Letteratura scientifica selezionata sul tema "Estampe – Japon – Thèmes, motifs"

Dès le début de la période Edo, la technique de l'estampe connaît un essor formidable grâce au développement de l'industrie de l'édition. Les artistes expérimentent avec ce médium et multiplient les sujets, allant de la vie quotidienne à la littérature classique en passant par le théâtre, sujets issus de ce que la population nomme « le monde flottant », l'ukiyo. Parmi cette grande diversité de thèmes apparaît un sujet particulier, inspiré par les légendes et l'histoire du Japon : les estampes de guerriers. Et parmi toutes ces figures historiques se trouvent celles des guerrières, personnages peu étudiés et pourtant abondamment représentés.Les artistes de l'estampe font en effet la part belle aux représentations de ces femmes dont les vies mêlent véracité historique et éléments légendaires, ajoutant au vif intérêt que leur porte la population japonaise malgré leur popularité moindre face à celles des portraits de beautés et d'acteurs. C'est notamment grâce au travail des artistes que la guerrière suscite un engouement immuable lors des époques Edo et Meiji. En expérimentant l'art de la gravure sur bois, les artistes composent des scènes grandioses dans lesquelles les guerrières sont au centre de l'action. Personnages principaux d'exploits célébrés dans la tradition orale comme dans la tradition écrite, les guerrières sont représentées dans toute leur gloire dans des portraits, dans des scènes de batailles et dans des illustrations destinées aux livres.Malgré un changement politique radical et une forte modernisation, l'ère Meiji et surtout ses artistes rendent toujours hommage à ces guerrières par l'estampe malgré la forte concurrence de la lithographie et de la photographie. Mélangeant traditions japonaises et techniques occidentales, ces artistes produisent des images de guerrières inédites, à la croisée de l'héritage reçu des enseignements des écoles ukiyo-e et des modèles artistiques importés de l'étranger.La pérennité du sujet de la guerrière et de sa représentation est soutenue par un engouement constant du public et des amateurs d'estampes pour cette figure féminine aux facettes multiples. Tour à tour épouse, concubine, mère, tante, impératrice, noble ou roturière, la guerrière est avant tout une femme prenant part au combat et dont les exploits résonnent encore à notre époque. La population japonaise des époques Edo et Meiji voit en elles et leurs vies, comme dans celles des guerriers, des modèles de vertus telles que le courage, la loyauté ou encore la sagesse. Qu'importe le genre, le rang dans la société ou l'époque durant laquelle elles vécurent, les guerrières sont d'illustres figures historiques dont la représentation aux époques Edo et Meiji témoigne de leur célébrité et de l'estime que leur porte la population japonaise
From the beginning of the Edo period, the printmaking technique experienced a tremendous rise thanks to the development of the publishing industry. Artists experimented with this medium and multiplied their subjects, ranging from everyday life to classical literature and theatre, all of which came from what the population called ‘the floating world', or ukiyo. Among this great diversity of themes, one particular subject stands out, inspired by Japanese legends and history: prints of warriors. And among all these historical figures are those of women warriors, characters who are little studied yet abundantly represented.Print artists put a great deal of emphasis on depicting these women, whose lives combine historical veracity with legendary elements, adding to the keen interest shown in them by the Japanese population despite their lesser popularity compared with portraits of beauties and actors. It was thanks in no small part to the work of artists that the warrior woman aroused an immutable craze during the Edo and Meiji eras. Experimenting with the art of wood engraving, artists composed grandiose scenes in which female warriors were at the centre of the action. The main characters in exploits celebrated in both oral and written traditions, women warriors were depicted in all their glory in portraits, battle scenes and illustrations for books.Despite radical political change and extensive modernisation, the Meiji era and, above all, its artists continued to pay tribute to these warrior women through prints, despite strong competition from lithography and photography. Mixing Japanese traditions with Western techniques, these artists produced images of female warriors that were unprecedented, combining the heritage of the ukiyo-e schools with artistic models imported from abroad.The enduring nature of the subject of the female warrior and her depiction was underpinned by the constant enthusiasm of the public and print lovers for this multi-faceted female figure. Alternately wife, concubine, mother, aunt, empress, noblewoman or commoner, the female warrior is above all a woman in combat whose exploits still resonate today. The Japanese population of the Edo and Meiji eras saw them and their lives, like those of warriors, as models of virtues such as courage, loyalty and wisdom. Whatever their gender, rank in society or the era in which they lived, women warriors are illustrious historical figures whose representation in the Edo and Meiji eras testifies to their celebrity and the esteem in which they are held by the Japanese people

