Letteratura scientifica selezionata sul tema "Anthropologie et théâtre"
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Articoli di riviste sul tema "Anthropologie et théâtre":
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Repertório, Teatro &. Dança Periódico. "Pour une anthropologie des pratiques spectaculaires : le moment du spectacle, le temps de l’événement et le temps de l’enquête [Bernard Müller]". REPERTÓRIO, n. 12 (20 luglio 2012): 35. http://dx.doi.org/10.9771/r.v0i12.4338.
Abstract (sommario):
<div>Quand il est montré au Brésil, le théâtre yoruba du Nigeria est présenté comme une forme culturelle typiquement africaine, en l'occurrence yoruba. Pour son public américain, cette forme de théâtre qui met en scène des moments d'une saga des <em>orishas</em>, serait une sorte de témoin vivant de la culture que les ancêtres déportés ont quittée. Participer à une représentation de théâtre yoruba permettrait ainsi de se relier au monde des origines, ce monde idéal situé en Afrique avant la traite négrière, c'est-à-dire avant la « contagion » moderne. Pourtant, aux yeux des adeptes des cultes des <em>orishas</em> des villes de l'intérieur du pays yoruba au Nigeria, cette forme de théâtre est un genre considéré comme « amaro », c'est-à-dire « brésilien ». On tentera d'expliquerce paradoxe en montrant comment le théâtre yoruba s'inscritdans une histoire transatlantique dont les dynamiques informent d'une construction sociale complexe, et contemporaine. <br /></div>
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Zelle, Carsten. "Anthropologie et esthétique : les premiers écrits de Schiller sur le théâtre (1782-1784)". Revue germanique internationale, n. 4 (26 ottobre 2006): 147–60. http://dx.doi.org/10.4000/rgi.153.
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Barahona de Almeida, Inês. "A Cegueira na Origem do Desenho - Jacques Derrida em Mémoires d'aveugle". Philosophica: International Journal for the History of Philosophy 10, n. 19 (2002): 155–76. http://dx.doi.org/10.5840/philosophica20021019/2010.
Abstract (sommario):
La réflexion qui suit a pour but de suivre le texte de Jacques Derrida, intitulé Mémoires d'aveugle, L'autoportrait et autres ruines. Ce texte constitue le catalogue de l’exposition que le philosophe a organisé au Musée du Louvre sur la cécité et le dessin. En ayant pour réflexion le mythe de Dibutade qui est à l’origine du dessin, surgiront comme traits fondamentaux dans l’argumentation derridienne la reconduction de la vision à la mémoire, la radication du dessin dans la partie d’ombre, dans l’absence, et la nature ambivalente de la trace du dessin. En tenant compte du mythe de l’origine du dessin et du rôle de la vision et de la cécité, Jacques Derrida arrive à la formulation de sa thèse centrale: chaque fois qu’un dessinateur dessine un aveugle, il fait son auto-portrait. Ensuite, on analyse la figuration des aveugles, cherchant à souligner les aspects les plus importants, comme le besoin d’un “théâtre des mains”, la relation entre haptique et optique, ou encore la singulière vocation des aveugles pour devenir des êtres de lumière, élus du divin, donc témoins d’une rédemption et d’une ascèse. Suivant la suggestion du texte de Jacques Derrida, on aboutit au fait que la vision et la cécité ont une importance pour ce qui est de la définition de toute Anthropologie, pour ce cas d’une “Anthropologie des larmes”.
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Fernandez, Laure. "L’espace dramatisé de l’installation vidéo : The Chittendens de Catherine Sullivan, une autre scène pour le théâtre". Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 18, n. 1 (2010): 101–10. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2010.894.
Abstract (sommario):
Les travaux protéiformes (films, installations, performances) de l’artiste américaine Catherine Sullivan témoignent d’un regain d’intérêt certain, chez les artistes contemporains, pour la question des relations entre théâtralité et arts visuels. Plaçant au coeur de ses œuvres, souvent baroques et excessives, l’acte même de performer, Sullivan opère une véritable dissection de la figure du comédien, hors du cadre du théâtre, offrant un contre-point aux nombreuses expériences participatives actuelles par le biais d’un questionnement sur ce qu’est la scène, non pas en tant qu’espace d'une expérience commune, mais bien en tant qu’espace frontal, distinct de celui du spectateur. Le prisme du théâtral, et en particulier le jeu de l’acteur, devient ainsi, pour Catherine Sullivan, un véritable outil esthétique et anthropologique, permettant de questionner tant l’aliénation humaine que le dispositif spectaculaire.
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Yamaguchi, Masao. "Applicabilité du concept d'ostranénie à l'étude de la culture en anthropologie". Anthropologie et Sociétés 10, n. 3 (10 settembre 2003): 11–27. http://dx.doi.org/10.7202/006361ar.
