de la complexité de leur époque. Ils ont réalisé une « œuvre ouverte » - selon la théorie d’Umberto Eco - au sein de la représentation. Ancrée dans le réel, polyphonique, expérimentale, non-close sur elle-même et en perpétuelle évolution, cette œuvre induit une conception démocratique de l’activité des spectateurs de théâtre et réactive certaines découvertes de la création collective des années 60-70. Cette idée du théâtre comme réalisation par le collectif de l’œuvre ouverte dans la représentation est une utopie pragmatique. Image de l’idéologie de toute une partie de la société en quête de sens et en quête d’action, l’utopie pragmatique permet un renouvellement de l’esthétique théâtrale et une revitalisation du théâtre public : une façon contemporaine et avant-gardiste de renouer avec le « théâtre d’art » comme « théâtre élitaire pour tous »
From the comparative study of tree dramatic creation processes - D’ores et déjà, Collectif F71 and Spectacle-laboratoire – this thesis try to understand the concept of “collective” at ideological and esthetical levels, as it been developed in the French public theatre between 2003 and 2014. We show that the collectives, discovering that marge has disappeared in capitalistic organization of cultural economy and without concrete program for the “new man” to propose, focused their resistance in their creation processes, political because collective. They’ve accomplished works in tune with complexity of theirs time, realizing an “open work” - as defying Umberto Eco - in representation itself. Anchored in real, polyphonic, experimental, non-closed and perpetually moving, this work induce a democratic conception of audiences’ activity and reactive some of the sixties’ collective creations’ discoveries. This idea of theatre as realization by the collective of the “open work” in the representation is a pragmatic utopia. Picture of part of society’s ideology, searching of sense and action, the pragmatic utopia allows a renewal of theatrical esthetic and a revitalization of the public theatre: a contemporary and avant-gardist way to revive the “artistic theater” as “exclusive theatre for everyone”

Après la Seconde Guerre mondiale, la France, affaiblie politiquement et économiquement, développe une politique culturelle extérieure qui utilise les manifestations artistiques, et en particulier les tournées théâtrales, pour assurer le rayonnement de sa culture et de sa langue. Par l’intermédiaire de l’Association française d’action artistique (AFAA), elle envoie de par le monde ses plus grandes compagnies, la Comédie-Française, le Théâtre national populaire de Jean Vilar, et la Compagnie Renaud-Barrault qui devient théâtre national en 1959. Dans un monde façonné par la Guerre Froide, les tournées les plus prestigieuses ont lieu aux États-Unis, en Union Soviétique et en Amérique latine. Le but de cette thèse est de déterminer dans quelle mesure les compagnies théâtrales, instrumentalisées par la diplomatie culturelle française, utilisent aussi ces tournées pour leur propre statut dans le champ culturel français, pour leur économie, ou pour l’affermissement de leur propre identité. La première partie explore les origines et le développement du cadre politique et institutionnel qui a permis la naissance de tournées théâtrales subventionnées et fait du théâtre français un produit d’exportation. Le deuxième mouvement se concentre sur la caractérisation de ce théâtre envoyé à l’étranger, sur son économie et son répertoire. Le troisième temps analyse les différents impacts du déplacement du théâtre à l’étranger. Quelles sont les conséquences possibles de cette situation sur la représentation elle-même et les attentes du public étranger ? Au-delà de la question de la réception, c’est la dimension politique, l’impact esthétique et le rôle symbolique des tournées qui seront mis en lumière
After World War II, a politically and economically weakened France develops a cultural foreign policy that uses artistic manifestations, and in particular theatrical tours, in order to ensure the influence of its culture and language. Thanks to the French Association for Artistic Action (AFAA), which was directly supported by the ministry of Foreign Affairs, France sends its greatest theatre companies all over the world, the Comédie-Française and the National Popular Theatre of Jean Vilar, as well as the Renaud-Barrault Company that becomes a national theatre in 1959. In a world shaped by the Cold War, the most prestigious tours take place in the United States, the Soviet Union, and Latin America. This thesis aims at determining to what extent these theatrical companies are not only exploited by the French government for cultural diplomacy, but manage themselves to benefit