Letteratura scientifica selezionata sul tema "Création (esthétique) – Psychanalyse"

Ce texte vient dans la croisée des chemins. Il rend compte du trajet universitaire de Bernard Salignon, professeur émérite en esthétique et psychanalyse. Bernard Salignon questionne l’approche des enfants et des adolescents autistes dans les institutions. Constatant que la pratique créative ouvre un espace au sein de l’abri qu’ils construisent et qu’ils habitent, l’auteur interroge ce qui, dans l’espace de la créativité artistique, permet à certains d’entre eux de s’ouvrir dans un dedans sans danger. Peut-être est-ce là un moyen, pour ces jeunes personnes, de signifier que le partage ne se dilue pas dans la communauté impossible, suggère Bernard Salignon.

La fiction hollywoodienne place le spectateur dans un monde imaginal, permet d’actualiser les mythologies qui ont traversé les âges et d’approcher la représentation des rêves. Le dispositif cinématographique met le spectateur dans une position intermédiaire entre le sensible et l’intelligible et crée, à partir de cet entre-deux, un vecteur inédit de fiction. Hollywood ramène le public à un monde originel où l’image mobile du réel conduit à la création d’un récit mythologique et onirique. Grâce à la psychanalyse et au cinéma, la mythologie et le rêve, qui sont des propriétés fondamentales de l’esprit humain, ont été revisités et leur représentation a pris des formes nouvelles. Hollywood en a fait une adaptation esthétique en les inscrivant dans une nouvelle forme de narration fictionnelle qui ajoute un espace de communication entre les hommes, en dehors des sens et du verbe, pour tenter d’approcher et de circonscrire ce qui pourrait constituer la dimension inexprimable de la condition humaine.

Au XIXème et surtout au XX ème siècle, à partir notamment du domaine artistique, l'interrogation portée sur l'objet conduira à redéfinir l'oeuvre au-delà de toutes ses manifestations particulières. Comment s'est constituée cette union jusque là évidente entre l'oeuvre et l'objet ? Si l'objet a déterminé structurellement l'essence de l'oeuvre, ce n'est pas tant par sa forme, par sa matérialité, ou par sa visibilité, que par le rapport à autrui qu'il présuppose : l'objet incarne une illusion, celle d'un avenir biographique pour l'oeuvre. C'est par la résonance d'une certaine posture de l'autre que l'oeuvre trouve son issue, et le créateur, sa raison. Ce "rapport d'échange" peut nous permettre - si il est entendu à sa juste place -, de saisir ce que peut être une oeuvre sans objet. Ce rapport d'échange, nous le nommons "rencontre". Grâce à certains outils psychanalytiques (l'identification, le narcissisme, le réel, etc. ), nous avons tenté de dégager la nature et le fonctionnement de cette "rencontre". Jusquà quel point une oeuvre sans objet est-elle possible ? Si c'est au créateur en dernière instance qu'il revient d'avoir le dernier mot sur cette question, encore faut-il que celui qu'il accapare l'accepte en tant que tel.

La presente recherche en psychanalyse de la litterature sur l'oeuvre de hawthorne comprend quatre parties respectivement consacrees a l'interpretation de la lettre ecarlate, la maison aux sept pignons, valjoie, et le faune de marbre. On trouvera en annexe l'analyse de deux contes, "le chemin de fer celeste" et "maitre brown fils", presentes par l'auteur comme pouvant etre le recit de reves. J'ai choisi de mettre en lumiere comment les noyaux obsessionnels sont travailles afin de produire un discours, comment le fils coupable, identifie a l'objet perdu imagine que s'il retrouvait le tombeau de son pere il pourrait savoir qui est ce pere qu'il constitue comme son ideal
Using the concepts of psychoanalysis, the present research is an attempt at interpreting the scarlet letter, the house of the seven gables, the blithedale romance, the marble faun and two tales, "the celestial railroad" and "young goodman brown", the plots of which are in fact based on a dream as reported by the dreamer. The study of the text as a discourse of an unconscious subject, will demonstrate how the manifest purpose of hawthorne's works is the representation of an unconscious desire : the seach of the absent father