Abstract (sommario):
Résumé Applicabilité du concept d'ostranénie à l'étude de la culture en anthropologie En présentant le concept A'ostranénie, cet article vise à ouvrir de nouvelles perspectives à l'étude anthropologique de la fonction esthétique et de la dynamique culturelle. De cette dernière, l'auteur retient surtout les aspects anti-normatifs-notamment la marginalité, le démesuré, l'inversion, le trickster -, tous liés à la polysémie et au calembour. D'autre part, dans la tradition théâtrale. Arlequin, en tant qu'émissaire des puissances infernales, révèle une dimension cachée de la réalité et joue ainsi un rôle semblable à celui de l'ostranénie en littérature. L'article examine l'application du concept d'ostranénie dans les domaines de la littérature, du folklore et de la phénoménologie; il propose, en conclusion, que la distribution des fonctions médiatrices soit étudiée de façon systématique et complète.
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Barbe, Noël. "Le théâtre et l’historien". L'Homme, n. 197 (25 febbraio 2011): 139–62. http://dx.doi.org/10.4000/lhomme.22649.
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Siaud, Florent. "Dialectique de l’intérieur et de l’extérieur dans trois événements in situ présentés dans l’édition 2010 du FTA". Pratiques & travaux, n. 48 (20 febbraio 2012): 99–112. http://dx.doi.org/10.7202/1007843ar.
Abstract (sommario):
Né d’une volonté d’extraire l’oeuvre d’art de ses habituels lieux de présentation pour les inscrire dans des contextes insolites, le théâtre in situ délaisse les espaces sanctuarisés de la création. Comme l’ont montré trois spectacles présentés dans l’édition 2010 du Festival TransAmérique de Montréal, il permet au spectateur de vivre une expérience artistique au coeur de la ville. Enquête anthropologique sur ce qui fonde nos rites, notre inconscient collectif et nos sentiments d’appartenance, le théâtre in situ n’est pourtant pas exclusivement une manifestation à ciel ouvert : bouleversement de l’espace urbain, il occasionne parallèlement une plongée en soi qui conduit le sujet à s’interroger sur son rapport à sa propre mémoire ou à son activité sensorielle de citadin.
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Leenhardt, Jacques. "« Tupi or not tupi, that is the question »". caleidoscópio: literatura e tradução 1, n. 2 (6 dicembre 2017): 34–43. http://dx.doi.org/10.26512/caleidoscopio.v1i2.7093.
Abstract (sommario):
Les anthropologues et les spécialistes des cultures antiques savent que le passage de l’oralité à l’écriture a signifié une mutation ― certains disent une perte ― en termes de présence des interlocuteurs à leur discours et à leurs partenaires dans la communication. Ce déficit pèse sur toute traduction textuelle, dans la mesure où celle-ci laisse, sans pouvoir la traiter, la question des significations portées par le ton et l’expressivité, qui ne survivent partiellement que dans le théâtre et la lecture orale. Par-delà les textes qui lui servent de référent, la traduction met cependant en jeu de nombreux registres dans lesquels s’expriment les questionnements et les caractères propres à chaque culture. La dimension interculturelle de la traduction requiert donc une attention particulière.
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Müller, Bernard. "Du Terrain Ethnographique à la Dramaturgie: une enquête sur les afro-brésiliens du Togo, aujourd'hui". Revista Brasileira de Estudos da Presença 6, n. 1 (aprile 2016): 94–109. http://dx.doi.org/10.1590/2237-266055026.
Abstract (sommario):
Résumé1: En associant les méthodes de l'anthropologie culturelle à celles du théâtre, nous envisageons dans cet article le processus de création artistique comme un terrain ethnographique. La démarche proposée vise à inverser la posture habituelle du chercheur qui conçoit sa position d'observation comme étant située à l'extérieur de l'objet étudié. En met littéralement en œuvre son terrain, le chercheur crée avec les enquêtés une situation qui permet de faire émerger une forme de connaissance anthropologique, sa nature et sa place parmi les sciences posant question.
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Bertho Lavenir, Catherine. "La biographie en histoire culturelle". Globe 15, n. 1-2 (6 marzo 2013): 183–99. http://dx.doi.org/10.7202/1014631ar.
Abstract (sommario):
Cet article pose la question des rapports particuliers entre histoire culturelle et projet biographique. Il explore les différents liens entre les deux domaines. Les textes relevant de l’écriture de soi sont des sources privilégiées de la biographie. Ces sources doivent être réintégrées dans leur contexte culturel pour être bien comprises. L’auteur d’un journal intime, d’une correspondance ou d’un journal de voyage se décrit et décrit le monde qui l’entoure avec les outils mentaux et stylistiques qui lui ont été fournis par son éducation, son milieu, sa génération. La question du genre est centrale dans cette perspective. Par ailleurs, ces sources décrivent des pratiques qui appartiennent à l’histoire culturelle dans ses différentes dimensions. Elles donnent des éclairages originaux sur la vie culturelle envisagée au sens étroit du terme (lecture, théâtre, vie musicale), mais aussi sur la dimension anthropologique de la culture : de l’éducation des enfants à la sémiologie du costume, et des pratiques de loisir à la vie religieuse.
Tesi sul tema "Anthropologie et théâtre":
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Rulhes, Christophe. "Singularités Ordinaires : un théâtre anthropologique des devenirs autochtones". Electronic Thesis or Diss., Paris, EHESS, 2023. http://www.theses.fr/2023EHES0072.