La présente étude a pour but d'analyser le rôle du personnage du fantôme dans la structure du récit, de chercher le lien entre la notion de fantôme et l'imagination littéraire, et enfin de discerner la source du plaisir de raconter des histoires de fantômes. Ces questions sont abordées à travers la comparaison entre les littératures d'Occident et d'Extrême -Orient, et plus particulièrement entre celles de la France et du Japon. Nous tentons de définir la modernité de l'histoire de fantômes de la fin du XVIIIè jusqu'au début du XXè siècle, qui donne naissance à ce que nous appelons la poétique du fantôme. La premier chapitre est consacré à une comparaison théorique des idées sur le fantôme par moyen de l'étude des vocabulaires concernant "le mort qui revient", des notions d'esprit et d'illusion, et de l'Espace et du Temps que l'homme attribue aux fantômes. Dans les deuxième et troisième chapitres, nous examinons quelques récits représentatifs de fantômes du point de vue thématique. Certains fantômes sont bienveillants : c'est une motivation bien "humaine" qui pousse ces morts à "revenir". Mais au fond peu de fantômes sont démunis de marques inquiétantes de l'autre monde. La plupart des motifs typiques comme l'annonce de la mort ou de la maison hantée, soulignent l'effroi de l'autre monde et la difficulté de la communication entre deux mondes. Dans le quatrième chapitre, nous relevons des récits de statues et peintures maudites, qui évoquent à la fois cet effroi et la nature du fantôme en tant qu'image. Le cinquième et dernier chapitre est consacré à la question de l'écriture des histoires de fantômes. Nous démontrons que l'autonomie artistique de l'histoire de fantômes est fondée à travers l'évolution de l'esprit scientifique, de la notion de la littérature, de l'art du spectacle et des médias
This essay aims to analyse the role of the ghosts in the structures of the stories, to explore the relationship between the notion of ghost or phantom and the literary imagination, and finally to discover the origin of the pleasure of telling ghost-stories. I will approach these questions through a comparison of occidental and oriental texts, in particular of French and Japanese writings. I will try to define what I call the "poetic of the ghost", and the modernity of the ghost story from the end of the eighteenth century to the beginning of the twentieth. In the first chapter, I compare ideas of ghosts in different cultures by means of a study of vocabularies, of notions of the spirit and of illusion, and of ideas of those realms of space and time which supposedly belong to ghosts. In the second and third chapters, some representative ghost stories are analysed from the point of view of their themes. Some ghosts are benevolent and their motivation is human, though they are hardly exempt from the sinister marks of the other world. Most typical ghost-stories, such as those which feature announcements of death or haunted houses, emphasize the frightening nature of the other world and the difficulty of communication between the two worlds. In the fourth chapter, I will examine some stories about evil statues and pictures which evoke not only the horror of ghosts but also the illusory nature of phantoms. The fifth and last chapter is about the writing of ghost-stories. I will argue how the autonomy of the ghost-story as art is provided by the evolutions of science, of the notion of literature, of performance art and of the media

Il est d'usage aujourd'hui de regrouper sous le terme d'ashide, ou << ecriture en forme de roseau >> , un certain nombre de pratiques encore mal connues dans l'art japonais ancien, pratiques a la fois calligraphiques et picturales, et qui constituent principalement a introduire dans une image des caracteres d'ecriture et d'autres indices a valeur linguistiques. On en trouve des temoignages dans un corpus heteroclite, compose de calligraphies (xie-xve s. ), de peintures (xiie-xtve s. ) et d'objets en laque (xiiie-xviiie s. ). Les caracteres d'ecriture sont le plus souvent caches dans les profondeurs de l'image au point de se derober a toute lecture. Combines aux motifs picturaux proprement dits, ils sont charges de renvoyer a un referent textuel, poeme ou stance de sutra. La peinture ou la boite constitue alors la mise en image allusive de ce referent. Cette recherche a pour but, d'une part, d'eclairer la genese du terme lui-meme, a travers l'examen du corpus constitue par ses occurrences dans les uvres litteraires (debut xe-xve s. ), et, d'autre part, d'etudier les differents types de rapports entre texte et image que propose le corpus proprement iconographique des ashide. Cette approche, de caractere semiologique, est envisagee selon deux axes principaux : l'aspect formel et l'aspect fonctionnel du phenomene.

