Tesi: "Critique cinématographique – Italie – 1970-"

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Darchino, Stefano. "« Cinema demenziale » : catégorisation et réception critique italienne du cinéma comique américain des années 1970 aux années 1980". Electronic Thesis or Diss., Paris 8, 2022. http://www.theses.fr/2022PA080068.

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Abstract (sommario):

La présente recherche porte sur la catégorisation du cinema demenziale – littéralement « cinéma démentiel » – par la critique de cinéma italienne au contact de quatre films américains, qualifiés de « comiques » lors de leur sortie en salles à la fin des années 1970 et au début de la décennie suivante : American college (Animal House, 1978), 1941 (1979), The Blues Brothers (1980) et Y a-t-il un pilote dans l’avion ? (Airplane!, 1980). La catégorisation fut influencée par le contexte très politisé de l’Italie de l’époque, avec une interprétation de ces longs-métrages comme subversifs et dissidents. Roberto Silvestri, inventeur principal du cinema demenziale, le définit comme une cinématographie de gauche. Une méthodologie articulant études de réception (Janet Staiger) et analyse filmique, est mobilisée afin d’illustrer les raisons historiques et culturelles qui amenèrent à la construction et à l’émergence de la catégorie au sein de la presse. Une importance particulière est accordée au Mouvement de 1977 (une nouvelle vague de mobilisations sociales et de manifestations intenses en Italie après celle de 1968-1969), à l’édition italienne du livre de Mikhaïl Bakhtine sur François Rabelais et à la réception critique des quatre longs-métrages. Ensuite, le développement de la catégorie cinématographique est retracé des années 1980 à nos jours, où elle est encore connue et utilisée couramment ; par exemple, l’élargissement du corpus filmique, proposé par les publications italiennes, est examiné en détail. La première thèse de doctorat consacrée au cinema demenziale traite de textes critiques et d’œuvres filmiques peu étudiés dans le milieu universitaire
This research focuses on the use of the category cinema demenziale (literally “demented cinema”) by Italian reviewers with respect to four American films, initially qualified as “comedies” for their release in theaters in the late 1970s and early 1980s: Animal House (1978), 1941 (1979), Airplane! (1980), and The Blues Brothers (1980). This new category was influenced by the turbulent political context in Italy at the time, with critics interpreting these films as subversive and dissident. Roberto Silvestri, the principal inventor of cinema demenziale, defined it as a left-wing cinema. A methodology applying Janet Staiger’s “historical materialist approach to reception studies” casts light on the cultural and political background to the construction and emergence of this category in the press. Particularly important in this account are the movement of 1977 (the most intense wave of protests and social movements in Italy since 1968-1969), the publication of the Italian edition of Mikhail Bakhtin’s book on François Rabelais, and the critical reception of the four feature films. We also retrace the development of cinema demenziale from the 1980s to the present era, where the term is still well-known and in common use; for instance, we examine in detail various Italian publications’ proposals to extend the grouping to include a larger corpus of films. This first doctoral dissertation on cinema demenziale explores movies and critical texts that have thus far received little scholarly attention

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Hallé, Esther. "Antonio Pietrangeli, critique et création (1940-1965). : pensées du réalisme cinématographique". Thesis, Normandie, 2017. http://www.theses.fr/2017NORMC042.

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Abstract (sommario):

Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitres
Antonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters

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Henry, Christel. ""A cidade das flores " : pour une réception culturelle au Portugal du cinéma néoréaliste italien comme métaphore possible d'une absence". Caen, 2002. http://www.theses.fr/2002CAEN1350.

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Abstract (sommario):

Notre thèse se propose d'étudier la réception critique du cinéma néoréaliste italien entre 1945 et 1959 au Portugal. Notre intérêt s'est focalisé essentiellement sur les essais et les recueils de critiques dédiés au cinéma italien, présentant ainsi une synthèse de la presse quotidienne et culturelle de cette période, sur la presse spécialisée et enfin sur le circuit des ciné-clubs, véritable promoteur de ce mouvement. Le néoréalisme cinématographique italien servit de prétexte aux intellectuels portugais pour instaurer une Résistance passive à travers des écrits qui, quand ils ne constituaient pas de véritables traités de poésie, oscillaient entre une attitude épigone et une instrumentalisation idéologique. Le circuit des ciné-clubs, en particulier, eut un rôle prépondérant dans la diffusion du phénomène néoréaliste italien qu'il divulgua avec l'objectif de former les consciences de leurs membres aussi bien au niveau idéologique, politique et social que cinématographique.

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Gheller, Enrico. "La politique et les auteurs : le néoréalisme italien au prisme de la cinéphilie française (1946-1956)". Thesis, Normandie, 2021. http://www.theses.fr/2021NORMC005.

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Abstract (sommario):

Le cinéma italien d’après-guerre a sa place légitime dans l’Histoire sous l’étiquette du « néoréalisme ». C’est une panthéonisation encore difficile à remettre en cause aujourd’hui, qui schématise souvent l’image de ce cinéma de manière arbitraire. Une des particularités de ce courant serait sa facilité d’adaptation au-delà des Alpes : en effet, ce mouvement cinématographique a éveillé, en France, un débat très virulent qui a vu la participation de toutes les couches de l’intelligentsia. Le canon néoréaliste se consolideà partir d’une poignée de films et grâce au travail critique de quelques intellectuels engagés, ainsi que de la presse populaire. Les rédacteurs des revues spécialisées et des quotidiens ont le privilège d’une primauté de regard sur les nouveautés cinématographiques transalpines : le plus souvent en dehors des circuits de distribution traditionnels, au sein des nombreux ciné-clubs opérant dans le contexte parisien, les critiques, journalistes et écrivains découvrent un cinéma qu’ils nomment bientôt « école italienne ». Ces constats nous obligent à remettre en question plusieurs stéréotypes sur ce cinéma : tournage dans la rue, acteurs non professionnels et sujets issus de l’actualité n’empêchent pas le cinéma italien d’après-guerre de s’inscrire dans le sillon d’une production somme toute traditionnelle. Ces conclusions imposent aujourd’hui de revenir sur les débats critiques de l’immédiat après-guerre par un regard nouveau et impartial, afin d’approfondir la complexité du processus de réception du néoréalisme
Post-war Italian cinema has its rightful place in history under the label of "neorealism". It is a pantheonisation that is still difficult to question today, which often schematises the image of this cinema in an arbitrary manner. One of the peculiarities of this current is its ease of adaptation beyond the Alps: indeed, this film movement has sparked off a very virulent debate in France, which has seen the participation of all strata of the intelligentsia. The neo-realist canon was consolidated on the basis of a handful of films andthanks to the critical work of a few committed intellectuals, as well as the popular press. The editors of specialised magazines and daily newspapers have the privilege of a primacy of gaze on transalpine cinematic novelties: most often outside the traditional distribution channels, within the many film clubs operating in the Parisian context, critics, journalists and writers discover a cinema that they soon call the "Italian school". These observations force us to question several stereotypes about this cinema: shooting in the street, nonprofessional actors and current affairs subjects do not prevent post-war Italian cinema from following in the footsteps of what was, after all, a traditional production. These conclusions make it necessary today to return to the critical debates of the immediate post-war period with a new and impartial look, in order to deepen the complexity of the process of reception of neorealism

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Oggero, Elisa. "Une cinématographie et une scénographie d’avant-garde : Carlo Levi et le cinéma (1930-1950)". Thesis, Besançon, 2012. http://www.theses.fr/2012BESA1036.

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Abstract (sommario):

Ces dernières années, la production littéraire et artistique de Carlo Levi a fait l’objet d’études approfondies et de nombreuses publications. Cependant, une partie de son œuvre a été négligée par la critique et notamment son activité de scénographe, de scénariste et de cinéaste. La collaboration de Carlo Levi avec l’industrie cinématographique commence au début des années trente et se poursuit jusqu’au début des années cinquante. Pendant ces années, Levi a l’occasion de collaborer non seulement avec des artistes comme Enrico Paulucci, Italo Cremona et Carlo Mollino, avec qui il réalise les scénographies de Patatrac et de Pietro Micca, mais aussi avec des hommes de lettres tels que Mario Soldati, Rocco Scotellaro et Alberto Moravia. Cette étude vise à reconstruire le parcours cinématographique de Carlo Levi en s’appuyant sur des documents d’archives de nature et de provenance différente : des scénarios, des synopsis, des story-boards mais aussi des contrats commerciaux, pour la plupart inédits. Sa production filmique couvre tous les genres : du comique au dramatique, du documentaire à la comédie musicale. Notre travail rend accessible une partie méconnue de l’œuvre de Carlo Levi en contribuant ainsi à la redécouverte de l’un des auteurs majeurs du XXe siècle
In recent years there have been many in depth studies and publications on Carlo Levi's literary and artistic works. However, a section of his work, in particular his work in set design, script writing and film making in general, has been largely neglected by critics. Carlo Levi's association with the film industry started at the beginning of the nineteen thirties and extended to the beginning of the nineteen fifties. During these years, Carlo Levi had the opportunity to work not only with famous artists like Enrico Paulucci, Italo Cremona and Carlo Mollino, with whom he designed the film sets of Patatrac and Pietro Micca, but also with men of letters of the stature of Mario Soldati, Rocco Scotellaro and Alberto Moravia. The aim of this study is to trace Carlo Levi's career in cinema using information found in archived documentation of various types and from various sources: from sets, synopses and story-boards but also in previously unpublished commercial contracts. The films that he produced cover all genres: from comedy to drama and from documentaries to musicals. Our work makes a hereto unknown section of Carlo Levi's work accessible, thereby contributing to the rediscovery of a major 20th century author

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Cavaleri, Giuseppe. "Le cinéma italien en France : histoire, société et diffusion : étudiées à travers les œuvres de Emanuele Crialese, Matteo Garrone et Paolo Sorrentino". Thesis, Paris 10, 2017. http://www.theses.fr/2017PA100096/document.