Abstract (sommario):
Cette thèse expose différentes expérience de construction d’un théâtre participatif, mené par l'auteur et le collectif du GdRA depuis la France entre 2005 et 2021, sur un terrain multi-situé et transversal au Japon, à Madagascar, en Afrique du Sud, en Guyane, sur l’île de la Réunion, dans divers endroits dits porteurs de langues « régionales » en France, en Espagne ou en Suisse, en ville, en milieu paysan et rural, en forêt. Ces mises en récit et mises en scène par l’enquête d’approche personnaliste et pragmatiste, l’entretien, le film, l’enregistrement, le dessin, la photographie ; puis au final par l’installation et le théâtre textuel, physique et musical, joué la plupart du temps sur des scènes occidentales ; participent de la co-construction d’un savoir spécifique, ici et ailleurs. Les paroles, les images et les gestes mises en scène s’efforcent de relayer et d’étudier des écosocialités et des cosmopolitiques toujours recomposées. Dans ce théâtre des singularités, ces cosmopolitiques « autochtones » sont documentées et s’expriment en effet en situation de bouleversements ou de glissements écologiques et culturels, qu’il s’agisse de pertes, de disparitions, de métamorphoses, de changements brutaux, d’inventions paysagères, langagières, corporelles, usagères, cognitives. Une anthropologie visuelle se construit làThis thesis exposes different experiences of building a participatory theater, led by the author and the collective of the GdRA from France between 2005 and 2021, on a multi-sited and transversal field in Japan, Madagascar, South Africa, in Guyana, on the island of Réunion, in various places said to bear "regional" languages in France, Spain or Switzerland, in towns, in peasant and rural areas, in the forest. These narratives are staged by the investigation of personalist and pragmatist approach, the interview, the film, the recording, the drawing, the photography; then finally by installation and textual, physical and musical theatre, performed most of the time on Western stages. They participate in the co-construction of specific knowledge, here and elsewhere. The words, images and gestures wich we chose to stage strive to relay and study ecosocialities and cosmopolitics that are always recomposed. In this theater of singularities, these "indigenous" cosmopolitics are documented and indeed express themselves in situations of upheaval or ecological and cultural shifts, whether losses, disappearances, metamorphoses, brutal changes, landscape, language, body, user, cognitive inventions. A visual anthropology is constructed there
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Foisil, Marylène Nadia. "Le corps : instrument du comédien : gestuelle et mimesis, empreintes et vecteurs socioculturels et historiques". Thesis, Strasbourg, 2012. http://www.theses.fr/2012STRAG043.
Abstract (sommario):
Le jeu est dans la comédie sociale et le comédien le transporte sur la scène. Les rôles dépendent de la structure de la société, de la place de l’acteur et de son individualité. Ils évoluent selon des facteurs extérieurs et intérieurs à l’humain. Certains acteurs s’approprient plus facilement leur rôle que d’autres, s’en défont pour en jouer un nouveau avec une aisance surprenante. Ils naviguent au sein de la société, épousent gestuelle et discours de chaque classe, abandonnent un costume pour en revêtir un autre. Ils s’engagent dans une nouvelle partie du jeu social, alors que d’autres n’en maîtrisent qu’une. Leur latitude est plus restreinte. Le théâtre est le domaine qui érige ce jeu des rôles en profession. Dès lors, l’interrogation sur la latitude du comédien à jouer requiert une contextualisation et appelle la question de l’inné et de l’acquis. L’humain joue-t-il d’emblée ou apprend-il à jouer et dans ce cas quelles étapes jalonnent cette formation? En tout premier lieu, le cadre afférent au théâtre dont nous parlons, à la société où il se développe et au corps qu’il met en jeu est posé. Ensuite, par une recherche théorico-empirique le corps est désarticulé et étudié dans ses dimensions anthropologique, anatomophysiologique, scénique. Par la suite, dans la sphère du corps en mouvement, le corps est exploré selon un processus de déconstruction-reconstruction par un aller-retour de la scène au quotidien menant vers une anthropologie théâtrale et un théâtre anthropologique. Enfin, le comédien est réintégré au coeur du corps social, dont il est membre, qu’il crée et qui le créeTheatrical play is present in everyday life and the actor recreates it on stage. The roles played depend on the social structure, the actor and his or her individuality. They evolve according to interior and exterior human factors. Some actors take on a role more easily than others, then let it go in order to play a new one with surprising ease. They move through society, melding gestures and speech patterns of each social class, dropping one costume for another. They are involved in a new part of the social game, while others only perfect one. The latter’s scope is more limited. The theatre is the arena that creates professional role players. Therefore, the examination of the scope of the actor requires a context and asks about what is innate and what is acquired. Does the human play impulsively or learn to play and if so, what are the steps in this training? First, the context and framework concerning the theatre, the society where it develops and the body type of actors is posited. Following a theoretical and empirical approach, the body is analysed and the anthropological, anatomical, and scenic dimensions are explored. Next, the body in movement is investigated according to a deconstruction-reconstruction process alternating between the stage and everyday life, leading to a theatrical anthropology and an anthropological theatre. Finally, in the last part of the research the actor is reintegrated into the heart of society, to which he belongs, that he creates and by which he is influenced
