Tesi sul tema "Description esthétique"

Il s’agit d’interroger la description d’images posée comme garante d’objectivité pour une interprétation du film à venir. Premièrement, l’objectivité est discutée au travers d’une pratique descriptive qui entend définir des relations stables entre les éléments de l’image et le langage. L’image en tant que signe doit trouver des équivalents linguistiques à ses composantes. Ainsi, se questionne la correspondance des objets de l’image aux signifiés et des abstractions (la substance imageante) aux signifiants, d’abord individuellement puis dans le cadre de modalités narratives et de modalités systémiques. La critique de ce modèle montre son inefficace. Il échoue car il poursuit la signification là où la description devrait saisir la signifiance. Deuxièmement, et conséquemment, on propose un modèle descriptif dynamique fondé sur l’idée de pertinence et de cadres de description. Le singulier, comme rupture d’une norme immanente au film, constitue la pertinence à partir de laquelle construire un modèle. S’inspirant de la théorie de Goffman, Les cadres de l’expérience, on définit des cadres de compréhension dans le film correpondant à l’appréhension de différentes cohérences. Ces cadres établis, il s’agit de montrer s’ils évoluent avec homogénéité ou s’ils comprennent des ruptures, appelées modalisations, provoquant un surgissement du singulier. Ce singulier est défini comme un événement porteur de sens dont l’interprétation se servira en dernière instance. Décrire, c’est faire surgir l’événement en confrontant les cadres à leurs modalisations. Enfin, l’application et la mise à l’épreuve de ce modèle descriptif avec un film radical comme Anticipation of the night de Brakhage permet d’en souligner les réussites ainsi que les manques. La description par cadres permet de faire surgir des événements cinématographiques porteur de signifiance. Elle doit cependant être approfondie pragmatiquement afin de saisir la poéticité à l’œuvre dans certains films
The description of images is being explored as a guarantee of objectivity for an interpretation to come. First, the objectivity is questioned through a descriptive practice which tries to define stable relations between the components of the image and language. The image as a sign might find linguistic equivalents to its components. Thus, we study the correspondence between the objects in the image and the signifieds, and between the abstractions and the signifiers, first individually, then as part of narrative modalities and systemic modalities. The analysis of this method shows its ineffectiveness. It fails because it seeks after meaning when it should seek after « signifiance ». Secondly, and as a consequence, we suggest a dynamic description based upon the search of a pertinence and of frames of description. Singularity, as a break in a norm immanent to the film, is the pertinence from which to build a model of description. Following Goffman’s theory, Frame analysis, we define frames of comprehension in the film corresponding to the apprehension of different coherences. This frames once settled, it’s about showing if they evolve homogeneously or if they break the homogeneity, which is called a modalization, producing the springing up of a singularity. This singularity is defined as an event bearing the « signifiance » which the interpretation will use in the end. To describe is thus to confront the frames with their modalizations to make the events spring up. Finally, the application of the method of description put to a test with such a special film as Anticipation of the night by Brakhage enables us to underline its successes and limitations. The frames description allows to reveal cinematographic events full of « signifiance ». Nevertheless we must go deeper into it pragmatically in order to seize the poeticity of certain special films

Notre étude est une réflexion sur les romans de Claude Simon basés sur la description. Inscrite dans l'écriture moderne, l'œuvre de Claude Simon montre bien une modalité exclusive du récit. Son écriture en tant que nouvelle narrativité s'ouvre non seulement sur les carrefours de modalités, mais aussi sur tous les sens possibles qui convergent vers quelques réseaux de sens. En faisant référence notamment à la facture picturale, Claude Simon tente de réaliser la simultanéité dans le roman. En s'associant d'ailleurs à la facture photographique ou cinématographique, son écriture se fonde sur la description qui se fragmente dans le récit de la mémoire. Les réseaux d’images hétéroclites à partir d'une image initiale construisent un univers spécifique du sens à travers des sensations et la perception. La combinaison des fragments discontinus a lieu dans le mouvement de son travail d'écriture dont la réalité prend sa figure dans la mémoire. Par le biais de son écriture géorgique, Claude Simon s'engage dans son époque très complexe, diverse, le vingtième siècle
Based on Claude Simon's description, our study aims to reflect on his novels. Prominent in modern writing, the work of Claude Simon demonstrates a form of exclusive account. His writing as a new narrativity opens not only the crossroads of modalities, but also every sense of possible networks converges towards some sense. With particular reference to the pictorial technique, Simon is trying to achieve simultaneity in the novel. In addition to partnering with the photographic technique or film technique, his writing is based on the description which is fragmented in the story from his memory. The networks of disparate images coming from an initial image build a specific universe of meaning through sensation and perception. The combination of discontinuous shards places in the movement of his writing whose figure is contained in his memory. Through his georgics writing, Claude Simon participated in the complicated and diverse twentieth century