from the touring system, be that for their own status within the French cultural field, for their own economic solvency, or for the strengthening of their own identity. The first part explores the origins and development of the political and institutional frame that enabled the birth of this system of subsidized, international theatrical tours that made an export out of French theatre. The second part focuses on the characterization of French theatre abroad, on its economy and its repertory. The third section analyses the different impacts of the displacement of theatre abroad. What are the possible consequences on the performance itself and on the expectations of the international audience? Beyond the question of reception, the thesis will shed light on the political consequences, the aesthetic impact and the symbolic role of the tours

A travers l’étude comparée de trois processus collectifs de création théâtrale - D’ores et déjà, Collectif F71 et Spectacle-laboratoire - cette thèse tente de comprendre la notion de « collectif » tant au niveau idéologique qu’esthétique, telle qu’elle s’est développée dans le théâtre public français entre 2003 et 2014. Nous montrons qu’en découvrant la disparition de la marge dans l’organisation capitaliste de l’économie culturelle, les collectifs n’ayant pour l’« homme nouveau » aucun programme concret à proposer, ont centré leur résistance au cœur de processus de création politiques parce que collectifs, et accompli une œuvre au diapason de la complexité de leur époque. Ils ont réalisé une « œuvre ouverte » - selon la théorie d’Umberto Eco - au sein de la représentation. Ancrée dans le réel, polyphonique, expérimentale, non-close sur elle-même et en perpétuelle évolution, cette œuvre induit une conception démocratique de l’activité des spectateurs de théâtre et réactive certaines découvertes de la création collective des années 60-70. Cette idée du théâtre comme réalisation par le collectif de l’œuvre ouverte dans la représentation est une utopie pragmatique. Image de l’idéologie de toute une partie de la société en quête de sens et en quête d’action, l’utopie pragmatique permet un renouvellement de l’esthétique théâtrale et une revitalisation du théâtre public : une façon contemporaine et avant-gardiste de renouer avec le « théâtre d’art » comme « théâtre élitaire pour tous »
From the comparative study of tree dramatic creation processes - D’ores et déjà, Collectif F71 and Spectacle-laboratoire – this thesis try to understand the concept of “collective” at ideological and esthetical levels, as it been developed in the French public theatre between 2003 and 2014. We show that the collectives, discovering that marge has disappeared in capitalistic organization of cultural economy and without concrete program for the “new man” to propose, focused their resistance in their creation processes, political because collective. They’ve accomplished works in tune with complexity of theirs time, realizing an “open work” - as defying Umberto Eco - in representation itself. Anchored in real, polyphonic, experimental, non-closed and perpetually moving, this work induce a democratic conception of audiences’ activity and reactive some of the sixties’ collective creations’ discoveries. This idea of theatre as realization by the collective of the “open work” in the representation is a pragmatic utopia. Picture of part of society’s ideology, searching of sense and action, the pragmatic utopia allows a renewal of theatrical esthetic and a revitalization of the public theatre: a contemporary and avant-gardist way to revive the “artistic theater” as “exclusive theatre for everyone”

Cette thèse propose une étude des modes d’incorporation des savoir-faire au sein du Théâtre du Mouvement, une compagnie de mime contemporain dirigée par Claire Heggen et Yves Marc en Île-de-France. En s’appuyant sur une littérature en études théâtrales et danse, en ethnologie, ainsi que sur des données en physiologie et sciences de la motricité, elle interroge plus particulièrement la transmission de compétences sensorielles en son sein. La première partie présente le cadre épistémologique et méthodologique de la recherche menée, privilégiant un mode de connaissance micrologique ainsi qu’une approche ethnographique. La seconde partie traite successivement des modes d’affinement des sensibilités kinesthésiques et proprioceptives – insistant sur une connaissance globale de soi et l’incorporation de principes issus de la technique du mime corporel d’Etienne Decroux (1898-1991) –, des sensibilités visuelles et tactiles, mettant en lumière la transmission d’une technicité sensorielle. Enfin, une troisième partie, à travers les portraits de trois femmes artistes, formées dans la compagnie et considérées comme expertes, postule le partage d’une culture sensible au sein du groupe d’artistes considéré.Cette recherche se veut une contribution aux connaissances sur la formation de l’acteur dans le domaine des Arts du Mime et du Geste aujourd’hui en France, ainsi qu’un apport à une ethnographie des techniques sensorielles et de leur transmission dans le cadre des pratiques artistiques
