Tesi sul tema "Femmes artistes interprètes – France"

Le metal symphonique est un sous-genre de musique metal qui a la particularité de compter une majorité de groupes où le chant est tenu par une femme : 80% en moyenne, se présentant à la fois comme une spécificité dans une culture musicale majoritairement masculine, autant qu’une régularité dans les musiques populaires où la proportion de chanteuses parmi les musiciennes en représente la grande majorité. Cette thèse a donc pour objectif de mesurer le rôle des femmes d’une part et de vocaliste d’autre part dans la définition d’un genre musical, au prisme d’une approche culturelle des musiques metal d’une part, et de leur situation en France d’autre part, des débuts du metal symphonique en 1996 à nos jours. Musique la plus détestée des Français, le metal compte essentiellement sur ses propres réseaux pour se développer : la presse spécialisée et la scène locale live. L’une et l’autre sont analysées dans cette thèse, entre discours promotionnels et évaluatifs de la presse sur les disques et production de concerts sur le sol français, de l’accueil des groupes étrangers à l’autoproduction locale. Ce travail tend ainsi à mesurer non seulement le rôle des chanteuses en tant qu’interprètes et créatrices de musique mais également leur implication dans l’activité d’une scène souvent présentée comme masculine, où leur place centrale mais négociée suggère d’en nuancer la domination. Complétée d’une enquête par questionnaire et entretiens, cette thèse discute enfin la notion de « goût féminin » et de « féminisation » d’un genre et d’une scène dans une approche compréhensive
Symphonic metal is a subgenre of metal music, which has the particularity of presenting a majority groups lead by female singers (80% on average). This feature is common to both this predominantly male culture, and to popular music more broadly, as the great majority of female musicians tend to be singers. This dissertation aims to measure the role played by women and by singers in the shaping of a musical genre, through a cultural approach of metal culture and of its situation in France, from the genre’s inception in 1996 to the present day.As the most hated genre of music in France, metal must rely mainly on its own networks in order to subsist and foster in this country: its press and local live scenes. Through the analysis of these two elements, this study considers promotional and evaluative media discourses on metal recordings and the production of concerts in France, from foreign bands touring around the country to the grassroots production of local events. Its aim is to consider not only the role female singers play as performers and creators, but also their involvement in the life of a scene often considered as masculine: their position, both central and negotiated, tends to limit the situation of domination. Through a complementary, comprehensive approach based on a questionnaire and interviews, this thesis also discusses the notions of “feminine taste” and of the “feminization” of a genre and a scene

Les droits des artistes sur leurs prestations, en l'absence d'un texte specifique, ont d'abord ete proteges par les conventions et accords collectifs et par la jurisprudence. Les conventions et accords collectifs concernent un secteur d'activite ou un etablissement. Leurs dispositions ont trait a la fois au droit du travail et aux droits des artistes sur leurs prestations. Le contrat d'engagement de l'interprete contient aussi certaines dispositions relatives aux droits sur la prestation. Il est regi par une loi du 26 decembre 1969. Avant le vote de la loi du 3 juillet 1985 sur les droits d'auteur et droits voisins, la jurisprudence avait mis sur pied un systeme protecteur des droits des interpretes. Ce systeme comprenait des prerogatives morales et pecuniaires dont le legislateur s'est inspire pour determiner le contenu des droits des artistes amenages par la loi de 1985. Avant cette loi, deux tentatives d'elaboration d'un texte avaient ete faites: la proposition de loi de m. Vivien, et l'avant-projet de loi de 1974. La loi du 3 juillet 1985 confere a l'artiste-interprete un droit moral et un droit pecuniaire, denomme droit d'autoriser. Le texte cree un systeme de licence legale pour l'utilisation publique des phonogrammes et une remuneration pour la copie privee des phonogrammes et videogrammes. La loi prevoit egalement des sanctions penales en cas de violation des droits reconnus a l'interprete.

Le vieillissement en emploi dans ces métiers est analysé comme un processus biographique initié dès l'entrée sur ces marchés du travail faiblement institutionnalisés. L'étude s'attache dans un premier temps à l'exploration des déterminants de la réussite professionnelle et déploie une analyse de ces carrières par projet qui mêle méthodes quantitatives (analyse longitudinale par cohortes à partir des données de la Caisse des Congés Spectacles) et qualitatives (80 entretiens). Les artistes fournissent une occasion rare d'observation des effets de la durée de l'inscription dans ce que Serge Paugam (2000) décrit comme une « intégration incertaine» sur le rapport à un travail -gratifiant -et aux propriétés de l'emploi -instable. L'avancée en âge se traduit également par des effets d'irréversibilité des choix professionnels finalement peu explorés par une littérature sociologique des carrières artistiques envisageant ces salariés comme des portfolio workers menant des carrières dont le nomadisme se jouerait des frontières existant entre les mondes qu'ils sont appelés à fréquenter. L'un des axes de la recherche a consisté, à partir d'une étude de cas fondée sur un matériau ethnographique collecté dans le milieu des agents artistiques et des directeurs de casting, à comprendre comment le jeu des acteurs impliqués dans le recrutement des comédiens dans le secteur du cinéma et de l'audiovisuel, leurs intérêts propres et leurs catégories de perception des parcours professionnels des artistes, réagissent sur les opportunités de diversification intersectorielle qui s'offrent à ces derniers. Enfin, une étude pionnière sur les retraites artistiques est menée à partir de l'exploitation des données de la Caisse Nationale d'Assurance Vieillesse, de celles d'Audiens, organisme gestionnaire des droits à retraite complémentaire des artistes et d'une enquête menée pour le compte du Syndicat Français des artistes. Les difficultés de prise en charge, par le régime général d'assurance vieillesse, des singularités du salariat intermittent, impliquent que ce dispositif de gestion des âges joue à rebours de ce que l'on observe dans le reste de la population active : il constitue une incitation forte, redoublée par la rhétorique professionnelle, à se maintenir en emploi aussi longtemps que possible. La prise en charge, par ce système, de la précarité aménagée que connaissent les intermittents du spectacle, semble bien imparfaite, et si certains voient dans l'artiste le travailleur du futur, reste à inventer la protection sociale qui lui est adéquate
In this dissertation, the professional ageing of performing artists is analysed as a biographical process initiated till the very first steps on the labour market. The spectacular inter-individual inequalities of success observed in those worlds could suggest the professional trajectories on this external labour market are basically unstructured. On the contrary, I show that those project-based careers obey strong regularities. The demonstration relies on a scale variation implying the analyse of the labour market, of the social protection system and of the organization of production in those worlds and on the use of quantitative (longitudinal) methods, crossed with more than 75 interviews, and the ethnographic observation of the role of talent agents and casting directors in the structuring of the feature film labour market. A particular focus is made on the retirement issue. I aim to analyse the implications of the lack of articulation between the retirement system artists pertain and their derogatory unemployment system that is used by them as a flexicurity device. The case of performing artists is a good methodological entry on the long term consequences of stabilized precariousness