Description et jugement, consideres comme deux composantes essentielles du discours de la critique d'art, sont etudies dans leur fonctionnement au sein d'une visee commune - la realisation d'une critique. La naissance de la critique d'art moderne, au milieu du xviiie siecle, suscite une polemique portant sur << qui a le droit de juger l'art >>, et diderot approfondit la reflexion metacritique en mettant l'accent sur l'intersubjectivite et en opposant l'idee et la chose. Dans ce contexte, le discours critique se situe dans un champ social constitue de divers interlocuteurs et le lien entre la description et le jugement se developpe dans une epaisseur textuelle suscitee par la confrontation entre le mot et l'image. Avec l'avenement du romantisme, on assiste a un veritable changement paradigmatique de la critique d'art : quittant l'attitude appreciative du juge du gout, l'acte meme de la critique devient une comprehension intime de l'oeuvre. La reflexion metacritique de baudelaire, qui marque des le debut sa critique d'art, developpe la pensee romantique vers une critique passionnee, partiale et politique. Le jugement devient chez lui l'eveil de l'attention, et la description, au lieu de construire le jugement, devient la suspension meme de l'application des regles preetablies pour apprehender le nouveau et le divers. Trois aspects transversaux dans la structuration de la conscience critique sont egalement abordes tout au long de cette etude : la structure a trois termes - artiste, critique et public, celle de la crise/critique et finalement la tendance a la fictionalisation dudiscours critique.

Ce travail de recherche explore la place de la nature dans la poésie arabe à l’âge abbasside (VIII-XIII siècles), en s’intéressant plus particulièrement à l’esthétique de la poésie, à l’imaginaire arabe et à l’essence même de la production poétique. Il s’agit de montrer en quoi l’évolution de la poésie descriptive dans la littérature arabe constitue un sujet, non seulement essentiel, mais aussi sous-jacent à la poésie de la nature telle qu’elle est abordée et traitée par d’autres chercheurs dans des périodes différentes. Pour ce faire, cette étude a délibérément respecté la démarche chronologique, afin de proposer une vue synoptique de l’évolution de la représentation de la nature depuis la période préislamique jusqu’à l’âge abbasside, en passant par la période omeyyade, ère durant laquelle ce thème deviendra un thème à part entière et trouvera pleinement sa place, bien ancrée dans le nouvel essor civilisationnel de la vie citadine. Ce mode de vie inédit a invité les poètes abbassides à se tourner vers la description des aspects de la nature dans un langage mieux élaboré, épousant exactement les changements d’inspiration de la société contemporaine et engendrant naturellement une production poétique métamorphosée, fruit d’une débauche d’imagination spontanée, foisonnant de connotations polysémiques imprimant une dynamique enlevée. Cette représentation artistique versifiée en une langue riche et raffinée, ponctuée par un rythme marqué, miroir fidèle de l’environnement intellectuel et culturel de l’époque envisagée, se manifeste chez des poètes abbassides innovants, construisant de longs poèmes sur le thème unique de la nature dans lesquels ils épanchent leurs émotions et leur vécu. Finalement, ce travail de recherche a montré que la poésie avait atteint son apogée esthétique à l’âge abbasside qui, ainsi, devint l’âge d’or de la littérature arabe
The piece of research is exploring the place of Nature in the Arabic poetry during the Abbasside Age (VIII-XIII century), focusing more particularly on the poetical aesthetics, the Arabic imaginativeness as well as the very essence of poetical production. This work aims at showing how the evolution of descriptive poetry in the Arabic literature can be considered as a subject not only essential, but also subjacent to the poetry of Nature itself by the way it has been tackled and treated by other research students in other periods. In this perspective this research has deliberately abided by chronological approach in order to propose a synoptic survey of the evolution of the representation of Nature since the preislamic era until the Abbasside age throughout the Ommeyyade period during which this theme was to become a full one completely inserted into the new civilization development of the urban way of life. Indeed this new way of life invited the Abbasside poets to engage into the use of a more elaborate language for describing the various aspects of Nature, thus, strictly following up the changes in inspiration due to this contemporary society and naturally entailing a deeply transformed poetical production as the fruit of a spontaneous, abundant imagination rich in polysemic connotations inducing a spirited dynamic movement. This artistic representation written in richly refined verses, hammered out in a marked rhythm, faithfully mirrored in the intellectual and cultural milieu of their epoch, is obvious among this Abbasside poets making innovations while building long poems about the subject-matter of nature-in which they pour forth their emotions and their experience-. Last but not least, this piece of research has put in the limelight that poetry had reached its peak of aesthetical perfection during the Abbasside Age that consequently became the Golden Age of the Arabic literature

La phénoménologie naît à l'orée du 20e siècle avec Husserl. Cette théorie de la connaissance qui se donne pour tâche d'élucider ce qui se présente à la conscience, marque une rupture avec l'appréhension dichotomique du monde issue de l'héritage cartésien. Le postulat de cette thèse est de percer en quoi cette méthode philosophique renouvelle notre manière d'appréhender le monde et rejaillit sur le sens du discours et d'actions d'architectes dans la seconde moitié du 20e siècle. Cette recherche se structure en trois parties. La première s’attelle à faire le point sur les liens entre ces deux disciplines que sont la phénoménologie et l'architecture. Les deux parties suivantes visent à élucider la résonance de l'attitude phénoménologique sur certaines postures architecturales, d'un point de vue méthodologique d'une part en abordant la question de la description du réel et d'un point de vue conceptuel d'autre part en s'intéressant plus particulièrement à l'entre les choses. Par la recherche historique, cette thèse établit des corrélations entre les buts poursuivis par des architectes remettant en cause les dogmes de la modernité tels Aldo van Eyck ou Alison et Peter Smithson, et leur sens philosophique. Dans cette même perspective, ce travail trouve des prolongements contemporains au travers de deux figures emblématiques de la scène architecturale actuelle : le hollandais Rem Koolhaas et le suisse Peter Zumthor. Les trois temps de cette thèse convergent vers la reconnaissance de l'influence de la phénoménologie sur la pensée spatiale pour une connaissance objective du monde qui serait un processus de rationalisation de l'expérience sensible.