This thesis proposes a study of the expertise within Théâtre du Mouvement, a contemporary mime company co-directed by Claire Heggen and Yves Marc in France. Based on performing arts studies, ethnology, as well as data in physiology and movement science, it specifically concerns the transmission of sensory skills. The first part presents the epistemological and methodological framework of the research, favoring a mode of micrological knowledge and an ethnographic approach. The second part deals successively with refining kinesthetic and proprioceptive sensitivities – insisting on a global self-knowledge and the incorporation of the principles of mime developed by Etienne Decroux (1898-1991) – visual and tactile sensitivities, highlighting the transmission of sensory expertise. Finally, the third part, through the portraits of three woman artists, experts from the company, postulates the sharing of a sensitive culture in the group of artists. This research is a contribution to the actor’s learning in “Arts du Mime et du Geste” in France today, as well as a contribution to an ethnography of sensory techniques and their transmission within performing arts

Cette thèse propose une étude des modes d’incorporation des savoir-faire au sein du Théâtre du Mouvement, une compagnie de mime contemporain dirigée par Claire Heggen et Yves Marc en Île-de-France. En s’appuyant sur une littérature en études théâtrales et danse, en ethnologie, ainsi que sur des données en physiologie et sciences de la motricité, elle interroge plus particulièrement la transmission de compétences sensorielles en son sein. La première partie présente le cadre épistémologique et méthodologique de la recherche menée, privilégiant un mode de connaissance micrologique ainsi qu’une approche ethnographique. La seconde partie traite successivement des modes d’affinement des sensibilités kinesthésiques et proprioceptives – insistant sur une connaissance globale de soi et l’incorporation de principes issus de la technique du mime corporel d’Etienne Decroux (1898-1991) –, des sensibilités visuelles et tactiles, mettant en lumière la transmission d’une technicité sensorielle. Enfin, une troisième partie, à travers les portraits de trois femmes artistes, formées dans la compagnie et considérées comme expertes, postule le partage d’une culture sensible au sein du groupe d’artistes considéré.Cette recherche se veut une contribution aux connaissances sur la formation de l’acteur dans le domaine des Arts du Mime et du Geste aujourd’hui en France, ainsi qu’un apport à une ethnographie des techniques sensorielles et de leur transmission dans le cadre des pratiques artistiques
This thesis proposes a study of the expertise within Théâtre du Mouvement, a contemporary mime company co-directed by Claire Heggen and Yves Marc in France. Based on performing arts studies, ethnology, as well as data in physiology and movement science, it specifically concerns the transmission of sensory skills. The first part presents the epistemological and methodological framework of the research, favoring a mode of micrological knowledge and an ethnographic approach. The second part deals successively with refining kinesthetic and proprioceptive sensitivities – insisting on a global self-knowledge and the incorporation of the principles of mime developed by Etienne Decroux (1898-1991) – visual and tactile sensitivities, highlighting the transmission of sensory expertise. Finally, the third part, through the portraits of three woman artists, experts from the company, postulates the sharing of a sensitive culture in the group of artists. This research is a contribution to the actor’s learning in “Arts du Mime et du Geste” in France today, as well as a contribution to an ethnography of sensory techniques and their transmission within performing arts

