Tesi sul tema "Création (esthétique) – Psychanalyse"

Au XIXème et surtout au XX ème siècle, à partir notamment du domaine artistique, l'interrogation portée sur l'objet conduira à redéfinir l'oeuvre au-delà de toutes ses manifestations particulières. Comment s'est constituée cette union jusque là évidente entre l'oeuvre et l'objet ? Si l'objet a déterminé structurellement l'essence de l'oeuvre, ce n'est pas tant par sa forme, par sa matérialité, ou par sa visibilité, que par le rapport à autrui qu'il présuppose : l'objet incarne une illusion, celle d'un avenir biographique pour l'oeuvre. C'est par la résonance d'une certaine posture de l'autre que l'oeuvre trouve son issue, et le créateur, sa raison. Ce "rapport d'échange" peut nous permettre - si il est entendu à sa juste place -, de saisir ce que peut être une oeuvre sans objet. Ce rapport d'échange, nous le nommons "rencontre". Grâce à certains outils psychanalytiques (l'identification, le narcissisme, le réel, etc. ), nous avons tenté de dégager la nature et le fonctionnement de cette "rencontre". Jusquà quel point une oeuvre sans objet est-elle possible ? Si c'est au créateur en dernière instance qu'il revient d'avoir le dernier mot sur cette question, encore faut-il que celui qu'il accapare l'accepte en tant que tel.

La presente recherche en psychanalyse de la litterature sur l'oeuvre de hawthorne comprend quatre parties respectivement consacrees a l'interpretation de la lettre ecarlate, la maison aux sept pignons, valjoie, et le faune de marbre. On trouvera en annexe l'analyse de deux contes, "le chemin de fer celeste" et "maitre brown fils", presentes par l'auteur comme pouvant etre le recit de reves. J'ai choisi de mettre en lumiere comment les noyaux obsessionnels sont travailles afin de produire un discours, comment le fils coupable, identifie a l'objet perdu imagine que s'il retrouvait le tombeau de son pere il pourrait savoir qui est ce pere qu'il constitue comme son ideal
Using the concepts of psychoanalysis, the present research is an attempt at interpreting the scarlet letter, the house of the seven gables, the blithedale romance, the marble faun and two tales, "the celestial railroad" and "young goodman brown", the plots of which are in fact based on a dream as reported by the dreamer. The study of the text as a discourse of an unconscious subject, will demonstrate how the manifest purpose of hawthorne's works is the representation of an unconscious desire : the seach of the absent father

Ce travail a pour objectif de montrer que le fait de placer des enfants et des adolescents dans un cadre qui n'est plus celui du "dessin d'enfant", cadre ou nulle consigne graphique n'est donnee, amene ces enfants, dans une majorite des cas, a quitter le domaine de la representation. Nous entendons ici le mot representation comme ce qui evoque la realite exterieure dans l'art. En d'autres termes, qu'avec la peinture, mais une peinture un peu particuliere dont le modele n'est plus la figuration, l'enfant abandonne le domaine du recit, du discours de l'ecriture d'un fantasme, pour passer a une expression picturale beaucoup plus materiele. Cette expression se rattacherait non pas aux processus secondaires, c'est a la liaison d'une energie dans un systeme de lisibilite, mais aux processus primaires, dont elle serait un equivalent possible. Peinture energetique, elle n'a plus sa raison d'etre dans ce qu'elle represente, dans la realite dont elle est sensee etre le reflet, mais en soi, dans la figure elle meme. D'un point de vue economique, entendu au sens freudien du terme, cette peinture correspondrait a une decharge pulsionnelle dont la liaison ne s'organise pas a l'interieur d'un systeme discursif systeme de representation, mais sur un mode aleatoire selon la somme d'excitation ou "quatum" d'affect decharge dans une traduction picturale.