La plupart des problématiques évoquées en esthétique au XXIe siècle tournent autour de la question du personnage de fiction. Dans ce cadre, cette étude essaie d'examiner comment les stratégies esthétiques et la poétique de la réception sont liées, à travers l'œuvre d'un auteur autrichien, Stefan Zweig, qui écrivit non seulement un grand nombre de récits fictionnels (essentiellement des nouvelles et romans), mais également des essais historiques et géographiques. Sa poétique du récit construit des situations de communication, comme le récit enchâssé, dans lesquelles le lecteur est invité à s'impliquer, face à un personnage dont les propres mots forment la seule version des faits racontés dans la fiction. Dans le même ordre d'idée, les personnages, qu'il soient héros de fiction ou de biographie, sont souvent placés dans une situation de crise, qui à la fois révèle une destinée intérieure et se présente comme une conséquence inéluctable de leurs actes. Tous les éléments de leur vie et de leur personnalité convergent donc, et s'expliquent les uns les autres, comme si les personnages de Zweig devenaient des êtres totalement cohérents. En conclusion, il semblerait que les personnages de biographie s'inscrivent dans les problématiques touchant également la fiction, et même qu'ils appartiennent à la catégorie des personnages de fiction ; il sera donc productif de leur appliquer les outils de la critique narrative, par exemple en ce qui concerne la perspective du lecteur et les mécanismes affectifs de projection
Most of the aesthetics questions of the XXIst century are focalised on the issue of fictional character. In this frame, this study try to examine how aesthetical strategies and poetics of reception are connected through the case of an austrian author, Stefan Zweig, who wrote not only a lot of fictional narratives (essentially short stories and novels), but also historical and geographical essays.His narrative poetic draw situations of communication, like framed narrative, in which the reader is invited to implicate himself, face to a character whose words are the only one version of fictional facts. In the same order of ideas, characters, in fiction or in biographies, are often placed in a critical situation, that reveals in the same time an inner destiny and unaffordable consequence of the way they act. So all elements of life and personnality are convergent, and can explain each other, as if Zweig's characters were totally coherent beings. To conclude, it appears that biographical characters have fictional problematics, and more, they belong to the category of fictional characters ; consequently, it is productive to apply to it the tools of narrative critic, for instance in the perspective of reader and affectives mecanisms of projection

La réflexion sur l'art est au coeur de la poétique du romancier Simon, qui fait de la peinture le miroir de l'écriture. A telle enseigne que certains romans, qui proposent des analyses picturales, confinent parfois à l'essai esthétique, intimement mêlé à la fiction. La description de tableau, omniprésente, apparaît dès lors comme un trait stylistique dominant de ce dialogue de genres. Les romans de Simon renouvellent d'ailleurs les "topoï" de la figure du peintre, de l'atelier, du musée ou des galeries de portraits d'ancêtres, à partir desquels l'imaginaire se déploie, au-delà du sujet, la fiction semble littéralement procéder de la peinture, dans la mesure où la narration est le plus souvent engendrée par des descriptions de tableaux -d'Ucello, Poussin, David, Renoir, Bacon, Dubuffet, Rauschenberg. Et c'est encore en peinture que Simon compose ses oeuvres, recourant aux techniques du collage ou du polyptyque ou encore cherchant à retrouver la dynamique des oeuvres baroques. La peinture n'est pas seulement le modèle épistémologique, mais le principe même de l'écriture
The meditation upon art is essential to Claude Simon's poetics as a novelist, for whom painting is a mirror of writing some of his novels, founded on commentaries about painting intimely linked with fiction, are akin to the literary genre of essay. Describing pictures seems to be a dominant stylistic feature of such a dialogue between genres. Claude Simon's novels renew some pictural "topoi" – the painter as a character, his workshop, museums or galleries of portraits, from which surge an imaginary world. Beyond the subject of these novels, pictures - by Uccello, Poussin, David, as well as by Renoir, Bacon, Rauschenberg generate fiction through descriptions. Further more, Claude Simon composes his works as a painter, since he uses the technique of sticking or challenges the dynamic composition of baroque polyptics. Painting is not only a metaphor or a model of writing, but its principale

