Letteratura scientifica selezionata sul tema "Dirección General de Bellas Artes"

<p class="ecxmsonormal">A través de este estudio pretendemos analizar las numerosas intervenciones de gran calado llevadas a cabo en Úbeda (Jaén) entre las décadas de los años 50 y 60 por parte de la Dirección General de Arquitectura, actividad que se vería complementada posteriormente por la Dirección General de Bellas Artes.</p>Estas actuaciones fueron el resultado del binomio patrimonio-turismo, que vino a recuperar el centro histórico de la ciudad jiennense como símbolo y ejemplo del Renacimiento español, buscando así desarrollar su potencial turístico como pieza clave para mejorar la economía nacional y ofrecer una imagen de modernidad de nuestro país en el extranjero.

Este trabajo pretende mostrar las gestiones realizadas por Florentino Pérez-Embid desde la dirección general de Bellas Artes para traer el Guernica de Picasso a España. En primer lugar se estudian los trámites gubernamentales para el traslado de la obra de Nueva York a Madrid. Ante la negativa de Picasso se intentaron otras vías no oficiales, que tampoco dieron resultado. Un último recurso acabó en un otro fracaso. La principal aportación del artículo procede de la consulta de documentos inéditos del protagonista conservado en el Archivo General de la Universidad de Navarra

En la presente entrevista Federico Ruvituso reflexiona sobre su experiencia en la dirección del Museo Provincial de Bellas Artes “Emilio Pettoruti”, cargo que asumió en los inicios de 2020 bajo los avatares de una insospechada pandemia. Da cuenta especialmente de los modos de pensar la gestión e investigación del patrimonio artístico de la provincia de Buenos Aires y las actividades que permiten mantenerlo vivo y en vínculo con diferentes públicos.

A la luz de documentos inéditos, el artículo examina la muestra conmemorativa de la obra de Alonso Berruguete que organizó la Dirección General de Bellas Artes en 1961 en el Casón del Buen Retiro de Madrid. Desde esta perspectiva se analiza la relevancia política que el gobierno franquista atribuyó a la programación cultural de ese espacio recientemente restaurado, y los esfuerzos diplomáticos realizados para dar a conocer el evento en Europa y en América Latina, ofreciendo una visión ideológica del arte del escultor castellano, útil para la propaganda cultural del régimen.

<p> <span lang="ES-TRAD">Al incremento notable del número de declaraciones de conjuntos históricos que se produjo en la década de los sesenta sucedió una importante labor de restauración monumental durante ese decenio y el siguiente, y fruto de ello fue la transformación de numerosas poblaciones españolas reconocidas como Conjuntos Histórico Artísticos. Una actividad restauradora de la que se encargaron la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Educación Nacional y también la Dirección General de Arquitectura del Ministerio de Vivienda, desarrollando esta última una importante labor de recuperación arquitectónica desde su sección de Ordenación de Ciudades Históricas. Ambos organismos fueron los responsables del establecimiento de la imagen actual de buena parte de los conjuntos histórico artísticos españoles, valiéndose para ello de criterios muy similares heredados del período anterior. </span></p>

USINA BBA es una propuesta enmarcada en nuevos procesos educativos, impulsada desde la Dirección del Bachillerato de Bellas Artes, conformada por docentes (profesores/as y preceptores/as) de la institución con diversas miradas institucionales enfocadas desde distintas áreas de conocimiento. Emerge así un espacio de trabajo colaborativo que tiene como objetivos principales construir y fortalecer vínculos, gestar encuentros para la construcción compartida y lograr verdaderas situaciones de presencia a partir de producciones con sentido, como alternativa a los formatos académicos tradicionales. Las actividades propuestas son de carácter transversal y se desarrollan en forma autogestiva, coordinadas y acompañadas.

Fueron más de cuarenta invitados e invitadas de ocho países los que trabajaron en seis is- las del Archipiélago de Quinchao en Chiloé durante el V Congreso Internacional Arte, Ilus- tración y Cultura Visual en Educación: “Pensar lo Invisible” el que fue organizado por la Sub- dirección de Arte, Cultura y Patrimonio de la Universidad de Los Lagos (Chile) y la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Granada. La sede Chiloé de ULagos acogió diálogos, talleres y una clase magistral, mientras que autoridades y docentes de los departamentos de Humanidades y Artes, Educación y Arqui- tectura de ULagos participaron de mesas de trabajo, impartieron talleres en escuelas rura- les y llevaron a cabo lanchamientos de libros a bordo de la Bibliolancha de Chiloé, entre otras actividades con motivo del encuentro.

