Tesi: "Contemporaey"

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Masiero, Valentina <1989&gt. "Contemporary Love - panoramica sull'arte erotica giapponese contemporanea". Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2016. http://hdl.handle.net/10579/7535.

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Abstract (sommario):

L'elaborato si propone di presentare l'arte erotica giapponese contemporanea con l'intento di tracciarne un profilo tecnico e tematico. La ricerca contestualizza lo sviluppo dell'arte erotica a partire dagli shunga di periodo Edo fino i giorni nostri per comprenderne le sfumature, i collegamenti e la simbologia ricorrente, cercando di esplicitare i motivi di tali eventuali riprese, senza tralasciare la componente sociale. L'approfondimento si situa all'interno degli studi artistici e cerca di estrapolare dal calderone della definizione “arte erotica” varie tipologie di produzioni nei sottoinsiemi di fotografia, manga, architettura e danza. L'incipit si occupa di introdurre il lettore al mondo degli shunga e della fruizione di questi ultimi. Il sentiero prosegue poi verso i primi anni del Novecento e profila lo sviluppo delle tecniche artistiche e l'introduzione di nuove tematiche in relazione al cambiamento della figura femminile all'interno della società. Segue poi una terza parte incentrata nelle produzioni di fotografia ed illustrazione dagli anni Sessanta ad oggi, che tratterà nello specifico la simbologia esplicita ed implicita all'interno delle opere. L'indagine approda, infine, all'analisi di alcune collaborazioni fra più campi artistici e sfocia nell'attuale pervasività della “commercializzazione” dei corpi e dei sentimenti.

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Ourrad, Samia. "Contre-culture et marginalité dans le roman contemporain : le signe d’un déclin littéraire ?" Thesis, Lyon 2, 2009. http://www.theses.fr/2009LYO20022.

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Abstract (sommario):

L’introduction de la marginalité et de la contre-culture dans le roman contemporain révèle une certaine crise dans la conception même du statut de la littérature à la fin du XXe siècle et à l’aube du XXIe siècle. On proclame souvent la mort de la littérature et du roman, mais aussi la crise de la fiction, de la narration, du sujet. On remarque ainsi des interférences croissantes dans la littérature contemporaine entre les « mauvais genres » et les genres nobles, entre la Littérature et la « sous-littérature ». Cette idée de fin ne va-t-elle pas de pair également avec la croyance aiguë que le monde court à sa perte et que les fondements « modernes » sont morts également ? De nombreuses œuvres contemporaines explorent la violence extrême, le sadisme et la cruauté afin de montrer de façon désenchantée une humanité emplie d’animalité. Mais cette surenchère de violence et cette survalorisation de la marginalité ne sont-elles pas l’expression d’un désenchantement sans précédent ou a contrario d’une écriture résistante, qui use de son langage acide pour refuser ce nouvel état du monde et de l’art ? Cette écriture, qui enthousiasme la critique journalistique, renouvelle-t-elle profondément la littérature ? Est-elle véritablement novatrice et subversive ou n’est-elle qu’une sous-littérature qui exploite les expérimentations des auteurs modernes ? La critique savante semble partagée quant à sa fonction critique et quant à sa littérarité, mais la violence et l’inscription volontaire des auteurs dans le « Tiers-monde linguistique » montre que la littérature n’a plus les mêmes visées et la même place dans le champ littéraire. En effet, quelle est la fonction de la littérature dans un contexte de mondialisation et de médiacratie ? Ces œuvres ne reflètent-elles pas une évolution profonde du champ littéraire et une remise en question des critères esthétiques traditionnels ?
The introduction of marginality and of the counterculture in the contemporary novel reveals a literature crisis at the end of the twentieth century and at the beginning of the millennium. The death of literature is often claimed as the fiction, narrative or identity crisis. There are increasing interferences between the highbrow Literature and “bad-literature”. Is this idea of End on a par with the extreme belief in the End of the World of Western and in the Death of the modernist thesis? Many contemporary novels explore extreme violence, sadism and cruelty to expose, with disappointment, a brutal and animal humanity. But are not these violence excess and overdeveloped marginality the expression of a radical disappointment or a strong writing that use acid language to refuse this new face of the world and of art? This writing, that elate journalistic critic, does it really change literature? Is it really new and subversive or is it popular literature that follows up the modernists experiments? The highbrow critic seems sceptic concerning its literarity; but the inscription in the “linguistic third-world” reveals the changes of the aims of literature. In fact, what is the function of literature in globalisation and mediacraty? Don’t these novels reveal a deep evolution of literature and a critic of the traditional artistic criterions?

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Spinelli, Manuela. "Le personnage de l’inetto dans la littérature italienne de la fin du XXe siècle". Thesis, Paris 10, 2014. http://www.theses.fr/2014PA100166/document.

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Abstract (sommario):

L’objectif de cette étude est d’analyser l’inetto contemporain dans le roman italien, à savoir un personnage inapte, aboulique et velléitaire dont l’existence s’entremêle à la littérature italienne depuis désormais plus de cent ans. Notre hypothèse est que le sentiment de mal-être qui l’accompagne peut être lu comme une contestation de la société. Nous nous concentrons sur les dernières vingt années du XXe siècle qui voient une réactualisation de ce personnage né à la fin du XIXe siècle. La première partie trace une possible généalogie du personnage. C’est un détour nécessaire, l’inetto étant un personnage peu étudié et sa définition fluctuante. Partant du sentiment de crise qui affecte la littérature européenne au tournant du siècle, on esquisse un portrait du personnage inapte pour lequel l’œuvre de Svevo s’avère être déterminante. Par la suite, lors de la deuxième partie, nous nous focalisons sur les inetti des années quatre-vingt. Après un chapitre de mise en contexte, nous analysons : Vita standard di un venditore provvisorio di collant (Busi), Diario di un millennio che fugge (Lodoli), Per dove parte questo treno allegro (Veronesi), Casa di nessuno et Gli sguardi cattivi della gente (Piersanti). La troisième partie se focalise sur la décennie suivante ; après avoir tracé le panorama de l’Italie de l’époque, nous analysons quatre romans : Tutti giù per terra, (Culicchia) Eccesso di zelo et Denti (Starnone) et Di questa vita menzognera (Montesano).Cette recherche démontre la charge contestataire qui se cache en ce personnage dont l’incapacité et le déphasage dévoilent les incongruences et les hypocrisies de la société. En particulier l’inetto – qui est toujours un personnage masculin – s’avère être porteur d’un type de masculinité alternative à celle hégémonique
This dissertation investigates the abulic, and weak character of the contemporary inetto, with the aim of showing how this figure’s feeling of unease and disquiet can be read as protest directed at modern-day society. The analysis focuses on novels published in the last two decades of the 20th century, the period in which the figure of inetto becomes a significant presence.The first part of this study reconstructs a possible genealogy of the character. The point of departure here is the general feeling of crisis, which permeated European Literature at the turn of the 20th century. With this broader literary context in mind and highlighting the decisive role of Svevo’s oeuvre, this part of the study delineates the traits of the character of inetto. The second part of the study is devoted to the inetti represented in the novels written in the 1980s. This part is composed of an introductory chapter providing contextualisation for the five novels analysed: Vita standard di un venditore provvisorio di collant (Busi), Diario di un millennio che fugge (Lodoli), Per dove parte questo treno allegro (Veronesi), Casa di nessuno et Gli sguardi cattivi della gente (Piersanti). The third part of the study starts with the depiction of Italian society in the 1990s, followed by the analysis of four selected novels: Tutti giù per terra, (Culicchia) Eccesso di zelo and Denti (Starnone) et Di questa vita menzognera (Montesano).The investigation shows how the presence of inetto can be read in the light of this character’s potential to counter hegemonic social models in an attempt to disclose the hypocritical and contradictory nature of contemporary society. More specifically, in this reading of inetto, this traditionally exclusively male character can be said to embody a new alternative mode of masculinity
L’obiettivo della tesi è analizzare l’inetto contemporaneo, cioè un personaggio abulico, velleitario e debole. La nostra ipotesi è che il sentimento di malessere che lo accompagna possa essere letto come una contestazione della società a lui contemporanea. Ci concentreremo sugli ultimi vent’anni del Novecento, che presentano una ritualizzazione significativa di questo personaggio nato alla fine dell’Ottocento. La prima parte traccia una possibile genealogia del personaggio. Si tratta di un momento necessario visto che l’inetto è un personaggio poco studiato e difficile da definire, le cui caratteristiche non mettono d’accordo tutti. Partendo dal sentimento di crisi che caratterizza la letteratura europea tra Otto e Novecento, delineeremo un possibile ritratto dell’inetto, per il quale l’opera di Svevo sarà determinante.In seguito, nella seconda parte, ci focalizzeremo sugli inetti degli anni Ottanta. Dopo un capitolo di contestualizzazione, analizzeremo: Vita standard di un venditore provvisorio di collant (Busi), Diario di un millennio che fugge (Lodoli), Per dove parte questo treno allegro (Veronesi), Casa di nessuno et Gli sguardi cattivi della gente (Piersanti). La terza parte si concentra sul decennio seguente: dopo aver tracciato un panorama dell’Italia dell’epoca, analizzeremo quattro romanzi: Tutti giù per terra, (Culicchia) Eccesso di zelo et Denti (Starnone) et Di questa vita menzognera (Montesano).La nostra ricerca dimostra la capacità di contestazione che si nasconde nella scelta di un personaggio inetto, la cui sfasatura rispetto ai modelli considerati vincenti svela le ipocrisie e le incongruenze della società stessa. In particolare l’inetto – che è sempre un personaggio maschile – si fa portatore di un tipo di mascolinità alternativa a quella egemonica

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Rambaud, Mathias. "Les représentations chrétiennes dans le roman français contemporain de 1991 à nos jours". Thesis, Montpellier 3, 2016. http://www.theses.fr/2016MON30018.

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Abstract (sommario):

La réappropriation de l’eschatologie judéo-chrétienne par les doctrinaires politiques du XIXe siècle est un topos de l’histoire des idées ; le soubassement religieux de l’idéologie démocratique du XXe siècle, quoique moins éclatant, est tout aussi réel. Quant à l’art, ouvrant dans un monde ultra-territorialisé le champ de l’extraterritorialité par excellence, il constitue peut-être la dernière altérité du discours rationnel positiviste. La théorie spéculative de l’Art a montré en quoi la littérature se rapproche plus d’un logos que d’une tekhnè, et l’écrivain de la figure du messager plutôt que de celle de l’artisan. En outre, dans sa tentation des origines, l’inspiration artistique appelle la surenchère : de mot en mot, on en vient au Verbe, et d’idée en idée au Saint-Esprit. Qu’il le transpose ou le critique, l’illustre ou le rejette, le livre a toujours entretenu des rapports étroits au Livre — et il y a là plus qu’une simple homothétie médiologique, où tout incipit vaudrait genèse. Parmi les pratiques actuelles de transplantation de l’héritage chrétien dans le roman, rares sont les ambitions architectoniques, les prolongements majestueux ; plus fréquents sont les greffons ou les scories. Fragments d’ensembles qui n’existent plus. Il s’agira donc ici de mettre en lumière ces nouvelles insertions du sacré dans l’univers profane de la littérature et d’en étudier la nature singulière en lien avec l’actuelle société française. Et de démontrer qu’entre modèle descriptif, recours spéculatif et détour narratif, le christianisme, plus qu’un simple référent parmi d’autres, demeure, en dépit d'une sécularisation de la société, l’un des horizons privilégiés de la création romanesque française d’aujourd’hui
The taking back of the Judeo-Christian eschatology by political theorists of the nineteenth century is a topos of the history of ideas. Though it is less obvious, the religious foundation of the democratic ideology of the twentieth century is just as real. As for art, since it is perhaps the last otherness of positivist rational discourse, it leads, in an overterritorialized world, to the extraterritorial field par excellence. The speculative theory of Art showed how literature is much more a logos than a tekhnè, and how the writer is closer to the figure of the messenger than to that of the craftsman. Moreover, in its temptation of origins, artistic inspiration calls for upmanship: word by word, we come to the Word, and from idea to idea to the Holy Spirit. Shall it transpose or criticize it, illustrate or reject it, the book has always had close relations to the Bible – and those relations are much deeper than an simple mediological homothety, where every beginning would count as a genesis. Among the current practices of transplantation of the Christian heritage in the novel, few are architectural ambitions or big extensions; most common are grafts or slags. Fragments of bigger schemes that no longer exist. Our aim is to highlight the new insertions of the sacred in the profane world of literature and to study its unique nature in connection with the current French society. And to demonstrate that between descriptive models, speculative crutches and narrative detours, Christianity, more than a mere referent among others, remains, in spite of society’s secularization, one of the privileged backgrounds of French fictional creation today

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Parcollet, Remi. "La photographie de vue d'exposition". Thesis, Paris 4, 2009. http://www.theses.fr/2009PA040222.

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Abstract (sommario):

L'Exposition a fait l'objet de nombreuses analyses et pourtant son rapport à la photographie est rarement évoqué. Considérée comme un procédé, elle développe de nombreux liens avec celui de la Photographie. Toutes les deux consistent à "montrer". Au-delà de leurs analogies, la Photographie et l'Exposition sont interdépendantes. L'étude de l'Exposition passe désormais inévitablement par la photographie. Les artistes et les commissaires utilisent aujourd'hui la photographie non pas comme une finalité mais comme un outil permettant de penser la mise en espace. Une photographie de vue d'exposition n'est jamais une reproduction, elle se détermine en fonction du temps et de l'espace. Elle est, avant, pendant et après l'exposition, à la fois un indicateur et un vérificateur. Les indices qu'elle fournit constituent des éléments de l'analyse critique de l'exposition. La mise en photographie dont l'exposition a toujours fait l'objet permet les "comparaisons", et "vérifications" qui influent, par voie de conséquence, sur sa conception.Car l’acte d’exposer, régulièrement remis en question, est en perpétuelle évolution. Parce qu'il s'est autonomisé, il est toujours plus difficile de l'appréhender. S’attacher à ses ambiguïtés, notamment celle de son "devenir-image", permet d'en mesurer toute la complexité. Ce qui ouvre certainement la voie à de nouvelles stratégies d’étude qui permettront progressivement une compréhension plus complète et mieux opératoire de son influence certainement décisive sur l’évolution à venir de l’art contemporain
The Exhibition as format has been the object of numerous analyses and nevertheless its relationship with photography is rarely evoked. Considered as a process, it develops numerous links with the process of Photography. Both consist in "showing". Beyond their analogies, Photography and Exhibition are interdependent. The study of Exhibitions is now inevitably related to photography. Today artists and curators use photography not as an end but as a tool allowing them to think about space.An exhibition view is a photograph but it is never a reproduction, it is determined according to time and space. It indicates and verifies at the same time, before, during and after the exhibition. The indications it supplies establish elements for the critical analysis of the exhibition. The process of photography, to which exhibitions have always been submitted allows "comparisons", and "verifications" which influence, consequently, its conception.Because the act of exhibiting, regularly questioned, is in perpetual evolution. Because it is autonomous, it is always more difficult to comprehend. Focusing on its ambiguities, in particular its capacity to become an image, allows to measure its complexity. This probably opens the way to new strategies of study which will gradually allow a more complete and effective understanding of its certainly decisive influence on the future evolution of contemporary art

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Bassene, Reine. "L'art contemporain africain : enjeux et perspectives face à l'émergence du marché de l'art globalisé". Thesis, Nice, 2013. http://www.theses.fr/2013NICE2046/document.