Certaines œuvres d’art, plastique, littéraire, musicale ou autres, témoignent, dans leurs originalités comme dans les commentaires de leurs auteurs qu’elles résultent d’une « obligation » subjective qui les enjoint à créer. Elles marquent qu’elles peuvent faire solution, non pas contingente, mais nécessaire, lorsqu’elles fonctionnent comme résolution d’une tension intime. Quel statut et quelle logique tenter ici ? Nous poserons l’hypothèse que ces expériences esthétiques subjectives, dessinent les coordonnées d’une sorte de « pousse-à-la-création », à comprendre en référence au concept de « pousse-à-la-femme » de Lacan : il sera pourtant ici décalé quant à son objet et quant à sa fonction, et est appelé au titre d’une des élaborations, plurielles, du fameux « continent noir » freudien de la féminité. Nous nous réglerons sur les témoignages de l’artiste, qui toujours « précède » disait Lacan et nous étudierons en quoi ses commentaires bordent l’objet d’art qu’il a créé, mais aussi les modes subjectifs et conditions de sa réalisation. Nous viserons donc la genèse de cet objet, qui pour l’artiste ne conquiert son statut qu’à opérer au-delà de la simple reproduction ou répétition. À partir de l’acte de l’artiste, et de son produit, nouveautés toujours rejouées, nous interrogerons les logiques du singulier dans la création, et du sujet engagé. Nous avons choisi d’argumenter notre propos en partant d’abord des mécanismes freudiens ou lacaniens qui interrogent les modalités de son articulation avec la « position féminine ». Nous avançons ensuite une logique « sinthomatique » transversale, qui marque l’empan des approches psychanalytiques, depuis le désir et ses modes de traitement jusqu’au réel, dont le dernier enseignement de Lacan sur la corporéité en indique les coordonnées. Enfin, nous argumentons d’un hypothétique « pousse-à-la-création » et nous mesurons les incidences et effets de cette détermination singulière, conçue comme nouage serré au-delà du fantasme, et qui ouvre sur des modes de rectifications subjectives subséquentes à la création
Some pieces of art, wheter plastical, litterary, musical or others, testify in their originality as well as in their comments from their authors that they are the results of a subjective “obligation” to create. They point out the fact that they can provide a solution, which is non contingent, if in fact necessary, when they work at providing the resolution of an intimate tension. What sort of status and what logic should we have adopt here ? We will posit that these subjective and aesthetic experiences draw the coordinates of a sort of “pousse-à-la-création” [“push-to-creation”], are to be linked to Lacan’s concept of “pousse-à-la-femme”, here, however, it will be understood as shifted in terms of its object and function in that case, however it will be out of place as regards its object and function and as one of the many elaborations of the famous Freudian “black continent” about femininity. We will follow the artist’s testimonies which always pre-exist, as Lacan used to say, and we will study how his comments are related to the object of art he has created as well as to the subjective ways and conditions of its creation. We will therefore aim at the genesis of this art object which, for the artist, only gets its status when surpassing mere reproduction and repetition. From the act of the artist and his production, constantly renewed, we will examine the peculiar ways of reasoning of the committed artist into creation. We have chosen to support our argument by starting with the Freudian and Lacanian mechanisms that question the various ways of linking it to the “feminine position”. Then we will evolve towards a “sinthomatique” and transversal logic that shows the range of psychoanalytical approaches, from desire and its modes of treatment to reality, whose Lacan’s last tuition about corporeity points out the coordinates. Finally, we will argue about an hypothetic “pousse-à-la-création” and we will evaluate the incidences and effects of this peculiar determination, conceived as a tight knot that goes beyond fantasies, which opens the way to the subjective rectifications subsequent to creation

Cette thèse propose de mettre en comparaison musique et peinture à travers l'analyse de l'acte créateur chez Schönberg et Picasso. Nos hypothèses s'appuient sur la description des trois phases de la création par le psychologue Anton Ehrenzweig dans son ouvrage "L'ordre caché de l'art" et sur le fonctionnement du travail de rêve explicité dans "L'interprétation du rêve" de Sigmund Freud. Ainsi, nous comparons d'une part, l'évolution de la création de Schönberg et de Picasso - notamment les courants cubiste et dodécaphonique sériel - en fonction des quantités d'élaborations primaire et secondaire entrant en jeu dans les mécanismes psychiques de la création. D'autre part, nous montrons l'impact que ces processus primaires et secondaires peut avoir sur les matériaux choisis pour exprimer leur intentions artistiques, ces processus variant tout au long de l'existence créatrice. Les mécanismes du travail de rêve permettent d'apporter un nouvel éclairage sur l'organisation de la structure interne de l'œuvre d’art moderne, tout en contournant les tentatives controversées d'équivalence entre les arts
This thesis proposes to compare music and painting through an analysis of the creative act as expressed by Schönberg and Picasso. Our hypotheses are based on the description of the three phases of creativity by the psychologist Anton Ehrenzweig in his work The hidden order of art and on the functioning of the dream work as set forth in Sigmund Freud’s The interpretation of dreams. We thus first compare how Schönberg and Picasso's creativity evolved - notably the Cubist and serial dodecaphonic movements - according to the extent of the first and secondary elaborations coming into play in the creative psychic mechanisms. Secondly, we show the impact that these primary and secondary processes can have on the materials chosen to express their artistic intentions, these processes varying throughout the creative life. The dream work mechanisms allow new light to be shed on the organisation of the internal structure of works of modern art, while circumventing controversial attempts to establish equivalence between the arts