Le « dessin » pour vivre et respirer le monde contemporain dans sa diversité au quotidien. Une exploration de la question du dessin, à travers ses trois composantes fondamentales, l’espace, le temps, le mouvement, en s’appuyant sur une expérience personnelle remontant à l’enfance. La mise en abyme de cette pratique permettra d’avoir à disposition un solide matériau de recherche et de questionnement. Une enquête approfondie relative à cet art, à ses pratiques, à ses évolutions, menée à travers l’histoire, permettra, par ailleurs, de naviguer du plan pratique au plan théorique, et de pointer certaines des problématiques du dessin rencontrées fréquemment par les artistes. Ces investigations conduiront à se placer sur des champs variés de la connaissance, à travers des disciplines telles celles, des arts, de la littérature, de la philosophie, de l’anthropologie, de la psychologie, des mathématiques, de l’histoire et la géographie, et bien d’autres encore. Les occasions seront multiples d’aller à la rencontre, des grands maîtres de la peinture et du dessin, tels, ceux de la Renaissance, et un peu plus tard, ceux qui se sont plus particulièrement distingués dans la pratique du dessin au trait, tels, Ingres, Degas, Matisse, Picasso, Klee, Kandinsky, Warhol, et des artistes contemporains qui aujourd’hui s’affichent sur la scène de l’art. Référence sera faite à d’illustres penseurs, philosophes, scientifiques, en particulier, Platon, Aristote, Descartes, Kant, Merleau-Ponty, Freud, et des écrivains, tels Paul Valéry, etc., qui viendront largement éclairer des aspects parmi les plus mystérieux du dessin
The art of « drawing », to breath the dayly life in its full contemporaneousness. An exploration of the question of « drawing », through its three fundamental components : space, time, movement, based upon a personal experience coming from childhood. To begin, the exercice of a « mise en abyme » of our own pratical experience will provide a solid research tool, in order to be able to set up different problematics of the artists. A meticulously investigation confrontating theory and experimentation, through history and history of arts, will be carried out, introducing therefore to many specific fields of knowledge, as, littérature, philosophy, anthropology, psychology, mathematics,, history of arts, history and geography, etc. Chances to study famous artists, such as, painters of the italien Renaissance, and further on, painters who are specialists of « line drawing » like, Ingres, Degas, Matisse, Picasso, Klee, Kandisky, Warhol, and among them, also some contemporary artists. Aspects of drawing, among the most mysterious, will lightly find favour sights with many thinkers, philosophers, ideologists, theorists, writers, as Platon, Aristote, Descartes, Kant, Merleau-Ponty, Freud, etc

Cette recherche-création s’est déployée autour d’une réflexion sur la réception en danse et sur les modes de partage de celle-ci. Prenant à rebrousse-poil une histoire de la critique de danse qui juge et évalue, j’ai tenté de privilégier des démarches qui viennent perturber, troubler et brouiller les frontières entre création et réception. La première partie de ce travail consiste à trois analyses d’œuvres chorégraphiques : Une hypothèse de réinterprétation de Rita Quaglia (2009), histoire(s) d’Olga de Soto (2004) et enfin Admiring la Argentina de Kazuo Ôno (1977). Ces trois pièces révèlent trois manières de regarder des œuvres, trois manières de parler des/aux œuvres, trois manières de répondre à une danse en dansant. Les trois œuvres analysées en première partie se distinguent par l’importance qu’elles accordent à la subjectivité comme vectrice de savoirs (perceptifs et cognitifs). Ainsi, à la « réception performée » s’ajoute le terme de « critique affectée » pour compléter ma réflexion. Celle-ci désigne autant le caractère subjectif au sein des objets étudiés, que ma manière d’être à mon tour touchée et prise par les objets et personnes que j’ai observé·e·s ces dernières années. La critique affectée concerne également les parcours de deux critiques de danse — Laurence Louppe (1938-2012) et Jill Johnston (1929-2010) — qui constituent le centre d’attention de ma deuxième partie. À travers leurs pratiques critiques distinctes, il m’importe de questionner un héritage dont je souhaite me défaire ou au contraire que je désire faire mien. Cette recherche a été une progressive mise en abyme de mon regard de spectatrice et de différents modes de travail en tant qu’artiste-chercheure. Elle rend compte d’une multiplicité de formats — journal de bord, fragments critiques, analyses d’œuvres et analyses de pratiques, matériaux de performance — comme autant de points de vue sur une œuvre. À ce travail écrit, s’ajoute un temps performatif lors de la soutenance
This practice-based research developed from questioning reception of dance and manners of sharing this experience. In venturing countercurrent to a history of dance criticism which bears judgment and makes assessments, I attempted to favor initiatives which disrupt, disturb and blur the borderlines that settle between creativity and reception. The first chapter of this research focuses on the analysis of three choreographic works: Une hypothèse de réinterprétation by Rita Quaglia (2009), histoire(s) by Olga de Soto (2004) and Admiring La Argentina by Kazuo Ohno (1977). Each of these pieces offer three different perceptions of artworks, three ways of speaking about/with artworks, three ways of answering to dance by dancing. The three works analyzed in the first chapter are characterized by the importance they grant to subjectivity as a vector of (perceptive and cognitive) knowledge. Thus, introducing the term “affected critique” to the term “performed reception” implemented the scope of my analysis. This term elects both the subjective dimension within these objects and my personal relationship to the works and people which have moved and “possessed” me over the course of my observations these past years. “Affected criticism” also arises from research on the careers of two dance critics – Laurence Louppe (1938-2012) and Jill Johnston (1929-2010) – which form the core of my second chapter. Through the particularities of their critical practices, I cared to question a heritage from which I wished either to differentiate myself or on the contrary to adopt and develop as my own. This research consequently developed as a progressive mise en abyme of my personal gaze as spectator and of the different ways of working as an artist and researcher. This dissertation therefore tries to embrace and account for the multiple shapes – journal entries, fragments of critical writing, analysis of artworks and artistic practices, performance material – that form as many standpoints from which to observe a body of work. A performative moment will prolong the written work of this research during the submission