En los años treinta del siglo XX se dieron dos condiciones que dinamizaron el campo artístico de la provincia de Buenos Aires. Por un lado, comenzaron a aparecer los primeros museos y salones de arte oficiales en ciudades bonaerenses. Por el otro, la Dirección Nacional de Bellas Artes y el Museo Nacional de Bellas Artes pusieron en marcha programas de difusión artística que llegaron a estas y otras localidades. Sin embargo, tanto el desarrollo artístico de las ciudades, como el apoyo de los organismos nacionales no hicieron más que exponer las valoraciones que existían hacia los incipientes campos artísticos bonaerenses. Algunos artistas y agentes capitalinos, en lugar de tener en cuenta su novel formación y las limitaciones de los organismos municipales, resaltaron las cualidades negativas propias de este proceso. En este artículo me propongo, en primer lugar exponer los programas impulsados desde los organismos nacionales y analizar las discusiones que se desataron en torno a ellos. En segundo lugar, presento algunas de las limitaciones que encontraron los artistas provinciales para insertarse en los círculos de legitimación artísticas y en sus propias ciudades para complejizar el lugar que ocuparon los artistas bonaerenses en el contexto de formación de las instituciones locales.

Antes de referirnos al contenido del libro, conviene mencionar que la autora obtuvo el doctorado en filosofía por la Universidad Nacional Autónoma de México y labora como docente en el Colegio de Letras Clásicas, de la Facultad de Filosofía y Letras. Se ha especializado en estética y teoría del arte, es egresada de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda (Instituto Nacional de Bellas Artes). La sólida formación de Alicia Montemayor la motivó a realizar una tesis doctoral de gran complejidad, tras pulir algunas partes, la ofrece en formato de libro.

Son numerosas y diversas las iniciativas artísticas que abordan aspectos relativos a la ecología. En esta tesis proponemos una definición de arte ecológico y describimos sus propiedades principales. Dada la gran diversidad de trabajos, establecemos un criterio de selección que nos permite delimitar el área de estudio. De esta manera, la presente investigación se centra en proyectos de arte ecológico que se realizan en ecosistemas acuáticos, que conciben la ecología como el conjunto de relaciones complejas entre los seres vivos y de éstos con su entorno, y que tienen como aspiración la mejora del estado ecológico del ecosistema en el que se trabaja. Por otra parte, dado que el Cambio Climático está alterando las relaciones ecológicas a nivel global, analizamos aquellos proyectos que asumen este fenómeno. La pregunta de investigación principal es: ¿Cómo pueden las prácticas artísticas ecológicas contribuir a mejorar la situación ecológica? La metodología utilizada para contestar esta pregunta queda configurada por tres elementos principales. En primer lugar, la revisión bibliográfica tanto de publicaciones relativas a un arte preocupado por el entorno como por otras de diferentes disciplinas como la Ecología o la Hidrología. En segundo lugar, hemos tenido la oportunidad de entrevistar a la mayoría de artistas que analizamos, así como a personas de otras disciplinas con las que han colaborado. Por otra parte, a la vez que realizábamos este estudio, estábamos desarrollando un proyecto artístico relativo a la memoria ecológica de la pedanía murciana de Rincón de Beniscornia. Los tres casos de estudio seleccionados son el colectivo artístico formado por Helen Mayer y Newton Harrison, el artista David Haley y la artista Aviva Rahmani. Sus planteamientos se basan en el conocimiento de los procesos ecológicos y de los efectos del Cambio Climático sobre los mismos. Además, en estos trabajos suelen participar expertos de disciplinas científicas. Helen Mayer y Newton Harrison buscan cómo poder adaptarse al nuevo contexto que el Cambio Climático está provocando con fenómenos como la subida de los niveles del mar o el aumento de las temperaturas. David Haley también defiende la necesidad de aprender de lo que está sucediendo y de imaginar distintos futuros de adaptación. Finalmente, Aviva Rahmani propone actuar en lugares clave que pueden desencadenar la mejora ecológica de áreas mucho mayores. También presentamos otras prácticas artísticas en ecosistemas acuáticos que no se centran directamente en el Cambio Climático pero que sí consideramos que pueden ser muy útiles para la mitigación de sus consecuencias. Organizamos estos trabajos en cinco grupos en función de sus características más destacables, tales como el carácter activista o la capacidad de promover la colaboración comunitaria, o de crear sistemas de depuración de agua. Observamos que los artistas desarrollan procesos de aprendizaje para conocer mejor las situaciones a las que se enfrentan. Se valen de las siguientes herramientas: de la colaboración con la comunidad que habita un lugar, del diálogo con otras disciplinas, de la recuperación de la memoria ecológica del ecosistema en el que se quiere intervenir y de la propia práctica artística que les proporciona un punto de vista distinto. También proponemos la posibilidad de aprender de las propiedades del agua y de cómo se relaciona con el entorno. Por último, esta tesis recoge una descripción de la parte práctica de la investigación, el Proyecto Iskurna, el cual nos permite explorar las diferentes estrategias de aprendizaje en un entorno real. En definitiva, esta tesis tiene como objetivo presentar una serie de prácticas artísticas que abordan el Cambio Climático y se preguntan cómo pueden contribuir a la mejora de la situación ecológica. Esta investigación muestra cómo lo hacen y cómo el arte aprende de la ecología.
This thesis proposes a specific definition of ecological art and describes the main properties of this genre. Considering the diversity of such artworks, a selection of criteria was established to delimit the field of study. Therefore, the research focused on ecological art projects that address aquatic ecosystems. These projects conceptualize ecology as a set of complex relationships between living beings and their environment and aspire to improve the ecological status in which they work. They consider Climate Change to be an ecologically modifying phenomenon at the global level. The main research question is: how can ecological art practices contribute to improving the ecological situation? The methodology used to answer this question includes three elements. Firstly, a review of publications regarding environmental art as well as other publications from different disciplines like Ecology and Hydrology. Secondly, interviews were conducted with most of the featured artists, as well as people from other disciplines with whom they worked. And finally, the author of this research includes the development of his own artistic project related to the ecological memory of Rincón de Beniscornia, a borough of Murcia. This thesis analyses different projects by the artists Helen Mayer Harrison and Newton Harrison, David Haley, and Aviva Rahmani. This research presents the artists’ different approaches to ecological processes and their ways of learning. The Harrisons’ projects focus on adaptation to Climate Change and the phenomena it provokes, like ocean level rise and temperature increase. David Haley also promotes the need to learn from Global Warming, and imagines diverse practical adaptations for various potential future scenarios. Finally, Aviva Rahmani proposes acting in key places that can trigger the ecological improvement of large areas. Other art practices are also presented, including those that address aquatic ecosystems. They are not focused on Climate Change directly but they can be very useful to mitigate its consequences. These initiatives have been organised into five groups, depending on their most prominent characteristics, such as the level of activism, or the capacity to promote community collaboration, or the ability to create water treatment systems. This research has shown that most ecological artists develop learning processes to better understand the situation that they face. They often deploy the following strategies: collaboration with the local community, dialogue with other disciplines, recovery of ecological memory of the ecosystem where they want to intervene, and an art practice that allows them a different point of view. Given the properties of water and how water is related to the environment, another kind of learning is proposed. Finally, this thesis includes a description of the practical part of the research, the Iskurna Project, which allows us to explore the different learning strategies in a real-world environment. This thesis critically analyses a series of art projects that address Climate Change and contribute to the improvement of the related ecological situation. It questions how they do this and how art learns from ecology.