Ce travail a pour objectif de montrer que le fait de placer des enfants et des adolescents dans un cadre qui n'est plus celui du "dessin d'enfant", cadre ou nulle consigne graphique n'est donnee, amene ces enfants, dans une majorite des cas, a quitter le domaine de la representation. Nous entendons ici le mot representation comme ce qui evoque la realite exterieure dans l'art. En d'autres termes, qu'avec la peinture, mais une peinture un peu particuliere dont le modele n'est plus la figuration, l'enfant abandonne le domaine du recit, du discours de l'ecriture d'un fantasme, pour passer a une expression picturale beaucoup plus materiele. Cette expression se rattacherait non pas aux processus secondaires, c'est a la liaison d'une energie dans un systeme de lisibilite, mais aux processus primaires, dont elle serait un equivalent possible. Peinture energetique, elle n'a plus sa raison d'etre dans ce qu'elle represente, dans la realite dont elle est sensee etre le reflet, mais en soi, dans la figure elle meme. D'un point de vue economique, entendu au sens freudien du terme, cette peinture correspondrait a une decharge pulsionnelle dont la liaison ne s'organise pas a l'interieur d'un systeme discursif systeme de representation, mais sur un mode aleatoire selon la somme d'excitation ou "quatum" d'affect decharge dans une traduction picturale.

Certaines œuvres d’art, plastique, littéraire, musicale ou autres, témoignent, dans leurs originalités comme dans les commentaires de leurs auteurs qu’elles résultent d’une « obligation » subjective qui les enjoint à créer. Elles marquent qu’elles peuvent faire solution, non pas contingente, mais nécessaire, lorsqu’elles fonctionnent comme résolution d’une tension intime. Quel statut et quelle logique tenter ici ? Nous poserons l’hypothèse que ces expériences esthétiques subjectives, dessinent les coordonnées d’une sorte de « pousse-à-la-création », à comprendre en référence au concept de « pousse-à-la-femme » de Lacan : il sera pourtant ici décalé quant à son objet et quant à sa fonction, et est appelé au titre d’une des élaborations, plurielles, du fameux « continent noir » freudien de la féminité. Nous nous réglerons sur les témoignages de l’artiste, qui toujours « précède » disait Lacan et nous étudierons en quoi ses commentaires bordent l’objet d’art qu’il a créé, mais aussi les modes subjectifs et conditions de sa réalisation. Nous viserons donc la genèse de cet objet, qui pour l’artiste ne conquiert son statut qu’à opérer au-delà de la simple reproduction ou répétition. À partir de l’acte de l’artiste, et de son produit, nouveautés toujours rejouées, nous interrogerons les logiques du singulier dans la création, et du sujet engagé. Nous avons choisi d’argumenter notre propos en partant d’abord des mécanismes freudiens ou lacaniens qui interrogent les modalités de son articulation avec la « position féminine ». Nous avançons ensuite une logique « sinthomatique » transversale, qui marque l’empan des approches psychanalytiques, depuis le désir et ses modes de traitement jusqu’au réel, dont le dernier enseignement de Lacan sur la corporéité en indique les coordonnées. Enfin, nous argumentons d’un hypothétique « pousse-à-la-création » et nous mesurons les incidences et effets de cette détermination singulière, conçue comme nouage serré au-delà du fantasme, et qui ouvre sur des modes de rectifications subjectives subséquentes à la création
Some pieces of art, wheter plastical, litterary, musical or others, testify in their originality as well as in their comments from their authors that they are the results of a subjective “obligation” to create. They point out the fact that they can provide a solution, which is non contingent, if in fact necessary, when they work at providing the resolution of an intimate tension. What sort of status and what logic should we have adopt here ? We will posit that these subjective and aesthetic experiences draw the coordinates of a sort of “pousse-à-la-création” [“push-to-creation”], are to be linked to Lacan’s concept of “pousse-à-la-femme”, here, however, it will be understood as shifted in terms of its object and function in that case, however it will be out of place as regards its object and function and as one of the many elaborations of the famous Freudian “black continent” about femininity. We will follow the artist’s testimonies which always pre-exist, as Lacan used to say, and we will study how his comments are related to the object of art he has created as well as to the subjective ways and conditions of its creation. We will therefore aim at the genesis of this art object which, for the artist, only gets its status when surpassing mere reproduction and repetition. From the act of the artist and his production, constantly renewed, we will examine the peculiar ways of reasoning of the committed artist into creation. We have chosen to support our argument by starting with the Freudian and Lacanian mechanisms that question the various ways of linking it to the “feminine position”. Then we will evolve towards a “sinthomatique” and transversal logic that shows the range of psychoanalytical approaches, from desire and its modes of treatment to reality, whose Lacan’s last tuition about corporeity points out the coordinates. Finally, we will argue about an hypothetic “pousse-à-la-création” and we will evaluate the incidences and effects of this peculiar determination, conceived as a tight knot that goes beyond fantasies, which opens the way to the subjective rectifications subsequent to creation

