Letteratura scientifica selezionata sul tema "Critique cinématographique – Italie – 1970-"

Critique cinématographique influent en Italie et membre de l’administration communale communiste de Bologne, Renzo Renzi publie au mois de juin 1964 un pamphlet qui retrace les événements survenus dans la capitale émilienne pendant trois mois, du 5 mars au 7 juin 1964, lorsque la ville soutint passionnément son équipe de football, accusée de dopage, jusqu’au titre de champion d’Italie remporté face à l’Inter de Milan. Le livre constitue un tournant dans les rapports qu’entretiennent les intellectuels de gauche avec le monde du football.

L’article insiste tout particulièrement sur l’implication du clergé et du laïcat dans l’histoire du mouvement des ciné-clubs étudiants au Québec durant les décennies 1950 et 1960. Issus des mouvements d’Action catholique, les ciné-clubs étudiants se sont développés, à l’intérieur de la structure ecclésiale, dans le but de répondre aux problèmes de manque de culture, de préparation déficiente et de sens critique insuffisamment aiguisé en matière de cinéma. L’évolution des ciné-clubs reflète les différentes préoccupations du clergé et du laïcat à l’égard de l’éducation cinématographique au Québec. La présente analyse des rapports entre les clercs et les laïcs, au sein de ces organisations, permet même d’entrevoir le bouillonnement d’idées qui a alors annoncé les profondes transformations qu’allait connaître la société québécoise à partir des années 1960.

En avril 1975 s’ouvre la Rencontre internationale de la contre-culture (RIC) de Montréal. Événement phare de la contre-culture québécoise, elle donne lieu à la production d’un long-métrage documentaire de quatre heures empruntant à l’esthétique du cinéma direct : Une semaine dans la vie de camarades (1976), des cinéastes Jean Gagné et Serge Gagné, deux acteurs de premier plan de la mouvance contre-culturelle au Québec. Portrait social et politique de la culture québécoise, ce film propose une série d’entrevues avec des « travailleurs culturels » à travers un voyage aux quatre coins du Québec. Critique de la culture institutionnalisée des années 1970, Une semaine dans la vie de camarades explore les différentes manifestations culturelles populaires en sol québécois. À partir d’une analyse historique des représentations de la contre-culture dans ce film, cet article vise à comprendre les composantes du discours politique associé à ce phénomène. En ressort la prédominance d’une prise de parole collective dans l’espace public. Manifeste à l’endroit des pouvoirs politique et économique, elle expose les clivages entre le peuple et les élites en regard à la culture.

Dans les romans de Stendhal, l'ascension sociale du jeune héros masculin ne peut se concevoir hors de ses activités professionnelles et du statut social qu'elles lui confèrent. À cet égard, Giuseppina Mecchia propose de voir dans ces trajectoires une réponse de Stendhal aux impératifs sociaux et politiques qui se sont imposés après la Révolution et qui ont inévitablement précipité l'affirmation de Napoléon comme chef de l'exécutif durant cette même période. Dans les années qui suivirent la chute de Napoléon, la disgrâce personnelle et politique de Stendhal, ainsi que son exil en Italie, nourrissent son détachement critique à l’égard de la ‘vanité’ française, cette obsession incessante par la promotion professionnelle et sociale. Cette analyse se concentrera donc sur trois de ces ‘héros’ stendhaliens, Julien dans Le Rouge et le noir, Lucien Leuwen dans le roman éponyme, publié à titre posthume en 1834, et enfin l'Italien Fabrice del Dongo dans La Chartreuse de Parme. L'objectif sera donc de confronter ces héros travailleurs à la ‘dolce far niente’, éthique italienne qui dès cette époque annonce la formulation de revendications plus radicales appelant à un ‘refus du travail’ dans les années 1970, en France et en Italie. Mais si, comme l'a montré Lazzarato, toute relation sociale est l'objet de transactions d'ordre économique, on peut se demander s'il est possible pour ces jeunes hommes de refuser le travail sans refuser toute forme de relation sociale – et pour l’écrivain sans mettre à mal le projet narratif lui-même.