1. OBJETIVOS 2. Indicar la caracterización de los arteterapeutas. 3. Estudiar qué medios artísticos, húmedos, secos, escultóricos, mixtos y tecnológicos aplican los arteterapeutas y con qué frecuencia. 4. Establecer qué herramientas y soportes ofrecen los arteterapeutas en sus programas y con qué frecuencia. 5. Conocer la forma de proceder en arteterapia con respecto a los materiales para el uso óptimo de una aplicación arteterapéutica en su práctica profesional. 6. Estudiar la influencia de los factores demográficos sobre la forma de proceder en arteterapia. 7. Determinar qué funciones otorga el arteterapeuta a la conservación de las obras realizadas en las sesiones. 2. ENFOQUE METODOLÓGICO En ausencia de una descripción clara, a la hora de proceder en el trabajo de los arteterapeutas para saber qué materiales utilizan y cómo los utilizan, se planteó desarrollar un estudio empírico, basado en una metodología cuantitativa descriptiva, de un diseño observacional transversal. En concreto, un diseño de encuesta por muestreo, en base a un cuestionario estructurado y con alto grado de dirección. Por ello es un cuestionario descriptivo-comparativo con una finalidad determinada. La investigación que se presenta es un estudio observacional transversal y se ha centrado en lo que ha pasado diferencialmente a grupos de sujetos comparables (McMillan y Schumacher, 2005, p.43). De ahí, que no se aprecien cambios sustanciales en los sujetos, sino que estos sean analizados en su ambiente natural y por tanto en su realidad cotidiana. La aplicación de este cuestionario va a facilitar la opinión y puntos de vista que, en base a las preguntas planteadas por el investigador, el grupo poblacional va a responder. La información cuantitativa extraída de los participantes va a permitir establecer una serie de aclaraciones en lo que respecta a la investigación. (Gómez Benito, 1990). El condicionante del modelo elegido para llevar a cabo este proceso de investigación ha partido de la necesidad de saber y conocer los materiales y actuaciones que están utilizando y desarrollando los arteterapeutas. El hecho de que la encuesta haya sido de tipo transversal o transaccional permite recabar la información durante un periodo de tiempo concreto, lo que hace que se tome una muestra en un determinado tiempo y de una población específica y concreta. (Cohen y Manion, 1990). A su vez, también se ha querido introducir, como apoyo a la investigación cuantitativa, la investigación evaluativa “un tipo de investigación centrada en la práctica, que se identifica como un proceso sistemático y selectivo de recogida de información sobre un determinado problema social, educativo o de salud, con la intención de mejorar la situación y resolver los problemas” (Ramos, 2011, p. 411). Es por ello que “la diversidad metodológica posibilita el estudio de la realidad social desde diversas ópticas, ya que ninguna perspectiva metodológica por si sola responde totalmente a las preguntas que pueden formularse en el contexto social" (Del Rincón, Arnal, Latorre y Sans, 1995, p. 26). 3. CONCLUSIONES 1. El 75% de la población de arteterapeutas suelen ser mujeres con una p<0.05 y su edad está comprendida entre los 39 y los 43 años. Aproximadamente el 48% de los mismos poseen una formación de Bellas Artes y un 21% de Psicología. Los años de experiencia de estos profesionales suele estar comprendida entre los 4 y los 6 años con un intervalo de confianza al 95%. 2. Los resultados de la investigación ponen de manifiesto que el material pictórico húmedo más utilizado es la témpera con una p<0.05. Los arteterapeutas suelen utilizar las ceras blandas como material artístico seco con una, por encima del resto de materiales gráfico plásticos. El material escultórico más frecuentemente utilizado son los de desecho con una p<0.05. como material extra pictórico, el más frecuentemente utilizado son los textiles con una p<0.05. En lo que respecta a los medios tecnológicos, la cámara fotográfica, con una p<0.05, es la más empleada. 3. Los pinceles y las brochas son las herramientas más frecuentemente utilizadas con una p<0.05. En lo que se refiere a la frecuencia y uso de los soportes, se apunta que los más demandados son las cartulinas, los cartones y periódicos así como los distintos tipos de papeles, tanto reciclados como de colores. 4. Más del 65% de los arteterapeutas otorgan mucha importancia al espacio donde trabaja. Pero sólo un 15% admite trabajar en unas condiciones óptimas aunque más del 75% lo hace en condiciones aceptables. Es cierto que más del 85% de la población da bastante o mucha importancia al tiempo con relación a los materiales y el trabajo. Más del 80% consideran positivo el ofrecer una variedad de materiales para el desarrollo del trabajo. 5. Los hombres otorgan una mayor valoración al tiempo de la sesión con una p<0.0001. Igualmente, el hombre suele ser quien ofrece más materiales para el desarrollo de la sesión con una p<0.002. 6. Más del 80% de la población de arteterapeutas consideran bastante o muy importante el conservar los trabajos de las sesiones arteterapéuticas.
