Thèses sur le sujet « Televisioni musicali »

La musica classica ha sempre fatto parte del mondo dell’intrattenimento fino ai giorni nostri. In epoca contemporanea però, con l’evoluzione tecnologica, questa ha perso sempre più popolarità fino a essere considerata di nicchia o adatta solo a un certo tipo di persone, con un alto livello di cultura o sofisticate. Questa viene anche percepita difficile l’attenzione richiesta e la complessità considerata non accessibile a tutti. Le industrie culturali oggi devono affrontare problemi di monetizzazione del proprio mercato molto più che in precedenza, a causa delle nuove piattaforme digitali, dei nuovi media e del cambiamento della fruizione del prodotto culturale. La volatilità del prodotto e il cambiamento delle pratiche sociali hanno portato a nuove strategie per ottenere un ritorno degli investimenti e degli sforzi di produzione. L’aumento pervasivo dell’utilizzo di internet e dei social media richiede nuove tecniche per contrastare la pirateria digitale, la percezione delle persone e con il loro coinvolgimento. Dopo una panoramica sul funzionamento e le problematiche dell'industria musicale, viene analizzato l'ambito della musica classica come genere di nicchia, con le sue caratteristiche e pratiche peculiari, con uno sguardo all’Italia. Dopo un confronto, viene esaminato cosa è cambiato nell’era digitale e se la musica classica è riuscita a utilizzare nuove strategie, ad adattarsi alle novità del settore e del pubblico, osservando alcune realtà internazionali rilevanti. Nell’ultima parte si prende in considerazione il periodo della pandemia di covid-10 iniziata nel 2020 e si osserva quali problematiche sono emerse e come ha reagito il settore, concentrandosi soprattutto sull’ambito della musica dal vivo e sul contesto italiano. Si conclude quindi con delle considerazioni sull’efficacia delle strategie adottate e sull’impatto positivo che hanno avuto i media digitali per promuovere la musica classica dovuto alla spinta tecnologica causata dalla pandemia.

A broad survey of musical theatre dance styles in film from 1935 to 1985 is used as background information for this creative project. Attention is paid to developments within the art form. The contributions of choreographers Busby Berkeley, Fred Astaire, Agnes de Mille, Gene Kelly, Michael Kidd, Bob Fosse, Jerome Robbins, and Michael Peters are discussed. A detailed description is included of the process involved in translating the film choreography to a stage performance. The film choreography was presented in a lecture demonstration format designed to give the audience a short synopsis of musical film history, then illustrate the information with a performed example.

Submitted by RAFAEL PAIVA ALVES null (rafael_paiva_alves@hotmail.com) on 2017-05-17T03:40:33Z No. of bitstreams: 1 DISSERTAÇÃO RAFAEL PAIVA ALVES - 16.05.2017.pdf: 6778986 bytes, checksum: 58a12b64489794068959eeb723d28e71 (MD5)
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Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES)
Essa dissertação tem por objetivo central analisar historicamente as interseções entre as indústrias fonográfica e televisiva, bem como, as possibilidades de abertura e manutenção de espaços na TV para a música mais alternativa as lógicas do mercado, tendo como eixo-central as relações sociais que tornaram possível a criação do programa musical televisivo A Fábrica do Som. Esta pesquisa buscou comprovar a hipótese de que A Fábrica do Som foi uma experiência televisiva contracultural e experimental que contribuiu para a difusão da música fora do mainstream, que só foi possível, devido ao contexto político cultural da época, bem como, por ter sido um projeto realizado entre duas instituições culturais sem interferências do mercado: a TV Cultura e o SESC. Contracultural, no sentido em deu espaço na TV Cultura às manifestações contra culturais, sejam elas através dos músicos, do público nas gravações ou mesmo da produção por levarem o produto ao ar, bem como se posicionarem, em diversas vezes, através de seu apresentador Tadeu Jungle, de maneira crítica frente à cultura dominante e aos valores de mercado nas artes e mídia predominantes do período. Experimental, na medida em que o musical iria romper com os valores de ordem estética na televisão propondo uma linguagem altamente criativa. O contexto político contribuiu ao musical uma vez que o processo de abertura trouxe esperanças democráticas às manifestações artísticas e midiáticas, e no âmbito cultural, conseguiu captar parte da produção musical alternativa e efetivar o projeto, via emissora pública com expertise nas produções musicais, sem incorrer às pressões comerciais de índices de audiência, e de formato televisivo, além do apoio da unidade do SESC Fábrica da Pompéia, que buscava legitimar-se, neste período, em São Paulo, enquanto instituição fomentadora de projetos alternativos. Nesta direção, esta pesquisa reflete sobre o campo televisivo brasileiro no início dos anos 80. Historia o gênero musical na história da televisão, quer em emissora pública, quer privada. Analisa as relações da TV Cultura tanto com o SESC Fábrica da Pompéia, com a Fundação Padre Anchieta, bem como com as gestões estaduais, enfatizando as continuidades e diferenças durante os governos escolhidos por eleição indireta segundo normas da ditadura militar, e o governo de Franco Montoro, eleito pelo voto direto em decorrência de medidas oficiais consonantes ao processo de abertura do regime militar. Aborda aspectos tanto da produção como do contexto social da recepção do musical. E por fim, objetiva analisar o material audiovisual propriamente dito do musical.
This dissertation aims to analyze historically the intersections between the phonographic and television industries, as well as the possibilities of opening and maintaining spaces in the TV for music more alternative to the logics of the market, having as central axis the social relations that have made possible to create the television program A Fábrica do Som. This research sought to prove the hypothesis that A Fábrica do Som was a countercultural and experimental television experience that contributed to the diffusion of music outside the mainstream, which was only possible due to the context cultural politics of the time, as well as being a project carried out between two cultural institutions without market interference: TV Cultura and SESC. Contracultural, in the sense in gave space in the TV Cultura to the manifestations against cultural, be they through the musicians, the public in the recordings or even of the production for taking the product to the air, as well as position themselves, in several times, through its presenter Tadeu Jungle, critically in the face of the dominant culture and market values in the prevailing arts and media of the period. Experimental, insofar as the musical would break with the values of aesthetic order on television proposing a highly creative language. The political context contributed to the musical since the process of openness brought democratic hopes to the artistic and mediatic manifestations, and in the cultural scope, managed to capture part of the alternative musical production and to effect the project, via public broadcaster with expertise in musical productions, without incurring commercial pressures of audience ratings and television format, as well as the support of the SESC Fábrica da Pompéia unit, which sought to legitimize, in this period, in São Paulo, as an institution that promotes alternative projects. In this direction, this research reflects on the Brazilian television field in the early 80's. History the musical genre in the history of television, whether in public or private broadcasters. It analyzes TV Cultura's relations with SESC Fábrica da Pompéia, with the Fundação Padre Anchieta, as well as with the state administrations, emphasizing the continuities and differences during the governments chosen by indirect election according to norms of the military dictatorship, and the government of Franco Montoro, elected by direct vote as a result of official measures consonant with the process of opening the military regime. It addresses aspects of both the production and the social context of the reception of the musical. And finally, it aims to analyze the audiovisual material proper of the musical.

La costruzione dell’identità culturale come problema centrale in contesti geografici periferici, vista dalla prospettiva che emerge dalla zona d’incrocio tra musica e produzione cinematografica nella regione del Río de la Plata, delimitata dalle due città capitali dell’Argentina e l’Uruguay. Verranno analizzate tre situazioni particolari: l’inserzione del tango nel cinema, in quanto elemento locale fortemente identitario, focalizzata sulla produzione di uno dei più noti compositori argentini del XX secolo, Astor Piazzolla, artefice del rinnovamento linguistico del tango e autore di numerose colonne sonore. A partire dal contesto culturale nel quale si inserisce la sua biografia musicale, si analizzeranno due film emblematici nella storia dell’Argentina, realizzati nell’importante momento storico della transizione dall’ultima dittatura all’attuale democrazia: Tangos­El exilio de Gardel e Sur (Fernando Solanas, 1985, 1988). L’arrivo del rock come genere musicale straniero nel contesto del Rio de la Plata negli anni Sessanta, le trasformazioni culturali che esso comportò viste attraverso la sua presenza cinematografica e la nascita del “giovanile” in quanto nuovo soggetto, centrale nello sviluppo della cultura di massa alle origini della globalizzazione. Il rapporto locale/globale nella costruzione di un “Rock Nacional” con caratteristiche identitarie proprie, in bilico tra produzione artistica e industria culturale. Si analizzeranno due film rappresentativi di questa svolta, che rendono conto di vari elementi chiave in questo processo: Nacidos para cantar (Emilio Gomez Muriel, 1965), El extraño de pelo largo (Julio Porter, 1969). L'interazione tra musica e cinema nel contesto della cinematografia nazionale nell’Uruguay (dallo sviluppo relativamente tardivo), le sue caratteristiche particolari e la sua funzione culturale nell’ambito di un paese condizionato dalle sue piccole dimensioni, peculiarità identitarie e limitazioni economiche, che nonostante questo configurano un particolare profilo culturale che incide sul contesto rioplatense e latinoamericano. A tal proposito, verrà analizzato un film di genere documentario incentrato sulla canzone d’autore uruguaiana: Hit (Claudia Abend, Adriana Loeff, 2009).
Cultural identity as a central problem in peripheral geographic contexts, from the perspective that emerges at the intersection of music and film production in the Río de la Plata region, bounded by the two capital cities of Argentina and Uruguay. Three specific situations will be considered: the usage of tango in cinema, as a strongly identifying local element, focusing on the production of Argentinian musician Astor Piazzolla, author of the linguistic renewal of tango, and composer of numerous soundtracks. Starting from the cultural context in which his musical biography is inserted, two emblematic films will be analyzed, regarding the historical transition from the last dictatorship to the current democracy in Argentina: Tangos­El exilio de Gardel and Sur (Fernando Solanas, 1985, 1988). The arrival of rock as a foreign musical genre in the context of Rio de la Plata in the sixties, the cultural transformations that it involved seen through its cinematographic presence, and the birth of "the young" as a new subject, central in the development of mass culture in the origins of globalization. The local/global relationship in the construction of a "Rock Nacional" with its own identity characteristics, poised between artistic production and cultural industry. We will analyze two films representative of this shifting point, which account for several key elements in this process: Nacidos para cantar (Emilio Gomez Muriel, 1965), El extraño de pelo largo (Julio Porter, 1969). The interaction between music and cinema in the context of national cinematography in Uruguay, its particular characteristics and its cultural function within a country conditioned by its small size, identity peculiarities and economic limitations which, despite this, form a particular cultural profile that affects the rioplatense and Latinamerican contexts. In this regard, a documentary film based on Uruguay's author song will be analyzed: Hit (Claudia Abend, Adriana Loeff, 2009).

