Tesi sul tema "Cine sonoro"

En los últimos años la tecnología ha progresado a tal punto que con la aparición de las plataformas de streaming, la forma de disfrutar de una película ha cambiado por completo, pasamos de estar sentados en una sala de cine a la comodidad de tu hogar y utilizar cualquier dispositivo electrónico. En el caso del lenguaje sonoro audiovisual, ha supuesto una etapa de avance no solo a nivel técnico sino también a nivel estético, logrando el crecimiento de la banda sonora dentro del proceso de diseño y producción. Este artículo analiza la evolución que ha tenido el tratamiento sonoro del cine con los contenidos en streaming y los nuevos avances tecnológicos, a través de un análisis comparativo de la obra del director Martin Scorsese. Además, cambios en la forma en que el espectador tiene la conexión con la película. Este tema supone una ampliación de los conocimientos en el campo del diseño sonoro y así conocer las nuevas técnicas y elementos utilizados para complementar este arte.
In recent years, technology has progressed to such an extent that with the emergence of streaming platforms, the way of enjoying a movie has completely changed, we went from sitting in a movie theater to the comfort of your home and using any electronic device. . In the case of audiovisual sound language, it has meant a stage of advance not only on a technical level but also on an aesthetic level, achieving the growth of the soundtrack within the design and production process. This article analyzes the evolution that the sound treatment of cinema has had with streaming content and new advances in technology, through a comparative analysis of the work of director Martin Scorsese. Also, changes within the way the viewer has the connection to the film. This topic supposes an extension of the knowledge in the field of sound design and thus know the new techniques and elements used to complement this art.
Trabajo de investigación

El Exorcista, una película del género de terror dirigida por William Friedkin en 1973, no solo es un clásico del género; también es un referente para el cine de horror realizado después. Ello se debe a su tratamiento de asuntos que resultaban inéditos para el género, como la sexualidad infantil, y a las características de la representación del proceso de transformación física de una niña poseída, así como al diseño de su banda sonora y de todos sus componentes: la palabra, los ruidos o efectos sonoros, las atmósferas creadas con ellos, la música y el silencio. Todos ellos se orientan a la creación de un clima de horror visceral, donde el miedo provocado por el género convive con el disgusto, el asco y la repulsión causados por los elementos de la representación fílmica. Este artículo describe e interpreta la singularidad de ese tratamiento sonoro de El Exorcista, apuntando aquello que ha resultado influyente en el curso de la historia del género de terror.
The Exorcist, a film of horror genre directed by William Friedkin in 1973, is not only a classic of the genre; it is also a reference to horror films made later. This is due to its treatment of issues that were unprecedented for the genre, such as infantile sexuality, and the characteristics of the representation of the process of physical transformation of a possessed girl, and the design of the soundtrack and all its components: voice, sound effects, atmospheres created with them, music and silence. They are aimed at creating a climate of visceral horror, where fear caused by gender coexists with disgust, repugnance and repulsion caused by the elements of filmic representation. This article describes and interprets the uniqueness of the sound treatment of The Exorcist, pointing what has been influential in the course of the history of the horror genre.
Trabajo de investigación

Esta tesis estudia el sonido del cine estructural analizando sus fundamentaciones teóricas, sus tratamientos prácticos y sus apreciaciones estéticas. Se parte de una serie de películas estructurales internacionales englobadas bajo cuatro conceptos acústicos para discutir las dinámicas de sus sonidos. La investigación se centra en la noción de ruido, la utilización de la voz, las técnicas de repetición y el concepto de paisaje sonoro, para examinar doce filmes que desnaturalizan el sonido enfatizando su materialidad. El estudio confirma la experimentación acústica del cine estructural como uno de los recursos esenciales para interrogar las limitaciones tecnológicas del medio.
This thesis studies the structural film sound analyzing their theoretical foundations, its practical treatments and aesthetic appreciation. A series of international structural films included under four acoustic concepts are located in order to discuss the dynamics of their sounds. The research focuses on the notion of noise, the use of the voice, the techniques of repetition and the concept of soundscape, to examine twelve films which distort the sound emphasizing its materiality. The study confirms the acoustic experiments os structural film as an essential resource to question the technological limitations of the medium.

