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Articles de revues sur le sujet « Sculpture – XXe siècle »

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Auteur : Grafiati
Publié le 18 mai 2024

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Tsagkari, Nikoleta. « Isabelle Waldberg, sculpteur (1911-1990) : une trajectoire émancipée ». Source(s) – Arts, Civilisation et Histoire de l’Europe, no 8-9 (19 octobre 2022) : 119–40. http://dx.doi.org/10.57086/sources.304.

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Résumé :
Isabelle Waldberg, sculpteur : une trajectoire émancipée – Isabelle Waldberg (1911-1990), sculpteur franco-suisse inscrite dans le courant de l’abstraction, appartient à une lignée d’artistes femmes dont le travail est encore peu étudié et reconnu par les historiens de l’art du XXe siècle. Sa production sculpturale présente un large éventail de thèmes traités, de techniques appliquées et de matières employées. Aussi bien artiste qu’intellectuelle, Isabelle Waldberg a réalisé des recherches approfondies en sciences humaines, qui ont alimenté systématiquement son travail plastique et lui ont réservé une place importante dans le paysage artistique et intellectuel de son époque : du Collège de Sociologie de Georges Bataille au cercle des surréalistes exilés à New York pendant la Seconde Guerre mondiale, elle a côtoyé des grandes personnalités de son temps et a développé dans sa sculpture, un univers esthétique singulier, jonglant entre figuration et abstraction. L’objectif de cet article est de démontrer, à travers des moments marquants de son parcours et des principes fondamentaux de son travail, comment une artiste femme de cette génération qui resta souvent à l’ombre de ses collègues masculins, a su s’émanciper sur un plan créatif mais aussi intellectuel et s’est forgé une identité artistique et une vision de la sculpture qui lui sont propres.
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2

Lapacherie, Jean-Gérard. « Artiste ou artisan ? » Figures de l'Art. Revue d'études esthétiques 7, no 1 (2003) : 41–57. http://dx.doi.org/10.3406/fdart.2003.1266.

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Résumé :
Dans les années 1920, le linguiste Ferdinand Brunot établit, dans son Histoire de la Langue Française, tome VI, Première partie, 2, l’histoire des deux mots artiste et artisan qui, du XVIe au XVIIIe siècle, ont été employés l’un pour l’autre. Il explique cette concurrence par la variété des significations du nom art et les tentatives faites pour les distinguer par la création au XVIIe siècle d’Académies (de peinture, de danse, de sculpture, d’architecture) où étaient enseignés des arts que l’on a nommés beaux-arts afin de ne plus les confondre avec des métiers moins prestigieux (horlogers, marbriers, etc.). On peut objecter à cette hypothèse que la confusion entre artiste et artisan a perduré jusqu’à la fin du XVIIIe s et qu’il nous arrive d’hésiter aujourd’hui encore quand nous devons qualifier des typographes, des relieurs, des céramistes, des potiers, des joailliers, des tapissiers : artistes ou artisans ? À mon sens, la véritable rupture se produit au XIXe siècle, quand le mot art se charge de nouvelles significations qui ne sont plus liées au “faire” et que, sous l’influence du mot allemand Kunst, il prend le sens de “savoir” ou “mode de révélation des secrets du monde” (fonction que la poésie a longtemps assumée). Dès lors, le statut de l’art et le rôle que les artistes s’attribuent non seulement font évoluer le sens des mots, mais expliquent aussi des évolutions étonnantes dans l’art aux XIXe et XXe siècles.
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3

Dufrêne, Thierry, et Paul-Louis Rinuy. « La sculpture du XXe siècle, une histoire en cours. État des recherches en France ». Histoire de l'art 44, no 1 (1999) : 3–9. http://dx.doi.org/10.3406/hista.1999.2838.

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Nachtchokina, Mariya. « Метаморфозы восприятия стиля модерн в россии ». Modernités Russes 11, no 1 (2010) : 293–305. http://dx.doi.org/10.3406/modru.2010.934.

