Articoli di riviste sul tema "Diversité muséale"

Considérant la préoccupation grandissante qui existe quant au lien entre l’individu et son patrimoine immatériel en nouvelle muséologie, Ariane Blanchet-Robitaille précise la notion de mentefact et révèle comment l’intégration progressive de ce nouvel « objet muséal » au sein des collections énonce le rapport qui existe entre la mémoire et le musée. Envisageant les possibilités multiples qu’instaure cette nouvelle réalité pour le musée, dont la mise en valeur des contenus d’exposition, l’auteure souligne la nécessité pour l’institution muséale de se doter d’outils visant à faciliter l’acquisition, la documentation et la conservation des mentefacts. S’inspirant à la fois de la typologie du patrimoine immatériel élaborée par l’UNESCO et de la Grille des pratiques culturelles de Jean Du Berger qui classifie le patrimoine ethnologique, elle propose une typologie des mentefacts déclinée en cinq catégories, ainsi qu’une grille de sélection visant à encadrer leur intégration au sein des collections muséales. Son article fait également état de certaines mises en garde associées à l’intégration au musée des mentefacts, notamment en ce qui concerne le fait qu’ils doivent permettre la production d’un discours qui reflète la diversité caractéristique de notre réalité et qu’ils doivent aussi permettre de révéler le changement et le dynamisme inhérents à toute société, à travers le temps.

Cette réflexion s’appuie sur le constat d’un déplacement du centre de gravité des musées des objets de collection vers les visiteurs. Ce passage est marqué tant par l’augmentation que la diversité des formes de la participation des publics au sein de l’institution. Le concept de médiation suggère une démarche holistique qui accueille sous sa coupole une constellation de pratiques, prenant en considération toutes les fonctions muséales et toutes les dimensions – physiologiques, affectives, ludiques et cognitives – de l’expérience muséale vécue avant, pendant et après la visite dans l’espace réel ou virtuel. Toutefois, le flou définitionnel qui caractérise la médiation culturelle en milieu muséal rend difficile son opérativité pratique. Pour cette raison, elle nécessite un support théorique permettant d’encadrer davantage les stratégies d’intervention auprès des publics. D’où la question : les approches théoriques des sciences de l’éducation, notamment le constructivisme et le socioconstructivisme, facilitent-elles la normalisation des pratiques de médiation en milieu muséal sans pour autant en corrompre la nature ?

Cet article pose un regard critique sur une jeune institution muséale qui cherche encore à définir son identité, le Museum of the African Diaspora (MoAD), situé à San Francisco (É.-U.). Le MoAD se définit comme un « first voice museum » et désire rendre compte des expériences de la diaspora africaine. Or, force est de constater que la catégorisation du Musée est au coeur du conflit identitaire de l’institution. En effet, la notion de « first voice » est plutôt ambivalente, et la question de savoir quelle est cette voix première se trouve au centre du débat identitaire du MoAD. Est-ce la voix des Afro-Américains, des communautés diasporiques noires, ou de tout un chacun ? Est-elle plurielle ? Les réponses à ces questions ne font pas l’unanimité au MoAD. La présente étude cherche à savoir comment l’identité ethnoculturelle des peuples de la diaspora africaine est dépeinte dans un tel contexte.

Pour faire écho à la nouvelle image de la Grande-Bretagne, multiculturaliste, plurielle et inclusive, le gouvernement de Tony Blair met en place, de 1997 à 2010, une politique de « diversité culturelle ». L’omniprésence de celle-ci dans les débats nationaux va désormais lier définitivement les politiques culturelles du gouvernement à celle des musées nationaux britanniques. Dans cet article, Sophie Orlando prend comme cas d’étude les politiques curatoriales et éducatives du Tate Britain, et plus particulièrement le programme de recherche « Tate Encounters », qui tente de relire les politiques de diversité culturelle et d’intégration sociale, les différentes conceptions de la diaspora et de l’identité nationale, tout en interrogeant le rôle de l’institution muséale dans ces débats. L’auteure analyse ainsi les conditions d’émergence du projet et observe sa progression théorique, abordant les enjeux du programme de recherche et les problématiques qui ont jalonné l’expérience, de 2006 à 2011. Sophie Orlando commente finalement certains des résultats obtenus, notamment méthodologiques, et se questionne sur l’analyse du programme quant aux relations entre politique et culture qui entrent en jeu dans la promotion de la diversité culturelle du Tate Britain.

Dans le cadre de l’exposition internationale et itinérante Prison, co-produite par le Musée International de la Croix-Rouge et du Croissant- Rouge de Genève, le musée des Confluences de Lyon et le Deutsches Hygiene-Museum de Dresde, des institutions muséales élaborent un discours sur les pratiques carcérales dans l’espace occidental contemporain, à l’attention d’un large public. Pour ces institutions, il s’agit de gérer les connaissances et les sensibilités des publics auxquels elles s’adressent, à travers la constitution d’un parcours d’exposition selon une trame narrative tissée par une diversité de médiations et de textes. En nous situant dans le premier axe du congrès, nous articulons une perspective sémiotique aux perspectives de l’analyse des interactions et de l’analyse du discours pour étudier les enjeux socio-pragmatiques de ce discours en espace muséal. Nous nous focalisons sur l’interprétation d’une phrase qui tient presque le rôle de fronton dans cette exposition Prison : « C’est nous qui punissons. ». Nous nous attardons de manière privilégiée sur les formes d’engagement instaurées à travers cet énoncé, aussi bien pour les institutions que pour les publics.