La mia tesi analizza l'influenza del videoclip nel linguaggio del cinema hollywoodiano degli anni Ottanta. Si parte dal rapporto tra musica popolare e immagini filmate nel corso del Novecento fino ad arrivare al rock 'n' roll e ai primi esempi di video musicali, per poi parlare dell'utilizzo della musica pop nel cinema della New Hollywood. L'argomento principale sarà poi l'analisi dei cambiamenti economici e produttivi nell'industria dell'intrattenimento negli anni Ottanta e le caratteristiche linguistiche del cinema americano coevo. Si analizza il rapporto con il musical, il recupero del concetto di attrazione e il confronto con le teorie di Ejzenstejn. Infine si analizzano alcuni esempi per esplorare le possibilità espressive del videoclip all'interno di un film cinematografico. Si farà molta attenzione al montaggio e al modo in cui la musica pop può agire sulla struttura narrativa del film, evidenziando differenze e punti in comune con la tradizionale narratività del cinema hollywoodiano "classico".

Thesis (D.M.A.)--University of California, San Diego, 2008.
Title from first page of PDF file (viewed July 7, 2008). Available via ProQuest Digital Dissertations. Vita. Includes bibliographical references: P. 104-105.

La tesi que aquí es presenta està basada en una recerca sobre l'evolució en la narrativa audiovisual dels programes musicals periodístics en televisió per la qual hem aplicat una plantilla d'anàlisi narrativa que ens oferís una visió cronològica dels canvis i transformacions per les quals ha passat el format en les televisions públiques espanyola i catalana. Abans de dur a terme aquesta anàlisi s'ha construït un marc teòric que abasta dos terrenys fonamentals per parlar del periodisme musical en televisió: d'una banda, la història de la música popular urbana (internacional, nacional i catalana) des de l'arribada del mitjà i, per un altre, les relacions entre música i imatge. En aquesta segona part de la teoria no només hem volgut parlar de la importància de la televisió en la divulgació de la música popular urbana sinó també en la influència que han tingut altres mitjans i formats (tals com els fanzines, la ràdio, el videoclip o el cinema) en la història dels programes musicals de televisió; una història que hem escrit pràcticament des de zero (lloc que no existeix cap llibre o recerca prèvia que s'ocupi d'això més enllà d'alguna etapa de la història) aportant una classificació o tipologia d'aquests programes. D'aquesta forma hem dividit els programes musicals en televisió en diverses categories englobades en dos grans grups: programes periodístics i programes no periodístics, establint en aquest últim grup diferents subcategories que van dels xous de varietats als programes dedicats íntegrament a l'emissió de videoclips, la retransmissió de concerts i una sèrie de “inclassificables” que hem estimat suficientment rellevants quant a la relació de la música popular urbana i la televisió.
La tesis que aquí se presenta está basada en una investigación sobre la evolución en la narrativa audiovisual de los programas musicales periodísticos en televisión para la cual hemos aplicado una plantilla de análisis narrativa que nos ofreciera una visión cronológica de los cambios y transformaciones por las que ha pasado el formato en las televisiones públicas española y catalana. Antes de llevar a cabo dicho análisis se ha construido un marco teórico que abarca dos terrenos fundamentales para hablar del periodismo musical en televisión: por un lado, la historia de la música popular urbana (internacional, nacional y catalana) desde la llegada del medio y, por otro, las relaciones entre música e imagen. En esta segunda parte de la teoría no sólo hemos querido hablar de la importancia de la televisión en la divulgación de la música popular urbana sino también en la influencia que han tenido otros medios y formatos (tales como los fanzines, la radio, el videoclip o el cine) en la historia de los programas musicales de televisión; una historia que hemos escrito prácticamente desde cero (puesto que no existe ningún libro o investigación previa que se ocupe de ello más allá de alguna etapa de la historia) aportando una clasificación o tipología de dichos programas. De esta forma hemos dividido los programas musicales en televisión en diversas categorías englobadas en dos grandes grupos: programas periodísticos y programas no periodísticos, estableciendo en este último grupo diferentes subcategorías que van de los shows de variedades a los programas dedicados íntegramente a la emisión de videoclips, la retransmisión de conciertos y una serie de “inclasificables” que hemos estimado suficientemente relevantes en cuanto a la relación de la música popular urbana y la televisión.
This PhD dissertation is a research about the evolution in the audiovisual narrative of television musical programs. We have applied a template of narrative analysis that offers us a chronological view of the changes and transformations the format has experimented. Our study is limited to Catalan and Spanish public television. Before carrying out this analysis, we constructed a theoretical framework that covers two fundamental areas for talking about musical journalism on television: on the one hand, the history of urban popular music (international, national and Catalan) since the arrival of the medium. On the other hand, the relations between music and image. In this second part of the theory, we do not only talk about the importance of television in the popular urban music, but also in the influence of other media (such as fanzines, radio, music videos or cinema) in the history of television. Much of this research has been written from scratch -since there is no book or previous research that deals with it beyond some stage of history- by providing a classification or typology of such programs. In this way we have divided the musical programs in television in diverse categories encompassed in two great groups: journalistic programs and non-journalistic programs, establishing in this last group different subcategories that go of the shows of varieties to the programs dedicated entirely to the emission of music videos. It also includes the retransmission of concerts and a series of "unclassifiable" that we have considered sufficiently relevant in relation to urban popular music and television.

Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco
Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes
Made available in DSpace on 2018-08-08T14:30:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Luporini_MarcosPatrizzi_M.pdf: 1439777 bytes, checksum: 6e802a5a3f28acd9137c490c4f2faece (MD5) Previous issue date: 2007
Resumo: A pesquisa aqui apresentada tem por objetivo oferecer uma primeira análise acerca da utilização da música nos quatro telejornais diários exibidos em rede nacional pela Rede Globo, tanto no que diz respeito às aberturas e vinhetas que compõem a roupagem dos telejornais, como na sonorização das reportagens. Para tanto, a pesquisa se dividiu em uma primeira abordagem histórica do desenvolvimento do jornalismo audiovisual no Brasil, para, a partir dessa compreensão histórica, buscar entender os procedimentos atuais na inserção de música nos telejornais englobados, sempre tendo como ponto de partida a práxis interna da produção desses telejornais
Abstract: The purpose of this dissertation is to analyse the usage of music in four TV news programs daily broadcasted nationwide by Rede Globo. By looking into their opennings and headnews as well as the sound tracks used during the main news reports, the research sheds some light on the editorial procedures utilized to decide on the most appropriate sound track to accompany the news. The dissertation presents a historical research on the development of the audiovisual journalism in Brazil which served as a starting point for understanding the usage of music in the production of TV broadcasted news
Mestrado
Mestre em Multimeios

This thesis discusses the relationship between mockumentaries and the music industry. Because this subject has yet to be studied in depth, the original contribution to knowledge is to further examine this relationship. To do so, a literature review documenting what has thus far been written about mockumentaries is provided. This audiovisual strategy is also contextualized within contemporary practices. In the next section, the music industry is discussed in broad terms. Firstly, the relationship between cinema and music is addressed. Then, music is depicted as a cultural phenomenon, with recent issues also being brought to light. In the last chapter, four music-related mockumentaries are analysed. Then, extensive conclusions are drawn.
Esta tesis analiza la relación entre la industria de la música y los falsos documentales. Teniendo en cuenta que esta cuestión todavía no se ha estudiado en profundidad, la contribución original al conocimiento es centrarse en el análisis de esta relación. Para ello, una revisión de la literatura se proporciona, discutiendo lo que hasta ahora se ha escrito acerca de falsos documentales. Esta estrategia audiovisual también se estudia en el contexto de otras prácticas audiovisuales contemporáneas. En la siguiente sección, la industria musical es tratada en términos generales. En primer lugar se aborda la relación entre la música y el cine. A continuación, la industria de la música es analizada como un fenómeno cultural, y además se abordan cuestiones actuales. En el último capítulo cuatro falsos documentales relacionados con la música son analizados y por último se presentan una serie conclusiones.