La présente recherche porte sur la catégorisation du cinema demenziale – littéralement « cinéma démentiel » – par la critique de cinéma italienne au contact de quatre films américains, qualifiés de « comiques » lors de leur sortie en salles à la fin des années 1970 et au début de la décennie suivante : American college (Animal House, 1978), 1941 (1979), The Blues Brothers (1980) et Y a-t-il un pilote dans l’avion ? (Airplane!, 1980). La catégorisation fut influencée par le contexte très politisé de l’Italie de l’époque, avec une interprétation de ces longs-métrages comme subversifs et dissidents. Roberto Silvestri, inventeur principal du cinema demenziale, le définit comme une cinématographie de gauche. Une méthodologie articulant études de réception (Janet Staiger) et analyse filmique, est mobilisée afin d’illustrer les raisons historiques et culturelles qui amenèrent à la construction et à l’émergence de la catégorie au sein de la presse. Une importance particulière est accordée au Mouvement de 1977 (une nouvelle vague de mobilisations sociales et de manifestations intenses en Italie après celle de 1968-1969), à l’édition italienne du livre de Mikhaïl Bakhtine sur François Rabelais et à la réception critique des quatre longs-métrages. Ensuite, le développement de la catégorie cinématographique est retracé des années 1980 à nos jours, où elle est encore connue et utilisée couramment ; par exemple, l’élargissement du corpus filmique, proposé par les publications italiennes, est examiné en détail. La première thèse de doctorat consacrée au cinema demenziale traite de textes critiques et d’œuvres filmiques peu étudiés dans le milieu universitaire
This research focuses on the use of the category cinema demenziale (literally “demented cinema”) by Italian reviewers with respect to four American films, initially qualified as “comedies” for their release in theaters in the late 1970s and early 1980s: Animal House (1978), 1941 (1979), Airplane! (1980), and The Blues Brothers (1980). This new category was influenced by the turbulent political context in Italy at the time, with critics interpreting these films as subversive and dissident. Roberto Silvestri, the principal inventor of cinema demenziale, defined it as a left-wing cinema. A methodology applying Janet Staiger’s “historical materialist approach to reception studies” casts light on the cultural and political background to the construction and emergence of this category in the press. Particularly important in this account are the movement of 1977 (the most intense wave of protests and social movements in Italy since 1968-1969), the publication of the Italian edition of Mikhail Bakhtin’s book on François Rabelais, and the critical reception of the four feature films. We also retrace the development of cinema demenziale from the 1980s to the present era, where the term is still well-known and in common use; for instance, we examine in detail various Italian publications’ proposals to extend the grouping to include a larger corpus of films. This first doctoral dissertation on cinema demenziale explores movies and critical texts that have thus far received little scholarly attention