L’ouverture du Muséum central des arts de la République (Louvre) au grand public parisien, en 1793, symbolise la volonté que le musée devienne un lieu voué à l’éducation. Dans la première moitié du 19e siècle, au Québec, on retrouve trois catégories de musée : ceux dits de divertissement; ceux dits savants, fondés par des sociétés scientifiques, artistiques ou historiques dont la plupart organisent des activités éducatives réservées à leurs membres; les musées dits didactiques, situés surtout dans des établissements scolaires. Ces derniers musées connaissent au 19e siècle une période d’expansion, suivie cent ans plus tard d’un déclin. À l’inverse, les musées savants organisent de plus en plus d’activités éducatives à l’intention d’un public de plus en plus diversifié. Le Musée des beaux-arts qui, en 1961, est devenu le premier musée savant québécois à mettre en place un service éducatif apparaît comme un pionnier. C’est dans ce contexte que seront mises sur pied dans les universités montréalaises des équipes de recherches axées sur le développement d’une pédagogie propre au musée ou sur le comportement des visiteurs. Ces groupes de recherche fonderont dans le cadre des sociétés savantes un groupe d’intérêt sur l’éducation muséale où les chercheurs mettent en commun le fruit de leurs travaux.

Cet article montre comment les objets exposés dans les musées nationaux d’Afrique fonctionnent comme des supports de discours identitaires ou comme des moyens de reconnaissance et de revendications politiques. Le paradigme ethnique hérité de la période coloniale donne lieu à des aménagements et à des actualisations, qui visent à rendre compte à la fois de la diversité culturelle et de l’unité nationale des différents pays concernés. Les relations des visiteurs aux collections muséales sont parfois l’occasion de processus de subjectivation et d’appropriation, dont l’observation permet de décentrer les débats sur les publics des institutions patrimoniales. Sur la base d’exemples concernant les musées nationaux du Mali, du Niger, du Burkina Faso et du Sénégal, il s’agit ainsi de mieux comprendre pourquoi les usages politiques des objets de musée posent non seulement des problèmes muséographiques, mais aussi des questions plus importantes au sujet de la fabrique des communautés en Afrique de l’Ouest.

Les musées constituent le lieu de pratiques et l’objet d’études d’une diversité de disciplines en sciences sociales. De manière privilégiée, les recherches menées en muséographie portent sur la confrontation entre les dispositifs scénographiques et l’expérience des visiteurs, entre les médiations qui tendent à garantir la prise sur l’exposition et les actions des visiteurs par lesquelles s’ajustent des savoirs et des sensibilités. À partir d’une perspective en sciences du langage, on problématise la constitution de données audiovisuelles de visites guidées pour l’étude des représentations des prisons en contexte muséal, dans le cadre d’un projet en partenariat avec le MICR (Genève), le Musée des Confluences (Lyon) et le Mémorial national de la prison Montluc (Lyon). Après avoir présenté les questions qui se sont imposées dans la prise en compte des spécificités de ces trois sites, on argumente la pertinence d’une méthode transversale à la sémiotique des pratiques et à l’analyse des interactions pour le recours aux vidéos dans un matériau d’enquête plus vaste.

Em 2022 o Musée du Luxembourg em Paris exibiu Pionnières: Artistes dans le Paris des années folles. Ao reunir na exposição artistas mulheres que atuaram na Paris dos anos de 1920, a mostra se vê diante de uma demanda: integrar artistas do sul global, dentre elas Tarsila do Amaral, que compartilharam a experiência de produzir na capital francesa no pós-guerra. A solução encontrada foi colocá-las na última sala, denominada Pionnières de la diversité, com paredes pintadas de verde-floresta, junto a artistas europeias. Este trabalho trata desta sala, e investiga como ela dialoga com o discurso curatorial de Pionnières.

Il s'agit évaluer l'importance des travaux américanistes et celle des chercheurs français dans la constitution d'un réseau international de recherche au début du XXème.s. Nous essaierons de comprendre comment se forme ce champ disciplinaire spécialisé, centré sur les populations indigènes dans leurs singularités culturelles et sociales. L'évaluation des fondements méthodologiques à l'origine des collections muséales peut être réalisée à la lumière des conditions dans lesquelles émergent les recherches empiriques: la collecte et l'étude de la culture matérielle ont été priorisées pour être les témoins de la diversité des sociétés humaines. Pour cela, de jeunes collaborateurs chargés de collecter des objets pour le Musée de l'Homme ont été engagés; ils devaient aussi compenser l'absence de connaissances sur les « cultures indigènes de l'Amérique ». Les deux missions Lévi-Strauss (1935 et 1938) intègrent ce projet d'inventaire de la culture matérielle et marquent le début d'une nouvelle phase de l'Américanisme intéressé par l´étude des structures sociales. Nous irons mesurer l'importance de ce changement de direction pour les recherches américanistes en Amazonie et pour la consolidation d'un réseau international de recherche qui se constitue avant la Deuxième guerre mondiale. Une telle étude documentaire qui questionne l'objet ethnographique 'muséologisé' s'avère importante car elle permet de relire l'histoire de la discipline, vu l'importance du contexte historique, des enjeux politiques, de la place des travaux américanistes au Brésil et en France. Il est encore possible de définir les limites d'une anthropologie qui s'autonomise, se repense et prend position face aux états coloniaux et aux services de protection aux indiens.

Résumé Pendant que la majorité des musées ethnologiques occidentaux cherchent de nouvelles approches au traitement de la diversité culturelle, et ceci non seulement dans les Amériques issues en grande partie de l’immigration en provenant d’une variété de cultures, mais aussi dans les État-nations européens, les musées dans les pays postcommunistes se concentrent sur les études d’une culture nationale. Cependant, il faudrait apporter des nuances à cette dichotomie réductrice qui s’impose au premier regard. En fait, c’est le piège dans lequel tombent le plus souvent les auteurs qui traitent des pays postcommunistes, car ils conservent cette attitude issue de la guerre froide de les observer en bloc et en opposition. En effet, la situation est plus complexe car on y trouve des pratiques et des approches diverses à la fois entre les pays et entre les institutions muséales d’un même pays. Nous aborderons cette problématique en utilisant les exemples des musées ethnographique de Croatie.