El cortometraje animado Huaytita (2019) parte de la experiencia personal de Melanie, integrante del grupo, quien desde muy pequeña ha recibido remedios naturales por parte de su abuela. Es por ello que para la realización de este proyecto se plantea un objetivo principal y un objetivo secundario. El objetivo principal es desarrollar a través de la animación la relación abuela-nieta-medicina natural y que esto se refleje en las áreas de Gráfica, Animación, Edición y Diseño sonoro. Además, el objetivo secundario es lograr un producto audiovisual enriquecido por la imagen y el sonido, prescindiendo del uso del diálogo. Para lograr estos objetivos, planeamos los ajustes necesarios para el uso de los programas de Adobe a utilizar tanto para el área de Gráfica, Edición y Animación. Posteriormente, en base al guión empezamos a trabajar los expression sheets y paleta de colores para el diseño de los personajes;así también, trabajamos el diseño y color para los fondos desde el área de Gráfica. A la par manejamos los ajustes necesarios para la música junto al compositor así como el diseño sonoro para cada escena considerando el ambiente y objetos necesarios para la realización del foley desde el área de Sonido. Una vez digitalizados los archivos de dibujo, juntamos cada frame para crear un movimiento continuo (animación tradicional). Así también, optamos por el uso de la animación digital en el caso de la magia y otros movimientos complejos desde el área de Animación. Finalmente, juntamos todos los archivos realizados manejando el ritmo y el tiempo necesario para cada escena desde la Edición. Como resultado se obtuvo un corto animado que muestra a la medicina natural no solo como una alternativa para la cura de enfermedades sino también como un vínculo familiar y una herencia.
The animated short film Huaytita (2019) is based on the personal experience of Melanie, a member of the group, who from a very young age has received natural remedies from her grandmother. That is why for the realization of this project we propose a main objective and a secondary objective. The main objective is to develop through this animation this grandmother-granddaughter-natural medicine relationship and reflect this in the areas of Graphics, Animation, Editing and Sound. While, the secondary objective is to achieve an audiovisual product enriched by image and sound, regardless of the use of dialogue. To achieve these objectives, we plan the necessary adjustments for the use of Adobe programs to be used for Graphics, Editing and Animation area. Subsequently, based on the script we started to work on the expression sheets and color palette for the character design; also, we worked on the design and color for the backgrounds from the Graphic area. At the same time, we handle the necessary adjustments for the music next to the composer as well as the sound design for each scene considering the environment and objects necessary for the realization of the foley from the Sound area. Once the drawing files have been digitized, we put each frame together to create a continuous movement (traditional animation). Also, we opted for the use of digital animation in the case of magic and other complex movements from the Animation area. Finally, we put together all the files managing the rhythm and time needed for each scene since the Edition. As a result, a short animated fiction was obtained that shows natural medicine not only as an alternative to cure diseases but also as a family bond and inheritance.
Trabajo de investigación