1. OBJECTIVES 1. Indicate the characterization of art therapists. 2. To explore art, wet, dry, sculpture, mixed media and technology art therapists apply and how often. 3. Establish what tools and supports offered by art therapists in their programs and how often. 4. Know how to proceed in art therapy with respect to materials for use optimal application of art therapy in their practice. 5. To study the influence of demographic factors on how to proceed art therapy. 6. Determine which features art therapist gives the conservation of Works made in the hearing. 2. METHODOLOGICAL APPROACH In the absence of a clear description, when proceeding in the work of the art therapists know what materials to use and how to use them, arose to develop a empirical study, based on a descriptive quantitative methodology, a design cross-sectional. Specifically, a sample survey design, based on a structured questionnaire with a high degree of direction. It is therefore a descriptive-survey comparison with a specific purpose. The research presented is a cross-sectional study and has focused on what has been differentially comparable groups of subjects (McMillan and Schumacher, 2005, p.43). Hence, substantial changes are not apparent on the subject, but these are analyzed in their natural environment and therefore in their daily life. The application of this questionnaire is to provide opinions and viewpoints, based questions raised by the investigator, the population group will respond. The quantitative information from participants will allow a set of clarification as regards research. (Benito Gomez, 1990). The constraint on the model chosen to carry out this research process has party of the need to know and understand the materials and activities that are using and developing art therapists. The fact that the survey has been cross-sectional or transactional allows collecting information for a specific period of time, which makes a sample is taken at a particular time and in a specific and particular population. (Cohen and Manion, 1990). In turn, they also wanted to introduce, in support of quantitative research, evaluative research "a type of research focused on the practice, which is identified as a systematic and selective process of gathering information on a given problema social, educational or health, with the intention to improve the situation and solve problems " (Ramos, 2011, p. 411). That is why "methodological diversity enables the study of social reality from various perspectives, since no methodological perspective alone fully responds to questions that may be asked in the social context "(Del Rincon, Arnal, Latorre and Sans, 1995, p. 26). 3. CONCLUSIONS 1. 75% of the population of art therapists often women with p <0.05 and age it is between 39 and 43 years old. Approximately 48% of them they possess an array of Fine Arts and 21% of Psychology. Years of experience of these professionals is usually between 4 and 6 years with an interval 95% confidence. 2. The results of the investigation show that the pictorial material wet it is most widely used tempera p <0.05. Art therapists often use waxes soft as artistic material with a dry, above the rest of graphic materials plastics. The sculptural material most commonly used are the waste with p <0.05. as an extra pictorial material, the most frequently used are the textiles with a p <0.05. With regard to the technological means, the camera photographic, p <0.05, is the most used. 3. The brushes and brushes are the tools most commonly used with a p <0.05. As it relates to the frequency and using media, it is noted that the defendants are cardboards, cartons and newspapers as well as the different types of roles, both recycled and colors. 4. Over 65% of the art therapists give much importance to the space where he works. But only 15% supported work in optimum conditions although more than 75% ago in fair condition. It is true that over 85% of the population gives enough or great importance to time with regard to materials and labor. Over 80% considered positive to offer a variety of materials for the development work. 5. Men give a higher valuation at the time of the session with a p <0.0001. Similarly, the man who usually provides more material for the development of the session with a p <0.002. 6. More than 80% of the population of art therapists feel quite or very important preserve the work of art therapy sessions