Made available in DSpace on 2014-07-29T16:25:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 martha.pdf: 2005565 bytes, checksum: 23e2b18cc66b291512e9396a074eab55 (MD5) Previous issue date: 2009-03-30
This study is the result of observation of the television Fruit of the Earth, regional character, which is being produced in Goiania, twenty-five consecutive years. Achieving the overall goal of making a critical analysis and reflective linking the program and its regional proposal in the context of globalized society Goias, and the implications assigned to this context, they acquired this registration form, in which they are exposed to exploitation and Goias indigenous culture, especially music. Therefore, considerations are made on the regional cultural events that the program airs, including traditional and particularly the music, in the process of globalization, including the issue of cultural hybridity and cultural specificities of identifications in the news. The study is systematic in three chapters, s endo that makes each chapter a specific approach, based on the thought of Edgar Morin, the complexity. A reflection on the program Fruit of the Earth gives up way of thinking fragmented portnato, do not take the object apart from its context. It was observed, and the program Fruit of the Earth for a period of eighteen months, was considered the responses obtained in the interviews, we sought in the theoretical studies by social theorists - Hall, Bauman and Canclini - and researchers in the field music - Ulhôa, Nepomuceno and Pimentel. These agents have cultural enlightening replies to the questions that arise during the research. The procedures are found in each chapter of the research. In the first chapter, the discourse is presented by globalization and its issues. The second is devoted exclusively to country music roots, its origin, the transformation in that song now, considering the result of hybridity and cultural reflection of the identifications of Goias. The third chapter presented in detail, the program. It presents the history of the program, a detailed description of some recordings of that program and a summary of the opinions of the individuals: artists, viewers and program staff. In this chapter the reader is shown the importance of the fruits of the earth for society Goiana, since it proposes the recovery, preservation and indigenous culture of Goiás
Este estudo é fruto da observação do programa de televisão Frutos da Terra, de caráter regional, que vem sendo produzido em Goiânia, por vinte e cinco anos ininterruptos. Atingindo o objetivo geral de realizar uma análise critica e reflexiva relacionando o programa e sua proposta regionalista no contexto globalizado da sociedade goiana, bem como as implicações conferidas a esse contexto , adquiriu-se o presente registro impresso, no qual se encontram expostos a valorização e o resgate da cultura goiana, em especial a musical. Portanto, são apresentadas considerações sobre as manifestações culturais regionais que o programa leva ao ar, entre elas as tradicionais e, particularmente, as musicais, dentro do processo da globalização, abrangendo a questão do hibridismo cultural e as especificidades das identificações culturais na atualidade. O estudo está sistematizado em três capítulos,s endo que cada capítulo perfaz uma abordagem específica, tendo como base o pensamento de Edgar Morin, a complexidade. A reflexão em torno do programa Frutos da Terra renuncia a forma de se pensar fragmentada, portnato, não se tomou o objeto separado de seu contexto. Observous-e o programa Frutos da Terra por um período de dezoito meses, considerou-se as respostas obtidas na realização das entrevistas, buscou-se o embasamento teórico em estudos realizados por teóricos sociais - Hall, Bauman e Canclini - e por pesquisadores no campo da música - Ulhôa, Nepomuceno e Pimentel. Esses agentes socioculturais deram respostas esclarecedoras para os questionamentos surgidos no decorrer da pesquisa. Os procedimentos realizados são reconhecidos em cada capítulo da pesquisa. No primeiro capítulo, o discurso apresentado é o da globalização e suas questões. O segundo dedica-se exclusivamente à música sertaneja raiz, sua origem, as transformações pelas quais essa música passou, considerando-a consequência do hibridismo e reflexo das identificações culturais do goiano. O terceiro capítulo apresentada detalhadamente, o programa. Nele é apresentada a trajetória do programa, a descrição pormenorizada de algumas gravações desse programa e uma síntese das opiniões dos sujeitos entrevistados: artistas, telespectadores e funcionários do programa. Neste capítulo é mostrado ao leitor a importância do programa Frutos da Terra para a sociedade Goiana, uma vez que ele propõe a valorização, a preservação e o resgate da cultura de Goiás

La experiencia de esta investigación nos permite entender la práctica de la referenciación empleada por los musicalizadores actuales como un fenómeno que puede ser explorado para servir de soporte al cliente o agencia creativa en su intención de comunicar atributos a través de la música como recurso publicitario en el spot de TV. En ese sentido se explora las dificultades y prácticas aplicadas por el musicalizador para interpretar lo que el cliente o agencia creativa pretenden expresar a nivel musical determinándose la siguiente hipótesis: “En el tratamiento de la música no existe una guía práctica (criterio conceptual) a nivel expresivo entre el musicalizador y el cliente o la agencia creativa, de modo que puedan definir los atributos a comunicar en el spot”. En base a la observación de este fenómeno publicitario se realizó la exploración bibliográfica, acerca de la música y su cualidad expresiva (estados anímicos y sentido imitativo) su relación con la publicidad, el campo audiovisual y la semiótica. La metodología empleada parte del análisis de tres spots-objeto de estudio3, seleccionados por su calidad artística y formas de musicalizar posibles frente a la imagen. En base a la bibliografía recogida se desarrolló un cuestionario para entrevistar a los musicalizadores de los spots así como una plantilla de análisis a nivel audiovisual y semiótico. Con los resultados se diseñó una guía de referenciación para musicalzar (GRPM) la cual fue validada con cuatro casas de audio adaptando la guía al proceso de creación del musicalizador en el campo publicitario real. Como resultado la guia GRPM permite referenciar musicalmente a nivel expresivo cada sentimiento o representación según su característica musical, considerando la imagen como parte del spot (producto audiovisual). La guia entonces reduce la ambigüedad de los atributos a comunicar para producir un producto de calidad estética a nivel publicitario y audiovisual, y que a su vez cumpla los objetivos de marketing planteados. Finalmente esta guía fue catalogada por las casas de audio contactadas como un buen comienzo para entender el trabajo del musicalizador en su proceso creativo marcando nuevas prácticas hacia la musicalización del spot en la televisión que encontraría un espacio de desarrollo en el ámbito académico.
Tesis

Esta investigación busca brindar un mejor entendimiento de los consumidores de medios audiovisuales coreanos. Además, de analizar e identificar qué elementos hacen de los K-Dramas y videos musicales de K-Pop sean tan atractivos para el público juvenil peruano que pertenece a la comunidad Hallyu en Lima que se forma a partir de la recepción de contenidos audiovisuales coreanos. Por otro lado, busca saber cómo y en qué medida los productos audiovisuales, en este caso coreanos, son capaces de influir en la construcción de identidades y promover la socialización en este público en específico.
This research seeks to provide a better understanding of the consumers of Korean audiovisual media. In addition, to analyze and identify what elements make the K-Dramas and K-Pop music videos so attractive to the Peruvian youth audience that it belongs to the Hallyu community in Lima that it is formed from the reception of Korean audiovisual content. On the other hand, it seeks to know how and to what extent audiovisual products, in this case Koreans, are able to influence the construction of identities and promote socialization in this specific audience.
Tesis