Mon propos est d'interroger le féminin à partir de l'écriture d'une femme. La question se pose de la façon suivante : Qu'est-ce que l'écrit de Clarice Lispector peut nous enseigner sur le féminin ? C'est par ce que j'appelle ici une esthétique du souffle, par les murmures et les intervalles du texte qui tendent vers un au-delà de la parole, par les silences du texte, qu'un savoir sur le féminin s'écrit. Deux axes majeurs orientent la thèse. Le premier privilégie les rapports entre la création et le féminin, proposant de penser l'espace littéraire comme un lieu d'inscription du féminin. Le second concerne ce que j'ai appelé une esthétique du souffle. Son texte cherche une certaine musicalité des mots, une respiration ravissante, ou même une jouissance du langage, plutôt qu'une construction fantasmatique. Dans son oeuvre se joue le drame d'une subjectivité qui n'avait autre lieu d'existence que le texte et, qui aussitôt inscrite, s'éclipse
What can we learn about the feminine from Clarice Lispector's writing ? I propose to acknowledge in her work an esthetics of the breath, that leads to a Knowledge about the feminine, a knowledge beyond words that is written through the murmur, the gaps and silences of the text. My thesis has a double axis. The first one analyses the relationship between creation and the feminine, and proposes the literary space as a place for the inscription of the feminine. The second one deals with what I called an esthetics of the breath. Lispector's texts aims at a musicality of words, their ravishing breathing, or even a jouissance of language, rather than the building of a phantasy. In her work we see the suffering of a subjectivity that could exist only in the texts, and that vanishes, as soon as it inscribes itself

La position féminine comme spécificité et condition de la création, en lien avec la question du Nom chez le créateur, représente aujourd’hui une théorie importante dans la clinique du sujet. Cette théorie fonde une approche clinique de la création autour de laquelle s’articule ce travail de thèse. A partir d’une clinique différentielle des logiques subjectives de la création dans le champ de l’Art, de la science et de la religion, l’expression de la-dite position féminine se présente comme une certaine opération sur la jouissance et un rapport particulier avec l’Autre de la création. La peintre impressionniste Mary Cassatt, le scientifique Albert Einstein, le poète mystique Jalal Eddine Rùmi, l’écrivaine et la psychanalyste Lou Andreas Salomé, ainsi que d’autres sujets de la création, nous renseigne sur la spécificité de la position féminine dans le processus créateur, mais nous enseigne aussi sur la place qu’occupe la fonction du Nom dans leurs ré-inventions subjectives en tant que création du lien social
The féminin position as specificity and condition of the creation, in connexion with the question of the Name at the creator’s, represents today an important theory in the clinic of the human subject. This theory is the basis of a clinical approch of the creation around wich this thesis work is based. From a diffrential clinic of the subjective logics of creation in the field of art, science and religion, the expression of the so-called feminin position is presented as a certain operation on enjoyement and a particular relationship with the « Other » of the creation. The impressionist painter Mary Cassatt, the scientist Albert Einstein, the mystical poet Jalal Eddine Rùmi, the writer and psychoanalyst Lou Andreas-Salomé, as well as other subjects of creation, inform us about the specificity ot the feminin position in the creation process, but also teaches us about the place occupied by the fonction of the Name in their subjective re-inventions as a creation of the social bond