Cette thèse propose de mettre en comparaison musique et peinture à travers l'analyse de l'acte créateur chez Schönberg et Picasso. Nos hypothèses s'appuient sur la description des trois phases de la création par le psychologue Anton Ehrenzweig dans son ouvrage "L'ordre caché de l'art" et sur le fonctionnement du travail de rêve explicité dans "L'interprétation du rêve" de Sigmund Freud. Ainsi, nous comparons d'une part, l'évolution de la création de Schönberg et de Picasso - notamment les courants cubiste et dodécaphonique sériel - en fonction des quantités d'élaborations primaire et secondaire entrant en jeu dans les mécanismes psychiques de la création. D'autre part, nous montrons l'impact que ces processus primaires et secondaires peut avoir sur les matériaux choisis pour exprimer leur intentions artistiques, ces processus variant tout au long de l'existence créatrice. Les mécanismes du travail de rêve permettent d'apporter un nouvel éclairage sur l'organisation de la structure interne de l'œuvre d’art moderne, tout en contournant les tentatives controversées d'équivalence entre les arts
This thesis proposes to compare music and painting through an analysis of the creative act as expressed by Schönberg and Picasso. Our hypotheses are based on the description of the three phases of creativity by the psychologist Anton Ehrenzweig in his work The hidden order of art and on the functioning of the dream work as set forth in Sigmund Freud’s The interpretation of dreams. We thus first compare how Schönberg and Picasso's creativity evolved - notably the Cubist and serial dodecaphonic movements - according to the extent of the first and secondary elaborations coming into play in the creative psychic mechanisms. Secondly, we show the impact that these primary and secondary processes can have on the materials chosen to express their artistic intentions, these processes varying throughout the creative life. The dream work mechanisms allow new light to be shed on the organisation of the internal structure of works of modern art, while circumventing controversial attempts to establish equivalence between the arts

Mon propos est d'interroger le féminin à partir de l'écriture d'une femme. La question se pose de la façon suivante : Qu'est-ce que l'écrit de Clarice Lispector peut nous enseigner sur le féminin ? C'est par ce que j'appelle ici une esthétique du souffle, par les murmures et les intervalles du texte qui tendent vers un au-delà de la parole, par les silences du texte, qu'un savoir sur le féminin s'écrit. Deux axes majeurs orientent la thèse. Le premier privilégie les rapports entre la création et le féminin, proposant de penser l'espace littéraire comme un lieu d'inscription du féminin. Le second concerne ce que j'ai appelé une esthétique du souffle. Son texte cherche une certaine musicalité des mots, une respiration ravissante, ou même une jouissance du langage, plutôt qu'une construction fantasmatique. Dans son oeuvre se joue le drame d'une subjectivité qui n'avait autre lieu d'existence que le texte et, qui aussitôt inscrite, s'éclipse
What can we learn about the feminine from Clarice Lispector's writing ? I propose to acknowledge in her work an esthetics of the breath, that leads to a Knowledge about the feminine, a knowledge beyond words that is written through the murmur, the gaps and silences of the text. My thesis has a double axis. The first one analyses the relationship between creation and the feminine, and proposes the literary space as a place for the inscription of the feminine. The second one deals with what I called an esthetics of the breath. Lispector's texts aims at a musicality of words, their ravishing breathing, or even a jouissance of language, rather than the building of a phantasy. In her work we see the suffering of a subjectivity that could exist only in the texts, and that vanishes, as soon as it inscribes itself