La recherche vise à esquisser le profil intellectuel d’Hubert Damisch, à travers une analyse de sa production et une description du milieu dans lequel il travaille et des rapports qu'il a établi avec d'autres savants de son temps. Après une analyse de sa formation qui vise à définir les matrices théoriques de sa pensée, la recherche décrit un parcours à travers ses textes voué à relever les traits spécifiques de sa pensée. Des premiers essais consacrés à l'art contemporain aux textes des années Quatre-vingt-dix placés sous le label de l'iconologie analytique, l'analyse reconstruit la recherche d'un auteur qui n'a cessé de mettre en perspective les disciplines différentes ; qui a fait de la conscience qu'il y ait une pensée au travail dans l'art le point de départ d'une série d'études où la considération du rôle que l'art joue dans l'horizon de la connaissance se noue à Ia conscience de la capacité des œuvres de signifier à travers la spécificité visuelle de leurs instruments ainsi que d'agir au-delà du temps dans lequel elles ont été crées. Le caractère oblique de la recherche indiqué le titre renvoie au point de vue sémiotique à partir du quel on a choisi de conduire l'analyse. L'exigence de vérifier la réception italienne de cet auteur -connu surtout dans le milieu sémiotique, c'est avec le label du sémioticien que l'histoire de l'art italienne circonscrit sa pensée -nous on induite à faire de la réflexion sémiotique de cet auteur le point de départ d'un parcours voué à dévoiler les matrices de sa position sémiotique, et dans une perspective plus générale à reconnaître les raisons et les racines du travail de Damsich en tant que historien et philosophe de l'art
The search is aimed at outlining Hubert Damisch's intellectual profile, through an analysis of his work and a description of the environment in which he works and the relationships he has established with other scholars of his time. After an analysis of his background that aims at defining the abstract matrices of his way of thinking, the search describes a path through his texts devoted to pointing out the particular features of his ideology. From the initial trials devoted to contemporary art in the texts of the Nineties given the label of analytical iconology, the analysis has recreated the search of an author who never stops putting the different disciplines into perspective; one who, so there was an ideology in the way of working art, made awareness the starting point of a series of studies where the reflection of the role that art plays in the prospects for acquiring knowledge takes shape from an awareness of works' ability to have meaning through the visual specificity of their instruments as weil as to act beyond the time in which they were created. The sidelong nature of the search indicated in the heading sends you back to the semiotic point of view from which you choose to conduct the analysis. The requirement to check how the Italians receive this author -known above ail in the semiotic milieu, it's with the label of semotician that the history of Italian art defines his way of thinking -leads us to make a semiotic reflection about this author the starting point of a path devoted to unveiling the matrices of his semiotic position, and in a more general outlook to recognise the reasons and the roots behind Damsich's work as an art historian and philosopher

Cette thèse étudie l'idée de l'art et de l'artiste dans l'œuvre littéraire du peintre et écrivain chilien Adolfo Couve (1940-1998). Elle propose notamment d'aborder ses textes de fiction et de non-fiction dans une perspective unique marquée par ce que nous définirons comme son mythe de l'artiste. Sur la base de certains concepts et théories inhérents aux études contemporaines sur les mythes, nous identifions cinq moments ou phases qui définissent l'artiste dans l'œuvre de Couve. Ces moments, particulièrement visibles dans certains passages des œuvres qui racontent la vie d'un artiste (La lección de pintura, 1979 ; La comedia del arte, 1995 ; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000) sont les suivants : « vocation », « apprentissage », « crise », « pari » et « libération ». Sur la base de la description de ces jalons dans l'itinéraire de l'artiste couverien, nous analyserons les principales préoccupations esthétiques soulevées par la littérature de l'auteur, que nous confronterons avec l'expression de sa pensée artistique dans ses entretiens et ses écrits sur l'art. On postule que l'idée d'art contenue dans l'œuvre littéraire d'Adolfo Couve se construit dans (et en même temps est un symbole de) la croisée des chemins à laquelle la pensée occidentale moderne fait face depuis le début du XXe siècle, entre la crise du paradigme de la raison et la tentative de réhabiliter certaines valeurs associées à la pensée mythique
This PhD dissertation studies the idea of art and the artist in the literary work of the Chilean painter and writer Adolfo Couve (1940-1998). It approaches his fiction and non-fiction from a unique perspective marked by what we will define as his “myth of the artist”. Anchored in certain concepts and theories of contemporary myth studies, the dissertation identifies five moments or phases that define the artist in Couve’s work. These moments, which are especially visible in some passages of the works that narrate the life of an artist (La lección de pintura, 1979; La comedia del arte, 1995; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000), are the following: “vocation”, “apprenticeship”, “crisis”, “proposition” and “liberation”. Using the description of these milestones in the itinerary of Couve’s artists as a starting point, the dissertation explores the main aesthetic questions raised by the author’s oeuvre, which will be compared with the expression of his artistic thought in his interviews and writings on art. The main thesis is that the idea of art contained in the literary work of Adolfo Couve is built in (and at the same time is a symbol of) the crossroads –faced by Western modern thought since the early twentieth century– between the crisis of the paradigm of reason and the attempt to rehabilitate certain values associated with mythical thought
Este trabajo estudia la idea de arte y de artista en la obra literaria del pintor y escritor chileno Adolfo Couve (1940-1998). En particular, propone abordar sus textos de ficción y de no ficción desde una única perspectiva marcada por lo que definiremos como su mito de artista. En base a determinados conceptos y teorías propias de los estudios contemporáneos sobre los mitos, se identifican cinco momentos o fases que definen al artista en la obra de Couve. Estos momentos, especialmente visibles en algunos pasajes de las obras que narran la vida de un artista (La lección de pintura, 1979; La comedia del arte, 1995; Cuando pienso en mi falta de cabeza, 2000) son: “vocación”, “aprendizaje”, “crisis”, “apuesta” y “liberación”. A partir de la descripción de estos hitos en el itinerario del artista couveano, analizaremos las principales preocupaciones estéticas que plantea la literatura del autor, las que cotejaremos con la expresión de su pensamiento artístico que consta en sus entrevistas y escritos sobre arte. Como hipótesis general, se postula que la idea de arte contenida en la obra literaria de Adolfo Couve se construye en (y es al mismo tiempo símbolo de) la encrucijada que enfrenta el pensamiento moderno occidental desde inicios del siglo XX, entre la crisis del paradigma de la razón y el intento por rehabilitar determinados valores asociados al pensamiento mítico