[ES] Esta tesis estudia el cortometraje pionero del cine hablado español El Orador (1928) de Ramón Gómez de la Serna, dentro de la industria primigenia del cine sonoro a través del productor Feliciano Manuel Vitores y la Hispano de Forest Fonofilms. La incógnita que se abre sobre esta obra de arte "desconocida" ha llevado a buscar los pormenores de la cinta y su resonancia viva con el presente. La tesis ha comprendido un análisis del discurso fílmico revisando las condiciones y casuísticas que rodearon el texto, el contexto y su performance posterior, analizando la obra El Orador a través de la literatura del autor, en su vinculación política-social, tecnológica y cinematográfica con la España de los años 20 del s. XX. Este trabajo sitúa la genealogía de la conferencia dramatizada en el año 1928, demostrando cómo El Orador es la primera performance cinematográfica documentada en nuestro país. La tesis marca un punto de partida desde El Orador hasta la actualidad trazando una línea de puntos discontinua que abarca casi cien años, configurando un mosaico tipológico de "especies de oralidad" que, en palabras de Miguel Molina Alarcón, continúa la estela heredada de la conferencia como género artístico. El estudio verifica la herencia, supervivencia y rastros singulares de la metaoratoria ramoniana en los artistas escénicos de posvanguardia. El trabajo se estructura en cinco capítulos. El primero describe aspectos generales del autor relacionados con su corto y biografía. El segundo aborda el texto de El Orador, con ensayos afines a la estética de su discurso, su trayectoria de conferenciante, la novela Cinelandia y los guiones que ideó para cine. El tercero aborda la confección del film y su historia dentro de la industria del cine paleosonoro, en su conexión con los demás cortos de la empresa Cinefón rodados por F. M Vitores. El cuarto capítulo narra la presentación del film como performance y su resonancia con las artes escénicas actuales, proponiendo un collage de artistas oradores. En el último presento el proyecto de cine ensayo R. cinco aproximaciones al cortometraje. Los anexos contienen varias compilaciones; imágenes del Archivo Vitores, recopilación de textos inéditos sobre cine escritos por el artista, y sus bocetos manuscritos sobre cine. El tipo de investigación ha sido mixta: constatativa, comparativa y de enlace, esto es, se ha confirmado la hipótesis de partida a través de nuevos datos obtenidos y se ha configurado a partir del material principal una propuesta creativa personal, aplicando la corriente práctica de arte-investigación. Los resultados logrados han sido, por un lado situar El Orador en su marco temporal superando su visión anecdótica y revalorizándola. La presunción del papel histórico de El Orador ha confirmado ser positiva, demostrando ser un hito de su tiempo y del nuestro. El trabajo ha permitido interpretar la nueva oralidad en el arte contemporáneo desde las características humorísticas que prefiguró el escritor, abordando la actual escena performativa. Finalmente la realización de la película experimental R. ha supuesto un diálogo entre tiempos cinematográficos distintos y una propuesta de creación híbrida inspirada por la misma libertad de Ramón. La claves críticas y estéticas que se encuentran en la película permiten observarla hoy como un modelo ejemplar de posicionamiento político, intelectual y creativo.
[CA] Aquesta tesi estudia el curtmetratge pioner del cinema parlat espanyol El Orador [L'Orador] (1928) de Ramón Gómez de la Serna, dins de la indústria primigènia del cinema sonor a través del productor Feliciano Manuel Vitores i la Hispano de Forest Fonofilms. La incògnita que s'obre sobre aquesta obra d'art "desconeguda" ha portat a buscar els detalls de la cinta i la seua ressonància viva amb el present. La tesi ha comprés una anàlisi del discurs fílmic revisant les condicions i casuístiques que van envoltar el text, el context i el seu performance posterior, analitzant l'obra El Orador [L'Orador] mitjançant la literatura de l'autor, en la seua vinculació políticasocial, tecnològica i cinematogràfica amb l'Espanya dels anys vint del s. XX. Aquest treball situa la genealogia de la conferència dramatitzada l'any 1928, demostrant com El Orador [L'Orador] és la primera performance cinematogràfica documentada al nostre país. La tesi marca un punt de partida des de El Orador [L'Orador] fins a l'actualitat traçant una línia de punts discontínua que abasta quasi cent anys, configurant un mosaic tipològic de "espècies d'oralitat" que, en paraules de Miguel Molina Alarcón, continua el deixant heretat de la conferència com a gènere artístic. L'estudi verifica l'herència, supervivència i rastres singulars de la metaoratoria ramoniana en els artistes escènics de postavantguarda. El treball s'estructura en cinc capítols. El primer descriu aspectes generals de l'autor relacionats amb el seu curt i biografia. El segon aborda el text de El Orador [L'Orador], amb assajos afins a l'estètica del seu discurs, la seua trajectòria de conferenciant, la novel·la Cinelandia i els guions que va idear per a cinema. El tercer aborda la confecció del film i la seua història dins de la indústria del cinema paleosonor, en la seua connexió amb els altres curts de l'empresa Cinefón rodats per F. M Vitores. El quart capítol narra la presentació del film com performance i la seua ressonància amb les arts escèniques actuals, proposant un collage d'artistes oradors. En l'últim presentem el projecte de cinema assaig R. cinc aproximacions al curtmetratge. Els annexos contenen diverses compilacions; imatges de l'Arxiu Vitores, recopilació de textos inèdits sobre cinema escrits per l'artista, i els seus esbossos manuscrits sobre cinema. El tipus d'investigació ha sigut mixta: constatativa, comparativa i d'enllaç, això és, s'ha confirmat la hipòtesi de partida mitjançant les noves dades obtingudes i s'ha configurat a partir del material principal una proposta creativa personal, aplicant la corrent pràctica d'art-investigació. Els resultats reeixits han sigut, d'una banda situar El Orador [L'Orador] en el seu marc temporal superant la seua visió anecdòtica i revaloritzant-la. La presumpció del paper històric de El Orador [L'Orador] ha confirmat ser positiva, demostrant ser una fita del seu temps i del nostre. El treball ha permés interpretar la nova oralitat en l'art contemporani des de les característiques humorístiques que va prefigurar l'escriptor, abordant l'actual escena performativa. Finalment, la realització de la película experimental R. ha suposat un diàleg entre temps cinematogràfics diferents i una proposta de creació híbrida inspirada per la mateixa llibertat de Ramón. Les claus crítiques i estètiques que es troben en la película permeten observar-la hui com un model exemplar de posicionament polític, intelectual i artístic.
[EN] This thesis explores the pioneering short film of Spanish spoken cinema, El Orador (1928), by Ramón Gómez de la Serna, in the context of the nascent international sound cinema industry through producer Feliciano Manuel Vitores and Hispano Forest Fonofilms. The enigmas surrounding this "unknown" work of art led to a study of every detail about the film, and its resonance with the present. The thesis involved an analysis of the filmic discourse, reviewing the environmental factors surrounding the text, its context and subsequent performance; studying the piece through the author’s literary works and through its socio-political, technological and filmographical ties to Spain in the 1920s. This paper sets the genealogy of the performative conference in Spain in 1928, showing El Orador as the first ever film performance documented in our country. The thesis begins its journey with El Orador through the present day, drawing an intermittent timeline that spans almost a hundred years, crafting a typological mosaic of “oral species” that, in the words of Miguel Molina, continues the legacy of the conference as an artistic genre. This study verifies the heritage and endurance of the ramonian meta-oratory among avant-garde performing artists from the 1950s onward. The thesis is structured in five chapters. The first describes geneal aspects of the author related to his short film and biography. The second focuses on the film’s script, compiling ramonian essays with a similar aesthetic, as well as Ramon’s own trajectory as a lecturer, including a study of the novel Cinelandia and other scenarios he planned. The third chapter covers the creation of the film and its history within the paleosonic film industry and its connection with other short films by F. M Vitores for Cinefón. The four chapter narrates the film’s presentation as performance and its resonance in the current performing arts and a collage of contemporary oral artists. The last chapter details project R. five studies of short film feature by the author. The annexes contain several compilations, on the one hand a selection from the Archive Vitores, and on the other Ramon’s writing about film, images of Ramón's manuscripts, brought together for the first time. The type of research has been mixed: factual, comparative and pursuing links, meaning the initial hypotheses has been confirmed through new data uncovered, and a personal creative proposal has been configured from the main material and applying the practical current movement of art-research. The results achieved include, first and foremost, setting El Orador in its proper place in time, going beyond its anecdotal role and reclaiming its true importance. The assumption of El Orador’s historic contribution has proven to be correct, revealing it as a milestone piece of its time and ours. The study allowed an interpretation of the new oral trend in contemporary art from the use of humor so characteristic of the writer. Finally, the experimental film R. allowed a dialogue between different film eras and a proposal of a type of hybrid creation inspired by Ramon’s own freedom. The key critical and aesthetic points found in the film allow us to view it as an exemplary model in its political, intellectual and creative positioning.
Grueso Hierro, A. (2021). El film El Orador (1928) de Ramón Gómez de la Serna: texto, contexto y performance del discurso. Proyecto de cine ensayo R.(1928-2018) [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/171483
TESIS