Este trabajo ha tenido como objetivo comprender cómo se está representando el género en la actualidad en los contenidos musicales emitidos por televisión. En cierto modo se ha continuado la línea de los trabajos que, desde mediados de los años 80, han analizado el formato estrella de televisiones musicales fórmula como MTV y BET, el videoclip. Sin embargo, este estudio se ha interesado por la programación musical de televisiones generalistas, desplazando así el interés del videoclip, un producto publicitario de producción externa, a un formato más propiamente televisivo, sometido a las rutinas productivas de una cadena. El estudio se ha centrado en televisiones de carácter público. La mayor relevancia social y, en ocasiones, económica, así como su mayor compromiso con la representación no discriminatoria de las personas han contribuido a esta decisión. Las televisiones de la muestra de este estudio son las operantes en España, el Reino Unido y los Estados Unidos. La exploración se ha llevado a cabo en torno a tres magazines informativos culturales: “Miradas” (RTVE), “The Culture Show” (BBC) y “Sunday Arts” (PBS). Se ha utilizado una herramienta metodológica que combina un análisis de contenido con énfasis en lo cualitativo con entrevistas en profundidad mantenidas con miembros de la dirección de los programas de la muestra. Para el análisis de contenido se han propuesto y testado una extensa serie de categorías de estudio centrados en códigos periodísticos, musicales, visuales, sonoros y retóricos. Se han encontrado evidencias de sesgos de género en la representación de los hombres y las mujeres en los contenidos musicales estudiados. Este desequilibrio está articulado en relación a factores como los géneros y subgéneros musicales, los géneros periodísticos y las rutinas televisivas. Este trabajo se ha llevado a cabo dentro del Grup de Recerca en Imatge, So i Síntesi (GRISS), en el Departament de Comunicació Audiovisual i Publicitat de la Universitat Autònoma de Barcelona, entre 2009 y 2012. Parte del trabajo de campo se realizó durante una estancia de investigación en el Department of Media, Culture and Communication de la New York University (2011). Se ha contado con financiación de la Generalitat de Catalunya, a través de becas de investigación (FI) y desplazamiento para investigación (BE-DGR). La investigación ha estado, además, enmarcada en dos proyectos de investigación financiados a nivel ministerial (I+D 2006 y 2009).
This work has had as its main objective understanding the way in which gender is being portrayed nowadays on music contents broadcast in television. In a way, the line of the works which since the ‘80s approached the music video, star format of around-the-clock music television stations such as MTV and BET, has been followed. Notwithstanding, this study has centered its interest around the contents of general-programming television channels, the focus thus shifted from the music video, a promotional vehicle externally produced, to a format more strictly related to television and submitted to the routines of a television station. The work has taken into account public broadcasters. The highest social and, often, economic relevance of these television networks, as well as their more profound commitment to the non-discriminatory portrayal of individuals have contributed to this strategic decision. The sample televisions in this study are the public broadcasters working in Spain, the USA and the UK. The field work has been undertaken in relation to three cultural news magazines: “Miradas” (RTVE), “The Culture Show” (BBC) and “Sunday Arts” (PBS). A methodology tool has been put to use, which combines qualitative-stressing content analysis with in-depth interviews maintained with editorial directing members of the sampled shows. In relation to the content analysis, an extensive series of categories of study has been proposed and tested, with focus on television journalism codes, musical codes, visual and sound codes and rhetoric codes. Evidences of gender differences in the portrayal of women and men have been found in the music contents of the mentioned television shows. This imbalance is articulated in relation to factors such as music genre, journalism genres and television routines. This work has been developed from Research Group on Image, Sound and Synthesis (GRISS), at the Department of Audiovisual Communication and Advertising of Universitat Autònoma de Barcelona, between 2009 and 2012. A research stay was conducted in the Department of Media, Culture and Communication de la New York University (2011). Funding for this research has been provided by Generalitat de Catalunya, both through a pre-doctoral research fellowship (FI 2008) and a research stay fellowship (BE-DGR 2010). Furthermore, this research has been included in two framework research funded through the Spanish Ministry (I+D 2006 and 2009).

The fact that silent cinema is not to be considered just as a precursor to sound cinema, in an evolutionary sense, is today well acknowledged. The studies of scholars such as Tom Gunning, André Gaudreault, Richard Abel, Noël Burch and Charles Musser have moreover invited to consider what the “silent era” harbored not just as another cinema than the “sound” one, but as a number of “other” ways to conceive cinema, each one of them needing an accurately different approach, whatever is the chosen perspective (historiographical, aesthetic, sociologic, etc.) to look at them from. However, it is strange how one of these perspectives seems to be reluctant in accepting this awareness towards the silent production. It is the musical perspective: even if studies that deal with silent film music according to the specific features of the different languages of the silents have been developed indeed (most notably, the ones by Rick Altman), they nonetheless remain a minority. The panorama of discourses about film music, as of 2010, can still include authoritative contributions saying that «almost nothing has changed from the beginnings to present days» in the general way in which music interacts with moving images. Signs of this attitude are to be found even in the field of film preservation. Film archives devoted to silents, in fact, do not often accompany their film collections with pertinent music collections. There are, of course, meaningful exceptions, like the silent music collections at the Library of Congress or at the MoMA, or the Eyl/Van Houten Collection at the Nederlands Filmmuseum. But they are, precisely, exceptions. This situation apparently clashes with the need for «painstaking historical research» that Rick Altman recommends to be at the core of contemporary studies on silent films. A research done within an archive of silent film, in fact, is likely to be incomplete on the side of music and sound practices. Musicians of the silent era interacted with films by staying at the side of the screen, in the shadows next to the light of the projector: it is quite ironic how the discourse on their music, now, is again confined in a “shadow” – a metaphoric one, though - which borders with the “light” of the modern studies on silent cinema, but cannot proficiently interact with it. «It is time», as Altman said, «to include sound in silent cinema’s historiographical revival». A complete silent film music archive should be at the interface between a music library and a performing arts collection. Written scores, during the silent era, were a minority: the greatest part of the musical practice was instead based on cue sheets, compilations, repertoires, or even improvisations –which cannot of course have left any trace outside occasional accounts from audience members or the performers themselves. Moreover, practices of non-musical sonorization where often complementary to and concurrent with music performances: so, there is an evident need to keep record of them too. In addition to that, it must be remembered that, especially since the 1980 Thames Television presentation of Abel Gance’s Napoléon, reconstructed by Kevin Brownlow with new music by Carl Davis, the repertoire of the music for the silents started to grow again. In the last 30 years, the venues where silent film are screened in a way respectful of historical practices multiplied, as well as the production of appropriate music accompaniments founded on complete scores, but also, again, on cue sheets and improvisations, just like during the actual silent age. It seems reasonable for this “new” tradition of music for silents to be preserved alongside the historical documents which are its origin and source of inspiration. My Ph. D. thesis uses these considerations as a premise to reconstruct and study a special and circumscribed collection of silent film music: the repertoire played at the international silent film festival Le Giornate del Cinema Muto from 1982 to present days. The accuracy shown by this festival in the presentation and divulgation of silent film music practices provides in fact a solid ground for a project of this kind. In addition to that, Le Giornate have already expressed, in 2009, the intention of having such an archive developed in Pordenone, after a suggestion I advanced during the XI Collegium organized by the festival. The thesis is divided into two parts. The first one includes an introductory chapter, where problems about the archival preservation of musical sources pertinent to silent film music are discussed; then, a first chapter deals with an outline of the history of music for silent films, choosing a non-linear approach based on the insurgence of musical practices more than on a chronological succession; finally, the first part is concluded by a chapter describing the aesthetic of music for silent films, comprehensive of a review of the pertinent literature and a description of the audiovisual strategies used by the composers. The second part is the repertoire of the music that has been performed live at Le Giornate del Cinema Muto on the basis of written scores. 115 films are listed following the 29 editions of the Festival, with full filmographic information. Each film is accompanied by a short analysis of the main audiovisual strategies. The sources of this research are mainly the audiovisual recordings of the screenings at le Giornate del Cinema Muto preserved at La Cineteca del Friuli, Gemona. Other details have been collected through conversations (in person or via email) with some of the authors of the music: Gillian B. Anderson, Neil Brand, Günter A. Buchwald, Philip Carli, Antonio Coppola, Berndt Heller, Stephen Horne, Maud Nelissen, Donald Sosin and Gabriel Thibaudeau.
Il fatto che il cinema muto non possa essere considerato un mero precursore del cinema sonoro, secondo una logica «biologica e teleologica», è oggi ampiamente riconosciuto. Le riflessioni di studiosi quali Tom Gunning, André Gaudreault, Richard Abel, Noël Burch e Charles Musser hanno inoltre invitato a considerare il muto non solo come un altro cinema rispetto al sonoro, ma come un sistema di pratiche cinematografiche concorrenti ed essenzialmente diverse da quella del sonoro, decisamente mal raccolte sotto l’etichetta generica “cinema muto”. Ciascuna di queste maniere cinematografiche, numerose e dall’identificazione e denominazione controversa– cinematografia-attrazione, cinema dei primi tempi, cinema primitivo, ecc. – necessita di distinti strumenti d’analisi, quale che sia il punto di vista (storiografico, estetico, sociologico, ecc.) scelto per studiarla. È tuttavia strano come uno di questi possibili punti di vista si stia ancor oggi dimostrando piuttosto riluttante nell’accettare tale genere di consapevolezza nei confronti del muto. Si tratta del punto di vista musicale. È vero che non sono mancati gli studi teorici capaci di trattare la musica per il cinema muto tenendo conto della molteplicità e delle differenti necessità dei linguaggi visivi di quell’epoca: Rick Altman ha in particolare offerto alcune delle riflessioni più interessanti in tal senso. Ma tali riflessioni sono rimaste una minoranza. Il panorama dei discorsi sulla musica per film nel 2010 è ancora in grado di accogliere contributi importanti che tuttavia non differenziano le strategie audiovisive del sonoro da quelle del muto, sostenendo che nella maniera generale in cui la musica interagisce con l’immagine in movimento «poco o nulla è cambiato dalle origini ad oggi». Segni di questa tendenza si riscontrano persino nell’ambito della preservazione dei film. Gli archivi cinematografici attivi nella conservazione del muto, infatti, raramente accompagnano le loro collezioni con archivi paralleli destinati alla documentazione relativa alla musica. Esiste, bisogna riconoscere, la consapevolezza dell’importanza che i documenti musicali possono avere nelle operazioni di restauro e preservazione dei film. Esistono inoltre casi particolari di raccolte di musica per il muto gestite in sinergia con archivi di film, come le collezioni di musica per il muto conservate alla Library of Congress di Washington, DC, o al Museum of Modern Arts (MoMA) di New York, oppure la Eyl/Van Houten Collection presso il Nederlands Filmmuseum. Ma si tratta di eccezioni: e fino alla fine degli anni ’80 in effetti non esistevano significative raccolte di musica per il cinema muto al di fuori di quella del MoMA. Questo stato delle cose sembra in apparente contrasto con la necessità di una «ricerca storica coscienziosa» che Altman raccomanda parlando dell’approccio contemporaneo al muto. Infatti, allo stato attuale delle cose, una ricerca sul muto svolta in un singolo archivio rischia plausibilmente di essere molto carente sul versante delle pratiche sonore e musicali. Durante l’epoca del muto, i musicisti interagivano con i film restando accanto allo schermo, nell’ombra vicina alla luce del proiettore. È piuttosto ironico come oggi i discorsi sviluppati attorno alla loro musica siano nuovamente costretti in un’“ombra” – metaforica, stavolta – che sta ai confini della “luce” costituita dai moderni studi sul cinema muto, senza però poter ben interagire con essa. «È tempo», come ha scritto Altman, «di includere il suono nella rinascita storiografica del cinema muto». Un archivio della musica per il cinema muto dovrebbe porsi all’intersezione tra una biblioteca musicale ed una collezione di materiali legati alle arti performative. Le partiture scritte, durante l’epoca del muto, erano infatti una minoranza: la maggior parte della pratica musicale si fondava su cue sheet, compilazioni, repertori o improvvisazioni – che non possono aver lasciato alcuna traccia al di fuori di occasionali resoconti di membri del pubblico o degli stessi musicisti. In più, pratiche di sonorizzazione non musicali erano spesso concomitanti e complementari alle esecuzioni: esiste dunque una chiara urgenza di preservare anche qualsiasi tipo di documentazione parli di esse. In aggiunta a ciò, occorre ricordare che, almeno dalla presentazione del 1980 del Napoleon di Abel Gance prodotta da Thames Television, che ha mostrato il film ricostruito da Kevin Brownlow con una nuova musica di Carl Davis, il repertorio della musica per il muto ha cominciato a crescere di nuovo. Negli ultimi trent’anni, i luoghi dove i film muti vengono proiettati in maniera rispettosa di pratiche musicali storiche si sono moltiplicati, assieme alla produzione di partiture, cue sheet e improvvisazioni. Sembra ragionevole offrire a questa “nuova” tradizione di musica per il muto un posto accanto ai documenti che ne sono origine ed ispirazione. La mia tesi di dottorato utilizza queste considerazioni come premessa per ricostruire e studiare una collezione particolare e circoscritta di musica per il cinema muto: il repertorio di partiture eseguite al Festival internazionale Le Giornate del Cinema Muto, dal 1982 al 2010. L’accuratezza filologica dimostrata da tale Festival nella presentazione e nella divulgazione delle pratiche musicali del muto offre infatti una solida base per studi di questo genere. Inoltre, Le Giornate del Cinema Muto hanno già espresso, nel 2009, l’intenzione di fondare concretamente un archivio come quello sopra descritto, in seguito ad un suggerimento da me avanzato nel corso del XI Collegium di studi organizzato dalla manifestazione. La tesi è divisa in due parti. La prima include un capitolo introduttivo, dove vengono discussi problemi riguardanti la conservazione archivistica delle fonti musicali pertinenti alla musica per il muto; dopodiché, un primo capitolo tratta della storia della musica per il muto, scegliendo un approccio non lineare guidato dallo sviluppo delle pratiche musicali, e non da una consequenzialità cronologica; infine, la prima parte si conclude con un capitolo descrivente l’estetica della musica per il muto, nel quale si offre una rassegna della letteratura sull’argomento ed una descrizione delle strategie audiovisive utilizzate dai compositori. La seconda parte presenta il repertorio della musica che è stata eseguita a Le Giornate del Cinema Muto sulla base di partiture scritte. Si tratta di un elenco di 115 film, coprente la 29 edizioni del Festival e completo di informazioni filmografiche. Ogni scheda di film è accompagnata da una breve analisi delle principali strategie audiovisive. Le fonti di questa ricerca sono principalmente le registrazioni audiovisive delle proiezioni a Le Giornate del Cinema Muto conservate presso La Cineteca del Friuli, Gemona. Altri dettagli si sono ottenuti tramite conversazioni (di persona o tramite email) con alcuni degli autori delle musiche: Gillian B. Anderson, Neil Brand, Günter A. Buchwald, Philip Carli, Antonio Coppola, Berndt Heller, Stephen Horne, Maud Nelissen, Donald Sosin e Gabriel Thibaudeau.