L'imagologie est un terme socio-litteraire qui designe l'analyse du regard qu'un peuple peut avoir sur un autre. Cette these d'imagologie se definit par l'analyse de la vision du japon par les francais de 1945 a nos jours. Cette analyse doit tenir compte des differents contextes qui l'ont faconnee. Elle doit etre poussee a travers des points de vue qui, s'ils se differencient par la methode, se rejoignent pour nous permettre de cerner la question dans son ensemble. Ainsi, l'approche de sociologues permettra de mieux comprendre comment se formule une certaine vision du japon. Ensuite, l'analyse de la position des medias s'impose parce qu'ils ont la responsabilite de la transmission de points de vue et d'opinions sur ce pays. Enfin, sera du plus grand l'interet l'image que les ecrivains francais ou francophones ont contribue a creer, que ce soit dans un registre critique, admirateur ou plus objectif selon leur sensibilite. D'une facon generale, l'entreprise imagologique met en presence de "regards" fort differents, voire contradictoires. Le portrait brosse peut varier du visage le plus enjoleur a la plus noire des caricatures. La realite a tendance a etre deformee dans un sens ou dans l'autre. Quand les francais ont regarde dans "le miroir magique", selon l'expression de michel butor, qu'est le japon, l'image qui s'y est refletee, les a soit fascines soit horrifies. La question est de savoir pourquoi il a ete pratiquement impossible d'obtenir de ce pays une vision neutre et objective. L'imagologie, en etudiant la notion qu'une nation a d'une autre, va permettre a cette recherche d'approcher ce point du milieu, situe entre deux realites, a mi- chemin entre la mystification et la demystification d'une culture et de son peuple
Imagology is a socio-literary term which designs the analysis of the view that one nation may have of another. This imagology dissertation is defined by the analysis of the vision of japan by the french from 1945 to nowadays. This analysis must take into consideration different contexts which fashioned it. It must be pushed forward through opinions which, if they differ by the method, meet in order to allow us to comprehend the question in the whole. Therefore the approach of sociologists will make possible to understand how a certain view of japan is formulated. In the same line of thinking, the analysis of the position of the media is absolutely necessary : indeed the media are responsible for transmitting opinions concerning this country. Finally, of special interest is the image that writers in the french language have contributed to creating, on whatever level their sensibility has been: criticism, admiration or objectivity. Generally speaking, the imagological research, confronts us with ways of looking ("regards") very different, if not contradictory. The portrait of japan that the authors paint may vary from the most charming face to the darkest caricature. Reality tends to be deformed in one way or the other. When the french looked into the "magical mirror" which, according to michel butor, japan is, the image that was reflected, either fascinated or horrified them. The question is to decide why it has been practically impossible to obtain a neutral and objective view of this country. Imagology, in the process of studying the picture that one nation has of another, will permit for this research to approach a point, located half-may between two realities, between the mystification and the demystification of a culture and its people

Le milieu des beaux-arts institutionnalisé après la Restauration de Meiji en 1868 changea la conception de l'art dans l'Archipel. La nouvelle esthétique ainsi que la conception de l'art et de l'artiste introduites de l'Occident influencèrent plus particulièrement les hommes de lettres qui recherchaient des sujets modernes et des façons originales de décrire. Nous examinerons l'évolution de la perception de l'art ainsi que celle de l'image de l'artiste à l'époque moderne au Japon en divisant notre recherche en cinq parties dans lesquelles une dizaine d'écrivains représentatifs seront étudiés. La première partie est consacrées à la problématique du nu à l'ère Meiji: comment les critiques d'art ainsi que les hommes de lettres japonais acceptent ou refusent le nu, une valeur artistique venue de l'Occident. La seconde partie concerne les difficultés de réadaptation des peintres japonais à leur pays après qu'ils ont profondément assimilé les valeurs artistiques de l'étranger. Les lieux décrits fonctionnent comme un dispositif destiné à apaiser les angoisses des protagonistes. Dans la troisième partie, nous abordons les problèmes liés à la perception de l'art: la traduction de certaines notions d'art plastique et la mise en pratique de ces notions dans les oeuvres littéraires. Dans la quatrième partie, nous traitons de la représentation de scènes fantastiques à travers les figures de peintres. Chacun des artistes tisse un récit relatif en se référant habilement à des textes multiples, étrangers et japonais. La cinquième partie est consacrée à l'analyse de l'attitude qui consiste à dépasser l'influence de l'art occidental, à travers deux personnages qui illustrent la vie de peintres japonais en Europe au tournant des années 1930. Ainsi, ce travail touche aussi bien à l'histoire de la littérature japonaise qu'à histoire de l'art, autour de la représentation des personnages d'artistes et de la description de scènes picturales