Ce travail est consacré à l’étude des dessins et des écrits que l’on trouve sur les pupitres d’un important collège traditionnel de la ville de Rio de Janeiro, Brésil. Nous avons accompagné les classes de sixième et de septième pendant deux ans, ce qui nous a permis de photographier les pupitres et de connaître les personnes concernées : les élèves, plusieurs professeurs, le personnel administratif, les personnes chargées du nettoyage, le médecin scolaire, les gardiens, les surveillants (pour la discipline). L’âge des élèves observés varie entre 11 et 15 ans. C’est la méthode ethnographique qui nous a servi de guide. On expose une description physique du collège, suivie d’une brève histoire et d’une contextualisation de son actuelle situation. La table de salle de classe est comparée à des tablettes en cire, comme celles que mentionne Roger Chartier. Les principaux concepts sur lesquels nous avons trouvé appui ont été suggérés par la lecture de Mikhaïl Bakhtin, Michel Foucault, Félix Guattari. Chez Bakhtin, nous avons trouvé les concepts d’énoncé, d’énonciation, de polyphonie, ainsi que celui d’attitude responsive active. Le concept de grotesque a été mis en relief à partir de ses études sur Rabelais et son temps, dont les images sont hyperboliques, hybrides, excessives, ouvertes. Avec Guattari, on a eu accès au nouveau paradigme esthétique proposant la pensée comme un processus vivant et ayant le futur en perspective, ce qui met en question l’homogénéisation des subjectivités soumises à des modèles établis a priori. L’Écriture de soi, chez Foucault, nous a permis de penser les écrits des adolescents sur les tables. Les hupomnemata et la correspondance sont envisagés comme des pratiques de singularisation et de subjectivation créées à l’école ; ils sont ainsi considérés comme producteurs d’un ethos. Les chapitres analytiques abordent initialement les tables de salle de classe et leur important rôle médiateur, de territorialisation et de création dans l’espace homogénéisant scolaire. Sur elles, nous trouvons des ébauches, des brouillons, des gribouillages inscrits et effacés qui changent cet espace, ce qui nous permet de dire qu’il s’y produisait une mémoire du présent. Ce chapitre est suivi par celui qui reflète les éléments identifiés sur les tables, mais qui ne sont pas visibles, ni matérialisés. Ces éléments sont nommés : le fragmentaire, l’éphémère, l’entre-deux et le brouillon. Ils traversent et donnent un visage particulier à ces images. Le dernier chapitre analytique contient et discute les principaux thèmes rencontrés sur les photographies prises pendant l’enquête de terrain. Nous les avons sélectionnées en ayant comme critère le processus de singularisation. Onze thèmes composent ce chapitre : abstractions, effacements, signatures, le collège, les corps (le grotesque y compris), lettres (alphabet), marques, messages, minuscules, gribouillages, palimpsestes. Les conclusions mettent en évidence comment la pratique d’écriture sur les pupitres manifeste une résistance au temps spatialisé et découpé, aussi bien qu’à l’espace hiérarchisé du collège. Le corps grotesque qui y émerge évoque une transformation non énoncée par les moyens de communication. Nous remarquons que cette pratique est une poétisation de l‘espace scolaire et que l’écriture de soi exprime certaines affections des adolescents qui marquent la vie scolaire
This work is devoted to a survey of the drawings and writings found on the desks of a renowned, traditional secondary school of the city of Rio de Janeiro, Brazil. We followed classes of the sixth and the seventh grades for two years, which permitted us to photograph the desks and to get to know the people present - pupils, several professors, administrative staff, janitorial staff, the physician, guards and discipline inspectors. The age of the pupils observed varies between 11 and 15 years. We were guided by the methods of ethnography. A physical description of the college, an outline of its history and a contextualisation of its present situation are presented. The classroom tables are compared with the ancient wax tables mentioned by Roger Chartier. The main supporting concepts have been found in Mikhaïl Bakhtin, Michel Foucault, and Félix Guattari. The concepts of statement, of enunciation, of polyphony as well as responsive active atittude are from Bakhtin. The concept of grotesque has been derived/demonstrated [emerges] from Bakhtin’s studies on Rabelais and his time, wherein his pictures are hyperbolic, hybrid, excessive, open. In Guattari, we find the new aesthetic paradigm proposing the thought as a living process with the future in perspective, which questions the homogenisation of the subjectivities submitted a priori to established models. L’Écriture de soi, chez Foucault, nous a permit de penser les écrits des adolescents sur les tables. Les hupomnemata et la correspondence sont envisagés comme des pratiques de singularisation et de subjectivation créées à l’école, ainsi qu’ils ont été considérés producteurs d’un éthos. Foucault’s «L’écriture de soi » allowed us to consider/examine the adolescents’ writings on the desks. The hypomnemata and correspondence are viewed as efforts in singularisation and subjectivation created in school, just as they have been considered to be producers of an ethos. The analytic chapters first approach the classroom desks and their important mediating of territorialisation and their creative role in the homogenizing school atmosphere. On them, we find doodles, sketches, scribbles, inscriptions and erasures that change this space, which permitted us to say that a memory of the present is produced there. The following chapter discusses elements identified on the tables, but that are neither visible nor materialized. These elements are designated as: the fragmented, the ephemeral, the in-between and the draft. They travel across and lend a special aspect to these pictures. The last analytic chapter presents and discusses the main themes found in the photographs taken during the field work. We have selected them based on those that indicate a presence of the singularisation process. Eleven themes comprise this chapter: abstractions, erasures, signatures, school, bodies (including the grotesque), letters of the alphabet, marks, messages, lower case letters, scribbles, palimpsests. Our findings demonstrate how the practice of writing on the desks manifests a resistance to the spatialised and fragmented time and hierarchised atmosphere/context of school. A grotesque body that appears there speaks of a transformation that is not expressed by the means of communication. We note that this practice is a poetisation of the school space and the writing of oneself expresses the teenagers’ affectations, thus characterising life at school

Notre travail a cherché ce qui pouvait distinguer l'oeuvre de la création. La création serait un temps singulier du sujet, quand l'oeuvre tenterait quant à elle de mettre à distance ce qui a surgi, laissant le sujet dans une vérité hors sens. Cette vérité du sujet le confronte à la question de la perte, point d'horreur de la castration pour lequel l'oeuvre tente, dans une mise au travail sans fin, de maintenir le sujet arrimé à la chaîne signifiante, dans laquelle le signifiant manquant se dérobe au sujet parlant : ce réel de l'objet non pas perdu, mais à retrouver. Nous avons tenté de cerner le temps du deuil sans fin, dont le premier acte se joue en 1903, à la mort d'Adrien Proust. Marcel, sur l'injonction de sa mère et au nom du père, donne le manuscrit de la Bible d'Amiens à la publication. Le livre est un trait d'union entre mère et fils et interroge ce qui, de n'être pas perdu, rend la séparation impossible. Deux ans plus tard, à la mort de sa mère, c'est dans un hôtel proche de Versailles (l'hôtel des Réservoirs) où il se réfugie sous le prétexte d'un déménagement, qu'isolé de tout, il annonce son renoncement à écrire. Il fait le choix d'un lieu sans mémoire, comme l'exprime sa correspondance. Paradoxalement, c'est le moment où, commençant à rédiger " sur les carnets ", il inaugure celui de 1908. Ce dernier et les autres restent aujourd'hui la trace de l'oeuvre inachevée. Ce qui n'est pas perdu se répète et engage l'être en position de signifiant. L'écriture de l'oeuvre imaginaire en témoigne : " moi je dis que la loi cruelle de l'art est que les êtres meurent et que nous-mêmes mourions en épuisant toutes les souffrances, pour que pousse l'herbe non de l'oubli, mais de la vie éternelle, l'herbe drue des oeuvres fécondes, sur laquelle les générations viendront faire gaiement, sans souci de ceux qui dorment en dessous, leur "déjeuner sur l'herbe" "1. Le principe de réalité viendrait recouvrir l'horreur de cette perte impossible et la construction de l'oeuvre serait, pour le sujet, une tentative de border ce qui hors d'elle, le contraint à disparaître. L'oeuvre écrite pour l'artiste nie la destruction du temps et se distingue du processus créatif pour le sujet, dont le désir est hors temps.