La recherche présentement menée porte sur la musique en direct à la télévision. Elle se décompose en deux temps : la construction théorique de l’objet en question, puis l’analyse de programmes télévisés impliquant la musique à la fin des années cinquante et au début des années soixante. La phase d’édification théorique débute par un parcours disciplinaire transversal (convoquant la musicologie, les théories du son au cinéma, la sociologie et les sciences cognitives) afin de cerner au mieux les contours du phénomène musical [chap. 1] ; la musique est ensuite réévaluée dans une perspective sémiotique, placée au cœur d’un processus de communication [chap. 2] ; le phénomène est enfin ancré dans son contexte proprement télévisuel à travers l’analyse des spécificités audiovisuelles de la télévision [chap. 3], l’étude des usages possibles de la musique dans cet univers [chap. 4], et une réflexion menée sur la généricité [chap. 5]. Le versant de l’analyse repose tout d’abord sur une étude des manières dont la télévision s’adresse à son/ses téléspectateur(s) [chap. 6]. Sont abordées ensuite les questions relatives à la présentation de musique, sur un plan sémiotique puis pragmatique [chap. 7]. Enfin, une place est accordée à la « musicalisation » des programmes [chap. 8]. Une telle réflexion, sur les conditions de mise en œuvre de la musique dans le direct télévisuel, est susceptible d’apporter une meilleure connaissance de la télévision d’antan, tout en éclairant par contraste les programmes contemporains et les émissions à venir
The research undertaken focuses on music in live television programmes. It is divided in two parts : the theoretical construction of the topic, then the analysis of television programmes involving music during the late fifties and the early sixties. The theoretical construction starts with a cross disciplinary approach (summoning musicology, cinematographic sound studies, sociology and cognitive sciences) so as to better understand the musical phenomenon [1st chapter] ; music is then reassessed in a semiotic perspective, situated in the centre of a communication process [2nd chapter] ; the phenomenon is, at last, evaluated in a televised context through the analysis of the audiovisual particularities of television [3rd chapter], the study of the various potential uses of music in this particular context [4th chapter], and an analysis of genericity [5th chapter]. This aspect of the research is, first of all, devoted to a study of the different ways in wich television applies to its viewer(s) [6th chapter]. Then questions are raised concerning the presentation of music, in a semiotic and a pragmatic context [7th chapter]. And finally, a chapter is devoted to the “musicalisation” of programmes [8th chapter]. Such an analysis, on the conditions under which music operates in live television, may contribute to a better understanding of early television, while at the same giving added meaning to contemporary and future programmes

Avec l’apparition des chaînes musicales au début des années 1980, l’industrie musicale investit massivement dans la production de clips vidéo. Pour répondre à la forte demande de clips, de nombreux réalisateurs venant aussi bien de la télévision, de la publicité, que du cinéma mirent tous leur talent au service de ce nouveau format télévisuel. C’est dans ce contexte que différents artistes visuels furent également sollicités ou proposèrent leur service pour réaliser différents clips. Au début des années 1980, le clip apparut à certains artistes comme le format idéal pour diffuser leurs images à la télévision. Il leur permettait par sa diffusion à la télévision de toucher un plus large public que celui des musées ou des galeries d’art. Pour d’autres, le clip fut un format d’expérimentation mais aussi un prolongement possible pour leur pratique artistique. Ainsi cette étude se propose d’analyser une partie de la production de certains artistes plasticiens souvent ignorée par les historiens de l’art et les critiques. À travers leurs travaux artistiques, certains artistes construisirent au contraire une critique et interrogèrent le format tout en remettant en question la pop culture diffusée à la télévision. Si la création de MTV fut une date fondatrice dans l’histoire du clip vidéo, vingt-cinq ans plus tard, l’avènement de YouTube et des sites de partage de vidéos dès 2005 marqua un grand changement dans la production mais aussi dans la consommation de clips vidéo. Nous verrons que cela entraina de nouveaux usages pour les utilisateurs pour les artistes qui s’emparèrent des contenus disponibles pour les détourner
With the advent of music channels in the early 1980s, the music industry invested heavily in the production of music videos. To meet the high demand of music video, many filmmakers from television industry, advertising, cinema put their talents in this new TV format service. It is in this context that different visual artists were also requested and proposed their services to direct different music videos. In the early 1980s, the clip appeared some artists as the ideal format to distribute their images on television. It allowed them by its broadcast on television to reach a wider audience than museums or art galleries. For others, the clip was an experimental format, but also a potential extension to their artistic practice. So this study will analyze some of the production of certain visuals artists often ignored by art historians and critics. Through their artworks, some artists built instead a critique and questioned the format while challenging pop culture broadcast on television. If the creation of MTV was a funding event in the history of the music video, twenty-five years later, the advent of YouTube and in 2005 marked a big change in production but also in consumption of music videos. We will see that it led to new uses for Internet users and for artists who took possession available content to divert it

Questo lavoro intende dimostrare in quali modi e tramite quali strumenti la produzione di videoclip sia cambiata nel corso degli anni attraverso le sue trasformazioni nei campi della distribuzione, della legislazione e dei finanziamenti al videoclip. Comprendere cosa voglia dire oggi produrre un videoclip significa constatare come questi tre macro-argomenti abbiano influenzato, secondo diverse sfaccettature, i budget e gli investimenti monetari da parte delle case discografiche. Inoltre, non si vuole dare un giudizio sulla natura stilistica dei videoclip o fare una critica su quelli che stilisticamente si avvicinano a una bellezza cinematografica, ma affermare che una buona produzione e un discreto budget, uniti a una buona collocazione distributiva e l’uso di finanziamenti pubblici e privati, può far sì che il videoclip sia ancora un mezzo remunerativo, sia a livello economico sia a livello di immagine dell’artista. L’obiettivo principale, quindi, del videoclip è riferito alla sua funzione sociale e non alla finalità economica; l’engagement tra artista e audiece non comporta un ritorno ecnomico, ma un guadagno sociale, di immagine e di fidelizzazione perché un’artista, che sia un cantante, un attore o un qualsiasi performer nell’industria dell’entertainment, è possibile assimilarlo a un brand, a un’azienda che ha bisogno di “fedeli seguaci” che supportino il prodotto, il quale, in questi casi, coincide con la persona stessa.