Abstract: Depuis les années 1960, les études muséales et commémoratives ont délaissé les récits axés uniquement sur la colonisation pour favoriser l’inclusion des points de vue des Autochtones et des Noirs. Bien que certains critiques aient condamné l’utilisation abusive que des institutions font de la décolonisation et de la diversité comme des mots à la mode au lieu d’entretenir un dialogue avec les créateurs et leurs communautés, on a observé en Nouvelle-Écosse des progrès considérables au sein des institutions et dans les espaces publics de la province, comme en font foi l’embauche de spécialistes de la commémoration issus des communautés noires et autochtones, la création d’expositions et de musées ou de centres axés sur les perspectives de celles-ci, et la réappropriation d’espaces publics tels que des parcs, des rues et des édifices. Abstract: Since the 1960s, there has been a shift in commemoration and museum studies away from settler-only narratives and towards institutional inclusion of Indigenous and Black perspectives. While some critics have condemned institutional misuse of decolonization and diversity, in Nova Scotia there has been meaningful engagement with Black and Indigenous creators and their communities in the province’s institutions and public spaces. This is evidenced by the hiring of Indigenous and Black commemoration professionals, the creation of exhibits and museums/centres that focus on these perspectives, and the ongoing reclamation of public spaces such as parks, streets, and buildings.

Résumé Les contours du musée d’ethnographie se dessinent au XIXe siècle, sous l’influence des voyages d’exploration et du mouvement de naturalisation qui caractérisent ce siècle. Commence alors le règne de l’anthropologie physique qui organise le musée d’ethnologie comme une galerie des trophées d’un colonialisme triomphant, parallèlement à la conception évolutionniste de laquelle découle la science raciste qu’est l’anthropométrie. Au début du XXe siècle, la technique du diorama sous-tend un nouveau paradigme ethnographique, qui tire en partie sa légitimité de la pratique du terrain de longue durée instiguée par Malinowski ; prétendant à une scientificité supérieure, elle traduit aussi un net progrès moral. Cependant, cette présentation erronée ne rend pas compte des grandes transformations que connaissent ces civilisations au contact de la modernité et conforte le visiteur dans une vision évolutionniste ; la succession des vitrines présente ces populations comme vivant dans un monde séparé. Le nouveau musée qui se construit aujourd’hui entend rompre définitivement avec une présentation évolutionniste devenue immorale et en éradiquer la fiction, en mettant l’accent davantage sur la diversité des cultures et la dimension artistique héritée d’un siècle d’art moderne.

During the whole 19th century, 4500 pieces were collected from all over the world by the Sèvres Museum of Ceramics. They were sent by travellers who had been given precise instructions thus constituting an exceptional corpus, unique in the world for having been gathered so early in the century. The diversity of the travellers, their different techniques and the variety of the objects they brought back were researched in partnership with le laboratoire d’excellence « Création, art et patrimoine » (Labex CAP) between 2012 and 2020 and related here.

Staying Power est un projet mené conjointement par le centre Black Cultural Archives et le musée Victoria and Albert de Londres entre 2008 et 2015 afin d’acquérir, pour la collection de photographies du musée et grâce à une subvention du Heritage Lottery Fund, des images représentatives de l’expérience des Britanniques noirs, produites entre 1950 et 1990. Cet article montre d’abord comment les deux institutions ont été amenées à collaborer, incitées par les politiques publiques visant à améliorer la représentation de la diversité ethnique et culturelle au Royaume-Uni. L’analyse est ensuite centrée sur les résultats de cette collaboration, à savoir les acquisitions réalisées par le musée, davantage que sur le processus de collaboration en lui-même. Nous montrons que l’ensemble des 118 images acquises constituent un espace dialogique où sont objectivées les questions de violences symboliques et d’identités en Grande-Bretagne. Nous examinons ce programme d’acquisitions sous l’angle de la reconciliation, afin de mener une analyse critique des choix et et des stratégies des conservateurs dans le domaine très sensible de la culture visuelle et la mémoire collective : nous étudions notamment comment les images retenues documentent la violence raciste physique, pointent la violence symbolique, y remédient par une reconnaissance et une visibilité accrue des Britanniques noirs, et peuvent, pour certaines, contribuer à restaurer les liens.

Pendant cinq décennies Claudie Marcel-Dubois et Maguy Andral, figures incontournables de l’ethnomusicologie au Musée des Arts et Traditions populaires, collectent un matériel d’étude d’une grande richesse et d’une grande diversité, abordant les pratiques musicales, la facture et l’organologie sur la presque totalité du territoire métropolitain français et dans certaines terres d’outre-mer. À la veille de redéployer ses collections à Marseille, le Musée des Arts et Traditions populaires (devenu MuCEM en 2005) lance une vaste opération de sauvegarde des archives. L’article apporte un éclairage particulier sur les archives ethnomusicologiques qui tiennent, dans cet ensemble, une place éminente. Dans le cadre d’un partenariat entre les Archives nationales, une équipe du IIAC (laboratoire d’anthropologie CNRS-EHESS) et MuCEM, la numérisation des archives écrites, des photographies et des enregistrements sonores, est en voie d’achèvement, prochainement accessibles sur Internet. L’éventail des possibilités d’interrogation et d’exploitation qu’ouvrira la dématérialisation d’un fonds sans équivalent pour l’ethnomusicologie en France est très vaste.

RésuméLa place accordée à l’image par les anthropologues soviétiques durant les années 1920-1930 éclaire la vigueur et la diversité des projets de légitimation en concurrence. Sur fond de « marxisation », l’aura de la mécanisation du regard, reflet du fantasme scientiste auquel est soumis la construction de la société soviétique, n’allait pas mettre pour autant un terme à la coexistence entre dessin et photographie. Le musée ethnographique, lieu central de la professionnalisation, a par ailleurs grandement contribué à imposer, outre certaines contraintes à l’instrumentalisation de l’image, les conditions de la continuité de l’esthétisation du regard sur l’autre. Par l’attribution d’une place respective et hiérarchisée, assurant une logique parfois contradictoire, à cette coexistence, les anthropologues soviétiques se sont efforcés de constituer le préalable à la promotion d’une « science ethnographique ».