Georges Perec n’a pas écrit deux livres semblables. Compte tenu de l’importance de la contrainte littéraire dans son écriture, l’ensemble de son œuvre peut être décrite en différenciant : les textes avant contrainte, puis les textes avec contrainte et les textes sans. La contrainte littéraire est, ici, comparée aux règles de vie quotidienne du judaïsme religieux. Ces règles, qui, selon Yehoshua Leibovitz, ne sont pas utilitaires, ne sont opérantes que par leur altérité. Le christianisme, avec l’incarnation, se sépare du judaïsme par une différence du mode d’arrimage du mot à la chose. L’abord plus aride du judaïsme au Réel rend nécessaire, peut-être, de préserver un corps de prescription. Les contraintes littéraires, dont Perec dit qu’elles le rendent libres, semblent, dans cette œuvre là, être ce qui permet de garder le fil du retrait inhérent à notre habitat langagier, tout en maintenant vivace le désir d’écriture. On différencie les contraintes sur la langue ou la structure de la fiction, qui provoquent la jubilation, de la contrainte sur le fantasme, qui met en évidence l’espace vide d’où surgit la création
Georges Perec hasn’t written two similar books. As the literary constraint is very important in his writing, the description of his work can be done by separating three types of texts: the books before the constraints, the books with constraints and the books or texts without. The literary constraint is here compared with the daily rules of judaism; theses rules who, according to Yahoshua Leibovitz, have no utility and which only interest is their otherness. The concept of Incarnation separates christianity and Judaism because it makes a difference in the way of linking words and things. The jewish religion is more closely connected with reality, this is perhaps the reason why the rules are necessary for a pious Jew to preserve his integrity. Perec was saying that the constraint made him feeling free. In his work, it seems that they were the way to maintain vivid the desire of writing, as il they helped to keep a direction even when very closed to the gap between the man and the world, due to language. This thesis makes also a difference between constraints on language or on the structure of the fiction, giving to the writer joyfull jubilation, and contraint on [fantasme] who shows the empty space, the birthpace of creation