Das Spiel existiert in der sozialen Komödie und der Schauspieler bringt es auf die Bühne. Die Rollen hängen von der sozialen Struktur ab, von dem Platz des Schauspielers in der Gesellschaft und seiner Individualität. Sie entwickeln sich nach den äußeren und inneren Faktoren des Menschen. Einige Schauspieler eignen sich ihre Rollen leichter an als andere,befreien sich von einer Rolle um eine neue mit einer überraschenden Leichtigkeit zu spielen. Sie tauchen in die Tiefe der Gesellschaft ein, und übernehmen Gestik und Rede jeder Schicht, lassen ein Kostüm zurück um sich mit einem anderen zu kleiden. Sie engagieren sich in einer neuen Partie des Gesellschaftsspiels, während andere nur eine beherrschen. Deren Handlungsspielraum ist eingeschränkter. Das Theater ist der Bereich, der dieses Spielzum Beruf macht. Folglich erfordert die Frage nach dem Handlungsspielraum des Schauspielers eine Kontextbildung und wirft die Frage nach Angeborenem und Erworbenen auf. Spielt der Mensch aus eigenem Anlass oder lernt er zu spielen und welche Etappenmarkieren diese Ausbildung? Zuerst setzen wir die Rahmenbedingungen dieser theaterbezogenen Recherche fest: Umwelches Theater handelt es sich? In welcher Gesellschaft entwickelt es sich? Und welche/was für Körper wurden inszeniert? Dieser Körper wird sodann durch eine theoretische undempirische Forschung desartikuliert und in seinen anthropologischen,anatonomophysiologischen und szenischen Dimensionen erforscht. Durch einen Prozess der Dekonstruktion-Konstruktion vom alltäglichen Leben zur Bühne und vice versa wird der Körper erkundet. Daraus entsteht eine Theater Anthropologie und ein anthropologisches Theater. Zuletzt wird der Schauspieler in den sozialen Körper - dessen Mitglied er ist, den er kreiert und der ihn neuerschöpft - wieder integriert
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Dubos, Anne. "Quelle voix pour le théâtre ? : fabrication des corps et des identités : pour une étude du mouvement dans les théâtres contemporains au Kérala (Inde du Sud)". Paris, EHESS, 2013. http://www.theses.fr/2013EHES0521.
Abstract (sommario):
La complexité de la construction de l'objet "théâtre contemporain au Kerala" relève du fait que d'une troupe à l'autre, les metteurs en scène font usage des éléments traditionnels ou conteporains selon des modalités différentes. D'où ma question initiale: quelle voix pour quel théâtre? qui parle à travers quel corps? Alors que nombreux sont désormais les festivals ou événements qui réunissent praticiens ou amateurs de théâtre, dont la pratique s'assume aujourd'hui comme contemporaine, c'est toute la tension entre la pratique des arts traditionnels et celle des arts contemporains qui s'exprime à travers la politique culturelle locale (Tarabout, 1997). A travers le discours des spécialistes, assiste-t-on à une entreprise de légitimation culturelle ou à l'émergence d'une genre artistique nouveau? Car une fois les notions de "tradition" et d' "authenticité" posées en relation dialectique à celles de "modernité" et de "globalisation", les revendications des praticiens du théâtre contemporain peuvent, soit relever d'une quête de nouvelles valeurs ou référence culturelle, soit s'inscrire en droite ligne d'un discours identitaire. Sur la base de trois monographies comparatives, à partir du travail de trois groupes, j'ai cherché à entrer dans le coeur du problème de la transmission des traditions gestuelles à travers les différentes traditions dramartugiques du Kérala. Apercevoir les nouvelles pratiques théâtrales comme des "arts de faire" décrits par le travail de Certeau, me permet d'entrevoir les arts de la scène comme une mise en pratique de l'art narratif, où la construction de soi se fait par un discours, qui n'est pas essentiellement verbal mais se constitues également par des signes matériels (techniques du corps; scénographie, musique. . . )Performing arts are an integral part of Malayalee culture and malayalee identity. Nearly all of the existing study is focused on classical and folk forms, such as Kathakali and Theyyam, however there is a serious gap in our understanding of contemporary theater in Kerala. Contemporary theater can be thought as a kind of "hybrid cultural product", existing between traditional and modern forms; it refers both to the Natyashastra, as well as the modern contributions of figures such as Grotowski and Stanislavski. This research aims to trace new theatrical practices and scenographic techniques that have developed from the interplay of local "native" theater and contemporary performance aesthetics. To get an overview of contemporary malayalee productions, the fieldwork examined several theatre groups, by way of participatory observation, including: Lokadharmi in Cochin, Sopanam and Abhinaya in Trivandrum, and the Thrissur School of Drama. The differences in the motivations of these groups (regarding issues such as caste, class and gender) illustrate new paradigms that are at the core of local discourse on culture. Is there an invention of tradition? In this vein, we examine the dynamism of local cultural production and consumption. Since the way one moves can inscribe one's identity, we have to examine the elaboration of a body language. The body will be questioned, first, as the simple body of the performer. The extensive video and photographic work, while serving to document the production of the theatre groups, also became the source of some participatory experimentation. For example, the video projects allowed the performers to experiment with their own image and, in turn, integrate these creations into the scenographic design. The reflexive use of image taking made for a unique exchange of ideas between observer and performer
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Leclercq, Etienne. "La cérémonie du rire : pour une socio-anthropologie de la théâtralité des rapports sociaux et des rites". Paris 5, 1995. http://www.theses.fr/1995PA05H010.