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Abstract (sommario):

L’art contemporain africain a fait son entrée dans le système globalisé, d’abord par les manifestations artistiques, ensuite dans les maisons de vente. Depuis les années post-indépendances, une nouvelle vision de l’art contemporain africain a émergé avec l’avènement des discours postcoloniaux. Ces idées inédites ont entraîné une lecture différente de l’esthétique contemporaine africaine avec l’appui de certains commissaires d’exposition. Parallèlement, une vision de l’artiste « authentique » subsiste dans les manifestations et donne de l’artiste africain une image qui peut paraître quelques fois figée. Les artistes contemporains africains se retrouvent aujourd’hui dans une situation conflictuelle ; ils doivent soit se rapprocher des centres d’impulsion artistiques c’est-à-dire du marché de l’art occidental ou rester sur le continent africain et tenter par des initiatives diverses et variées d’intégrer un marché qui reste encore en occident. Les zones périphériques arrivent cependant peu à peu à se muter en centres d’impulsion mais restent pour le moment modestes.Avec l’avènement des nouvelles technologies, des opportunités s’offrent aux artistes des périphéries en termes d’usages mais aussi en tant que medium. Leur application pousse à la réflexion, et à une tentative de compréhension des enjeux qui se profilent pour l’art contemporain africain et des perspectives qu’il faudra entrevoir à travers le paradigme des postcoloniales studies et à travers l’avènement des technologies de l’information et des communication. Est-il possible de proposer de nouvelles approches pour promouvoir la diffusion de l’art contemporain africain à travers les dispositifs socio-techniques disponibles mais aussi à travers la gestion de l’information. ? Dans une première partie, cette thèse tente de montrer la diversité des arts de l’Afrique pour en comprendre la complexité aujourd’hui. Puis en analysant les liens qu’elle a eus avec l’occident, d’en comprendre l’histoire.Dans une seconde partie la place de l’identité de l’artiste africain mais aussi son positionnement puis les initiatives qui sont menées sur le continent permettront de mieux appréhender les enjeux et perspectives qui dans la troisième partie, permettront d’avoir un point de vue global sur ce qui régit aujourd’hui l’art contemporain africain
The contemporary African art has made its entry into the globalized system, first through artistic exhibitions then in the auction houses. Since the 1960s’ a new vision of contemporary African art has emerged with the postcolonial discourse. These ideas have led to a different reading of the contemporary African aesthetic with the support of some curators. Meanwhile, a vision of the “authentic” artist remains in many European and American exhibitions. African artist give an image that can sometimes seem fossilized The contemporary African artists today find themselves in a situation, which can be source of conflicts. They can get close to the artistic centers pulse which means the Western art market or stay on the African continent and try by different initiatives to include a market which is still outlying areas like western countriesThe other areas however gradually mutate into centers pulse but remain modest for the time being. With the advent of new technologies, opportunities exist for artists from the third world in terms of use but also as media. Their application pushes the reflection, and then attempt to understand the challenges that lies ahead for contemporary African art and perspectives that will glimpse through the paradigm of postcolonial studies and through the advent of technologies of information and communication. Is it possible to suggest new approaches to promote the dissemination of contemporary African art through socio-technical devices available but also through information management? The first part, this thesis attempts to show the diversity of the arts of Africa to understand it’s complexity today. Then by analyzing the relationship it has with the West, to understand it’s history.The second part tries to understand the identity of the African artist but also its positioning and initiatives that are carried out on the continent will better understand the challenges and opportunities.The third part will give a point of view overall which today governs contemporary African art

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POLA, FRANCESCA. "MITICO PLASTICO MAGICO. Italia e Germania 1918-1925. Episodi e figure di un dialogo artistico". Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2008. http://hdl.handle.net/10280/218.

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Abstract (sommario):

La ricerca ha individuato come elemento specifico d'interesse la ricostruzione storico-critica delle relazioni artistiche tra Italia e Germania, nel periodo compreso tra il 1918 e il 1925, nel corso del quale sono stati riscontrati gli episodi più rilevanti e i momenti originanti di sviluppi significativi per gli artisti, i galleristi e gli intellettuali coinvolti in queste relazioni. La ricostruzione storica delle vicende espositive, bibliografiche, documentarie, che hanno costituito il tessuto attraverso il quale si sono sviluppati e intrecciati i percorsi dei due ambiti culturali, è stata arricchita dall'individuazione e dall'approfondimento di alcuni aspetti e tematiche che si sono riconosciuti come ricorrenti e fondanti il dialogo artistico tra Italia e Germania nel corso del periodo preso in esame. Il primo capitolo si concentra sul quadro di riferimento storico-critico e sulle figure di mediatori che ne hanno permesso gli scambi, mentre il secondo sull'ambito delle relazioni tra Valori Plastici e la Germania. Il terzo capitolo ricostruisce le vicende di alcuni artisti tedeschi che nel periodo in questione soggiornano in Italia (Georg Schrimpf, Carlo Mense, Alexander Kanoldt, Christian Schad). L'ultimo capitolo accenna invece ad alcune ipotesi di analisi comparativa, che testimoniano del comune terreno di ricerca.
This research has been considering as a specific element of interest the historical-critical reconstruction of the artistic relationships between Italy and Germany in the period 1918-1925. During these years, it has recognized the most relevant episodes and the originating moments for meaningful developments in the following decades, for artists, galleries, intellectuals involved in these relationships. The historical reconstruction of exhibitions, publications, documents, which determined the environment for the courses of the two cultural surroundings to develop and intertwine, has been enriched by the identification and study of some aspects and themes recognized as recurring and founding for the artistic dialogue between Italy and Germany in the analyzed period. The first chapter focuses on the historical-critical frame of reference and on the figures of mediators who allowed these exchanges, while the second concentrates on the relationships between Valori Plastici and Germany. The third chapter reconstructs the Italian stays of some German artist who reside in Italy during this period (Georg Schrimpf, Carlo Mense, Alexander Kanoldt, Christian Schad). The last chapter proposes some hypotheses for comparative analysis, that testify the common ground of research.

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POLA, FRANCESCA. "MITICO PLASTICO MAGICO. Italia e Germania 1918-1925. Episodi e figure di un dialogo artistico". Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2008. http://hdl.handle.net/10280/218.

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Abstract (sommario):

La ricerca ha individuato come elemento specifico d'interesse la ricostruzione storico-critica delle relazioni artistiche tra Italia e Germania, nel periodo compreso tra il 1918 e il 1925, nel corso del quale sono stati riscontrati gli episodi più rilevanti e i momenti originanti di sviluppi significativi per gli artisti, i galleristi e gli intellettuali coinvolti in queste relazioni. La ricostruzione storica delle vicende espositive, bibliografiche, documentarie, che hanno costituito il tessuto attraverso il quale si sono sviluppati e intrecciati i percorsi dei due ambiti culturali, è stata arricchita dall'individuazione e dall'approfondimento di alcuni aspetti e tematiche che si sono riconosciuti come ricorrenti e fondanti il dialogo artistico tra Italia e Germania nel corso del periodo preso in esame. Il primo capitolo si concentra sul quadro di riferimento storico-critico e sulle figure di mediatori che ne hanno permesso gli scambi, mentre il secondo sull'ambito delle relazioni tra Valori Plastici e la Germania. Il terzo capitolo ricostruisce le vicende di alcuni artisti tedeschi che nel periodo in questione soggiornano in Italia (Georg Schrimpf, Carlo Mense, Alexander Kanoldt, Christian Schad). L'ultimo capitolo accenna invece ad alcune ipotesi di analisi comparativa, che testimoniano del comune terreno di ricerca.
This research has been considering as a specific element of interest the historical-critical reconstruction of the artistic relationships between Italy and Germany in the period 1918-1925. During these years, it has recognized the most relevant episodes and the originating moments for meaningful developments in the following decades, for artists, galleries, intellectuals involved in these relationships. The historical reconstruction of exhibitions, publications, documents, which determined the environment for the courses of the two cultural surroundings to develop and intertwine, has been enriched by the identification and study of some aspects and themes recognized as recurring and founding for the artistic dialogue between Italy and Germany in the analyzed period. The first chapter focuses on the historical-critical frame of reference and on the figures of mediators who allowed these exchanges, while the second concentrates on the relationships between Valori Plastici and Germany. The third chapter reconstructs the Italian stays of some German artist who reside in Italy during this period (Georg Schrimpf, Carlo Mense, Alexander Kanoldt, Christian Schad). The last chapter proposes some hypotheses for comparative analysis, that testify the common ground of research.

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Hugues, Henri. "1914-2014, un siècle d’anthropophagie féminine dans l’art brésilien : pertinence et actualité ?" Thesis, Antilles-Guyane, 2014. http://www.theses.fr/2014AGUY0766/document.

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Abstract (sommario):

Au début du vingtième siècle, une rupture radicale et fondatrice de modernité artistique eut lieu au Brésil. Cette modernité se démarque de celle d’Europe par la prise de conscience des distances géographiques, culturelles et politiques vis à vis de l’Europe et surtout de l’ancienne puissance coloniale, le Portugal, par la recherche de son identité à travers la multiplicité des métissages du Nouveau Monde, ses mythes et son histoire réelle décolonisée. L’avant-garde brésilienne émerge autour de 1928, à travers les Manifestes anthropophages d’Oswald de Andrade (1890-1954) qui est donc le fondateur des anthropophagies, que l’on peut définir comme un indianisme à rebours. Le ″mauvais sauvage″ exerce sa critique contre les impostures du monde. « La ″Descente anthropophagique″ n’est pas une révolution littéraire, ni sociale, ni politique, ni religieuse. Elle est tout cela à la fois ! Sa loi est simple : Ne m’intéresse que ce qui n’est pas à moi ! Loi de l’homme, loi de l’anthropophagie ! » . Elle prescrit donc la dévoration des modèles importés et leur digestion dans l’hybridation au nom de l’identité brésilienne, par déplacement de concepts freudiens : « L’anthropophagie c’est la transformation permanente du Tabou (manger de l’homme) en Totem (de l’identité brésilienne) ! » . Ici l’influence notable de la psychanalyse et de l’anthropologie est à resituer : le déplacement du tabou anthropophage demeure une transgression symbolique, une métaphore, mais la référence anthropophagique ne concerne pas que la période précolombienne, car elle se réactualise. Nous nous proposons d’étudier ce phénomène à travers quatre questions : 1°- Quelles relations existent entre l’anthropophagie, l’histoire, l’esthétique et l’idéologie ? 2°- Quelle est la place des femmes artistes brésiliennes dans l’émergence de ce mouvement, compte tenu de leur présence décisive dès l’origine ?3°- Compte tenu de la résurgence rhizomique de l’anthropophagie dans la 2e moitié du XXe siècle, y compris jusqu’à aujourd’hui, quelle est la place des femmes artistes dans ce phénomène ? Y a-t-il continuité avec l’époque fondatrice ?4°- Etant donné ce qui précède, peut-on déduire qu’il existe un courant spécifiquement féminin dans l’anthropophagie d’hier et d’aujourd’hui ? Quelle est son importance réelle ? Quelles sont ses relations et postures par rapport à la postmodernité et à la mondialisation de l’art contemporain ?
At the beginning of the twentieth century, in Brazil, a radical artistic rupture took place, which marked the beginning of a new era. The resulting modernity differed from its European counterpart by the awareness of geographical, cultural and political distances that alienated Brazil from Europe and more specifically from its former colonial owner, Portugal. Brazilian modernity sought to define its identity through important basic elements that constitute the stuff that the New World is made of: cross-breeding, mythology and post-colonialism. The Brazilian avant-garde emerged around 1928 with the publication of The Anthropophagy Manifesto by Oswald de Andrade (1890-1954), who is thus the founder of the Anthropophagy, that we can define as a backward step into a reinvented form of ″Amerindianness″. The ″bad savage″ voices his criticism against impostures of the world. « Anthropophagy art is not a literary revolution, nor is it a social plea, nor a political pamphlet, nor a religious tract. It is all these things at the same time. Its law is simple: everything that is not me is of interest to me. The law of men is the law of Anthropophagy ». It thus prescribes eating up imported models and digesting them through the process of hybridization in the name of Brazilian identity. By displacing Freudian concepts, «Anthropophagy is the permanent transformation of the Taboo (man-eating) into a Totem (Brazilian identity) ». The permeating influences of psychoanalysis and anthropology need to be put in perspective: the displacement of the anthropophagous taboo remains a symbolic act of transgression, a metaphor, but the anthropophagic reference does not concern the pre-Columbian period, because it is updated. We propose to study this phenomenon through four questions: 1°- What are the relations between Anthropophagy, history, esthetics and ideology? 2°- What is the place of women Brazilian artists in the emergence of this movement, taking into account their decisive presence right from the start? 3°- Taking into account the resurgence of Anthropophagy from the second half of the 20th century onwards, what is the place of women artists in this phenomenon? Are they pursuing the same interests as the founders of the movement?4°- Can we deduce that there exists a specifically female genre within the anthropophagic movement of yesterday and of today? If so, what is its relevance? Where does it stand with respect to the contemporary concepts of post-modernity and globalization in the present-day art world?

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Riss, Sabine. "Ravage et carnage des subjectivités contemporaines : postures radicales et métapsychologie du chaos". Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019AZUR2013.

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Abstract (sommario):

Notre travail s'élaborera autour d’une hypothèse centrale : L’écho inédit trouvé par la trame narrative et scopique proposée par Daech s'explique par son adéquation avec les affres des subjectivités contemporaines. Il s’agit donc d’étudier les conditions de cette rencontre, qui capte le sujet errant dans les eaux troubles de l’archaïque, avec une offre de mort distillée par le dévoiement d’un pseudo-islam de cruauté semblant apporter l’illusion d’une réponse. Car, d’emblée, chez les jeunes sujets que nous recevons, la « greffe » fantasmatique prend, telle une rencontre passionnelle entre un sujet agonique et une solution miracle qui vient lui offrir la possibilité de s’extraire d’une subjectivité faite d’inconsistance, d’abandonner l’effroi et le vide au profit d’un remplissage lénifiant. Leur terrorisme ne naît pas d'un projet idéologique mais tire sa vigueur d'un désastre subjectif auquel il donne forme. En cela, l'imagerie de Daech vient actualiser le collapsus Réel/Imaginaire (imaginaire grandiose mais de mort) chez ces sujets agoniques. L'obscène est alors exhibé, la pulsion scopique déchainée. Demeure l'archaïque pur qui scandera la vie et les actes d'un sujet de la discontinuité, au titre du retour du clivé, répétition à l'identique du mortifère. Nous proposerons un exposé de la clinique des sujets volontaires au martyr à partir de notre expérience de clinicien en prison, dans le cadre d’une mission dédiée à la prise en charge de sujets revenant de Syrie, ayant voulu s’y rendre, ou témoignant d’une bascule mortifère en détention vers des trajectoires de mort au nom de Dieu. Pour ce faire, nous étudierons l’institution carcérale comme un lieu privilégié de la remise en scène des éprouvés précoces d’agonie et d’effroi chez des sujets aux prises avec un véritable chaos subjectif, toile de fond de toute appétence radicale actuelle selon nous. Nous étudierons ensuite les ressorts psychiques d’un tel processus : l’addiction, le préjudice, leur dialectique avec l’Idéal, pour interroger ces formes de mélancolies contemporaines chez des sujets qui ne parviennent au sentiment d’existence que dans le projet de mort divine. Nous tenterons d’illustrer notre hypothèse selon laquelle la dissolution d’un Moi inconsistant en un Moi Idéal nihiliste est la clé de compréhension de ce que l’on nomme actuellement « radicalisation », dans sa forme la plus extrême, celle des demandeurs de martyre, les chahids
Our work will be built around a central hypothesis : The unheard echo found by the narrative and scopic plot proposed by ISIS, is explained by its adequacy with the pangs of contemporary subjectivities. It is thus a question of studying the conditions of this encounter which captures the subject, wandering in the troubled waters of the archaic with a death offer distilled by the deviation of a pseudo-Islam of cruelty that seems to bring the illusion of ‘answer. Because from the outset in the young subjects that we receive, the « transplant » fantasy takes, such a passionate meeting between an agonistic subject, and a miracle solution that comes to offer the possibility of getting out of a subjectivity made of inconsistency to abandon fright and emptiness in favor of a lenient filling. Their terrorism is not born of an ideological project but draws its force from a subjective disaster to which it gives shape. In this, the imagery of ISIS comes to actualize the collapse Real / Imaginary (imaginary grandiose but death) in these agonic subjects. The obscene is then exhibited, the impulse scopic unleashed. The pure archaic remains that will punctuate the life and the acts of a subject of discontinuity, in the name of the return of the cleave, a repetition identical to the mortifère. In this paper, we are going to do a clinical study of subjects willing become martyrs based on our experience of a clinical psychologist in detention. The framework of this mission is dedicated to treatement of subjects coming back from Syria, or who has wanted to go there, or else showing a sudden morbid bascule, towards death trajectories in the name of god. We will focuse on the psychic incounscious motivations of such process : addiction, prejudice and their dialectic with the Ideal to interrogate these forms of contemporary melancholia for subjects who can only reach feeling of existence in project of divine death. We will try to illustrate our 3ypothèses according to which the dossilution of an inconsistent Ego in an nihilist Ideal Ego is the key to an understanding of what we currently call radicalization, in its most extreme form, that of people aspiring to martyrdom, wandering in the morbid zone of the archaic, the “chahids”

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Benkass, Zahra. "La collecte de l'objet contemporain au sein de l'écomusée et du musée de société". Phd thesis, Université d'Avignon, 2012. http://tel.archives-ouvertes.fr/tel-00807037.