Cette thèse retrace l’histoire récente de la musique rap en France, en appui avec la « théorie de l’expérience » de Shusterman, notamment de son ouvrage « L’art à l’état vif, la pensée pragmatiste et l’esthétique populaire » (Les Editions de Minuit, 1992), avec des matériaux recueillis par observation ainsi une trentaine d’entretiens. L’évolution du rap est rapprochée des avancées technologiques de l’industrie électronique comme l’arrivée du sampleur ou le développement des platines disques. Les travaux anciens dans la recherche sur le rap sont revisités. La thèse caractérise les différents types de rap, étudie la relation de ce genre avec les institutions, la scission entre rap underground et commercial, et les rapports entre générations successives de rappeurs. Un chapitre porte sur la séparation entre culture hip hop et rap, qui est récente. On s’attache à traiter de l’écriture. Le rap est vu comme un art médiateur entre écrit et oral. A côté des processus de la création musicale, l’aspect littéraire de cette musique est étudié. Le cadre temporel des observations et de la trentaine d’entretiens réalisés est la période 2000 – 2006. Qu’il se situe dans le rap underground ou dans le cadre du rap commercial, l’artiste est associé à d’autres intervenants, ce qui peut être analysé avec une conceptualisation reprise de Howard S. Becker dans Les mondes de l’art (Flammarion, 1988). On s’est intéressé aux intervenants qui ont le statut de « personnel de renfort ». Le rap est un domaine en évolution rapide. La présente thèse dresse un état actuel des lieux avec un éclairage apporté par la rencontre avec les artistes qui dessinent un nouveau paysage de cet art depuis 2000 et par une analyse du déroulement des soirées sur scène. Elle se veut une contribution à une histoire de cette musique qui présente désormais une dimension de savoir cumulatif
This thesis, relates the recent history of rap music supported with Shusterman’s « experience’s theory » from his book book “Pragmatist aesthetics, Living beauty, rethinking art” (Les Editions de Minuit, 1992) as well as about thirty interwievs. The evolution rap is connected with the technological overhang of the electronic industry such as the coming of the “sampler” or the developement of tune-tables. Several old research into rap are updated. The thesis characterises different types of rap, studies the relations with institutions, the split between underground and commercial rap and the awareness wich lead the relations between young and old rap’s generation. One chapter is about the recent division between rap and hip hop culture. We aim at dealing with the writting process. Rap is seen as a mediation between written work and oral tradition, close to the musical creation process, the literary aspect of this music has been studied. The temporal scope for observations and about thirty interviews is between 2000 – 2006. The artist needs help from other people, either in underground rap or in commercial rap: which can be analized with a conceptualization coming from in Art worlds (Flammarion, 1988) by Howard S. Becker. We’ve deal with people also called “support personnal”. Rap evolution is very fast. This thesis gives a review of the présent situation with an “entry to the ground” with the meeting of the artists who have been created this “new rap” since 2000 and by an analysis of the night shows progress. It want itself as a contribution toward the history of this music wich now offers a dimension of cumulative knowledge

Ce travail s’attache à étudier le droit des artistes interprètes à la protection de leur travail à l’ère numérique. La première partie de ce travail s’intéresse à la théorie des droits d’auteur, l’histoire des droits moraux, et à l’application de la théorie des droits moraux aux procès qui impliquent les artistes interprètes aux Etats-Unis, au Royaume-Uni, et en France. De plus, ce travail présente le droit international en la matière, y compris la Convention de Berne et le Traite de Beijing. La deuxième partie de ce travail examine l’histoire de l’industrie du cinéma. Plus spécifiquement, il se concentre sur l’histoire de l’industrie du cinéma aux Etats-Unis, au Royaume-Uni et en France, en observant comment les progrès des technologies cinématographiques ont affecté les droits des acteurs de cinéma dans le domaine du droit national et international. La troisième partie de ce travail propose un Protocole au Traité de Beijing afin que créer un mécanisme pour diminuer les obstacles à l'accès à la justice qui empêchent les artistes interprètes de faire valoir leurs droits. La thèse se termine par uneréflexion sur les leçons qui peuvent être tirées de l'histoire et des pratiques actuelles des États-Unis, du Royaume-Uni et de la France en ce qui concerne les droits moraux des artistes interprètes, en recommandant que les trois pays fournissent à l'avenir des protections plus significatives aux artistes interprètes
This work provides a broad study of the right of performing artists to protect their performances in the Internet era. The first part of this work explores the theoretical foundation of copyright law, the history of moral rights, and the application of the theory of moral rights to cases affecting performing artists in the United States, the United Kingdom, and France. In addition, this work discusses relevant international law, including the Berne Convention and the Beijing Treaty. The second part of this work addresses the history of the movie industry. More specifically, it concentrates on the history of the film industry in the United States, the United Kingdom, and France, observing how technological progress in filmmaking techniques have affected the rights of movie actors under both national and international law. The third part of this work proposes a Protocol to the Beijing Treaty that would create a mechanism to lower the barriers to justice that currently prevent performing artists from vindicating their rights. This work concludes with a reflection on the lessons that can be drawn from both the history and the current practices of the United States, the United Kingdom, and France with respect to the moral rights of performing artists, recommending that the three countries provide more significant protections to performing artists going forward

Au passage du XIXe au XXe siècle, la dichotomie masculin/féminin où l'homme serait dévolu à la création et la femme cantonnée à la procréation bat son plein mais commence progressivement à s'effriter et à se troubler. La femme artiste constitue l'une de ces figures intermédiaires susceptible de remettre en cause l'ordre établi des genres. Dans un climat extrêmement hostile à une émancipation du féminin, visant clairement à exclure la femme du champ créatif, nous analyserons la pluralité des stratégies envisagées et déployées par ces artistes, qu'elles assimilent le discours normatif ambiant ou qu'elles contournent de manière plus subversive le réseau artistique androcentrique mis en place. L'articulation entre genres artistiques et genres sexuels, admise de la plupart des historiens de l'art, est au cœur de ce travail balayant des domaines aussi divers que les arts décoratifs, graphiques et médiumniques - champs relativement favorables au féminin - jusqu'à ceux plus difficiles à infiltrer comme la peinture et la sculpture. À l'appui des méthodes culturelles et du genre, ce sujet esquive les nombreuses études consacrées à la représentation du féminin au passage du siècle pour se placer de l'autre côté du miroir, du côté de la femme qui crée, peint ou sculpte, et démontre, par l'exhumation d'un corpus méconnu, jusqu'alors oublié, que l'esthétique symboliste, nabie et Art nouveau fut loin d'être un apanage masculin.