Desde el inicio del cine, las bandas sonoras se caracterizan por cumplir diversas funciones que hacen compleja la experiencia del espectador. De este modo, se puede decir que éstas promueven la relación con el personaje principal de una película. Utilizando el método experimental, esta tesis explora cómo el tipo de música (drama o thriller) afecta la evaluación de personajes de películas en una muestra de estudiantes universitarios de Lima Metropolitana (n=30). Se realizaron análisis en tres niveles: a nivel videos, a nivel condiciones y a nivel intrasujeto. Los resultados demuestran que la música de una película puede llegar a generar diferencias en la agradabilidad del personaje, las intenciones que se le atribuyen, la seguridad que sienten los espectadores de saber lo que el personaje esté pensando o sintiendo y en nivel de identificación con el personaje. Siendo las respuestas atribuidas a personajes del género dramático las más positivas (mayor agradabilidad, mejores intenciones y mayor identificación).
Since the beginning of cinema, movie scores have been known for performing certain functions that make the spectator’s experience more complex, some of these promote the establishment of a relationship with the main character. Using an experimental design, this study explores how different types of music (taken from drama and thriller genre) affect the evaluation of movie characters in a sample of students from a private university in Lima Metropolitana (n=30). Analyses were carried out in three levels: considering each video as a unit of analysis, across conditions (drama, thriller and without music) and within-subjects. Results show that movie music can produce differences in character likeability, interpretations of the character´s intentions, certainty of what the character is thinking or feeling and identification with the character. Responses attributed to melodramatic characters were more positive (higher likeability, better intentions and greater identification).
Tesis

La presente investigación analiza el diseño de sonido –la identificación de sus elementos, formas e interrelaciones- en la película El laberinto del fauno, para explicar en qué forma es que estos elementos trabajan entre sí y en conjunto con la imagen, para apoyar la narración de la historia. La pregunta central es: ¿Cómo aporta el sonido en la película ‘El laberinto del fauno’ a la narración de la historia? De ella se desprende una serie de preguntas secundarias en torno a las relaciones de los distintos elementos de la banda sonora entre sí y con la imagen, al sonido como herramienta narrativa para la caracterización de personajes, la creación de mundos y la atribución de personalidad a los espacios. La resolución de estas interrogantes, pretende, finalmente, hablar del sonido como herramienta narrativa en los productos audiovisuales en general. La hipótesis central que se busca comprobar es la siguiente: El sonido en la película ‘El laberinto del fauno’ es una herramienta narrativa central, que sirve para caracterizar personajes, configurar ambos “mundos” -fantástico y real- y para reforzar la historia. Para ello se desarrollan primero las bases teórico-conceptuales de los tres grandes ejes que componen el problema de investigación: narración audiovisual, el poder de significación del sonido audiovisual y la película El laberinto del fauno. Los conceptos delimitados sirven de base para la matriz de análisis de contenido, herramienta metodológica central de esta tesis. Esta sirve para el registro detallado de todos los sonidos, su clasificación según el elemento de la banda sonora al que pertenecen y origen, sus características sobresalientes y su color sonoro-conceptual. Las categorías desarrolladas sientan a su vez las bases para el análisis de cuatro secuencias representativas, que muestran cómo es que los elementos de la banda sonora confluyen entre sí y en conjunto con la imagen, generando sentido y aportando a la narración de la historia. Entre las conclusiones principales, encontramos que el sonido en El laberinto del fauno sirve para generar sensaciones y significado, caracterizar personajes, otorgar personalidad a espacios y generar atmósferas dramáticas, construir dos mundos –realista y fantástico-, estructurar y puntuar la narración, así como para dirigir la atención del público. En suma, el diseño sonoro en El laberinto del fauno tiene un rol central en la narración de la historia y es de gran importancia para la creación de significado y sensaciones.
Tesis

Desde la implementación del sondo en las películas durante la segunda década del siglo XX, la banda sonora ha ido ganando un lugar importante en el proceso de creación de una historia cinematográfica. De esta manera, se cambió la visión del cine como se conocía.  Con el nacimiento de géneros cinematográficos y creadores audiovisuales, el cine paso por una etapa de redescubrimiento donde la implementación de nuevas técnicas fue un factor importante de dicho cambio. Ante esta adaptación, la industria ha desarrollado el uso de la banda sonora para otorgarle una función más avanzada que el sólo hecho de evitar el silencio injustificado en una película. Esta investigación busca demostrar la capacidad narrativa de la banda sonora para la historia de una película. Para ello se tomará la película de 1972: El Padrino Parte I. La elección de el objeto de estudio se sustenta en la elaborada banda sonora que acompaña la película.
Since the implementation of sound in movies during the second decade of the 20th century, the soundtrack has gained an important place in the process of creating a film story. In this way, the vision of cinema as it was known was changed. With the birth of film genres and audiovisual creators, cinema went through a stage of rediscovery where the implementation of new techniques was an important factor in this change. Faced with this adaptation, the industry has developed the use of the soundtrack to give it a more advanced function than just avoiding unjustified silence in a movie. This research seeks to demonstrate the narrative capacity of the soundtrack for the story of a film. For this, the 1972 film: The Godfather Part I will be taken. The choice of the object of study is based on the elaborate soundtrack that accompanies the film.
Trabajo de investigación