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Abstract (sommario):

La thèse interroge les pratiques mises en œuvre aujourd'hui pour collecter des objets contemporains au sein des écomusées et des musées de société en France. Cette question de la " contemporanéité " connaît un regain d'actualité en muséologie et prête le flanc à la critique dans le paysage des politiques culturelles. Aussi, la première partie constitue le questionnement théorique de la recherche. Elle interroge la situation paradoxale des musées ethnographiques français, dans l'objectif d'examiner la nouvelle orientation des collections, axée sur le " contemporain ". La deuxième partie trace l'évolution dans les orientations, les méthodes et les finalités des politiques d'acquisition. Le corpus de la recherche analyse, dans ce sens, des pratiques de collecte aujourd'hui opérationnelles au sein de trois musées, foncièrement différents de par leur taille, leur implantation géographique et leurs missions : le musée des Civilisations de l'Europe et de la Méditerranée (MUCEM) à Marseille, l'écomusée du Val de Bièvre à Fresnes (Val-de-Marne) et le musée de la ville de Saint-Quentin-en-Yvelines (Yvelines). Enfin, la troisième partie de la thèse présente les résultats de l'étude expérimentale de terrain. D'abord, en examinant le sens du contemporain au sein du musée de société, à travers la représentativité des exemples retenus dans le corpus. Ensuite, en présentant les conséquences de la collecte de l'objet contemporain, tant sur les missions du musée que sur le statut de l'objet. Ces deux entités sont analysées dans le cadre d'un " système signifiant " qui permet au musée de construire un savoir et une connaissance sur l'objet d'aujourd'hui, à partir des notions d'" altérité ", de " document ", de " tri ", de " mémoire " et de " patrimoine ".

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CODIGNOLA, FEDERICA. "Mercato dell'arte e prodotto artistico contemporaneo". Doctoral thesis, Università degli Studi di Milano - Bicocca, 2006. http://hdl.handle.net/10281/46013.

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Abstract (sommario):

The author agrees with the current hypothesis, namely, that the contemporary art market can be examined from an economic perspective, by using analytical instruments that are typical of the management and marketing sciences. It is a fact that the evolution of the artist-as-artisan towards the artist-as-creator is based upon the concept of the non-retribution of the creative act. (The latter is described as the artist's intimate expression.) This fact, however, does not prevent the result of such a creative act from becoming the object of a monetary exchange and being assigned a price tag. The author then accepts that, when compared to other products, the artistic product is unique due to the subjectivity of its value. In this framework, she examines the laws regulating the contemporary art market and the behavioral patterns of its actors -- the creative, production, and exchange levels, the promotion of the artists' activity, the networks of often conflicting individuals and institutions. Still, she is well aware that, far from being stable, the contemporary art market is still deeply influenced by evolving mechanisms that aim towards an overall simplification. The typical features of the contemporary art market significantly enrich the scope of the management and marketing sciences. Their analytical instruments, however, remain of fundamental value even for the contemporary art market, in spite of the fact that they normally take for granted homogeneous market conditions which are not so in the contemporary market. The author concludes that any examination of the contemporary art market must focus on its special features and be wary of concepts and frameworks normally used for manufactured products (efficacy, competition, well-being). According to the authors, these special features are the results of values and criteria that are peculiar but not irrational, of subjective but not arbitrary judgments, and of irregular but non incomprehensible dynamics. The author also examines how globalization influences the contemporary art market. She singles out phenomena such as democratization, superimposition, enlargement, and approximation as the more evident results of such an interaction. By well using the analytical instruments of the management and marketing sciences, the author shows the innovative dimensions of the contemporary art market and identifies its institutional and organizational needs. Finally, the author points to the ways in which the contemporary art market tries to enlarge its scope by reaching out to new consumers.

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Pereira, Marcelo Eugênio Soares. "Acumular tesouros : um olhar sobre os cadernos de desenho". reponame:Biblioteca Digital de Teses e Dissertações da UFRGS, 2015. http://hdl.handle.net/10183/131745.

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Abstract (sommario):

A pesquisa intitulada Acumular tesouros: um olhar sobre os cadernos de desenho analisa um conjunto de cadernos de desenho, elaborados por mim, entre 2006 e 2015. O objetivo desse estudo é investigar de que modo a utilização frequente dos cadernos de desenho constitui uma poética e de que forma os cadernos são abordados na história da arte. A metodologia, de ordem qualitativa, possui por principal ação a continuidade da produção prática, assim como as relações estabelecidas entre os meus cadernos e os de outros artistas. Neste estudo, evidencio o aspecto heterogêneo dos cadernos, já que estes comportam e agregam grande quantidade de elementos gráficos, além dos desenhos, tais como colagens e escritos. É explorada a hipótese de que os cadernos não são apenas instrumentos para obras futuras; mas que são, principalmente, veículos que possibilitam experimentações artísticas das mais variadas naturezas. São abordados os conceitos de hupomnêmata a partir de Michel Foucault (2004; 2010; 2011); colagem por Antoine Compagnon (1996); e desenho a partir de John Berger (2010).
The present research entitled Accumulating treasures: a look upon sketchbooks analyzes a set of sketchbooks, created by myself between 2006 and 2015. The main objective of this research is to investigate in what way the frequent use of sketchbooks constitutes a poetics and how sketchbooks are addressed in Art History and in contemporary artistic production. The methodology – which follows a qualitative approach – has as main procedure the continuity of practical production as well as the establishment of relations among my sketchbooks and other artists’. I emphasize, in this study, the heterogeneous aspect of the sketchbooks, considering that they contain and aggregate a considerable amount of graphic elements besides the drawings, as well as collages and writings. The hypothesis explored is that the sketchbooks are not just an instrument to future works, but they are mainly means that allow artistic experiments of several kinds to be carried out. The concepts of hupomnêmata by Michel Foucault (2004; 2010; 2011); and collages by Antoine Compagnon (1996) are addressed along with the concept of drawing according to John Berger (2010).

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Peretti, Ilaria <1992&gt. "Quando l’arte contemporanea incontra l’antico. Analisi del caso dell’esposizione Contrepoint. L’art contemporain au Louvre". Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2018. http://hdl.handle.net/10579/12245.

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Abstract (sommario):

La presente tesi conduce ad una riflessione sulle recenti pratiche di incontro tra patrimonio antico e arte attuale, focalizzandosi sulla formula espositiva di Contrepoint proposta dal Musée du Louvre nel 2004, che vede dodici artisti attuali intervenire con media differenti nelle sale del museo parigino. Attraverso le premesse teoriche riguardanti il ruolo del fruitore nei processi di interpretazione e attualizzazione di un’opera e la questione della fusione di orizzonti, cercheremo di comprendere se questa formula espositiva raggiunga le premesse sperate, ovvero creare un incontro quasi immediato tra il visitatore e le opere presentate e accrescere di conseguenza l’interesse dei pubblici sia per la collezione permanente che per le opere contemporanee. L’approccio alla traduzione di Popovič, ci permette di suddividere le risposte interpretative degli artisti in citazionali e implicite, al fine di analizzare l’atteggiamento di reinterpretazione e traduzione di un’opera antica. L’ultima parte dell’elaborato si focalizza sulla ricezione da parte dei pubblici e delle possibili relazioni che questi riescono a intrattenere, cercando di dimostrare da un lato come l’esposizione sia un’istanza determinante per lo sguardo che i pubblici hanno sull'arte, dall’altro che tuttavia non è sufficiente la giustapposizione di opere per creare un discorso sull’arte che coinvolga democraticamente tutti i pubblici.

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Maisonneuve, Anna. "Les formes du merveilleux en art contemporain". Thesis, Bordeaux 3, 2014. http://www.theses.fr/2014BOR30073.

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Abstract (sommario):

Historiquement, si l’on effleure succinctement l’histoire de l’art occidental de ces derniers siècles, il n’y a guère que les romantiques et les surréalistes qui ont clairement consenti à employer un tel vocable. Plus encore, le « merveilleux » était en quelque sorte leur fer-de-lance, l’ingrédient ultime capable d’accompagner et d’accomplir une quête collective, dont la visée constante était d’échapper à l’étroitesse rationaliste. Une étroitesse rationaliste, alors affectée, conspuée et invalidée par un contexte : celui de la modernité pour les uns, celui de la Première Guerre mondiale pour les autres, qui venait tout juste de s’achever. En regard du nombre d’ouvrages et d’expositions qui prennent pourtant pour thème le réenchantement et le merveilleux depuis plus de deux décennies, il est tentant, il est vrai, d’avancer l’hypothèse du contrepoids contextuel. En période de désillusions, le merveilleux composerait une échappatoire honnête, une sorte de compensation élémentaire, permettant de rééquilibrer la balance. Les formes du merveilleux en art actuel permettraient-elles ainsi de réenchanter le monde ? Plus précisément, seraient-elles en mesure de réduire cette césure dissociant l’être et le monde ? Dans une société toute déterminée par la prédominance de la raison, une raison dont on ne saurait plus s’affranchir complètement, dans quels territoires peut encore s’immiscer la merveille ? Quelles formes est-elle susceptible d’arborer ?
Historically, if we briefly review Western art history from the last few centuries, there are almost only the romantics and the surrealists who clearly agreed to use such a term. Moreover, " le merveilleux" was somehow their arrowhead , the ultimate ingredient susceptible to accompany and justify a collective quest, which was constantly referred to in order to do away with rationalistic narrow-mindedness which was then affected, decried and invalidated by the context: modernity for some, and for others, the First World War, which had just come to an end. Regarding the number of books and exhibitions taking on the themes of fantasy and enchantment for over two decades, it is tempting to consider the weight of that context. In a period of disillusionment, fantasy offers an honest escape, a kind of elementary compensation, a redress of the balance. Could renderings of fantasy in contemporary art be an attempt to re-enchant the world? More specifically, might this succeed in reducing the divide between the being and the world? Nowadays, when we live in a society in which reason is the dominant power, from which we can hardly hope to escape, in which territories can fantasy still appear? What form is it likely to take?

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Pepa, Paola Natalia <1985&gt. "Arte argentina: dall'indipendenza al contemporaneo con suggestioni europee. Quattro artisti contemporanei nella Biennale di Venezia". Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2014. http://hdl.handle.net/10579/5106.

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Abstract (sommario):

Una rapida panoramica che orienta verso il percorso artistico della nazione Argentina, sottolineando i forti legami che la uniscono all'Italia e al resto d'Europa. L'excursus storico-artistico si arricchisce di tendenze moderne e nuove sperimentazioni, fra influenze esterne e desiderio di esprimere un'arte voce del proprio popolo, legittimata dal riconoscimento mondiale.

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FUOCO, ESTER. ""Né qui, né ora": peripezie del teatro contemporaneo ( "Ailleurs et autrement": Rebondissements du théâtre contemporain )". Doctoral thesis, Università degli studi di Genova, 2019. http://hdl.handle.net/11567/945965.

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Abstract (sommario):

Si sono qui prese in esame quattro esperienze performative internazionali contemporanee - scelte per la loro rilevanza e nello stesso tempo per la loro eterogeneità - rappresentative di una peculiare interazione del performer con il mezzo tecnologico. Si è evidenziato così come quest’interazione produca in attori e spettatori – ove sussista ancora questa distinzione – una percezione dello spazio e del tempo affatto nuova; secondo tre modalità relazionali ed espressive che potremmo qui anticipare come: “presente nel qui e ora” (prossimità immediata), “presente a distanza” e “assente/virtuale”. Sempre nelle esperienze qui considerate, il corpo contemporaneo, lontano da ciò che poteva rappresentare in partenza, non è più elemento significativo dell’identità, di una sola identità: viene privato della propria soggettività e condotto a una specie di “grado zero” della propria natura; appare così frammentato, aperto, liquido. In queste performance, e in particolare in quelle che partono dalla danza, sono le caratteristiche oggettuali e materiali dei corpi a essere messe in primo piano; cosicché la manipolazione della corporeità o la dislocazione dell’agente al di fuori del corpo sembrerebbero annullare la consueta nozione di “presenza”. Più corretto invece – e questa è la sfida di questa indagine – ci è sembrato valutare la riconfigurazione di questa presenza alla luce di una verità mediata, quell’effetto di realtà che induce a ritenere reale ciò che ci viene mostrato su un supporto, filmato, riprodotto digitalmente, ricostruito attraverso la luce o il suono. La presente ricerca consiste quindi nell’esplorazione dello status di questo corpo performativo contemporaneo, del processo estetico di rimediazione e di “democratizzazione” che esso subisce nelle performance live attuali: per comprendere le ragioni e gli effetti del quale si è reso necessario lo svolgimento di un’analisi dell’evento teatrale sistemica e relazionale, prima che analitica; cercando di ricostruire una rete di particolari connessi e interdipendenti al soggetto e al contesto, anziché limitarci a una semplice diegesi dei singoli spettacoli.
In the present analysis four contemporary international artistic examples will be analysed, chosen for their significance and at the same time their heterogeneity, representative of a peculiar interaction of the performer with the technological medium. It has been shown that this interaction produces in actors and spectators – where this distinction still subsists – a perception of space and time that is quite new; in keeping with three relational and expressive modes that we could anticipate here as: “present in the here and now” (immediate proximity), “present at a distance” and “absent/virtual”. Again in the experiences considered here, the contemporary body, far from what it represented at the origins, is no longer representative of identity, of a single identity: it is deprived of its subjectivity and reduced to a kind of “degree zero” of its nature. It becomes liquid, open, fragmented. In these performances, and in particular those that start from dance, the object and material characteristics of the bodies are brought into the foreground; so that the manipulation of the body or the displacement of the agent outside the body would seem to efface the notion of “presence”. Rather it would be more correct – and this is the challenge of this investigation – to evaluate the reconfiguration of this presence in the light of a mediated truth, an effect of reality that leads us to regard as real what is shown to us on a support, filmed, reproduced digitally, reconstructed through light or sound. The present research therefore consists in an investigation of the status of this contemporary performative body, of the aesthetic process of remediation and of the “democratisation” that it undergoes in current live performances. To understand the reasons for and effects of this phenomenon, it was necessary to conduct an analysis of the theatrical event in a systemic and relational rather than an analytical way, seeking to reconstruct a network of details connected to and interdependent of the subject and the context, before presenting a diegesis of individual spectacles.
Ce travail de recherche consiste en une réflexion sur le statut de ce corps performatif contemporain, sur le procédé esthétique de remédiation et sur la « démocratisation » qu’il subit dans les performances live actuelles. Pour comprendre les raisons et les effets de ce phénomène, il a fallu analyser l’événement théâtral tout d’abord de façon systémique et relationnelle, puis analytique, en essayant de reconstruire avant tout un réseau de détails interdépendants et connectés au sujet et au contexte, plutôt que de partir d’une diégèse de chaque spectacle. Quatre exemples artistiques internationaux contemporains – sélectionnés pour leur importance et leur hétérogénéité – représentatifs d’une interaction particulière entre le performeur et les nouvelles technologies, ont été analysés. La réflexion a portée sur la manière dont cette interaction créait chez les acteurs et les spectateurs – lorsque cette distinction subsiste – une perception de l’espace et du temps complètement nouvelle selon trois modalités relationnelles et expressives que nous pourrions définir comme : « présent ici et maintenant » (proximité immédiate), « présent à distance » et « absent/virtuel ». Dans les expériences prises ici en considération, le corps contemporain, bien loin de ce qu’il représentait à l’origine, n’est plus élément représentatif de l’identité, d’une seule identité : il est privé de sa subjectivité et ramené à une sorte de « degré zéro » de sa nature ; il devient liquide, ouvert, fragmenté. Dans ces performances, et plus particulièrement dans celles qui ont pour point de départ la danse, c’est le corps comme objet, ses caractéristiques matérielles qui sont mises au premier plan, si bien que la manipulation de la corporéité ou la dislocation de l’agent en-dehors du corps semblent annuler la notion de « présence ». Il serait plus correct – et c’est le défi de notre réflexion – d’analyser la reconfiguration de cette présence à la lumière d’une vérité médiatisée, un effet de réalité qui pousse à considérer comme réel ce qui nous est montré à travers un support, filmé, reproduit de façon digitale, reconstruit à travers la lumière et le son.

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Castellini, Luisa. "L'opera d'arte contemporanea sacra nella cultura dell'occidente cristiano". Doctoral thesis, Università di Catania, 2012. http://hdl.handle.net/10761/1193.

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Abstract (sommario):

La ricerca si muove dalla irriducibile polisemia del sacro. All'interno di questo, l'indagine si sviluppa per verificare le premesse ontologiche necessarie per riconoscerne autenticamente l'essere medium tra l'uomo e il divino. Tale funzione si attua sui medesimi segmenti nei quali si attiva l'opera d'arte intesa come evento della verità. All'interno di una ricognizione del panorama artistico contemporaneo volta a rintracciare la presenza del sacro e nel seguire le premesse e gli sviluppi del mutamento da un regime di ostensione a uno di esposizione, si va chiarendo l'essenza dell'opera d'arte sacra che quindi viene condotta ad analisi nel suo creare uno spazio-tempo specifico, nel suo anelito al divino inteso come possibile e nella sua funzione epifanica.

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Vial, Kayser Christine. "Le spirituel dans l’art d’Anish Kapoor et sa réception en Occident". Thesis, Paris 4, 2010. http://www.theses.fr/2010PA040112.