Le collectif Femmes/Art, créé par la psychanalyste et peintre Françoise Eliet, était un groupe de plasticiennes actif à Paris entre 1976 et 1978. Une trentaine d'artistes (Colette Deblé, Monique Frydman, Françoise Janicot, Léa Lublin. . . ) y participait régulièrement dans l'objectif de remettre en cause la sous-représentation féminine dans les galeries et les musées parisiens. A la différence des Etats-Unis, où le Feminist Art Movement a eu un impact considérable dans le milieu culturel, la France n'a pas connu une telle activité féministe dans le champ des arts plastiques. Néanmoins, le M. L. F. Incita de nombreuses artistes à s'interroger sur leur identité et leurs désirs en tant que créatrice. Cette thèse retrace l'histoire du collectif Femmes/ Art et examine des questions théoriques fréquemment débattues à cette époque, en particulier celle de la possibilité d'une spécificité (masculine et féminine) de la création et celle de l'impact de la prise de conscience sur la création plastique.

Au cours des années soixante, les marionnettistes français sont confrontés à des difficultés croissantes qui menacent la survie de leur activité à l'état professionnel. Afin d'échapper à la détérioration de leurs conditions de travail, ils interpellent les pouvoirs publics en vue d'obtenir la reconnaissance de leur forme d'expression. En sensibilisant le ministère chargé des Affaires culturelles sur sa situation, cette corporation entend légitimer son art à l'instar des autres branches du spectacle. Or, en France, la légitimation d'une activité se traduit par son institutionnalisation. Le secteur de la marionnette ne va pas échapper à ce processus. Progressivement, la profession va s'inscrire dans ce schéma et obtenir la reconnaissance de ses différentes composantes. Des organismes dédiés sont progressivement créés pour reconnaître la pratique de la marionnette sous l'angle de son exercice professionnel, de la promotion et de la formation. Le soutien des autorités de tutelle, apporté aux institutions, ne résout pas les problèmes rencontrés par les compagnies. Ces dernières sont confrontées de manière structurelle à des obstacles qui mettent en péril leur pérennité. L'étude de l'économie de ce théâtre explique l'intervention des collectivités publiques. Elles érigent une politique culturelle en matière d'aide à la création, à la formation, à la diffusion. La politique culturelle en faveur du théâtre de marionnettes, malgré les progrès accomplis, demeure inachevée car les réponses apportées par les autorités de tutelle n'ont pas permis de résoudre l'ensemble des difficultés rencontrées par les compagnies
During the sixties, the French puppet players had to face difficulties and their profesional activities were threatened. To remedy this situation, they claim acknowledgment of their art from the public authorities. But in France, any official acknowledgment means that specialized organisations are in the process of being institutionnalized. The financial support granted to institutions do not benefit the puppet theatres experiencing difficulties in their practice directly. Consequently, they are expecting subsidies which will enable them to help and encourage creation, support training and diffusion allow the performing of puppet-show

Les instrumentistes qui construisent une carrière entre RMI et "intermittence", cantonnés en général aux degrés inférieurs de la pyramide de notoriété demeurent largement invisibles et méconnus. Au-delà d'une problématique socio-économique, il s'agit de porter au jour les "outils" avec lesquels on peut bâtir une identité de musicien, et de comprendre quels sont les systèmes endogènes d'évaluation de la grandeur. Tout en interrogeant des "partitions ordinaires" de la sociologie des arts ("amateur vs professionnel", "producteur vs récepteur", voire "jazz vs rock"), on verra comment les musicos évoluent dans un contexte de forte tension entre le modèle de l'artiste individu-créateur et celui du musicien exécutant. Surtout étayée par les acquis théoriques majeurs de la sociologie de Pierre Bourdieu, la posture de recherche construite sur une observation participante réflexive a permis d'aborder de façon à la fois critique et compréhensive le rapport pragmatique qui lie les acteurs/agents, les conditions de production et les œuvres elles-mêmes
The musicians who build a carrier into the lowest levels of the "pyramid of fame" remain mostly invisible and unknow. Beyond socio-economical problematics, it is here a matter of throwing light on the "tools" with which one can think of his practice and his identity of musician, and so to understand which are the endogenous systems for the assessment of value. Examining some ordinary divisions in the sociology of arts ("amateur vs. Professional", "producer vs receptor", even "jazz vs rock"), it is shown how the musicos live in a context strained between the artist, creative individual pattern and the executant - performer one. Supported by the major contributions of Pierre Bourdieu's theories, the present research has been built on reflexive participant observation to approach in a both critical and comprehensive way the pragmatic link between actors/agents, conditions of production and the music itself

Ce travail aborde la notion de permanence artistique et sa place dans le processus de creation theatrale. Apres avoir etabli une echelle de permanence artistique a partir d'une methode de description du parcours des comediens, nous avons pu etudier l'evolution du degre de permanence artistique dans le travail d'importantes troupes francaises de 1913 a 1997. Cette premiere approche historique a permis de degager des contextes de production profondement differents, qui influencaient en profondeur les enjeux lies a l'instauration d'une permanence artistique. Nous avons etudie trois grandes periodes : avant la seconde guerre mondiale (1913-1939), les debuts de la decentralisation theatrale (1947-1968) et une troisieme periode de maturation qui s'etendait de 1968 a nos jours. Nous avons ensuite etudie la dynamique de permanence artistique sous l'angle de l'elaboration du langage scenique, en degageant une poetique de la troupe et en la mettant en perspective avec l'irruption de l'approche dramaturgique sous l'influence du modele brechtien. La mise en evidence de cette dynamique, et le constat de connexions recurrentes entre les politiques de permanence artistique et la volonte de renouvellement du repertoire, nous ont conduit a etudier la place de la permanence artistique dans le processus de renouvellement des structures de production, c'est-adire dans le phenomene d'evolution du champ theatral. Nous avons alors mis en relief le role preponderant de la logique d'implantation des troupes dans le processus de decentralisation theatrale francaise et le necessaire contrepoids de la permanence face au systeme d'intermittence du spectacle vivant. Nous avons enfin essaye de comprendre la lutte obstinee de l'artiste de theatre contre toute standardisation, en vue de rester le plus ouvert aux transformations de la societe.