La reflexion s'exerce sur les cahiers davantage que sur les oeuvres de paul valery ; sur les "manuscrits" plus que sur les "textes" rebattus. Elle se propose d'y reprendre la question du sujet de l'ecriture la ou une certaine epistemologie moderne semble l'avoir laissee, il y a plus de vingt ans, chez lacan en particulier. Comment nait en l'etre la decision de (s')ecrire ? a partir de quels sous-entendus et selon quelles visees s'inventent les mots que "je" transcrit au feuillet ? qui est et qu'ecrit, de lui-meme, ce "je" d'un "j'ecris", dans la dissipation et selon les ruptures des fragments d'ecriture, dans le trouble et le "melange" de leurs "ebauches, diamants, moments. . . " ? mais aussi : ou et comment s'assurer de l'existence du sujet, dans le langage que traverse et bouleverse le desir de son ecrire ? selon quelle "abondance palpitante", en quelle "parole sans parleur", en quelle langue non referee, l'etre inscrit-il son "etre sujet" dans l'entreprise litteraire ? selon quel proces, des lors, de la vie elle-meme ? a ces questions, on a tente de repondre selon trois directions et a trois niveaux de pensee. Le premier volume se laisse encore guider par le biographique et trois "experiences" fondamentales de la vie de paul valery qui semblent l'avoir place face a la litterature. Le second se consacre davantage a un sujet psychologique (interieur) et tente de distinguer, a propos du "corps" en ecriture, ce qu'il peut y avoir d'organise ou d'incorporel dans les "effets" comme dans les "evenements" scripturaux. Le troisieme, enfin, se consacre a cet infra vilipende des textes, que l'on appelle ordinairement les brouillons. Une critique genetique
IN OUR REFLECTIONS WE WANT TO FOCUS MORE ON THE CAHIERS OR NOTEBOOKS OF PAUL VALERY THAN HIS OEUVRES, THAT IS, MORE ON HIS "MANUSCRIPTS" OR ROUGH DRAFTS AS OPPOSED TO THE HACKNEYED "TEXTS". FURTHERMORE, WE INTEND TO RECONSIDER THE QUESTION OF THE SUBJET OF (AS WELL IN) WRINTING, BEGINNING AGAIN AT THAT POINT WHERE A CERTAIN MODERN EPISTEMOLOGY SEEMS TO HAVE LEFT THIS TYPE OF INQUIRY, MORE THAN TWENTY YEARS AGO, PARTICULARLY IN THE THOUGHT OF JACQUES LACAN. HOW DOES THE DECISION TO WRITE (ONESELF) COME TO THE FORE IN THE PSYCHE OF AN INDIVIDUAL ? FROM WHAT SUPPOSITIONS AND ACCORDING TO WHICH DESIGNS ARE THE WORDS INVENTED THAT THE "I" TRANSCRIBES ON THE LEAFLET OF A ROUGH DRAFT ? WHO AND WHAT PART OF HIM OR HERSELF TRACES OUT ON THE MANUSCRIPTS THIS "I" OF "I WRITE" with ALL ITS UNRULINESS AS WELL AS ITS DIRECT RELATIONSHIP TO THE INEVITABLE DISCONTINUITY THAT WRITING FRAGMENTS OF ANY KIND DISPLAY, TO THEIR CONFUSION AND "MIXING", THEIR "BROAD SKETCHES, THEIR DIAMONDS OR MOMENTS. . . " ? BUT ALSO : WHERE AND HOW CAN WE ASSURE OURSELVES OF THE EXISTENCE OF A SUBJECT, ESPECIALLY IN THE LANGUAGE THROUGH WHICH PASSES ITS "DESIRE OF WRITING", WHILE TURNING IT ON ITS HEAD AT THE SAME TIME ? ACCORDING TO WHAT "PALPITATING ABUNDANCE" OR "SPEECH WITHOUT SPEAKER", IN TERMS OF WHAT NON-REFERENTIAL LANGUAGE, DOES AN INDIVIDUAL INSCRIBE HIS OR HER "SUBJECTIVITY OR SUBJECT AS BEING" INTO THE LITERARY ENDEAVOR ? INDEED, IN ACCORDANCE WITH WHAT TRIAL OF LIFE ITSELKF, FROM SUCH A POINT ON, IS IT INSCRIBED ?

Machines de guerre, machines critiques se construit en deux parties : dans un premier temps, l'analyse du système d'écriture déployé par Antonin Artaud pendant les périodes d'internement interroge les liens tissés avec les deux premiers conflits mondiaux, les nappes discursives qu'ils génèrent et la militarisation de la psychiatrie entre 1914 et 1945. Prenant pour point de départ cette « machine de guerre », je propose dans un second temps une série de projets plastiques réactivant les gestes de soulèvement d'Antonin Artaud pour questionner de manière plus large les rapports entre l'homme et l'espace qu'il occupe
War machines, critical machines contains two parts : the first will be a critical analysis of Antonin Artaud's writing system, and will focus on the periods during his internment in psychiatric institutions. In this part, we will look into the relationships between Artaud's work and the following : World War I and II, the discourses and representations that these wars generated and the militarization of psychiatric institutions between 1914 and 1945. In the second part we will look at this « war machine » as a starting point for my art projects. In order to investigate the complex relationships between people and the spaces they occupy, I propose these various projects wich reenacts Antonin Artaud's gestures of insurrection