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Abstract (sommario):

Anish Kapoor affirme le caractère spirituel de ses œuvres, un terme qu’il distingue du religieux et du sacré. Quelle est la nature de cette spiritualité ? Il s’agit de retrouver l’union avec « la Totalité », union proto-culturelle qui serait perdue par l’emprise du matériel. S’agit-il d’un retour au « primitivisme dans l’art » à la manière de Paul Gauguin et Barnett Newman ? Cette démarche est-elle influencée par l’héritage hindouiste de Kapoor, ou bien tient-elle, comme il l’affirme, à la fonction hypostatique universelle de la couleur qu’il désigne comme « alchimique »? Comment ce caractère spirituel est-il perçu par le spectateur occidental ignorant des diverses influences culturelles qui traversent l’œuvre ? L’œuvre porte-elle les marqueurs du spirituel par ses formes et ses couleurs ? Ce mémoire étudie d’abord les diverses influences qui nourrissent et permettent de comprendre l’expérience des œuvres de Kapoor. Il s’attache ensuite à décrypter les mécanismes phénoménologiques, neurologiques et psychologiques qui permettent à ces marqueurs de fonctionner dans le contexte du musée ou de la galerie d’art moderne
Anish Kapoor asserts the spiritual quality of his work. By spiritual he means not the religious or the sacred but the possibility to be reunited with a « Totality », in a « proto-cultural » manner, by eschewing the material. Is this project a return to “primitivism in art” in line with Paul Gauguin and Barnett Newman? Is it influenced by the Indian heritage of Kapoor or is it based, as he claims, on the hypostatic function of colour, which gives way to a quasi alchemical experience? How is this spiritual potentiality of the work perceived by a Western audience, ignorant of Kapoor’s various spiritual endeavours? Does the work convey through its shape and colour the markers of the spiritual? This dissertation analyses the various influences that nourish Kapoor and inform his works. It then attempts to decipher the mechanisms through which those makers are efficient in conveying a sense of “spirituality” to the works within the settings of the White cube Gallery or the museum of modern art. They appear to be phenomenological, neurological and psychological

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Moulon, Dominique. "L'art au-delà du numérique : Pratiques et cultures numériques plurielles d’un art contemporain singulier". Thesis, Paris 1, 2017. http://www.theses.fr/2017PA01H303.

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Abstract (sommario):

Le numérique s'est immiscé dans toutes les sphères, privées, publiques et professionnelles, de nos sociétés et les a façonnées. Depuis toujours, les artistes se saisissent des techniques ou technologies de leur temps afin d'en témoigner. A chaque innovation détournée correspondent ainsi des œuvres mais il faut du temps au monde de l'art pour intégrer de nouvelles pratiques comme de nouveaux médias. Impatients, les plus fervents défenseurs de l'art numérique se sont structurés en communautés à l'international en organisant des événements dédiés. Leurs pratiques arrivent aujourd'hui à maturité et le public est culturellement prêt à accueillir leurs créations comme il le fait déjà au sein de festivals. On remarque, dans un même temps, les premiers signes d'une acceptation du digital dans l'art au travers des institutions comme sur le marché dont on sait la position dominante. L'objet de cette recherche est d'étudier les œuvres des pratiques actuelles sans se focaliser sur leur part de numérique. De les analyser dans le contexte de leur monstration en les assemblant pour qu'ensemble elles dialoguent. Afin de démonter que le numérique n'est autre qu'un médium de l'art contemporain dont il convient toutefois de considérer les spécificités
Digital technologies have insinuated themselves into ail spheres, public, private and professional of our societies and have also shaped them. Historically, artists have always made use of the techniques and technologies of their time to show them off. For each innovation that has been appropriated, there are corresponding works, but it takes time for the art world to incorporate new practices such as new media. The most fervent defenders of digital art are impatient and so have structured communities by organizing dedicated international events. Their practices are now reaching maturity and the public is culturally ready to receive their creations, as they already do in festivals. We note, at the same lime, the first signs of acceptance of digital technology in art through institutions such as the art market, whose dominant position is known. The purpose of my research is to study the works of current practices without focusing on the part of them that is digital ; to analyse them in the context of their exhibition by assembling them together so they may create a dialogue. My goal is to demonstrate that digital technologies are simply a medium of contemporary art, whose particularities should nevertheless be considered

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Trapp, Franziska. "Lectures de cirque contemporain : un modèle d'analyse des représentations circassiennes axé sur des textes et contextes". Thesis, Montpellier 3, 2019. http://www.theses.fr/2019MON30002.

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Abstract (sommario):

En 1996, après avoir assisté à la dernière représentation de la septième édition du Centre National des Arts du Cirque, le journal parisien Libération prédit une troisième ère du Cirque : « Après les cirques traditionnels, puis les nouveaux cirques, il faut désormais compter avec le cirque contemporain. » Le pronostic devient réalité : la pièce du metteur en scène Joseph Nadj est considérée, en France comme ailleurs, comme le point de départ d’un nouveau genre dont la définition reste des plus vagues jusqu’à aujourd’hui : « Le cirque contemporain, lui, n’a strictement aucune unité formelle, ou disons, sans craindre le paradoxe, que c’est la diversité de ses formes qui l’unifie. » D’une part, cela s’explique par le fait que, dans le cirque contemporain, l’originalité est un moteur central et, d’autre part, que le genre se situe encore dans une phase de développement. Cela est en outre dû à l’absence jusqu’à aujourd’hui, dans la recherche scientifique, d’une analyse détaillée des représentations du cirque contemporain et qu’en plus on ne dispose pas d’un modèle d’analyse cohérente des représentations du genre. Le discours actuel autour du genre s’intéresse moins de savoir comment les spectacles de cirque contemporain engendrent du sens et quels sont les procédés caractéristiques qui les définissent. Au lieu de cela, on s’interroge sur ce qui devrait caractériser les pièces. Notre thèse tient compte de ce desiderata en développant pour la première fois une méthode pour analyser les représentations de cirque contemporain. En outre, elle explique et interprète résolument le genre au moyen d’une méthode solide, c’est-à-dire d’une description contextualisée de l’objet – à savoir la représentation – dans son contexte historique et culturel et fournit ainsi, au sens lessingien du terme, une dramaturgie du cirque contemporain qui, malgré la diversité des représentations, révèle des caractéristiques généralisables, le procédé fondamental, la structure des pièces et l'effet qu'elles produisent. Le développement du modèle de lecture pour les spectacles de cirque contemporain ainsi que l’évolution consécutive et la spécification du modèle s’appuient sur l'analyse textuelle de la poétique de la culture que justifie l’historien de la littérature Moritz Baßler dans son œuvre La fonction d’une poétique de la culture et l’archive sur la base du New Historicism conçu par Stephen Greenblatt. En outre, le travail présent se situe dans le domaine des théories de lecture relevant de la science du théâtre (Fischer-Lichte) et de la danse (Foster et Brandstetter). Le noyau de l‘argumentation se fonde sur l’hypothèse selon laquelle les représentations de cirque sont lisibles en tant que textes culturels
In 1996, the Paris newspaper Libération predicted a third era of circus after visiting the seventh edition of the Centre National des Arts du Cirque: “After traditional and new circus, we now have to account for contemporary circus.” The prognosis became reality: nowadays, in France as elsewhere, the performance of Joseph Nadj is considered as the starting point of a new genre whose definition however remains vague: “The contemporary circus has no formal unity. It is paradoxically the diversity of its forms that unifies the genre.” On the one hand, this is explained by the fact that originality is a central motor in contemporary circus; on the other hand, the genre is still developing . A further reason for the lack of a clear definition lies in the absence of detailed analyses of contemporary circus performances in circus research, and in the desideratum regarding a coherent model for its interpretation. The current discourse dedicated to the genre is less interested in knowing how contemporary circus performances generate meaning and in outlining the characteristic techniques and processes. Instead, one wonders what should characterize the performances. The present thesis takes into account this desideratum by developing for the first time a method to analyse representations of contemporary circus. In addition, it resolutely explains and interprets the genre by means of a contextualized description of the object - namely representation - in its historical and cultural context. In the Lessingian sense of the term, the thesis therefore provides a dramaturgy of contemporary circus which, despite the diversity of representations, reveals generalizable characteristics of the genre, the fundamental techniques and structures of the performances. and the effects they produce. The development of a reading model for contemporary circus performances as well as the consequent evolution and the specification of the model are grounded in the textual analysis of poetics of culture that the literary scholar Moritz Baßler justifies in his work on the basis of the theory of New Historicism designed by Stephen Greenblatt. In addition, the present work situates itself in the field of reading theories pertaining to theatre (Fischer-Lichte ) and dance studies (Foster and Brandstetter ). The core of the argument is based on the assumption that circus performances are readable as cultural texts

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Hachicha, Sahnoun Ines. "Interactions entre les arts contemporains, les créations architecturales et les conceptions design : le design comme dispositif communicationnel dans la société contemporaine". Thesis, Université de Lorraine, 2016. http://www.theses.fr/2016LORR0306/document.

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Abstract (sommario):

L’art contemporain devient de plus en plus quelque chose qui s’applique à l’environnement quotidien, il entretient un dialogue fécond avec l’architecture, le design, le numérique, etc… Il est bien une création au niveau du mécanisme de la pensée et de l'imagination, d'une idée originale chargée d’esthétique qui s’exprime en effets perceptibles. L’architecture de même, se situe dans une hiérarchie de valeurs établie dans un processus dialectique de l’histoire. Ainsi, dans l’architecture comme dans l’art, se maintient un noyau irréductible de contenu et de valeurs. Soumise à un processus d’urbanisation généralisée, l’architecture tend à se dissoudre en tant qu’objet plastique autonome pour se fondre et s’étaler elle aussi en zones immenses et indifférenciées. Cette thèse se focalise sur l’interrelation perpétuelle entre la production artistique, la création architecturale et la conception design, qui sont d’une part dans une interaction continue, et d’autre part influencés par d’autres divers mouvements des arts, essentiellement les arts contemporains
Contemporary art is becoming more and more something that applies to everyday environment, it maintains a fruitful dialogue with the architecture, design, digital, etc. It is a creation in terms of the mechanism of thinking and imagination, of an original idea full of aesthetics that is expressed in noticeable effects. Architecture, as well, is located in a hierarchy of values established in a dialectic process of history. Thus, in architecture as much as in art, there remains irreducible core content and values. Subject to a widespread urbanization, architecture tends to dissolve as an autonomous plastic object to melt and spread, too, in huge and undifferentiated areas. This thesis focuses on the perpetual interplay between artistic production, architectural design and design concept, which are, on the one hand, in a continuous interaction, and on the other hand, influenced by other various movements of arts, mainly contemporary arts

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Auffray, Fabienne. "La dimension cachée de l'objet 1913-2013". Thesis, Université Côte d'Azur (ComUE), 2016. http://www.theses.fr/2016AZUR2042/document.

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Abstract (sommario):

Le banal objet manufacturé a pris une place de plus en plus importante sur la scène artistique depuis son irruption, via le geste de Marcel Duchamp en 1913. De 1913 à aujourd’hui, cet objet pose problème : 1/car il est à la fois objet quotidien et objet d’art ; 2/ car exposé, il est soumis à un dispositif communicationnel qui tout à la fois en montre le sens et en génère ; 3/ car plus l’objet se réduit plus le discours tissé autour est important. Le sens qu’il revêt au long du siècle change et une évolution se dessine : plus l’objet tend à s’abstraire, à se numériser plus il va revenir sous la forme du discours et de la communication nous donnant à voir quelque chose d’irréductible, ce que l’homme dépose en lui de fondamentalement humain. Envisagé sous les angles esthétique, anthropologique et institutionnel, l’objet, apparemment simple, nous montre son indéniable complexité. Il est fonctionnel, utile, décoratif parfois, objet d’art plus rarement et en lui se fixe quelque chose du sujet qui l’utilise, le regarde, le crée. L’objet, comme paradigme de la communication humaine, suit, induit, en tout cas entérine les progrès et les régressions de la société. Et l’objet d’art, dans les dispositifs d’exposition de plus en plus prégnants, interactifs et sophistiqués, est un révélateur essentiel pour une meilleure saisie du présent
The mundane and manufactured object has taken an increasing place on the artistic scene since its irruption, by the act of Marcel Duchamp in 1913. From 1913 to nowadays, this object is problematic: 1/ because it is both an everyday thing and a piece of art; 2/ because, when it is exhibited, it is submitted to a device of communication which simultaneously reveals and creates the meaning; 3/ because more the object is reducing itself, more the discourse about it is important.Throughout this century, the meaning of the object has changed and an evolution is discernable: more the object is abstracting or digitizing itself, more it exists by the discourse and the communication. This gives us to see an irreducible thing, a fundamentally human leftover.Analysed by aesthetic, anthropologic and institutional perspectives, the object, apparently simple, reveals its clear complexity. It is functional, useful, sometimes decorative, and more rarely a piece of art; and something of the subject, who uses, peers, creates its, sets in itself. The object, as a paradigm of the human communication, follows, induces, endorses at any rate progresses and regressions of society. In increasingly significant, interactive and sophisticated exhibitions’ devices, the piece of art is an essential indicator for a best understanding of the present time

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NAPOLITANO, PAOLA. "Nella Berther: edizione e studio dei diari inediti". Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2009. http://hdl.handle.net/10280/384.

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NAPOLITANO, PAOLA. "Nella Berther: edizione e studio dei diari inediti". Doctoral thesis, Università Cattolica del Sacro Cuore, 2009. http://hdl.handle.net/10280/384.

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Masseroni, Andrea. "La religione di Mussolini. Fascismo, politica e religione negli scritti e nei discorsi". Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2019. http://hdl.handle.net/11384/86047.

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Abstract (sommario):

Da qualche anno a questa parte, la figura di Benito Mussolini è tornata violentemente alla ribalta della cronaca, al punto che il quotidiano "Il tempo" ritenne opportuno dedicargli la prima pagina dell’edizione del 30 dicembre 2017 definendolo «L’uomo dell’anno». Oltre che nella cinematografia, la figura di Mussolini ritorna sulla carta stampata, anche in merito al suo sentimento religioso. Insieme a Mussolini, anche il ruolo del fascismo nella società italiana – e non soltanto – è tornato a presenziare fra forze politiche che intendono rifarsi – più o meno coscientemente – ad una ideologia e ai motti fascisti (pseudo-mussoliniani), fra personaggi della politica rivestiti di incarichi istituzionali che elogiano tanto il fascismo quanto la stessa figura di Mussolini e, non può stupire a questo punto, anche fra gli eventi della cronaca pressoché quotidiana. Che si possa parlare lecitamente o illecitamente di ritorno del fascismo è un dibattito ancora aperto; è tuttavia innegabile che qualcosa stia succedendo in seno alla democrazia repubblicana italiana. [...]

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Menti, Daiana. "L’Italia fuori d’Italia: il cattolicesimo veicolo dell’identità nazionale nell’ottica del fascismo. Compromessi e punti fermi dall’archivio di p. Pietro Tacchi Venturi S.I. (1923-1929)". Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2019. http://hdl.handle.net/11384/86049.

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Abstract (sommario):

[...] Lo studio dei 2210 fascicoli consultabili della sola serie Affari (su un totale di 2697) ha messo in luce un complesso intreccio di questioni in cui Tacchi Venturi fu coinvolto in veste di intermediario ufficioso fra Santa Sede e governo fascista. Si tratta di numerosi incarichi estremamente diversificati per materia (peraltro chiaramente indicata sulla camicia dei singoli fascicoli secondo un ordine messo a punto dal gesuita stesso), che costrinsero Tacchi Venturi a muoversi non solo fra il pontefice, la Segreteria di Stato e il capo del governo, ma soprattutto fra i diversi ministeri di volta in volta competenti, le Congregazioni, nonché singole personalità sia della sfera ecclesiastica che politico-istituzionale. Ciò che emerge dallo studio di questo fondo archivistico è un attivismo non comune [...]

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Kamal, Boles Mikhael Ayman. "L’emprunt aux langues étrangères en arabe égyptien moderne et contemporain : Aspects linguistiques, historiques et identitaires". Thesis, Paris 3, 2012. http://www.theses.fr/2012PA030086.