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Abstract (sommario):

Nous pouvons appréhender le Cinéma comme un vecteur culturel capable de cristalliser les us et coutumes d’une société, ou comme un outil susceptible d’en manifester les aspirations. L’industrie cinématographique italienne demeure parmi celles qui ont su imposer dans l'imaginaire des publics des œuvres venues aussitôt enrichir le patrimoine culturel mondial. De nos jours, sa présence internationale est plus modérée, et le rayonnement de ses œuvres ne dépasse que rarement les limites nationales. Les quelques auteurs tels que Emanuele Crialese, Matteo Garrone et Paolo Sorrentino ont su gagner une visibilité désormais incontestable, leur permettant de devenir le symbole d’un cinéma italien contemporain renaissant. Les contenus de leurs filmographies sont le résultat de formes cinématographiques tout aussi riches que variées, et leur influence semble capable de modifier et de mettre à jour l’imaginaire des passionnés de culture italienne. Nos travaux veulent étudier et comprendre l’impact de leurs œuvres au sein d’un pays comme la France. À travers une étude qui se veut historique, sociologique et économique, nous analysons la représentation du réel dans l’histoire du cinéma transalpin, un idéal intellectuel qui semble intéresser particulièrement les publics français. Puis nous nous consacrons aux contenus de nos trois filmographies de référence, pour en extrapoler les données socio-politico-économiques. L’étude de l’impact de ces œuvres sur les critiques cinématographiques français conclut ces travaux, qui se penchent également sur la distribution et l’exploitation de ce cinéma, présent non seulement dans les salles de l'Hexagone, mais diffusé parallèlement au sein de nombreux festivals
One may approach cinema as a cultural vector which can either give shape to the habits and customs of a given society or reflect its yearnings. The Italian film industry is one among those which have produced movies which entered the global cultural imaginary. Nowadays, its international presence has been reshaped and Italian films do not easily shine beyond the national frame. Artists such as Emanuele Crialese, Matteo Garrone or Paolo Sorrentino have managed to achieve an undeniable visibility, and have become the symbol of a reborn contemporary Italian cinema. The content of their filmographies are the result of film shapes that are as rich as they are diverse, and their influence seems able to alter and to update the imaginary of italian culture connoisseurs. The purpose of our work is to study and understand the impact of their masterpieces on the French audience. Through a historical, sociological and economical study, we will analyse the representation of reality in the history of Italian cinema : an intellectual ideal which seems to have been of interest especially to the French spectators. Then we will focus on the content of these three specific directors’ lifework in order to examine social, political and economical data. Finally, we will conclude by observing the impact these films have had on French experts such as film critics. This study also deals with the distribution and the running of these specific directors’ films not only in the cinemas but also when aired in various film festivals
È possibile concepire il Cinema come un vettore culturale capace di materializzare gli usi e i costumi di una società, o suscettibile di manifestarne le aspirazioni. L'industria cinematografica italiana dimora tra quelle che hanno saputo imporre delle opere entrate istantaneamente nell'immaginario collettivo, e ciò su scala mondiale. Oggi, la sua presenza a livello internazionale è stata ridimensionata e la diffusione delle sue opere oltrepassa raramente i confini nazionali. I rari autori del calibro di Emanuele Crialese, Matteo Garrone e Paolo Sorrentino hanno saputo acquisire una visibilità oramai indiscussa, permettendo loro di diventare il simbolo d'un cinema italiano contemporaneo rinascente. I contenuti delle loro filmografie sono il risultato di forme cinematografiche tanto ricche quanto varie, e la loro influenza sembra capace di modificare e aggiornare l'immaginario degli appassionati di cultura italiana. Queste ricerche vogliono analizzare e comprendere l'impatto delle loro opere in un paese come la Francia. Attraverso degli studi storici, sociologici ed economici, queste ricerche analizzano le forme rappresentative legate al reale presenti nella storia del cinema italiano, un ideale intellettuale che sembra interessare in particolar modo i pubblici francesi. Inoltre, esse si consacrano all'estrapolazione dei dati socio-politico-economici contenuti nelle tre filmografie a cui facciamo riferimento. L'analisi dell'impatto di queste opere sui critici cinematografici francesi scelti come pubblici, concludono queste ricerche che si dedicano in egual modo alla distribuzione e alla commercializzazione di queste opere, presenti non solo in sala, ma diffuse inoltre in molti festival

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Deloingce-Veenendaal, Véronique. "Le personnage dans l'oeuvre cinématographique de Luchino Visconti". Paris 4, 2006. http://www.theses.fr/2005PA040147.

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Abstract (sommario):

De Livia Serpieri au Prince de Salina, d'Angelica à Gustav von Aschenbach, le cinéma viscontien a donné naissance à un certain nombre de personnages, parmi les plus inoubliables que le septième art ait produits. Cette étude a pour objet de cerner le processus de création ainsi que les moyens techniques mis en oeuvre par Luchino Visconti et ses collaborateurs pour réussir à donner corps et insuffler la vie à des héros nés, pour la plupart, sous la plume des plus grands écrivains. Le travail de recherche s'appuie sur les témoignages de collaborateurs directs du cinéaste et s'articule en deux parties principales. Une première partie traite de la réalité physique des personnages et part à la recherche des raisons qui ont abouti à la perfection visuelle des costumes viscontiens. Ces raisons sont à rechercher tant dans l'histoire du cinéma italien que dans l'application d'une stricte méthode viscontienne. La seconde partie tente de saisir le héros dans sa réalité socio-économique et d'en dresser le portrait moral. Une attention spéciale a été consacrée à l'étude des origines littéraires du héros viscontien et particulièrement à analyser l'influence fondamentale qu'eut l'œuvre de Marcel Proust sur la création viscontienne
From Livia Serpieri to the Prince of Salina, from Angelica to Gustav von Aschenbach, the cinema of Luchino Visconti has given birth to a number of characters among the most unforgettable produced by the art of cinema. This study attempts to depict the creative process and the technical means brought into play by Luchino Visconti and those who worked with him in order to build up and to give life to heroic figures mostly originating from the pens of the greatest authors. Research draws largely on accounts of close collaborators of the director and is divided into two parts. The first part treats the physical reality of the characters and looks for the causes behind the visual perfection of Visconti costumes. These reasons are to be found as much in the history of Italian cinema as in the application of a strict Visconti method. The second part attempts to grasp the hero in a socio-economic context and to draw a moral portrait. Particular attention has been paid to the literary origins of the Visconti hero, and especially to an analysis of the fundamental influence which the work of Marcel Proust had on Visconti's creativity

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Quaquarelli, Lucia. "Objets de fiction, quelques fonctions narratives de l'objet romanesque (France-Italie 1980-1990)". Paris 3, 2003. http://www.theses.fr/2003PA030088.

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Abstract (sommario):

Ce travail se consacre à une étude des objets romanesques. De ces objets magiques il trace un chemin d'analyse " fonctionnelle ", effectué sur la base, textuelle, d'un étroit nombre de romans italiens et français parus au cours des années Quatre-vingts. Bien que les objets du roman gardent généralement, tout comme leurs pareils dans le monde réel, une dimension essentielle d'usage (par une nécessité de vraisemblance et de motivation interne), ils possèdent également, toujours, un rôle fictionnel et fonctionnel qui la dépasse. Un rôle qui s'affirme, d'une fois à l'autre, sur le rapport que les objets instaurent avec les personnages et les événements de l'histoire, ou encore, à un autre niveau, avec la narration. Un rôle, enfin, qui enregistre des constantes au sein de l'histoire du roman, à partir desquelles il est intéressant de mesurer l'écart, ainsi que les points de contact (et de reprise), qui marquent la plus récente production romanesque. C'est pourquoi cette étude propose deux parcours distincts parmi les objets qui pointillent les romans des années Quatre-vingts. Le premier suit les traces du rapport qui lie les objets fictifs aux personnages et le deuxième enquête sur les fonctions des objets fictifs à l'égard de la narration. Deux parcours seulement dans l'ample et articulé réseau de rapports invisibles au cœur duquel se trouve l'objet de fiction, qui se déplient bien loin de toute volonté de taxonomie et d'exhaustivité. Deux itinéraires d'analyse qui répondent à la nécessité de rendre compte de la spécificité du corpus romanesque choisi avec, comme toile de fond, une dimension littéraire diachronico-dialectique à partir de laquelle cette spécificité peut véritablement être saisie
This work deals with the study of objects in novels. It lays out a " functional " analytical path of these magical objects, based on the reading of a number of Italian and French novels from the Eighties. Although these fictive objects generally manifest an important utility profile - in a similar way to their cousins in the real world (by the necessity of resemblance and internal motivation) - they equally always possess a fictional and functional role which goes beyond such a profile. It is a role which appears around the relation the objects establish with the characters and the events of the story or, on another level, with the narration. A role which registers constants within the history of the novel, from which it is interesting to measure the distance, rather than the points in common, which mark the most recent production. This is the reason why this study proposes two distinct paths between the objets which punctuate the novels of the Eighties. The first follows the traces of the relation which ties the fictive objects to the characters and the second questions the functions of the fictive objects with regard to the narration. Only two paths are proposed in the vast and complex network of invisible relations at the heart of which the object can be found; two paths which pan out far from the will to taxonomize or be exhaustive. Two analytic itineraries which respond to the necessity to account for the specificity of the corpus of fiction chosen, with for a backdrop a diachronic-dialectic literary dimension from which this specificity can be grasped

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Repetto, Benedetto. "Le documentaire Italien : la contestation cinématographique dans l'ère Berlusconienne". Thesis, Université Paris-Saclay (ComUE), 2018. http://www.theses.fr/2018SACLV069.

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Abstract (sommario):

La présente étude aborde le documentaire italien sous l'ère berlusconienne tout en réfléchissant sur ses interactions avec les transformations historiques et culturelles de l'Italie. Cette production documentaire témoigne de l’urgence de dénoncer les mécanismes du pouvoir et de rechercher la vérité à une époque où réaliser du cinéma politique paraît difficile. Nous sommes partis de l’hypothèse qu’un documentaire de contestation a bien existé et l’étude du contexte social dans lequel un film a été réalisé permet de constituer un cadre de référence qui manifeste quelle production de sens les auteurs ont voulu contester. Le documentaire s’est concentré sur la réalité, en se posant par rapport à l’histoire et à la mémoire. Il a servi d’archive des luttes. Les images de ces films sont des témoignages d’une histoire douloureuse, mais elles montrent également qu’une partie du peuple résiste. Ces documentaires semblent avoir pour objectif d’être la mémoire de cette Italie-là
The present study debates the Italian documentary in Berlusconi’s era reflecting on its interactions with historical and cultural transformations in Italy. This documentary production reveals the urge to expose power mechanisms and seek truth in a moment when making political cinema looked difficult. We started from the theory that a political protest documentary certainly existed, and the study of the social context in which a certain movie was realized allows us to establish the frame in which the authors operated their criticism. The documentary focused on reality, correlating with history and memory. It served as an archive for struggles. These movies witness painful stories, but also show the resisting fraction of a people. This kind of documentary aspires to being the historical memory of that Italy

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Murru, Matilde. "L'image et la culture de la Sardaigne dans la filmographie italienne du deuxième après-guerre à la fin des années 70". Paris 3, 2002. http://www.theses.fr/2002PA030100.