L'histoire du Rythme, l'histoire de l'Art et l'histoire de la Psychanalyse, c'est aussi l'histoire de la mémoire du Corps, surface d'inscription incarnée et surface incarnante immatérielle. Le corps comme matière informante. Du Chaos à la Forme, mouvant. Nous proposons une considération du rythme dans une perspective psychanalytique à l'épreuve de la clinique de la création artistique. La théorie du rythme, arrimée à différents champs, nous a conduite à l'analyse d'une revue restreinte de la littérature théorique élargie permettant d'en confronter les apports afin d'enrichir la réflexion psychanalytique. Ainsi, le rythme trouve un centre à l'endroit d'une quête de l'origine, vers l'originaire. Quête d'une mise en sens de la cosmogonie et du corps pulsionnel. Le rythme se voit conférer une dimension civilisatrice et historisante au sein du socius, au travers de la langue et de l'histoire des corps. La création est étudiée comme paradigme privilégié du rythme qui se compose via une traversée mouvante et simultanée des trois coffrets du maternels. Nous postulons d'un rythme subjectif, interface corps-psyché. Le rythme informe et forme la matière-sensible corporelle autant qu'immatérielle, au travers de la langue. Inscription sensible des corps en présence autant qu'inscription sur la matière support. Ainsi le lieu de l'art, celui de la forme artistique, se fait surface d'inscription externe d'un engramme corporel effractant. La quête d'une forme est quête de lieu pour le non-lieu de la mémoire. Cette thèse repose sur une double méthodologie de recherche : celle de la rencontre clinique et celle de l'analyse pathographique de l’œuvre d'art, éprouvée au travers d'une étude qualitative et casuistique, au recours d'une lecture clinique du sensible de l'immatérialité de la parole et du discours latent. L'étude de cas met en évidence un vécu d'effraction du fantasme et le recours à l'éprouvé sensoriel informant le langage et l'expression artistique. La confrontation à la sexualité génitale, dans l'après-coup, révèle sa potentialité traumatique, conduisant à une réactualisation de l'archaïque à l'aune de la relation objectale, source d'une aliénation spatio-temporelle interne. Par le travail du rythme, l'œuvre artistique se fait lieu d'inscription déterritorialisé de l'informe, sans pour autant endiguer la trace primitive, à l'inverse ; mais cependant lui confère une reconfiguration spatio-temporelle. Du point de vue intrapsychique, le rythme est envisagé comme élément non-langagier concourant au système représentationnel. D'un point de vue dynamique, le rythme dispose une forme mouvante au service de la dialectique liaison-déliaison, visant un départage du temps et de l'espace interne non-advenu, vecteur de lien et d'historicisation. L'étude du rythme s'ouvre comme perspective sur la clinique de la parole sensible du corps-affecté
The history of Rhythm, the history of Art and the history of Psychoanalysis are also the history of the memory of the Body, the surface of incarnate inscription and the immaterial embodying surface. The body as the matter of information. From Chaos to Form, changing. With this research we will consider an analysis of Rhythm from a psychoanalytical point of view put to the clinical test of artistic creation. The theory of rhythm connected to different fields, has led us to analyse a limited inspection of broad theoretical literature enabling us to compare the contributions in order to enhance and refine psychoanalytical contemplation. Thus, rhythm finds itself in the middle of the quest for the origin, towards the origin-point. A quest for making sense of the cosmogony and the instinct of the body. Rhythm is given a dimension of enlightenment and history within socius and through the history of bodies. Creation is studied as a the privileged paradigm of rhythm. We postulate a subjective rhythm, an interface between the body and the psyche. Rhythm informs and forms the sensitive matter both bodily and also immaterial, through language. Sensitive inscription of bodies present as well as inscription on the support matter. Thus the place of art, that of artistic form, becomes to the surface of the external inscription of an invasive bodily engram. The quest for form is the quest for place for a nonsuit of the memory. This thesis rests on a dual methodology of research : that of the clinical meeting and that of the pathographic analysis of the work of art, tested with a qualitative and casuistic study, calling upon a clinical reading of the sensitivity of the immateriality of speech and latent discourse. The case study highlights experience of invasion of fantasy and the necessity to resort to sensorial testing informing language and artisitic expression. Confrontation with genital sexuality, after the event, reveals its traumatic potentiality, leading to a renewal of the archaic in terms of object relationship, a source of internal spatiotemporal alienation. By working with rhythm, the artistic work becomes the place of the deterritorialized inscription of formlessness, without however curbing the primitive trace, on the contrary ; but confers a spatiotemporal reconfiguration. From an intrapsychic point of view, rhythm is seen as a non-linguistic element which competes however with the representational system. From a dynamic point of view, rhythm has a changing form serving the liaison-dissociation dialectic, aiming to separate time from internal non-existant space, vector of bonds and historicisation. The study of rhythm opens the perspective for a clinic of sensitive speech of the affected body

Le poete americain h. D. (hilda doolittle) est nee en 1886 a bethlehem en pennsylvanie (u. S. A. ) dans une communaute morave, et morte en suisse en 1961. Elle vint en europe en 1911 pour rejoindre pound a londres et fonder le mouvement d'avant-garde qu'on appelle l'imagisme. H. D. Epouse un autre poete richard aldington dont elle est separee en 1919 et divorcee en 1937. Elle a une fille en mars 1919, apres avoir souffert de la guerre et de la mort de son frere et celle de son pere. La meme annee, h. D. Visite la grece en 1920, l'egypte en 1923 en compagnie de son amie bryher qui partagera sa vie jusqu'en 1961. Elle ecrit des 1912 des poemes lyriques courts, concis, haletants, qu'on appelle "crystal clear", etiquette qui restera longtemps. Elle subit une crise d'inspiration dans les annees trente et entreprend aupres de freud une psychanalyse dont elle tirera un memoire, en deux versions, qui sont etudiees ici pour comprendre le phenomene, la creativite. Liberee par la psychanalyse, elle ecrit un poeme en trois volets, d'inspiration mystique et hermetique, d'un style nouveau, notamment un vers long et fluide. Elle passe les annees de guerre a londres, et les bombardements apparaissent dans son oeuvre. Les annees d'apres-guerre sont fertiles, elle ecrit de nombreux memoires inedits, et un long poeme epique helen in egypt. Une autre serie de poemes regroupes sous le titre hermetic definition atteste de sa maturite. Elle s'est efforcee de nier toute polarite due au sexisme, a toujours cherche a effacer les limites entre deux principes opposes, en les faisant fusionner dans l'image: guerre amour,m f. .
The american poet h. D. (hilda doolittle) was born in 1886 in bethlehem, pennsylvania (u. S. A. ) in a moravian community. She died in switzerland in 1961 after spending almost all her life in europe where she had come to meet pound in 1911. They founded an avant-garde movement called imagism. She married a fellow poet richard aldington, they were separated in 1919 and divorced in 1937. She had a daughter in march 1919, and suffered the deaths of brother and father the same year. H. D. Visited greece in 1920, egypt in 1923 with her lifelong friend bryher. H. D. Started writing short lyrical poems in 1912, which were labelled "crystal clear", a criticism which followed her all her life. She underwent a crisis in inspiration in the thirties and consulted freud in vienna twice. Psychoanalysis was the source of two memoirs, one written on a day-to-day basis, the other ten years later. The comparison between the two memoirs enables the reader to understand the change in style in her later work. She spent the war years in london and the scene inspired her in her work, she published trilogy, a three-part poem both mystical and occult, after the war she wrote several unpublished memoirs, published her epic poem helen in egypt, then in 1974, posthumously, hermetic definition which comprises a tribute to st jphn perse and to pound and shows her maturity