Este trabajo de investigación se propone estudiar la fenomenología del silencio en el cine, especialmente su conformación en el cine español contemporáneo del siglo XXI. Se parte de la hipótesis de que las aproximaciones que se han hecho sobre el silencio en referencia a cualquier manifestación humana, y también las específicamente cinematográficas, han sido abordadas y entendidas mayoritariamente en términos de ausencia, de falta o carencia. La intención del trabajo es discutir esta concepción, así como analizar la conformación del concepto en sí. La idea en la que se centra esta investigación es la siguiente: el silencio se construye, está lleno de contenido y por tanto cuando se introduce en la imagen cinematográfica pone de manifiesto aquello que no siempre es reconocido como constructor de la imagen en silencio. Se parte de la premisa de que la presencia del silencio en cine es una construcción que se especifica en el transcurso de la película; se trata de una representación metafórica dotada de una activación repleta de especificidad. Se concreta que el silencio en el cine es una construcción metafórica que, al ser construida en la praxis fílmica, adquiere los perfiles específicos de este campo. El cine es, en sí mismo, una metáfora en movimiento y ello implica la existencia de procesos de transformación visual y sonora. Es a partir de esta conceptualización que se explora cómo y qué conforma el silencio. Mediante el análisis retórico de las formas audiovisuales del cine español del siglo XXI se busca detectar cómo se erige el silencio y cómo se manifiesta en la praxis fílmica.
The present investigation aims at studying the phenomenology of silence in film, in particular, its shaping in contemporary Spanish cinema (XXIst C). I start with the thesis that visions of silence as a human manifestation and, the cinematic ones in particular, have previously been addressed and understood in terms of absence, omission or lack of. The goal of this paper is to discuss this conception, as well as to analyze the configuration of the concept itself. I focus mainly on the idea that silence is a construction full of meaning hence when included within the cinematic image it displays what we don’t usually acknowledge as an organizer of the silent image. Stemming from the belief that the presence of cinematic silence is a construction that is specified during the film and a metaphor which works as a completely specific element, silence in cinema is a metaphoric construction that, whenever it is constructed in film, it relates and showcases the specific features of this field. A film is, itself, a moving metaphor, and that involves the existence of sonic and visual processes of transformation. It is from this conceptualization that I’ll be exploring what silence is made of and how it is established. Through the rhetoric analysis of contemporary Spanish films I’ll seek to identify how silence is constructed and portrayed in films.

De même que le ready-made, il y a maintenant presque un siècle, avait transformé la question " qu'est-ce que l'art " en son contraire (" comment faire pour que quelque chose ne soit pas de l'art ?", ne soit pas transformé en objet d'art puisqu'une simple parole d'artiste, fiat ars, suffisait ainsi à transfigurer tout élément du réel), de même, il devient difficile aujourd'hui de repérer ce qui ne pourrait être, jamais ou par essence, un objet poétique. Devant l'œuvre poétique et plastique de Bernard Heidsieck, il convient de mettre en place une série de critères permettant de distinguer la poéticité d'un " art total ". Nelson Goodman apporte des éléments de réponse en soulignant l'importance d'un paramètre rarement pris en compte : le contexte. La question essentialiste " qu'est-ce que l'art "/ " qu'est-ce qu'un poème " pouvant être remplacée par une autre plus pragmatique " quand y a-t-il art/poème ? " De ce point de vue pragmatiste, la notion de " contexte " permet ainsi de faire jouer à la fois l'espace (le lieu où s'exécute l'œuvre d'art) et le temps (les circonstances dans lesquelles l'œuvre s'exécute). Ainsi, un même objet ou une même action pourrait, à la fois, être ou ne pas être de l'art, c'est finalement une question de contexte et d'intention initiale. Dans le cas de nos recherches, la question du contexte est primordiale puisque l'inscription d'objets poétiques non exclusivement textuels en poésie et non en arts plastiques, repose en partie, sur leur appartenance aux champs de diffusion (éditoriaux et institutionnels) de la poésie. Cependant, des productions poétiques telles que celles de Heidsieck dont certaines facettes n'appartiennent pas au poétique n'en deviennent pas pour autant " poèmes " du fait de leur présence dans un festival de poésie. Notre projet de recherche a pour horizon une redéfinition du champ " poésie " et de ses outils d'analyse, une tentative de mise en place d'une poétique permettant de prendre en charge de façon féconde les " objets poétiques complexes " _c'est-à-dire hétérogènes du fait de leur appartenance à différents types de régimes esthétiques_ de Bernard Heidsieck.

El presente trabajo de investigación tiene como objetivo describir el diseño de sonido minimalista y analizar en qué medida intensifica la narración en las películas Caché (2005), Das weiße Band (2009) y Amour (2012) al crear atmósferas de misterio y suspenso. La investigación es cualitativa interpretativa ya que se centra principalmente en la observación, descripción y análisis de productos ya realizados, y de los cuales se busca explicar cómo es que funciona el diseño de sonido minimalista de Michael Haneke en sus tres películas. La unidad de análisis es el diseño de sonido minimalista de Michael Haneke en sus tres películas, en especial en Caché (2005), Das weiße Band (2009) y Amour (2012). El instrumento para la recolección de datos en esta investigación es el análisis de contenido ya que permite una mejor exploración, descripción, análisis y entendimiento. Con esta investigación se busca mostrar una de las opciones en la que el diseño de sonido aporta a la narración audiovisual, en este caso al ser minimalista.
Tesis