Western art, introduced in Japan after the country opened in 1853, changed the prevailing conceptions about art in the country. New aesthetics and new visions of art and of the artist exerted a very strong influence upon literati who sought in Western art modern subjects and original ways of describing things. This study is a reappraisal of the evolutions in ways of perceiving art and in conceptions about the artist's image of the modern period of Japan. Our research is divided into five parts in which about ten representative writers are studies. The first part deals with the question of the nude in the Meiji era: the way art critics and literati accepted or rejected the nude as new art form imported from the West. The second part is about the various difficulties Japanese painters were confronted to when they had to readapt themselves to their native soil after a deep and prolonged period of assimilation of Western art. Places described in an original way acted as a device to soothe the protagonists' anguishes. In the third part, we deal with the various problems of perception engendered by Western art. Problems such as the way of translating notions and concepts inherited from the Western tradition of the plastic arts or of putting into practice such notions in literary works. In the fourth part, we focus upon new attempts among painters to create fantastic scenery. We observe the emergence of mature conceptions concerning the art and its modes of representation. This evolution towards maturity comes from images as well as from texts, both Japanese and Western. The last part is a survey of various discourses advocating a resistance to Western art in its morals and in its techniques of description. This part focuses around two Japanese writers who had an intimate knowledge of the community of Japanese painters living in Paris. This study belongs at the same time to art history (the way writers envisioned art and artists) and to studies in Japanese literature (techniques of depiction in narrative texts based on the notions inherited from the visual arts)

Cette étude de l'oeuvre de Richard Long, selon quatre directions principales, nous a permis d'approfondir les liens qu'elle entretient avec le paysage. Nous avons tout d'abord examiné l'idée de nature dans son travail, plus particulièrement à travers les photographies qui nous communiquent une grande partie de ses marches. La nature a pour Long une valeur universelle, et il s'appuis sur des représentations consensuelles de la nature sauvage pour nous communiquer son travail. Cette première voie d'analyse, menée en confrontation avec le paradigme de la nature sauvage fixé par les parc nationaux américains, avec le romantisme, avec le modèle amérindien souvent cité par Long, montre comment cette oeuvre ne traite pas de la nature mais est l'expression d'un rapport à la nature, prise tant sous son aspect environnemental que culturel. Les philosophies de l'environnement nous permettent de rendre compte de l'expression de ce rapport en poursuivant la caractérisation du travail de Long. L'oeuvre de Long est proche de l'art minimal et conceptuel, à différents points de vue : thématique, chronologique, ou par les matériaux ou les médium utilisés. La comparaison avec ces deux courants a permis de souligner la place tenue dans cette oeuvre par le paysage. Ce dernier apparaît de plus en plus nettement à prendre en compte comme une relation où le pôle culturel est aussi présent que le pôle naturel. Enfin, nous avons traité de liens entretenus par l'oeuvre de Long avec le Japon comme des convergences avec la Cérémonie du thé ou avec le haiku, approfondissant notre analyse sur la place du paysage, compris comme une relation, comme l'expression d'une médiance. Nous avons examiné la construction avec "chute du second plan" des photographies propośées par Long. Cette étude se termine sur une confrontation avec Gutai et Mono ha et plus particulièrement avec l'oeuvre de Lee Ufan, apparenté au Mono ha