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Résumé :
Cet article se propose d’étudier les modalités de la réception de l’Art Nouveau dans l’architecture avant son apparition en Russie (1898-1901), durant les premières années du vingtième siècle et après les années 1970. L’Art Nouveau dans l’architecture avait suscité dans la société russe des attentes qui se trouvèrent très vite trompées. Dès 1901, les lignes fluides, les ondulations et les arabesques, la végétation dans le décor, les sculptures audacieuses suscitent la méfiance du public et son abandon par les architectes vers 1910. L’auteur analyse le sort ultérieur de ces oeuvres architecturales en Russie, et les raisons de leur mythologisation. Dans les années 1970-1980, l’Art Nouveau devient le style de l’époque pour devenir environ dix ans plus tard le «grand style» de la fin du XIXe et du début du XXe siècles qui mérite de droit sa place dans l’architecture de la post-Renaissance.
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Fouilloux, Étienne. « Sculpture moderne ou sculpture du 20e siècle ? » Vingtième Siècle, revue d'histoire 14, no 1 (1987) : 90–100. http://dx.doi.org/10.3406/xxs.1987.1863.

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6

Jurkovic, Miljenko. « La sculpture du XIe siècle en Dalmatie ». Bulletin de la Société Nationale des Antiquaires de France 1999, no 1 (2002) : 222–34. http://dx.doi.org/10.3406/bsnaf.2002.10385.

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7

Durliat, Marcel. « La sculpture du XIe siècle en Occident ». Bulletin Monumental 152, no 2 (1994) : 129–213. http://dx.doi.org/10.3406/bulmo.1994.3458.

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Omodeo, Christian. « Marbre et sculpture en Italie au xixe siècle ». Perspective, no 3 (30 septembre 2007) : 468–73. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.3620.

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9

Pingeot, Anne. « La sculpture du XIXe siècle. La dernière décennie ». Revue de l'Art 104, no 1 (1994) : 5–7. http://dx.doi.org/10.3406/rvart.1994.348118.

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Hardgrove, James. « Corpus de sculptures françaises du XIXe siècle ». Perspective, no 3 (30 septembre 2006) : 407–11. http://dx.doi.org/10.4000/perspective.4239.

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Weising, Christina. « Obscenitas. Les représentations sexuelles dans la sculpture des églises méridionales (XIe-XVe siècles) ». Cahiers de Fanjeaux 52, no 1 (2019) : 147–73. http://dx.doi.org/10.3406/cafan.2019.2311.

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Barbillon, Claire. « L’épique : un défi pour la sculpture du XIXe siècle ». Romantisme 172, no 2 (2016) : 46. http://dx.doi.org/10.3917/rom.172.0046.

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Noir, Dominique. « Note sur les portraits d’Agrippa d’Aubigné ». Albineana, Cahiers d'Aubigné 32, no 1 (2020) : 299–308. http://dx.doi.org/10.3406/albin.2020.1735.

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Résumé :
On ne connaissait les traits d’Agrippa d’Aubigné que par quatre portraits originaux, dont ceux de B. Sarburgh, peints entre 1622 et 1630 à Genève, ainsi que par quelques copies anciennes, auxquels il convient d’ajouter quatre gravures du XIXe siècle et trois sculptures plus récentes. Un portrait inédit d’Aubigné âgé, plus réaliste, connu des seuls hôtes du château du Crest, sa dernière résidence, est reproduit ici pour la première fois. L’article identifie et commente ces différents portraits.
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Auduc, Arlette. « Les gisants de Morionville, deux sculptures du XVe siècle ». Histoire de l'art 40, no 1 (1998) : 127–30. http://dx.doi.org/10.3406/hista.1998.2804.

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Bourhis, Claire. « Anne Autissier, La Sculpture romane en Bretagne, XIe-XIIe siècles ». Annales de Bretagne et des pays de l'Ouest, no 113-2 (30 juin 2006) : 188–93. http://dx.doi.org/10.4000/abpo.846.

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Coutant, Nicolas. « Sculpter la Normandie : statuaire et régionalisme dans la première moitié du XXe siècle ». Études Normandes 62, no 2 (2013) : 25–34. http://dx.doi.org/10.3406/etnor.2013.1894.

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Lacroix, Laurier. « Le musée de l’Institut canadien de Montréal (1852-1882), un projet inachevé ». Culture et société au XIXe siècle, no 64 (14 mars 2011) : 245–90. http://dx.doi.org/10.7202/045793ar.