La position féminine comme spécificité et condition de la création, en lien avec la question du Nom chez le créateur, représente aujourd’hui une théorie importante dans la clinique du sujet. Cette théorie fonde une approche clinique de la création autour de laquelle s’articule ce travail de thèse. A partir d’une clinique différentielle des logiques subjectives de la création dans le champ de l’Art, de la science et de la religion, l’expression de la-dite position féminine se présente comme une certaine opération sur la jouissance et un rapport particulier avec l’Autre de la création. La peintre impressionniste Mary Cassatt, le scientifique Albert Einstein, le poète mystique Jalal Eddine Rùmi, l’écrivaine et la psychanalyste Lou Andreas Salomé, ainsi que d’autres sujets de la création, nous renseigne sur la spécificité de la position féminine dans le processus créateur, mais nous enseigne aussi sur la place qu’occupe la fonction du Nom dans leurs ré-inventions subjectives en tant que création du lien social
The féminin position as specificity and condition of the creation, in connexion with the question of the Name at the creator’s, represents today an important theory in the clinic of the human subject. This theory is the basis of a clinical approch of the creation around wich this thesis work is based. From a diffrential clinic of the subjective logics of creation in the field of art, science and religion, the expression of the so-called feminin position is presented as a certain operation on enjoyement and a particular relationship with the « Other » of the creation. The impressionist painter Mary Cassatt, the scientist Albert Einstein, the mystical poet Jalal Eddine Rùmi, the writer and psychoanalyst Lou Andreas-Salomé, as well as other subjects of creation, inform us about the specificity ot the feminin position in the creation process, but also teaches us about the place occupied by the fonction of the Name in their subjective re-inventions as a creation of the social bond