A partir de mi propia experiencia profesional en el campo del sonido cinematográfico y de entrevistas a los y las involucrados/as en los cargos técnicos en el rodaje cinematográfico en el Perú, el presente trabajo analiza la subalternidad en la participación de personal femenino en dichos cargos, resaltando lo que ocurre en el área específica de sonido, dada mi experiencia. Exploro las posibles causas por las cuales esta discriminación se ha incrustado y perennizado en el modelo laboral del rodaje. Encuentro que existen razones de orden cultural, ideológico, económico, académico, biológico y físico, entre otros aspectos, que definen actualmente los cargos técnicos en el rodaje cinematográfico como altamente masculinizados. He escuchado testimonios de las escasas mujeres que participan en los cargos técnicos de largometrajes peruanos y también he entrevistado a los hombres técnicos que mayoritariamente los ocupan. Al tratarse de un conflicto en el que están involucrados los contratantes, he escuchado también a los productores respecto a cómo seleccionan a su personal técnico. Para enmarcar esta problemática en un universo más amplio he contrastado la situación peruana con otra industria más avanzada y cercana como la argentina, así como un vistazo a lo que ocurre al respecto en la industria de Hollywood.
Based on my own experience in the field of cinematographic sound and also on interviews with those involved in technical job roles in filmmaking in Peru, this work analyzes the subalternity of female personnel in those positions, highlighting what happens specifacally in the sound production job roles, due my professional experience in this field. I explore the possible causes why this discrimination has been installed and perpetuated in the job model of filmmaking. I find that there are cultural, ideological, economic, academic, biological and physical, reasons, among other aspects, that currently define technical positions in filmmaking as highly masculinized. I have heard testimonies from the few women who participate in the technical positions of Peruvian feature films, and also interviewed men technicians. Since in this conflict the interviewees are involved, I also talked to the producers, regarding the criteria they apply to select their technical staff. To broaden the boundaries of this study, I have contrasted the Peruvian situation with a more advanced and closer industry such as Argentina’s as well as brief glimpse of what is happening in the Hollywood industry.

This thesis confronts how, in Vincent Moon’s films, experience takes the spotlight in detriment of signification. I formulate that the director, rather than worrying about imbuing his films with an inherited sense, is instead searching that his work may express something unique each time it is encountered. To achieve this, his artistic practice is submitted through a set of procedures that are more in line with the field of sound than that of cinema. By transposing values that are deeply rooted into sound philosophy to film (particularly Listening by Jean-Luc Nancy), Moon’s work criticizes the predominant ocular-centric perspective where meaning and understanding is the ultimate goal. Questioning the implications of such a practice, I relate emerging studies related to sound with Deleuze’s Actual/Virtual circuit and Walter Benjamin’s auratic experience. I conclude by proposing that in Vincent Moon a new form of image surfaces, one that even though in its early stages, should be comprehended through its explosive capacity to deliver an experience and in its intrinsic transient and ephemeral nature—the encounter-image.
Esta tesis se enfrenta a cómo la experiencia es el centro de la atención en detrimento de la significación en las películas de Vincent Moon. Formulo que el director está buscando que su trabajo exprese algo único cada vez que se lo encuentre en vez de preocuparse por imbuir sus películas con un sentido. Para lograr esto, su práctica artística se somete a un conjunto de procedimientos que están más en línea con el campo del sonido que el del cine. Al transponer valores profundamente arraigados en la filosofía del sonido al cine (particularmente A la escucha de Jean-Luc Nancy), el trabajo de Moon critica la perspectiva ocular predominante donde el significado y la comprensión es el objetivo final. Al cuestionar las implicaciones de tal práctica, dialogo con estudios emergentes relacionados con el sonido con lo Actual y lo Virtual de Deleuze, además de la experiencia aurática de Walter Benjamin. Concluyo proponiendo que Vincent Moon propone una nueva forma de imagen, una que debe ser comprendida a través de su capacidad explosiva de ofrecer una experiencia de naturaleza intrínsecamente transitoria y efímera: la imagen-encuentro.

[EN] This doctoral thesis, that seeks to recover the figure and work of the Spanish composer José María Ruiz de Azagra Sanz (1900-1971), connects with the current lines of research about composers that developed their creative works mainly during the Spanish postwar period. Despite being one of the most prolific and popular composers of his time, in the lyric theatre (paso dobles, couplets, revue¿) genre as well as in the Spanish cinema from the 40s and 50s, Ruiz de Azagra has been ostracised and the references to his work or to his person are rarely existing, although some academic studies and specialized publications stand out, as those by Casares Rodicio, Llisterri or Roldán Garrote, that speak about some aspects of his life and work in the lyrical theatre and film music. The main aims of this work are the presentation and the setting-up of a thorough and updated biography of the composer, as well as his work cataloguing. After a broaden field work that involved the consultation of a wide range of sources, foundations and documentation centres, a biography and a catalogue of the author are presented along with a general analysis of the musical soundtrack for the film La torre de los siete jorobados as well as scores of some compositions for lyric theatre from the 50s, in order to stablish the author's own compositional features in both genres. Finally, it is also included the recovered piano and voice score of the song Manola lá through the playback of the audiovisual recording from the aforementioned film.
[ES] La presente tesis doctoral, que pretende recuperar la figura y obra del compositor español José María Ruiz de Azagra Sanz (1900-1971), entronca con la línea de investigación actual sobre compositores que desarrollaron su trabajo creativo principalmente durante la postguerra española. A pesar de tratarse de uno de los compositores más prolíficos y populares en su época tanto en el género del teatro lírico (pasodobles, cuplés, revista¿) como en el cine español de los 40 y 50, Ruiz de Azagra ha sido relegado al ostracismo y apenas existen referencias a su obra y su persona, si bien destacan algunos estudios académicos y publicaciones especializadas realizados por Casares Rodicio, Llisterri, o Roldán Garrote que hablan de algún aspecto de su vida y obra dentro del teatro lírico y la música cinematográfica. Los principales objetivos de este trabajo son la presentación y establecimiento de una biografía exhaustiva y actualizada del compositor así como la catalogación su obra. Tras un minucioso trabajo de campo que supuso la consulta en un amplio espectro de fuentes, fundaciones y centros documentales, se presenta junto con la biografía y el catálogo del autor, un análisis general de la banda sonora musical para la película La torre de los siete jorobados así como de algunas composiciones para teatro lírico de los años 50 con el fin de establecer unas características propias de composición del autor en ambos géneros. Por último, también se aporta la partitura recuperada para piano y voz de la canción Manola lá mediante la escucha del registro audiovisual perteneciente a la película anteriormente citada.
[CAT] La present tesi doctoral, que pretén recuperar la figura i l'obra del compositor espanyol José María Ruiz de Azagra Sanz (1900-1971), entronca amb la línia d'investigació actual sobre compositors que desenvoluparen el seu treball creatiu principalment durant la postguerra espanyola. Malgrat tractar-se d'un dels compositors més prolífics i populars en la seua època, tant en el gènere del teatre líric (pasdobles, cuplets, revista¿) com en el cinema espanyol dels anys 40 i 50, Ruiz de Azagra ha sigut relegat a l'ostracisme i quasi no existeixen referències a la seua obra i persona, si bé destaquen alguns estudis acadèmics i publicacions especialitzades realitzades per Casares Rodicio, Llisteri o Roldán Garrote que assenyalen algun aspecte de la seua vida i obra dins del teatre líric i de la música cinematogràfica. Els principals objectius d'aquest treball són la presentació i establiment d'una biografia exhaustiva i actualitzada del compositor així com la catalogació de la seua obra. Rere un minuciós treball de camp que va suposar la consulta en un ampli espectre de fonts, fundacions i centres documentals, es presenta junt amb la biografia i el catàleg de l'autor, una anàlisi general de la banda sonora musical per a la pel·lícula La torre de los siete jorobados, així com de algunes composicions per a teatre líric dels anys 50 amb la fi d'establir unes característiques pròpies de composició de l'autor en ambdós gèneres. Per últim, també s'aporta la partitura recuperada per a piano i veu de la cançó Manola lá mitjançant l'audició del registre audiovisual pertanyent a la pel·lícula anteriorment citada.
Traver Navarro, P. (2015). EL COMPOSITOR ESPAÑOL JOSÉ MARÍA RUIZ DE AZAGRA SANZ (1900-1971): BIOGRAFÍA Y OBRA [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/57709
TESIS