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Résumé :
Instauré en 1852, le projet de musée de l’institut canadien de Montréal bénéficie de présents (moulages de sculptures) faits par les musées impériaux de France et le prince Napoléon (estampes), ainsi que de spécimens de sciences naturelles venus du Canada et de pays étrangers. Ajoutons des pièces de numismatique et des souvenirs historiques et le profil hétéroclite de cette collection se dessine. Son objectif : servir « les idées de progrès et de liberté » qui étaient au cœur de la mission de l’institut canadien. L’histoire de ce musée (1852-1882) est relatée à travers les efforts et la pensée des figures de deux de ses défenseurs les plus énergiques : Joseph-Guillaume Barthe et Gonzalve Doutre. elle est présentée comme emblématique de la pratique de la muséologie au Québec au XIXe siècle.
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Guillouët, Jean-Marie. « La sculpture du XVe siècle provenant de l'église du couvent des (Cannes à Nantes) ». Bulletin Monumental 164, no 2 (2006) : 163–77. http://dx.doi.org/10.3406/bulmo.2006.1349.

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Graburn, Nelson H. H. « De l’esthétique à la prothétique, et inversement ». Ethnologies 38, no 1-2 (20 octobre 2017) : 61–81. http://dx.doi.org/10.7202/1041587ar.

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Résumé :
Cet article examine l’ethno-esthétique complexe des sculptures commerciales des Inuit canadiens de la fin du XXe siècle. Il suggère que cette ethno-esthétique est performative dans le sens où les Inuit jugent leurs oeuvres d’art non par leur forme visuelle ultime, mais en fonction de critères de proximité instaurés par les artistes masculins locaux ayant le plus de succès, par la nature du matériau lithique disponible sur place (et les outils utilisés) et par le statut et l’aptitude de l’artiste (selon son âge, son sexe, son expérience, son état de santé). À la suite d’Alfred Gell et Marily Strathern, nous sommes d’avis que l’art a une finalité, à savoir exercer son agentivité (son influence) sur le public qui, pour les Inuit, est avant tout le groupe local des autres (artistes) Inuit. Mais ces oeuvres sont destinées à la vente, aussi doivent-elles (aussi) influencer lesqallunaat(les Blancs susceptibles de les acheter). Certains Inuit enfreignent leurs propres valeurs ethno-esthétiques pour produire des oeuvres ayant l’air « primitif », c’est-à-dire de facture grossière et de formes enfantines, ou bien soulignent la « spiritualité » (le chamanisme) ou les transformations de l’homme en animal (animisme) pour séduire le « marché blanc » en convoquant les propres fantasmes de celui-ci au sujet du primitif en voie de disparition.
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Chardonnet, Sylvain. « Les statues de lions des églises romanes, des gardiens de pierre entre espace profane et espace sacré ». Matérialiser la frontière, no 3 (14 décembre 2020) : 75–84. http://dx.doi.org/10.35562/frontieres.450.

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Résumé :
Composante commune aux sanctuaires antiques et médiévaux, les statues de lions situées aux portails peuvent avoir des fonctions diverses. Les territoires du Massif central fournissent un certain nombre d’exemples de lions à vocation funéraire qui n’ont d’abord pas de lien direct avec des structures architecturales. Ces statues apotropaïques font néanmoins dès l’Antiquité partie d’un décor sculpté dont les codes ont été repris au Moyen Âge. Les églises romanes remploient ainsi les anciennes sculptures antiques, mais copient également ces modèles, précieux rappel au passé d’un édifice qui souhaite s’inscrire dans le temps long. La région du comté de la Marche (Creuse et ses marges) fournit entre le xie et le xiiie siècle une des plus grandes densités de lions monumentaux en Europe occidentale. Fermement fixés, les lions de pierre sont à l’entrée des églises et délimitent matériellement l’espace sacré de l’ecclesia de celui du monde profane.
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Beaulieu, Étienne. « Différenciations romanesques ». Hors dossier, no 6 (10 août 2011) : 121–39. http://dx.doi.org/10.7202/1005510ar.