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Abstract (sommario):

Terre de bandits ou paradis exotique pour y passer les vacances? Il semble que, dès ses premières apparitions à l'écran, la Sardaigne n'offre d'autre alternative que ces deux lieux communs. Ce travail se propose justement d'aller au-delà des clichés et d'examiner très précisément quelle image le cinéma, avec son langage et ses modalités spécifiques, a donné de la culture et de la réalité sardes. Tout au long de notre recherche, nous avons pris en considération les documentaires et les films de fiction concernant l'île à une période bien précise de l'Histoire, celle qui va du deuxième après-guerre à la fin des années 70. Les documentaires ont été divisés en six groupes thématiques correspondant aux phases historiques et aux problèmes les plus significatifs de la société sarde. Pour ce qui concerne la fiction, nous avons essayé de dresser un inventaire de tous les films qui, directement ou indirectement, évoquent la Sardaigne, depuis Cenere (1916) avec Eleonora Duse jusqu'à Chiedo Asilo (1979) de Marco Ferreri. Chaque type de production est analysé à partir de son contexte historique et politique. Cette problématisation sociale, qu'elle soit affichée ou occulte, apparaît en effet comme l'une des données constantes de cette cinématographie peu connue, appréhendée ici dans son ensemble pour la première fois. Il faut enfin signaler deux brefs entretiens avec Gavino Ledda et les frères Taviani, respectivement auteur et réalisateurs du film le plus connu à l'étranger, et probablement le seul qui ait montré un peu de la réalité sarde au reste du monde
Land of bandits or exotic holiday paradise ? It seems that from its first appearances on the screen Sardinia offers only these two clichés. This paper intends to go beyond the commonplace to precisely analyse the image the cinema has given to Sardinian culture and reality, with its language and its peculiar features. During our study, documentary films and fictions concerning the island have been considered from the Second Post-War to the end of seventies. The documentary films have been divided in six thematic groups relating to historic periods and to the most important problems of Sardinian society. In terms of fiction, we sought to draw up an inventory of all films which recall, directly or indirectly, Sardinia from Cenere (1916) with Eleonora Duse to Marco Ferreri's Chiedo asilo (1979). Finally we point out two short interviews with Gavino Ledda and with the Taviani brothers, respectively author and directors of the most famous film abroad and probably the only one which was able to portray clearly some Sardinian reality

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Panzeri, Miriam. "Le projet d'un nouvel humanisme dans la culture architecturale en Italie et en France après la Seconde Guerre mondiale (1945-1965)". Paris 1, 2012. http://www.theses.fr/2012PA010532.

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Abstract (sommario):

Partant du constat de la diffusion d'un terme strictement caractérisé, le mot « humanisme», cette recherche souhaite d'abord démontrer l'existence, après la Deuxième Guerre mondiale, d'un projet de nouvel humanisme (première partie) et déterminer les influences que cette idée a eu sur la conception et les projets architecturaux de cette période (deuxième partie). Après un bref excursus sur la naissance et les principales acceptions du terme « humanisme» et de ses dérivés directs (néo-humanisme, nouvel humanisme), nous analysons dans le premier chapitre les usages du mot, en particulier dans l'histoire de l'art et de l'architecture de 1914 au début de la Deuxième Guerre mondiale. Dans le deuxième chapitre, nous explorons encore l'utilisation du terme « humanisme» dans son acception contemporaine, en considérant le passage de ce concept des textes philosophiques aux arts et à l'architecture. Nous analysons à ce propos également un thème très lié à la notion de nouvel humanisme, à savoir le rapport entre arts et technique. Dans la deuxième partie, nous nous intéressons aux valeurs les plus représentatives de la pensée humaniste moderne, notamment avec l'analyse de la critique de l'architecture italienne pendant les vingt ans qui suivent la fin de la Deuxième guerre mondiale : - le sentiment historique, dont le rôle, à cette période, est un rôle actif et opérationnel sur le présent, et non plus une attitude passéiste et imitative; - la formation de l'architecte, qui fait partie d'un intérêt plus général envers l'éducation de tous les hommes et de la société; - l'attention portée à tous les types de relations, en particulier au rapport entre homme et communauté.

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Kern, Bonnie. "La réception historique du cinéma américain en France (1980-1985) : la critique française et la représentation de la femme". Lyon 3, 2008. https://scd-resnum.univ-lyon3.fr/out/theses/2008_out_kern_b.pdf.

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Abstract (sommario):

La société française fut traversée par deux phénomènes dans les années 1980. Le premier s'apparente à un retour de bâton contre les avancées sociales dont les femmes avaient bénéficié au cours des décennies précédentes. Le second concerne l'intensification de la dynamique fascination / répulsion à l'égard de la culture populaire américaine. La conjonction de ces deux facteurs est à l'origine du questionnement central de cette thèse. Nous cherchons à comprendre l'évolution de la condition féminine en France à travers l'étude de la critique française des films américains. Notre démarche s'inspire des études matérialistes historiques de la réception développées par Janet Staiger (1992, 2000). Ces approches consistent à observer l'ancrage historique des débats suscités par les films chez les spectateurs qui évoluent dans des formations sociales diverses (nationalité, âge, sexe, etc. ). Cette thèse emprunte également à la théorie de l'énonciation proposée par Käte Hamburger (1986). Cette dernière postule que le réalisateur ne détermine pas le point de vue au quel le spectateur doit s'adhérer pour « correctement » interpréter le film. En fait, le spectateur en choisit un (ou plusieurs) sur le(s)quel(s) il bâtit son interprétation. Ces théories expliquent la pluralité d'interprétations d'un film. Notre thèse se divise en trois parties. La première présente nos choix théoriques et méthodologiques. Nous analysons ensuite la réception par la critique française de quatre films américains (Kramer contre Kramer, Victor, Victoria, Tootsie, Recherche Susan désespérément) au moment de leur sortie en salle. Nous proposons enfin une mise en contexte socio-historique de nos résultats
During the 1980s, two phenomena resonated in French society. The first phenomenon was a backlash against the social progress of women made over the previous two decades. The second was an intensification of the fascination - repulsion dynamic with American popular culture. The concurrence of these two factors is the origin of this doctoral dissertation whose aim is to understand the evolution of the female condition in France through the study of the French critical reception of American films. The historical materialist approach to reception studies, as developed by Janet Staiger (1992, 2000), guides this research. It consists in observing the historical anchoring of debates sparked by the film amongst spectators evolving in diverse social formations (nationality, age, gender, etc. ). Also fundamental to this research is the theory of utterance (« énonciation ») proposed by Käte Hamburger (1986). According to Hamburger, the film director does not determine an exclusive and obligatory point of view to which the spectator must adhere in order to "correctly” interpret the film. In fact, to build her interpretation, the spectator chooses one (or several) of the possible points of views offered by the film. This doctoral dissertation is divided into three parts. The first part presents the theoretical and methodological framework. The second part contains case studies of the French critical reception of four American films (Kramer versus Kramer, Victor, Victoria, Tootsie, Desperately Seeking Susan) at the time of their release. The final part offers a social and historical contextualisation of these analyses

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Dematteis, Bianca Maria. "La rappresentazione della violenza politica e della violenza di guerra nelle riviste « L'Uomo qualunque », « Candido » et « Il Borghese » (1945-1956)". Paris, EHESS, 2015. http://www.theses.fr/2015EHES0077.

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Abstract (sommario):

La recherche est née avec l'intention d'enquêter sur la représentation du fascisme proposée, dans l'Italie du second après-guerre, par des milieux culturels n'ayant pas de liens directs avec le fascisme ni avec l'antifascisme. Dans cette optique, la recherche a pris en considération un domaine spécifique de la presse italienne. Trois revues ont été choisies : L'Uomo qualunque dirigé par Guglielmo Giannini, Candido de Giovannino Guareschi et Giovanni Mosca (à partir de 1950 Giovannino Guareschi en sera le seul directeur) et Borghese de Léo Longanesi, publiés respectivement à partir du 27 décembre 1944, du 15 décembre 1945 et du 15 mars 1950. Les périodiques ont été analysés depuis le premier numéro de publication jusqu'au dernier, paru en 1956. Le fascisme et par la suite, la guerre de 1940-1945, ont été analysés en tentant de focaliser, dans un contexte plus général de reconstruction historique, la représentation et les modalités discursives avec lesquelles, dans l'après-guerre et dans cette presse, on décrivait la violence, faite et subie par les Italiens au cours des années soumises à examen. La représentation du fascisme et, en particulier, de la violence des fascistes est le thème d'enquête de cette analyse - à laquelle est ajoutée une appendice relative à plusieurs épisodes de violence survenus en Italie entre la fin de la guerre et 1949, principalement subis par les gauches socialistes et communistes - pour pouvoir confronter la continuité et la discontinuité dans l'approche du thème de la violence et la définition de ses acteurs
The research aims at investigating the proposed representation of fascism in Italy after world war II, by cultural environments with no direct links with fascism or anti-fascism. This research has considered a specific area of the italian press. Three periodicals were chosen: L'uomo Qualunque directed by Guglielmo Giannini, Candido directed by Giovannino Guareschi and Giovanni Mosca (from 1950 Giovannino Guareschi will be the only director) and // Borghese directed by Leo Longanesi, published from december 1944, december 1945 and march 1950 respectively. The periodicals were analyzed from the first to the last issue released in 1956. Fascism and the war are analyzed by attempting to focus, in a more general context of historical reconstruction, on representation and discursive modalities through which violence done and suffered by italians is described. The representation of fascism and, in particular, fascist violence is the subject of this analysis, to which an appendix on several episodes of violence that took place in Italy between the end of the war and 1949 is attached. The aim is to confront the continuities and discontinuities in the approach to the topic of violence and the definition of its actors. The thesis is structured in five chapters : the first one is dedicated to the period from 1922 to 1938 ; the second part is a description of violence of war 1940-1943 ; the third one is focused on the representation of Shoah ; the fourth chapter is based on analysis of the period between 1943 and 1945 ; finally, violence occurred in the Italy during the first years of democracy is described

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Conti, Eleonora. "Giuseppe Ungaretti, médiateur culturel entre la France et l'Italie, 1919-1929". Paris 4, 2000. http://www.theses.fr/2000PA040209.