On the 50th anniversary of the Treaty of Rome, the non-profit organisation Musée de l’Europe staged the exhibition It’s our history!. The subject of It’s our history! was the history of European integration from 1945 to today. The exhibition was intended to make European citizens aware that – as the exhibition’s manifesto stated: ’The History, with a capital H, of European construction is inextricable from our own personal history, that of each European citizen. It is not the reserve of those that govern us. We all shape it, as it shapes us, sometimes unbeknown to us. It’s our history!’ One of the means that the Musée de l’Europe chose as an illustration of this supposed interrelation of History and history are video testimonies in which 27 European citizens (one from each European member state) tell their own life stories. The present article explores this use of autobiographical accounts as didactic means in It’s our history!. The article argues that through the 27 Europeans, an image of European woman/man and European integration is advanced that glosses over internal conflicts in Europe’s recent history, leads to the construction of a model European citizen and serves as a symbol for the slogan ’unity in diversity’ in which Europe appears as more united than diverse.

In all the complexity of the museum study, there is a slight border that deserves all the attention of the researchers: the one of the niche museums. This work starts from the idea according to which the museum becomes a symbol of cultural practice in the contemporary era. In addition to the successful museums that are being built and built in the city, there is a new tendency to transform some spaces into small museums. These, in full process of heritage building, can highlight a series of features and characteristics of a society. The research of the niche museum starts from Ulf Hannerz, who says in his study that anthropology must renew its limits, it must take into account urban life. Researchers should not focus only on rural areas, in small, homogeneous communities, especially as they are outside Western societies Urban anthropology must be based on a range of social and cultural phenomena that will rarely be found in rural areas and which must be analyzed in the light of the diversity of human societies in general, says Ulf Hannerz, like the diversity of museums. From the chocolate museum, the lace museum, the cake museum, the cheese museum or the flower museum, all these culturally-rendered spaces are meant to anonymously remove some objects or crafts that are characteristic of a particular group and which subsequently become part of the immaterial cultural heritage. The Dictionary of Ethnology and Anthropology defines the study of anthropology regarding museography as a necessity inherent in the advancement of ethnography. Researchers such as Robert Park, Ulf Hannerz, Clifford Geertz, André Malraux or Chiara Bortolotto have studied the relationship of the museum with the city, thus implicitly with society. The conclusions they draw have the following aspect in common: the museum has the intrinsic ability to model and structure the immediate society.

“Un musée est une institution permanente, à but non lucratif et au service de la société, qui se consacre à la recherche, la collecte, la conservation, l’interprétation et l’exposition du patrimoine matériel et immatériel. Ouvert au public, accessible et inclusif, il encourage la diversité et la durabilité. Les musées opèrent et communiquent de manière éthique et professionnelle, avec la participation de diverses communautés. Ils offrent à leurs publics des expériences variées d’éducation, de divertissement, de réflexion et de partage de connaissances.” ICOM (Conseil International de Musées), 24 août 2022) Im August 2022 verabschiedete der ICOM eine neue Definition von Museen, die wir oben wiedergeben. Fast zur gleichen Zeit starteten Ökoaktivisten eine Reihe von Aktionen in verschiedenen europäischen Museen (etwa 20 zum Zeitpunkt der Veröffentlichung dieses Artikels) mit dem erklärten Ziel, die Aufmerksamkeit der Medien, der Öffentlichkeit und der Regierungen auf das Thema Klimawandel zu lenken. Einige Monate zuvor machte das Musée d'Ethnographie de Genève (MEG) Schlagzeilen mit einer Namensänderungskam- pagne, die Teil seines Prozesses zur Dekolonialisierung war und für die es über 1500 Vorschläge erhielt. Was haben diese drei Anekdoten gemeinsam? Die Tatsache, dass alles im Museum Kommunikation ist: Während die ausgestellten Werke und Artefakte, die Formulierung von Legenden oder der Inhalt von Audioguides häufig noch immer eine bestimmte Weltanschauung reproduzieren, zeigt die Selbstaneignung des Raumes durch die Besucher*innen - ob willkommen wie im Fall des MEG oder erzwungen wie im Fall des Klimaaktivismus - die Bedeutung von Museen als Akteure des sozialen Wandels und als Plattform für die Verbreitung gesellschaftlicher Forderungen. Und natürlich stehen im Zentrum dieser Prozesse die Sprache(n) als Träger und, wie wir in dieser Ausgabe diskutieren, als Gegenstand des Lernens. Wir wünschen Ihnen viel Spass beim Lesen!

As part of the international and traveling exhibition Prison, coproduced by the International Red Cross Museum (Geneva, Switzerland), the Musée des Confluences (Lyon, France), and the Deutsches Hygiene-Museum (Dresden, Germany), a discourse on prison environment in Western societies questions public opinion about an existential space that is mostly discussed in fictional form. With a view both to inform and affect the audience, a narrative framework is woven by a diversity of mediations that nonetheless tries to escape the double reductionist fate to which prison space is subjected: ‘spectral’ trivialization (tacit invisibility) or spectacular mythification (smug ostentation). This paper deals with the (un)shareable dimension of the prison experience. One key question addressed is how to build, preserve, or restore the bridges between prisons’ inner life and the external social environment surrounding them. Adopting a pragmatic perspective, we will examine how this exhibition achieves, semiotically, releasing prisons, and prisoners from their incarceration and their mediatic banishment. Video recordings of interactions during guided tours allow us to examine how the experiences of prison life are transposed into exhibitions, the exhibitions into the guides’ discourses, the institutional discourses into public enjoyment, public enjoyment into scientific appropriation.