L'objet de cette thèse a été d'analyser la figure de l'acteur du point de vue de la pratique théâtrale des jésuites, ainsi que de la condamnation par les jésuites du théâtre professionnel dans le cadre de la controverse sur le théâtre au Siècle d'Or. La première partie porte sur l'analyse (diachronique) d'une série de traités dans le cadre de la controverse sur la livéité morale du théâtre. Il s'agit de voir dans quelles circonstances ces textes, pour la plupart d'auteurs jésuites, ont été écrits, qui sont ces auteurs, etc. La période s'étend de 1588 (date du premier texte de notre corpus) à 1689 (date du dernier). La deuxième partie porte sur l'analyse thématique de ces traités. Il s'agit d'en dégager les différents thèmes et les ancrer dans le contexte politique, social et théâtral de l'époque. La troisième et dernière partie de la thèse est dédiée au comédien. Il s'agit d'une part d'analyseer la figure du comédien professionnel et de la comédienne à partir de leur condamnation par les jésuites, d'autre part de l'élève-acteur des collèges jésuites
The purpose of this thesis is to analyze the actor figure from the Jesuitical stage practice point of view while considering the condemnation of professional theater by the Jesuits during the Golden Age stage controversy. The first part presents a diachronic analysis of a number of tracts, mostly written by Jesuit authors in the context of the stage conttroversy about moral licence in drama, in order to define in which circumstances they were written, who wrote them and so on. The period runs from year 1588 (first text of our corpus) to 1689 (last text of our corpus). The second part is a thematic analysis of these tracts which brings out their different thermes to ground them into the political, social and theatrical context of the time. The third and last part is dedicated to the actor. It provides on one hand an analysis of the professional actor figure (both male and female) envisaged from the angle of their condemnation by the Jesuits, and it studies on the other hand the student actor figure within the Jesuit colleges

Cette thèse se propose de définir l'ékphrasis performée, de la théoriser et de montrer son applicabilité concrète aux études théâtrales. Il s'agit d'un syntagme par lequel nous désignons le point de rencontre entre les possibilités rhétoriques de l'ékphrasis et les moyens du performatif. Cependant, l'ékphrasis ne se réduit guère à une intention purement mimétique, mais elle est toujours l'expression d'un regard aussi distancié que partiel sur le monde. À partir de la théorisation qu'on a réalisée de l'ékphrasis performée, on a élaboré quelques instruments d'analyse dont l'objectif est de comprendre certains aspects de la construction de l'image sur scène, de son utilisation dans le théâtre en général et dans le théâtre contemporain en particulier. La deuxième et la troisième parties de la thèse présentent ensuite deux parcours de recherchedifférentes. Ainsi la deuxième partie est dédiée à l'oeuvre de Samuel Beckett, tandis que la troisième est dédiée au théâtre de Anagoor. Ces deux parties se présentent comme une forme d'application des principes de l'ékphrasis performée
The aim of this thesis is to develop a theory of performed ékphrasis. This rhetoric figure, generally studied in comparatives studies between literature and visual arts, holds a performative potential. From theory, I have extracted relevant rhetoric tools for an understanding of some aspects of image building on (also contemporary) theatre action. Ékphrasis doesn’t just reply to a mimetic intention but it always returns a partial sight on reality. Following this performed ékphrasis perspective I havefocused on Samuel Beckett’s work and Anagoor’s contemporary performances
La presente tesi di dottorato si propone di elaborare una teoria dell'ékphrasis performata. L'ékphrasis, categoria retorica normalmente trattata in studi comparativi tra letteratura e arti visuali, ha in sé un potenziale performativo che viene qui dimostrato. In seguito, dalla teoria, sono stati estratti degli strumenti di analisi per la comprensione di alcuni aspetti della costruzione dell'immagine in scena, del suo utilizzo nel teatro in generale e nel teatro contemporaneo in particolare. Poiché si tratta di una tecnica di slittamento tra generi e oggetti di natura diversa, che agisce con operazioni di montaggio e rimontaggio delle immagini (per via discorsiva o visiva), l'ékphrasis non risponde mai a un'intenzione puramente mimetica, ma restituisce sempre uno sguardo parziale sul mondo. In quest'orizzonte si presenta l'approfondimento di due casi emblematici per una concreta dimostrazione dei meccanismi di funzionamento dell'ékphrasis performata: l'opera Samuel Beckett e i lavori della compagnia italiana contemporanea Anagoor