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Abstract (sommario):

Le sujet de notre travail est le rôle de médiateur culturel entre la France et l’Italie que le poète italien Giuseppe Ungaretti (1888-1970) joua dans la décennie 1919-1929 auprès d'un certain nombre de périodiques italiens et français. La première section de la thèse (chap. I-IV), qui concerne la première moitié des années vingt, est consacrée a trois périodiques italiens rédigés en français, où se mêlent intérêts littéraires et politiques : La vraie Italie, Don Quichotte et l’Italie nouvelle. Ungaretti collabora à La vraie Italie (revue mensuelle fondée par Giovanni Papini à Florence, 1919-1920) en tant que conseiller, même s'il n'y publia aucun article ; quant à Don Quichotte, quotidien d'action latine (fondé à Paris par Luigi Campolonghi en janvier 1920), Ungaretti y collabora assidument en tant que chroniqueur littéraire et politique ; dans l’Italie nouvelle (fondée à Paris par Nicola Bonservizi en 1923), Ungaretti publia de nombreux articles de littérature italienne. La deuxième partie de la recherche (chap. V-VII) est consacrée à deux revues françaises l'Esprit nouveau (Paris, 1920-1925, dirigée par Dermée, Jeanneret et Ozenfant) et Commerce (Paris, 1924-1932, dirigée par Fargue, Larbaud, Valéry), auprès desquelles Ungaretti fut charge du rôle de responsable de la section italienne (auteur, traducteur, conseiller des auteurs italiens à publier) ; et à un journal italien, l'Italiano (fondé par Léo Longanesi à Bologne, 1926-1942), dans lequel Ungaretti publia des textes critiques concernant la littérature française et où il joua le rôle d'inspirateur de nombreux articles polémiques concernant la revue 900 de Massimo Bontempelli (la dernière revue italienne rédigée en français de la décennie), qui proposait une ligne de médiation littéraire avec la France différente de la sienne. Tous les textes que nous prenons en examen n'avaient jamais été publiés et étudiés en entier, jusqu'à présent. Notre but était celui de combler cette lacune et de tracer un bilan de la production critique d’Ungaretti en langue française, qui s'est révélée être intéressante et utile pour en compléter le profil d'intellectuel.

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Hunin, Juliette. "Le "mouvement de 77" : perceptions littéraires". Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030001/document.

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Abstract (sommario):

Neuf ans après 1968, l’Italie connaît une nouvelle année d’agitation. Pendant quelques mois la péninsule est parcourue par un mouvement social, politique et culturel extrêmement vigoureux et offensif qui prendra le nom de « mouvement de 77 ». Cette contestation irrévérencieuse évoluera au fil des mois : les manifestations vont se tacher de sang et le « mouvement de 77 » se radicaliser. Mais il sera vite oublié, l’Italie se précipitant, le 16 mars 1978 avec l’enlèvement d’Aldo Moro, au cœur de ce que l’on nomme les « années de plomb ». De ce fait l’historiographie italienne mentionne rarement cette année de mobilisation, et seuls quelques romanciers ont été inspirés par le mouvement insurrectionnel de 1977. Nous dégagerons les raisons littéraires qui ont poussé les écrivains à s’emparer du « mouvement de 77 », afin de comprendre l’exploration paradoxale de cette année : d’un côté volontairement refoulée de l’histoire et de la littérature, de l’autre instrumentalisée afin d’illustrer les valeurs, les échecs ou les victoires de toute une génération. Comment les écrivains ont-ils évoqué ce mouvement ? Comment se sont-ils mesurés à ses enjeux, à ses dérives et à ce qu’il représente ? Quelles solutions narratives ont-ils exploré pour en rendre compte ? Comment leurs textes répondent-ils aux « mythes », ces conceptions dominantes et réductrices que la société italienne, traumatisée par cette période de son histoire, a produit envers cette jeunesse contestatrice ? Nous suivrons la diachronie des perceptions littéraires de cet événement, de 1979 à 2007, à travers les œuvres de Bruno Arpaia, Nanni Balestrini, Ferdinando Camon, Enrico Palandri, Paolo Pozzi et Luca Rastello
Nine years after 1968, Italia is going again through one year of agitation. For a few months, the peninsula is crossed over by a social, political and cultural movement, extremely vigorous and offensive, that was named "movement of ’77". This irreverent contestation is going to change with the passing months : the demonstrations become bloody and the movement of ’77 turns to more radicalism. But it will be soon forgotten when Italia, on the 16th of March 1978, day of the kidnapping of Aldo Moro, will rush into the heart of what were called the "Years of Lead". Thus, the italian historiography rarely mentions this year of mobilisation, and only a few italian novelists were inspired by the insurrectionary movement of 1977. We will draw the literary reasons that led those novelists to take over the "movement of ’77", in order to understand the paradoxical exploration of that year which was on one side forgotten by the history of literature, and on the other side used to illustrate the values, the failures and the victory of a whole generation. How did the writers picture that movement? How did they confront its stakes, its drifts, and what it represents? What are the narrative solutions they have found to express it? How do their texts answer to the "myths", these dominating and reducing conceptions that the italian society, traumatised by this period of its history, have brought to the contestating youth? We will follow the diachrony of the literary perceptions of that event, from 1979 to 2007, through the works of Bruno Arpaia, Nanni Balestrini, Ferdinando Camon, Enrico Palandri, Paolo Pozzi and Luca Rastello

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Omer, Ibrahim Babiker Asia. "Écriture romanesque, écriture cinématographique : le cas du "Hussard sur le toit" de Jean Giono et de son adaptation au cinéma par Jean-Paul Rappeneau". Thesis, Bourgogne Franche-Comté, 2017. http://www.theses.fr/2017UBFCC029.

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Abstract (sommario):

La thèse porte sur l’adaptation cinématographique d’une œuvre littéraire considérée comme inadaptable, Le Hussard sur le toit de Giono, paru en 1951. Le roman de Giono et le film de Jean-Paul Rappeneau, sorti en 1995 et portant le même titre sont tous les deux une représentation fictionnelle d’un passé historique. Le roman et le film racontent l’histoire d’un exilé politique italien qui se conduit en héros généreux lors d’une épidémie de choléra au XIXe siècle en France, mais ils utilisent des codes différents et ont chacun des éléments constitutifs spécifiques. Notre démarche a eu pour but de savoir quelles sont les logiques respectives du récit romanesque et du récit cinématographique. Pour cela, après avoir défini l’adaptation, nous avons situé le roman et sa signification dans l’oeuvre de l’auteur, puis nous avons dégagé les caractéristiques de l’univers romanesque de Giono, qui écrit souvent à la manière d’un cinéaste. Nous avons étudié le film du point de vue des étapes successives de sa réalisation, du scénario au tournage et au montage, en montrant quelles étaient ses techniques et comment la diffusion a été faite. Nous avons ainsi montré qu’il y avait plusieurs transcodages du texte au film. Nous avons comparé les deux récits et nous avons trouvé que le cinéaste doit répondre à des contraintes techniques, et structurer en fonction du médium filmique. Rappeneau fait des transformations et met en valeur l’histoire d’amour du roman, en conservant son esthétique. Il propose donc sa lecture de l’œuvre et son interprétation. Le cinéma permet de découvrir de nouvelles œuvres, celles qu’il réalise et aussi celles qu’il adapte. Il permet ainsi d’initier à la culture. Ces aspects sont très importants dans la transmission d’une langue, en particulier le FLE dans le contexte soudanais. C’est pourquoi nous proposons une exploitation didactique basée sur notre expérience à l’université. L’analyse littéraire et filmique sont des moyens pour transmettre et comparer la langue et la culture, faire connaître une société et renforcer la motivation dans une ambiance de plaisir. Ce sont des sources de connaissance et de savoir-faire
The thesis is about the cinematographic adaptation of a literary work considered as inadaptable, The horse man on the roof published by Giono in 1951.The novel of Giono and the film of Rappeneau (released in 1995 with the same title) are both a fictional representation of a historical past.The novel and the film tell the story of an Italian political exile who behaves like a generous hero during a cholera epidemic in the nineteenth century in France. They use different codes and each have specific constituents.Our aim was to find out what are the respective logics of the fictional narrative and the cinematographic narrative. For this, after having defined the adaptation, we have located the novel and its meaning in the author's work, and then we have revealed the characteristics of the romantic universe of Giono, who often writes in the manner of a filmmaker. We studied the film from the point of view of the successive stages of its realization, from scenario to filming and editing, showing what were its techniques and how the diffusion was made.We thus showed that there were several transcodings of the text to the film. We compared the two stories and found that the filmmaker must respond to technical constraints, and structure according to the filmic medium.Rappeneau transforms and highlights the love story of the novel, while maintaining its aesthetic. He therefore proposes his reading of the work and his own interpretations. The cinema makes it possible to discover new works, those that it realizes and also those that it adapts. It allows initiating to culture. These aspects are very important in the transmission of a language, especially FLE in the Sudanese context.That is why we offer a didactic exploitation based on our experience at the university. Literature and film analysis are means to transmit and compare language and culture, to make a society known and it also reinforce motivation in an atmosphere of pleasure. They are sources of knowledge

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Chandelier, Frédéric. "Les Cahiers du Cinéma dans les années soixante-dix : enjeux esthétiques de la représentation de l’histoire et de la mémoire des luttes populaires". Thesis, Paris 10, 2018. http://www.theses.fr/2018PA100110.