Cette thèse étudie la configuration télévisuelle de l’identité arabe moderne à travers un des programmes phares de la chaine satellitaire libanaise LBC-Sat : la Star Academy Middle East. Elle interroge, d’un côté, les motivations et les contraintes institutionnelles et commerciales qui orientent le processus de création de sens à la télévision et se penche, de l’autre, sur le produit fini qui porte en lui les traces des tensions et des confrontations qui ont accompagné sa conception. Elle cherche à décoder la représentation de l’arabité proposée par la chaine libanaise dans un contexte régional instable, marqué par des bouleversements profonds. Les télévisions satellitaires panarabes, reflets des nouvelles technologies qui ont inondé le marché régional à une vitesse déconcertante à partir des années 1990, ont, en effet, entrainé une contraction de l’espace et du temps oriental ainsi qu’une abolition symbolique des frontières. Elles ont permis aux citoyens arabes, urbains comme ruraux, locaux comme de la diaspora, de s’informer, en temps réel, sur l’actualité arabe et mondiale et d’interagir avec des individus proches et lointains. Elles ont, de ce fait, facilité l’émergence d’un réseau d’échange horizontal et d’un espace public transnational qui a fait renaitre de ses cendres, mais sous une forme distincte, le rêve d’unité arabe. À travers leur discours dirigé vers la « rue arabe » et orienté par des considérations plus économiques que politiques, elles ont, d’une part, fragilisé les régimes autocratiques en place, en les dépossédant de leur monopole historique sur les médias, et de l’autre regroupé, à l’échelle internationale, un ensemble d’individus partageant les mêmes convictions, les mêmes attentes ou les mêmes centres d’intérêt. En accélérant l’autonomisation des opinions publiques par rapport aux idéologies officielles, elles ont obligé les régimes arabes à se repositionner vis-à-vis de ces producteurs de sens à l’influence grandissante. Leurs discours, qu’il soit inspiré d’une rhétorique islamique ou libérale s’élabore dans une sphère publique chargée de sens et de références et s’expose à des critiques qui témoignent de l’imbrication du politique, du religieux et du culturel dans le secteur médiatique arabe. La LBC-Sat, chaine satellitaire généraliste libanaise, née de l’association entre des entrepreneurs libanais et saoudiens, a intégré cette arène symbolique en 1996. Fille de la LBCI, la télévision la plus populaire du pays des Cèdres — celle qui représente, aux yeux des téléspectateurs arabes, l’essence de la culture libanaise — elle a très tôt affiché sa volonté de séduire l’audience régionale à travers une narration qui se démarque de celle de ses concurrentes. Constituée d’un mélange d’émissions à l’esthétique occidentale, au contenu audacieux, et au ton libéré et souvent frivole, sa programmation prend ses distances vis-à-vis des conservatismes régionaux et dénote une volonté de configurer une représentation différenciée de l’identité arabe, proche d’une conception singulière de l’identité libanaise, porteuse, selon les termes des idéologues du Liban moderne, d’une mission civilisatrice auprès des pays arabes et d’un pouvoir de conciliation entre les deux cultures occidentale et orientale. Les émissions de la LBC-Sat témoignent de son rôle autoproclamé de trait d’union entre ces deux mondes et participent à populariser cette vision auprès du public arabe. Son plus grand succès transnational, l’adaptation orientale de la télé-réalité d’Endemol Star Academy, montre, en effet, qu’il est possible d’imposer cette image dans l’imaginaire collectif régional à travers la construction d’un discours sur la jeunesse orientale, caractérisé par son d’hybridité et sa position à mi-chemin entre le global et le local
This thesis studies the representation of modern Arab identities through one of the most influential reality shows in the Arab World: Star Academy Middle East.It seeks to understand the strategic and ideological discourse over Arabism constructed by one of the leading Lebanese satellite channel in the MENA region: LBC-Sat.Through the study of both the professional and commercial context of emergence of this discourse, as well as a qualitative content analysis of the first four seasons of the show, it tries to understand its rationale as well as its impact in the Arab World.We believe that this narrative is unfolding in an arena of controversies where a multitude of positions regarding Arab identities are debated. Indeed, since the establishment of the first Arab satellite channels that led to a prosperous television industry, a pan Arab public sphere arose. TV shows became political fields in which opinions were exposed and theories regarding political and social issues were considered. The once monopolistic control over media contents of authoritarian regimes gave way to a more liberal environment, where citizens were given the chance to participate in the debates framing there lives. Today, Arab satellite channels act as a lightning rod for what is known as “New Arabism”, a sense of belonging to an imagined community that is no longer imposed by a higher power but developed by the base. With their liberal aesthetic and messages that oppose those of more conservative Arab televisions, Lebanese channels play a crucial role in redefining Arab identities. Their discourse, inspired by a cultural and ideological interpretation of Lebanon’s position in the Arab world, translates into a plea to rebuild bridges between the East and the West. As a symbolic object composed of hybrid forms and ideas, Star Academy Middle East echoes this position

Negli ultimi anni stiamo assistendo, in svariati campi, a un sempre più vasto utilizzo di tecnologie che utilizzano quella che viene comunemente chiamata “intelligenza artificiale”. Anche il settore audiovisivo, da sempre recettore di novità e incline a evolversi continuamente, sta già vivendo quei processi che lo porteranno a essere rivoluzionato da questo tipo di tecnologie. In un periodo di frenetico progresso scientifico è difficile riuscire a fissare nel tempo e su carta lo stato attuale dello sviluppo tecnologico, dato che ciò che oggi viene considerato come novità domani potrebbe già essere stato superato. È necessario, quindi, uno strumento che riesca a catalogare, se non tutte, almeno le più importanti rivoluzionarie tecnologie d’intelligenza artificiale che hanno investito il mondo della produzione artistica e delle industrie culturali. Uno studio approfondito è dedicato, in particolare, all’industria cinematografica. Dopo una breve introduzione di carattere storico, vengono descritti i principali tipi di rete neurale artificiale e la loro evoluzione. Sono poi delineate e descritte le principali tecnologie d’IA applicate all’elaborazione, comprensione e generazione automatica o assistita d’immagine e testo. Ancora più nel dettaglio sono osservate alcune soluzioni tecnologiche che interessano le varie fasi del processo di produzione cinematografica, come la fase di scrittura e analisi della sceneggiatura, quella di editing e montaggio video, così come quelle riguardanti l’implementazione di effetti visivi e la composizione musicale. Il testo risulta essere, da un lato, una fotografia sul passato che ha interessato lo sviluppo delle tecnologie d’IA, dall’altro uno strumento che illustra il presente così da aiutarci, se non a predire, almeno a non trovarci completamente impreparati di fronte agli sviluppi futuri che interesseranno sia la produzione audiovisiva che, in senso più ampio, la nostra vita di tutti i giorni.