Antonio Pietrangeli (1919-1968) est une figure incontournable du paysage cinématographique italien, en tant que critique tout au long des années 1940, puis comme réalisateur à partir de 1953. Formé par les débats critiques qui ont accompagné l’élaboration du néoréalisme, il place son premier film (Le Soleil dans les yeux, 1953) sous les auspices d’une saison néoréaliste finissante, ensuite réélaborée à travers un réalisme conçu sous les termes de la perte et de l’inachèvement, dont on trouve un écho dans son attention à la condition féminine. La présente étude propose une première monographie en langue française sur l’œuvre de Pietrangeli, conduite d’après l’ambition d’établir un dialogue entre son œuvre critique et filmique. L’hypothèse d’une pensée pietrangelienne du réalisme cinématographique, en mettant au jour des modalités de pensée spécifiques à la critique et la création, permet d’établir un dialogue dans lequel la question réaliste apparaît comme un outil conceptuel, qui éclaire la contribution de Pietrangeli à l’élaboration d’une modernité cinématographique. Les trois premiers chapitres retracent un « combat réaliste » qui s’inscrit pleinement dans l’historiographie du néoréalisme italien et se caractérise par sa spécificité morale. Elle annonce une transition épistémologique d’après laquelle la pensée du cinéma s’éloigne d’une tradition idéaliste au profit de perspectives existentielles, incarnées dans une filmographie où le réel, devenu objet de doute, dessine une phénoménologie sceptique que nous aborderons dans les quatrième et cinquième chapitres
Antonio Pietrangeli (1919-1968) has been a prominent figure in Italian cinema, as a critic throughout the 1940’s and as a director from 1953. As an actor in the critical debates during the elaboration of neorealism, Pietrangeli places his first film (Empty Eyes, 1953) under the auspices of a neorealist ending season. This style will evolve afterwards towards a realism conceived under the concepts of loss and incompleteness, which is particularly visible in the light of his concern to the condition of women. The present study proposes the first french-language monography about the work of Pietrangeli, with the ambition to establish a dialogue between his critical and filmic work. The hypothesis of a Pietrangelian conception of cinematographic realism, by revealing specific relations between critics and creation, established a dialogue where the realistic question appears as a conceptual tool, which enlightens Pietrangeli's contribution to the elaboration of a cinematic modernism. The first three chapters trace back a "realistic struggle", which is fully part of Italian neorealism’s historiography, and is characterized by its moral specificity. It announces an epistemological transition, meaning that the conception of cinema moves away from an idealistic tradition in favor of existential perspectives, embodied in a filmography where reality, becoming questionable, indicates a skeptical phenomenology, which constitutes the core of the fourth and fifth chapters

Notre thèse se propose d'étudier la réception critique du cinéma néoréaliste italien entre 1945 et 1959 au Portugal. Notre intérêt s'est focalisé essentiellement sur les essais et les recueils de critiques dédiés au cinéma italien, présentant ainsi une synthèse de la presse quotidienne et culturelle de cette période, sur la presse spécialisée et enfin sur le circuit des ciné-clubs, véritable promoteur de ce mouvement. Le néoréalisme cinématographique italien servit de prétexte aux intellectuels portugais pour instaurer une Résistance passive à travers des écrits qui, quand ils ne constituaient pas de véritables traités de poésie, oscillaient entre une attitude épigone et une instrumentalisation idéologique. Le circuit des ciné-clubs, en particulier, eut un rôle prépondérant dans la diffusion du phénomène néoréaliste italien qu'il divulgua avec l'objectif de former les consciences de leurs membres aussi bien au niveau idéologique, politique et social que cinématographique.

Le cinéma italien d’après-guerre a sa place légitime dans l’Histoire sous l’étiquette du « néoréalisme ». C’est une panthéonisation encore difficile à remettre en cause aujourd’hui, qui schématise souvent l’image de ce cinéma de manière arbitraire. Une des particularités de ce courant serait sa facilité d’adaptation au-delà des Alpes : en effet, ce mouvement cinématographique a éveillé, en France, un débat très virulent qui a vu la participation de toutes les couches de l’intelligentsia. Le canon néoréaliste se consolideà partir d’une poignée de films et grâce au travail critique de quelques intellectuels engagés, ainsi que de la presse populaire. Les rédacteurs des revues spécialisées et des quotidiens ont le privilège d’une primauté de regard sur les nouveautés cinématographiques transalpines : le plus souvent en dehors des circuits de distribution traditionnels, au sein des nombreux ciné-clubs opérant dans le contexte parisien, les critiques, journalistes et écrivains découvrent un cinéma qu’ils nomment bientôt « école italienne ». Ces constats nous obligent à remettre en question plusieurs stéréotypes sur ce cinéma : tournage dans la rue, acteurs non professionnels et sujets issus de l’actualité n’empêchent pas le cinéma italien d’après-guerre de s’inscrire dans le sillon d’une production somme toute traditionnelle. Ces conclusions imposent aujourd’hui de revenir sur les débats critiques de l’immédiat après-guerre par un regard nouveau et impartial, afin d’approfondir la complexité du processus de réception du néoréalisme
Post-war Italian cinema has its rightful place in history under the label of "neorealism". It is a pantheonisation that is still difficult to question today, which often schematises the image of this cinema in an arbitrary manner. One of the peculiarities of this current is its ease of adaptation beyond the Alps: indeed, this film movement has sparked off a very virulent debate in France, which has seen the participation of all strata of the intelligentsia. The neo-realist canon was consolidated on the basis of a handful of films andthanks to the critical work of a few committed intellectuals, as well as the popular press. The editors of specialised magazines and daily newspapers have the privilege of a primacy of gaze on transalpine cinematic novelties: most often outside the traditional distribution channels, within the many film clubs operating in the Parisian context, critics, journalists and writers discover a cinema that they soon call the "Italian school". These observations force us to question several stereotypes about this cinema: shooting in the street, nonprofessional actors and current affairs subjects do not prevent post-war Italian cinema from following in the footsteps of what was, after all, a traditional production. These conclusions make it necessary today to return to the critical debates of the immediate post-war period with a new and impartial look, in order to deepen the complexity of the process of reception of neorealism