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Abstract (sommario):

Cette thèse traite de la période durant laquelle les Cahiers du Cinéma ont appliqué une lecture idéologique aux films populaires. Elle met en exergue les débats et les différentes théories critiques développées autour de la représentation de l’histoire des luttes populaires au sein du cinéma français, italien et américain de 1973 à 1978. Ce travail analyse les articles parus dans la revue à partir de la prise en charge de la rédaction par Serge Daney et Serge Toubiana. Le changement qui intervient alors au sein de la revue est indissociable d’un désir de retour à une critique renouant avec le cinéma après une période marquée par l’engagement politique de la rédaction depuis 1968. Les retrouvailles avec cette critique filmique encore empreinte de militantisme passent par une lecture des intentions idéologiques que recouvrirait le cinéma populaire. Les films sont appréhendés par la revue tels des moyens pour la classe bourgeoise de rendre naturelle sa conception du monde, de la société et de l’Histoire. C’est aux côtés des philosophes Michel Foucault, Jacques Rancière et de l’historien Marc Ferro que les critiques des Cahiers vont affiner une approche historiographique de la représentation des masses populaires au cinéma. De la France de Charles de Gaulle au programme socialiste de François Mitterrand en passant par l’arrivée au pouvoir de Valéry Giscard d’Estaing, la rédaction des Cahiers du Cinéma focalise son analyse sur les mutations et les ruptures qui caractérisent les gouvernements se succédant. Ce travail revient sur les différentes lectures que les critiques développent à l’endroit du découpage de films historiques et documentaires traitant de mouvements révolutionnaires tels que mai 68, sur les films ayant recours à des images d’archives, sur la décontextualisation politique du discours tenu par le militantisme ainsi que sur la fonction sociale et historique que les critiques des Cahiers du Cinéma ont théorisée en s’appuyant sur des films tels que Moi, Pierre Rivière..., Le petit Marcel, Milestones ou encore Jonas qui aura 25 ans en l’an 2000
This thesis concerns the period in which the Cahiers du Cinéma applied an ideological reading to popular film. It highlights the debates and various critical theories concerning social struggles within French, Italian and American cinema from 1973 until 1978. This work analyses the articles published in the Cahiers after Serge Daney and Serge Toubiana began managing the magazine. The changes which then occurred showed an intrinsic desire to revive film criticism after a period marked by the political commitments of the editorial staff (dating back to 1968). This merging of film criticism with a militant approach was achieved through a reading of the ideological intentions hidden within popular cinema. Film was understood by the magazine as a way for the bourgeois class to normalize its conception of the world, society and history. Along with the philosophers Michel Foucault, Jacques Rancière and the historian Marc Ferro, the critics of the Cahiers would go on to refine a historiographical approach of the representation of the working-class masses. From Charles de Gaulle’s France to Valéry Giscard d’Estaing’s election and to François Mitterrand’s socialist program, the editorial staff of the Cahiers du Cinéma focused its analysis on the transformations and fractures which characterized successive governments. This work reflects on the different readings that the critics developed, regarding the editing of historical and documentary films which recorded revolutionary movements like the May 1968 events. It also looks at the way films resorted to archive images, and the political decontextualization of the militant discourse, as well as the social and historical function that the critics of the Cahiers du Cinéma theorized, drawing from films such as Moi, Pierre Rivière..., Le petit Marcel, Milestones or Jonas qui aura 25 ans en l’an 2000

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Caristia, Stefania. "La réception de la littérature française dans les revues littéraires italiennes de la deuxième moitié du XXème siècle (1944-1970)". Thesis, Sorbonne université, 2019. http://www.theses.fr/2019SORUL079.

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Abstract (sommario):

Comment l’étude de la réception d’une littérature étrangère dans les revues – objets hybrides et fluides dont les spécificités essentielles sont l’inscription dans la durée et le rapport entretenu avec le temps historique, ainsi que le fait d’être le résultat polyphonique d’une création collective – permettrait-elle de dépasser les distinctions entre les approches de l’« esthétique de la réception » et de l’« histoire de la réception » (et encore, de la sociologie et de la sociopolitique), et entre les notions de « réception critique » et de « réception créatrice » ? Notre recherche, portant sur un corpus hétérogène composé de trente revues littéraires et politico-littéraires italiennes, s’est articulée autour de cette question. En s’appuyant sur les notions de transfert et de réseaux et en croisant les approches quantitative et qualitative des textes français, des traductions et des contributions critiques publiés dans les revues, notre travail vise à identifier les lieux et les modalités de la réception, ses évolutions et ses invariants après la Deuxième Guerre mondiale. L’optique interdisciplinaire adoptée, s’attachant aux multiples facettes de ce phénomène, porte un nouveau regard sur les histoires croisées des littératures française et italienne, ainsi que sur l’activité des revues et les pratiques de la critique littéraire. En interrogeant les mécanismes par lesquels les revues s’approprient la littérature étrangère, ce sont les rapports qui existent entre la réception des œuvres littéraires, l’histoire d’un champ littéraire national et les facteurs extra-littéraires (historiques, politiques, idéologiques…) que nous nous proposons de sonder
Being periodicals a hybrid and fluid object, whose essential particularities are periodicity and the relationship with historical time, as well as being the polyphonic results of a collective creation, how would the study of the reception of a foreign literature in periodicals allow to overcome the distinctions in approaches between the aesthetics of reception and the history of reception, and between the notions of critical reception and creative reception? My research focuses on this question through the analysis of a heterogeneous corpus of thirty Italian literary and politicalliterary periodicals. Building on the notions of “transfer” and “networks” and by crossing quantitative and qualitative approaches in the analysis of French texts, translations and criticism edited in the reviews, my research aims at identifying reception’s places and modalities, its evolutions and invariants after World War II. The interdisciplinary point of view adopted, focusing on the phenomenon’s many aspects, takes a new look on the intermingled histories of French and Italian literature, as well as on the periodicals’ activity and forms of literary criticism. By questioning the mechanisms through which periodicals adapt foreign literature, I aim at surveying the relationships between the reception of literary works, the history of a national literary field and the extraliterary factors (history, politics, ideologies…)

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Herrera, Aliosha. "Histoire du cinéma thaï de 1945 à 1970 : l'ère des fictions populaires en 16mm". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2016. http://www.theses.fr/2016USPCA128.

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Abstract (sommario):

Les années 1950 et 1960 apparaissent comme deux décennies d’intense effervescence dans le champ du cinéma thaï. L’adoption, à l’issue de la Seconde Guerre mondiale, du format 16mm par une nouvelle génération de cinéastes donna lieu à l’essor d’une production cinématographique très populaire dans le royaume. Alors que les comédies musicales réalisées par les fondateurs pionniers de la compagnie Phaphayon Siang Si Krung jusqu’en 1941 semblaient promettre la pérenne hégémonie d’un véritable « Hollywood du Siam », ces fictions joyeusement rhapsodiques, filmées avec des moyens de fortune et accompagnées en direct par la légendaire faconde de doubleurs professionnels, rencontrèrent un vaste public de Bangkok aux plus lointains villages de province, dans le cadre de projections en prolongement direct avec les spectacles mixtes d’antan. La disparition accidentelle, le 8 octobre 1970, de l’acteur Mit Chaibancha au cours du tournage d’Insi thong [« L’aigle d’or »] mit cependant un brusque terme à cette expérience, singulièrement tardive, de cinéma oral. La récente constitution d’un fonds d’archives à la Cinémathèque thaï a permis la mise à jour de riches vestiges de cette bien nommée « ère du 16mm ». Cette recherche se propose comme une première tentative historiographique pour exhumer ce patrimoine visuel, à la fois ancré dans la tradition dramatique siamoise et apparu dans le contexte d’une dictature militaire placée sous la complexe influence de son allié américain en ces années de Guerre Froide
The 1950s and 1960s appear as two decades of intense effervescence in the field of Thai cinema. In the immediate aftermath of the Second World War, the adoption of the 16mm format by a new generation of filmmakers gave rise to a very popular cinematic production in the kingdom. Whereas the musicals directed by the pioneer founders of the Phaphayon Siang Si Krung company until 1941 seemed to promise the perennial hegemony of a real ‘Hollywood of Siam’, these joyously rhapsodic fictions, filmed with makeshift means and accompanied live by the legendary loquaciousness of professional dubbers, encountered a broad public from Bangkok to the most remote provincial villages, within a screening framework stemming directly from earlier mixed shows. Nevertheless, the accidental disappearance of the actor Mit Chaibancha on the 8th of October 1970, during the shooting of Insi thong [« The golden eagle »], put an abrupt end to this singularly belated experience of oral cinema. The recent composition of an archival fund at the Thai Film Archive permitted the bringing to light of rich vestiges from this well-named ‘16mm era’. This research is a first historiographical attempt to exhume this visual patrimony, both embedded in the Siamese dramatic tradition and generated in the context of a military dictatorship that came under the complexe influence of its American ally during these Cold War years

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Marchais, Nathalie. "La figure maternelle dans la littérature féminine italienne des quarante dernières années". Thesis, Paris 10, 2010. http://www.theses.fr/2010PA100231/document.

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Abstract (sommario):

Depuis l’essor du féminisme dans les années soixante-dix, les écrivaines ont commencé à occuper une place importante dans le panorama littéraire italien. Parmi les thématiques les plus souvent traitées, celle de la mère et de la maternité représentent un intérêt constant. Loin de reproduire l’habituel stéréotype de la mamma italienne, les écrivaines ont contribué à une déconstruction progressive des mythes inhérents à cette figure centrale dans la culture et la société. Les années soixante-dix ont été caractérisées par le refus de la maternité en tant que vocation naturelle de la femme, en lien avec les revendications féministes de disposer de son corps, (légalisation de l’avortement, développement de la contraception, révision du droit de la famille). Dans les années quatre-vingt et jusqu’au milieu des années quatre-vingt-dix, le thème de la relation mère-fille s’est imposé comme une réhabilitation des mères du passé. Le genre autobiographique s’est affirmé dans cette phase sous d’autres formes. Depuis le milieu des années quatre-vingt-dix et jusqu’à nos jours, la nouvelle génération d’écrivaines tend à faire de la mère dans les récits une femme tourmentée, inadaptée, instable voire un être monstrueux qui peine à remplir son rôle et met la vie de ses enfants en danger. Dans cette optique, une partie des héroïnes font d’ailleurs le choix de ne pas devenir mères. Parmi les auteures analysées : Dacia Maraini, Carla Cerati, Giuliana Ferri, Gina Lagorio, Francesca Duranti, Francesca Sanvitale, Fausta Cialente, Elena Ferrante, Simona Vinci, Letizia Muratori, Alina Marazzi, Cristina Comencini
Since feminism emerged in the seventies, women writers have occupied an increasingly important place in the Italian literary panorama. Among the most dealt with subjects, those of the mother and motherhood have been of constant interest. Far from reproducing the usual stereotype of the Italian mamma, women writers have contributed to a progressive deconstruction of the myths inherent to that central figure of the culture and society. The seventies were characterized by the refusal of motherhood as a natural vocation of women, in connection with the feminist claims to own and control their own bodies, (abortion right, development of contraception, revision of the family law). In the eighties and until the middle of the nineties, the theme of the mother-daughter relationship imposed itself as a rehabilitation of the mothers of the past. The autobiography asserted itself at that stage under other forms. Since the middle of the nineties and until today, the new generation of women writers has tended to turn the mother of the narrative into a tormented, maladapted and unstable woman, even a monstrous being who fails to play her role, and puts her children’s lives in danger. This might be the reason why some heroines actually make the choice not to become mothers. Among the women writers studied: Dacia Maraini, Carla Cerati, Giuliana Ferri, Gina Lagorio, Francesca Duranti, Francesca Sanvitale, Fausta Cialente, Elena Ferrante, Simona Vinci, Letizia Muratori, Alina Marazzi, Cristina Comencini

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Fouillet, Raphaële. "Les formes de contextualisation de la description du français dans les grammaires pédagogiques pour italophones (1970-2011). Cultures métalinguistiques et expertise professorale". Thesis, Paris 3, 2013. http://www.theses.fr/2013PA030152.