La thèse intitulée Le tabou féminin dans l'art contemporain (contexte social et artistique de la féminité , dans l' oeuvre des femmes artistes contemporaines) aborde le thème de la féminité dans l'art des femmes artistes. La recherche se concentre sur l'approche qualitative des informations. Grâce à des oeuvres spécifiques de femmes, artistes nous examinons dans quelle mesure la création des femmes est « féminine» et si l'utilisation du terme « art féminin» est actuelle. D'un point de vue objectif la recherche se focalise tout d'abord sur la définition de la masculinité d'aujourd'hui. Ensuite nous expliquons le regard sur la femme au travers des théories féministes et de genre qui se reflètent également dans la création artistique. Ensuite, grâce à cette analyse exhaustive, nous abordons la féminité même. Nous définissons la féminité dans l’art et nous présentons des vues opposées de femmes artistes sur la désignation « art féminin ». Les manifestations de la féminité dans la création des femmes artistes contemporaines sont divisées en plusieurs unités Mater Pater, Intimité et Identité. Les analyses des oeuvres permettent de mieux définir les caractéristiques typiques de la création artistique des femmes que nous appelons la féminité dans l'art. Enfin, nous explorons notre thème dans le cadre de la pédagogie artistique et nous attirons l'attention sur l’importance des questions de genre dans l'éducation artistique.

L'objectif de cette thèse est d'éclairer l'évolution des conditions sociales de la production artistique au cours de la première moitié du XIXe siècle, à partir d'un point de vue particulier : celui de la place qu'y occupent les artistes femmes. En d'autres termes, nous montrons les liens et les influences réciproques qui ont pu exister, à cette époque, entre les mutations du monde de l'art - en l'occurrence, sa transformation progressive en champ autonome et la professionnalisation de l'activité artistique qui s'actualise alors à travers la centralité du Salon dans les structures institutionnelles et dans les carrières des artistes - et les modalités de sa féminisation, qui s'avère alors tout à fait exceptionnelle.

Le théâtre des Bouffes Parisiens doit une grande partie de sa popularité à son créateur : J. Offenbach. La forte personnalité du compositeur a souvent relégué au second plan l'histoire proprement dite du théâtre. Afin d'approfondir la vie de ce théâtre au cours de ses vingt-cinq premières années d'existence, le livre de bord du théâtre ayant disparu, le répertoire alphabétique des quelques trois cents œuvres représentées est proposé avec les noms des librettistes des compositeurs et des interprètes, la date de première représentation aux Bouffes, les dates de reprises. Afin de mieux faire connaitre la vie des Bouffes, des chapitres ont été consacrés à l'administration, au public, aux décors, et aux costumes. Nombreux ont été les librettistes, les compositeurs et les interprètes qui ont contribué par leur talent au succès de ces œuvres dans lesquelles se mêlaient l'art de la dérision, les jeux de mots et la musique entrainante. Parmi les documents annexes proposés, le calendrier chronologique des créations et des reprises, les dates d'ouverture et de clôture de chaque saison théâtrale, les listes des librettistes, des compositeurs et des interprètes sont des outils indispensables à une recherche rapide et précise. Ce travail est illustré de documents iconographiques pour la plupart inédits.

La recherche consiste dans l’observation de l’action des travailleurs associatifs en quartiers dits sensibles. Elle vise à dégager les éléments de l’expertise qui assurent, en situation, la justesse et l’acceptabilité de l’action entreprise. Elle s’intéresse au processus de territorialisation du travail associatif, qui permet au secteur de revendiquer une position d’expert local. Des entretiens avec les personnes engagées sur le terrain sont utilisés pour identifier les situations caractéristiques du travail associatif et les enjeux des interactions locales avec les usagers. Ces entretiens sont le moyen de préciser des modes d’engagement des personnes (dévouement, militantisme, etc.) et les orientations éthiques et politiques qu’elles revendiquent (pédagogie, etc.). La thèse rend compte de la manière dont les travailleurs associatifs assument, tout en adoptant une attitude réflexive et critique à l’égard de leur action, une fonction de normalisation du territoire. Cette normalisation du territoire s'entend dans un double sens : 1) de contrôle social qui encadre les pratiques et comportements des individus (dimension de normativité) et 2) au sens de rendre ordinaire ces territoires stigmatisés, dimension qui repose alors sur la valorisation du positif de ces quartiers pour contrebalancer l'image dominante des quartiers populaires (dimension de normalité). La thèse montre comment le processus de professionnalisation enclenché par le secteur associatif des territoires dits sensibles a permis aux travailleurs associatifs de légitimer leur action et de valoriser de nouvelles compétences. Ils peuvent, ce faisant, accéder à une nouvelle forme de qualification, telle que l’ingénierie sociale
This research deals with the observation of the role of French non-profit organization workers, employed or volunteers, operating in the so-called “sensitive neighbourhoods”. It aims at identifying the different knowledge and skills which justified their expertise in situation and ensured its recognition by the authorities. A special attention is given to the territorialisation’s process which authorizes these workers to claim for a position of “community expert”. Interviews with members are the means to identify the typical situations of the community work in an urban context and the ethical and technical stakes of the interactions with the inhabitants. Put in relation with recurrent professional debates, they help to precise the individual gestion of the personal commitment required by the action (vocation, gift, militancy, etc.) and the different conceptions of the community service (care, training, empowerment, etc). The thesis shows how non-profit organisation workers act to contribute to the normalization of the urban area they are operating in. This normalization has two meanings : 1) to get a better self control of their individual behaviour by the inhabitants (a sense of normativity) and 2) to help a stigmatized urban area to win the image of a normal neighbourhood (an image of normality). The thesis enlightens the contemporary process of professionalization engaged by the community workers of the “sensitive neighbourhoods” and its contribution to the formalization of new competences, leading to the recognition of new occupations, such as “social engineer”