Ce travail est consacré à l’étude des dessins et des écrits que l’on trouve sur les pupitres d’un important collège traditionnel de la ville de Rio de Janeiro, Brésil. Nous avons accompagné les classes de sixième et de septième pendant deux ans, ce qui nous a permis de photographier les pupitres et de connaître les personnes concernées : les élèves, plusieurs professeurs, le personnel administratif, les personnes chargées du nettoyage, le médecin scolaire, les gardiens, les surveillants (pour la discipline). L’âge des élèves observés varie entre 11 et 15 ans. C’est la méthode ethnographique qui nous a servi de guide. On expose une description physique du collège, suivie d’une brève histoire et d’une contextualisation de son actuelle situation. La table de salle de classe est comparée à des tablettes en cire, comme celles que mentionne Roger Chartier. Les principaux concepts sur lesquels nous avons trouvé appui ont été suggérés par la lecture de Mikhaïl Bakhtin, Michel Foucault, Félix Guattari. Chez Bakhtin, nous avons trouvé les concepts d’énoncé, d’énonciation, de polyphonie, ainsi que celui d’attitude responsive active. Le concept de grotesque a été mis en relief à partir de ses études sur Rabelais et son temps, dont les images sont hyperboliques, hybrides, excessives, ouvertes. Avec Guattari, on a eu accès au nouveau paradigme esthétique proposant la pensée comme un processus vivant et ayant le futur en perspective, ce qui met en question l’homogénéisation des subjectivités soumises à des modèles établis a priori. L’Écriture de soi, chez Foucault, nous a permis de penser les écrits des adolescents sur les tables. Les hupomnemata et la correspondance sont envisagés comme des pratiques de singularisation et de subjectivation créées à l’école ; ils sont ainsi considérés comme producteurs d’un ethos. Les chapitres analytiques abordent initialement les tables de salle de classe et leur important rôle médiateur, de territorialisation et de création dans l’espace homogénéisant scolaire. Sur elles, nous trouvons des ébauches, des brouillons, des gribouillages inscrits et effacés qui changent cet espace, ce qui nous permet de dire qu’il s’y produisait une mémoire du présent. Ce chapitre est suivi par celui qui reflète les éléments identifiés sur les tables, mais qui ne sont pas visibles, ni matérialisés. Ces éléments sont nommés : le fragmentaire, l’éphémère, l’entre-deux et le brouillon. Ils traversent et donnent un visage particulier à ces images. Le dernier chapitre analytique contient et discute les principaux thèmes rencontrés sur les photographies prises pendant l’enquête de terrain. Nous les avons sélectionnées en ayant comme critère le processus de singularisation. Onze thèmes composent ce chapitre : abstractions, effacements, signatures, le collège, les corps (le grotesque y compris), lettres (alphabet), marques, messages, minuscules, gribouillages, palimpsestes. Les conclusions mettent en évidence comment la pratique d’écriture sur les pupitres manifeste une résistance au temps spatialisé et découpé, aussi bien qu’à l’espace hiérarchisé du collège. Le corps grotesque qui y émerge évoque une transformation non énoncée par les moyens de communication. Nous remarquons que cette pratique est une poétisation de l‘espace scolaire et que l’écriture de soi exprime certaines affections des adolescents qui marquent la vie scolaire
This work is devoted to a survey of the drawings and writings found on the desks of a renowned, traditional secondary school of the city of Rio de Janeiro, Brazil. We followed classes of the sixth and the seventh grades for two years, which permitted us to photograph the desks and to get to know the people present - pupils, several professors, administrative staff, janitorial staff, the physician, guards and discipline inspectors. The age of the pupils observed varies between 11 and 15 years. We were guided by the methods of ethnography. A physical description of the college, an outline of its history and a contextualisation of its present situation are presented. The classroom tables are compared with the ancient wax tables mentioned by Roger Chartier. The main supporting concepts have been found in Mikhaïl Bakhtin, Michel Foucault, and Félix Guattari. The concepts of statement, of enunciation, of polyphony as well as responsive active atittude are from Bakhtin. The concept of grotesque has been derived/demonstrated [emerges] from Bakhtin’s studies on Rabelais and his time, wherein his pictures are hyperbolic, hybrid, excessive, open. In Guattari, we find the new aesthetic paradigm proposing the thought as a living process with the future in perspective, which questions the homogenisation of the subjectivities submitted a priori to established models. L’Écriture de soi, chez Foucault, nous a permit de penser les écrits des adolescents sur les tables. Les hupomnemata et la correspondence sont envisagés comme des pratiques de singularisation et de subjectivation créées à l’école, ainsi qu’ils ont été considérés producteurs d’un éthos. Foucault’s «L’écriture de soi » allowed us to consider/examine the adolescents’ writings on the desks. The hypomnemata and correspondence are viewed as efforts in singularisation and subjectivation created in school, just as they have been considered to be producers of an ethos. The analytic chapters first approach the classroom desks and their important mediating of territorialisation and their creative role in the homogenizing school atmosphere. On them, we find doodles, sketches, scribbles, inscriptions and erasures that change this space, which permitted us to say that a memory of the present is produced there. The following chapter discusses elements identified on the tables, but that are neither visible nor materialized. These elements are designated as: the fragmented, the ephemeral, the in-between and the draft. They travel across and lend a special aspect to these pictures. The last analytic chapter presents and discusses the main themes found in the photographs taken during the field work. We have selected them based on those that indicate a presence of the singularisation process. Eleven themes comprise this chapter: abstractions, erasures, signatures, school, bodies (including the grotesque), letters of the alphabet, marks, messages, lower case letters, scribbles, palimpsests. Our findings demonstrate how the practice of writing on the desks manifests a resistance to the spatialised and fragmented time and hierarchised atmosphere/context of school. A grotesque body that appears there speaks of a transformation that is not expressed by the means of communication. We note that this practice is a poetisation of the school space and the writing of oneself expresses the teenagers’ affectations, thus characterising life at school