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Abstract (sommario):

Le présent travail se compose de cinq parties. Dans la première partie, nous parlons des aspects historico-linguistiques de l’Égypte, des dialectes de l’arabe égyptien et du contexte sociolinguistique en Égypte. Dans la deuxième partie, de la notion de l’emprunt, des motifs de l’emprunt, de la langue des jeunes et de l’évolution de l’emprunt. Dans la troisième partie, nous parlons des critères d’identification des emprunts existant en arabe égyptien, des cas particuliers. Dans la quatrième partie, nous donnons les résultats d’une enquête menée auprès d’Égyptiens. Dans la cinquième et dernière partie, nous parlons de l’intégration phonétique, phonologique et sémantique des emprunts et de leurs correspondances phonologiques, des cas problématiques de l’emprunt, des champs et des causes de la disparition de quelques-uns d’entre eux. Dans un premier temps, nous avons réfléchi sur l’emprunt d’une façon théorique en essayant de répondre aux questions suivantes: qu’est-ce qu’on emprunte ? Dans quel domaine ? Quel type de mots ? A qui ? Pourquoi ? Comment ? Dans quelles circonstances ? Dans un deuxième temps, nous cherchons à comprendre les mécanismes sémantiques et phonologiques des emprunts: d’une part, pour le volet sémantique, nous avons identifié les sources d’emprunts (25 langues) et nous avons procédé à une vérification minutieuse et aussi systématique que possible de tous les emprunts dans les dictionnaires spécialisés; environ 1825 emprunts ont été trouvés dans les échanges quotidiens (qui représentent la majorité des emprunts aux langues étrangères existant en arabe égyptien). D’autre part, pour le volet phonétique, nous avons fait une analyse de tous les phonèmes étrangers et de leurs correspondances en arabe égyptien. Nous avons noté l’évolution sémantique des emprunts (qui est toujours la règle) par rapport au terme de la langue originale, et étudié leur l’adaptation phonologique. De plus, nous avons noté certaines différences qu’il y a entre certains dialectes de l’égyptien, car un mot n’est pas emprunté sous une forme unique, il donne parfois lieu à plusieurs variantes, suivant les circonstances, le lieu, la période de l’emprunt. Nous avons consulté les travaux qui ont été faits dans le domaine, nous avons eu recours à des corpus journalistiques, télévisuels (notamment la radio et la télévision) et aux médias sociaux (facebook, Windows Live messenger, yahoo messenger, les forums en ligne) ainsi qu’internet. De plus, nous avons procédé à des enquêtes orales ponctuelles visant des propos très courants dans le milieu égyptien. Nous avons organisé plusieurs rencontres avec des enquêtés égyptiens dans ce but
This study consists of five parts. In the first part, we talk about the historical and linguistic aspects of Egypt, Egyptian Arabic dialects and the sociolinguistic context in Egypt. In the second part, we consider the concept of borrowing, borrowing motivation, the language of the youth and the evolution of borrowing. In the third part, we talk about the identification criteria of existing borrowings in Egyptian Arabic and special cases of borrowing. In the fourth part, we give the results of a survey from Egyptians informants. In the fifth and final part, we talk about phonetic, phonological and semantic integration of the borrowed terms and their phonological correspondences, problematic cases of borrowing, fields and causes of disappearance of certain words. First, we study the loan in a theoretical way by trying to answer the following questions: what do we borrow? In which domain? What kind of words? From whom? Why? How? Under what circumstances? Second, we intend to understand the mechanism of semantic and phonological borrowings. On the one hand, semantically, we set out and identified the sources of borrowings (25 languages). Thereafter, we conduct a thorough and systematic verification of all borrowed words or expressions in specialized dictionaries. Approximately 1825 borrowed words or phrases were found in daily exchanges (which represent the majority of the loans from foreign languages existing in Egyptian Arabic). On the other hand, phonetically, we made an analysis of all foreign phonemes and their reflexes in Egyptian Arabic. Furthermore, we watched closely and in an orderly manner the use of these words. We also looked at their semantic evolution (which is always the rule) in comparison to the correspondent term in the original language and to their phonological adaptation. In addition, we looked for the differences that exist in some of the various Egyptian dialects. Because a word is not borrowed in a single form, it sometimes has several variants, according to the circumstances, the place, and the time of the loan or borrowing of the language derivative. To achieve this thesis, we consulted the works that are made in this field. We used journalistic corpora, traditional media (radio and television), social media (Facebook, Windows Live Messenger, Yahoo Messenger, as well as online forums) and Internet. In addition, we conducted oral surveys on some very common borrowing in the local environment because such studies are of interest only if they are based on field surveys. We organized several meetings with Egyptians for this purpose

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Grau, Armengol Matilde. "Alteracions. Noves significacions en recorreguts escultòrics recents". Doctoral thesis, Universitat de Barcelona, 2017. http://hdl.handle.net/10803/463078.

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Abstract (sommario):

Aquesta tesi es centra en l’anàlisi de diferents obres artístiques creades a partir de l’acció d’alterar alguna de les seves característiques i indagar les possibilitats expressives d’aquesta acció. Entenem les alteracions com a estratègies creatives, com el resultat de transformar una cosa en una altra diferent modificant la matèria original, els seus trets formals, la dimensió natural i/o l’emplaçament espacial. La tesi és un estudi comparatiu d’una sèrie d’obres que ens endinsen en la realitat escultòrica del segle XXI i que ens permetrà entendre-la com una evolució de les experimentacions plàstiques del segle XX. En l’art actual, fruit d’un món global, on els nous mitjans digitals conviuen amb els processos artesanals, els artistes reben influències de totes les cultures i de tots els racons del planeta. L’ús dels materials i de les tecnologies ja no són propis d’un lloc específic sinó que tot està connectat. La contaminació cultural, les influències multi direccionals i la desaparició de les fronteres han canviat la nostra manera de relacionar-nos i han enriquit les possibilitats d’hibridació i d’alteració de les investigacions artístiques. La franja temporal d’aquest estudi es concentra en obres realitzades en el període que va de finals de la dècada dels vuitanta fins a l’actualitat. Aquesta elecció no és casual sinó que és deguda a dos motius: el primer és l’inici del desenvolupament de la pròpia pràctica artística dins la disciplina de l’escultura i el segon motiu és que en els anys vuitanta neix una nova manera d’entendre i abordar l’art, l’escultura i les intervencions espacials que encara estan vigents a l’actualitat.

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Gutiérrez, Torres David. "La construcción de un contexto artístico en Barcelona, 1995-2015". Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2021. http://hdl.handle.net/10803/673130.

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Abstract (sommario):

Aquesta tesi analitza les principals característiques de la construcció del context artístic barceloní des d'inicis dels anys noranta. Estudia els elements que caracteritzen l'aparició d'una nova generació d'artistes en el context de Barcelona, el tall enfront de la producció artística anterior que suposa i la seva continuïtat fins avui. Un context artístic que des dels anys noranta manté elements en comú amb les produccions artístiques d'altres àmbits i llocs. De fet, participa i és fruit del fenomen de la globalització i la manera en la qual ha afectat tant les pràctiques artístiques com a la construcció institucional de l'art La tesi reconstrueix el context de globalització que s'inicia llavors i com afecta a la pràctica artística: la multiplicació de centres d'activitat artística, la construcció d'un teixit institucional de l'art o l'ús de la cultura com a marca de prestigi de les ciutats. En aquest sentit, desenvolupa una teoria contextual de l'art posant en relació Barcelona amb altres centres artístics. A partir d'aquí, la tesi analitza els trets principals de la producció artística des dels anys noranta fins a l'actualitat en tres aspectes relacionats: el retorn de les pràctiques hereves de l'art conceptual i l'adopció de la transdiciplinariedad en un context en el qual s'implementa l'entramat institucional de l'art a Barcelona. L'examen d'aquestes característiques principals de la construcció del panorama artístic a Barcelona en el context de la globalització es realitza a través de l'anàlisi d'una sèrie de casos d'estudi: des de la comparativa amb el context de Londres, el rol jugat per institucions com el MACBA i els elements que defineixen els treballs d'artistes com Mabel Palacín, Ignasi Aballí o Antonio Ortega. La recerca conclou que la construcció del context artístic a Barcelona des dels noranta és paral·lel al d'altres centres i guarda similars característiques. Així, participa de les característiques de la producció artística internacional instal·lada en el paradigma de la globalització. Un paradigma que ha generat un nou academicisme de l'art contemporani caracteritzat per un triple eix: desplegament institucional, retorn de pràctiques conceptuals i transdiciplinariedad. És a dir, que el pas dels anys vuitanta als noranta del segle XX va suposar un tall epistemeológico en les arts que ha continuat vigent i dins del qual Barcelona és un context més.
Esta tesis analiza las principales características de la construcción del contexto artístico barcelonés desde inicios de los años noventa. Estudia los elementos que caracterizan la aparición de una nueva generación de artistas en el contexto de Barcelona, el corte frente a la producción artística anterior que supone y su continuidad hasta hoy. Un contexto artístico que desde los años noventa mantiene elementos en común con las producciones artísticas de otros ámbitos y lugares. De hecho, participa y es fruto del fenómeno de la globalización y la manera en la que ha afectado tanto a las prácticas artísticas como a la construcción institucional del arte La tesis reconstruye el contexto de globalización que se inicia entonces y cómo afecta a la práctica artística: la multiplicación de centros de actividad artística, la construcción de un tejido institucional del arte o el uso de la cultura como marca de prestigio de las ciudades. En este sentido, desarrolla una teoría contextual del arte poniendo en relación Barcelona con otros centros artísticos. A partir de ahí, la tesis analiza los rasgos principales de la producción artística desde los años noventa hasta la actualidad en tres aspectos relacionados: el retorno de las prácticas herederas del arte conceptual y la adopción de la transdiciplinariedad en un contexto en el que se implementa el entramado institucional del arte en Barcelona. El examen de esas características principales de la construcción del panorama artístico de Barcelona en el contexto de la globalización se realiza a través del análisis de una serie de casos de estudio: desde la comparativa con el contexto de Londres, el rol jugado por instituciones como el MACBA y los elementos que definen los trabajos de artistas como Mabel Palacín, Ignasi Aballí o Antonio Ortega. La investigación concluye que la construcción del contexto artístico en Barcelona desde los noventa es paralelo al de otros centros y guarda similares características. Así, participa de las características de la producción artística internacional instalada en el paradigma de la globalización. Un paradigma que ha generado un nuevo academicismo del arte contemporáneo caracterizado por un triple eje: despliegue institucional, retorno de prácticas conceptuales y transdiciplinariedad. Es decir, que el paso de los años ochenta a los noventa del siglo XX supuso un corte epistemeológico en las artes que ha continuado vigente y dentro del cual Barcelona es un contexto más.
This thesis analyzes the main characteristics on the construction of the Barcelona artistic context since the early nineties. It studies the elements that characterize the appearance of a new generation of artists in the context of Barcelona, the cut against previous artistic production that it entails and its continuity until today. An artistic context that has maintained elements in common with artistic productions from other cities since the 1990s. In fact, it participates and is the result of the globalization and the way in which it has affected both artistic practices and the institutional construction of art. The thesis reconstructs the context of globalization that began then and how it affects the artistic practice: the multiplication of centers of artistic activity, the construction of an institutional net of art or the use of culture as a prestigious brand for the cities. In this sense, it develops a contextual theory of art by linking Barcelona with other artistic nodes. From there, the thesis analyzes the main features of artistic production from the 1990s to the present in three related aspects: the return of practices inherited from conceptual art and the adoption of transdisciplinary in a context in which it is implemented the institutional framework of art in Barcelona. The examination of these main characteristics of the construction of the artistic panorama in Barcelona in the context of globalization is carried out through the analysis of a series of case studies: from the comparison with the context of London, the role played by institutions such as the MACBA and the elements that define works of artists such as Mabel Palacín, Ignasi Aballí or Antonio Ortega. The research concludes that the construction of the artistic context in Barcelona since the nineties is parallel to that of other centers and has similar characteristics. Thus, it participates in the characteristics of international artistic production installed in the paradigm of globalization. A paradigm that has generated a new academicism of contemporary art characterized by a triple axis: institutional deployment, return of conceptual practices and transdisciplinary. In other words, the passage from the eighties to the nineties of the twentieth century supposed an epistemeological break in the arts that has continued until today and within which Barcelona is another context.
Universitat Autònoma de Barcelona. Programa de Doctorat en Història de l'Art i Musicologia

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Dupeyrat, Jérôme. "Les livres d’artistes entre pratiques alternatives à l’exposition et pratiques d’exposition alternatives". Thesis, Rennes 2, 2012. http://www.theses.fr/2012REN20043/document.

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Abstract (sommario):

Cette thèse envisage le phénomène du livre d’artiste tel qu’il se développe dans sa relation à la notion et à la pratique d’exposition depuis les années 1960. L’exposition est ici considérée selon un double point de vue : d’une part comme le dispositif institutionnel le plus courant de manifestation de l’art ; d’autre part comme une fonction se rapportant à la visibilité des oeuvres. Il apparaît alors que les livres et les éditions d’artistes peuvent s’appréhender entre pratiques alternatives à l’exposition et pratiques d’exposition alternatives. Pratiques d’exposition alternatives dans la mesure où le livre et l’imprimé sont potentiellement des modes de visibilité de l’art ; pratiques alternatives à l’exposition parce que ce moyen de visibilité est très différent de ce que l’on nomme usuellement une exposition. À travers l’étude de cette tension dialectique entre l’édition et l’exposition, il s’agit de préciser quelle est l’économie artistique et quelles sont les conditions de réception esthétique que proposent les livres et les éditions d’artistes, et ainsi de comprendre en quel sens et à l’égard de quelles normes ou de quelles instances ils ont une valeur dite « alternative ». De la sorte, il est également question de la place qu’occupentles livres d’artistes dans le système de l’art contemporain et des effets qu’ils exercent sur celui-ci
This thesis considers the phenomenon of the artist’s book as it develops in its relation to the concept and to the practice of exhibition since the 1960s. The exhibition is considered here in a double perspective: on the one hand as the most common institutional apparatus for the manifestation of art, and secondly as a function related to the visibility of the artworks.It further appears that artists’ books and artists’ publications can be grasped inbetween alternative practices to exhibition and alternative exhibition practices. Alternative exhibition practices insofar as book and printed mater are potential modes of visibility of art ; alternatives practices to exhibition because this way of visibility is very different from what we usually call an exhibition.Through the study of this dialectical tension between publishing and exhibition, we aim to clarify what are the economics of art and the conditions of aesthetic reception that books and artists’ publications offer; thus we aim to understand in what sense and with respect to which norms or instances they have what one may call an “alternative” value. From this perspective, this thesis is also about the place of artists’ books in the system of contemporary art and the effects they have on it

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Dauget, Stéphanie. "Au seuil du visible : pour un dispositif critique de l'installation vidéo". Thesis, Bordeaux 3, 2012. http://www.theses.fr/2012BOR30060.

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Abstract (sommario):

L’enjeu du comment montrer et du comment voir n’a jamais été plus fascinant ni plus insolvable qu’à l’ère du totalitarisme visuel. L’image vidéo, issue de cette veine vorace et versatile, est devenue un vecteur privilégié pour réfléchir au sort du visible dans les arts actuels. La réhabilitation de cette image passe par la blessure de sa surface lissante qui en restaure la profondeur. Dans l’art vidéo, ce rôle peut être accordé au dispositif technique assurant la transmission des images. Nous verrons comment cet agencement matériel peut devenir un nouveau cadre pour l’image vidéo : un dispositif réflexif et critique pour accompagner l’expérience esthétique de l’œuvre. Il s’agit, au fil d’une incursion parmi les images multiples de l’installation vidéo contemporaine, de chercher à saisir les modalités et les enjeux qui forgent ce lien déterminant entre le regard et l’image : une exploration de la part d’ombre de l’œuvre qui rend effectif le voyage des images lumineuses
At the age of visual totalitarianism, how to show and how to see are more than ever fascinating and insolvent questions. Voracious and unpredictable video image is a very special vehicle to analyse the condition of visibity in actual arts. The restoration of visibility always requires hurting the smooth surface of the image. In video art, this function may be attribuated to its technical system as new frame for video artworks : this material agencement becomes a reflexive and critical system for aesthetics experience. In the middle of contemporary video installation’s images, we’ll try to understand the terms and issues which invent this decisive link between the eye and the image : an exploration of the darkness which sets going the luminous images’ travel

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Mattiazzi, Sara <1988&gt. "Rigenerazione urbana: spazi industriali per l’arte contemporanea. Hangar Bicocca e Dolomiti Contemporanee, due casi di studio a confronto". Master's Degree Thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2013. http://hdl.handle.net/10579/3315.

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Abstract (sommario):

Attraverso questa ricerca, si vuole indagare un fenomeno da qualche anno molto diffuso in Italia e all’estero, ossia il riuso di edifici industriali per esporre opere d’arte, in particolare, contemporanee. La scelta di esporre in luoghi di origine industriale si colloca esattamente al lato opposto rispetto alla tendenza di costruire nuovi magnificenti musei, in cui il contenitore si trasforma, a sua volta, in un’opera d’arte. La presenza di spazi industriali sul territorio è dovuta a una rapida trasformazione dell’economia, che passando da una dimensione produttiva a una terziaria, dimenticò sul territorio enormi fabbriche e contenitori vuoti privi di alcuna funzione d’utilizzo, che attraverso l’arte possono oggi rivivere una seconda vita. La volontà di esporre in “spazi alternativi”, quali sono quelli industriali, trova le sue radici nella storia dell’arte contemporanea. Dalla scoperta dello spazio nell’arte ambientale fino alla nascita dell’installazione e dell’arte concettuale, queste innovazioni generarono numerosi cambiamenti nei modi di esporre l’arte del secondo Novecento. In questa ricerca, si vuol mettere in luce una museologia secondaria, non caratterizzata da nomi altisonanti ma dal rispetto della storia degli edifici preesistenti e del territorio. Il riutilizzo di immobili industriali, come luoghi espositivi, include la vita e la realtà nell’arte, contravvenendo alla presunta neutralità del White Cube. Le preferenze degli artisti spesso sono rivolte a questi spazi industriali, piuttosto che ai convenzionali musei, ciò è dovuto alla loro ricchezza di memoria e alla possibilità per gli artisti di sperimentare, liberi da ogni limitazione forzatamente trasmessa dall’elite culturale dominante. I casi di studio rappresentano due diversi aspetti della questione a confronto, da un lato l’affermato Hangar Bicocca a Milano, coinvolto in un grande progetto di riqualificazione urbana e grazie al fondatore Pirelli, diventato negli anni un simbolo della rinascita della Bicocca, pur conservando la sua origine sperimentale. Dall’altro lato, il giovane progetto di Dolomiti Contemporanee, che fa della costante ricerca di siti dismessi da “riattivare”, attraverso interventi mirati sul territorio, il suo obiettivo. Hangar Bicocca e Dolomiti Contemporanee dimostrano due modi di rigenerare spazi industriali attraverso l’arte contemporanea: l’istituzione internazionale da un lato e il progetto itinerante con focus sul territorio, dall’altro.