Depuis quelques années, des populations de diverses régions du Ceará ont initié des processus mettant en œuvre des pratiques muséales qui, bien qu’issues de contextes politiques et de groupes sociaux et ethniques différents, présentent des similitudes en termes de participation et d’appropriation communautaire du patrimoine et de la mémoire locale, en tant qu’outils d’affirmation, de préservation et de défense des territoires, des écosystèmes et des références culturelles. À travers ces processus se dessine une diversité culturelle, sociale et muséale : celle des musées indigènes, des écomusées et des musées communautaires, parmi d’autres initiatives conduites à partir des contextes locaux. Le présent article cherche à éclairer les modalités de la création du Réseau des musées communautaires du Ceará en 2011, en présentant des réflexions sur les actions, les motivations et les défis qui ont stimulé la coordination de ces différentes populations expérimentant, sur leurs territoires respectifs, des processus muséologiques autogérés.

La famille Bertrand représente l’archétype d’une élite régionale canadienne-française intermédiaire vivant en milieu rural au xixe siècle. La maison qu’elle a occupée durant quatre générations contient près de 2000 volumes accumulés sur une durée de 150 ans. Cet article porte sur un échantillon de livres qui ont une valeur symbolique dans l’ensemble patrimonial que constitue la maison Louis-Bertrand et dans la construction de l’autoreprésentation de la famille. D’une part, les plus anciennes publications de la collection sont conservées dans la même pièce de la maison. D’autre part, cette pièce occupe une place de choix dans la construction muséale du lieu, en offrant un ensemble de livres expressément sélectionnés pour leur mise en exposition. La bibliothèque est ici présentée suivant trois perspectives : l’association de la famille Bertrand à l’Institut littéraire de L’Isle-Verte, le corpus dédié à la jeunesse et à l’éducation et le rôle des liens familiaux dans la diversité de la collection.

L’analyse croisée de cinq études qualitatives d’usages de médiations numériques dans l’enceinte de trois musées permet d’identifier la diversité des plaisirs dans le cadre de l’ambivalence des usages interactifs. Ainsi, sont explorés les sociabilités, les critiques, le dépassement des difficultés et limites d’usages, les repères et le non-usage éclairant le rôle du plaisir par absence. L’analyse ouvre sur les enjeux esthétiques de l’expérience interactive, qui témoigne de la disposition aux innovations techniques et culturelles des publics de musées.