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Abstract (sommario):

La grammaire, discipline indéfectiblement liée à l’écriture, semble reléguée au second plan depuis l’introduction de la notion de compétence de communication dans l’enseignement / apprentissage du français langue étrangère, à en croire un discours didactique répandu. Or, les pratiques des enseignants de français comme langue étrangère et seconde et les manuels de langue édités en France tendent à montrer une permanence des activités grammaticales. Ce paradoxe nous a conduite à nous interroger sur le discours grammatical d’ouvrages conçus dans un contexte spécifique d’enseignement du français, pour des apprenants partageant une même langue première. Nous avons procédé à l’étude de vingt-six (26) ouvrages de grammaires produits en Italie entre 1970 et 2011. L’analyse des classes grammaticales du point de vue de leurs dénominations mais aussi de leurs définitions ainsi que de la description/explication des faits de langue, effectuée par rapport à une description grammaticale dite « de référence » du français, a révélé des phénomènes de contextualisation diffus et constants tout au long de la période analysée. Une typologie des différentes formes a été dégagée, mettant en évidence quatre catégories de contextualisation, toutes fondées sur la langue première des apprenants et sa grammatisation spécifique. Une relation est établie entre cette forme d’adaptation du discours grammatical de référence du français et les savoirs d’expertise professionnelle des enseignants, ce qui amène à reconsidérer les liens que l’enseignement et la description des langues ont toujours entretenus dans le monde occidental
According to common discourse in the field of didactics, grammar, considered as an intimate related discipline to writing practices, seems to be often overshadowed since the introduction of the concept of the communicative competence in French as a foreign language teaching and learning. Nevertheless, the practices of teachers of French as a foreign or second language and the handbooks for language learning published in France certify a continuous presence of grammar activities in this field. The present study, based on this contradictory situation, seeks to analyse the grammatical discourse of handbooks specifically conceived for learners of French as a foreign language who share a common first language. With this aim, we review twenty six (26) books of grammar edited in Italy between 1970 and 2011. The study begins by investigating the designation and definition of parts of speech and the description of language facts by comparing them to a reference description of French Grammar. We try to reveal how this description takes place through a constant and widespread, diffuse character throughout the analysed period. The study continues by establishing a typology of different forms based on four categories of contextualization, all derived from the learners’ first common language and its specific context grammatisation. Finally, in the perspective of reconsidering the long-lasting relationship between teaching and language description in the occidental world, we suggest possibilities for joining French grammatical reference discourse adaptation and teachers’ professional expertise knowledge

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Puliero, Catherine. "Nanni Moretti entre autobiographie, réalité et fiction". Thesis, Paris 3, 2020. http://www.theses.fr/2020PA030004.

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Abstract (sommario):

Au moment où le cinéma italien semble peiner à se renouveler, Nanni Moretti fait son apparition en tant que réalisateur-acteur. Il impose au public son corps, son visage, son égocentrisme, une certaine image de soi teintée d’une pointe d’ironie. Depuis ses débuts, il se raconte ou raconte sa génération et les précédentes à travers les personnages qu’il interprète à l’écran. En regardant l’ensemble de ses réalisations, nous entrevoyons l’existence d’une interaction entre autobiographie, réalité et fiction. Cette thèse engage une étude chronologique et thématique de l’œuvre « morettienne » à partir de quatre lignes de forces. La première traite de l’autobiographie comme source d’inspiration. Elle questionne la manière dont le réalisateur construit ses films entre autobiographie et autoportrait. Elle révèle aussi comment il transforme ses expériences de vie, les objets ou les lieux en traces autobiographiques. La seconde démontre comment la représentation du réel est à la source même de ses créations grâce à la participation de ses proches ou grâce à l’emploi de supports écrits ou visuels. La troisième explore davantage les mécanismes créatifs de ses réalisations. Elle étudie particulièrement l’insertion des citations filmiques ou le tournage d’un film dans le film au sein de ses fictions. Une étude détaillée de Mia madre confirmera l’utilisation de l’autobiographie, de la réalité et de la fiction dans ce récit par le cinéaste. La quatrième révèle comment la fiction devenant la réalité fait de Moretti un artiste visionnaire
At a time when the Italian cinema seems to be struggling to renew itself, Moretti emerges as a director-actor. He imposes on the public his silhouette, his face, his self-centeredness, a certain self-image tinged with a touch of irony. Since his beginnings, he talks about himself or about his generation and the previous ones, through the characters he plays on screen. Reviewing his entire production, we identify the existence of an interaction between autobiography, reality and fiction. This thesis starts a chronological and thematic study of the "Moretian" work based on four main key elements. The first one deals with autobiography as a source of inspiration and questions how the director structures his films between autobiography and self-portrait. It also reveals how he converts his life experiences, objects or places into autobiographical traces. The second key element demonstrates how the representation of reality is at the very source of his creations with the participation of his relatives or by using written or visual materials. The third key element further explores the creative mechanisms of his work. It especially studies the insertion of film quotes or the shooting of a film within the film in his fictions. A detailed study of Mia madre will confirm the filmmaker's use of autobiography, reality and fiction in this narrative. The fourth key element reveals how fiction by becoming reality makes Moretti a visionary artist

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Feuillerac, Martin. "Les conséquences du travail empirique de Luciano Berio au Studio di Fonologia : vers une autre écoute". Thesis, Toulouse 2, 2016. http://www.theses.fr/2016TOU20100/document.

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Abstract (sommario):

En 1955, Luciano Berio obtient de la R.A.I. l’autorisation de créer, dans les locaux milanais de la radio, le Studio di Fonologia, premier studio européen mêlant musique concrète et musique électronique. Ce lieu, dont il définira tout autant les statuts que les différents appareillages, va devenir pour lui durant six ans un lieu de production effrénée de radiodrames pour la R.A.I., mais également un laboratoire de recherches personnelles. Entouré par un cercle d’avant-garde, très au fait des publications scientifiques de son temps - notamment dans le domaine de la linguistique, de la théorie musicale, et du structuralisme - il va plonger de façon empirique au cœur la matière vocale. La situation acousmatique du studio, l’absence d’interprètes, la dimension poétique et théâtrale du langage vont l’amener à se questionner sur l’écoute, et, dans une pensée brechtienne, sur l’écoute de l’écoute. Nous tentons de dégager, dans notre travail, en partant de la réalité du travail en studio, les éléments qui ultérieurement ont fusionné pour devenir le style bérien et qui sont déjà en germe ou même parfaitement identifiables durant cette période qui va de Chamber Music à Laborintus II
In 1955 the R.A.I. granted Luciano Berio permission to create the Studio di Fonologia in their Milan radio studios, the first European studio to combine “musique concrète” and purely electronic music. He was able to choose the equipment and define the usage of the studio so that it became a place where he would produce radio dramas for the R.A.I. at a furious pace for six years as well as a laboratory for personal research. Surrounded by a circle of avant-garde personalities, very aware of scientific publications of his time - notably in the domains of linguistics, musical theory and structuralism - he will dive in an empirical way into the heart of vocal material. The acousmatic nature of the studio, the absence of live performers, and the poetic and theatrical dimension of language will lead him to ask himself about the notion of listening, and in a Brechtian way, about listening to listening. We will attempt in our work to reveal - from his actual studio work - the elements which later merged to become the Berian style and which were already germinating or even perfectly recognizable during the period from Chamber Music to Laborintus II

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Courriol, Marie-France. "Cinéma et expérience totalitaire : le laboratoire du genre du film de guerre dans l'Italie fasciste (1935-1943)". Thesis, Lille 3, 2015. http://www.theses.fr/2015LIL30047.

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Abstract (sommario):

Cette thèse analyse les films de guerre de fiction produits dans l’Italie fasciste de 1935 à 1943, de la Guerre d’Ethiopie à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Elle démontre que le genre de guerre fonctionne comme un laboratoire pour l’entreprise de révolution anthropologique de l’Italie, inhérente à l’expérience totalitaire fasciste. Ce modèle cinématographique et social est en effet célébré comme devant s’étendre à l’ensemble du monde cinématographique italien, et ses caractéristiques à l’écran sont censées fournir l’image d’une société fasciste idéale.Après avoir analysé la mise en place du film de guerre italien dans ses discours, ses institutions et ses circulations internationales, ce travail examine les réponses de la production cinématographique. Il se clôt sur la perception du genre de guerre, ses spectateurs, sa réception et sa publicité. Il montre que les films de guerre de la période forment un lieu où coexistent de nombreux objectifs servant des groupes variés. Reposant en grande partie sur des archives d’Etat et de cinéastes, ce travail se concentre sur des études de cas de producteurs (Scalera, Bassoli Film), de réalisateurs (Goffredo Alessandrini, Mario Camerini, Francesco De Robertis, Augusto Genina, Romolo Marcellini, Roberto Rossellini), de scénaristes (Asvero Gravelli, Gian Gaspare Napolitano) et de réception de films particuliers. Cette étude des réponses multiples aux demandes d’un système totalitaire en formation dans le champ cinématographique entend contribuer au débat historiographique sur l’adhésion populaire au fascisme, en en élargissant les paramètres. En outre, bien que le genre joue un rôle central dans le développement de l’industrie cinématographique nationale, ce travail démontre cependant la nécessité d’interpréter ces films en termes transnationaux et non comme simples produits politiques et nationaux
This thesis analyses the fictional war films produced in Fascist Italy from 1935 to 1943, from the Ethiopian war to the end of WWII. It argues that this genre functioned as a laboratory for the anthropological renewal of Italy in the Fascist totalitarian experiment. Fascist critics celebrated it as a cinematic and social model that had to be applied to the whole Italian film world, and whose on-screen features were to become the mirror image of an ideal Fascist society. After tracing the foundations of the Italian war film genre (critical debates, international circulation), the thesis interrogates the positioning of film professionals in relation to Fascist cultural policies. Lastly, it redefines the genre in terms of its interactions with Italian viewers and through advertisement. This thesis shows that war films of the period constitute a contested site serving multiple purposes for multiple groups. Relying primarily on archival material from Italy’s state archives and filmmakers’ private papers, this work presents several case studies of producers (Scalera, Bassoli Film), directors (Goffredo Alessandrini, Mario Camerini, Francesco De Robertis Augusto Genina, Romolo Marcellini, Roberto Rossellini), screenwriters (Asvero Gravelli, Gian Gaspare Napolitano) and reception of specific films. A study of the multiple responses to the demands of an aspiring totalitarian system, both from the point of view of film consumption and filmmaking, contributes to the historiographical debate on Fascism by broadening the parameters of the longstanding debate on popular consent for the regime. In addition, this work demonstrates the need to interpret these films in a transnational perspective and not as mere political and national products

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Tosatti, Ada. "L’ extrémisme littéraire et politique pendant les années soixante-dix. Le cas exemplaire de Nanni Balestrini". Thesis, Paris 3, 2011. http://www.theses.fr/2011PA030045.