Notre travail a cherché ce qui pouvait distinguer l'oeuvre de la création. La création serait un temps singulier du sujet, quand l'oeuvre tenterait quant à elle de mettre à distance ce qui a surgi, laissant le sujet dans une vérité hors sens. Cette vérité du sujet le confronte à la question de la perte, point d'horreur de la castration pour lequel l'oeuvre tente, dans une mise au travail sans fin, de maintenir le sujet arrimé à la chaîne signifiante, dans laquelle le signifiant manquant se dérobe au sujet parlant : ce réel de l'objet non pas perdu, mais à retrouver. Nous avons tenté de cerner le temps du deuil sans fin, dont le premier acte se joue en 1903, à la mort d'Adrien Proust. Marcel, sur l'injonction de sa mère et au nom du père, donne le manuscrit de la Bible d'Amiens à la publication. Le livre est un trait d'union entre mère et fils et interroge ce qui, de n'être pas perdu, rend la séparation impossible. Deux ans plus tard, à la mort de sa mère, c'est dans un hôtel proche de Versailles (l'hôtel des Réservoirs) où il se réfugie sous le prétexte d'un déménagement, qu'isolé de tout, il annonce son renoncement à écrire. Il fait le choix d'un lieu sans mémoire, comme l'exprime sa correspondance. Paradoxalement, c'est le moment où, commençant à rédiger " sur les carnets ", il inaugure celui de 1908. Ce dernier et les autres restent aujourd'hui la trace de l'oeuvre inachevée. Ce qui n'est pas perdu se répète et engage l'être en position de signifiant. L'écriture de l'oeuvre imaginaire en témoigne : " moi je dis que la loi cruelle de l'art est que les êtres meurent et que nous-mêmes mourions en épuisant toutes les souffrances, pour que pousse l'herbe non de l'oubli, mais de la vie éternelle, l'herbe drue des oeuvres fécondes, sur laquelle les générations viendront faire gaiement, sans souci de ceux qui dorment en dessous, leur "déjeuner sur l'herbe" "1. Le principe de réalité viendrait recouvrir l'horreur de cette perte impossible et la construction de l'oeuvre serait, pour le sujet, une tentative de border ce qui hors d'elle, le contraint à disparaître. L'oeuvre écrite pour l'artiste nie la destruction du temps et se distingue du processus créatif pour le sujet, dont le désir est hors temps.

Georges Perec n’a pas écrit deux livres semblables. Compte tenu de l’importance de la contrainte littéraire dans son écriture, l’ensemble de son œuvre peut être décrite en différenciant : les textes avant contrainte, puis les textes avec contrainte et les textes sans. La contrainte littéraire est, ici, comparée aux règles de vie quotidienne du judaïsme religieux. Ces règles, qui, selon Yehoshua Leibovitz, ne sont pas utilitaires, ne sont opérantes que par leur altérité. Le christianisme, avec l’incarnation, se sépare du judaïsme par une différence du mode d’arrimage du mot à la chose. L’abord plus aride du judaïsme au Réel rend nécessaire, peut-être, de préserver un corps de prescription. Les contraintes littéraires, dont Perec dit qu’elles le rendent libres, semblent, dans cette œuvre là, être ce qui permet de garder le fil du retrait inhérent à notre habitat langagier, tout en maintenant vivace le désir d’écriture. On différencie les contraintes sur la langue ou la structure de la fiction, qui provoquent la jubilation, de la contrainte sur le fantasme, qui met en évidence l’espace vide d’où surgit la création
Georges Perec hasn’t written two similar books. As the literary constraint is very important in his writing, the description of his work can be done by separating three types of texts: the books before the constraints, the books with constraints and the books or texts without. The literary constraint is here compared with the daily rules of judaism; theses rules who, according to Yahoshua Leibovitz, have no utility and which only interest is their otherness. The concept of Incarnation separates christianity and Judaism because it makes a difference in the way of linking words and things. The jewish religion is more closely connected with reality, this is perhaps the reason why the rules are necessary for a pious Jew to preserve his integrity. Perec was saying that the constraint made him feeling free. In his work, it seems that they were the way to maintain vivid the desire of writing, as il they helped to keep a direction even when very closed to the gap between the man and the world, due to language. This thesis makes also a difference between constraints on language or on the structure of the fiction, giving to the writer joyfull jubilation, and contraint on [fantasme] who shows the empty space, the birthpace of creation