This study of Richard Long's works, following four main directions has allowed us to examine their links with the landscape. We had first examined the idea of nature in Long's works, especially through his photographs, which are a distillation of Long's experience of walking. For Long, nature has a universal value and he makes uses of consensual representations of the wilderness to communicate with us. This first form of analysis, uses successively in confrontation with Verame's work, with the paradigm of wilderness fixed by the American national parks, with Romanticism, with the American Indian model often cited by Long, shows how his works do not deal with nature but express a relation to nature, in environmental and cultural terms. The philosophies of environment allow us to pursue the characterisation of Long's works. Long's works are close to minimal art and to conceptual art, from various points of view, thematic, chronological, or by the material or medium used. The comparison with these two currents has allowed us to underline the specificities of Long's works, and more particularly the role played by the landscape. Landscape is to be seen as a relation where the cultural pole is as present as the natural pole. In the last chapter, we have dealt with the links between Long's works and Japan. We examined direct links such as the use of ideograms, or the presence of the Ryôan-ji garden, but also convergences with the tea ceremony or with the haiku, deepening our analysis of the role of the landscape, understood as a relation, as the expression of a "mediance". We have underlined that the recurring formal construction of many pictures could be described using the expression "fall of the middle ground". Finally, this study on the links with Japan confronts two movements of Japanese contemporary art, Gutai and Mono ha, more precisely with Lee Ufan's works

Le but de cette thèse est de mettre en lumière la relation complexe entre le « corps » du voyageur et celui de l‟écrivain, mais aussi le « corpus » de l‟oeuvre littéraire, dans la mesure où nous avons affaire à quelques écrivains voyageurs en Extrême-Orient des XIX-XXème siècles. Il s‟agit des oeuvres de Segalen, Claudel, Loti, Michaux et David-Néel. Leur réflexion se porte à la fois sur des idéogrammes orientaux et des religions « alternatives » de l‟Extrême-Orient (Tibet, Chine et Japon), notamment le taoïsme et le bouddhisme, et parallèlement sur des confrontations de l‟altérité du « corps ».Notre problématique de l‟espace littéraire propose trois axes principaux que la thèse divise en trois parties en analysant l‟espace textuel, l‟espace « transcendant », et ensuite l‟espace « intérieur ».L’intérêt de ce travail sur le « corps » dans le regard exotique se mesure à la faveur de la notion d‟espace littéraire qui s‟évalue dans un processus particulier propre à chacun de ces auteurs
The aim of this thesis is to bring light to the complex relationship between the “body” of the traveller and that of the writer, but also the “corpus” of literary work, in so far as we deal with several travel writers in the Far East from the 19th and 20th centuries. It consists of the works of Segalen, Claudel, Loti, Michaux and David-Néel. Their reflections relate at once to oriental ideograms and the “alternative” religions of the Far East (Tibet, China, Japan), notably Taoism and Buddhism, and, in parallel, to confrontations with the otherness of the “body”.For our problematic of literary space we propose three principal axes, which divide the thesis into three parts, analysing the textual space, the “transcendent” space and then the “interior” space.The interest of this work on the “body” under the exotic gaze is measured against the notion of literary space, which is evaluated in an individual process specific to each of the authors

A partir de la mi-XVIe siècle et pendant près de cent ans, les lettres et témoignages offerts à l'attention des lecteurs européens contribuent à créer un " Japon textuel " où viennent s'entrelacer deux histoires : d'une part, celle d'un pays féodal et instable mais accueillant aux influences extérieures ; d'autre part, celle d'âpres rivalités européennes à la fois religieuses et économiques. Mais à partir de 1639, date de la fermeture du Japon aux pays occidentaux, et plus encore au XVIIIe siècle, cet entrelacs prend, par la force des choses, une autre forme, purement intertextuelle cette fois. Objet de la thèse, cette présence du Japon dans les écrits de langue française au XVIIIe siècle témoigne de l'élaboration progressive d'une topique qui tient lieu de connaissance en même temps que de support à un imaginaire " japonisant ". C'est également sur fond de cette méconnaissance que sont parfois développés les thèmes chers à la réflexion philosophique des Lumières - la tolérance, la liberté religieuse, la justice, l'obscurantisme et le despotisme -. Révélateurs du fossé sans cesse grandissant qui se creuse entre la réalité historique japonaise et la représentation qui en est faite par les lettrés français, les documents pris en considération se révèlent également riches en enseignements sur les pratiques d'écriture - et en l'occurrence de réécriture - des auteurs français, sur leur volonté de raisonner à l'échelle du monde mais aussi sur la résistance que la pensée des Lumières opposait aux autres formes de pensée.