La communauté des maîtres peintres et sculpteurs parisiens a connu une importante évolution entre les XVIIe et XVIIIe siècles. La création de l’Académie royale en 1648 correspond à un temps de bouleversement : l’ancien et le nouveau corps se joignent alors, et tentent de cohabiter dans une même structure. La fin du XVIIe siècle correspond à l’essor de la population de la maîtrise, à la publication des listes de ses membres, ainsi que des statuts, dans une remise en ordre globale de la communauté. C’est donc une corporation forte d’une nombreuse population et bien organisée qui obtient en 1705 une déclaration de Louis XIV lui permettant d’ouvrir une école de dessin fondée sur le modèle vivant. La toute nouvelle Académie de Saint-Luc peut s’installer durablement dans le paysage artistique de la première moitié du XVIIIe siècle. Installée dans des nouveaux locaux dont elle se porte acquéreuse, rue du Haut-Moulin en la Cité, elle transforme considérablement ses statuts, en accordant une place importante en son sein à un corps d’artistes, chargés d’assurer l’enseignement de l’école. Les années 1750 à 1775 sont des années où les évènements se précipitent, pour l’Académie de Saint-Luc. Des expositions, suivies du public, permettent de faire connaître nombre de ses membres, et d’inscrire la petite académie dans les débats artistiques du milieu du XVIIIe siècle. Le perfectionnement de l’école d’après le modèle, permet dans les années 1765-1775 de reconnaître davantage encore un statut propre pour les artistes, au sein de la communauté. L’évolution est donc spectaculaire sur plus d’un siècle, et témoigne d’une adaptation remarquable de la vieille corporation, qui a su assimiler ainsi un fonctionnement académique à l’organisation hiérarchique d’une communauté de métier
The community of Parisian master painters and sculptors went through important evolutions between the 17th and 18th centuries. The creation of the Royal Academy in 1648 corresponds to a time of upheaval: the old and the new profession then came together and tried to coexist within the same structure. In the late 17th century, the population of the maîtrise increased and the list of its members as well as its statutes were published, in an overall re-ordering of the community. Thus, in 1705, the guild was strong in numbers and well-organised when it obtained a declaration from Louis XIV allowing it to open a drawing school based on live models : the brand-new Academy of St Luke became established in the artistic landscape of the early 18th century. It purchased new premises on rue du Haut-Moulin-en-la-Cité. From there, it significantly altered its statutes, giving an important role to a body of artists who was put in charge of teaching within its school. In the years 1750 to 1775, things moved faster for the Academy of St Luke. Several well-attended exhibitions put members of the Academy of St Luke on the map and involved the small academy in mid-18th century artistic debates. The improvement in the life-drawing school in the years 1765-1775 led to an even better recognized status for artists within the community. Over more than a century, this spectacular evolution shows the remarkable adaptation of the old guild, which thus managed to integrate its academic functioning to the hierarchical organization of a professional community

Dès son apparition, la catégorie des droits voisins du droit d'auteur est hétéroclite. Elle englobe des objets disparates relégués du royaume du droit d'auteur. Si les droits voisins partagent le caractère exclusif, ils diffèrent en toute autre chose. Le droit de l'artiste-interprète est une propriété incorporelle bi-fonctionnelle grevant la forme vivante interprétative ; en revanche, les droits voisins économiques sont des monopoles légaux octroyés à certains investisseurs de la production culturelle. Toutefois, une série de confusions a causé l'affaiblissement de la propriété de l'artiste-interprète. Par ailleurs, la notion de « voisinage », qui ne décrit qu'un rapport juridique avec le droit d'auteur, n'exprime pas la nature de ces droits exclusifs. Pour cela, notre théorie de « voisinage » des droits exclusifs au sein de la propriété littéraire et artistique propose un autre paradigme respectant les principes fondamentaux séculaires de la propriété littéraire et artistique personnaliste, à savoir la distinction entre la création et le travail et entre la propriété et le monopole. Selon notre proposition, il y a une hiérarchie essentielle entre les propriétés des créateurs (auteurs et interprètes) et les monopoles des investisseurs ; en revanche, entre propriétés des créateurs, le rapport est égalitaire
From its inception, the category of neighboring rights is heterogeneous. It encompasses disparate objects relegated of the realm of copyright. If neighboring rights share the exclusive character, they differ in everything else. The right of the performer is a bifunctional intangible property (in French law) on the performance (to be understood as the creative form not as a simple work/labor); by contrast, economic neighboring rights have the nature of monopoly granted to certain investors in the field of cultural production. A series of confusions has caused the property of the performer to weaken. However, the notion of “neighboring rights”, which only describes a legal relationship with copyright, does not express the nature of these exclusive rights. Thus, our theory of the “neighborhood of exclusive rights” within literary and artistic property proposes another paradigm respecting the secular fundamental principles of personalist literary and artistic property in France, namely the distinction between creation and work and between property and monopoly. According to our proposition, there is an essential hierarchy between the properties of creators (authors and performers) and the monopolies of investors; on the other hand, between properties of creators, the relationship is egalitarian

L’analyse sociologique de la précarité oscille entre risque de désaffiliation et alternative à la norme d’emploi dominante. Pour contribuer au débat, cette thèse saisit cette ambivalence en développant une problématique originale : celle de la « soutenabilité » de l’emploi discontinu, au double-sens de ce qui est supportable et de ce qui est défendable. Les cas contrastés des saisonniers agricoles et des artistes du spectacle sont comparés au moyen d’une enquête biographique et longitudinale retraçant leurs trajectoires sociales. La première partie reconstitue l’espace des possibles structurant les trajectoires objectives des enquêtés. D’un côté, un salariat agricole flexible et relativement invisible maintient les saisonniers agricoles, majoritairement issus des classes populaires, dans une condition de précarité-pauvreté. De l’autre,les artistes, originaires principalement des classes moyennes et supérieures, se mobilisent politiquement pour la défense d’une intermittence du spectacle recouvrant un potentiel d’autonomie salariale. Ce contraste se redouble ensuite au niveau des trajectoires subjectives. La deuxième partie montre comment l’emploi agricole devient soutenable par adaptation à la nécessité. La discontinuité permet de mettre à distance le travail et de recentrer les attentes sur l’espace domestique et le territoire local. À l’inverse, l’insoutenabilité l’emporte lorsque le CDI réduit les possibilités de s’extraire d’un travail portant atteinte à la santé (insoutenabilité de condition) ou lorsque l’emploi agricole est consécutif à un déclassement (insoutenabilité de position). Enfin, la troisième partie illustre comment les artistes du spectacle se caractérisent au contraire par un refus de la finitude sociale. La vie d’artiste et d’intermittent demeure soutenable tant que la recherche d’autonomie dans un travail synonyme de singularité et de vocation n’est pas compromise par un engagement prenant le sens du surinvestissement (insoutenabilité de condition) ou par un défaut de capital spécifique(insoutenabilité de position). Les trajectoires contrastées des saisonniers agricoles et des artistes du spectacle interrogent finalement la thèse d’un « précariat » à la condition ou au projet politique communs
The sociological analysis of the precariousness fluctuates between disaffiliation risk and alternative to the dominant employment norm. In order to contribute to the debate, this thesis captures this ambivalence by developing an original issue: the “sustainability” of discontinuous employment, in both meaning of what is bearable and what is defensible. The contrasting cases of agricultural seasonal workers and performing artists are compared by means of a biographical and longitudinal survey tracking down their social trajectories. The first part rebuilds the space of possibilities structuring the objective paths of the respondents. On one side, a flexible and relatively invisible agricultural wage-earners keeps theseasonal workers, mainly from the working class, in a precariousness-poverty condition. On the other side, the artists,mainly from the middle and superior classes, politically gather for the defense of the intermittence of the performing arts, implying the possibility of autonomous wages. Then, this disparity is increased when considering the subjective paths. The second part shows how the agricultural employment becomes sustainable as adaptation to the necessity. The discontinuity allows to distance work and to refocus expectations on domestic space and local territory. Conversely, the unsustainability wins when permanent contract reduces the possibility to get away of a job jeopardizing health (condition unsustainability) or when agricultural employment is a consequence of a downgrade (position unsustainability). Finally, the third part illustrate, on the contrary, how performing artists are characterized by a rejection of the social finitude. The artist and intermittent life remains sustainable as long as the pursuit of autonomy in a job, synonym for singularity andvocation, is not jeopardized by a commitment as a surinvestment (condition unsustainability) or a default of specific capital (position unsustainability). The contrasted paths of agricultural seasonal workers and performing artists finallyquestion the thesis of a “precariat” with common conditions and political vision