This article investigates the prosthesis of identity through the process of branding. It examines cross-cultural manifestations of this phenomena from sixth millennium BCE Syria to twelfth century Japan and Britain. From the Neolithic Era, humanity has sort to extend their identities using pictorial signs that were characteristically simple. Designed to be distinctive and instantly recognisable, the totemic symbols served to signal the origin of the bearer. Subsequently, the development of branding coincided with periods of increased in mobility both in respect to geography and social strata. This includes fifth millennium Mesopotamia, nineteenth century Britain, and America during the 1920s.There are fewer articles of greater influence on contemporary culture than A Theory of Human Motivation written by Abraham Maslow in 1943. Nearly seventy-five years later, his theories about the societal need for “belongingness” and “esteem” remain a mainstay of advertising campaigns (Maslow). Although the principles are used to sell a broad range of products from shampoo to breakfast cereal they are epitomised by apparel. This is with refence to garments and accessories bearing corporation logos. Whereas other purchased items, imbued with abstract products, are intended for personal consumption the public display of these symbols may be interpreted as a form of signalling. The intention of the wearers is to literally seek the fulfilment of the aforementioned social needs. This article investigates the use of brands as prosthesis.Coats and Crests: Identity Garnered on Garments in the Middle Ages and the Muromachi PeriodA logo, at its most basic, is a pictorial sign. In his essay, The Visual Language, Ernest Gombrich described the principle as reducing images to “distinctive features” (Gombrich 46). They represent a “simplification of code,” the meaning of which we are conditioned to recognise (Gombrich 46). Logos may also be interpreted as a manifestation of totemism. According to anthropologist Claude Levi-Strauss, the principle exists in all civilisations and reflects an effort to evoke the power of nature (71-127). Totemism is also a method of population distribution (Levi-Strauss 166).This principle, in a form garnered on garments, is manifested in Mon Kiri. The practice of cutting out family crests evolved into a form of corporate branding in Japan during the Meiji Period (1868-1912) (Christensen 14). During the Muromachi period (1336-1573) the crests provided an integral means of identification on the battlefield (Christensen 13). The adorning of crests on armour was also exercised in Europe during the twelfth century, when the faces of knights were similarly obscured by helmets (Family Crests of Japan 8). Both Mon Kiri and “Coat[s] of Arms” utilised totemic symbols (Family Crests of Japan 8; Elven 14; Christensen 13). The mon for the imperial family (figs. 1 & 2) during the Muromachi Period featured chrysanthemum and paulownia flowers (Goin’ Japaneque). “Coat[s] of Arms” in Britain featured a menagerie of animals including lions (fig. 3), horses and eagles (Elven).The prothesis of identity through garnering symbols on the battlefield provided “safety” through demonstrating “belongingness”. This constituted a conflation of two separate “needs” in the “hierarchy of prepotency” propositioned by Maslow. Fig. 1. The mon symbolising the Imperial Family during the Muromachi Period featured chrysanthemum and paulownia. "Kamon (Japanese Family Crests): Ancient Key to Samurai Culture." Goin' Japaneque! 15 Nov. 2015. 27 July 2019 <http://goinjapanesque.com/05983/>.Fig. 2. An example of the crest being utilised on a garment can be found in this portrait of samurai Oda Nobunaga. "Japan's 12 Most Famous Samurai." All About Japan. 27 Aug. 2018. 27 July 2019 <https://allabout-japan.com/en/article/5818/>.Fig. 3. A detail from the “Index of Subjects of Crests.” Elven, John Peter. The Book of Family Crests: Comprising Nearly Every Family Bearing, Properly Blazoned and Explained, Accompanied by Upwards of Four Thousand Engravings. Henry Washbourne, 1847.The Pursuit of Prestige: Prosthetic Pedigree from the Late Georgian to the Victorian Eras In 1817, the seal engraver to Prince Regent, Alexander Deuchar, described the function of family crests in British Crests: Containing The Crest and Mottos of The Families of Great Britain and Ireland; Together with Those of The Principal Cities and Heraldic Terms as follows: The first approach to civilization is the distinction of ranks. So necessary is this to the welfare and existence of society, that, without it, anarchy and confusion must prevail… In an early stage, heraldic emblems were characteristic of the bearer… Certain ordinances were made, regulating the mode of bearing arms, and who were entitled to bear them. (i-v)The partitioning of social classes in Britain had deteriorated by the time this compendium was published, with displays of “conspicuous consumption” displacing “heraldic emblems” as a primary method of status signalling (Deuchar 2; Han et al. 18). A consumerism born of newfound affluence, and the desire to signify this wealth through luxury goods, was as integral to the Industrial Revolution as technological development. In Rebels against the Future, published in 1996, Kirkpatrick Sale described the phenomenon:A substantial part of the new population, though still a distinct minority, was made modestly affluent, in some places quite wealthy, by privatization of of the countryside and the industrialization of the cities, and by the sorts of commercial and other services that this called forth. The new money stimulated the consumer demand… that allowed a market economy of a scope not known before. (40)This also reflected improvements in the provision of “health, food [and] education” (Maslow; Snow 25-28). With their “physiological needs” accommodated, this ”substantial part” of the population were able to prioritised their “esteem needs” including the pursuit for prestige (Sale 40; Maslow).In Britain during the Middle Ages laws “specified in minute detail” what each class was permitted to wear (Han et al. 15). A groom, for example, was not able to wear clothing that exceeded two marks in value (Han et al. 15). In a distinct departure during the Industrial Era, it was common for the “middling and lower classes” to “ape” the “fashionable vices of their superiors” (Sale 41). Although mon-like labels that were “simplified so as to be conspicuous and instantly recognisable” emerged in Europe during the nineteenth century their application on garments remained discrete up until the early twentieth century (Christensen 13-14; Moore and Reid 24). During the 1920s, the French companies Hermes and Coco Chanel were amongst the clothing manufacturers to pioneer this principle (Chaney; Icon).During the 1860s, Lincolnshire-born Charles Frederick Worth affixed gold stamped labels to the insides of his garments (Polan et al. 9; Press). Operating from Paris, the innovation was consistent with the introduction of trademark laws in France in 1857 (Lopes et al.). He would become known as the “Father of Haute Couture”, creating dresses for royalty and celebrities including Empress Eugene from Constantinople, French actress Sarah Bernhardt and Australian Opera Singer Nellie Melba (Lopes et al.; Krick). The clothing labels proved and ineffective deterrent to counterfeit, and by the 1890s the House of Worth implemented other measures to authenticate their products (Press). The legitimisation of the origin of a product is, arguably, the primary function of branding. This principle is also applicable to subjects. The prothesis of brands, as totemic symbols, assisted