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Résumé :
À l’ère industrielle, le roman français du XIXe siècle se donne pour tâche de créer des liens entre les différentes époques techniques par le moyen du plurilinguisme. Dans l’oeuvre de Honoré de Balzac, et en particulier dans Le chef d’oeuvre inconnu, la technique demeure encore artisanale et a fortiori les techniques artistiques (peinture, musique, sculpture), qui sont néanmoins représentées de façon à mettre en jeu la finalité de toute technè : tenter de remédier à la mort en cherchant à fixer la vie dans des traces artistiques. Dans L’Ève future de Villiers de l’Isle-Adam, la technique se transforme en technologie (et même en technomythie) par l’invention d’une femme électrique imaginée par l’ingénieur Edison. Enfin, dans Le château des Carpathes de Jules Verne, le mythe de Pygmalion se voit réécrit selon une fantasmagorie technologique qui vise encore à conserver la vie d’une cantatrice aimée, la Stilla. Dans le passage d’une époque technique à une autre, le roman français crée ainsi une continuité imaginaire par le moyen de greffes narratives et successives qui mettent en jeu la différenciation romanesque.
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Vanderheyde, Catherine. « Deux exemples de sculpteurs locaux et itinérants en Grèce au XIe siècle ». Topoi 8, no 2 (1998) : 765–75. http://dx.doi.org/10.3406/topoi.1998.1789.

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Levillain, Johan. « Donner corps à l’Inde médiévale. Les formes féminines dans la sculpture paramāra au XIe siècle ». Bulletin de l'Ecole française d'Extrême-Orient 107, no 1 (2021) : 88–135. http://dx.doi.org/10.3406/befeo.2021.6371.

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Beaux-Laffon, Marie-Germaine. « A propos d’un buste retrouvé de Joseph-Jacques Fouque, faïence et sculpture à Toulouse au XIXe siècle ». Sèvres. Revue de la Société des amis du Musée national de la céramique 24, no 1 (2015) : 89–95. http://dx.doi.org/10.3406/sevre.2015.1082.

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Guillouët, Jean-Marie. « Une sculpture du XVe siècle et son contrat : le « Pas de l’ange » à la Trinité de Fécamp ». Bibliothèque de l'école des chartes 162, no 1 (2004) : 133–61. http://dx.doi.org/10.3406/bec.2004.463335.

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Vergnolle, Éliane. « Les plus anciens chapiteaux de la cathédrale du Puy et leur place dans la sculpture du XIe siècle ». Bulletin Monumental 143, no 3 (1985) : 283–84. http://dx.doi.org/10.3406/bulmo.1985.2735.

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Guillouët, Jean-Marie. « Un écho de la sculpture du XVe siècle à la cathédrale de Tours : les moulages des voussures disparues ». Bulletin Monumental 174, no 4 (2016) : 467–88. http://dx.doi.org/10.3406/bulmo.2016.12894.

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Bethmont-Gallerand, Sylvie. « Le motif de la boule aux rats dans la sculpture et la peinture (XVe–XVIe siècles) ». Reinardus / Yearbook of the International Reynard Society 14 (3 décembre 2001) : 39–54. http://dx.doi.org/10.1075/rein.14.04bet.

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Résumé :
Un globe somme d’une croix est attaqué de tous côtes par des rats qui le dévorent comme un beau fromage de Hollande. Ce motif de ‘a boule aux rats’ est apparu à la fin du Moyen Age, en marge du grand art religieux. Les sculptures de stalles en forment le principal réservoir mais de nombreux exemples subsistent dans les marginalia des livres pieux et sur le décor extérieur des églises du gothique tardif. Ce motif ne se livre à l’intelligence qu’à la suite d’un patient détour par chacun des éléments qui le composent. Si la source semble en être une unique expression proverbiale, ses nombreuses occurrences dans l’art doivent être étudiées en fonction de leurs contextes respectifs. Ainsi se dégagent les caractéristiques d’une imagerie modeste accompagnant les grandes expressions de la foi dans la période de la pré-Réforme; des images auxquelles est souvent attribué, faute de mieux, un caractère populaire. Pourtant les commanditaires et les lieux d’élection de ces boules aux rats les fonts plutôt participer à l’oraison savante qu’à la piétée des simples. Une oraison dirigeé vers la moralisation, qui englobe tous les aspects de la vie civile, les aléas de l’istoire contemporaine, comme les travers des contemporains clercs et paroissiens, au sein de motifs non dénués d’umour.
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Le Hô, Anne-Solenn, et Sandrine Pagès-Camagna. « La polychromie de la sculpture médiévale française, xiie-xve siècles. Bilan des examens et analyses entrepr ». Technè, no 39 (2 juillet 2014) : 34–41. http://dx.doi.org/10.4000/techne.11940.