La dernière décennie de carrière de la sculptrice polonaise Alina Szapocznikow (1926-1973) à Paris constitue un cas d'étude particulièrement riche pour l'histoire de l'art. De fait, si la production de l'artiste entre son installation définitive dans la capitale française en 1963 et son décès en 1973 relève bien de la sculpture, elle en conteste les moyens traditionnels. Son recours au plastique, au moulage, aux objets readymades, sa dématérialisation croissante (en lien avec l'art conceptuel), son statut utilitaire (dans le cas d'objets de design) la pousse vers ce qu'on a pu nommer le << champ élargi » de cette catégorie, de façon très singulière. La thèse vise ainsi à ouvrir l'œuvre de Szapocznikow, à l'aune d'une histoire culturelle de ce champ élargi de la sculpture, qui la situe dans une histoire des matériaux, des expositions, de la critique d'art et du marché, en la faisant dialoguer avec d'autres artistes qui lui sont contemporain es. Notre étude est construite en deux moments, qui sont deux dépliages de la production de Szapocznikow à Paris. La première partie porte sur les expérimentations de Szapocznikow, et d'autres artistes, autour de l'objet utilitaire, dans le sillage de l'exposition « Antagonismes 2 - L'Objet » organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs, qui provoque un débat essentiel à l'égard du rôle joué par les artistes dans l'invention des « formes utiles ». La seconde partie porte sur les dernières années de Szapocznikow, quand son expérience du cancer ravivant le traumatisme des camps de concentration aboutit à une mythologie individuelle qui sert une narration de soi comme corps se préparant à mourir de façon prochaine
The last decade of the Polish sculptor Alina Szapocznikow's (1926-1973) career in Paris is a particularly rich case study for art history. Indeed, while the artist's work between her establishment in the French capital in 1963 and her death in 1973 belonged to sculpture, she challenged its traditional means. Its use of plastic, moulding and readymade objects, its increasing dematerialisation (in connection with conceptual art) and its utilitarian status (in the case of design objects) pushes its towards what has been called the "expanded field" of this medium, in a very singular way. The thesis thus aims to open up Szapocznikow's work in the light of a cultural history of this expanded field of sculpture, situating it within a history of materials, exhibitions, art criticism and the market, and placing it in dialogue with other artists of its time. Our study is divided into two parts which are two unfoldings of Szapocznikow's production in Paris. The first part looks at Szapocznikow and other artists' experiments with the utilitarian object, in the wake of the 1962 exhibition "Antagonismes 2 – L'Objet" at the Musée des Arts Décoratifs, which sparked a vital debate about the role played by artists in inventing "useful forms”. The second part focuses on Szapocznikow's final years, when her experience of cancer reviving the trauma of the concentration camps results in an individual mythology that serves a narrative of the self as a body preparing for imminent death

Durant la première moitié du XVIIIe siècle, en Espagne, tout particulièrement à Madrid, principal lieu de résidence de la Cour et capitale du royaume, divers facteurs historiques, culturels et artistiques engendrèrent une évolution de la profession de comédienne vers une spécialisation lyrique.Dans chaque compagnie, le nombre de comédiennes-chanteuses augmenta régulièrement, les attributions de chacune (fonction ou emploi) se précisant peu à peu jusqu’à l’interprétation exclusive de drames en musique en espagnol. Aussi, la place principale que l’on attribua désormais aux comédiennes-chanteuses modifia-t-elle leur existence, leur formation et l’exercice de leur métier. D’autre part, la présence d’interprètes lyriques italiens à Madrid entre 1737 et 1759 réorienta l’évolution des fonctions des chanteuses espagnoles.Dans une perspective historique et sociale centrée sur la période 1700-1767, cette étude considère tout d’abord les origines et la vie privée de ces artistes dans la Villa y Corte, puis les différents aspects de leur vie professionnelle, enfin leur place dans la société madrilène et plus largement espagnole, ainsi que le regard porté sur elles par leurs contemporains
During the first half of the XVIIIth century in Spain, particularly in Madrid, principal place of residence of the Court and capital of the Kingdom, various historical, cultural and artistic factors engendered an evolution of the profession of comedienne towards a more specialized lyrical interpretation.In each company, the number of comedienne-singers regularly increased, their remit becoming little by little more defined, until they reached the exclusive stage of interpreting musical dramatizations in Spanish. Consequently, the new position attributed from then on to the comediennes-singers altered their existence, their training and the practice of their art. Moreover, the presence of Italian opera singers in Madrid between 1737 and 1759 re-oriented the evolution of the role of Spanish singers.In a historical and social perspective focused on the period 1700-1767, this study considers initially the origins and private life of these artists in the Villa y Corte, then the different aspects of their professional life and finally their position in the Madrid society and, more widely, in the Spanish society, as well as the way they were considered by their contemporaries