Ces dernières années, la production littéraire et artistique de Carlo Levi a fait l’objet d’études approfondies et de nombreuses publications. Cependant, une partie de son œuvre a été négligée par la critique et notamment son activité de scénographe, de scénariste et de cinéaste. La collaboration de Carlo Levi avec l’industrie cinématographique commence au début des années trente et se poursuit jusqu’au début des années cinquante. Pendant ces années, Levi a l’occasion de collaborer non seulement avec des artistes comme Enrico Paulucci, Italo Cremona et Carlo Mollino, avec qui il réalise les scénographies de Patatrac et de Pietro Micca, mais aussi avec des hommes de lettres tels que Mario Soldati, Rocco Scotellaro et Alberto Moravia. Cette étude vise à reconstruire le parcours cinématographique de Carlo Levi en s’appuyant sur des documents d’archives de nature et de provenance différente : des scénarios, des synopsis, des story-boards mais aussi des contrats commerciaux, pour la plupart inédits. Sa production filmique couvre tous les genres : du comique au dramatique, du documentaire à la comédie musicale. Notre travail rend accessible une partie méconnue de l’œuvre de Carlo Levi en contribuant ainsi à la redécouverte de l’un des auteurs majeurs du XXe siècle
In recent years there have been many in depth studies and publications on Carlo Levi's literary and artistic works. However, a section of his work, in particular his work in set design, script writing and film making in general, has been largely neglected by critics. Carlo Levi's association with the film industry started at the beginning of the nineteen thirties and extended to the beginning of the nineteen fifties. During these years, Carlo Levi had the opportunity to work not only with famous artists like Enrico Paulucci, Italo Cremona and Carlo Mollino, with whom he designed the film sets of Patatrac and Pietro Micca, but also with men of letters of the stature of Mario Soldati, Rocco Scotellaro and Alberto Moravia. The aim of this study is to trace Carlo Levi's career in cinema using information found in archived documentation of various types and from various sources: from sets, synopses and story-boards but also in previously unpublished commercial contracts. The films that he produced cover all genres: from comedy to drama and from documentaries to musicals. Our work makes a hereto unknown section of Carlo Levi's work accessible, thereby contributing to the rediscovery of a major 20th century author