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Fuoco, Ester. ""Né qui, né ora". Peripezie del teatro contemporaneo". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2019. http://www.theses.fr/2019USPCC102.

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Abstract (sommario):

Ce travail de recherche consiste en une réflexion sur le statut de ce corps performatif contemporain, sur le procédé esthétique de remédiation et sur la « démocratisation » qu’il subit dans les performances live actuelles. Pour comprendre les raisons et les effets de ce phénomène, il a fallu analyser l’événement théâtral tout d’abord de façon systémique et relationnelle, puis analytique, en essayant de reconstruire avant tout un réseau de détails interdépendants et connectés au sujet et au contexte, plutôt que de partir d’une diégèse de chaque spectacle. Quatre exemples artistiques internationaux contemporains – sélectionnés pour leur importance et leur hétérogénéité – représentatifs d’une interaction particulière entre le performeur et les nouvelles technologies, ont été analysés. La réflexion a portée sur la manière dont cette interaction créait chez les acteurs et les spectateurs – lorsque cette distinction subsiste – une perception de l’espace et du temps complètement nouvelle selon trois modalités relationnelles et expressives que nous pourrions définir comme : « présent ici et maintenant » (proximité immédiate), « présent à distance » et « absent/virtuel ». Dans les expériences prises ici en considération, le corps contemporain, bien loin de ce qu’il représentait à l’origine, n’est plus élément représentatif de l’identité, d’une seule identité : il est privé de sa subjectivité et ramené à une sorte de « degré zéro » de sa nature ; il devient liquide, ouvert, fragmenté. Dans ces performances, et plus particulièrement dans celles qui ont pour point de départ la danse, c’est le corps comme objet, ses caractéristiques matérielles qui sont mises au premier plan, si bien que la manipulation de la corporéité ou la dislocation de l’agent en-dehors du corps semblent annuler la notion de « présence ». Il serait plus correct – et c’est le défi de notre réflexion – d’analyser la reconfiguration de cette présence à la lumière d’une vérité médiatisée, un effet de réalité qui pousse à considérer comme réel ce qui nous est montré à travers un support, filmé, reproduit de façon digitale, reconstruit à travers la lumière et le son
In the present analysis four contemporary international artistic examples will be analysed, chosen for their significance and at the same time their heterogeneity, representative of a peculiar interaction of the performer with the technological medium. It has been shown that this interaction produces in actors and spectators – where this distinction still subsists – a perception of space and time that is quite new ; in keeping with three relational and expressive modes that we could anticipate here as : “present in the here and now” (immediate proximity), “present at a distance” and “absent/virtual”. Again in the experiences considered here, the contemporary body, far from what it represented at the origins, is no longer representative of identity, of a single identity : it is deprived of its subjectivity and reduced to a kind of “degree zero” of its nature. It becomes liquid, open, fragmented. In these performances, and in particular those that start from dance, the object and material characteristics of the bodies are brought into the foreground ; so that the manipulation of the body or the displacement of the agent outside the body would seem to efface the notion of “presence”. Rather it would be more correct – and this is the challenge of this investigation – to evaluate the reconfiguration of this presence in the light of a mediated truth, an effect of reality that leads us to regard as real what is shown to us on a support, filmed, reproduced digitally, reconstructed through light or sound. The present research therefore consists in an investigation of the status of this contemporary performative body, of the aesthetic process of remediation and of the “democratisation” that it undergoes in current live performances. To understand the reasons for and effects of this phenomenon, it was necessary to conduct an analysis of the theatrical event in a systemic and relational rather than an analytical way, seeking to reconstruct a network of details connected to and interdependent of the subject and the context, before presenting a diegesis of individual spectacles
Si sono qui prese in esame quattro esperienze performative internazionali contemporanee - scelte per la loro rilevanza e nello stesso tempo per la loro eterogeneità - rappresentative di una peculiare interazione del performer con il mezzo tecnologico. Si è evidenziato così come quest’interazione produca in attori e spettatori – ove sussista ancora questa distinzione – una percezione dello spazio e del tempo affatto nuova ; secondo tre modalità relazionali ed espressive che potremmo qui anticipare come : “presente nel qui e ora” (prossimità immediata), “presente a distanza” e “assente/virtuale”. Sempre nelle esperienze qui considerate, il corpo contemporaneo, lontano da ciò che poteva rappresentare in partenza, non è più elemento significativo dell’identità, di una sola identità : viene privato della propria soggettività e condotto a una specie di “grado zero” della propria natura ; appare così frammentato, aperto, liquido. In queste performance, e in particolare in quelle che partono dalla danza, sono le caratteristiche oggettuali e materiali dei corpi a essere messe in primo piano ; cosicché la manipolazione della corporeità o la dislocazione dell’agente al di fuori del corpo sembrerebbero annullare la consueta nozione di “presenza”. Più corretto invece – e questa è la sfida di questa indagine – ci è sembrato valutare la riconfigurazione di questa presenza alla luce di una verità mediata, quell’effetto di realtà che induce a ritenere reale ciò che ci viene mostrato su un supporto, filmato, riprodotto digitalmente, ricostruito attraverso la luce o il suono. La presente ricerca consiste quindi nell’esplorazione dello status di questo corpo performativo contemporaneo, del processo estetico di rimediazione e di “democratizzazione” che esso subisce nelle performance live attuali : per comprendere le ragioni e gli effetti del quale si è reso necessario lo svolgimento di un’analisi dell’evento teatrale sistemica e relazionale, prima che analitica ; cercando di ricostruire una rete di particolari connessi e interdipendenti al soggetto e al contesto, anziché limitarci a una semplice diegesi dei singoli spettacoli

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Rasmi, Jacopo. "une écologie des méthodes documentaires.à partir d'écritures filmiques et littéraires de l'Italie contemporaine". Thesis, Université Grenoble Alpes (ComUE), 2019. http://www.theses.fr/2019GREAL001/document.

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Abstract (sommario):

Cette recherche se structure autour de quelques pratiques documentaires dans le contexte italien contemporain : Michelangelo Frammartino, Gianni Celati, Pietro Marcello… Étudiées en tant que méthodes particulières de médiation et d’écriture parmi de nombreuses autres agençant l’univers médial actuel, ces expériences nous révèlent leur spécifique statut écologique. C’est à une écologie générale (socio-politique, perceptive et symbolique) qu’on se réfère : celle qui a été proposée par des théoriciens tels que Felix Guattari, Tim Ingold ou Bruno Latour. Fidèles à un certain empirisme habitant ainsi qu’à une attention interactive envers nos milieux, ces créations documentaires captent, questionnent et racontent l’ensemble enchevêtré de présences composant nos milieux. Malgré un intérêt cinématographique prioritaire (pour Michelangelo Frammartino, d’abord), les théories et les exemples mobilisés permettent de définir une catégorie de « documentaire » capable d’inclure des formes médiales très variées comme la littérature (à travers Gianni Celati, surtout) ou le théâtre sur la base d’un principe commun d’enquête appareillée des environnements qu’on habite. Entre les lignes de ce paradigme écologique et trans-médiale du documentaire nous identifions les coordonnées d’une manière plus soutenable et attentive d’habiter les milieux complexes (autant « naturels » que sociaux, techniques et sémiotiques) dans les lesquels nous sommes toujours déjà impliqués. Elle est inaugurée par d’autres récits et d’autres perceptions de ce qui nous entoure qu’on appellera des « contre-fictions »
This research takes place among some documentary practices in the contemporary Italian field : Michelangelo Frammartino, Gianni Celati, Pietro Marcello… Studied as specific methods of mediation and writing in the middle of many others organizing today’s medial world, these experiences reveal us their specific ecological status. We refer to a general ecology (socio-political, perceptive and symbolic) : the one that has been defined by thinkers like Felix Guattari, Tim Ingold or Bruno Latour. Devoted to an empirical dwelling as much as to an interactive attention towards our environments, these documentary creations record, question and narrate the entanglement of presences composing our milieux. Despite a fundamental cinematic interest (first of all for Michelangelo Frammartino), the theories and the exemples taken into account allow us to define a category of « documentary » capable of including other medial forms like literature (through Gianni Celati, above all) or theatre on the basis of a commun technical exploration of the environments we dwell in. Between the lines of such an ecological and trans-medial concept of documentary we spot the landmarks of a more sustainable and attentive way of living the multilayered environments (« natural » as well as social, technical and semiotic) in which we are always already involved. Such an alternative way of living begins with other storytellings and other perceptions of what surrounds us that we will call « counter-fictions »

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San, Cristóbal Opazo Úrsula. "Sonido, cuerpo y música: Ubiquitous listening y espacio autobiográfico en piezas de performance y video arte". Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2020. http://hdl.handle.net/10803/670820.

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Abstract (sommario):

Aquesta tesi s'ocupa de el rol dels elements sonors i musicals en peces que combinen els llenguatges de la performance i del vídeo art, i que no són considerades art sonor. Proposo les nocions d'espai autobiogràfic i ubiquitous listening com a instruments per analitzar obres que aborden aspectes autobiogràfics fent ús d'elements sonors i visuals, aportant a més una revisió crítica de la bibliografia sobre el so i l'escolta en l'art contemporani. Aplico aquestes nocions a dos casos d'estudi: 1) performances i vídeos de Marina Abramovi, realitzats entre 1971 i 1997 que permeten comprendre el desenvolupament de la peça Balkan Baroque (1997); i 2) les fotografies i vídeo instal·lacions de Shirin Neshat realitzades entre 1993 i 1997 que permeten comprendre la peça Turbulent (1998). A través d'una revisió crítica de la bibliografia que s'ha ocupat d'aquestes peces, poso en evidència les conseqüències derivades de la manca d'atenció als elements sonors.
Esta tesis se ocupa del rol de los elementos sonoros y musicales en piezas que combinan los lenguajes de la performance y del video arte, y que no son consideradas arte sonoro. Propongo las nociones de espacio autobiográfico y ubiquitous listening como instrumentos para analizar obras que abordan aspectos autobiográficos haciendo uso de elementos sonoros y visuales, aportando además una revisión crítica de la bibliografía sobre el sonido y la escucha en el arte contemporáneo. Aplico estas nociones a dos casos de estudio: 1) performances y videos de Marina Abramovi, realizados entre 1971 y 1997 que permiten comprender el desarrollo de la pieza Balkan Baroque (1997); y 2) las fotografías y video instalaciones de Shirin Neshat realizadas entre 1993 y 1997 que permiten comprender la pieza Turbulent (1998). A través de una revisión crítica de la bibliografía que se ha ocupado de estas piezas, pongo en evidencia las consecuencias derivadas de la falta de atención a los elementos sonoros.
This thesis deals with the role of sound and music in artworks merging the languages of performance art and video art, which are not considered sound art. I propose the notions of autobiographical space and ubiquitous listening as tools to analyze artworks addressing autobiographical aspects through sonic and visual elements. I apply both notions to two case studies: 1) live and video performances made by Marina Abramovi, between 1971 and 1997 that allow us to understand the piece Balkan Baroque (1997); and 2) photographs and video installations made by Shirin Neshat between 1993 and 1997 that allow us to understand the piece Turbulent (1998). Through a critical review of the bibliography that has dealt with these pieces, I highlight the consequences derived from the lack of attention to sonic elements.

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Peyramayou, Virginie. "Dessiner : le geste, l'outil et le sujet dans le dessin contemporain". Thesis, Toulouse 2, 2019. http://www.theses.fr/2019TOU20073.

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Abstract (sommario):

Cette thèse est intitulée : « Dessiner : le geste, l'outil et le sujet dans le dessin contemporain ». Cette réflexion est liée à une pratique personnelle et à un questionnement sur le médium du dessin, particulièrement valorisé aujourd'hui dans l'art contemporain. Elle s'appuie sur une pratique artistique du dessin au fil représentant des espaces utopiques sur divers supports. Ma recherche théorique questionne la définition du dessin au vu de la pluralité des propositions actuelles. Ainsi, cette recherche analyse des pratiques bouleversant les limites de ce médium depuis les années 1960 à nos jours. Le cheminement de cette recherche explore le marqueur temporel contemporain, le sujet et l'exposition du dessin. Cette thèse engage la réflexion sur l'action de dessiner avec des pratiques s'éloignant des outils traditionnels. Ces gestes, parfois empruntés à d'autres techniques, tels que plier, coller, froisser, brûler, broder, déposer ou encore déchirer, participent à un renouvellement plastique du dessin et mènent à reconsidérer sa définition. Qu'amène la réinterprétation du geste de dessiner ?
This thesis is entitled: "Drawing: the gesture, the tool and the subject in contemporary drawing". This reflection is linked to a personal practice and a questioning on the medium of drawing, particularly valued today in contemporary art. It is based on an artistic practice of drawing with wire representing utopian spaces on various supports. My theoretical research questions the definition of drawing in view of the plurality of current propositions. Therefore, this research analyzes practices that have upset the limits of this medium since the 1960s to the present day. The path of this research explores the contemporary temporal marker, the subject and the exhibition of the drawing. This thesis engages reflection on the action of drawing with practices moving away from traditional tools. These gestures, sometimes borrowed from other techniques, such as bending, sticking, crumpling, burning, embroidering, filing or tearing, participate in a plastic renewal of the drawing and lead to reconsider its definition. What brings the reinterpretation of the gesture of drawing?

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Ferraz, Vidal Junior Icaro. "Présence et représentation de l’analité dans l’Art contemporain". Doctoral thesis, Università degli studi di Bergamo, 2018. http://hdl.handle.net/10446/130058.

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Abstract (sommario):

This thesis offers an analysis of the presence and representations of anality in contemporary art. The works analyzed here are grouped around three central axes: the first one investigates the relationship between sex and politics, the second is dedicated to the links between excretion and the industrial production system, the third one proposes a link between eroticism and ecology. In the first axis, we propose a path that goes through the relationship between matriarchy and patriarchy and comes to contemporary queer theory. In this context, we study the artistic and activist pornterrorist production. The second axis takes up the historical process of sanitizing cities and the Freudian formulations on the anal character to create a context for the analysis of works by Piero Manzoni, Wim Delvoye, Paul McCarthy and Andres Serrano. The last axis tries to create resonances between the philosophy of Gilbert Simondon, The solar anus, a short essay by Georges Bataille, the pictorial production by Jakub Julian Ziolkowski and the video Cooking, by Tunga, based on Simondon’s concept of order of magnitude, from which we try to unravel the relationships of the anus with the cosmos in contemporary artistic production.

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Bishaj, Arbora. "La dimensione internazionale del nazionalismo: le istituzioni internazionali nella formazione dello Stato albanese (1908-1918)". Doctoral thesis, Scuola Normale Superiore, 2018. http://hdl.handle.net/11384/86061.

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Bianco, Angela <1979&gt. "Esperto in processi di valorizzazione, conservazione e gestione del patrimonio artistico culturale del "distretto" veneziano". Doctoral thesis, Università Ca' Foscari Venezia, 2012. http://hdl.handle.net/10579/1239.

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Abstract (sommario):

Il presente lavoro si suddivide sostanzialmente in tre nuclei. Il primo capitolo indaga il così detto "distretto" dell'arte contemporanea veneziana e lo confronta con le più aggiornate teorie di valorizzazione del patrimonio culturale. Il secondo capitolo, definisce il nodo nevralgico della tesi e tratta il tema delle professioni museali. Il terzo nucleo, suddiviso in altrettanti capitoli, descrive i progetti realizzati: Mediatori Culturali, A.Mu.C- Archivio multimediale del contemporaneo e Art Night Venezia. Attraverso il metodo della actionresearch sono state concretamente testate alcune nuove figure professionali intese come ponte e collante tra le differenti istituzioni, sempre in funzione di una più efficace fruizione del patrimonio storico-artistico. L'esito della ricerca ha definito strategie e procedure atte a potenziare le competenze culturali e professionali di una serie di figure già dotate di un alto livello formativo ma non ancora assorbibili nello scomparto del "distretto" culturale veneziano dell'arte contemporanea, ma in prospettiva configurabili per un mercato del lavoro più ampio.
This work focuses mainly on three parts. The first chapter investigates the so called venetian “district” of contemporary art, in comparison with the most updated theories for the valorisation of the cultural heritage. The second chapter, defines the key point of the thesis and deals with the topic of the museum professions. The third part, subdivided in as many chapters, describes the projects carried out: Cultural Mediators, A.Mu.C – Multimedia Archive of Contemporary art, and Art Night Venice. Through the actionresearch method, some new professionals, intended to bridge between the different institutions, have been positively tested, aiming to a better fruition of the historical and artistic heritage. The outcome of the research has defined strategies and procedures suitable to enhance the cultural and professional expertises of highly trained subjects, who are not yet absorbable in the compartment of the venetian cultural “district” of contemporary art, but in prospect, configurable for a broader labour market.