Ante la sobreestimación de la visibilidad en la producción cinematográfica, este trabajo propone derribar la jerarquía que hace del sonido un componente subalterno de la narración cinematográfica, a partir de la realización de un largometraje de ficción volcado a la articulación entre el encuadre cinematográfico y el espacio fuera de campo como ámbitos de tensión entre lo que se ve y lo que se escucha. Un desafío de democratización compositiva que lleva a reflexionar sobre el valor discursivo y expresivo del sonido en la construcción de un relato de ficción, y a operar sobre diferentes procedimientos técnicos y narrativos que permitan movilizar la capacidad creativa del espectador en la recepción de la información proveniente tanto de la imagen como del sonido.

La idea surge de una motivación propia como grupo, ya que en varias ocasiones tuvimos la oportunidad de vivir la experiencia de visualización de producciones de realidad virtual o cine en 360º. Habiendo transitado la carrera de cine y teniendo una fuerte afinidad con las innovadoras formas de producción audiovisual, aspiramos a profundizar en este nuevo horizonte de realización. Sintiéndonos capaces de crear una historia inmersiva que servirá como material de análisis, al igual que otros trabajos realizados en lo que hace a las producciones dentro de este formato. Pretendemos que estas nuevas puertas creativas y artísticas puedan ser utilizadas por estudiantes de la universidad. Las técnicas de video 360º se vienen desarrollando hace ya varias décadas, sin embargo solo ha sido en los últimos años que se hizo popular para el público. Es así como el término no puede entenderse sin su ancestro el Kinetoscopio, inventado por Edison, que fue el primer intento de proporcionar una experiencia sensorial individualizada e inmersiva al usuario.
Fil: Arros Merino, Lucia Malén. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Cine y Televisión; Argentina.
Fil: Gross, Alec Sacha. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento Académico de Cine y Televisión; Argentina.

adaptación de una narración literaria escrita a partir de los ensayos sobre la percepción de aldous huxley (las puertas de la percepción y cielo e infierno) tomados a modo de disparadores, culminando en un cortometraje experimental. el interés de esta obra surge de indagar en el cine experimental. un cine que no siempre se sabe cuál será el resultado final, ni los caminos o procesos a seguir para llegar a él. luego de estos años transitados, donde el eje principal fue el cine de ficción clásico, y el campo del género documental, nos encontrábamos en el espacio y momento oportuno para afrontar el desafío de trabajar un cine poco convencional y explorarlo; llevadas por la inquietud de acercarnos a otras formas, articulando lo aprendido y adquirido hasta el momento. al referirnos al cine experimental podemos hablar de características que no son convencionales y que se expresa en términos más personales. “el cine experimental es el cine que no tiene un guión basado en la construcción clásica, sino que parte del desarrollo de un tema o de una idea por medio de la infinita gama de construcciones visuales que el director tiene a la mano, para poder expresar, según su óptica, el sentimiento o la actitud que quiera.