Superati «novant’anni d’impazienza» e dopo un lungo periodo votato all’autocommento e all’esplorazione delle proprie intenzioni, Raffaele La Capria ha raccolto le sue opere in due Meridiani curati da Silvio Perrella. La Capria ne ha celebrato l’uscita nella prolusione inaugurale di Salerno Letteratura, poi confluita nel breve autoritratto narrativo "Introduzione a me stesso" (2014). In questa sede, l’autore è tornato su alcuni punti essenziali della sua riflessione sulla scrittura, come la relazione, reciproca e ineludibile, fra tradizione e contemporaneità. All’epilogo del «romanzo involontario» di una vita, La Capria guarda retrospettivamente alla propria esperienza come ad un’autentica educazione intellettuale. Perciò, muovendo da un’intervista inedita del 2015, riportata integralmente in appendice, la tesi ha l’obiettivo di ricostruire l’apprendistato letterario di La Capria dai primi anni Trenta, quando l’autore ancora frequentava il ginnasio, fino all’inizio dei Sessanta, quando ottenne il premio che ne avrebbe assicurato il successo. Il percorso, che riesamina l’intera bibliografia lacapriana nella sua varietà e nella sua stratificazione, si articola in una serie di fasi interdipendenti: la partecipazione indiretta alle iniziative dei GUF (intorno alle riviste «IX maggio» e «Pattuglia»); l’incursione nel giornalismo e l’impegno culturale nell’immediato dopoguerra (sulle pagine di «Latitudine» e di «SUD»); l’attività di traduttore dal francese e dall’inglese (da André Gide a T.S. Eliot); l’impiego alla RAI come autore e conduttore radiofonico (con trasmissioni dedicate a Orwell, Stevenson, Saroyan e Faulkner); la collaborazione con «Il Gatto Selvatico», la rivista dell’ENI voluta da Enrico Mattei e diretta da Attilio Bertolucci; e le vicende editoriali dei suoi primi due romanzi, “Un giorno d’impazienza” (1952) e “Ferito a morte” (1961), fino alla conquista dello Strega. La rilettura dell’opera di uno scrittore semi-autobiografico come La Capria, attraverso il costante riscontro di fonti giornalistiche, testimonianze epistolari e documenti d’archivio che avvalorano e occasionalmente smentiscono la sua versione dei fatti, diventa allora un’occasione per immergersi nella sua mitografia personale e avventurarsi in territori finora poco esplorati: come la ricostruzione del suo profilo culturale, a partire dal milieu in cui La Capria vive e opera, o l’incidenza delle letture e delle esperienze giovanili sulla sua prassi letteraria.

Qual è il ruolo del videoclip nell’attuale sistema dei media? Come è cambiata, se è cambiata, la sua estetica e come questo cambiamento si fa rivelatore di un rinnovato contesto economico e produttivo? Esiste una specificità italiana? E se sì, quanto questa è frutto di precise coordinate culturali e quanto, al contrario, di una semplice ristrettezza del mercato di riferimento? Il presente lavoro parte da queste domande e da altre che mi sono posto e che ho segnalato lungo il discorso. I grandi mutamenti che rapidamente sono in atto nel paesaggio mediatico pongono la necessità di capire che cosa sta cambiando e che cosa sta permanendo.

碩士
國立臺北教育大學
音樂學系碩士班
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The purpose of this study was to understand the Taoyuan County youth’s behavior and motivation of watching television musical talent show as well as the degree of music learning motivation. The differences of participants in various backgrounds were tested as well.. This study adopted questionnaire to collect data , and the researcher designed " Questionnaire on TV musical talent show and music learning motivation of youths " as a research instrument. Students who were 12-18 years old attending public high school in Taoyuan County were sampled as research participants. A total of 720 questionnaires were distributed with the return rate of 100%, excluding 78 invalid questionnaires, a total of 642 copies of valid questionnaires were collected. Data were analyzed in frequency distribution, percentage, mean, standard deviation, independent sample t test, one-way analysis of variance (oneway ANOVA) and Post hoc verification (Schèffe method), The results were as follows: (a) Taoyuan County youths viewing behavior and motivation of the TV musical talent show was not high. (b) In music learning motivation ofTaoyuan County youths, Affective aspect was the highest while,Value aspect was the lowest. (c) Various backgrounds ofTaoyuan County youths had significant differences in behaviors and motivations of viewing TV musical talent shows. Girls were significant higher than boys, high schools were significant higher than junior high, County cities were significant higher than townships. However, backgrounds did not make any significant difference in music learning motivation. (d) Taoyuan County Youths with various backgrounds showed significant differences in music learning motivation in gender, levels, school location, and music learning backgrounds. The results showed that girls were significant higher than boys, junior high school students were significant higher than high school students, school located in county cities were significant higher than those in township. Music learning background either outside or in schools only made significant differences in aspects of Expectancy and Value but not Affective aspect. According to the results of the study, recommendations were made for Young students, educators, schools, parents and future researchers. Keywords: Music learning motivation, Television musical talent show, Youth

"This project embraces a combination of cultural studies and historical approaches in an examination of the emergence of audiovisuality through developments in recording technologies (particularly those that separated and attempted to re-synchronise sounds and images) near the end of the nineteenth and into the early/mid-twentieth centuries." -- abstract

Esta tese consiste numa abordagem etnomusicológica da produção musical nos primórdios da televisão em Portugal, de 1956 a 1964. Enquadrada no período do Estado Novo, procura compreender o modus operandi da criação de conteúdos musicais na Radiotelevisão Portuguesa (RTP) numa perspetiva interna, analisando o trabalho desenvolvido na estrutura da empresa, e externa, observando a sua relação com o meio cultural, social e político, nacional e internacional. Foca-se nos programas produzidos pela RTP com a presença dos músicos no momento da ação, transmitidos em direto ou em diferido. Inclui também programas produzidos fora do âmbito televisivo, tais como teatro, cinema ou publicidade. A análise da documentação interna da RTP, da imprensa escrita, da legislação, bem como os dados recolhidos em entrevistas realizadas a profissionais da empresa em funções na época, dotam a presente investigação de um corpus documental vasto, diversificado e importante para o enquadramento e compreensão da temática em análise. A partir de uma perspetiva etnográfica, indispensável devido à ausência de imagens em movimento da época, a análise documental permitiu conhecer a programação musical televisiva: músicos, reportórios, horários, duração e classificação dos programas. A reconstituição das grelhas de programação permitiu conhecer a presença musical nos ecrãs, demonstrando que só uma visão abrangente possibilita o conhecimento das influências a que este tipo de trabalho criativo estava sujeito. A metodologia seguida - que se pretende interdisciplinar abarcando a etnomusicologia histórica, a sociologia, os estudos televisivos e os estudos dos media – na reconstituição da programação musical e na análise do modus operandi da produção, expõe uma série de dados importantes não só para compreender o trabalho de construção de conteúdos televisivos associados à música, como o meio musical em Portugal nas suas diversas dimensões; demonstra que o conhecimento da produção musical televisiva é indispensável para a compreensão da música em Portugal na segunda metade do século XX.
This is an ethnomusicological approach to music production in the television context of the early days of television in Portugal, from 1956 to 1964. Framed in the period of Estado Novo, it seeks to understand the modus operandi of the creation of musical contents in Portuguese Radiotelevision (RTP), both from an internal perspective, analysing the work developed within the company structure, and external, observing its relation with the cultural environment, in its social and political, national and international dimensions. The present investigation focuses mainly on RTP’s programs with the presence of the musicians at the time of the action, broadcast live or pre-recorded. It also includes programs produced outside the television sphere, such as theater, cinema or advertising. The analysis of RTP’s internal documentation, of the written press, legislation, as well as data collected in interviews with professionals of the company in office at the time, endow this investigation of a vast and important documentary corpus for framing and understanding the thematic under analysis. From an ethnographic perspective, mandatory due to the absence of moving images of the time, documental analysis allowed to know the musical programming: musicians, repertoires, schedules, duration and classification of programs. The reconstitution of the programming grids allowed to know the musical presence in the screens, showing that only a comprehensive view allows the understanding of the influences to which this type of creative work was subject. The methodology followed - intended to be interdisciplinary, encompassing historical ethnomusicology, sociology, television studies and media studies – in the reconstitution of musical programming and analysing the modus operandi of the production, presents a series of important data which allow for new insights both regarding the work of building television content associated with music and the musical medium in its various dimensions. It demonstrates that the knowledge of television musical production is indispensable for the understanding of music in Portugal in the second half of the twentieth century.

L’omniprésence de la musique populaire dans le paysage médiatique contemporain fait en sorte qu’il est fréquent de retrouver la même chanson dans plusieurs trames sonores. En s’appuyant sur des théories de l’intertextualité et de la communication, ce mémoire cherche à définir la relation qui s’établit entre deux ou plusieurs oeuvres narratives et / ou interactives partageant une chanson, ainsi qu’à appréhender les effets de ces recontextualisations multiples sur l’expérience spectatorielle et vidéoludique. Le premier chapitre examine les principales fonctions narratives et ludiques de la musique à l’aide d’une synthèse des principaux travaux sur la musique de film, de télévision et de jeu vidéo. Le deuxième chapitre interroge la notion de référence dans le contexte des usages répétés d’une même chanson populaire. Le concept d’interférence musicale est proposé à partir de différentes déclinaisons du terme « interférence » issues des travaux de Michel Serres, Sébastien Babeux et Philip Tagg. Les assises théoriques sont appliquées à l’analyse des trajectoires médiatiques respectives de deux chansons aux chapitres trois et quatre. La figure du réseau est finalement déployée afin d’illustrer la complexité des relations entre les œuvres intégrant une même chanson à leur mise en scène.
Given the pervasiveness of popular music in the contemporary media landscape, it is not unusual to find the same song in multiple soundtracks. Based on theories of intertextuality and communication, this thesis seeks to define the relationship which develops between two or more narrative and / or interactive works that share the same song, and to understand the effects of such recontextualizations on the spectator’s and gamer’s experience. The first chapter reviews the narrative and ludic functions of music with a summary of major works on film, television and video game music. The second chapter questions the notion of reference in the context of repeated uses of the same popular song. The concept of musical interference is proposed using different variations on the term « interference » derived from the works of Michel Serres, Sébastien Babeux and Philip Tagg. The theoretical framework is applied to the analysis of the media trajectories of two songs in chapters three and four. Finally, the complex relationships between works incorporating the same song to their narrative are illustrated with the figure of the network.