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O estudo se deterá na compreensão da narrativa de História do Brasil produzida por Antônio Firmino Monteiro. Pintor do século XIX que se destacou, sobretudo, nas Exposições Gerais de Bellas Artes de 1879 e 1884. Recortaremos três telas, “Um episódio da Retirada da Laguna”, “O Vidigal” e “Capitão João Homem”, a fim de visualizarmos aspectos de contexto histórico e trajetória que formularam sua concepção crítica sobre a História do Brasil.
The study purpose is to provide an understanding of Brazil history writing as produced by Antônio Firmino Monteiro. Monteiro was a 19th century painter that stood out, above all, in the 1879 and 1884 General Exhibition of Fine Arts (Exposições Gerais de Bellas Artes). Three paintings are highlighted in order to expose aspects of historical context, as well the path that formulated his critical review about the history of Brazil.

Seven Last Words from the Cross, considerada ampliamente como uno de los mejores logros de James MacMillan (n. 1959), promete brindar una experiencia fascinante y movilizadora en concierto, tanto para los intérpretes como para la audiencia. Esta cantata sigue las últimas palabras de Cristo en la Crucifixión, reflexiona en cada una para formar una secuencia dramática y emocional. Las partes vocales e instrumentales recurren a modelos característicos: técnicas barrocas luteranas para el coro y tradiciones de composición sofisticadas del siglo XX británico y polaco para la orquesta de cuerdas. Seven Last Words from the Cross (1993) - Primera audición argentina Cantata sacra para solistas, coro y orquesta de cuerdas I. Father, forgive them, for they know not what they do II. Woman, behold thy Son! ... Behold, thy Mother! III. Verily, I say unto thee, today thou shalt be with me in Paradise IV. Eli, Eli, lama sabachthani? V. I thirst VI. It is finished VII. Father, into Thy hands I commend my Spirit Dirección musical: Manuel Alejandro Ordás
El video completo del concierto puede accederse desde aquí.