Toute une théorie classique de l’art a défini la composition picturale en prenant ses concepts à la tradition rhétorique. Ainsi le travail du peintre rassemble-t-il à ses yeux, pour commencer, deux opérations dont Cicéron avait déjà en son temps donné les noms pour l'art du discours : l’invention, qui sélectionne au sein d’une sorte de réserve les éléments convenant au sujet à présenter, puis la disposition, qui se charge d’organiser avantageusement ces éléments selon les règles d’une économie. Sous le nom de «montage», une large part de la fabrique artistique contemporaine, qu’il s’agisse de photographie, de cinéma ou de littérature, reconduit de fait aujourd’hui ces principes de procédure. Ils ne sont pourtant pas indépassables. Penser le montage sans s’expliquer avec la notion classique de composition, c’est finalement oublier ce qui a, un temps, animé l’art qu’on peut dire «moderne». Prenant en compte cette situation, étudiant des œuvres qui se sont effectuées en dépit de la méthode défendue par les classiques, cette thèse entend critiquer le désir de maîtriser des objets sous l’autorité d’une idée à transmettre et soutient la notion d’un montage qui, se soustrayant à l’«édifice» (Ishaghpour) ou au «texte» (Rancière), ne se trouve pas par eux modéré dans son opération. Il est en conséquence possible d’entendre les concepts d’invention et de disposition autrement que les classiques ou, en d’autres termes, d’en changer le mode. Cela se fait par glissements notionnels successifs, parmi lesquels celui de l’apparence à l’aspect, de la maîtrise à l’exercice, de l’application à la découverte, etc. On repère ainsi des enjeux de pensée et de conduite qui dépassent finalement le seul motif du montage
An entire classical theory of art has defined pictorial composition by taking its concepts from the rhetorical tradition. Thus the work of the painter brings together, to his eyes, two activities that Cicero, in his time, had already given the names for the art of discussion: invention, which selects from a kind of inventory the appropriate elements for the subject to present, and then the disposition, which is responsible for the favorable organization of these elements according to the rules of an economy. Today, under the name "montage", a large part of the contemporary artistic fabric, whether it be photography, cinema or literature, follows these procedural principles. They are not, however, unsurpassable. To think of montage without taking into consideration the classical notion of composition is, finally, to forget what at one time animated the art that we can call modern. Taking into account this situation and studying works of art that have been done in spite of the methods defended by the classics, this thesis intends to critique the desire to master objects under the authority of an idea to transmit and support the notion of a montage that, subtracting from the "edifice" (Ishaghpour), or from the "text" (Rancière), does not find itself moderated by them in its operation. It is consequently possible to understand the concepts of invention and disposition using methods other than those of the classics or, in other words, to change the way we understand them. This is done by successive shifts of notions, including from the appearance to the aspect, from the mastery to the practice or from the application to the discovery, and so forth. We thus encounter what is at stake in the thought and conduct, which finally goes beyond the only motive of montage