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Chancel-Bardelot, Béatrice de. « Deux sculptures de la Passion des XVe et XVIe siècles conservées au musée du Louvre. » Bulletin de la Société Nationale des Antiquaires de France 1996, no 1 (1999) : 27–38. http://dx.doi.org/10.3406/bsnaf.1999.10061.

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Epaud, Frédéric, et Vincent Bernard. « Une charpente sculptée du XIe siècle : l'église Saint-Pierre de Neufmarché-en-Lyons (Seine-Maritime) ». Bulletin Monumental 161, no 2 (2003) : 101–15. http://dx.doi.org/10.3406/bulmo.2003.1183.

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Wautelet, Marie. « La sculpture en bronze entre art et technique : la réhabilitation de la cire perdue en Belgique au XIXe siècle ». Histoire de l'art 67, no 1 (2010) : 59–70. http://dx.doi.org/10.3406/hista.2010.3334.

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Carel, Marion, Juliette Langlois, Yannick Vandenberghe et Agnès Birot. « Cadmos combattant le dragon du sculpteur Charles Dupaty : un rare modèle préparatoire du début du xixe siècle ». Technè, no 46 (1 décembre 2018) : 57–63. http://dx.doi.org/10.4000/techne.391.

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Guillot de Suduiraut, Sophie. « Quelques réflexions sur la polychromie des sculptures en France dans la seconde moitié du xve et au xvie siècle ». Technè, no 39 (2 juillet 2014) : 98–106. http://dx.doi.org/10.4000/techne.12451.

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Chardonnet, Sylvain. « Sculpture liturgique et églises de pèlerinages de l’Est de l’Aquitaine. L’exemple des chancels de l’abbaye Saint-Géraud d’Aurillac au XIe siècle ». Hortus Artium Medievalium 27 (mai 2021) : 281–87. http://dx.doi.org/10.1484/j.ham.5.131679.

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Dupont, Christine. « La vie avant l'œuvre ? Note sur les biographies de peintres et de sculpteurs en Belgique au XIXe siècle ». Revue belge de philologie et d'histoire 83, no 4 (2005) : 1225–39. http://dx.doi.org/10.3406/rbph.2005.4971.

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Goujard, Lucie. « L'inventaire pittoresque : photographie et sculpture ornementale au XIXe siècle. D'après La Normandie monumentale et pittoresque, recueil de planches hélio-gravées, 1892-1899 ». Livraisons d'histoire de l'architecture 12, no 1 (2006) : 59–70. http://dx.doi.org/10.3406/lha.2006.1049.

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Duhem, Sophie. « « Quant li goupil happe les jélines... », ou les représentations de Renart dans la sculpture sur bois bretonne du XVe au XVIIe siècle ». Annales de Bretagne et des pays de l’Ouest 105, no 1 (1998) : 53–69. http://dx.doi.org/10.3406/abpo.1998.3972.

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Dectot, Xavier. « Le groupe de l'Annonciation de Bois-Héroult (Eure), une sculpture normande du XVe siècle récemment acquise par le Musée national du Moyen Âge ». Bulletin de la Société Nationale des Antiquaires de France 2006, no 1 (2012) : 25–27. http://dx.doi.org/10.3406/bsnaf.2012.10977.

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Dotal, Christiane. « Paris-Rome-Madrid : l’influence de l’art français et romain sur les sculpteurs espagnols dans la première moitié du xixe siècle ». Mélanges de la Casa de Velázquez, no 36-2 (15 novembre 2006) : 255–79. http://dx.doi.org/10.4000/mcv.2497.

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Maguire, Henry. « Catherine Vanderheyde, La Sculpture byzantine du IXe au XVe siècle : contexte – mise en oeuvre – décors. Paris : Éditions A. & ; J. Picard, 2020. Pp. 364, 193 figs. » Byzantine and Modern Greek Studies 45, no 2 (2 juillet 2021) : 276–79. http://dx.doi.org/10.1017/byz.2021.16.