Este libro se gestó a la sombra de un gran interrogante que atraviesa nuestro trabajo en el aula, puntualmente ¿cómo proporcionar a los/as estudiantes textos que sin dejar de ser rigurosos y académicos faciliten la comprensión de la Historia, Historia del Arte y Geografía? Fue en esa dirección que asumimos este desafío, ahora plasmado en su escritura, con el objetivo de generar una producción académica, pero mediada, para optimizar el acceso y la lectura de los/as estudiantes en la dinámica del proceso de enseñanza y aprendizaje. Los trabajos que integran esta producción se inscriben en una línea que persigue aunar criterios metodológicos y didácticos, propugnando el fortalecimiento de los equipos docentes en función de la enseñanza de las Ciencias Sociales en el ámbito del Bachillerato de Bellas Artes. La escritura de los capítulos adhiere a una perspectiva de abordaje del pasado descentrada de los lineamientos de la “historia única”, narrativa en torno a la cual se han solidificado determinadas memorias silenciándose otras, alternativas o discrepantes. La novelista nigeriana Chimamanda Ngozi Adichie, en su brillante conferencia titulada The dangers of a single story (2010) pone la mirada en el poder y en el rol que este ha desempeñado en la elaboración de las versiones sobre el pasado. En suma, del poder depende quiénes son los que cuentan, cómo se cuenta, cuánto se cuenta, “es la habilidad no sólo de contar la historia del otro, sino de hacer que esa sea la historia definitiva”. Por lo general, se trata de “una historia lineal y estatista, que nos impide ver que en cada momento del pasado ha existido una diversidad de futuros posibles” (Fontana, 2003, 17), que fueron proyectos alternativos que no lograron sus fines y quedaron subsumidos bajo la versión que finalmente se impuso. En esa trama, los sujetos sociales en los que se pone el foco de atención son siempre las personas “relevantes” que pertenecen a los grupos dominantes, por lo tanto, el relato histórico toma distancia de los hombres y mujeres comunes, personas de carne y hueso que también contribuyen a moldear el microcosmos del cual formaron parte.

El presente catálogo y los ensayos críticos que lo acompañan son resultado del trabajo de investigación de un grupo de docentes y estudiantes avanzados, integrantes del Instituto del Historia de Arte Argentino y Americano (IHAAA), de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata. La investigación básica que da cuerpo a los textos y fichas de artistas presentados se enmarcó en dos proyectos de investigación del Programa de Incentivos a docentes investigadores de las Universidades Nacionales del Ministerio de Educación de la Nación. Dichos proyectos se desarrollaron durante los años 2015 al 2018 y tuvieron como objetivo general poner en valor la colección de arte que posee la Facultad, generando conocimientos para su valoración historiográfica y propuestas para su conservación, en tanto bienes culturales. Las obras de la colección de la Facultad de Bellas Artes están estimadas como bienes culturales de la institución y en tanto tal, destinatarias de acciones de valoración, preservación y comunicación de ese patrimonio. La excepcionalidad de su existencia física y su apariencia estética se descubre plenamente cuando se produce su más correcta interpretación y estimación dentro de su contexto o entorno integrado. Por ello la investigación de estos bienes resulta indispensable. La obra de arte puede calibrarse adecuadamente solo mediante enfoques históricos debidamente encauzados. De modo que su estudio documental, técnico, científico e histórico se impone para alcanzar su mayor conocimiento, interpretación, valoración y comunicación sociocultural. Para alcanzar ese objetivo, confluyeron en esta investigación los aportes de la museología y de la historia del arte. La museología contribuye con una metodología conveniente, criterios y planteamientos rigurosos y constatados. Dentro de lo que se refiere a la catalogación, esta operación necesaria posibilita las acciones de identificación, reconocimiento y registro de la información asociada al objeto. Aplicar una metodología rigurosa forma parte de los compromisos internos que los conservadores de museos despliegan ante la propia colección. Investigar y conocer científicamente las obras permite catalogarlas con precisión y difundirlas con seguridad y garantía. El estudio de las obras exige inicialmente un abordaje material y técnico que a partir de su objetualidad y la investigación preliminar proporciona información para determinar sus aspectos técnicos, conceptuales, iconográficos, etc. Esta primera etapa de aproximación a los bienes interesa para lograr la documentación de los objetos. Precisamente, el objetivo de la documentación es recuperar información. Al documentar (a través de técnicas llamadas documentales tales como coleccionar, ordenar, clasificar, seleccionar, recuperar y difundir) se hace accesible el contenido de las fuentes de conocimiento. Como conjunto, la documentación, incluye una serie de documentos, empezando en los propios fondos o patrimonio del museo y todo lo que se genera en torno a ellos. Es un proceso que afecta al tratamiento documental de las etapas de la vida de los fondos en los museos. En tanto conjunto y proceso la documentación no es algo fragmentable y se estructura como un sistema. En una segunda etapa los aportes de la historia del arte permiten orientan en la investigación de las obras para conocerlas en el ámbito de su especialidad. A partir de ello se produce conocimiento específico para la confección de catálogos y textos críticos sobre los fondos. En ese sentido la historia del arte puede desempeñar un rol fundamental en la puesta en valor de los bienes patrimoniales y en la transferencia de conocimientos para el beneficio social. Desarrollando la necesaria e importante relación entre los resultados de sus investigaciones y las formas y posibilidades de conservación de los bienes culturales, generando un conocimiento construido para el reconocimiento de un patrimonio compartido. De modo que, para la integral y completa valoración de los bienes que lo componen es relevante la investigación que realiza la historia del arte de los distintos materiales, técnicas, oficios y trabajos condensados en la obra de arte y relacionados con sus contextos de producción y sentido social. La indagación y caracterización formal, compositiva y estilística de las obras complementa los estudios históricos y permite completar la información acerca de las obras. En tanto documento histórico la obra de arte es un bien elocuente del que pueden extraerse numerosas y complementarias informaciones sobre la época a la que pertenece, la concepción del arte en esa fase de la historia; las relaciones sociales que dan emergencia a ese tipo particular de producción artística; el rol y posición del artista o colectivo que produjo la obra; la organización del trabajo de taller, los materiales de elaboración y su estado tecnológico; la circulación de significados y sentidos simbólicos que la atraviesan; las funciones pedagógicas que desplegaron las obras en su rol social, etc. Pero también el estudio a partir del abordaje de la historia del arte permite avanzar sobre el conocimiento de los acontecimientos que han acompañado a la propia obra de arte desde su producción hasta su presente como bien patrimonial de valor artístico. Haciendo evidente los cambios en los sentidos simbólicos del arte y cómo las creencias, las normativas y los usos modifican a los bienes artísticos con el paso del tiempo. Particularmente las obras de arte, dentro del conjunto de bienes culturales adquieren una peculiar relevancia debido a su doble naturaleza. Por un lado, son “documento histórico” al igual que cualquier otro patrimonio cultural de la sociedad, pero por otro lado se puede hablar del valor estético o el efecto estético que deviene de su condición de ser un objeto artístico. El estudio de la colección que concluyó en este catálogo se abocó inicialmente a obtener información básica y a realizar su registro y fichaje. Esta primera etapa de la investigación, permitió luego consolidar un conocimiento histórico artístico sobre las obras, a profundizarlo en el marco de la espacialidad de la historia del arte y a valorarlo desde una perspectiva historiográfica.