La présente thèse reconstitue la vie lyrique angevine, nantaise et rennaise de l'entre-deux-guerres. Nous avons étudié la politique culturelle des cités, le fonctionnement interne des institutions et les acteurs de cette vie lyrique : directeurs, chefs d'orchestre et musiciens, cantatrices et chanteurs, choristes, danseurs, figurants, techniciens. Nous avons ensuite abordé le répertoire - opéra, opéra-comique, opérette - puis la réception de ce dernier par la presse et le public. Se dresse ainsi tout un tableau de la vie lyrique angevine, nantaise et rennaise de l'entre-deux-guerres; tableau, qui au-delà de la simple restitution, pose la question du goût musical en province et de la diffusion de ce goût
The present thesis reconstitutes the lyric life in Angers, Nantes and Rennes between the wars. First we studied the cultural policy in the cities, the internal functioning of the institutions and the actors of this lyric life: directors, conductors and musicians, professional singers, chorus singers, dancers, walkers-on and technicians. Then we started on the repertoire - opera, opera comic, operetta - and on its reception by the press and the audience. Then, it is the reality of the Angers, Nantes, Rennes lyric life between the wars that can be drawn up; a reality that, more than the simple restitution tackles the problem of musical taste in the provinces as well as its diffusion

Cette thèse de doctorat se propose d’étudier les Salons sous l’ère napoléonienne, connus surtout pour le rôle important qu’ils jouèrent dans le cadre de l’instrumentalisation politique de l’art contemporain. Ainsi, après 1799, le Salon devint rapidement un important outil de la vaste politique culturelle du Consulat et de l’Empire, qui servit à représenter de manière symbolique le système politique. Face à ce changement radical du Salon et de sa politique artistique, les artistes, eux aussi, ont dû se positionner et s’adapter aux nouvelles structures politiques et administratives, tout en réagissant aux nouvelles tendances artistiques et à l’évolution du milieu artistique, afin de s’imposer au Salon. Le succès rencontré par les Salons en ces années-là ne se manifeste pas seulement par le chiffre croissant des exposants et des visiteurs : les diverses formes de la réception du Salon – journaux, brochures, récits de voyage, lettres et œuvres graphiques - témoignent également de l’écho rencontré par l’exposition, et ceci bien au-delà des frontières nationales. Jouxtant les salles du fameux Musée Napoléon qui regroupe les chefs-d’œuvre artistiques les plus importants, saisis par les armées françaises dans des collections de l’Europe, le Salon profite de la forte fréquentation du Louvre entre 1800 et 1815, de la part de visiteurs aussi bien français qu’étrangers. L’objectif de cette thèse est d’analyser l’organisation de l’exposition, le paysage des artistes exposants ainsi que l’écho rencontré par cet évènement sur la scène internationale en tenant compte de cette mutation complexe de la vie artistique parisienne au début du XIXème siècle. Dans cette perspective, le présent travail s’interroge sur les rapports entre la politique artistique, les pratiques artistiques et culturelles ainsi que leur réception
This doctoral thesis examines the Salons of living artists under the reign of Napoleon I, which are primarily known for the prominent role they played in the context of cultural politics of that time. After 1799, the Salon rapidly became an important instrument of art and cultural politics used by the ruling government to symbolically legitimise and support the political system. Given the major changes to the exhibition in these years, artists had also had to adapt to the new political and administrative structures whilst, at the same time, reacting to new artistic trends in order to stand up to the strong competition at the Salon. The exhibition's success in these years is not only reflected by the rising numbers of exhibiting artists and visitors. Also its wide-ranging coverage in the media, such as newspaper articles, letters, travelogues and graphic anthologies, is further proof of the exhibition's relevance and reach, sometimes even beyond national frontiers. Indeed, the exhibition's close locality to the famous Musée Napoléon, with its large collection of master pieces confiscated from European collections by the French armies, added further attention paid by European travellers to the Salon and the French contemporary art on display there. The aim of this doctoral thesis is to analyse the organisation of the exhibition, the range of participating artists as well as the international response it created whilst taking into consideration the complex transformation of art and the French art scene at the beginning of 19th century. By doing so, the dissertation focuses on the reciprocal relationship between art politics, artistic production and their reception

Polysémie du genre : il définit le sexe social comme les genres artistiques. Une même logique de classement hiérarchique y serait-elle à l’œuvre ? Les conditions d'exercice des femmes artistes, dont un stéréotype veut qu'elles se cantonnent aux genres dits mineurs, permettent de le penser. Corollaire de cette question logique, celle de la concomitance historique : les genres artistiques sont-ils mis en question aux mêmes moments que ce que l'historiographie féministe nomme les « trois vagues » ? Sept œuvres particulières nous aideront à penser les confrontations aux hiérarchies du genre à l'âge classique et aux moments des trois vagues féministes : Nature morte aux abricots, de Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, de Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, de Camille Claudel, 1893, Autoportrait de Claude Cahun, 1928, Tir de Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, de Gina Pane, 1973, Le Régime chromatique, de Sophie Calle, 1997. En dépit de progrès – notion qui est questionnée plutôt que considérée comme acquise – certains traits attribués aux femmes artistes perdurent. Un regard transversal voit émerger les thèmes d'une hiérarchie toujours à l’œuvre. Ils sont de l'ordre du stigmate : elles sont toujours un peu folles, cuisinières, coquettes, médiocres, sorcières, définies et gouvernées par leur sexe. Le genre, tant qu'il n'est pas interrogé en tant que tel, semble être la garantie de la permanence de ces stigmates. Resterait donc à le contourner : par les textes, le corps (corps représentés, corps des images, corps des artistes), et par le cœur même de la pratique plastique, le rapport de l'artiste à la matière : la plasticité
The French word genre has several meanings, including an artistic genre, but also gender – the social traits associated with one sex. Does it follow that the same hierarchy-based systems are at work in both fields of art genre and social gender? Anyone is allowed to conclude so, who considers the practising conditions of women artists, whom a stereotype accuses of restraining their work to so-called minor genres. As a consequence, the issue of historical simultaneity arises: were artistic genres questioned at the same periods as what feminist historiography calls “the three waves”? This thesis focuses on seven specific art pieces so as to examine how gender-related hierarchy systems were confronted in classicism and during each period concerned by the three feminist waves: Nature morte aux abricots, by Louise Moillon, 1634, Portrait d'une négresse, by Marie-Guillemine Benoist, 1800, Clotho, by Camille Claudel, 1893, Autoportrait by Claude Cahun, 1928, Tir by Niki de Saint Phalle, 1961, Azione sentimentale, by Gina Pane, 1973, and Le régime chromatique, by Sophie Calle, 1997. Despite a number of improvements – a notion which is questioned rather than acknowledged – certain features are persistently attributed to women artists. A crosswise look at their work reveals that the patterns of hierarchy are still operating. These features are a matter of stigma: woman artists are inevitably unhinged creatures, cooks, coquettes, mediocre artists or even witches, and always defined and driven by sex. Gender, as long as it isn’t questioned as such, seems to be serving as a guarantee for the permanence of those stigmas. One could try to get around the gender issue, using texts, bodies (represented bodies, bodies of images, bodies of the artists), and the very core of plastic practice, the relationship between the artist and the material: plasticity