Nous pouvons appréhender le Cinéma comme un vecteur culturel capable de cristalliser les us et coutumes d’une société, ou comme un outil susceptible d’en manifester les aspirations. L’industrie cinématographique italienne demeure parmi celles qui ont su imposer dans l'imaginaire des publics des œuvres venues aussitôt enrichir le patrimoine culturel mondial. De nos jours, sa présence internationale est plus modérée, et le rayonnement de ses œuvres ne dépasse que rarement les limites nationales. Les quelques auteurs tels que Emanuele Crialese, Matteo Garrone et Paolo Sorrentino ont su gagner une visibilité désormais incontestable, leur permettant de devenir le symbole d’un cinéma italien contemporain renaissant. Les contenus de leurs filmographies sont le résultat de formes cinématographiques tout aussi riches que variées, et leur influence semble capable de modifier et de mettre à jour l’imaginaire des passionnés de culture italienne. Nos travaux veulent étudier et comprendre l’impact de leurs œuvres au sein d’un pays comme la France. À travers une étude qui se veut historique, sociologique et économique, nous analysons la représentation du réel dans l’histoire du cinéma transalpin, un idéal intellectuel qui semble intéresser particulièrement les publics français. Puis nous nous consacrons aux contenus de nos trois filmographies de référence, pour en extrapoler les données socio-politico-économiques. L’étude de l’impact de ces œuvres sur les critiques cinématographiques français conclut ces travaux, qui se penchent également sur la distribution et l’exploitation de ce cinéma, présent non seulement dans les salles de l'Hexagone, mais diffusé parallèlement au sein de nombreux festivals
One may approach cinema as a cultural vector which can either give shape to the habits and customs of a given society or reflect its yearnings. The Italian film industry is one among those which have produced movies which entered the global cultural imaginary. Nowadays, its international presence has been reshaped and Italian films do not easily shine beyond the national frame. Artists such as Emanuele Crialese, Matteo Garrone or Paolo Sorrentino have managed to achieve an undeniable visibility, and have become the symbol of a reborn contemporary Italian cinema. The content of their filmographies are the result of film shapes that are as rich as they are diverse, and their influence seems able to alter and to update the imaginary of italian culture connoisseurs. The purpose of our work is to study and understand the impact of their masterpieces on the French audience. Through a historical, sociological and economical study, we will analyse the representation of reality in the history of Italian cinema : an intellectual ideal which seems to have been of interest especially to the French spectators. Then we will focus on the content of these three specific directors’ lifework in order to examine social, political and economical data. Finally, we will conclude by observing the impact these films have had on French experts such as film critics. This study also deals with the distribution and the running of these specific directors’ films not only in the cinemas but also when aired in various film festivals
È possibile concepire il Cinema come un vettore culturale capace di materializzare gli usi e i costumi di una società, o suscettibile di manifestarne le aspirazioni. L'industria cinematografica italiana dimora tra quelle che hanno saputo imporre delle opere entrate istantaneamente nell'immaginario collettivo, e ciò su scala mondiale. Oggi, la sua presenza a livello internazionale è stata ridimensionata e la diffusione delle sue opere oltrepassa raramente i confini nazionali. I rari autori del calibro di Emanuele Crialese, Matteo Garrone e Paolo Sorrentino hanno saputo acquisire una visibilità oramai indiscussa, permettendo loro di diventare il simbolo d'un cinema italiano contemporaneo rinascente. I contenuti delle loro filmografie sono il risultato di forme cinematografiche tanto ricche quanto varie, e la loro influenza sembra capace di modificare e aggiornare l'immaginario degli appassionati di cultura italiana. Queste ricerche vogliono analizzare e comprendere l'impatto delle loro opere in un paese come la Francia. Attraverso degli studi storici, sociologici ed economici, queste ricerche analizzano le forme rappresentative legate al reale presenti nella storia del cinema italiano, un ideale intellettuale che sembra interessare in particolar modo i pubblici francesi. Inoltre, esse si consacrano all'estrapolazione dei dati socio-politico-economici contenuti nelle tre filmografie a cui facciamo riferimento. L'analisi dell'impatto di queste opere sui critici cinematografici francesi scelti come pubblici, concludono queste ricerche che si dedicano in egual modo alla distribuzione e alla commercializzazione di queste opere, presenti non solo in sala, ma diffuse inoltre in molti festival