Aux XVIIe et XVIIIe siècles, des représentations théâtrales sont régulièrement donnés dans les différents collèges parisiens de plein exercice, les dix attachés à la faculté des arts de l’université de Paris, comme celui tenu par les jésuites (le collège de Clermont devenu Louis-le-Grand), avec un faste et un retentissement variables, où la musique et la danse peuvent prendre une large place. Cette thèse est consacrée aux pratiques musicales et de danses en usage dans ce théâtre collégien. À l'issue d'une recension des représentations (établissement d’un catalogue des représentations et d’un répertoire de sources) et d'une reconstitution de plusieurs fragments musicaux, ce travail envisage l’inscription des scènes collégiennes dans l’espace artistique de la capitale, tout en les replaçant dans les usages pédagogiques de chaque établissement. Les conditions de ces représentations, leur publicité et les nombreux écrits qu’elles génèrent, enfin les acteurs et les milieux professionnels impliqués dans ces spectacles, sont successivement étudiés. La deuxième partie de la thèse est consacrée à un genre remarquable par sa continuité et son prestige, le ballet, l’élément le plus marquant et le plus polémique des spectacles de collège depuis le milieu du XVIIe siècle. Les spécificités du ballet de collège et leurs évolutions au cours de plus d’un siècle de répertoire sont analysées. La scène collégienne parisienne apparaît dès lors comme une interface, où se mêlent des acteurs et des usages chorégraphiques et musicaux de diverses origines et de diverses esthétiques
During the 17th and 18th centuries, there were regular performances given by Parisian Colleges, the ten belonging to Paris University, and the one held by the Jesuits (College de Clermont, later College Louis-le-Grand), with variable pomp and success, in which music and dance took a significant role. This thesis studies musical practices and dances as part of these performances. A complete catalog of the performances and the preserved sources along with a reconstruction of musical fragments gives an image of the artistic life in these pedagogical institutions in particular and in the Parisian theatrical context of the period. The specific conditions for these performances, the numerous publications (programmes, commentaries, manuscripts, posters, etc.), the actors and their professional environment have been studied. The ballet, with its continuity and prestige, is the subject of the 2nd part of this work. Since the mid-17th century, it holds an important and polemic position within the theatrical performance. The particularities of the college ballet and its century-long evolution are analyzed. The Parisian College Scene appears as a place of multiple assimilations, with actors, chorographic and musical practices from various origins and styles

Cette recherche a pour objectif d'étudier la situation du théâtre de création pour adolescents au Québec. Pour ce faire, nous relaterons d'abord l'histoire de cette pratique en relation avec celle du théâtre pour l'enfance et la jeunesse en général. Du théâtre purement divertissant au théâtre de création contemporain en passant par le didactisme et l'animation théâtrale, le théâtre pour enfants, puis pour la jeunesse, a joué plusieurs rôles et pris différentes formes. Nous développerons ensuite sur le parcours de la compagnie la plus significative dans le milieu du théâtre de création pour adolescents: le Théâtre Le Clou. Actif depuis 1989, le Théâtre Le Clou cherche à intéresser et bousculer le public adolescent en lui proposant une forme artistique nouvelle et branchée dans le présent. Suite à cette étude de cas, nous analyserons la situation actuelle et proposerons des moyens pour améliorer les conditions de pratique des compagnies qui souhaitent présenter leurs créations aux jeunes de 12 à 17ans. Nous croyons que le théâtre de création pour adolescents au Québec ne se développera pas davantage dans les prochaines années sans que de grands changements ne soient opérés dans le financement et la gestion des centres de diffusion de la province. La sensibilisation des enseignants, des diffuseurs, des parents et de la population en général est également nécessaire pour permettre aux adolescents d'entrer plus facilement en contact avec le théâtre de création et les arts en général. Un débat public sur la place de la culture dans notre société serait souhaitable. Notre étude a démontré que malgré les efforts des compagnies spécialisées et de certains diffuseurs, le contact avec les écoles secondaires reste difficile. Les compagnies de théâtre qui s'intéressent au public adolescent doivent être persévérantes et ingénieuses pour survivre dans un marché où les budgets des écoles pour les sorties culturelles sont minimes, voire inexistants. Selon nous, ce qui importe c'est que les jeunes aient accès régulièrement à une diversité de propositions artistiques de qualité, présentées dans des lieux adaptés. Dans le répertoire comme dans la création, l'art doit continuer d'exister pour ce qu'il est, sans redevenir un outil pédagogique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Théâtre, Jeunesse, Adolescents, Adolescence, Théâtre Le Clou.