Cette thèse contribue à l'intégration de la sémantique et de la linguistique du discours, en cherchant -sur le plan théorique et pratique- à définir une méthodologie et un cadrage épistémologique pour l'étude de la constitution du sens en discours. Notre problématique se concentre sur l'analyse de corpus discursifs, afin de repérer de manière topique (le topos est défini comme un lieu commun argumentatif) les divers degrés de stabilité et de plasticité des constructions sémantiques. Nous définissons dans cette recherche le concept d'objet discursif, analysé dans trois corpus : "Le Monde" et "Le Figaro" de mai à octobre 2003 (pour l'étude de intermittent), des discours prononcés par Chirac, Madelin, et Le Pen de 1997 à 2004 (pour l'étude de libéral(e) et libéralisme) et le corpus des oeuvres de Balzac et de Stendhal fourni par Frantext (pour l'étude de libéral). Le corpus est défini comme un ensemble de propositions énoncées, à la fois observatoire pour l'analyse des objets discursifs, et entité dynamique. Notre démarche s'inscrit dans la linguistique du sens commun (Sarfati) : l'inscription de la doxa dans la langue est postulée relativement à l'organisation d'un système du sens commun lui-même régi par un dispositif de topoï. La relation entre le système du sens commun et l'apparition de formes linguistiques (ellipses, catégories grammaticales) permet d'étayer l'hypothèse d'un dispositif antérieur à la prise de parole, caractérisable aussi par le choix opéré lors de la mise en expression au cours du processus énonciatif. Cherchant à saisir les processus sémiotiques à l'oeuvre dans l'activité langagière, la phénoménologie permet d'envisager le passage de l'analyse des énoncés à celle de l'expérience. L'invite à se doter d'un niveau de saisie proprement linguistique nous fait rejoindre la "Théorie des sémantiques (Cadiot et Visetti), dans laquelle la constitution d'une forme sémantique peut être saisie lors de phases appelées motifs, profils, et thèmes. Nous substituons le concept de topos à celui de thème : les topoï constituent l'aboutissement des dynamiques sémantiques, et sont par conséquent linguistiquement motivés, et profilés en discours. La performativité propre à une énonciation est intégrée à la dynamique elle-même, et contribue au travail argumentatif des unités : elle est décrite comme catalyseur dans la constitution d'une forme sémantique (agissant à la fois au niveau des motifs avec les dimensions institutionnelles et énonciatives, et au niveau des profils avec les formes porteuses de force illocutoire). Nous montrons que les phases de saisie du sens sont redistribuées selon la tripartition canon-vulgate-doxa : nous relevons les apports de la démarche discursive dans la constitution de formes sémantiques, grâce au phénomène d'anticipation lexicale. Les motifs constituent à la fois une zone de stabilité, mais aussi d'instabilité, à l'intérieur des Formations Discursives. Les dimensions discursives du corpus induisent une anticipation des motifs vers ce que nous appelons des motifs "insérés" : ils permettent de saisir une généricité du sens propre à un corpus donné. Ils se situent donc sur la voie des opérations de profilages, constituant une zone de stabilisation pré-syntaxique, qui contraint en particulier la mise en syntagme. Les profilages, au sein de leur dynamique de constitution en corpus, qui prend en compte les dimensions discursives, génériques et argumentatives, tendent à devenir doxiques (selon les contraintes plus ou moins prégnantes de ces dimensions), permettant ensuite la construction de topoï par thématisation
Nous définissons le concept d'objet discursif, analysé dans trois corpus (médiatique, littéraire et politique). Le corpus est défini comme un ensemble de propositions énoncées, à la fois observatoire pour l'analyse et entité dynamique. Selon la linguistique du sens commun (Sarfati), l'inscription de la doxa dans la langue est postulée relativement à l'organisation d'un système du sens commun lui-même régi par un dispositif de topoï. La relation entre le système du sens commun et l'apparition de formes linguistiques permet d'étayer l'hypothèse d'un dispositif antétieur à la prise de parole caractérisable également par le choix opéré lors de la mise en expression. La phénoménologie permet de s'intéresser aux processus de sémiotisation : au niveau linguistique, la "Théorie des sémanitques (Cadiot et Visetti), envisage la saisie d'une forme sémantique en motifs, profils, et thèmes. Nous substituons le concept de topos à celui de thème : les topoï constituent l'aboutissement des dynamiques sémantiques, et sont par conséquent linguistiquement motivés et profilés en discours. La performativité est intégrée à la dynamique (elle est décrite comme catalyseur dans la constitution d'une forme sémantique). Les phases de saisie du sens sont redistribuées selon la tripartition canon-vulgate-doxa : nous relevons les apports de la démarche discursive grâce à l'anticipation lexicale. Les motifs insérés permettent de saisir une généricité du sens propre à un corpus donné, ou à une Formation Discursive. Sur la voie des profilages, ils constituent une zone de stabilisation pré-syntaxique, qui contraint la mise en syntagme. Les profilages doxiques permettant ensuite la construction de topoï par thématisation
We define this research the concept of discursive object, analyzrd in three corpora (media, literature, and politics). Corpus is defined as a collection of "uttered propositions", considered both as an observatory for analysis, and as a dynamic entity. According to the linguistics of common sense (Sarfati), the inscription of doxa in language is postulated in connection with the organization of a system of common sense, wich is governed by a topoï-based device. The analysis of linguistic forms (ellipses, grammatical categories) makes the link between this system and the choices operated during enunciation. Phenomenology underlines the processes of semiotisation : at the linguistic level, the Theory of semantic forms (Cadiot and Visetti) studies the construction of semantic forms along three dimensions of meaning, named motives, profiles, and themes. We substitute themes for the concept of topos : topoï are linguistically motivated, and profiled in discourse. Performativity is integrated into the dynamic movement itself, and contributes to the argumentative work of the units (it is described as a catalyst in the constitution of a semantic form). We show that these phases can be evaluated according to the tripartition "canon-vulgate-doxa" : we raise the contributions of the discursive levels into the constitution of a semantic form, thanks to the phenomenon of lexical anticipation. What we call "intserted motives" reveals the genericity of specific corpora, or of Discursive Formations. In the course of "profiling", they constitute a pre-syntactic zone of stabilization. The "doxic profiles" finally permit the construction of topoï by thematisation