Cette thèse prolonge les études déjà menées sur l'image du Japon en France et en Europe à partir de l'ère de Meiji (1868-1912). Elle analyse la production littéraire en France, ainsi que certains films et bandes dessinées, à compter de l'ère de Heisei (1990-2010). Elle soutient que, malgré les progrès du savoir et des mentalités, l'observateur français continue de considérer le Japon, les Japonais, les choses japonaise, d'un point de vue moins compréhensif et moins informé que critique et passablement négatif. Elle fonde son examen sur les méthodes de l'imagologie littéraire qui détermine la place, le rôle, le sens de la représentation d'un pays dans une oeuvre à partir de traits précis (nomination, distance hiérarchique, scénario, mythe personnel)
This thesis extends the existing studies on Japan's image in France and Europe from the Meiji era (1868-1912). It analyzes the literary production in France, as well as some movies and comics, as they have been developping since the Heisei era (1990 and 2010). It argues that despite the progress of knowledge and attitudes, the French observer continues to view Japan, Japanese, Japanese things, from a point of view far less comprehensive and informed than critical if not quite negative. It bases its scrutiny upon the methods of literary imagology, which determines the place, role, the meaning of the representation of a country in a given work from specific features (naming, hierarchical distance, plot, personal myth)

Personnalité artistique influente de la fin du XIXe siècle et de la première moitié du XXe siècle, Maurice Denis (1870-1943) est un artiste aux multiples talents, à la fois peintre, décorateur, théoricien mais aussi illustrateur. Très prolixe, il a laissé un nombre considérable d’œuvres, dont près de trois cents estampes de sa main auxquelles s’ajoute près d’un millier de gravures exécutées par des praticiens. Nombre d’entre elles étaient destinées à l’ornement de textes littéraires, religieux ou historiques. Ces ouvrages illustrés, qui se comptent par dizaines et ponctuent l’ensemble de sa carrière, sont représentatifs de l’évolution de sa production picturale, de ses premiers travaux symbolistes à ses ultimes réalisations religieuses. Tout en examinant les mécanismes de la création des livres illustrés, remis en contexte dans la vie et l’œuvre de l’artiste, cette thèse explore en profondeur les relations de Denis avec les éditeurs et collaborateurs ayant contribué à la construction de son statut d’illustrateur. Celui-ci résulte de rencontres décisives, avec Jacques Beltrand (1874-1977), graveur sur bois et interprète quasi exclusif de Denis, mais surtout avec Gabriel Thomas (1854-1932), bibliophile et mécène, dont l’action conjuguée permet l’élaboration de certaines de ses plus importantes éditions. Cette étude, fondée sur l’analyse de sources abondantes demeurées majoritairement en mains privées (notamment des centaines de lettres et de dessins préparatoires), propose un nouveau regard sur la pratique illustrative de Denis, considérant les conditions humaines et matérielles de la conception de ses livres
Maurice Denis (1870-1943), key artistic figure of the late 19th and first half of the 20th centuries, was a multi-talented artist who worked as a painter, decorator, theoretician and illustrator. He was very prolific and he left behind a considerable number of works, including nearly three hundred prints in his own hand, and almost a thousand engravings made by others based on his drawings. Many of these were intended to decorate literary, religious or historical texts. Dozens of illustrated books were published throughout his entire career. They are representative of the evolution of his pictorial production, from his early symbolist works to his final religious creations. As well as examining the mechanics of the illustrated book production process, set in the context of the artist's life and work, this thesis explores in depth Denis's relationships with the publishers and collaborators who helped to shape his status as an illustrator. This was the result of significant connections he made, with Jacques Beltrand (1874-1977), a wood engraver who was nearly the exclusive interpreter of Denis, but above all with Gabriel Thomas (1854-1932), a bibliophile and patron of the arts, whose combined action enabled the creation of some of his most notable editions. This study, based on a great amount of documents mostly held in private collections (including hundreds of letters and preparatory sketches), provides a new perspective on Denis's illustrative practice and examines the human and material conditions under which his books were conceived