La creation artistique denombre plusieurs contenus. Nous nous sommes surtout interesses aux contenus inconscients et, parmi eux, aux rites, mythes et symboles archaiques. Nous avons observe que nous reproduisons ces mythes, rites et symboles, sans en etre conscient; nous nous sommes questionnes sur le pourquoi de cette reproduction, et, en vue de trouver des reponses, nous nous sommes tournes vers la psychanalyse et son rapport a la creation artistique. Nous sommes arrives a la conclusion que nous avons une "memoire" de ces mythes, rites et symboles anciens et que leur acquisition se situe avant meme notre naissance. Nous avons traite dans ce sens la theorie de platon sur l'immortalite de la memoire ainsi que les theories sur "l'heritage phylogenique" de sigmund freud et sur "l'heritage psychologique" de carl gustav jung. En application de ces theories, nous avons travaille sur l'oeuvre cinematographique de raul ruiz
We find several contents in artistic creation. We mainly focused on unconscious contents and, among hem, on rites, myths and archaics symbols. We noticed that we reproduce those myths, rites and symbols, without being conscious of doing so; we asked ourselves what purpose such a reproduction could have and, in order to find out answers, we turned to psychoanalysis and its relation to artistic creation. We came to the conclusion that we have a memory for those myths, rites and symbols and that their acquisition takes place even before birth. With this approch in mind, we studied plato's theory on memory's immortality as well as sigmund freud's theories on "phylogenic heritage" and carl gustav jung's "psychological heritage". We then applied these theories to raul ruiz film works

Toute cette recherche se concentre sur le portrait en peinture comme possibilité de la rencontre, de moments d’amitié. Il s’agit d’en analyser les enjeux en utilisant la philosophie et la psychanalyse comme outils théoriques. Comprendre combien cette pratique de corps-à-corps, de présence à présence s’inscrit dans le temps, le déploie, le relate. La rencontre, tout comme ma pratique, a pour origine le désir de l’Autre. Chacune de mes peintures est une réponse à cette demande : «Comment désires-tu être peint ?». Mes pinceaux, guidés par les paroles livrées dans mon atelier, tentent de s’approcher au plus près de ce qui est dit : quête impossible !... tant le langage implique une perte, nous divise. Nous nous percevons comme uniques car nous sommes séparés de l’autre, nous sommes entourés de vide. L’autre et le vide ne sont pas seulement extériorités, ils sont en nous, et pour la psychanalyse c’est par l’imaginaire que nous trouvons notre unité. La psychanalyse, la méditation, l’alchimie et la peinture ont ceci de commun qu’elles sont toutes des disciplines construites à partir de la pratique et chacune d’entre elles aborde l’introspection à sa manière, qui peuvent s’enrichir les unes les autres
The present research work focuses on the painted portrait and the opportunity it offers to meet people and exchange moments of friendship. It aims at analyzing what is at stakes in this process by means of theoretical tools such as psychology and psychoanalysis. It is also concerned with the understanding of how this «hand to hand» and «presence to presence» practice gets its anchorage in time and how it unfolds it and refers to it. The get together process, as well as my own practice, are the expression of desire – desire of the Other. Each of my paintings is an attempt to answer this single question: «How would the person posing for me like to be painted?». Then, as if guided by his or her wish, my brushes enter into action in order to fulfill it to the best of my abilities – the task is of course impossible, because language implies a loss and gets us apart from one another. Each of us sees oneself as unique, for we are separated from each other: we are indeed surrounded by emptiness. The Other and emptiness don’t belong to the outside, they are part of ourselves. In the field of psychoanalysis, we manage to find our unity through imagination. Psychoanalysis, meditation, alchemy and painting have all in common to be based on practice. Each of these disciplines deals with insight in its own way: in the end they all benefit from each other