De Livia Serpieri au Prince de Salina, d'Angelica à Gustav von Aschenbach, le cinéma viscontien a donné naissance à un certain nombre de personnages, parmi les plus inoubliables que le septième art ait produits. Cette étude a pour objet de cerner le processus de création ainsi que les moyens techniques mis en oeuvre par Luchino Visconti et ses collaborateurs pour réussir à donner corps et insuffler la vie à des héros nés, pour la plupart, sous la plume des plus grands écrivains. Le travail de recherche s'appuie sur les témoignages de collaborateurs directs du cinéaste et s'articule en deux parties principales. Une première partie traite de la réalité physique des personnages et part à la recherche des raisons qui ont abouti à la perfection visuelle des costumes viscontiens. Ces raisons sont à rechercher tant dans l'histoire du cinéma italien que dans l'application d'une stricte méthode viscontienne. La seconde partie tente de saisir le héros dans sa réalité socio-économique et d'en dresser le portrait moral. Une attention spéciale a été consacrée à l'étude des origines littéraires du héros viscontien et particulièrement à analyser l'influence fondamentale qu'eut l'œuvre de Marcel Proust sur la création viscontienne
From Livia Serpieri to the Prince of Salina, from Angelica to Gustav von Aschenbach, the cinema of Luchino Visconti has given birth to a number of characters among the most unforgettable produced by the art of cinema. This study attempts to depict the creative process and the technical means brought into play by Luchino Visconti and those who worked with him in order to build up and to give life to heroic figures mostly originating from the pens of the greatest authors. Research draws largely on accounts of close collaborators of the director and is divided into two parts. The first part treats the physical reality of the characters and looks for the causes behind the visual perfection of Visconti costumes. These reasons are to be found as much in the history of Italian cinema as in the application of a strict Visconti method. The second part attempts to grasp the hero in a socio-economic context and to draw a moral portrait. Particular attention has been paid to the literary origins of the Visconti hero, and especially to an analysis of the fundamental influence which the work of Marcel Proust had on Visconti's creativity

Ce travail se consacre à une étude des objets romanesques. De ces objets magiques il trace un chemin d'analyse " fonctionnelle ", effectué sur la base, textuelle, d'un étroit nombre de romans italiens et français parus au cours des années Quatre-vingts. Bien que les objets du roman gardent généralement, tout comme leurs pareils dans le monde réel, une dimension essentielle d'usage (par une nécessité de vraisemblance et de motivation interne), ils possèdent également, toujours, un rôle fictionnel et fonctionnel qui la dépasse. Un rôle qui s'affirme, d'une fois à l'autre, sur le rapport que les objets instaurent avec les personnages et les événements de l'histoire, ou encore, à un autre niveau, avec la narration. Un rôle, enfin, qui enregistre des constantes au sein de l'histoire du roman, à partir desquelles il est intéressant de mesurer l'écart, ainsi que les points de contact (et de reprise), qui marquent la plus récente production romanesque. C'est pourquoi cette étude propose deux parcours distincts parmi les objets qui pointillent les romans des années Quatre-vingts. Le premier suit les traces du rapport qui lie les objets fictifs aux personnages et le deuxième enquête sur les fonctions des objets fictifs à l'égard de la narration. Deux parcours seulement dans l'ample et articulé réseau de rapports invisibles au cœur duquel se trouve l'objet de fiction, qui se déplient bien loin de toute volonté de taxonomie et d'exhaustivité. Deux itinéraires d'analyse qui répondent à la nécessité de rendre compte de la spécificité du corpus romanesque choisi avec, comme toile de fond, une dimension littéraire diachronico-dialectique à partir de laquelle cette spécificité peut véritablement être saisie
This work deals with the study of objects in novels. It lays out a " functional " analytical path of these magical objects, based on the reading of a number of Italian and French novels from the Eighties. Although these fictive objects generally manifest an important utility profile - in a similar way to their cousins in the real world (by the necessity of resemblance and internal motivation) - they equally always possess a fictional and functional role which goes beyond such a profile. It is a role which appears around the relation the objects establish with the characters and the events of the story or, on another level, with the narration. A role which registers constants within the history of the novel, from which it is interesting to measure the distance, rather than the points in common, which mark the most recent production. This is the reason why this study proposes two distinct paths between the objets which punctuate the novels of the Eighties. The first follows the traces of the relation which ties the fictive objects to the characters and the second questions the functions of the fictive objects with regard to the narration. Only two paths are proposed in the vast and complex network of invisible relations at the heart of which the object can be found; two paths which pan out far from the will to taxonomize or be exhaustive. Two analytic itineraries which respond to the necessity to account for the specificity of the corpus of fiction chosen, with for a backdrop a diachronic-dialectic literary dimension from which this specificity can be grasped