Cette thèse étudie le rôle de l’écriture dans le dévoilement de la profondeur des paysages dans les écrits de Marcel Proust qui s’étendent des années de collège jusqu’à À la Recherche du temps perdu. L’écriture romanesque de Proust est sous-tendue par une dynamique de manifestation de la profondeur des paysages naturels et musicaux qui se développent dans l’entre-deux du visible et de l’invisible, de l’audible et de l’inaudible. Proust recourt en effet à l’expression de l’entre-deux pour montrer les limites de la pensée romantique fondée sur la philosophie mystique de l’art, du Réalisme tautologique institué sur la description des surfaces et de la poésie symboliste hermétique qui perpétue la pensée platonicienne. Aussi Proust récuse-t-il les fondements du platonisme qui s’étend jusqu’à l’idéalisme français moderne. L’expression de la subjectivité permet certainement à Proust de souligner le déclin du rationalisme au début du XXe siècle qui voit l’essor de l’inconscient et de l’involontaire. L’approfondissement des paysages, du réel et des choses fonde effectivement le réalisme subjectif de Proust. L’entre-deux du sensible et de l’intelligible place le roman aux frontières de l’artistique (Monet, Whistler, Giotto, Beethoven, Wagner, Chopin, Schumann) et du philosophique (Schelling, Schopenhauer, Séailles). L’écriture de la profondeur s’intègre certainement dans le cadre d’une quête de la continuité et développe une connaissance instituée sur la catégorie de la relation, voie d’accès à l’intériorité et au gouffre. Incontestablement, Proust est un écrivain et un penseur de la profondeur
This thesis studies the role of the writing in unveiling to what extent the notion of depeth of landscapes is present in the works of Marcel Proust stretching from the college years until In search of lost time. The novelistic writing is underpinned by a dynamic of appearance of the depth of natural and musical landscapes that actually have developments in the interval of the visible and the invisible, the audible and the inaudible. Actually, Proust uses the expression of the interval to expose the limitations of the romanticism thought which perpetuates the mystic philosophy of art, the tautological Realism founded on the description of surfaces as well as the hermetic symbolist poetry which reproduce the Platonism. Therefore, Proust contests the foundations of Platonism stretching until the modern French idealism. The expression of subjectivity also allows Proust to emphasize the decline of rationalism on the decline at the turn of the XX th century that witnesses the rise of the unconscious and the involuntary. Indeed, the deepening of the landscapes, reel and things has founded the subjective realism of Proust. The interval of sensible and intelligible situates the novel in the border of the artistic (Monet, Whistler, Giotto, Beethoven, Wagner, Chopin, Schumann) and the philosophical (Schelling, Schopenhauer, Séailles). The writing of landscapes depth is certainly integrated into the quest of the continuity and develop a knowledge established on the category of the relation, a way to interiority and abyss. Undeniably Proust is a writer and a thinker of the depth

L’histoire du canal de Suez constitue un champ d’étude toujours vivant et sensible par son actualité, qui a fait naître des sentiments contrastés. C’est l’histoire de sa symbolique, des fantasmes et des projections qu’il a pu faire naître qui se trouve étudiée à partir d’un corpus littéraire et iconographique inédit. L’originalité de la recherche repose sur la multiplication des approches et le nombre d’œuvres rassemblées permettant de sortir d’une chronologie restreinte au projet de creusement. Elle entend dépasser la vision restrictive d’une entreprise qui ne peut être confondue avec l’action coloniale de la France mais qui est traversée par une idéologie de conquête. Elle apporte une nouvelle approche dans la représentation des voyages orientalistes. Le patrimoine artistique né de ce chantier universel pose enfin la question de sa réception et de son partage mémoriel entre Orient et Occident, encore riches d’enjeux aujourd’hui
The history of the Suez canal is a field of study that is still as alive and sensitive as ever, one that elicits mixed feelings. It is the story of its symbolism and the fantasies and projections that have sprung from it that is studied through a heretofore-unexamined literary and iconographical corpus. The originality of this research lies in its multiple approaches and the number of works assembled, which enables one to step out of a narrow chronology of the digging of the canal. It seeks to go beyond the restrictive vision of an endeavour that cannot be considered French colonial action yet is shot through with an ideology of conquest. It brings a fresh approach to the representation of orientalist travel. The artistic heritage born of this universal public work finally poses the question of its reception and how its memory is shared between East and West, with as much at stake today as ever

Sans conteste, la réception de l'architecture française aux XVIe et XVIIe siècles par les contemporains français et étrangers manque à l'étude. Les visiteurs restent mal connus bien qu'ils soient les spectateurs de grandes manifestation architecturales. Leurs descriptions et leurs représentations des palais, des châteaux, mais aussi des églises, des ponts, des fortifications, des jardins et de leurs semblables permettent pourtant, une fois rassemblées, de définir le goût architectural d'une époque et d'une nation. Il était par conséquent primordial de constituer un corpus des textes et des images des XVIe et XVIIe siècles relatifs à l'architecture française et de l'analyser dans le détail. Les textes manuscrits, imprimés et les représentations graphiques laissés par les historiens, les antiquaires et les géographes, ainsi que les récits de voyages et les journaux rédigés par des notables curieux , des étudiants, voire des anonymes furent pris en compte pour répondre à trois grandes questions : qui sont les acteurs de cette réception, quelles sont les conditions de leurs visites et quels sont, à leurs yeux, les plus excellents bâtiments de France. Ces questions, si évidentes puissent-elles paraître, n'ont jamais été abordées. Or elles forment des clefs de lecture qu'il ne faut plus ignorer, d'autant qu'elles dissimulent des détails sur l'architecture qui s'avèrent nouveaux, uniques, incontournables
The reception of French architecture in the 16th and 17th centuries by French and foreign contemporaries is unquestionably lacking. Visitors remain unknown, even though they are the spectators of great architectural shows. Their descriptions and mental images of palaces and stately homes, and also of churches, bridges, fortifications, gardens and their like, however, once reassembled enable one, to define the architectural flavour of a period and of a nation. It was thus essential to build up a coprus of texts and images of the 16th and 17th centuries and to analyse them in detail. Handwritten texts, printed documents and graphic representations left behind by antique dealers and geographers as well as travel diaries and newspapers written by inquiring notaries, scholars or even anonymous people were all analysed in an attempt to answer three important questions, namely who are the people behind this reception? In which conditions did their vsits take place? And in their view, what are the most outstanding buildings in France? However self-evident these questions may seem, they have never been tackled. And yet they form the clues to our reading which must no longer be ignored, even more so as they conceal the details of architecture which transpires to be new, unique, and not to be missed