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Raad, Fadi. "Figures du feu dans l'art contemporain et la guerre : sous le signe de Prométhée, du Phénix et d'Empédocle". Thesis, Paris 1, 2016. http://www.theses.fr/2016PA01H308.

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Abstract (sommario):

La thèse traite de la problématique du feu comme instrument de la création plastique contemporaine. En effet, depuis les années 1960, on observe une utilisation accrue de l’élément feu dans de nouvelles formes d’expression artistique. L’accent est mis particulièrement sur le feu de la guerre qui, en transformant la vie des artistes, fait également évoluer leur création. Tout au long de la thèse, l’analyse des oeuvres personnelles vient appuyer ce constat et sont explorées sur la base de l’expérience de la guerre vécue par l’auteur. Les parties de la thèse font référence à des figures mythiques en relation avec l’image du feu. Ainsi, se classent-elles « Sous le signe de Prométhée », « Sous le signe du Phénix » et « Sous le signe d’Empédocle »
This Ph.D. dissertation deals with the problem of fire used as a tool in the contemporary plastic art creations. In fact, since the 1960s, an increased use of fire is noted within new forms of artistic expression.The emphasis is put particularly on the “fire of war” which, by changing the lives ofthe artists, transforms their creations as well .Throughout the dissertation, the analysis of personal pieces of art, observed through the context of the war experienced by the artist, confirms the above finding. The sections of the dissertation refer to some mythical characters with close relationship with the image of fire. Hence, they are referenced “Under the sign of Prometheus”,“Under the sign of the Phoenix” and “Under the sign of Empedocles”

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Zuckerman, Lola, e Layla Zami. "Contemporary PerforMemory". Doctoral thesis, Humboldt-Universität zu Berlin, 2018. http://dx.doi.org/10.18452/18656.

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Abstract (sommario):

Die Dissertation von L. Zuckerman (auch bekannt als Layla Zami) erforscht die Wechselbeziehungen zwischen Erinnerung, Bewegung, Diaspora und Zeit/Raum in Tanzproduktionen des 21. Jahrhunderts. In einer innovativen transkulturellen, transdisziplinären und transtemporalen Perspektive setzt die Publikation den Akzent auf die Solo-Arbeiten von sieben zeitgenössischen Choreograph_innen, die in Deutschland, Frankreich, Taiwan, Martinique, Palästina und den USA leben, und Interpret_innen ihrer eigenen Stücke sind. Ausgehend von der Hypothese, dass Körper eine zentrale Rolle in der Aushandlung und Überwindung von Machtverhältnissen spielen, fragt die Forschung was geschehen kann, wenn tanzende Körper die Vergangenheit in die Gegenwart transportieren, im materiellen und im metaphorischen Sinne. Die Autorin leitet ein neues Konzept ein, das im Englischen sowohl Substantiv als auch Verb ist: (to) perforMemory. Sie reflektiert die Besonderheiten der Ausdruckform Tanz in der Darstellung, Herstellung, und Tradierung von kultureller Erinnerung im Bezug auf historische Traumata wie der Holocaust, der Transatlantische Sklavenhandel, die Maafa, die Nakba und zeitgenössische gesellschaftspolitische Herausforderungen. Das als Spirale konzipierte Buch lädt zu einer Wanderung durch diasporische Tanz_schaften, in denen sich Fragestellungen zu Identität, Körperlichkeit, Zugehörigkeit, Räumlichkeit und Zeitlichkeit entfalten, und sich in der Diskussion von bestimmten Tanzsequenzen wechselseitig beleuchten. Die Doktorarbeit basiert auf den Ergebnissen einer vierjährigen internationalen Forschung. Die Quellen schöpfen aus unterschiedlichen Fachrichtungen, u.a. Gender und Queer Studies, Tanz/Performance, Kulturwissenschaften, Erinnerung, Postkoloniale Studien, Literatur, Quantenphysik, und Lyrik. Die Veröffentlichung beinhaltet ebenfalls die vollständigen Transkripte von persönlichen Gesprächen, die die Autorin mit den Künstler_innen Oxana Chi, Zufit Simon, Wan-Chao Chang, André M. Zachery, Farah Saleh, Christiane Emmanuel und Chantal Loïal aufgenommen hat, sowie Links zu Performance-Ausschnitten.
The dissertation by L. Zuckerman (aka Layla Zami) explores the interrelations and interactions between memory, movement, diaspora, and spacetime in 21st century dance productions. In an innovative transcultural, transdisciplinary and transtemporal approach, the publication focuses on solo works by seven contemporary dancers-choreographers based in Germany, France, Taiwan, Martinique, Palestine and the USA. Contending that corporeality is a site and a source of power, the research asks what happens when moving bodies propel the past into the present, metaphorically and materially. The author introduces a new concept: (to) perforMemory, which is both a noun and a verb, and discusses the specificity of dance in the production and transmission of cultural memory in relation to historical trauma such as the Holocaust, the Transatlantic Slave Trade, Maafa, the Nakba and contemporary sociopolitical challenges. Conceived in a spiral-like fashion, the book takes the reader through diasporic dancescapes in which notions of identity, home, embodiment, spatiality and temporality unfold and are brought into resonance with each other in the discussion of specific dance examples. The theoretical references connect such various fields as gender studies, dance and performance studies, cultural memory studies, postcolonial studies, literature, quantum physics, queer studies and poetry. Based on doctoral research conducted across the globe from 2013 to 2017, the electronic publication also features the full interview transcripts of personal conversations recorded by the author with the artists Oxana Chi, Zufit Simon, Wan-Chao Chang, André M. Zachery, Farah Saleh, Christiane Emmanuel and Chantal Loïal, as well as links to audiovisual performance excerpts.
La thèse explore les interrelations et interactions entre mémoire, mouvement, diaspora et espace-temps dans la danse au XXIème siècle. Dans une approche transculturelle, transdisciplinaire et transtemporelle, la publication se concentre sur des pièces solo chorégraphiées et interprétées par sept chorégraphes contemporain.e.s basé.e.s en Allemagne, France, Martinique, Palestine, à Taiwan et aux Etats-Unis. Estimant que les corps humains sont objets et sujets de relations de pouvoir, la thèse étudie ce qui se passe lorsque les corps dansent le passé au temps présent, au sens propre et au sens figuré. L'auteure introduit un nouveau concept: (to) perforMemory, à la fois un substantif et un verbe en anglais. Elle met en relief la spécificité de la danse comme forme de production et transmission de la mémoire culturelle, en relation avec des traumas historiques tels que l'Holocauste, la Traite triangulaire ou Maafa, la Nakba ainsi que des défis sociopolitiques contemporains. Conçu comme une spirale, le livre est une invitation au voyage à travers des paysages diasporiques dansés, dans lequel les notions d'identité, d'appartenance, de spatialité, de temporalité et de représentation émergent tour à tour, et s'illuminent mutuellement dans l'analyse de séquences de danse concrètes. Le corpus théorique puise dans des domaines aussi variés que les études de genre, la danse, les études postcoloniales, la litérature, les Cultural Studies, la physique quantique, les études queer et la poésie. Basée sur des recherches doctorales conduites de 2013 à 2017 à travers le monde, cette publication électronique comprend également les transcriptions intégrales des entretiens personnels menés avec les artistes Oxana Chi, Zufit Simon, Chantal Loïal, Christiane Emmanuel, Farah Saleh, Wan-Chao Chang, et André M. Zachery, ainsi que des liens vers des extraits audiovisuels de spectacles.

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Guerra, Miranda Luis. "Alain Badiou, la condición del arte. Sustracción, novedad radical, fuerza-forma". Doctoral thesis, Universitat Autònoma de Barcelona, 2017. http://hdl.handle.net/10803/405637.

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Abstract (sommario):

La presente tesis presenta el pensamiento del filósofo francés Alain Badiou, con la intención de destacar el concepto de existencia dentro de esta construcción filosófica, gracias a una serie de herramientas conceptuales que permitirán construir una constelación teórica alrededor de la práctica de investigación artística. Este conjunto de elementos de nominación, que propone la tesis, permite no solo reflexionar sobre el fenómeno artístico -sobre todo en relación con nuestra contemporaneidad- desde nuevos puntos de partida; sino al mismo tiempo, permite la generación de un efectivo pensamiento artístico que se situaría en la línea casi invisible entre la filosofía y el arte de hoy. Esa es la razón por la cual, basándose en el análisis de las obras de Badiou, la tesis no solo se construyó a partir de la escritura, sino también a través de una serie de ejercicios visuales que intentaron probar su hipótesis. La tesis se sitúa en un casi localizado que propone la siguiente hipótesis: la filosofía de Alain Badiou permite nombrar a lo que espera ser nombrado. Este pensamiento, afirmo, ofrece una posibilidad de pensar al arte, su práctica, más allá de las ruinas en donde, entiendo, hoy su cuerpo existente merodea. Un pensamiento que es de hecho una diagonal que abandona, huye, trazando un espacio excéntricamente. Un modo de nombrar que, en este caso, no determina a aquello que nombra, no lo cancela ni lo sobre determina, sino más bien, invita a la existencia de lo que inexiste para el imperio. ¿Por qué querer nombrar lo que existe sin nombre? Esta ha sido la pregunta que funda a la tesis. Sin embargo, esta pregunta esconde una funcionalidad a priori al nombrar. El nombrar al que alude la tesis no es el nombrar que archiva, aplana, estatiza, numera, finaliza. Este nombrar es una desautorización del nombre de la pertenencia y la exclusión. Ni nombra para el acceso, como una ciudadanía nacional, ni excluye como una dependencia, para invisibilizar lo que existe. El nombrar aquí es local, operativo, y en cierto modo, performativo. Su ocurrencia es desde ya una acción, y no se limita a la reflexión compuesta de lo que pudiese llegar a negar. Por último, la tesis tuvo por objeto el linde casi imperceptible de separabilidad entre la filosofía y el arte. Dicha relación aquí no queda cancelada. Por el contrario, la tesis y su autor esperan que, a través de su cuerpo, se inauguren vías de práctica crítica. Esta tesis, en tanto que destino, no busca un fin, sino que la apertura de un agujero, o incluso menos, el acto de un corte, o incluso, el acto de ese corte como medición propia de su a venir.
The present thesis presents the thought of the French philosopher Alain Badiou, with the intention of emphasizing the concept of existence within this philosophical construction, thanks to a series of conceptual tools that will allow to construct a theoretical constellation around the practice of artistic research. This set of elements of nomination, which proposes the thesis, allows not only to reflect on the artistic phenomenon - especially in relation to our contemporaneity - from new starting points; But at the same time, it allows the generation of an effective artistic thought that would be placed in the line almost invisible between the philosophy and the art of today. That is why, based on the analysis of Badiou's works, the thesis was not only constructed from writing, but also through a series of visual exercises that attempted to test its hypothesis. The thesis is situated in a localized almost, which proposes the following hypothesis: the philosophy of Alain Badiou allows to appoint to what it waits to be named. This thinking, I affirm, offers a possibility to think art, its practice, beyond the ruins where, I understand, today its existing body looms. A thinking that is in fact a diagonal that leaves, flees, tracing a space eccentrically. A way of naming that, in this case, does not determine what it names, does not cancel it or over determines, but rather, invites to existence of what inexists for the empire. Why want to name what exists without a name? This was the question that founded the thesis. However, this question hides an a priori functionality when naming. The naming that the thesis alludes is not a naming that archives, flattens, statizates, numbers, ends. This naming is a disavowal of the name of membership and exclusion. Neither names for access, as a national citizenship, nor exclude as a dependency, to make invisible what exists. The naming here is local, operative, and in a sense, performative. Its occurrence is already an action, and is not limited to the composite reflection of what could come to deny. Finally, the thesis had as its object the almost imperceptible point of separation between philosophy and art. This relationship is not canceled here. On the contrary, the thesis and its author hope that, through its body, critical practice paths will be inaugurated. This thesis, as fate, does not seek an end, but the opening of a hole, or even less, the act of a cut, or even the act of that cut as a measure of its own coming.

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VEYSI, MOHSEN. "Kunstwollen: una visione contemporanea locale, globale, transculturale". Doctoral thesis, Università degli studi di Modena e Reggio Emilia, 2020. http://hdl.handle.net/11380/1200421.

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Abstract (sommario):

Il grande impatto di Alois Riegl sulla storia dell'arte è innegabile. Ha influenzato molti storici e teorici dell'arte da Erwin Panofsky, Wilhelm Worringer, Walter Benjamin, Ernst Kris, Ernst Gombrich, Gilles Deleuze, Karl Mannheim ... al premio Nobel Dr. Eric Kandel. Il carattere cosmopolita di Riegl e i suoi punti di vista estetici liberali insieme alle sue convinzioni sull'uguaglianza di tutte le forme d'arte (pittura, disegno, scultura, architettura, artigianato ...) e a giudicare l'arte di ogni epoca in base a fatti e figure che rappresentano il Kunstwollen (arte + volontà) di quel periodo, lo rende uno studioso eccezionale che era molto più avanti del suo tempo e più vicino alla nostra era. Uno storico dell'arte contemporanea apparteneva alla Vienna del 1900. Il primo capitolo, quindi, è stato dedicato ad Alois Riegl e al suo metodo storiografico e ai suoi concetti chiave come Kunstwollen e il ruolo dell'osservatore. I contenuti di questo capitolo fanno parte del mio libro Who the hell is Alois Riegl and what are his theories on art history all about? Il Kunstwollen di Riegl - la volontà artistica - è un impulso interiore che è alimentato dai valori culturali e storici del tempo, espressi attraverso elementi visivi come una forma d'arte, creando lo stile artistico di ogni periodo. Questa VOLONTÀ che è collegata al Weltanschauung (visione del mondo) di ogni epoca, cambia in base al tempo, alla nazione e al luogo; quindi, ogni epoca ha il suo Kunstwollen che è unico e irripetibile. Kunstwollen, è il modo in cui ogni cultura percepisce il mondo in un particolare epoca storica e lo manifesta attraverso l'arte di quel periodo. Pertanto, il secondo capitolo inizia analizzando i modi in cui il cervello umano percepisce il mondo esterno e crea le proprie immagini interne da una visione scientifica basata sulle idee di Eric Kandel e su come la nostra percezione diventa arte attraverso le teorie di diversi antropologi e storici dell'arte. Il capitolo continua introducendo l'arte contemporanea come arte globale, attraverso la quale ogni cultura rappresenta la propria arte contemporanea. Proprio come una lingua internazionale che dà la possibilità alle persone di culture e nazionalità diverse con lingue diverse di comunicare tra loro ed esprimere le proprie idee; l'arte contemporanea funziona come un'arte internazionale, attraverso la quale artisti di diverse parti del mondo espongono le loro opere d'arte che hanno le loro radici nel loro background culturale e storico. Attraverso l'arte globale contemporanea ogni nazione manifesta il proprio Kunstwollen contemporaneo. Se l'arte contemporanea è globale che offre alle diverse culture la possibilità di presentare la loro arte contemporanea al mondo, allora deve esserci una storia dell'arte globale attraverso la quale ogni cultura descrive la sua arte locale. Il saggio continua quindi descrivendo e confrontando gli approcci e le sfide per la definizione e la creazione di una storia dell'arte globale. Riferendosi alle idee di teorici e storici dell'arte come Hans Belting, James Elkins, Peter Weibel, David Summers, John Onians, Kitty Zijlmans, Wilfried van Damme ... e introducendo diversi programmi accademici come l'Università Heidelberg, l'Università dell'Anglia orientale , L'Università di Leida e ... saranno discussi. Il terzo capitolo inizia con la descrizione delle principali caratteristiche o Kunstwollen dell'arte contemporanea globale, e quindi basato sui contenuti dei precedenti capitoli e le mie esperienze personali, cercherò di scoprire il Kunstwollen dell'arte contemporanea di tre paesi in cui io visuto, studiato e insegnato: Iran, Italia e Stati Uniti d'America.
Alois Riegl's great impact on art history is undeniable. He influenced many art historians and theorists from Erwin Panofsky, Wilhelm Worringer, Walter Benjamin, Ernst Kris, Ernst Gombrich, Gilles Deleuze, Karl Mannheim… to the Nobel Laureate Dr. Eric Kandel. Riegl’s cosmopolitan character, and his liberal aesthetic points of view along with his beliefs on equality of all art forms (painting, drawing, sculpture, architecture, craft…), and judging the art of each era based on facts and figures that represent the Kunstwollen (art+will) of that period, makes him an exceptional scholar who was far ahead of his time, and closer to our era. A contemporary art historian belonged to the Vienna 1900. The first chapter, thus, has been dedicated to Alois Riegl and his historiographical method, and his key concepts such as Kunstwollen and the role of the beholder. The contents of this chapter take part of my book Who the hell is Alois Riegl and what are his theories on art history all about? Riegl’s Kunstwollen – the artistic will – is an inner drive that is fueled by the cultural and historical values of the time, expressed through visual elements as an artform, creating each period’s art style. This WILL which is connected to the Weltanschauung (world view) of each era, changes according to the time, nation, and location; hence, each epoch has its own Kunstwollen that is unique and unrepeatable. Kunstwollen, is the way each culture perceives the world in a particular historical time and manifests it through the art of that period. Therefore, the second chapter starts by analyzing the ways that human brain perceives the external world and creates its own internal images from a scientific view based on the ideas of Eric Kandel, and how our perception becomes art through the theories of different anthropologists and art historians. The chapter continues by introducing the contemporary art as a global art, through which, each culture represents its own contemporary art. Just like an international language that gives the possibility to the people from different cultures and nationalities with different languages to communicate with each other, and express their ideas; contemporary art works as an international art, through which artists from diverse parts of the world expose their artworks which have their roots in their own cultural and historical background. Through the Global Contemporary art each nation manifests its own contemporary Kunstwollen. If contemporary art is global that gives the different cultures the possibility to present their contemporary art to the world, then there needs to be a global art history through which each culture describes its local art. The essay then continues by describing and comparing the approaches and challenges towards defining and creating a global art history. By referring to the ideas of theorists and art historians such as Hans Belting, James Elkins, Peter Weibel, David Summers, John Onians, Kitty Zijlmans, Wilfried van Damme…and introducing diverse academic programs such as the Universitat Heidelberg, the University of East Anglia, The University of Leiden, and…will be discussed. The third chapter starts with describing the main characteristics or the Kunstwollen of the global contemporary art, and then based on the contents of the previous chapters and my personal experiences, I will try to discover the Kunstwollen of the contemporary art of three countries in which I lived, studied, and taught: Iran, Italy, and The United states of America.