Este libro surgió como resultado de las investigaciones realizadas en torno al proyecto titulado «Lo político-crítico en el arte argentino. El rostro de lo indecible», radicado en el Instituto de Investigación en Producción y Enseñanza del Arte Argentino y Latinoamericano (IPEAL), de la Facultad de Bellas Artes (FBA), de la Universidad Nacional de La Plata (UNLP), cuya dirección estuvo a mi cargo. Su objetivo principal estuvo orientado a determinar las formas que configuran la dimensión política-crítica en las producciones artísticas argentinas, surgidas después de la última dictadura cívico militar. El eje central del marco teórico recorrió las reflexiones de dos autores destacados en el estudio de esta temática: Jaques Rancière y Nelly Richard, desarticulando al mismo tiempo, ciertas tensiones que emergieron como consecuencia de tramas geopolíticas. En tal sentido, Daniel Duarte Loza considera que el Subtropicalismo en la Argentina junto con la Estética del Frío en Brasil y el Templadismo en Uruguay conforma la Poética Pampa. Este fenómeno artístico tiene como epicentro a la región pampeana y, específicamente, a Buenos Aires, y hace foco en las relaciones entre música, clima, historia y geografía.

La recogida de datos del Patrimonio cultural en riesgo o afectado en contextos de emergencias, es un proceso esencial. Disponer de herramientas digitales y protocolos establecidos, permite recopilar dichos datos de manera correcta, para llevar a cabo una adecuada gestión de la información y poder realizar la evaluación de los riesgos, daños y necesidades, y así poder abordar una respuesta eficaz y eficienteBasado en las buenas prácticas llevadas a cabo en este ambito desde el sector humanitario, se presenta el proyecto cuyo objetivo ha sido el de implementar herramientas digitales, que permitan realizar una adecuada recogida y gestión de datos sobre el Patrimonio Cultural en contextos de emergencias ( desatres o conflictos)En España ha sido coordinado por el Plan Nacional de Emergencias y Gestión de Riesgos en Patrimonio Cultural (PNEGR) y financiado desde la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deporte en la Comunidad Autónoma de Madrid, y por la Dirección General de Patrimonio Cultural en la Comunidad Autónma de Murcia. A nivel internacional se llevó a cabo la primera formación online, a bibliotecas afectadas en Líbano, tras las explosiones de 2020.

Las notas móviles pueden sintetizar distintos puntos de vista, uniendo modelos mentales, ayudando a entender y resolver problemas de una modo cooperativo. Las secuencias del proceso pueden cambiarse y los estudiantes pueden ir añadiendo ideas de una manera más creativa, sea utilizando palabras clave como dibujos. Esta herramienta la hemos utilizado en distintas asignaturas de Grado y de Master, en dos Facultades diferentes (Administración y Dirección de Empresas, y Bellas Artes), lo que nos permite comparar los resultados en el proceso de aprendizaje. Asimismo, nos puede servir para evaluar ciertas competencias transversales de los estudiantes, como el trabajo en equipo y liderazgo o la gestión del tiempo. Palabras clave: aprendizaje cooperativo, trabajo en equipo, mapas conceptuales, análisis de problemas, resolución de problemas.