Notre recherche s'intéresse avant tout à étudier les représentations de l'Afghanistan telles qu'elles se présentent dans un corpus de récits de voyage recouvrant les XIXe et XXe siècles. D'un point de vue général, nous avons constaté de nettes constances mais aussi de grandes variations dans cet ensemble de représentations. L'imaginaire de l'Afghanistan au XIXe siècle se construit sur sur de grandes thématiques liées au statut et à la culture des voyageurs de l'époque, qui sont tous, à des degrés divers reliés aux dynamiques du "grand jeu" des empires coloniaux en Asie. C'est pourquoi une appréhension géopolitique très particulière caractérise tous ces récits. Le travail des premiers voyageurs, presque tous des britanniques, est donc focalisé sur une recherche en matière de cartographie, de géographie et d'histoire politique. Cependant l'imaginaire occidental de l'Afghanistan au XXe siècle se différencie largement de celui du siècle précédent. Tout d'abord, le profil des voyageurs se diversifie. D'autre part, une grande variation dans l'orientation des écrivains-voyageurs, dans leurs centres d'intérêt et leur perception des habitants et des lieux est perceptible, malgré le maintien de certaines constantes. En fait, une double dimension éthique et esthétique caractérise la représentation de l'Afghanistan dans cette période
This research project explores the representations of Afghanistan in a corpus of travel narratives from the nineteenth and twentieh centuries. Overall, we can see great variations but also certain constants in the representations of this country. The Afghan imaginary in the nineteenth century is constructed on major themes related to the status and culture of travellers of the time, all related to the dynamics of the "Great Game" of the colonial empire in Asia; This is why a very particular geopolitical perspective characterizes all these narratives. The work of early travellers, almost all British, was focused on research in cartography, geography and political history. The Western imagination of Afghanistan in the twentieh century differs greatly from that of the previous century. First, the profile of travelers diversifies. On the other hand, greater variation in the orientation of writer-travellers, in their interests and their perception of the inhabitants and places is perceptible, despite the constants. In fact, a dual ethical and aesthetic dimension characterizes the imaginary of the Afghanistan in this period. In general, the representations of this country in the twentieh century, that is to say between the years 1920 and 1978, are characterized by the predominance of an "Edenlike" vision of the country, its inhabitants and its landscape

Cette étude examine la lecture des textes de théâtre comme des textes de fiction, visant à faire sortir ce genre de lecture du cadre de l’analyse textuelle au sein duquel on a tendance à l’enfermer. L’examen s’effectue à la lumière de l’interrogation sur le suicide dans le drame français du XIXe siècle : son objectif est de cerner l’effet que le suicide d’un personnage exerce sur le lecteur. Pour ce faire, nous nous servons du concept de lecteur virtuel, destinataire implicite et atemporel des effets du texte selon Vincent Jouve ; ce lecteur immerge au sein du monde possible de fiction soutenu par le dispositif qui se fonde sur la tripartition Réel - Symbolique - Imaginaire de Lacan.La réflexion est structurée en cinq parties : l’introduction théorique est suivie des analyses qui portent, respectivement, sur le mélodrame, le drame romantique, le drame naturaliste et le drame symboliste. En nous penchant sur l’effet du suicide fictionnel sur le lecteur, qui est systématiquement relié au questionnement de la catharsis, nous traitons également de l’évolution des formes et genres théâtraux évoqués dans l’optique de la lecture « virtuelle ». Ainsi, lire le drame français du XIXe siècle, c’est voyager de la certitude optimiste du mélodrame à l’indétermination tragique du drame symboliste, du suicide effectif aux morts probablement volontaires, de la catharsis « larmoyante » à l’anticatharsis
This study examines the reading of drama texts as the reading of fictional texts, aiming to broaden the current approach according to which the reading of drama texts is mainly limited to text analysis. This question is examined in the light of the issue of suicide in 19th-century French drama. The principal aim of this study is therefore to understand the impact of the character’s suicide on the reader via the detailed analysis of the ins and outs of the suicidal act. The study applies Vincent Jouve’s concept of the virtual reader, who is defined as an implicit and atemporal recipient of the text effects. This reader emerges in a fictional world that is supported by an operative device (dispositif) based on the Lacanian triptych of the Real, the Symbolic and the Imaginary.The dissertation consists of five chapters. The theoretical discussion is followed by four chapters that deal, respectively, with melodrama, romantic drama, naturalist drama, and symbolist drama. In addition to the effect of the fictional suicide on the reader (which is systematically connected to the catharsis), the evolution of theatrical genres and forms is explored from the perspective of “virtual” reading. Thereby, the reading of 19th-century French drama could be viewed as a journey from the optimistic certainty of melodrama to the tragic indeterminacy of symbolist drama, from actual to probable suicides, from “sorrowful” catharsis to anticatharsis