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Abstract (sommario):

La thèse, par le concept opératoire d’extrémisme, propose l’étude du rapport entre engagement politique et expérimentalisme littéraire en Italie au cours des années soixante-dix, en explorant les liens entre l’aspiration révolutionnaire des mouvements socio-politiques d’extrême gauche et la recherche d’une relation renouvelée entre littérature et réalité. Le poète et romancier Nanni Balestrini [1935-], membre de la Néo-avant-garde des années soixante et militant de la gauche extra-parlementaire dans la décennie suivante, apparaît comme un auteur exemplaire de cette tension. Par l’analyse de sa production littéraire des années soixante-dix, un corpus riche qui n’a été que partiellement exploré jusqu’ici, il s’agit de démontrer la mise en œuvre d’un engagement dans et par le langage littéraire, l’élaboration d’une pratique subversive de l’écriture qui puisse revêtir en même temps une fonc! tion politique. En suivant un parcours chronologique rendant compte des évolutions inhérentes à cette problématique, l’on passe ainsi de la recherche d’une littérature « interne à la classe ouvrière » avec le roman Vogliamo tutto [1971], qui préfigure d’autres expériences de « littérature sauvage », à la mise en œuvre d’une fonction heuristique et de contre-information de la littérature avec Vivere a Milano [1976] et La violenza illustrata [1976]. L’analyse des Ballate della signorina Richmond [1977] rend compte des influences croisées de la poétique balestrinienne avec le dernier mouvement contestataire de la décennie, le Mouvement de 1977, qui place au coeur de sa réflexion et de sa pratique politique la subversion du langage ainsi que l’élaboration de nouvelles formes de communication
This work studies the relationship between political commitment and experimentalism in literature using the conceptual tool of extremism. It looks at how the revolutionary aspirations of the social political movements of the extreme left interconnected with the quest for a renewed liaison between literature and reality. A fitting example is the poet and novelist Nanni Balestrini [1935-] who was part of the new avant-garde movement during the 1960s and of the extreme left movements in the years that followed. His writings of that period hold a richness that has not yet been fully tapped. His use of language demonstrates his commitment to the practice of subversive writing as well as his political motivation. When the evolution of these works is followed, the emergence of an “interior working class” literature is observed. An example is the Vogliamo tutto [1971] novel, which foreshadows experiences from the “savage literature”. In addi! tion, works such as Vivere a Milano [1976] and La violenza illustrata [1976] exemplify heuristic and counter-information functions of the literature, while the analysis of Ballate della signorina Richmond shows how Balestrini’s poetics and those of the 1977 political movement significantly influenced each other. The subversion of the language and the production of new forms of communication appear thus to be at the core of political beliefs and reflections

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Gohari, Nahid. "De la littérature au cinéma, transformation d'une écriture : le nouveau roman français et iranien et le cas de Bahman Farmânâra". Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0225/document.

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Abstract (sommario):

Dès son apparition, l’écriture romanesque a subi de nombreux changements aussi bien au niveau de la forme que du fond, mais l’écriture romanesque s’est trouvée face à une nouvelle dimension au vingtième siècle du fait du progrès des sciences et des technologies qui ont apporté notamment le cinéma. L’influence des techniques cinématographiques sur l’écriture et la collaboration des Nouveaux Romanciers – nous pensons notamment à Alain Robbe-Grillet et Marguerite Duras, Houshang Golshiri ou encore à des cinéastes français et iraniens comme Alain Resnais et Bahman Farmânâra – ont mené à la naissance d’une écriture transmodale et à celle de textes hybrides qui représentent des caractéristiques des récits à la fois littéraires et cinématographiques. Ainsi, nous pourrions confirmer la théorie avançant que le cinéma est l’écriture de demain, adaptée aux besoins de l’homme moderne entré dans l’Ère de soupçon. Ainsi, cette écriture partant du point de vue du personnage et rendant de ce fait toute structure spatio-temporelle brouillée – en particulier dans l’œuvre de Farmânâra – permet un rapprochement structural entre les scénarios et le Nouveau Roman, permettant alors de peindre une nouvelle image de l’homme égaré dans une société problématique, celle de notre époque
Since its birth, novel writing has gone through many changes, not only in its shape but also in its content. In the twentieth century, novel writing and especially cinema evolved impressively due to the technological and scientific progress. The influence of cinematographic techniques on the writing and the collaboration with the New Novelists - such as Alain Robbe-Grillet and Marguerite Duras, Houshang Golshiri, and French and Iranian filmmakers such as Alain Resnais and Bahman Farmânâra - led to the creation of a trans modal writing and to the appearance of hybrid texts that both include characteristics of literary and cinematographic narratives. We must accept the theory that cinema is the writing of tomorrow and that the modern man is facing the Era of suspicion. Nevertheless, this kind of writing illustrates a structural similarity particularly between the work of Farmânâra and the New Roman scenarios, especially from the point of view of the character. As a result, we have a scrambled structure in the space and in the time dimension. This context allows us to create a new image of a man who is lost in the modern problematic society
رمان از آغاز پیدایش همواره شاهد تغییراتی در فرم و محتوا بوده است .با این حال به کمک گسترش علوم متفاوت و تکنیک های سینمایی، این این تغییرات در قرن بیستم ابعاد تازه ای به خود گرفته است تاثیر تکنیک ھای سینمایی بر روی نوشتارو مشارکت رمان نو نویسندگانی چون آلن رب گریه و مارگاریت دوراس در فرانسه و ھوشنگ گلشیری در ایران با سینماگرانی چون آلن رنه فرانسوی و بھمن فرمان آرای ایرانی، منجربه تولد نوعی نوشتار چند وجھی و متون مختلط گردید که معرف خصوصیات ھردو ژانرسینمایی و ادبی می باشد. . بدین ترتیب این تئوری که سینما نوشتار فرداست مطرح میگردد. نوشتاری که خود را با نیازھای انسان مدرن که در عصر شک وارد شده است، تطبیق داده است. بررسی این نوشتار از نقطه نظر پرسوناژ، ساختار زمان و مکان و ... د ر آثار بهمن فرمان آرا و مقایسه ی آن با برترین رمان های نو، رب گریه ، بوتور، دوراس و ھمچنین برخی از کتاب ھای گلشیری که بعضا توسط شخص فرمان آرا اقتباس گردیده اند، علاوه بر نشان دادن نزدیکی سناریوھای وی با رمان نو ، مبین تصویر دیگری است ازاین انسان سرگشته درجامعه پر از دشواری عصر حاضر

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Lauri, Laura. "L'affaire Cesare Battisti : enjeux politiques et littéraires". Thesis, Bordeaux 3, 2018. http://www.theses.fr/2018BOR30006.

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Abstract (sommario):

Le nom de Cesare Battisti est certes celui d’un héros bien connu de la Grande Guerre, mais il évoque également, de façon traumatique, les méfaits que la justice italienne a imputés à cet activiste provocateur et irréductible, né en 1954 près de Latina, dans le Latium, qui fut condamné à perpétuité par contumace lors d’un procès contesté car basé sur les accusations d’un unique « repenti ». Cesare Battisti ne fut certes qu’une figure secondaire des années de plomb. En France, son « affaire » hors norme a été largement mythifiée. Battisti n’en continue pas moins à être voué aux gémonies. Il nous offre donc une étude transversale intéressante afin de passer de l’invective à une nécessaire recherche dépassionnée, aussi documentée et objective que possible sur cette période douloureuse et sur ses conséquences. Les origines de ce personnage aussi déroutant et complexe que polémique, capable de nombreuses métamorphoses et très perspicace, et son contexte, permettent de mieux comprendre une dérive vers des groupuscules violents d’extrême gauche. Un mécanisme s’enclenche alors conduisant à une « affaire » aussi complexe qu’interminable dans ses méandres judiciaires, certes en Italie, mais bien plus encore en France, où les jugements des tribunaux s’entrelacent avec un vaste campagne médiatique et même ultérieurement au Brésil, jusqu’à nos jours. L’inflexibilité du personnage en est une cause importante. Il en découle une avalanche d’articles, déclarations et ouvrages très engagés de la part d’intellectuels relayés par l’espace médiatique puis politique. Pourquoi ce battage à rebondissements alors que les autres réfugiés qui bénéficient en France de la « doctrine Mitterrand » restent majoritairement dans l’ombre ? La réponse provient alors pour l’essentiel du recours tactique, de la part de Battisti, à l’écriture, utilisée pour se présenter en tant qu’intellectuel, largement sacralisé et donc intouchable en France, mais qui permet aussi de poursuivre indirectement, entre les lignes, le même combat politique. Ses romans policiers soigneusement élaborés et nourris de ses aventures et observations d’exilé dépassent ainsi largement les limites supposées de ce genre et soulèvent des questions qui intéressent nos contemporains. L’accusé devient accusateur et souligne maintes impasses de la modernité, redessinant ainsi son image à travers la fiction, au prix d’omissions et de clivages. Les phases de l’existence de Cesare Battisti nous prodiguent, après analyse, de multiples enseignements sur les ressorts d’une période de crise et sur ce qui agite encore la nôtre
Cesare Battisti’s name is indeed that of a famous hero of the Great War, but it also evokes, traumatically, the crimes imputed by the Italian judiciary to the provocative and inflexible activist born in 1954 near Latina, in the Latium, who was given a life sentence in absentia, after a trial which was contested as based on charges presented by a single ‘penitent’. There is no doubt that Cesare Battisti was only a minor figure during the Years of Lead. In France, his exceptional ‘case’ was widely mythicized. Nevertheless, Battisti is still vilified. He thus makes for an enlightening transverse study, allowing us to leave behind the invectives and move on to much needed, dispassionate research, as documented and objective as possible, into that painful era and its aftermath. The origins of this puzzling, complex, and contested individual, highly perceptive and capable of numerous metamorphoses, together with his background, allow us to understand better his drift towards violent, extremist left-wing groupuscules. A mechanism is then set in motion, leading to a ‘case’ which seems endless, in its judicial complexities in Italy, but even more so in France where the sentences of the courts are interwoven with a vast media compaign, and later on in Brazil, still today. The inflexibility of the protagonist is a major factor in this situation. It entails a torrent of articles, statements, and very committed monographs from intellectuals, reverberated in the media and subsequently in the political sphere. Why this intensive media coverage, with all its twists, when the other refugees benefitting in France from the ‘doctrine Mitterrand’ can remain largely anonymous? Certainly because of Battisti’s main tactics— becoming a writer, and therefore an intellectual, thus sacred and unimpeachable in France— which also allows him to keep up his political fight, indirectly, between the lines. His crime novels, which are carefully crafted, and fed by his adventures and observations as an exile, reach far beyond the supposed limits of the genre, and raise questions that can capture our contemporaries’ interest. The defendant becomes an accuser. He highlights the many dead ends of the modern age. Thus he reshapes his image, through fiction, by means of omission and division. Analyzing Cesare Battisti’s life in its successive stages teaches us a lot about the cogs and wheels of a historical crisis, and about what still troubles our society