La práctica está englobada en las asignaturas en segundo curso tanto en el grado de diseño como en el grado de bellas artes, ambas asignaturas se caracterizan por tener un fuerte componente de educación tecnológica, en ellas se enseñan técnicas; además se trabaja mucho el lenguaje fotográfico, analizando el significado de las imágenes. Las asignaturas abordan tres grandes bloques temáticos sobre los que se desarrollan los contenidos conceptuales, históricos, técnicos y prácticos. Que podemos resumir en representaciones de objetos, de sujetos y del espacio. Aquí presentaré la práctica de fotografías de objetos. La idea general de este tema es explicar a lo largo de la historia como y porqué la representación de objetos ha evolucionado. En él se describen las diferentes tipologías que han existido como referencia de las que actualmente todavía perviven, y se explican sus diferentes denominaciones a lo largo de los tiempos. También se hace referencia a lo que, de uno u otro modo, hoy todavía perdura tanto en el arte contemporáneo como en la fotografía comercial. Los alumnos realizan prácticas de fotografía de objetos referentes a la teoría, técnica e historia crítica enseñada, que serán proyectados para ilustrar cada uno d los conceptos enseñados. El objeto en la pintura clásica. Esta primera parte del tema abarca desde el nacimiento de la pintura de “objetos en reposo” aproximadamente desde el S. XVI hasta el nacimiento de la fotografía (1839). “Las primeras denominaciones oficiales de naturaleza muerta, aquellas que en cierto sentido han sancionado su asunción como estereotipo y establecido su constitución de “género”, no hablan en absoluto ni de naturaleza ni de muerta”. (Calabresse 2000) Nacimiento de la fotografía de producto: construcción de una nueva objetividad. Este tema explica como gracias al lenguaje generado por el medio fotográfico y a su gran capacidad documental se empieza a construir una nueva manera de representar y de ver el mundo. En esta época es cuando bajo la herramienta fotográfica y los principios de la modernidad, nacen las vanguardias y con ellas lo que hoy llamamos fotografía de producto. La representación contemporánea de objetos. Actualmente en el mercado del arte contemporáneo conviven muchos estilos, tendencias y términos heredados de la pintura clásica y de la fotografía “modernista”, pero la mayoría de las propuestas o revisan la esencia de las representaciones clásicas presentando variaciones formales o conceptuales novedosas, o exploran los usos convencionales de la fotografía reformulando o descontextualizando su significado o sus contenidos. Pero las naturalezas muertas de hoy también nos muestran objetos cotidianos, manipulados y plastificados, que al ser representados sin intención estética alguna, nos hacen cuestionarnos la dura realidad del día sin la idealización posible. Nos hablan de esa carrera acelerada que imponen las sociedades de la superabundancia.

Esta intervención se centra, en sacar a la luz y dotar un valor plástico aquellas acciones artísticas que, materializadas por artistas y agrupaciones de arte, orbitaron en la Valencia del primer franquismo (1939-1959). Acciones que, independientemente de su naturaleza y singularidad, deberían formar parte de la historia universal de la performance, desde el filtro de la intrahistoria artística de la ciudad de Valencia. Se pretende rescatar y analizar todas las posibles experiencias prácticas del mundo de la acción artística que, debido a su indefinición formal y desconocimiento conceptual, no fueron percibidas, artísticamente hablando, a los ojos de los artistas, la crítica de arte y la historia del arte. En este contexto, se ha de recuperar y enfatizar las propias acciones artísticas per se del conjunto de propuestas, que participaron en los inicios del arte moderno valenciano. De forma más descriptiva, se tratarían de gestos, actitudes, sucesos y situaciones desarrollados en contextos activistas de rebeldía, en las aulas o cercanías de la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos, en exposiciones o eventos públicos, en tertulias artísticas y literarias, etc. Y, en general, de prácticas más azarosas y aventureras que, debido al estancamiento cultural autárquico del franquismo, poco tuvieron que ver con la tradición performática de los artistas futuristas, dadaístas o constructivistas. Finalmente, es necesario entender, enfatizar y, a su vez, reivindicar la idiosincrasia y el valor plástico de cada acción artística, enmarcados dentro de la marginalidad local de la ciudad de Valencia, del aislamiento cultural de la España franquista de los años 40 y 50, y de la coincidencia de premisas en las performances y los happenings desarrollados en los Estados Unidos de América y en Japón.http://dx.doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5823