Abstract (sommario):
Le propos théorique se fonde sur une observation participante d'un réseau de compagnies théâtrales, produisant des spectacles humoristiques et muets. Pour nous, la soirée au théâtre représente un lieu privilégié de la production de la théâtralité des rapports sociaux, dont la modélisation peut être appliquée à d'autres domaines. Il ressort de notre étude que, contrairement aux hypothèses d'E. Goffman et V. Turner, la théâtralité des rapports sociaux ne résulte pas seulement des interactions individuelles, mais aussi de la dynamique collective inscrite dans les villes, les réseaux d'artistes, et les normes protocolaires de la soirée au théâtreThe study is based on a systematic observation of humoristic and silent shows. The thesis positively states, in opposition to E. Goffman and V. Turner, that the theatrality of social relationships is not only the result of the individual interactions but also of the collective dynamic included in the cities, the networks and the formal tradition of the theatre
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Leucci, Tiziana. "Du Dâsî Âttam au Bharata Nâtyam : ethnohistoire d'une tradition chorégraphiqe et de sa moralisation & nationalisation dans l'Inde coloniale et post-coloniale". Paris, EHESS, 2009. http://www.theses.fr/2009EHES0382.
Abstract (sommario):
La thèse cherche à expliquer la transformation de la "danse des servantes [des dieux]" (Dâsî Âttam) en "danse de Bharata" (Bharata Nâtyam), dite "classique" et "nationale" en Inde. Le travail donne d'abord la parole à d'anciens maîtres de danse et danseuses de la tradition disparue, puis retrace l'histoire de la fascination occidentale pour les danseuses de temple indiennes du XIIIème au début du XXème siècle. Ces artistes étant aussi courtisanes, la fascination se doublait de jugements moraux, qui ont été intégrés par les Indiens occidentalisés. Après de longs débats légaux, ces réformistes ont aboli l'institution des "servantes des dieux" (devadâsi) à l'indépendance de l'Inde (1947). En Europe, celles-ci avaient donné naissance au personnage romantique de la bayadère, qui attira des danseuses occidentales en Inde. Leurs tournées y influençèrent un mouvement nationaliste de "sauvetage" de la danse, sous une forme "spiritualisée" et sanskritisée, par référence au traité du sage mythique Bharata. La thèse compare ensuite les pratiques actuelles de danse en Inde avec celles d'anciens maîtres de danse et danseuses de temple et de cour royale rencontrés. Nous abordons les techniques d'apprentissage, la question de l'utilisation des traités, de la performance d'un texte, ainsi que de l'esthétique correspondant aux formes anciennes et actuelles de danse en Inde. Nous reconstruisons enfin le "devoir statutaire" (dharma) des courtisanes-danseuses, en confrontant inscriptions médiévales, littérature tamoule et sanskrite et observations ethnographiques. Les devadâsi apparaissent ainsi comm des "danseuses rituelles", et non comme des "prostituées sacrées"The thesis analyses the transformation of an Indian choregraphic tradition called Dâsi Âttam, parcticed by a community of temple and court dancers (devadâsî and râjadâsî) and dance masters (nattuvanâr). In the 1930', this tradition has been changed into a hybrid form, baptised Bharata Nâtyam, claimed to be more "classical". The thesis demonstrates how, in the colonial and post-colonial periods, the agenda of western and Indian reformists constructed anew the artistic landscape of India. It starts with the interviews to the aged masters and masters met towards 1990, and then traces the history of the European fascination about Indian dancers and courtisans since the 13th century. This fascination was often accompanied by moral judgements, interiorized later by the westernized indian elite. After a century of legal debates, the institution of temple dancers was abolished in 1947. Meanwhile, the travelers' accounts had inspired European artists, who created the romantic character of the bayadère, and the "Hindu dancer" one after 1900. Members of the Indian aristocracy and nationalist elite attended operas in Europe, and also saw such western "Hindu artists in India after 1920. They got impressed by their mystical interpretation and decided "to save" Indian dances by "spiritualizing" it by the Nâtya Sastra sanskrit text, rediscovered in 1862. The thesis proceeds to compare the transmission by contemporary teachers with the one employed by the nattuvanâr, as the relations between text and performance. Finally, it analyses the statutary duty (dharma) of the courtisans-dancers by using medieval inscriptions, tamil and sanskrit literature, and ethnographic data
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Kolb, Matthieu. "Espaces dramatiques et postdramatiques dans le théâtre de célébration de Franck McGuinness". Caen, 2012. http://www.theses.fr/2012CAEN1648.