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Sacco, Laure-Hélène. "L'opéra à l'épreuve du cinéma". Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030106.

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Abstract (sommario):

Le film d’opéra correspond à la rencontre de deux formes d’art ayant chacune ses propres règles de mise en scène. Il nécessite de concilier les exigences de l’opéra et celles du cinéma, mais prétend aussi favoriser leur enrichissement mutuel. Notre réflexion porte sur la pertinence, du point de vue créatif, de cette rencontre. Elle vise à mettre en évidence les risques, les enjeux et les intérêts artistiques du film d’opéra. Le corpus revêt une dimension franco-italienne : il se compose de cinq films produits par Daniel Toscan du Plantier (Don Giovanni de Joseph Losey, Carmen de Francesco Rosi, La Bohème de Luigi Comencini, Madame Butterfly de Frédéric Mitterrand, Tosca de Benoît Jacquot) et de deux autres, non produits par lui : La Traviata et Otello de Franco Zeffirelli, qui appartiennent à cette même « vague » du film d’opéra. L’étude s’intéresse tout d’abord à la politique culturelle du producteur Daniel Toscan du Plantier, grâce à qui ce genre cinématographique s’est développé de façon significative dans les années 1980, afin de définir le contexte de création de ses films, de comprendre son engagement en faveur de ce genre artistique et son intérêt tout particulier pour la culture italienne. Notre analyse tend par la suite à évaluer les difficultés techniques ainsi que les libertés créatives qu’engendre le passage à l’écran. L’écriture cinématographique de l’opéra implique des concessions sur le plan de la réalisation et nécessite un positionnement entre les deux esthétiques, mais elle permet aussi une lecture nouvelle et originale de l’opéra. Nous évaluons à la fois les exigences résultant de l’articulation opéra-cinéma et les solutions apportées par les réalisateurs pour répondre à ces contraintes, bien souvent musicales. La réflexion se concentre dans la seconde partie sur l’aboutissement de cette union, tout d’abord à travers l’analyse de l’interprétation visuelle de la musique fournie par les réalisateurs pour chacun des films du corpus, selon une approche thématique. Elle montre comment l’image mobile transcrit la musique, comment l’écriture cinématographique traduit visuellement la partition et peut accroître la dimension émotive. Enfin, elle s’intéresse à la réception de ces films en France et en Italie, en vue de mesurer l’accueil reçu par chacun auprès de la critique, partagée entre démocratisation de l’opéra et vulgarisation de l’art lyrique
The "opera film" corresponds to the encounter between two art forms envolving specific staging rules. It combines the requirements of opera and cinema alike whilst endeavouring to promote their mutual enrichment. In this dissertation I analyse the relevance of this encounter from a creative point of view. I intend to highlight the risks, stakes and artistic appropriateness of the opera film. The body of works has a Franco-italian dimension: it includes five films produced by Daniel Toscan du Plantier (Joseph Losey's Don Giovanni, Francesco Rosi's Carmen, Luigi Comencini's La Bohème, Frédéric Mitterrand's Madama Butterfly and Benoît Jacquot's Tosca) as well as two other films which he did not produced: La Traviata and Otello, by Franco Zeffirelli, also belong to this opera film "wave". First of all, I examine Daniel Toscan du Plantier's cultural policy as a producer. Indeed, it was thanks to him that this cinematic genre flourished significantly in the 1980s. I aim to define the creative context of these films and to understand his commitment towards their promotion as well as his genuine interest for Italian culture. I then move on to analysing the technical difficulties as well as the creative licence which results from screen adaptation. On the one hand, the cinematographic writing of opera implies concessions in staging and requires a position be taken in respect of aesthetics, cinematographic and opera. On the other hand, it also triggers a new and original reading of opera. I assess the requirements which result from the opera-cinema articulation and the solutions, often musical, proposed by films directors confronted to these constraints. In Part II I focus on the achievements of this union, first by thematically analysing each director's the visual interpretation of music provided in the films included in the body of works. I argue that the moving image transcribes music, that cinematographic writing translates the music score visually and that it can enhance the emotional dimension. Finally, I examine the response to these films in France and in Italy, especially through the critics divided between the democratisation of opera and the vulgarisation of lyric art

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Dayan, Hélène. "La représentation du Pouvoir depuis 1990 par les réalisateurs Italiens : un nouveau cinéma politique engagé?" Thesis, Paris 3, 2014. http://www.theses.fr/2014PA030176.

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Abstract (sommario):

Comment considérer le cinéma italien des vingt dernières années ? Si en France il est associé à quelques réalisateurs qui luttent contre Berlusconi et contre un système politique et économique corrompu, tels que Roberto Benigni, Nanni Moretti, Sabina Guzzanti, et plus récemment Paolo Sorrentino ou Matteo Garrone, il ne trouve pas la même estime chez ses compatriotes qui, comme en témoignent les résultats du box-office, le considèrent tout au plus comme un moyen de divertissement. La critique des deux pays s’accorde cependant pour dire que l’on assiste depuis une dizaine d’années à un retour du cinema d’impegno (cinéma d’engagement) cher aux réalisateurs des années 1960-1970. Sorrentino et Garrone auraient repris respectivement les flambeaux de Elio Petri et de Francesco Rosi… Peut-on parler d’une nouvelle vague de cinéastes engagés et d’un nouveau cinéma politique italien ? Pour répondre à cette question, nous nous sommes penchés sur quatre films en particulier qui traitent de thèmes explicitement politiques et proposent une représentation de l’homme de Pouvoir différente de celle officielle : Il portaborse de Daniele Luchetti, Il Caimano de Nanni Moretti, Il Divo de Paolo Sorrentino et Qualunquemente de Giulio Manfredonia. Après avoir analysé la façon dont l’homme de Pouvoir est dépeint par ces cinéastes, nous avons essayé de comprendre si ces films sont l’expression d’un engagement réel et d’une volonté de dénonciation ou s’ils répondent à la demande d’une économie de marché et au besoin d’entendre un discours rassurant de la part du public. Dans une société où dire du mal de Berlusconi a permis à certains de s’enrichir et de se faire connaître, et où les systèmes de production et de distribution cinématographiques semblent verrouillés, l’existence d’un véritable cinéma politique est problématique. Il semble en effet difficile d’envisager qu’une œuvre exprime une opposition si elle est acceptée et financée par les entreprises de l’homme qu’elle critique. Face à ce contexte et aux témoignages de nombreuses personnalités du cinéma, nous avons cherché à comprendre si le sens et les critères sur lesquels repose la notion de cinéma politique sont à redéfinir
How can we consider the Italian cinema of these past twenty years? In France it is associated with a few movie directors such as Roberto Begnini, Nanni Moretti, Sabina Guzzanti and more recently Paolo Sorrentino or Matteo Garrone, who fight against Berlusconi and a corrupt political and economic system, but it isn't received with such esteem in Italy where it is considered at the most as a means of entertainment, as indicated by box-office results.In both countries, reviewers however agree to say that for about ten years we have been witnessing a return to a « cinema d'impegno » (politically-motivated films), a form of cinema which is dear to the directors of the 60´s and 70's. Sorrentino and Garrone would have respectively taken over from Elio Petri and Francesco Rosi... Can we talk about a new wave of politically and socially-aware movie directors and about a new political Italian cinema? To answer this question, we have been studying four films in particular, which deal with themes that are explicitly political and which offer a different representation of the man of Power from the official one.: Il portaborse by Daniele Luchetti, Il Caimano by Nanni Moretti, Il Divo by Paolo Sorrentino and Qualunquemente by Giulio Manfredonia. After analysing the way the man of Power is depicted by these movie directors, we have tried to understand if these films are the expression of a real political commitment and of a will to denounce or if they only meet the demand of a market economy and the need for people to hear a reassuring speech. In a society where speaking badly of Berlusconi has allowed some to grow richer and make themselves known, and where movie production and distribution systems seem closed, the very existence of a political cinema appears problematic. Indeed, it seems difficult to consider that a cinematographic work can express some opposition if this work is accepted and financed by the undertakings of the man it criticizes. Faced with this context and with the testimonies of numerous leading figures of Italian cinema, we have been trying to understand if the meaning and the criteria on which the notion of political cinema is based have to be redefined

Tesi sul tema "Critique cinématographique – Italie – 1970-"

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