La présente étude aborde le documentaire italien sous l'ère berlusconienne tout en réfléchissant sur ses interactions avec les transformations historiques et culturelles de l'Italie. Cette production documentaire témoigne de l’urgence de dénoncer les mécanismes du pouvoir et de rechercher la vérité à une époque où réaliser du cinéma politique paraît difficile. Nous sommes partis de l’hypothèse qu’un documentaire de contestation a bien existé et l’étude du contexte social dans lequel un film a été réalisé permet de constituer un cadre de référence qui manifeste quelle production de sens les auteurs ont voulu contester. Le documentaire s’est concentré sur la réalité, en se posant par rapport à l’histoire et à la mémoire. Il a servi d’archive des luttes. Les images de ces films sont des témoignages d’une histoire douloureuse, mais elles montrent également qu’une partie du peuple résiste. Ces documentaires semblent avoir pour objectif d’être la mémoire de cette Italie-là
The present study debates the Italian documentary in Berlusconi’s era reflecting on its interactions with historical and cultural transformations in Italy. This documentary production reveals the urge to expose power mechanisms and seek truth in a moment when making political cinema looked difficult. We started from the theory that a political protest documentary certainly existed, and the study of the social context in which a certain movie was realized allows us to establish the frame in which the authors operated their criticism. The documentary focused on reality, correlating with history and memory. It served as an archive for struggles. These movies witness painful stories, but also show the resisting fraction of a people. This kind of documentary aspires to being the historical memory of that Italy

Terre de bandits ou paradis exotique pour y passer les vacances? Il semble que, dès ses premières apparitions à l'écran, la Sardaigne n'offre d'autre alternative que ces deux lieux communs. Ce travail se propose justement d'aller au-delà des clichés et d'examiner très précisément quelle image le cinéma, avec son langage et ses modalités spécifiques, a donné de la culture et de la réalité sardes. Tout au long de notre recherche, nous avons pris en considération les documentaires et les films de fiction concernant l'île à une période bien précise de l'Histoire, celle qui va du deuxième après-guerre à la fin des années 70. Les documentaires ont été divisés en six groupes thématiques correspondant aux phases historiques et aux problèmes les plus significatifs de la société sarde. Pour ce qui concerne la fiction, nous avons essayé de dresser un inventaire de tous les films qui, directement ou indirectement, évoquent la Sardaigne, depuis Cenere (1916) avec Eleonora Duse jusqu'à Chiedo Asilo (1979) de Marco Ferreri. Chaque type de production est analysé à partir de son contexte historique et politique. Cette problématisation sociale, qu'elle soit affichée ou occulte, apparaît en effet comme l'une des données constantes de cette cinématographie peu connue, appréhendée ici dans son ensemble pour la première fois. Il faut enfin signaler deux brefs entretiens avec Gavino Ledda et les frères Taviani, respectivement auteur et réalisateurs du film le plus connu à l'étranger, et probablement le seul qui ait montré un peu de la réalité sarde au reste du monde
Land of bandits or exotic holiday paradise ? It seems that from its first appearances on the screen Sardinia offers only these two clichés. This paper intends to go beyond the commonplace to precisely analyse the image the cinema has given to Sardinian culture and reality, with its language and its peculiar features. During our study, documentary films and fictions concerning the island have been considered from the Second Post-War to the end of seventies. The documentary films have been divided in six thematic groups relating to historic periods and to the most important problems of Sardinian society. In terms of fiction, we sought to draw up an inventory of all films which recall, directly or indirectly, Sardinia from Cenere (1916) with Eleonora Duse to Marco Ferreri's Chiedo asilo (1979). Finally we point out two short interviews with Gavino Ledda and with the Taviani brothers, respectively author and directors of the most famous film abroad and probably the only one which was able to portray clearly some Sardinian reality