Abstract (sommario):
La thèse porte sur l’œuvre théâtrale du dramaturge irlandais Frank McGuinness, qu’il décrit lui-même comme « un théâtre de célébration ». Nous y interrogeons la nature et l’objet de ses célébrations théâtrales et démontrons qu’elles procèdent de la mise en tension de deux styles antinomiques, le dramatique et le postdramatique, et d’une approche phénoménologique de l’espace et de la représentation : elles peuvent ainsi se réaliser comme des rituels laïques utopistes célébrant des modalités d’expérience individuelle ou sociale, généralement irlandaise ou nord-irlandaise, qui transcendent les clivages identitaires culturels ou sexuels. Dès The Factory Girls (1982), l’auteur allie la structure agonistique et le cadrage fictionnel dramatiques à une esthétique carnavalesque et méta-théâtrale aux inflexions postdramatiques. Par ce biais, il met en œuvre, dans la plupart de ses drames, une dialectique matérialiste de démythologisation et de remythologisation d’expériences ontologiques et socio-historiques déchirantes, aliénantes ou traumatisantes. Observe the Sons of Ulster Marching Towards the Somme (1985) et Carthaginians (1988) révèlent que letraitement dramaturgique de la spatialité, associé à cette dialectique, au style dramatique et à l’esthétique carnavalesque, vise à susciter la liminarité et la choralité : les personnages manifestent des possibilités de communion anti-structurelle et de libération vis-à-vis d’idéologies patriarcales hégémoniques. Enfin, l’approche phénoménologique de la spatialité et de la relation salle/scène dans des pièces comme Mary and Lizzie (1989) souligne les aspects ritualistes postdramatiques et postbrechtiens du théâtre de célébration
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Négrel, Éric. "Théâtre et carnaval, 1680-1720 ˸ coutume, idéologie, dramaturgie". Thesis, Sorbonne Paris Cité, 2018. http://www.theses.fr/2018USPCA123.
Abstract (sommario):
La rencontre du théâtre et du carnaval est aussi ancienne que le carnaval lui-même. D’une part, les cérémonies et les comportements collectifs possèdent, en propre, une dimension spectaculaire ; d’autre part, les jeux dramatiques font partie intégrante du rituel. Dans la France d’Ancien Régime, les réjouissances du carnaval sont un temps fort du calendrier, qui occupe toute la société pendant plusieurs semaines, des Rois au Carême. Les comédies créées pendant cette période, au Théâtre-Italien, à la Comédie-Française, à la Foire Saint-Germain, se rattachent explicitement à la coutume et s’insèrent dans son cycle cérémoniel. Plus largement, tirant parti de cette proximité calendaire, les dramaturges recourent au langage symbolique du carnaval, à celui du charivari, pour inventer un système de représentation du réel qui en offre un mode d’intelligibilité spécifique. Une langue pleine d’équivoques scabreuses et de saillies ordurières, des lazzis outrés et obscènes, un univers fantaisiste et bouffon, des personnages extravagants et burlesques : les modèles comiques qui se développent, de 1680 à 1720, sont à rattacher à la culture carnavalesque et à son imaginaire mythico-rituel. Les croyances et les pratiques symboliques innervent la création dramatique et participent à la construction de son sens, en lien étroit avec le contexte historique dans lequel s’inscrivent les œuvres. Il convient de restituer à ce théâtre la dimension anthropologique qui est la sienne, si l’on veut accéder à sa raison esthétique. La comédie de mœurs offre alors un nouveau visage : représentant la société contemporaine comme un monde à l’envers sur lequel règnent des souverains parodiques, elle revêt des enjeux idéologiques et possède une portée politique. Parallèlement, c’est aussi le concept critique de « carnavalesque » qui apparaît sous un jour inéditThe meeting of theatre and carnival is as old as carnival itself. On the one hand, ceremonies and collective behaviour have a spectacular dimension in themselves; on the other hand, dramatic performance is an integral part of the ritual. In the early modern France, celebrating carnival was a key moment of the year, and kept the whole society busy for several weeks from Epiphany (or Twelfth Night) to Lent. The comedies created during that period at the Théâtre-Italien, at the Comédie-Française or at the Saint-Germain Fair, are explicitly related to the custom and fit into its ceremonial cycle. More generally, playwrights took advantage of the calendar proximity and used the symbolic language of carnival, that of charivari, to invent a system of representation of reality that offers a specific mode of intelligibility. A language full of lewd ambiguities and bawdy sallies, offensive, obscene lazzi, a fanciful, farcical universe, extravagant and burlesque characters: the comic models that developed, from 1680 to 1720, are to be related to the carnivalesque culture and to its mythical and ritual imaginary world. Symbolic beliefs and practices pervade the dramatic creation of that time and partake in the construction of its meaning, in close connection with the historical context within which the works are framed. It is necessary to restore their anthropological dimension to these plays to grasp their aesthetic purpose. The comedy of morals after Molière then offers a new face: as the plays represent the contemporary society as a world that has been turned upside down and that is ruled by parodic monarchs, they tackle ideological issues and have a political significance. It is also the critical concept of "carnivalesque" that appears in a new light
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Pasty-Abdul, Wahid Marianne. "Au plaisir de la déesse : le muṭiyēttu' du Kerala (Inde du Sud) : étude ethnographique d'un théâtre rituel entre tradition et modernité". Paris, EHESS, 2010. http://www.theses.fr/2010EHES0417.