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Dufrêne, Thierry. « Quelle histoire de la sculpture au XXe siècle ? » Critique d’art, no 21 (1 avril 2003). http://dx.doi.org/10.4000/critiquedart.1909.

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Gheysens, Aline. « Archéologie d’un jardin de sculptures du xxe siècle ». Projets de paysage, no 5 (12 janvier 2011). http://dx.doi.org/10.4000/paysage.22124.

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Chardonnet, Sylvain. « La sculpture romane de l’abbaye Saint-Géraud d’Aurillac (xie-début xiiie siècle) ». Bulletin du Centre d’études médiévales d’Auxerre, no 23.2 (27 décembre 2019). http://dx.doi.org/10.4000/cem.17001.

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Vallet, Alessandra. « L’imitation des tissus précieux sur quelques sculptures valdôtaines, entre XVe et XVIe siècle ». CeROArt, HS (5 mars 2021). http://dx.doi.org/10.4000/ceroart.6967.

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Vottero, Michaël. « Peintures et sculptures du xixe siècle en Bourgogne, découverte et protection d’un patrimoine méconnu ». In Situ, no 44 (29 avril 2021). http://dx.doi.org/10.4000/insitu.31895.

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Mallet, Géraldine. « De l’usage des marbres en Roussillon entre le XIe et le XIVe siècle : la sculpture monumentale ». Patrimoines du Sud, no 4 (1 août 2016). http://dx.doi.org/10.4000/pds.1029.

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Arzel Nadal, Laurence. « Pascale Bokey, Avec César : chronique d'une rencontre exceptionnelle avec l'un des plus grands sculpteurs du XXe siècle ». Critique d’art, 14 juin 2022. http://dx.doi.org/10.4000/critiquedart.91915.

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Klapisch-Zuber, Christiane. « Disciples, fils, travailleurs. Les apprentis peintres et sculpteurs italiens au XVe et XVIe siècle ». Mélanges de l'École française de Rome. Italie et Méditerranée, no 128-1 (19 janvier 2016). http://dx.doi.org/10.4000/mefrim.2469.

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Enders, Armelle. « LE MONUMENT AUX BANDEIRAS : UNE REPRÉSENTATION ENCOMBRANTE DU GÉNIE NATIONAL (DU CENTENAIRE AU BICENTENAIRE DE L’INDÉPENDANCE) ». Almanack, no 29 (2021). http://dx.doi.org/10.1590/2236-463329ed00321.

Texte intégral
Résumé :
Résumé Le monument aux expéditions (bandeiras), « carte postale » de la ville de São Paulo, est une des rares représentations de la nation brésilienne sur une place publique. S’il a été longtemps un motif de fierté en tant qu’œuvre d’art due au sculpteur moderniste Victor Brecheret et aussi en raison de sa signification, le monument, comme les bandeiras et les bandeirantes auxquels il rend hommage, fait actuellement l’objet de contestations virulentes. Des protestataires dénoncent la glorification de leurs exactions et de leurs crimes principalement perpétrés contre les indigènes, à travers l’héroïsation des paulistas de la période coloniale. Cet article revient sur le message politique du monument et sur l’idéologie du bandeirismo, formulée au XXe siècle par l’aile droitière du modernisme pauliste et qui imprègne l’œuvre de Brecheret. Selon cette interprétation du Brésil, développée en particulier par Cassiano Ricardo, la «bandeira» est érigée à la fois en creuset de la société brésilienne et en essence du génie national. Elle remplace même l’Indépendance de 1822 comme moment fondateur du Brésil et offre un programme pour l’avenir : l’achèvement de la colonisation du territoire. Le bandeirismo échoue cependant à s’imposer comme récit dominant de l’histoire du Brésil et reste identifié au régionalisme pauliste. Paradoxalement, le fait que le monument aux expéditions soit devenu la cible des colères antiracistes et décoloniales lui redonne une portée beaucoup plus générale. La déconstruction du bandeirismo et son rejet en l’espace de deux décennies témoigne du caractère périssable et embarrassant de certaines propositions identitaires.
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