consumers to relocate themselves within a new system of population distribution (Levi-Strauss 166). It was one born of commerce as opposed to heraldry.Selling of Self: Conferring Identity from the Neolithic to Modern ErasIn his 1817 compendium on family crests, Deuchar elaborated on heraldry by writing:Ignoble birth was considered as a stain almost indelible… Illustrious parentage, on the other hand, constituted the very basis of honour: it communicated peculiar rights and privileges, to which the meaner born man might not aspire. (v-vi)The Twinings Logo (fig. 4) has remained unchanged since the design was commissioned by the grandson of the company founder Richard Twining in 1787 (Twining). In addition to reflecting the heritage of the family-owned company, the brand indicated the origin of the tea. This became pertinent during the nineteenth century. Plantations began to operate from Assam to Ceylon (Jones 267-269). Amidst the rampant diversification of tea sources in the Victorian era, concerns about the “unhygienic practices” of Chinese producers were proliferated (Wengrow 11). Subsequently, the brand also offered consumers assurance in quality. Fig. 4. The Twinings Logo reproduced from "History of Twinings." Twinings. 24 July 2019 <https://www.twinings.co.uk/about-twinings/history-of-twinings>.The term ‘brand’, adapted from the Norse “brandr”, was introduced into the English language during the sixteenth century (Starcevic 179). At its most literal, it translates as to “burn down” (Starcevic 179). Using hot elements to singe markings onto animals been recorded as early as 2700 BCE in Egypt (Starcevic 182). However, archaeologists concur that the modern principle of branding predates this practice. The implementation of carved seals or stamps to make indelible impressions of handcrafted objects dates back to Prehistoric Mesopotamia (Starcevic 183; Wengrow 13). Similar traditions developed during the Bronze Age in both China and the Indus Valley (Starcevic 185). In all three civilisations branding facilitated both commerce and aspects of Totemism. In the sixth millennium BCE in “Prehistoric” Mesopotamia, referred to as the Halaf period, stone seals were carved to emulate organic form such as animal teeth (Wengrow 13-14). They were used to safeguard objects by “confer[ring] part of the bearer’s personality” (Wengrow 14). They were concurrently applied to secure the contents of vessels containing “exotic goods” used in transactions (Wengrow 15). Worn as amulets (figs. 5 & 6) the seals, and the symbols they produced, were a physical extension of their owners (Wengrow 14).Fig. 5. Recreation of stamp seal amulets from Neolithic Mesopotamia during the sixth millennium BCE. Wengrow, David. "Prehistories of Commodity Branding." Current Anthropology 49.1 (2008): 14.Fig. 6. “Lot 25Y: Rare Syrian Steatite Amulet – Fertility God 5000 BCE.” The Salesroom. 27 July 2019 <https://www.the-saleroom.com/en-gb/auction-catalogues/artemis-gallery-ancient-art/catalogue-id-srartem10006/lot-a850d229-a303-4bae-b68c-a6130005c48a>. Fig. 7. Recreation of stamp seal designs from Mesopotamia from the late fifth to fourth millennium BCE. Wengrow, David. "Prehistories of Commodity Branding." Current Anthropology 49. 1 (2008): 16.In the following millennia, the seals would increase exponentially in application and aesthetic complexity (fig. 7) to support the development of household cum cottage industries (Wengrow 15). In addition to handcrafts, sealed vessels would transport consumables such as wine, aromatic oils and animal fats (Wengrow 18). The illustrations on the seals included depictions of rituals undertaken by human figures and/or allegories using animals. It can be ascertained that the transition in the Victorian Era from heraldry to commerce, from family to corporation, had precedence. By extension, consumers were able to participate in this process of value attribution using brands as signifiers. The principle remained prevalent during the modern and post-modern eras and can be respectively interpreted using structuralist and post-structuralist theory.Totemism to Simulacrum: The Evolution of Advertising from the Modern to Post-Modern Eras In 2011, Lisa Chaney wrote of the inception of the Coco Chanel logo (fig. 8) in her biography Chanel: An Intimate Life: A crucial element in the signature design of the Chanel No.5 bottle is the small black ‘C’ within a black circle set as the seal at the neck. On the top of the lid are two more ‘C’s, intertwined back to back… from at least 1924, the No5 bottles sported the unmistakable logo… these two ‘C’s referred to Gabrielle, – in other words Coco Chanel herself, and would become the logo for the House of Chanel. Chaney continued by describing Chanel’s fascination of totemic symbols as expressed through her use of tarot cards. She also “surrounded herself with objects ripe with meaning” such as representations of wheat and lions in reference prosperity and to her zodiac symbol ‘Leo’ respectively. Fig. 8. No5 Chanel Perfume, released in 1924, featured a seal-like logo attached to the bottle neck. “No5.” Chanel. 25 July 2019 <https://www.chanel.com/us/fragrance/p/120450/n5-parfum-grand-extrait/>.Fig. 9. This illustration of the bottle by Georges Goursat was published in a women’s magazine circa 1920s. “1921 Chanel No5.” Inside Chanel. 26 July 2019 <http://inside.chanel.com/en/timeline/1921_no5>; “La 4éme Fête de l’Histoire Samedi 16 et dimache 17 juin.” Ville de Perigueux. Musée d’art et d’archéologie du Périgord. 28 Mar. 2018. 26 July 2019 <https://www.perigueux-maap.fr/category/archives/page/5/>. This product was considered the “financial basis” of the Chanel “empire” which emerged during the second and third decades of the twentieth century (Tikkanen). Chanel is credited for revolutionising Haute Couture by introducing chic modern designs that emphasised “simplicity and comfort.” This was as opposed to the corseted highly embellished fashion that characterised the Victorian Era (Tikkanen). The lavish designs released by the House of Worth were, in and of themselves, “conspicuous” displays of “consumption” (Veblen 17). In contrast, the prestige and status associated with the “poor girl” look introduced by Chanel was invested in the story of the designer (Tikkanen). A primary example is her marinière or sailor’s blouse with a Breton stripe that epitomised her ascension from café singer to couturier (Tikkanen; Burstein 8). This signifier might have gone unobserved by less discerning consumers of fashion if it were not for branding. Not unlike the Prehistoric Mesopotamians, this iteration of branding is a process which “confer[s]” the “personality” of the designer into the garment (Wengrow 13 -14). The wearer of the garment is, in turn, is imbued by extension. Advertisers in the post-structuralist era embraced Levi-Strauss’s structuralist anthropological theories (Williamson 50). This is with particular reference to “bricolage” or the “preconditioning” of totemic symbols (Williamson 173; Pool 50). Subsequently, advertising creatives cum “bricoleur” employed his principles to imbue the brands with symbolic power. This symbolic capital was, arguably, transferable to the product and, ultimately, to its consumer (Williamson 173).Post-structuralist and semiotician Jean Baudrillard “exhaustively” critiqued brands and the advertising, or simulacrum, that embellished them between the late 1960s and early 1980s (Wengrow 10-11). In Simulacra and Simulation he wrote,it is the reflection of a profound reality; it masks and denatures a profound reality; it masks the absence of a profound reality; it has no relation to any reality whatsoever: it is its own pure