Abstract (sommario):
Cette étude porte sur le muṭiyēttu', un théâtre rituel présenté dans certains temples situés dans le centre du Kerala, dédiés à la déesse Bhadrakali. Ce travail se penche sur les divers aspects de cette forme spectaculaire rituelle pratiquée dans le cadre du culte à cette déesse, à la fois actrice et bénéficiaire des performances. Il analyse le statut de ses praticiens au sein de la société locale et du culte dans les temples brahmanes, et le rôle et les modalités d'exécution du muṭiyēttu' dans son contexte religieux traditionnel. Il rend aussi compte des dynamiques qui parcourent la tradition et des modifications récentes de son contexte d'exécution dans le cadre de la segmentation des familles jointes, de l'extension des réformes agraires et de la restructuration de la gestion des temples. Pour les familles, qui appartiennent à des castes d'officiants de statut intermédiaire ayant le monopole du muṭiyēttu', ces bouleversements ont entraîné une nouvelle situation qui les met en compétition, chacune essayant de s'adapter selon sa vision de la performance. Elles sont également confrontées à de nouveaux types de patronages et à de nouvelles audiences profanes, dont les intérêts divergent de ceux des dévots qui, eux, viennent d'abord voir leur divinité et paient pour organiser les performances qui deviennent des offrandes votives. Au-delà des changements de fond et de forme, les praticiens ont toutefois une manière de concevoir leur office qui garantit en tout lieu et en tout contexte la présence de la déesse, et qui préserve la ritualité du muṭiyēttu'This thesis deals with a ritual theatre shown in various temples dedicated to the goddess Bhadrakali in central kerala. It considers the different aspects of this ritual spectacle performed to worship the goddess, both actress and beneficiary of these performances. It focuses on the performers' status within the local society and the cult in brahim temples, and analyses the theatre's place, the function and performing mode of muṭiyēttu' in its traditional religious context. The dynamics within the tradition are also highlighted, as well as the major changes the context of performance had to bear due to the administration. For these families, members of castes of medium status officiating people who have the monopoly of muṭiyēttu', these changes have led to a new situation that make them rivals and to which they are trying to adjust according to their vision of the performance. They also have to face new types of patronage and are confronted with new unreligious audiences whose interests are far from those of the devotees who come to meet their deity and pay to organise performances as ritual offerings. Beyond the changes in form and substance, the performers conceive their office in a way that guarantees the presence of the goddess, whatever the place and the context, thus preserving the rituality of the muṭiyēttu'
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Côté-Delisle, Sarah. "Le théâtre québécois destiné aux enfants : exploration de ses rapports à l'enfance". Thesis, Université Laval, 2006. http://www.theses.ulaval.ca/2006/23706/23706.pdf.
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Ho, Ai-Cheng. "Application du Taiji quan au jeu de l’acteur : conception et mise en pratique d’un training créatif". Electronic Thesis or Diss., Bourgogne Franche-Comté, 2022. http://www.theses.fr/2022UBFCC033.
Abstract (sommario):
Ma recherche théorico-pratique consiste en une étude portant sur l’application de la pratique et de la philosophie du Taiji quan dans la préparation de l’acteur et de la performance théâtrale.Ma thèse entend, d’abord, analyser comment la recherche d’une conscience supérieure par la pratique du Taiji quan répond au travail des metteurs en scène européens du XXe siècle jusqu’à aujourd’hui qui vise à stimuler la conscience créative de l’acteur. Puis je réfléchirai à la façon dont l’acteur parvient à substituer à sa conscience ordinaire une tout autre conscience durant le processus de son jeu, et j’essaierai de voir comment l’entraînement physique de l’acteur facilite cette transformation psychique. C’est pourquoi j’examinerai les méthodes les plus efficaces, et en particulier la technique psycho-physique du Taiji quan. Cette technique peut être envisagée et appliquée au jeu de l’acteur afin d’activer sa créativité et d’accroitre sa présence scénique, de manière à creuser l’écart entre lui-même et son personnage, et à développer sa vigilance réactive et sa perception spatio-temporelle.Mon étude s’appuie sur une enquête de terrain à Taiwan, en Chine et en France (pratique et entretiens avec des artistes et des experts du Taiji quan, du taoïsme et de la médecine chinoise), ainsi que sur ma propre pratique du théâtre et du Taiji quan. Mes expérimentations avec des acteurs français et dans différents ateliers m’ont amenée à explorer diverses techniques du Taiji quan pour élever la conscience de l’acteur à partir d’une articulation entre tradition et modernité, théorie et pratique. Mon but est d’élaborer un nouvel entraînement de l’acteur en fusionnant des méthodologies orientales et occidentales pour obtenir une haute performance de l’acteur sur scèneMy PhD research explores how Taiji quan can be applied as a valued tool to enhance the actor’s “creative self-awareness” and integrate it into the actor’s training. Taiji quan, a prominent practice in Chinese culture that fuses external exercise and internal technique, aims to coordinate and unify body and mind. Specially, I examine how the psychophysical technique of Taiji quan allows the actor to transfer his body-and-mind status to a higher level to increase his “scenic presence”, to maintain a “gap” between himself and his role to create universal emotions, and develop his perception with the outer world. In this way, I present how the actor elevates his consciousness to superior levels during the acting process and how the corporeal training of Taiji quan facilitates this transformation.The study aims to explore the diverse technique of Taiji quan in cultivating the actor’s consciousness through in-depth interviews, analysis of performances, the researcher’s practical experiences in theatre and Taiji quan, and experimental research with actors and theatre students. The study also endeavors to introduce this traditional practice into the domain of modern psychophysical acting, to develop a method that fuses Eastern and Western performance methodologies and enables actors to apply the technique to improve acting
Libri sul tema "Anthropologie et théâtre":
1
Schechner, Richard. Performance studies: An introduction. 2a ed. New York: Routledge, 2006.