碩士
國立臺灣大學
音樂學研究所
103
This paper is discussing Elife Mall’s “tsiok- kám- sim” Television Advertising Series. Trying to point out a important factor in analyzing Musical Multimedia Works. That is “The target consumer”. In the past days, Musicological circle talking music as “pure music”. But its criticize by people later. So there are some scholar theorized analyzing of musical multimedia. Nicholas Cook and Lawrence Zbikowski are the most Representative. Cook’s theory is more related with advertising. He’s focusing on the relating between mediations. For instance, contest, conformance or contradiction. But in Elife Mall’s television advertising, target consumer is a very important factor to influence the meaning constructing of advertising. For this reason, this paper takes Elife Mall’s “tsiok- kám- sim” Television Advertising Series as an example. Analyses the plot, music, and the image in the advertising. And point out the important factor in the advertising, “the target consumer”. Then suggest and supplement Cook’s musical multimedia theory.

Esta dissertação parte do estudo de adaptações portuguesas de três formatos reality pop — The Voice, Ídolos e Factor X —, transmitidas durante os anos de 2003 a 2015, para questionar de que forma o ideal de estrelato musical é negociado e concretizado através de práticas de produção televisivas — nas suas dimensões actuais de articulação com práticas de interactividade direccionadas para diversas plataformas de comunicação. Ao longo da dissertação, os casos analisados são discutidos e problematizados segundo uma abordagem materialista e partindo de uma análise das intersecções entre dimensões internacionais e nacionais / regionais do fenómeno da reality television e dos reality pop programs; dos processos organizacionais e das práticas concretas que ocorrem ao nível dos espaços de ensaio e gravação televisiva; do papel de agentes específicos nessas práticas, segundo o seu posicionamento na organização económica da produção dos talent shows — concorrentes, audiências, voice coaches, produtores de conteúdos online, etc —; das narrativas e de processos de construção de narrativas que procuram representar o percurso de progresso dos concorrentes, em direcção ao ideal de estrelato musical.
This dissertation questions how the ideal of musical stardom is negotiated and accomplished in the television production practices — in its recent dynamics that articulate interactivity practices oriented towards different communication platforms — by analysing three reality pop formats’ Portuguese adaptations broadcasted from 2003 to 2015 — The Voice, Ídolos and Factor X. Throughout the dissertation, the analysed case studies are discussed and problematised following a materialistic approach and by examining the intersections between reality TV’s and reality pop programs’ internacional and national / regional dimensions; the organisational processes and concrete practices that occur in the rehearsal and recording spaces; the role occupied by that practices’ specific agents, considering their position in the economic organisation of talent shows’ production — contestants, audiences, voice coaches, online content producers, etc —; the narratives and the narratives’ developing processes that try to represent the contestants’ journey of progression towards the ideal of musical stardom.

O presente documento constitui o relatório do estágio efetuado na produtora de áudio e imagem Digital Mix Música e Imagem, Lda., no contexto da componente não-letiva do Mestrado em Artes Musicais. Este descreve as atividades observadas e realizadas no local de estágio, no contexto de pós-produção áudio, bem como os projetos de caráter individual produzidos no âmbito de pós-produção áudio e produção musical. O objetivo do estudo é comparar as metodologias utilizadas para a formação do objeto sonoro, especialmente a comparação dos processos de mistura em função do género, concretamente para o estudo, produtos do meio audiovisual e música. O relatório caracteriza-se pela descrição dos projetos acompanhados e produzidos no local de estágio, complementado pela revisão da bibliografia referente ao campo da pós-produção áudio e produção musical, e a reflexão acerca dos resultados obtidos. Concluiu-se que os processos e elementos que caracterizam uma mistura são semelhantes entre os objetos dos géneros abordados, e que o trabalho de produção áudio representa uma fusão entre a parte técnica a ser realizada, a audição do técnico de áudio e a criatividade singular de cada produtor. Os resultados alcançados tiveram um caráter ainda superficial em relação ao esperado, sendo necessário mais trabalho de pesquiza e prática de produção áudio, para poder definir mais concretamente a diferenciação do processo de mistura em função do objeto sonoro.
This document constitutes the report of the traineeship accomplished at the audio and image producer Digital Mix Música e Imagem, Lda., in the contex of the nonteaching component of the Master Degree on Musical Arts. The report describes the activities followed and produced in the internship, in the context of audio postproduction, as well as the individual projects produced in the scope of audio postproduction and musical production. The aim of the study is to compare the methodologies used in the shaping of the sound object, enphasizing the comparison of the mixing processes in function of genre, concretely to this study audiovisual products and music. The report features the discription of the projects followed and produced in the internship, complemented by the literature review refering to the field of audio postproduction and musical production, and the reflexion of the acquired results. It is concluded that the processes and elements that characterizes the mixing are similar in audiovisual and musical objects, and the work of audio production represents the fusion of the techniques, the audition by the audio professional, and the unique creativity of each producer. The achieved results are still superficial in relation to expected, being necessary more research work and the practice of audio postproduction to be able to define more accurately the differentiation of the mixing process according to the sound object.

A chamada library music, uma designação internacional, é atualmente utilizada em inúmeros conteúdos audiovisuais, constituindo um recurso musical essencial para produtores, uma indústria musical com uma importante presença online, e uma fonte de rendimentos com uma crescente relevância para compositores. Apesar da utilização desta música pré-existente ser cada vez mais significativa e diversificada nos seus destinos (desde documentários e telejornais a vídeos de youtube e pornografia), esta produção musical é ainda pouco investigada, sem que haja um questionamento aprofundado dos aspetos que levam à sua depreciação e reputação de música estereotipada e “enlatada”. A classificação de library music segundo emoções, instrumentação ou géneros de produção, entre outros, é uma prática transversal aos sites nos quais é comercializada. Partindo desses processos de categorização como principal objeto de estudo, exploro o papel de relevo que assumem as categorias, títulos, palavras-chave e descrições que acompanham estas faixas musicais, nomeadamente: qual o seu peso aquando da composição de library music e da aplicação desta em filmes de todo o tipo; até que ponto são esses textos um reflexo e, simultaneamente, um reforço de convenções musicais e narrativas presentes em produções cinematográficas e televisivas, constatáveis já no contexto do cinema mudo; e de que modo contribui a sua classificação padronizada para os juízos de valor negativos de que esta produção musical é alvo, ao destacar a sua organização estrutural em torno de categorias tipificadas, bem como a sua relação incontornável com clichés musicais recorrentes em produtos audiovisuais. Focando a categorização desta música nas plataformas online Audio Network e Cézame, companhias de alcance internacional, circunscrevome ao momento de produção de library music e às interações entre os consultores musicais e os compositores dos sites. Realizei para tal entrevistas a estes intervenientes, uma análise dos textos dos sites e das faixas musicais, e utilizei um enquadramento teórico informado pela sociologia da música e pela produção bibliográfica sobre a música no audiovisual. A observação dos processos de categorização efetuados pelas duas companhias visadas, com especial enfoque nas categorias relativas a locais, emoções e narrativas, revela o quão a produção e difusão de library music se encontra estreitamente ligada à procura das indústrias audiovisuais. Permite, também, demonstrar o grau de estandardização e cristalização destas categorias entre diferente sites, independentemente da localização geográfica dos seus consultores musicais, compositores e utilizadores, posicionando-se assim como um reflexo de um imaginário audiovisual cada vez mais global.
Library music, as internationally designated, is currently used in countless audiovisual contents, thus becoming an essential musical resource for media producers, a music industry with a growing online presence, and an increasingly relevant source of revenue for composers. Although the use of this pre-existing music is rapidly gaining more significance and more varied uses (from documentaries and television news to pornography and Youtube videos), this musical production is still under-researched, lacking an in-depth questioning of the aspects that lead to its devaluation and reputation as stereotyped and “canned” music. Library music’s categorization according to emotions, instrumentation or production genres, among other possibilities, is a practice common to every site in which it is currently commercialized. Taking these classification processes as main object of study, I explore the relevant role played by the categories, titles, keywords and descriptions of library music tracks, namely: their importance during the composition and use of this music in any kind of films; to what extent those texts are a reflection and, simultaneously, a reinforcement of widespread narrative and musical conventions in cinema and television productions, already present in the context of silent movies; and in what ways these systematic classifications contribute to the negative value judgments aimed at library music, by highlighting how fundamentally it is organized around standardized categories and recurrent musical clichés in audiovisual products. Focusing on this music’s categorization in the sites of Audio Network and Cézame, two companies with an international reach, I specifically address the moment of production of library music and the interactions between the music consultants and the composers working for these companies. For that purpose, I conducted interviews, analysed the sites’ texts and music tracks, and used a theoretical framework based on the academic literature of music sociology and of music in audiovisual productions. The observation of the classification processes carried out by these two companies (with a special focus on the categories relating to places, moods and narratives) reveals how closely the production and dissemination of library music is tied to the demands of audiovisual industries. It also demonstrates the degree of standardization of these categories between different sites, independently of the geographic location of their music consultants, composers and users, thus positioning library music as a reflection of increasingly global audiovisual imaginaries.