Il commercio dei prodotti agroalimentari ha assunto oggi una dimensione globale, che pone una serie di questioni su cui è necessario riflettere. Una di queste riguarda la sicurezza alimentare intesa nell'accezione di food safety, ossia come il diritto di ogni individuo a consumare cibo sano e sicuro. La sicurezza alimentare implica l'assenza di elementi estranei che sono riconducibili ai residui dei trattamenti antiparassitari, veterinari, contaminanti ambientali o ancora l'assenza di adulterazioni nel processo di produzione, che possono comportare un rischio per la salute dei consumatori. La tesi analizza le principali dinamiche internazionali relative all'attuale commercio dei prodotti agroalimentari, focalizzando l'attenzione sulla questione della sicurezza alimentare, che da un lato deve garantire senza compromessi la tutela di tutti i consumatori, e dall'altro però, le misure adottate non devono costituire inutili ostacoli commerciali per le imprese alimentari esportatrici. L'analisi inizia dagli accordi nati nell'ambito della WTO, con la firma del Trattato di Marrakech nel 1994, con lo scopo di favorire gli scambi commerciali internazionali attraverso una maggiore armonizzazione delle differenti normative di riferimento. Per quanto riguarda specificamente la sicurezza alimentare si fa riferimento all'Accordo SPS sulle misure sanitarie e fitosanitarie e al Codex Alimentarius, che hanno lo scopo di creare un sistema di norme internazionali valido all'interno dei paesi membri della WTO per tutelare la salute dei consumatori e garantire pratiche eque nel commercio degli alimenti. Dal contesto multilaterale della WTO si procede ad analizzare il ruolo degli accordi bilaterali o regionali, nati in seguito alla crisi del multilateralismo, iniziata con il round di Doha nel 2001e dovuta principalmente all'eterogeneità delle posizioni dei Paesi membri. In particolare nell'ambito degli accordi bilaterali si fa riferimento al partenariato transatlantico sul commercio e gli investimenti (TTIP) recentemente negoziato tra UE e USA, e fermo per ora a tale fase. Si tratta di un accordo di libero scambio volto ad abbattere molte barriere commerciali esistenti tra le due sponde dell'Atlantico, con particolare riferimento a quelle non tariffarie consistenti in divergenze normative che ostacolano le esportazioni, tra cui vanno sicuramente ricomprese le misure sanitarie e fitosanitarie, che si sono rivelate le questioni maggiormente dibattute nel corso delle trattative del TTIP, offrendo lo spunto per analizzare in chiave comparatistica le due diverse tradizioni giuridiche di food safety, delineate attraverso la tematica degli OGM, dove emerge la distanza dell'approccio giuridico tra le due potenze transatlantiche. L'uso delle moderne tecniche di ingegneria genetica in campo alimentare è stato uno dei temi particolarmente discussi nell'ambito delle negoziazioni; gli OGM erano già stati oggetto di una controversia tra Europa e USA nell'ambito della WTO. In ogni caso il TTIP, nonostante il suo fallimento, segna comunque la volontà delle due potenze di trovare una base normativa comune. L'ultima parte della tesi riguarda invece l'evoluzione della sicurezza alimentare in Cina, che grazie alla rapida crescita economica degli ultimi anni, si attesta ad essere una delle potenze protagoniste degli scambi commerciali mondiali, completando in tal modo il quadro internazionale di riferimento. L'introduzione nel 2009 della prima legge sulla sicurezza alimentare, poi modifica nel 2015, rappresenta un primo avvicinamento ai sistemi normativi occidentali. L'analisi delle diverse normative di food safety nel contesto europeo, statunitense e cinese mostra come la globalizzazione economica abbia determinato anche una globalizzazione giuridica o meglio un progressivo allineamento dei diversi sistemi normativi. La necessità di facilitare gli scambi commerciali per competere a livello mondiale ha favorito l'avvicinamento dei vari ordinamenti giuridici. Pertanto si assiste a una sorta di "contaminazione legislativa" estranea alla politica commerciale comune della WTO, ferma da tempo ad una fase di completa stagnazione. In particolare per quanto riguarda il settore alimentare si auspica che il progressivo avvicinamento dei sistemi normativi sul tema della sicurezza alimentare possa favorire la nascita di una food law unitaria a livello globale, che sappia rispondere alle esigenze economiche - commerciali della libera circolazione dei prodotti, e contemporaneamente garantire la tutela di tutti i consumatori, assicurando un elevato livello di qualità e sicurezza.

La tesi si inserisce nell’ambito di ricerca sulle città sostenibili, analizzando in particolare il controverso fenomeno delle eco-città in Cina, unico nel suo genere per rapidità di diffusione e estensione. La ricerca fornisce un’analisi sistematica e comparativa delle eco-città nei diversi contesti territoriali cinesi, anche alla luce delle best practices di Masdar (EAU) e Songdo IBD (Sud Corea). Viene pertanto analizzata a tal proposito una nutrita casistica di studio di eco-city da un punto di vista morfologico e ambientale. Il confronto degli interventi evidenzia l’impatto della morfologia degli insediamenti sulla ‘vivibilità urbana’, in alcuni casi talmente compromessa da trasformare le eco-city in vere e proprie ghost town. Da tale analisi si ricavano indicatori (forma urbana, tipologia dell’intervento, stato di realizzazione e fattore di inquinamento) che, mediante l’attribuzione di punteggi ponderati, consentono di elaborare un’approfondita valutazione e classificazione degli interventi. A distanza di dieci anni dai primi interventi di eco-città, questi ancora non riescono a conciliare appieno il crescente fabbisogno abitativo con le esigenze di sostenibilità. Infatti, sebbene i quartieri sostenibili nascano per offrire una soluzione all’inquinamento urbano, spesso rimangono disabitati, mentre le città consolidate continuano ad attrarre residenti essendo i veri principali catalizzatori delle migrazioni dalle aree rurali. Sebbene quindi uno dei presupposti delle eco-city sia quello di (ri)conciliare l’idea della città con quella della natura, nella maggioranza dei casi esse sono promosse dalle autorità locali a fini meramente speculativi, trascurando l’impatto ambientale di urbanizzazioni repentine e sconsiderate. Tali considerazioni si rivelano ancora più attuali alla luce delle previsioni di sviluppo urbano a seguito della nuova regolamentazione degli hukou e delle direttive del 13°Piano Quinquennale cinese (2016-2020).