2
Schechner, Richard. Between theater & anthropology. Philadelphia: University of Pennsylvania Press, 1985.
3
Kamal, Salhi, a cura di. African theatre for development: Art for self-determination. Exeter, England: Intellect, 1998.
4
Davis, Tracy C. Actresses as working women: Their social identity in Victorian culture. London: Routledge, 1991.
5
Kazubowski-Houston, Magdalena. Staging strife: Lessons from performing ethnography with Polish Roma women. Montréal: McGill-Queen's University Press, 2010.
6
Kazubowski-Houston, Magdalena. Staging strife: Lessons from performing ethnography with Polish Roma women. Montréal: McGill-Queen's University Press, 2010.
7
Schechner, Richard. Performance studies: An introduction. 3a ed. London: Routledge, 2012.
8
Robertson, Jennifer Ellen. Takarazuka: Sexual politics and popular culture in modern Japan. 3a ed. Berkeley: University of California Press, 2001.
9
Costa, Dia Da. Development dramas: Reimagining rural political action in Eastern India. New Delhi: Routledge, 2010.
10
Jennings, Sue. Theatre, ritual, and transformation: The Senoi Temiars. London: Routledge, 1995.
Capitoli di libri sul tema "Anthropologie et théâtre":
1
Nosal, Claude. "Les dits du chêne et du saule : le « palais de mémoire » d’un professeur de contes cinématographiques. Journal météorologique de l’esprit d’une maison de recherche (2009-2019)". In Témoignage, mémoire et histoire. Mélanges offerts à Jacques Walter, 341–63. Éditions de l'Université de Lorraine, 2023. http://dx.doi.org/10.62688/edul/b9782384510207/c22.
Abstract (sommario):
Ce journal météorologique de l’esprit, par référence au Journal de Henry D. Thoreau est organisé en plusieurs entrées, les « théâtres de mémoire » ou « rushes » en langage cinématographique, schémas concentriques et cités de l’imaginaire mis en scène dans les cycles « Anthropologie et Cinéma. Cinémas du réel et de l’invisible », empilés de telle façon que le lecteur puisse les consulter à sa convenance ou y puiser les éléments de son imaginaire. Cette exploration archéologique des images – qui séduisent, frappent, révèlent et nous asservissent – propose de rendre visite métaphoriquement à ma maison de recherche, à cette zone instable où la notion de temps se dilate à l’infini, où le réel se réduit en termes de possibilités, à un moment où tout peut disparaître, mais où tout est encore là, à portée de vue. Il s’agit d’avancer à reculons pour tenter de reprendre à rebours ces années avec sa sensibilité, ses fragilités, ses envies, ses refus, ses colères, ses chagrins, son discernement. Les mots du poète allemand Hölderlin servent de boussole : « Là où croît le danger croît aussi ce qui sauve ».
2
Fellague, Djamila. "Les archives archéologiques en France : généralités et quelques exemples lyonnais (en particulier sur le site « des théâtres »)". In Anthropologie et archéologie : musées, collections, archives. Éditions du Comité des travaux historiques et scientifiques, 2023. http://dx.doi.org/10.4000/books.cths.16548.
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Weselak, Afrodyta. "Ils ont besoin de quelqu’un qui les regarde. La fermeture des théâtres en Pologne en 2020 et la vie des comédiens pendant la pandémie". In L’Europe centrale face à la pandémie de Covid-19. De la transformation anthropologique vers la recomposition géopolitique, 74–88. University of Warsaw Press, 2022. http://dx.doi.org/10.31338/uw.9788323557623.pp.74-88.
Abstract (sommario):
Pandemic 2020 caused the shuttering of theaters. The article provides a historical overview of theater closures in previous centuries and presents new behaviors among actors. It describes the tendency to present performances online even if the theater's identity is to play with an audience. Social media has been used in the process, but the problem of digitizing European heritage was discussed years before the pandemic, also by the European Commission.