simulacrum. (6)The symbolic power of the Chanel brand resonates in the ‘profound reality’ of her story. It is efficiently ‘denatured’ through becoming simplified, conspicuous and instantly recognisable. It is, as a logo, physically juxtaposed as simulacra onto apparel. This simulacrum, in turn, effects the ‘profound reality’ of the consumer. In 1899, economist Thorstein Veblen wrote in The Theory of the Leisure Class:Conspicuous consumption of valuable goods it the means of reputability to the gentleman of leisure… costly entertainments, such as potlatch or the ball, are peculiarly adapted to serve this end… he consumes vicariously for his host at the same time that he is witness to the consumption… he is also made to witness his host’s facility in etiquette. (47)Therefore, according to Veblen, it was the witnessing of “wasteful” consumption that “confers status” as opposed the primary conspicuous act (Han et al. 18). Despite television being in its experimental infancy advertising was at “the height of its powers” during the 1920s (Clark et al. 18; Hill 30). Post-World War I consumers, in America, experienced an unaccustomed level of prosperity and were unsuspecting of the motives of the newly formed advertising agencies (Clark et al. 18). Subsequently, the ‘witnessing’ of consumption could be constructed across a plethora of media from the newly emerged commercial radio to billboards (Hill viii–25). The resulting ‘status’ was ‘conferred’ onto brand logos. Women’s magazines, with a legacy dating back to 1828, were a primary locus (Hill 10).Belonging in a Post-Structuralist WorldIt is significant to note that, in a post-structuralist world, consumers do not exclusively seek upward mobility in their selection of brands. The establishment of counter-culture icon Levi-Strauss and Co. was concurrent to the emergence of both The House of Worth and Coco Chanel. The Bavarian-born Levi Strauss commenced selling apparel in San Francisco in 1853 (Levi’s). Two decades later, in partnership with Nevada born tailor Jacob Davis, he patented the “riveted-for-strength” workwear using blue denim (Levi’s). Although the ontology of ‘jeans’ is contested, references to “Jene Fustyan” date back the sixteenth century (Snyder 139). It involved the combining cotton, wool and linen to create “vestments” for Geonese sailors (Snyder 138). The Two Horse Logo (fig. 10), depicting them unable to pull apart a pair of jeans to symbolise strength, has been in continuous use by Levi Strauss & Co. company since its design in 1886 (Levi’s). Fig. 10. The Two Horse Logo by Levi Strauss & Co. has been in continuous use since 1886. Staff Unzipped. "Two Horses. One Message." Heritage. Levi Strauss & Co. 1 July 2011. 25 July 2019 <https://www.levistrauss.com/2011/07/01/two-horses-many-versions-one-message/>.The “rugged wear” would become the favoured apparel amongst miners at American Gold Rush (Muthu 6). Subsequently, between the 1930s – 1960s Hollywood films cultivated jeans as a symbol of “defiance” from Stage Coach staring John Wayne in 1939 to Rebel without A Cause staring James Dean in 1955 (Muthu 6; Edgar). Consequently, during the 1960s college students protesting in America (fig. 11) against the draft chose the attire to symbolise their solidarity with the working class (Hedarty). Notwithstanding a 1990s fashion revision of denim into a diversity of garments ranging from jackets to skirts, jeans have remained a wardrobe mainstay for the past half century (Hedarty; Muthu 10). Fig. 11. Although the brand label is not visible, jeans as initially introduced to the American Goldfields in the nineteenth century by Levi Strauss & Co. were cultivated as a symbol of defiance from the 1930s – 1960s. It documents an anti-war protest that occurred at the Pentagon in 1967. Cox, Savannah. "The Anti-Vietnam War Movement." ATI. 14 Dec. 2016. 16 July 2019 <https://allthatsinteresting.com/vietnam-war-protests#7>.In 2003, the journal Science published an article “Does Rejection Hurt? An Fmri Study of Social Exclusion” (Eisenberger et al.). The cross-institutional study demonstrated that the neurological reaction to rejection is indistinguishable to physical pain. Whereas during the 1940s Maslow classified the desire for “belonging” as secondary to “physiological needs,” early twenty-first century psychologists would suggest “[social] acceptance is a mechanism for survival” (Weir 50). In Simulacra and Simulation, Jean Baudrillard wrote: Today abstraction is no longer that of the map, the double, the mirror or the concept. Simulation is no longer that of a territory, a referential being or a substance. It is the generation by models of a real without origin or reality: a hyperreal… (1)In the intervening thirty-eight years since this document was published the artifice of our interactions has increased exponentially. In order to locate ‘belongness’ in this hyperreality, the identities of the seekers require a level of encoding. Brands, as signifiers, provide a vehicle.Whereas in Prehistoric Mesopotamia carved seals, worn as amulets, were used to extend the identity of a person, in post-digital China WeChat QR codes (fig. 12), stored in mobile phones, are used to facilitate transactions from exchanging contact details to commerce. Like other totems, they provide access to information such as locations, preferences, beliefs, marital status and financial circumstances. These individualised brands are the most recent incarnation of a technology that has developed over the past eight thousand years. The intermediary iteration, emblems affixed to garments, has remained prevalent since the twelfth century. Their continued salience is due to their visibility and, subsequent, accessibility as signifiers. Fig. 12. It may be posited that Wechat QR codes are a form individualised branding. Like other totems, they store information pertaining to the owner’s location, beliefs, preferences, marital status and financial circumstances. “Join Wechat groups using QR code on 2019.” Techwebsites. 26 July 2019 <https://techwebsites.net/join-wechat-group-qr-code/>.Fig. 13. Brands function effectively as signifiers is due to the international distribution of multinational corporations. This is the shopfront of Chanel in Dubai, which offers customers apparel bearing consistent insignia as the Parisian outlet at on Rue Cambon. Customers of Chanel can signify to each other with the confidence that their products will be recognised. “Chanel.” The Dubai Mall. 26 July 2019 <https://thedubaimall.com/en/shop/chanel>.Navigating a post-structuralist world of increasing mobility necessitates a rudimental understanding of these symbols. Whereas in the nineteenth century status was conveyed through consumption and witnessing consumption, from the twentieth century onwards the garnering of brands made this transaction immediate (Veblen 47; Han et al. 18). The bricolage of the brands is constructed by bricoleurs working in any number of contemporary creative fields such as advertising, filmmaking or song writing. They provide a system by which individuals can convey and recognise identities at prima facie. They enable the prosthesis of identity.ReferencesBaudrillard, Jean. Simulacra and Simulation. Trans. Sheila Faria Glaser. United States: University of Michigan Press, 1994.Burstein, Jessica. Cold Modernism: Literature, Fashion, Art. United States: Pennsylvania State University Press, 2012.Chaney, Lisa. Chanel: An Intimate Life. United Kingdom: Penguin Books Limited, 2011.Christensen, J.A. Cut-Art: An Introduction to Chung-Hua and Kiri-E. New York: Watson-Guptill Publications, 1989. Clark, Eddie M., Timothy C. 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