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Fabriol, Anaïs. "La littérature frontalière contemporaine mexicaine, l'exemple de la Basse Californie (de 1970 à nos jours)". Thesis, Paris 3, 2009. http://www.theses.fr/2009PA030130.

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Abstract (sommario):

Les dernières décennies du XXe siècle et la première du XXIe sont capitales dans la redéfinition culturelle de l’identité frontalière mexicaine. De fait, elles cristallisent la plupart des grands symboles postmodernes : la fin des idéologies nationalistes, l’essor d’une culture industrielle de masse, la déconstruction de la relation antérieure entre le Mexique et les Etats-Unis. La littérature semble y atteindre une nouvelle définition de l’identité, de l’espace, de l’Histoire et de la construction narrative. Dans cette perspective, la production littéraire de Basse-Californie est un bon exemple : bien séparée du monde culturel de Mexico, elle a construit un système de valeurs et un réseau éditorial dédiés à la frontière et à son univers. Ce travail vise avant tout à cartographier et définir les grands aspects de la création littéraire de ces quarante dernières années en Basse-Californie
The last decades of the XXth century and the first of the XXIth are of paramount importance in the cultural definition of the Mexican borderland identity. Actually, they epitomize most of the central postmodern symbols: the end of the nationalist ideologies, the rise of a massive industrial culture, the deconstruction of the former relationship between Mexico and the USA. The literature seems to reach a new definition of identity, space, History and storytelling. In this perspective, Baja California’s writing production is quite a good sample: well-separated from Mexico City’s cultural world, it has built an internal system of values and a publishing network of its own, dedicated to the border and its universe. This work intends to map out and define the main aspects of Baja California’s last forty years of literary creation

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Martinaud, Aurélie. "Peinture et présence : expérience du contemporain et méta-tradition dans l’oeuvre de He Jiaying". Thesis, Aix-Marseille, 2016. http://www.theses.fr/2016AIXM3104/document.

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Abstract (sommario):

La pratique picturale de He Jaiying nous place face à un paradoxe esthétique : en dépit de sa dimension hétérotopique celle-ci peut-elle être considérée comme une œuvre contemporaine ? Ainsi cette première réflexion nous a –t-elle engagé à interroger la position et le rôle de l’héritage culturel dans les pratiques picturales d’hier et d’aujourd’hui. Nous avons également dû nous intéresser à la question du monde de l’art et de son rapport à une production artistique dite « contemporaine ». Or, en quoi consiste au fond le contemporain ? Le contemporain n’est pas une chose que l’on montre. Il se montre lui-même dans les présences qu’il habite parce qu’il échappe justement à la représentation. De fait, il est une expérience et se vit comme telle. Dans sa quête de spontanéité, nous en faisons l’expérience dans un présent toujours en fuite. De sorte qu’en dehors du temps, ou temps d’entre les temps, il relie les différentes temporalités qui construisent la continuité chronologique. En cela, il n’y a rien de caché. Ou plutôt, ce qui se dissimule dans les œuvres est ce quelque chose que l’on ne voit pas mais à quoi on est sensible. C’est le trouble que nous renvoie la sensation étrange d’un temps hors du temps. Le contemporain est l’expérience que nous faisons du présent dans l’actualité de son événement. C’est un état de suspension. C’est pour cette raison que la présence y prend un caractère total, holiste. Contemporaine au sens où ce qu’elle met en lumière « ne quitte jamais le moment où il naît » (Jean-Luc Nancy), l’œuvre de He Jiaying est un intensificateur de présence et en cela, elle nous rapproche de la sensation absolue d’être-là
He Jiaying’s pictorial practices leave his viewers with an aesthetic paradox: can his work be considered as contemporary art, despite its heterotypic dimension? A continuity of this initial reflexion from this leading lights of the gongbi artistic genre, leads the viewer to further question the position and the role of cultural heritage in the pictorial practices of today and yesteryears. But what is the link between the world of art and a work of art defined as “contemporary”?What does the contemporary consist of? The contemporary is not something that an artist can show. It reveals itself within the presence it inhabits because it escapes, fittingly, from such representation. It is a de facto experience and is lived as such. In its pursuit for spontaneity, we experience it in the ever-eluding present, so that that it is outside of time, or a time between time, linking different temporalities that make up chronological continuality. In that, nothing is hidden, or more to the point, the thing that is dissimulated in a work of art is that something that we do not see but that we recognise and are sensitive to. It is the discord that gives the viewer that strange feeling of time outside of time. The contemporary is the experience that we have of the present within the actuality of its passing. It’s a state of suspension, and it is for this reason that its presence takes on a total holistic character.Contemporary in the sense of the visible as “it never leaves the moment in which it was born” (Jean-Luc Nancy), the works of He Jiaying is an “intensificator” of presence and therefore, brings us closer to the absolute sensation of just being

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Neutre, Lila. "Sculpter le soi : le corps social comme dispositif de résistance, l'apparence comme poétique de survie". Thesis, Aix-Marseille, 2017. http://www.theses.fr/2017AIXM0418.

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Abstract (sommario):

Dans nos sociétés occidentales contemporaines, esthétiques et spectaculaires, le corps est un objet de fétichisme social de même qu'un écran sur lequel il est possible de projeter une identité maniable et changeante. Considéré comme le support de l’individualité, il est l'objet de toutes les métamorphoses. De simple parti pris vestimentaire, le style peut parfois se faire l’expression d’un véritable mode de vie, d’une existence qui s'établit à l'encontre des normes imposées par une société. L’apparence devenant la manifestation ostentatoire (parfois caricaturale) d’une prise de position politique, philosophique ou sexuelle.Quels liens unissent la pratique du cabaret New-Burlesque, du Cosplay, de la Sape ou du Voguing ?En apparence dissemblables, voire peut-être antagonistes ; regroupant des membres d'âges, de sexes, d'origines différentes et s'ignorant la plupart du temps l'une l'autre ; ces communautés sous-culturelles partagent néanmoins des symboles, une idéologie, une organisation structurelle et sociale comparables. Dans une forme maîtrisée de l’artifice et du théâtre, tous utilisent leur apparence comme dispositif de résistance et interrogent la validité et les limites des impératifs sociétaux. C'est du moins ce que cette thèse tente de mettre en lumière, par la photographie et sur le terrain de la sociologie
In our contemporary societies, the body has become not only an object of social fetishism but also a screen where we can take on any kind of identity. Apperance can be transformed in a playground and used as a tool to resist society's standards. From a simple choice of clothing, a look can in fact express a global lifestyle. Even if seemingly light, style can show the choice of a certain way of life and be an exit from social constraints. It can reveal existential choices, whether political, philosophical or sexual.This researches are involving different groups of people and communities. What could possibly link Congolese Sapers, Voguers, Cosplayers, Roller derby and New-Burlesque performers? A priori different, most likely antagonistic and gathering a large range of people from various ages, social classes or origins, these subcultures still share a lot of similarities. From a comparable ideology to the use of similar symbols and compatible social organizations, they all seek to re-enchant our world in a critique of cast societies and question the limits of their social imperatives.In both photography and sociology, this PhD aims at forming a kaleidoscope of various facets of self-presentation in our contemporary society, with all its hopes and disappointments

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Détré, Natacha. "Les "relecteurs d'images" : une pratique artistique contemporaine de collecte, d'association et de rediffusion d'images photographiques". Thesis, Toulouse 2, 2014. http://www.theses.fr/2014TOU20050/document.

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Abstract (sommario):

Cette thèse propose de définir une génération d’artistes dont la spécificité consiste à collecter, associer et rediffuser des images existantes, sans en transformer le contenu iconique. Pour tenter de cerner les caractéristiques de cette pratique, des entretiens ont été menés avec des artistes français contemporains : Eric Baudelaire, Ludovic Burel, Hervé Coqueret, documentation céline duval, Pierre Leguillon, Mathieu Pernot, Régis Perray et Eric Watier. L’analyse des dispositifs plastiques qu’ils mettent en œuvre fait apparaître deux aspects susceptibles d’identifier la spécificité de leur travail : leur manière d’associer les images entre elles suscite de nouvelles interprétations entraînant leur relecture ; et leur pratique s’inscrit dans une phase transitoire entre l’ère de la reproductibilité technique des images et celle des technologies du numérique. A travers une recherche scientifique pluridisciplinaire, il sera donc question d’étudier leurs processus de création depuis le choix des images jusqu’à la diffusion de leurs projets (I), d’analyser la polysémie des images et les possibilités d’en relire les signes (II) et enfin de comprendre comment s’agence leur position artistique entre deux époques techniquement marquées concernant les images (III). Afin de les démarquer des autres générations réemployant des images, la thèse propose une nouvelle dénomination : les Relecteurs d’images
This thesis proposes to define a generation of artists who are collecting, associating and redistributing pictures without changing or transforming the iconic contents. In order to elaborate their characteristics, several french contemporary artists were interviewed: Eric Baudelaire, Ludovic Burel, Hervé Coqueret, documentation céline duval, Pierre Leguillon, Mathieu Pernot, Régis Perray and Eric Watier. The analysis of the devices implemented by the artists shows two aspects that could identify the specificity of their work: their way of associating the pictures with each other offers new possibilities of interpretation and leads to a second reading of the pictures; and their practice is taking place during the transition between the eras of image reproduction techniques and numerical techniques. Within the scope of a multi-field scientific research, it will be necessary to study the creation processes from the choice of the representation till the distribution of the projects (I), to analyse the polysemy of the images and the possibility of rereading their signs (II), and, finally, to understand how the artistic position is located between two, with respect to pictures, technically distinguished epoches (III). To differentiate this generation of artists from others reusing images, the thesis suggests a new name: the “Rereaders of pictures”

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Bianchi, Pamela. "Espaces de l'oeuvre, espaces de l'exposition". Thesis, Paris 8, 2015. http://www.theses.fr/2015PA080026.

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Abstract (sommario):

Réfléchir sur le terme espace signifie, d’abord, être conscient des multiples usages sémantiques et des diversités linguistiques dont il est porteur. Son rapport avec les concepts d’œuvre et d’exposition a été modifié au fur et à mesure des changements statutaires respectifs. En ce sens, cette thèse vise à interroger le statut de l’espace d’exposition face aux propositions artistiques contemporaines. Elle se développe autour des concepts d’espace et de lieu de monstration dans leur relation avec les notions principales d’architecture muséale, d’œuvre et d’exposition, à partir des années 1960 et jusqu’à nos jours. Grâce à une étude évolutive et multidisciplinaire, et sans oublier la généalogie des concepts principaux, cette thèse se nourrit de cas concrets et contemporains pour offrir un panorama des espaces d’exposition, singuliers et alternatifs. Il s’agit d’un travail d’analyse qui a décomposé, étudié et restructuré la notion d’espace d’exposition à partir de ses paramètres fondamentaux et de périodes spécifiques ; cela a permis d’insister sur la présence d’un processus évolutif en chaine (sorte de syllogisme) où, d’abord, l’œuvre se fait exposition, ensuite, l’espace se fait œuvre et, enfin, l’espace se fait exposition. Ainsi, derrière un espace façonnable qui évolue par rapport à l’art qu’il accueille, apparait aussi un espace multifonctionnel (un « hyperespace ») qui réclame un art spécifique et de nouvelles exigences expographiques
First, reflect on the space term means be aware of its multiple semantic uses and of its linguistic diversity. His relationship with the concept of artwork and of exhibition has changed in relation to the respective statutory changes. In this sense, this thesis aims to examine the status of the exhibition space in relation to contemporary artistic proposals. In particular, this thesis is developed around the concepts of Space and Place of the exhibition, in their relationship with the main notions of museum architecture, artwork and exhibition, since 1960 until today. With an evolutionary and multidisciplinary study, and not forgetting the genealogy of main concepts, this thesis is also enriched with concrete and contemporary cases offering a particular view on the exhibition spaces, unique and alternative. It is an analysis that tried to decompose, to study and restructure the concept of exhibition space, from its basic parameters, and in relation to specific historical periods. This allowed to insist on the presence of an evolutionary process (type of syllogism), for which, in the first place, the artwork becomes an exhibition, secondly, the space becomes an artwork and, finally, the space becomes an exhibition. Thus, behind a modular space that evolves in relation to the artwork that contains, it appears also a multifunctional space (a "hyperspace") that claims a specific art and new display requirements

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Cibin, Alberto. "I futuristi alle Esposizioni Biennali Internazionali d'Arte di Venezia (1926-1942)". Doctoral thesis, Università degli studi di Padova, 2016. http://hdl.handle.net/11577/3426760.

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Abstract (sommario):

This research explores the history of the Futurist Group (led by Filippo Tommaso Marinetti) and its involvement in the International Biennale Art Exhibition of Venice between 1926 and 1942. The Futurists involvement during this period was continuous and exhibitors always formed a collective, at times with over thirty artists. The exhibitions in Venice during the 30s took on a major role in the reform of contemporary art events in line with the Fascist regime. This new process aimed, through subsequent selection processes, to open doors at a local level, then on to Rome’s National Quadrennial Exhibition and finally onto the international stage of the Biennale Art Exhibition of Venice where they should have represented the best of Italian art, to be viewed by and compared with foreign nations. The Venetian exhibitions give a privileged viewpoint of not only the various phases of Futurist art and its relationship with art critics of the time, but also the often conflicting and complex relationships between Marinetti’s followers and heads of the Biennale under the forced harmony of the Fascist regime.
La ricerca indaga la storia del gruppo futurista, guidato da Filippo Tommaso Marinetti, alle Esposizioni Biennali Internazionali d’Arte di Venezia tra il 1926 e il 1942. Le partecipazioni dei futuristi in questo arco temporale fu costante e avvenne sempre in forma collettiva, tanto da contare in alcune edizioni anche più di trenta espositori. Le mostre veneziane nel corso degli anni Trenta assunsero un ruolo primario nella riforma del sistema espositivo fascista in relazione all’arte contemporanea. Tale sistema prevedeva, attraverso successivi gradi di selezione, l’accesso degli artisti dapprima a manifestazioni sindacali, provinciali e interprovinciali, poi alle Quadriennali nazionali di Roma e, infine, alle Biennali internazionali di Venezia, che avrebbero dovuto rappresentare al meglio l’arte italiana in vista del confronto con nazioni straniere. Le esposizioni veneziane sono state quindi un osservatorio privilegiato per indagare non solo le varie fasi dell’arte futurista e le reazioni della critica coeva, ma anche il complesso e talvolta conflittuale rapporto tra i seguaci di Marinetti e i vertici della Biennale, sotto l’egida forzatamente armonizzante dello Stato fascista.

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